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La caja de musica Number 0998
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #998 septiembre 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* The Rime Of The Ancient Mariner - Chapter One" (2012)
* Citizen Cain: "Skies Darken" (2012)
* Entrevista con Alejandro Ochoa (Rafaela, Argentina).
* La Cria nuevo grupo argentino con álbum disponible
* YOU SLUT! - "Medium Bastard" (2012)
* MANY ARMS - "Many Arms"(2012)
* ASFALTO - Más Que Una Intención + Chronophobia
* MAGMA - "Félicité Thösz" (2012)
* THE SATELLITE - Epílogo/Caos
* LIGRO - "Dictionary 2"
* SH.TG.N - SH.TG.N (2012)
* AARON NOVIK - "Secret Of Secrets" (2012)
* sobre Romantic Warriors 2
* SLIVOVITZ - "Bani Ahead" (2011)
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: The Rime Of The Ancient Mariner - Chapter One" (2012)
HOSTSONATEN : "The Rime Of The Ancient Mariner - Chapter One"
Discografica: AMS/VM2000 2012
Temas:
1. Prologue
2. Part I
3. Part II
4. Part III
5. Part IV
Musicos:
- Fabio Zuffanti / Bass Guitar, Moog Taurus Bass Pedals
- Luca Scherani / Mellotron, Mini-Moog & Korg Sigma synthesizers, Hammond
organ, Grand Piano, Fender Rhodes & Wurlitzer Electric Pianos, Accordion,
Mandolin
- Maurizio Di Tollo / Drums
- Matteo Nahum: Lead Guitar, Acoustic & Classical Guitar
- Silvia Trabucco / Violin
- Joanne Roan / Flute
- Edmondo Romano / Bagpipe, Soprano Sax, Percussion, Bodhran, Recorders
Invitados:
- Alessandro Corvaglia / Lead Vocals on Parts I & IV
- Carlo Carnevali / Recitatons and Vocals on Part I
- Davide Merletto / Lead Vocals on Part II
- Marco Dogliotti / Lead Vocals on Part III
- Simona Angilioni / Lead Vocals on Part IV
?Otra vez Höstsonaten? ?Pero no habian sacado hace poco un disco que
cerraba una obra dedicada a ñas cuatro estaciones?
Pues si son los mismos Höstsonaten, pero esta vez dejan de lado su lado mas
pastoral y nos ofrecen en esta primera parte, un rock progresivo clásico
con reminiscencias a La Maschera Di Cera, recurso fácil por mi parte dado
que se de antemano que mas de un miembro de la banda, también liderada por
Fabio Zuffanti interviene en el disco.
Un trabajo gestado desde 1995, ya desarrollada por Fabio Zuffanti a partir
del poema de Samuel Taylor Coleridge en el album homonimo HÖSTSONATEN
(1996) y en el de MIRRROGAMES (1998).
Destacar la variedad de cantantes Alessandro Corvaglia en Part I y voz
adicional en Part IV, Carlo Carnevali de R.u.g.h.e. (recitaciones y voz en
Part I), Davide Merletto Daedalus (voz solista en Part II), Marco Dogliotti
que canta en una banda cover de Deep Purple (voz solista en Part III) y
Simona Angilioni que ya canto en ARIES (voz solista en Part IV).
Los dos primeros temas "Prologue" y "Part I", el primero muy sinfo
pastoral, con la intervención de la flauta y un toque Hard diferente a los
trabajos anteriores de Höstsonaten y el segundo una balada cantada en
ingles cambiante y marchosa, con interludio de piano, pasajes misteriosos
tenebrosos y sentimental.
Part II con efectos de sonido de mar, se nos ofrece en formato acustico,
balada que poco a poco va cogiendo un tono Hard, solo de saxo y mellotron.
Part III un tema sinfo clásico roto también con toques Hard como si de una
opera rock se tratara y por ultimo la celta Part IV, cantada por Simona
Angilioni, sentimental, violín, guitarras a lo Ritchie Blackmoore, flauta
medieval, folk, cambios rítmicos, interludio piano y final epico tipico de
LMDC.
Si te gusta Höstsonaten en la vertiente pastoral sinfónica no te lo
recomiendo, Summereve del año pasado me pareció magnifico.... si te gusta
el rock prog clásico mezclado con música celta y Hard rock, este es tu
disco... yo personalmente, ahora mismo no me importaría escucharlo de nuevo
otra vez.. (en serio) (y esto dice mucho de este disco).. pero me verías
que lo hago sin mucho entusiasmo... (el cual no hay que extrapolarlo a la
calidad del disco) ... depende de las ganas, circunstancias, animo, etc..
eso si prefiero estos inventos hacerlos con gaseosa ;-)))
Salu2 sobresaturadoshostsonatianos
(c) Juan 2012
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Citizen Cain: "Skies Darken" (2012)
Citizen Cain: "Skies Darken" (2012)
Temas:
1. The Charnal House (4:56)
2. The Long Sleep (12:25)
3. Darkest Sleep / Manifestations (7:09)
4. Spiders In Undergrowth (3:05)
5. The Hunting Of Johnny Eue / Trapped By Candlelight (11:59)
6. Coming Down / The Fountains Of Sand / Delivered Up For Tea / Death And
Rebirth (14:53)
7. Do We Walk In The World? (5:10)
8. Lost In Lonely Ghosts (13:43)
Total Time 73:23
Banda:
- Stewart Bell / Keyboards & Drums
- Cyrus / Bass & Vocals
- Phil Allen / Guitar & Backing Vocals
La banda escocesa de Citizen Cain liderada por el cantante y a su vez
bajista Cyrus, tras 10 años de recogimiento nos sorprenden en este 2012 con
un nuevo trabajo titulado Skies Darken donde nos siguen ofreciendo su
versión personal de lo que se califico en los 80's de forma despectiva como
Neo Prog.
Esta, su versión, se basa esencialmente en un rock sinfónico complejo en
sus estructuras y composición y oscuro y misterioso en su tono, diría yo
que a los mas enrevesados Genesis.
Sin embargo en esta ocasión añaden dos elementos, no me atrevería a decir
nuevos en la banda, pero si determinantes para entender esta obra, por un
lado la vertiente metal progresiva y por otra la orquestada o épica en
forma de BSO.
Curiosamente también he percibido cierto parecido razonable, poco por eso,
en la banda clásica Gentle Giant, especialmente en el segundo tema "The
Long Sleep", como curioso también me resulta el uso de Coro Synergy Vocals
y un vozarrón a lo Mike Portnoy en el quinto tema "The Hunting Of Johnny
Eue..."
De este modo los 8 temas que componen este disco resultan homogéneos,
siendo dificil destacar alguno en especial, yo me atrevería a decir que
hasta el sexto tema, por cierto una minisuite de casi 15 minutos, la
sucesión de temas es mas que interesante, consigue que no pierda ni un
apéndice de interés .
Otro dato a destacar, que quizás en otras ocasiones he lamentado, pero en
esta no lo puedo hacer, es el espacio para los interludios y los pasajes
digamosle semibaladas, que dan ese merecido reposo entre las secciones en
ocasiones difíciles de digerir y en algún momento interminables como
sucedía en trabajos anteriores. En este aspecto es de agradecer también la
presencia de instrumentos como el violonchelo y el mellotron tan presente
en la minisuite "Coming Down / The Fountains..."
Los que no hemos olvidado al Neo Prog, podemos agradecer a George Scott
"Cyrus" su vuelta a la escena progresiva.
Salu2 retrovadosneoprogresivos
(c) Juan 2012
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Autor: Eduardo Norris <laleynorris@yahoo.com.ar>
Asunto: Entrevista con Alejandro Ochoa (Rafaela, Argentina).
Entrevista con Alejandro Ochoa (Rafaela, Santa Fe, Argentina), agosto 2012
En cuestiones que van mas alla de una simple entrevista, la siguiente fue
una amena charla en donde Alejandro hablo generosamente sobre su entusiasmo
por la musica, pasando por sus gustos y anhelos, ademas de dar algunos
detalles de su primer trabajo solista, "Deus Piano" (Leer comentario
aparte).
LCDM: Alejandro, que te motivo dedicarte recien ahora que sos mayor -49
anos- a la musica?
AO: Simplemente porque tenia el piano de mi vieja en casa, de ahi el origen.
No se si me hubiese motivado tener otro instrumento, de haber sucedido, como
con la guitarra -que me encanta- o la flauta. Pero tener el piano me impulso
a esto. No creo que hubiese podido hacer esta musica sabiendo tocar
guitarra, por ejemplo. No hubiera llegado. Para alguien que solo sabe
apreciar de musica como en mi caso, el piano es un buen punto de partida.
LCDM: A quien mencionarias como influencias?
AO: Paul Schwartz, Oystein Sevag, Queen, Alan Parsons, Genesis, Pink Floyd,
Jean Michel Jarre, Vangelis, Mike Oldfield...
LCDM: Como fue el concepto de "Deus Piano"? Como comenzo la elaboracion de
este proyecto?
AO: Tengo que aclarar que no estudie ni estudio ningun instrumento, porque
lamentablemente no me dan los tiempos. Tal vez si hoy tuviese 7 anos me
engancharia a estudiar Teoria y Solfeo, pero en este momento... no. Por
ende, no soy de copiar o de escribir sobre partitura, aplico solo el oido
para sacar y tocar notas. Esto es un poco contraproducente viniendo de una
madre que es concertista de piano, de quien tome el amor por la musica. Es
mas, sufri cuando ella abandono con el tiempo el piano, despues de haberla
visto tocar. "Llevate el piano a Rafaela", me dijo (Nota: la mama de
Alejandro vive en la localidad de Tancacha, Cordoba). !Imaginate! Si me
hubiese dicho que se trataba de una maleta, no habia drama, pero un piano...
Bueno, cuando tuve el instrumento en casa comence a improvisar, 'clink,
clink', hasta que en un momento comenzaron a salir acordes que me gustaron.
Todos los dias tocaba un rato, hasta que llego un momento en que empece a
pegar pedazos y armar temas, como cuatro o cinco canciones. Hoy mis
articulaciones y mi oido estan mas blandos, mas afianzados. Asi fue que me
anime a ir al estudio de la Escuela de Musica Blue Note (Rafaela) y hable y
dije: "Quiero grabar esto". Imaginate las caras de Diego y Juan Ignacio
(Nota: Valsagna y Fenoglio, respectivamente; los principales arregladores de
"Deus Piano"). De esos temas que lleve quedaron dos y, mientras se hizo la
grabacion que duro desde marzo o abril hasta octubre del 2010, fueron
surgiendo otros que son los que componen el disco. Y, en la medida de mis
posibilidades, les iba sugiriendo a ellos cosas como: "A este tema me
gustaria agregarle violin, violonchelo, guitarra, clarinete...". Entonces
ellos hacian los arreglos necesarios y asi, todas las semanas, ibamos
armando todo. Despues se completo la etapa de edicion y mezcla.
LCDM: Como es tu metodo de composicion ahora?
AO: En esas mismas condiciones sigo componiendo hoy. Tengo cinco o seis
temas nuevos, un par de ellos los termine de arreglar hace unos dias.
Consegui software para grabar, uno parecido a Pro Tools visualmente, pero es
mas simple. Te permite mezclar, ecualizar, agregar instrumentos, pegar
pistas... Es como un Photoshop de la musica.
LCDM: Te acostumbraste a eso, a grabar con un software en tu casa en vez de
estar en un estudio?
AO: Bueno, eso es algo que una vez lei de los Radiohead. Ellos comentaban
que era conflictivo avanzar con todo el software disponible y reproducir
esos sonidos en vivo. De todas formas, no tengo intencion por ahora de dar
recitales. Lo que si desearia es que en algun momento alguien pueda tocar mi
musica. Esa es mi ambicion: algo que se pueda tocar en alguna escuela de
musica, ya que mis composiciones no son complicadas.
LCDM: El tema "Deus Piano (Viaje sin retorno)" puede tomarse como una
pequena obra conceptual?
AO: En realidad lleva ese nombre porque no tiene estribillo. Al escuchar
"Deus Piano" vas a notar que el tema nunca vuelve, como si no tuviese
introduccion ni final. Avanza, de ahi que le puse "Viaje sin retorno". Es
como pasa con la musica japonesa, por ejemplo, o la musica arabe. Tambien
puede ser dificil de oir... Es un desafio para el oyente y el musico.
LCDM: Por que "Deus Piano", por que ese nombre?
AO: Surgio de un debate familiar, primeramente. Yo quise que el titulo
tuviese algo que ver con la palabra piano. Uno de mis hijos, Nicolas,
surigiro "Dios Piano", y en un principio sonaba como algo muy pretencioso.
La palabra dios adelante parecia demasiado si lo poniamos asi en castellano,
entonces dejamos el titulo como aparece en el disco.
LCDM: Cuanto tiempo llevo la grabacion?
AO: Casi nueve meses. Practicamente un tema por mes. Imaginate que manejar
este programa Pro Tools te lleva un monton de tiempo para grabar un minuto
de una cancion y realizar los diferentes arreglos. Al menos para mi no es
muy sencillo. Ahora me siento mas a gusto para arreglar, pero digamos que
"Deus Piano" fue un trabajo osado, si se quiere. Para darte una idea, yo no
tocaba las teclas negras, por ej., hasta que vi un video de Radiohead
llamado "Last flowers", que me parecio impresionante. El ver al tecladista
usar esas teclas negras me cambio la perspectiva.
LCDM: Por ultimo, y esto siempre me gusta preguntarle a los musicos: si
queres darle un consejo a alguien que quiere iniciarse en la musica, que le
dirias?
AO: Que haga lo que le gusta y no lo que se escucha o lo que le digan que
tiene que hacer. Todo depende de lo que puedas y quieras vivir, tambien. Si
Vangelis hubiese hecho "Deus Piano", por ejemplo, cualquiera lo hubiera
pasado por radio y haria muy buenas criticas, obviamente, cosa que conmigo
no pasa. He encontrado gente que son grandes musicos y que hacen cosas que
posiblemente no les gusta. Los musicos del grupo cuartetero Chebere son
ejecutantes de jazz tremendos, que han ido a estudiar a Estados Unidos y,
sin embargo, a la hora de comer tienen que buscar de hacer otra cosa. Eso es
muy duro.
LCDM: Hermeto Pascoal, de quien Miles Davis reconocio como una de sus
influencias, dijo una vez: "Prefiero comer el pan sin manteca y tocar la
musica que a mi me gusta y no al reves".
AO: Claro, si lo puede hacer, adelante. Hace poco vi un documental sobre los
pintores impresionistas, cuyas vidas fueron muy dificiles en su epoca. Hoy
en dia no encontras un cuadro de ellos que no este valuado en un millon de
dolares.
LCDM: Aquel que quiera escuchar este disco, como se hace de este material?
AO: Se puede escuchar en www.myspace.com/deuspiano, donde hay temas
completos, y tambien hay extractos en youtube donde facilmente se puede
escuchar. Ademas, pueden ponerse en contacto al correo
deuspiano@hotmail.com.ar
Eduardo Norris
Rafaela, Santa Fe, Argentina
Agosto 2012
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Autor: "German" <germanl@mail.com>
Asunto: La Cria nuevo grupo argentino con álbum disponible
LA CRIA: "TAIGA" (2012)
Hola cajeros, luego de bastante tiempo de no escribir, les queria dejar un
trabajo discografico que me parece de gran calidad y esta fuera de todo
circuito comercial, el mismo se grabo porque el grupo en cuestion (La Cria)
gano un concurso de bandas en su ciudad natal (Bahia Blanca, Argentina) por
lo tanto el disco no tiene animo de lucro y los musicos nos lo ofrecen
gratuitamente, como modo de difusion.
Como descripcion de la banda, les dejo las palabras de mi amigo Guergui en
su espacio "OrfeoProf" aqui:
http://orfeoprog.blogspot.com.ar/2012/07/la-cria-taiga-2011.html
Al final del texto dejo los links de descarga (en MP3 y en Flac) para que lo
puedan escuchar los que quieran hacerlo.
"La Cria" es un grupo de Rock Instrumental de Bahia Blanca (Argentina)
conformado por amigos, algunos de ellos se conocen desde la adolescencia.
Comienzan a tocar juntos en el ano 2.000 manteniendo siempre la misma
alineacion. "Taiga" es su primer album, un trabajo muy creativo y de gran
calidad que me tiene totalmente impresionado. Un discazo que fue grabado
gracias a que los musicos ganaron un concurso en su ciudad natal.
Es un discazo completito, tiene de todo: sus partes power, cortes y cambios
de ritmo, climas, melodias, justeza, prolijidad, algo de virtuosismo,
instrumentos no convencionales, y esas canciones medio de las estepas rusas
que le dan un aire originalisimo al album. Excelente trabajo se mandaron...
Agregaria algo mas que creo que es lo que define al disco: es un album muy
fino, muy delicado aun en sus partes mas fuertes, donde rebalsa buen gusto
por todos lados. Yo no dejo de escucharlo desde que tuve el disco. En la
composicion del album gobiernan los cambios de clima, los cambios ritmicos y
diversos recursos armonicos y contrapuntisticos propios del estilo,
combinados con la resultante de una experimentacion ritmica y timbrica. Con
gran variedad de climas sonoros, al parecer el concepto del disco sirve como
punto de lanzamiento de una serie de criticas sociales y ecologicas.
Exploran universos utilizando instrumentos de distintos origenes... mientras
el sonido y atmosferas de las estepas rusas inunda el album y le da unidad.
Al disco lo sostienen cuatro temas llamados "Reminiscencias" cuya idea
musical surge de la modificacion de materiales sonoros presentes en la idea
principal, estos temas son aquellos mas largos y definidos en su estilo, mas
un par mas de temas largos, mientras que cuatro de los temas son cortos...
siendo tres de ellos muy cortos (alrededor de un minuto) y sirven de
interludio o nexo entre un clima (tema) y otro. El disco (digamos, la obra
completa) cierra con uno de estos temas principales que reafirma el concepto
de entrecruzamiento y de ideas "espejadas" que se hace presente a lo largo
de todo el disco: el quiasma (entrecruzamiento entre una pareja de
estructuras organicas, por ejemplo en el quiasma optico se entrecruzan los
dos nervios opticos que van al cerebro). Aqui se expresan en colores
opuestos, dualidades yuxtapuestas, imagenes enfrentadas, cantos-guerras,
lobo-hombre, vida- muerte, construccion-destruccion. Las influencias
musicales de la banda gira en torno a Pink Floyd, King Crimson llegando a
los grupos mas sinfonicos (ELP o Genesis) hasta las vertientes mas actuales
encabezadas por Dream Theater o Radiohead. Y eso se expresa en el album,
que parece una combinacion del estilo de cada banda: rock progresivo
instrumental con atmosferas, climas y cierto grado de sinfonismo, con un
sonido moderno y algunos toques de post-rock.
Los Temas:
1. Mosaicos en Contacto (10:18)
2. Tratado del Lobo Estepario (9:49)
3. Reminiscencia I (1:04)
4. Hueicha (14:15)
5. Reminiscencia II (0:51)
6. Tunguska (8:49)
7. Reminiscencia III (1:30)
8. Caleidoscopio (10:38)
9. Santa Rusia (12:37)
10. Reminiscencia IV (3:42)
La Banda:
- Pepi Amodeo / Guitarras, Mohocenos, Teclados, Programacion
- Fede Iguera / Guitarras, Sintes, Berimbau, Teclados, Programacion
- Fa Inglese / Bajo, Violoncello
- Fede Maidana / Bateria, Percusion
Les dejo con la sinopsis del disco escrito por los propios autores:
Les dejo con la sinopsis del disco escrito por los propios autores:
Taiga: El concepto de Taiga esta centrado en los frios bosques del
hemisferio norte, donde la nieve cubre permanentemente la superficie
terrestre. Paisajes vastos que despiertan una intrigante sensacion de
soledad y quietud. Este fue el escenario de uno de los sucesos naturales mas
catastroficos y enigmaticos del siglo XX, el "evento de Tunguska". Una gran
bola de fuego cayo de los cielos produciendo una inmensa explosion que
destruyo grandes extensiones de bosque sin dejar el menor rastro acerca de
su origen.
Mosaicos en contacto: Es una serie de imagenes musicales que se vinculan y
desvinculan permanentemente dando lugar a un mosaico musical.
Tratado del lobo estepario: Vinculado a una de las obras maestras del
expresionismo en la literatura: "El Lobo Estepario" de Hermann Hesse (1955).
Su personaje es un hombre solitario, salvaje, apasionado, al borde de la
locura, que deambula por las zonas oscuras de una ciudad, buscando
ansiosamente un lugar que le de amparo, pero incapaz de permanecer en alguna
morada duradera.
Hueicha: Hueicha centra su mirada en una historia mas cercana: la del pueblo
Mapuche. Cantos que tratan sobre el trabajo de la trilla que se ejecuta en
verano cuando, en pareja, se danza sobre el trigo o legumbre para separar el
grano de la paja. La musica de Hueicha reclama por el reconocimiento a la
preexistencia etnica y cultural de los pueblos orginarios argentinos.
Tunguska: "A primera hora de la manana todo el mundo dormia en la tienda
cuando esta volo por los aires, junto con sus ocupantes. Al caer de nuevo a
tierra, la familia entera sufrio ligeras magulladuras, pero Akulina e Ivan
quedaron realmente inconscientes. Cuando recobraron el conocimiento oyeron
muchisimo ruido y vieron a su alrededor el bosque ardiendo y en gran parte
devastado." (Cosmos. 1980. Carl Sagan).
Caleidoscopio: Continuando con la idea que plantea el primer tema del disco,
Caleidoscopio profundiza en el arte de crear imagenes a traves de la musica.
Los colores hechos sonidos.
Santa Rusia: Esta musica resume en cuatro actos, la historia del pais con
mayores extensiones de bosques de taiga del planeta.
A su vez el disco contiene cuatro figuras llamadas "reminiscencias" cuyas
ideas musicales surgen como modificaciones de materiales sonoros presentes
en algunos de los temas principales. La obra completa cierra con una de
ellas que reafirma un concepto de entrecruzamiento y de ideas espejadas que
se hace presente a lo largo de todo el disco: el quiasma. Colores opuestos,
imagenes enfrentadas, cantos-guerras, lobo-hombre, vida-muerte,
construccion-destruccion.
Que discazo espectacular, me encanto !!! Me quede totalmente impresionado
por la musica de estos chicos de Bahia Blanca, cuna de excelentes bandas y
alta cultura musical. Gracias muchachos de "La Cria" por hacer esta
maravilla !!! ... y sigan adelante creando tan excelentes composiciones.
... que discazo que lo pario !!! disculpen.
En el myspace y band profile pueden escuchar algunos cortes que forman parte
de la obra integral que es "Taiga",
www.myspace.com/lacriarock
http://www.reverbnation.com/lacriarock
lacria@mail.com
https://www.facebook.com/lacria.rockinstrumental?ref=ts
Y aca van los links de descarga, en dos versiones, una lossy (MP3) y otra en
lossless (Flac). Y como dije, esto no es pirateria, los musicos nos
comparten su musica:
Mp3 - 320kbps: http://www.turbobit.net/frqijd9mrwye.html
Lossless (Flac + CUE + Log):
http://www.putlocker.com/file/EF4DECA6DCC97D8C
http://www.putlocker.com/file/C8C3E63D05071C25
http://www.putlocker.com/file/27CB03155E52D6DB
Bueno, espero que el disco les guste tanto como a mi.
Saludos
moe
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: YOU SLUT! - "Medium Bastard" (2012)
YOU SLUT!: "Medium Bastard" (2012)
Temas
1. Pitch & Putt With You Slut! (1:31)
2. Fifzteen (3:03)
3. Elton Chong (2:03)
4. Let"s Do "Do The What Now" Now (1:55)
5. Magnifiererer (3:48)
6. Plural Sex (2:51)
7. Shellshock (2:20)
8. Shopping Placenta (2:08)
9. Hiya Higher Hire (2:10)
10. More Than One Seamless (3:42)
Integrantes
- Rhyll Styzer: guitarra
- Vanilla Christ: guitarra
- Marc Zwei: bajo
- Sato D"Angelo: batería
You Slut! es el peculiar y muy políticamente incorrecto nombre de un cuarteto
instrumental británico dedicado a esto del math-rock: formado en 2004, hasta
ahora cuenta con un EP y dos discos (de no muy larga duración) en su haber,
siendo el más reciente "Medium Bastard", editado en el pasado mes de julio. Su
propuesta sonora está cercana a la de sus vecinos irlandeses de And So I Watch
You From Afar, y en menor medida a Giraffes? Giraffes!: esto es, un esquema
sonoro robusto que maneja su inherente complejidad con total desparpajo. En el
caso específico de "Medium Bastard", cabe añadir justamente que el grupo
desarrolla un muy pulido aire de sofisticación que revitaliza el estilo
plasmado en su dos ítems precedentes. Pasamos ahora a los detalles.
El breve tema "Pitch & Putt With You Slut!" da inicio al disco con aires de
ágil y delirante frenesí no exento de vibraciones lúdicas, abriendo así la vía
para que "Fifzteen" se explaye a través de un aura más sofisticada,
incorporando elementos jazz-rockeros en algunas intervenciones de la dupla
rítmica y ciertos coqueteos con el post-rock en otros pasajes. Así las cosas,
"Elton Chong" se impulsa hacia niveles más elevados de complejidad estructural,
elaborando un vigor rockero cuya arquitectura se alimenta simultáneamente por
un fuego neurótico y por una lógica deconstructiva. "Let"s Do "Do The What Now"
Now" recibe el impacto de la fiereza de la pieza anterior y de la dinámica
peculiar de "Fizteen", creando una interesante síntesis inteligentemente
comprimida en un espacio de menos de 2 minutos. "Magnifiererer" magnifica el
aspecto más rotundamente frenético de la banda, retomando en buena parte el
vendaval impetuoso exhibido en el primer tema pero redondeando la faena con una
expansión más meticulosa del ideario del grupo, mientras que a modo de
contraste, "Plural Sex" exhibe una ingeniería de fuerza dosificada y
muscularidad contenida. "Shellshock" y "Shopping Placenta" retoman gustosamente
la expresividad electrizante habitual, aquél con una visceralidad magnética,
éste con un aura de sofisticación más trabajada. Con "Hiya Higher Hire" y
"More Than One Seamless", el grupo recapitula la vitalidad sofisticada que
anteriormente había sido manejada y reforzada en "Fifzteen" y "Let"s Do "Do The
What Now" Now".
Durando poco más de 25 minutos, "Medium Bastard" constituye una poderosa
muestra de la vitalidad recurrente del math-rock como área de serias
exploraciones experimentales dentro de las potencialidades más explícitamente
expresivas del discurso del rock: You Slut! es una banda en la que vale la pena
investigar, y nada mejor que su reciente disco para ponerse a hacerlo.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MANY ARMS - "Many Arms"(2012)
MANY ARMS: "Many Arms"(2012)
Temas
1. Beyond Territories (15:51)
2. In Dealing With The Laws Of Physics On Planet Earth (16:26)
3. Rising Artifacts In A Five-Point Field (13:00)
Integrantes
- Johnny DeBlase: bajo
- Ricardo Lagomasino: batería
- Nick Millevoi: guitarras
Many Arms es uno de los más fieros power-tríos que han emergido en los últimos
años en la vanguardia rockera estadounidense=85 y se puede decir también del
mundo entero. Formado en 2007 en Filadelfia, el centro neurálgico de la
creatividad musical de Many Arms consiste en una intensamente neurótica
amalgama de psicodelia free-form, Crimsonismo, free-jazz, noise, jazz-rock y
math-rock dentro de una armazón avant-progresiva tan robusta como
incandescente. Tras dos discos de larga duración ("Palabras Malas" y "Missing
Time") y un EP ("Ocean Of Snakes"), Many Arms vuelve a plasmar un registro
fonográfico para este año 2012 con el nombre de la banda. "Many Arms" es un
catálogo de tres largos viajes genialmente espeluznantes trazados y recorridos
según reglas que traviesa y mórbidamente desafían las reglas de la música
misma: vayamos ahora a los detalles.
Durando casi 16 minutos, "Beyond Territories" abre el disco como un incendio
sonoro que arrasa con todas las convenciones de la estructura musical en aras
de celebrar el caos y la perturbación: áreas sónicas se van armando y
entrecruzando con pulso firme y radical liberalidad, conjugándose en la
manifestación de una fuerza surrealista donde todo es aventura, un despliegue
de inteligencias egocéntricas que se buscan y desencuentran continuamente. La
ilación de motivos cacofónicos con otros aleatoriamente expansivos está
fabulosamente armada a través de la imparable ráfaga de racionalidad posmoderna
que el trío refleja en su propuesta. A continuación sigue "In Dealing With The
Laws Of Physics On Planet Earth", pieza que dura casi 16 minutos y medio nos
confronta ante un escenario muy distinto, minimalista y solipsista, basado en
el manejo delicado de lentas escalas de guitarra cuya sobriedad externa no
oculta la latente densidad emocional que subyace a la armazón sonora que el
trío elabora con lúcido sigilo. Tratándose de una composición del baterista,
resulta curioso que se trata de una composición mayormente focalizada en
atmósferas y no en el ritmo o la simple y llana demostración de vigor rockero,
pero eso no quiere decir que no haya una buena dosis de polenta en esta pieza.
De hecho, poco antes de llegar a la barrera del décimo minuto y medio, el grupo
elabora un crescendo monocorde que se deriva a un epílogo robusto y cadencioso
cuya vibración opresiva bebe intensamente del estándar Crimsoniano. Los últimos
13 minutos del álbum están ocupados por "Rising Artifacts In A Five-Point
Field", un alucinado vuelo musical donde el grupo enfatiza la inescrutable
expansión expresiva de sus preocupaciones más caóticas. La inserción de un solo
de batería ayuda a canalizar el inconmensurable dinamismo incandescente que
transcurre en un feroz continuum, un momento de focalización de la energía
antes de volver a la lógica de búsquedas y desencuentros mutuos entre los tres
músicos dentro de una aventura común: en el caso específico de la última
sección de esta pieza, el trío se divide entre una bien armonizada dupla de
guitarra-bajo y una batería que sigue proyectándose en las vías abiertas por el
solo precedente.
Este disco es brutal, portador de una genialidad alucinada que se alimenta
tanto de las brumosas llamas del infierno como de las electrizantes fuentes de
energía del subconsciente, una peligrosa invitación a explorar esa temeraria
luz que ostenta su tanático esplendor más allá de la razón: Many Arms utiliza
magistralmente las artes de hacer música vanguardista para desarrollar un
lúcido retrato sonoro de la demencia cósmica.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ASFALTO - Más Que Una Intención + Chronophobia
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Por motivo del 30mo aniversario de su disco "Más Que Una Intención", el grupo
ASFALTO verá próximamente revitalizado parte de su legado con una iniciativa
conjunta de los sellos Musea y Azafrán Media: un doble CD con los discos "Más
Que Una Intención" (1983) y "Cronophobia" (1984) - cada uno de ellos
remasterizado y con un bonus track - y un DVD que recige un concierto completo
tocado en 1985.
Auqnue aún no se ha oficializado una fecha precisa, se espera que se concretice
para finas de setiembre próximo. Distribución mundial a cargo de Azafrán Media
(AP12-11); distribución europea a cargo de Musea (FGBG 4904).
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MAGMA - "Félicité Thösz" (2012)
MAGMA: "Félicité Thösz" (2012)
Temas
1. Félicité Thösz [ CBkmah - 2:39 ; CBlss - 1:11 ; Dzoï - 2:27 ; Nms - 1:51
; Teha - 5:15 ; Waahrz - 4:03 ; Dhl - 1:19 ; Tsaï! - 3:41 ; Öhst - 4:53 ;
Zahrr - 0:49] (28:06)
2. Les Hommes Sont Venus (4:18)
Integrantes
- Christian Vander: batería, voz, glockenspiel, piano, teclado
- Stella Vander: voz, pandereta
- Isabelle Feuillebois: voz, campanas
- Hervé Aknin: voz
- Benoït Alziary: vibráfono
- James MacGaw: guitarra
- Bruno Ruder: piano, teclado
- Philippe Bussonet: bajo
Colaboradores en 2 - Sandrine Destefanis, Marcus Linon y Sylvie Fisichella
(voces)
Magma es un nombre que se impone por sí solo con cada disco nuevo que saca al
mercado, y este año 2012 es el momento de "Félicité Thösz", obra que sucede a "
CBmehntehtt-Ré" (de 2009). Si este penúltimo disco era una especie de
culminación de la leyenda kobaïana en sus aspectos más típicamente tensos y
oscurantistas, el rol de "Félicité Thösz" es el de reconstruir el esquema
visionario de Magma bajo una luz más optimista, como celebrando el nacimiento
de una nueva luz. La acentuación de elementos jazzeros en la labor de la dupla
rítmica y el empleo de matices "angelicales" en la mayor parte de los arreglos
colares son inequívocos indicios de ello. El repertorio del álbum no es muy
largo, ni siquiera llega a los 40 minutos de duración: en total, tenemos aquí
la suite homónima de 28 minutos y una pieza autónoma de 4 minutos y pico. La
suite ya ha sido presentada en concierto antes de la grabación del disco, como
por ejemplo, en la gira que realizó Magma en los EE.UU. a fines de 2010.
" CBkmah" abre la suite homónima con una ceremoniosidad tranquila pero
obviamente imponente, mientras que " CBlss" y la dupla de "Dzoï" y "Nms" se
encargan de enriquecer el swing en curso, a la par que crean espacios para el
reforzamiento de las intervenciones corales. El momento de "Nms" es cálido,
incluso entrañable, lo cual prepara el terreno para que "Teha" lleve el tenor
predominantemente evocativo de la suite hacia una instancia épica que es, a la
vez, ensoñadora y contundente: Stella Vander se luce enormemente en esta
sección, un elemento vital para la luminosidad sónica encapsulada en ella. Con
"Waahrz", la suite hace una parada para reformular su propia vibración
contemplativa bajo el comando de unos estilizados efluvios de piano que fluyen
en el éter con extrema pulcritud. La dupla de "Dhl" y "Tsaï!" vehiculiza la
recapitulación de la fuerza expresiva del ensamble, capitalizándola con un
vigor muy dinámico que se ajusta perfectamente a la musculatura y complejidad
rítmica de la instrumentación así como a la variedad de ambientes "teatrales".
El estándar de Magma se muestra en su más pura esencia. Así las cosas, "Öhst"
se pone a cargo de elevar la temperatura sónica hasta niveles explosivamente
climáticos, no rompiendo con el aura contemplativa sino dándole una
magnificencia robustecida. "Zahrr" es el breve epílogo que aporta un aire de
oscuridad emocional para cerrar la suite de una forma inesperada, tal vez
extravagante, pero también coherente a su manera. El disco concluye con "Les
Hommes Sont Venus", una cantata típicamente kobaïana con tintes renacentistas:
sobre una armazón de sintetizador y glockenspiel, una nutrida coral genera un
colorido muy vitalista al asunto sin hacerse flagrantemente imponente a fin de
no destruir el relajado clima general de la composición. Se trata de un hermoso
broche de oro lírico para un álbum que refleja fielmente la incombustible
grandeza de la visión musical de Vander y sus secuaces: Magma es capaz de
seguir generando grandiosos motivos de felicidad melómana a los conocedores y
apreciadores de la esencia originaria del género progresivo.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: THE SATELLITE - Epílogo/Caos
THE SATELLITE: "Epílogo/Caos"(2012)
Temas
1. Oda (8:04)
2. 777 [I. Este Lugar No Debe Ser Jamás Destruido - II. Satori] (10:29)
Integrantes
- Jonathan Castro: guitarra
- Rubén Guzmán: batería y percusión
- Gonzalo López: guitarra
- CDtalo Rossi: guitarra y secuencias
Formado a fines de 2006 bajo la iniciativa del baterista Rubén Guzmán y el
guitarrista Jonathan Castro, The Satellite ha venido instalándose como una voz
líder dentro de la experimentación post-rockera del Perú. Desde su etapa
germinal, el grupo pronto aumentó a cuarteto con las sucesivas entradas de los
guitarristas Gonzalo López e CDtalo Rossi, y tampoco tardaron en llegar las
pruebas objetivas de su creatividad: en efecto, el disco "Widescreenoscopio"
(2007) y el EP "124" (2008) fueron subidos a la red de Bandcamp, revelando a
The Satellites como un ensamble de gran fuerza expresiva que sabía hacer un uso
dinámico de los estándares del post-rock, el shoegaze, la psicodelia y el
noise-rock. El nuevo aporte fonográfico de The Satellites viene con
"Epílogo/Caos", EP grabado y mezclado en el estudio Mundano Records entre marzo
y mayo de 2012, posteriormente publicado en el siguiente agosto.
El mencionado EP "Epílogo/Caos" no solo está asequible para escuchar en
Bandcamp sino que también se ha beneficiado de una edición limitada de 50
ejemplares, la misma que fue presentada en un concierto que tuvo lugar el 28 de
agosto pasado en la Noche (centro cultural muy importante en la bohemia
artística del distrito limeño de Barranco). Pasamos ahora a repasara los dos
temas de su repertorio. "Oda" tiene un aura robustamente grisácea que se luce
través de la amalgama de los mutuos diálogos de los guitarreos y las
variaciones temáticas, las cuales nos transportan desde parajes de agilidad
hasta bosques de pesadez en la dimensiones oscuras de la melancolía. Por su
parte, "777" desarrolla un área de expansión aún más sofisticada para la
expresividad musical de la banda, manejando ambiciosos esquemas rítmicos y
refinadas labores de artesanía multi-guitarrera a través de un esquema sonoro
marcado por una mayor luminosidad a lo largo de la ilación de los varios
motivos en curso. El pasaje final merece una mención especial por su lirismo
épico, el cual se mantiene solventemente sostenido por el filuda arquitectura
de la batería: este clímax nos hace realmente lamentar que la experiencia
melómana de "Epílogo/Caos" dure menos de 20 minutos.
A despecho del título, este disco es la antítesis de la expresión del caos,
pues refleja la madurez potencializada de un ensamble donde sus unidades
integrantes saben cómo afiatarse en un esquema sonoro sólido y contundente.
Tampoco es un epílogo, pues la banda está proyectando una agenda de trabajo
donde se incluye la próxima edición de un vinilo, y además, ha incorporado
recientemente en sus filas al bajista Alonso García Herbozo con miras a
fortalecer la ingeniería rítmica. Así las cosas, solo cabe concluir que es
prudente y necesario tomarle el pulso a la vanguardia rockera peruana a través
de lo que ha venido haciendo y seguirá haciendo el ahora quinteto The
Satellite.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LIGRO - "Dictionary 2"
LIGRO: "Dictionary 2" (2012)
Temas
1. Paradox (7:11)
2. Stravinsky (With Bach Intro) (11:32)
3. Future (7:17)
4. Don Juan (6:13)
5. Bliker 3 (10:55)
6. Etude Indienne (12:51)
7. Miles Away (4:15)
8. Transparansi (13:16)
Integrantes
- Agam Hamzah: guitarra
- Adi Darmawan: bajo
- Gusti Hendi: batería, percusión
Fundado en 2004 por el guitarrista Agam Hamzah y el bajista Adi Darmawan, el
power-trío indonesio Ligro conforma una de tantas ofertas notables dentro del
área de la vanguardia jazz-rockera de los últimos años. El nombre del trío
viene de poner al revés la palabra indonesia que significa "gente loca". Con
una alineación completada por el baterista-percusionista Gusti Hendi, Ligro
cuenta con dos discos en su curriculum vitae: "Dictionary 1" y "Dictionary 2",
este último publicado en 2012 por el sello MoonJune Records. El grupo ya está
bastante curtido tras sus numerosas participaciones en conciertos y festivales
de jazz y rock experimental dentro y fuera de su país: su sonido robusto y
contundente bebe de las influencias de Mahavishnu Orchestra, Tribal Tech, Terje
Rypdal, Allan Holdsworth, así como de las herencias inmortales de Cream y Jimi
Hendrix. La banda sabe mantener una actitud compacta y refinada en sus
interacciones a través de la inmensa polenta que invierte en ellas. Repasaremos
ahora el repertorio de "Dictionary 2" para completar la idea.
"Paradox" abre el disco con una frontal demostración de filuda extroversión,
bien sustentada sobre el ágil swing de la batería, mientras que los diversos
riffs guitarreros hilan momentos de estilizada excitación y el bajo tiende
efectivos puentes entre los flujos de la guitarra y el esquema rítmico en
curso. "Stravinsky (With Bach Intro)" comienza con una breve serie de sucesivos
solos de bajo y guitarra, para luego enfilarse hacia un despliegue de vitalidad
frenética que se orienta por una confluencia entre las líneas de Mahavishnu y
de Hendrix, con algunos ribetes Crimsonianos explayándose también por ahí.
Future está armado en clave de blues dentro de una actitud esencialmente
jazzera, mientras que "Don Juan" adopta ciertos matices funk dentro de un
ejercicio vitalista mas no muy estridente de jazz-rock: estas dos piezas pueden
disfrutarse como momentos de oportuna constricción (relativa) tras los
despliegues de hierro y fuego que tuvieron lugar en los dos primeros temas.
"Bliker 3" es un viaje de casi 11 minutos de duración donde el grupo delinea y
explora trayectorias psicodélicas donde los recursos de extravagancia cósmica
nos remiten un poco a Pink Floyd y a Agitation Free, así como al aspecto
ensoñador del Hendrix más experimental; acto seguido, "Etude Indienne" prosigue
por esta senda de alucinadas añoranzas psicodélicas, en esta ocasión
enfatizando el factor krautrockero por vía de una ágil mezcla de Agitation Free
y Ash Ra Tempel, matizada con la vibración india propia de la reflexividad
exótica del estándar de Mahavishnu. Este segundo tema tiene una estructura
donde se va armando sostenidamente un clímax rockero que nos recuerda bastante
a la filuda extroversión desarrollada en el primer tema del álbum. "Miles Away"
es una pieza serena, intimista, algo conveniente para hacer contrapeso a la
robusta armazón del clímax de "Etude Indienne". Los últimos 13 minutos y pico
del álbum están ocupados por "Transparansi", tema que expone una síntesis de
fusión y psicodelia en base a un jam donde se conjugan relax y densidad. El
pulcro manejo de contrastes entre climas serenos y explosivos y los desafiantes
usos de progresiones disonantes a cargo de la guitarra y el bajo son señas
destacadas de este broche.
En fin, "Dictionary 2" es un disco convincentemente explosivo y genuinamente
refinado, una estupenda carta de presentación para quienes estamos descubriendo
tardíamente la visión musical de Ligro. Este disco no tiene pierde para los
amantes del jazz-rock y de la experimentación jazz-progresiva - !recomendado!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SH.TG.N - SH.TG.N (2012)
SH.TG.N: "SH.TG.N" (2012)
Temas
1. Dead Baby (2:06)
2. Deejays Should Have Low Self-Esteem (4:24)
3. Eyjafjallajokull (3:18)
4. Shitgun (4:19)
5. Camera Obscura (6:17)
6. Shotgun (Afraid Of) (3:58)
7. Save Us From Bloody Women (1:07)
8. Erase Her Dad (3:01)
9. A Glimpse Into Eternity (4:31)
10. Esta Mierda No Es Democracia (3:12)
11. J33 (I Don't Wanna See) (4:42)
12. Black Beetle (7:58)
Integrantes
- Antoine Guenet: teclados
- Wim Segers: vibráfono
- Dries Geusens: bajo
- Simon Segers: batería
- Yannick De Pauw: guitarra
- Fulco Ottervanger: voz
SH.TG.N es una congregación de seis músicos belgas que provienen de diversas
experiencias dentro de la vanguardia de su país: jazz, cámara contemporánea y
rock experimental. Formado en febrero de 2009 por iniciativa del teclista
Antoine Guenet (también miembro de The Wrong Object) con la intención de
desarrollar una modalidad de rock ecléctico que fuese divertida y enérgica, el
resultado se concretizó como un híbrido de avant-jazz-metal (al modo de
Shining), rock experimental (en una suerte de hermanamiento entre Cynic, Pak,
Fantomas y King Crimson) y los aspectos más áridos del estándar del rock in
opposition contemporáneo (Doctor Nerve, Sleepytime Gorilla Museum). El núcleo
central originario de SH.TG.N consistía en un cuarteto de
teclado-bajo-batería-vibráfono, pero poco antes de su debut en los escenarios,
el guitarrista Yannick De Pauw se integró al ensamble, lo cual sirvió para que
éste adquiriera mayores dosis de potencia y polenta en su esquema sonoro. Con
el ulterior ingreso del vocalista Fulco Ottervanger, el punche rockero se
incrementó en proporción geométrica, lo cual hizo que se añadiera un elemento
de airadas ansiedades y dementes descontentos en el repertorio del álbum
homónimo que ahora, en 2012, publica MoonJune Records.
La dupla de "Dead Baby" y "Deejays Should Have Low Self-Esteem" da inicio al
álbum con fuego rimbombante y una energía atemorizadoramente contundente: el
primero de estos temas juega con cadencias contenidas en aras de potencializar
el ambiente siniestro en curso, mientras que el segundo exhibe una vitalidad
más directa y fresca, ostentando un vigor convincente a través de su
sofisticación estructural. La dupla de "Eyjafjallajokull" y "Shitgun" sucede al
clímax desarrollado en "Deejays Should Have Low Self-Esteem" con una armazón
sonora donde la fuerza de carácter y la elegancia se articulan fluidamente
dentro de un impulso rockero tan electrizante como ecléctico. La densa
oscuridad del jazz-metal, la estilizada pomposidad del prog-metal y la actitud
deconstructiva del R.I.O. son las coordenadas desde donde se triangulan los
hilos temáticos y las interacciones entre los miembros del ensamble. Durando 6
BC minutos, "Camera Obscura" elabora un clima opresivamente neurótico donde la
ansiedad y la desazón se encapsulan en una ingeniería rockera
incandescentemente furiosa: la armazón de la impetuosidad genera un ascenso
feroz y arrollador, el mismo que se perpetúa acto seguido en esa agresiva
viñeta thrash-progresiva que es "Save Us From Bloody Women" (tras un engañoso
preludio de piano). En medio de ambas piezas se sitúa "Shotgun (Afraid Of)",
pieza que traza una síntesis entre los aspectos más ceremoniosos y los más
ansiosos del ideario musical que la banda ha venido mostrando hasta ahora.
"Erase Her Dad" y "A Glimpse Into Eternity" vuelven a los terrenos de
"Eyjafjallajokull" y "Deejays Should Have Low Self-Esteem", haciendo que sus
esquemas filudos y sofisticados instauren nuevos cúlmenes dentro del repertorio
del álbum. Con el radical título en español "Esta Mierda No Es Democracia", el
décimo tema del disco nos remite a los terrenos antes explorados por "Shitgun"
y "Camera Obscura". "J33 (I Don't Wanna See)" nos muestra a una banda que
matiza más notoriamente su fuerza interior y su vitalidad tan expansiva, y lo
hace apelando a una acentuación de los elementos jazzeros de su ideario
musical. Así las cosas, "Black Beetle", el tema que ocupa los últimos casi ocho
minutos del disco, se apresta a elaborar una ágil mezcla de jazz-rock,
psicodelia y avant-metal mientras recoge el empuje de la dinámica en torno a la
cual se había armado la canción precedente. Con todo ello, se garantiza una
conclusión elegantemente desafiante para la garra electrizante y enervante de
"SH.TG.N", un disco particularmente rotundo dentro de la música progresiva de
avanzada que se ha venid haciendo en lo que va de 2012: SH.TG.N emerge
instantáneamente como un nombre importante dentro de la más reciente hornada de
bandas progresivas belgas.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: AARON NOVIK - "Secret Of Secrets" (2012)
AARON NOVIK: "Secret Of Secrets" (2012)
Temas
1. Secrets Of Creation (Khoisdl) (14:51)
2. Secrets Of The Divine World (Terkish) (13:21)
3. Secrets Of The Divine Chariot (Hora) (11:41)
4. Secrets Of The Holy (Doina) (11:47)
5. Secrets Of Formation (Bulgar) (17:16)
Aaron Novik: clarinete eléctrico, percusión, programaciones
Colaboradores - Fred Frith (guitarra), Ben Goldberg (clarinete, clarinete
contralto), Carla Kihlstedt (violín eléctrico), Cornelius Boots (clarinete bajo
robótico), Matthias Bossi (batería), Jamie Dubberly (trombón bajo), Henry Hung
(fliscorno, trompeta, corno francés), Jessica Ivry (cello), Aaron Kierbel
(dumbek), Dina Maccabee (viola), Lisa Mezzacappa (bajo), Doug Morton (tuba),
Alisa Rose (violín), Irene Sazer (violín), Adam Theis (trombón), Willie Winant
(tímpanos, vibráfono, glockenspiel, gong, campanas tubulares)
Aaron Novik es un clarinetista y compositor - además de artista visual y
dibujante - radicado en San Francisco cuya más reciente obra, "Secrets Of
Secrets", ha sido publicado en febrero pasado por el sello (dirigido por el
maestro John Zorn). Formado en las áreas de la cámara contemporánea y el jazz
de avanzada, Novik ha gestado todo un ejemplo de chamber-rock rico en recursos,
imponente, esplendoroso a través de su recurrente apego a lo misterioso y lo
oscuro. Acompañado por una buena cantidad de músicos que se expanden en
cuerdas, percusiones, madera y metal (incluyendo a la leyenda viviente del
R.I.O. Fred Frith y dos de sus actuales socios en Cosa Brava, Carla Kihlstedt y
Matthias Bossi), Aaron Novik da rienda suelta a una visión musical que lo
emparenta con Univers Zero, Art Zoyd, Far Corner, Sleepytime Gorilla Museum, ZS
y el Kayo Dot de los últimos años.
"Secrets Of Secrets" es, hablando en concreto, un disco conceptual basado en
las raíces místicas del judaísmo (su propia religión): de hecho, las
estrategias de composición para las cinco secciones del repertorio de este
disco concentran ritmos y ambientes del folklore judío así como recursos
propios de la cámara contemporánea y del jazz-rock=85 y también la gematría
(asociación por analogía de palabras hebreas a partir de la semejanza en las
numeraciones que se les otorga a través de las letras individuales que las
componen).
Ocupando un espacio de casi un cuarto de hora, "Secrets Of Creation (Khoisdl)"
abre el disco por vía del desarrollo de una impactante serie de atmósferas
ceremoniosas donde lo nebuloso y lo luminoso colisionan para cohesionarse en
una amalgama sónica imponente. Poco antes de la frontera del séptimo minuto,
tras un preludio basado en efluvios surrealistamente neuróticos de guitarra, la
pieza vira hacia una arquitectura grisácea de fuertes vibraciones épicas. El
segundo tema, "Secrets Of The Divine World (Terkish)", establece una inicial
atmósfera de cadencias gráciles donde la densidad propia del chamber-rock
expresa su faceta más extrovertida. Como la base de la línea melódica se
inspira fuertemente en el folklore del Cercano Oriente, no es de extrañar que
el ensamble no tarde mucho en llegar al momento donde la óptica rockera se
trastoca por otra de tendencia abiertamente fusionesca, la cual sirve a su vez
como puente hacia un nuevo motivo donde se desarrolla una dimensionalidad
industrial para un electrizante juego de síncopas propio de las líneas de
trabajo del primer Art Zoyd y de Present. La coda articulada en torno a
aleatorias capas sonoras psicodélicas completa muy bien el ambiente de tensión
expuesto en la sección antes mencionada. En el ecuador de este repertorio,
"Secrets Of The Divine Chariot (Hora)" se hace eco del juego de tensiones
explayado en el clímax de la pieza precedente articulando climas minimalistas
donde se refleja idóneamente una sensación de peligro latente, la misma que
sabe cómo asentarse con pulcra sutileza. Cuando emerge una base percusiva poco
después de pasar la barrera de los cuatro minutos y medio, la densidad
recurrente adopta una aureola marcial que añade un tenor agresivo al asunto,
algo que se capitaliza a través de la armazón continua de capas sonoras
aportadas por los metales, maderas y cuerdas; mientras tanto, los retazos de
violín eléctrico y guitarra generan flotan portando una robusta aureola
fantasmagórica. La coda recibe el impacto de este largo clímax, traduciendo su
tensión en tristeza dentro de un esquema más atenuado. "Secrets Of The Holy
(Doina)" es un ejercicio de extravíos y deconstrucciones donde Novik y sus
colegas apuestan todos sus recursos a la exploración de las áreas más
temerariamente abstractas del avant-prog: esta aventura se sumerge
simultáneamente en la avanzada electrónica de la escuela Stockhauseniana y la
visión osada de la musique concrete. Durando 17 minutos y pico, "Secrets Of
Formation (Bulgar)" cierra el álbum elaborando una impactante agilidad para que
el motivo central se alimente de una envolvente vitalidad y un hipnótico
dinamismo. La excursión cuenta con una ingeniería muy rígida, pero aún así, se
abre en una serie de fractales sub-temáticas donde la instrumentación se
expande en variaciones y trastocamientos, llegando finalmente a desembocar en
una inquietantemente ensoñadora amalgama de pizzicati y vibráfono. El cierre
llega con un onírico ensamble de cuerdas y mágicas capas de teclado, lo cual es
muy conveniente para redondear y enfatizar el muy solemne concepto general del
álbum.
"Secrets Of Secrets" es un disco monumental, un ejercicio de ágil creatividad
al servicio de la supervivencia y vigorización del ideal de la vanguardia
progresiva: Aaron Novik y su pléyade de talentosos colaboradores se han lucido
enormemente en la labor de plasmar una obra como ésta, tan compleja y tan
sustancial. Definitivamente, este disco merece una recomendación enorme y
garantizada para los amantes y coleccionistas de las vertientes vanguardistas
del rock progresivo.
César Mendoza
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Autor: <hgmorales50@hotmail.com>
Asunto: sobre Romantic Warriors 2
Saludos a los contertulios fieles de LCDM
Un saludo a César Mendoza y un comentario breve a su texto respecto sobre
Romantic Warriors 2, documental del RIO.
Coincido plenamente con César en no caer en el error (muy común, por cierto) de
considerar al RIO como un género. Mucho comenté sobre este asunto en años
anteriores. El estilo sonoro de un artista no es la base para considerarlo
dentro de algún género, sino otro tipo de elementos, más estructurales.
Efectivamente, el RIO fue esencialmente un movimiento. En estas páginas he
sostenido que si sus estructuras se apegan a una concepción de Rock Progresivo,
independientemente de cómo suene, pues es Rock Progresivo y ya, sólo que con un
estilo más... modernista, si quieren decirlo así. No está de más esta clase de
asuntos, para que podamos ir metiendo un poco de orden en las cosas...por
supuesto que se vale.Finalmente, una pregunta para César. ?Algún sitio en la
red en el cual conseguir ese documental? Me interesa muchísimo.Que estén muy
bien todos.
Héctor Gómora
Aguascalientes, México.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SLIVOVITZ - "Bani Ahead" (2011)
SLIVOVITZ: "Bani Ahead" (2011)
Temas
1. Egiziaca (6:57)
2. Cleopatra Through (5:23)
3. Fat (5:03)
4. Vascello (6:05)
5. 02-09 (5:37)
6. Opus Focus (3:51)
7. Bani Ahead (5:20)
8. Pocho (5:51)
Integrantes
- Domenico Angarano: bajo
- Derek di Peri: armónica
- Marcello Giannini: guitarras
- Salvatore Rainone: batería
- Circo Riccardi: trompeta
- Pietro Santangelo: saxos tenor y alto
- Riccardo Villari: violín
Slivovitz es una banda italiana formada en la localidad de Nápoles en setiembre
de 2001, iniciando así un periplo incansable en el que la banda no ha dejado de
desarrollarse, replantearse metas artísticas, cambiar de motivaciones e
inspiraciones, así como de encuadres musicales. La línea de trabajo de la banda
va por las líneas del jazz-progresivo remozado con elementos
étnico-fusionescos, psicodélicos y vanguardistas (lo cual los pone en línea con
sus ilustres compatriotas de Calomito), aunque también se notan confluencias
con otras estrategias eclécticas que redundan en un esquema sonoro dueño de un
vigor único. Tras un disco debut homónimo de 2005 y un sucesor "Hubris" de 2009
que supuso su primer gran impacto en el público progresivo dedicado a las
líneas vanguardistas del género, Slivovitz volvió a la carga en 2011 con su
tercera placa "Bani Ahead", disco que reseñamos ahora. Este disco es el primero
con el baterista Salvatora Rainone y el trompetista Circo Riccardi como
miembros del ensamble.
"Egiziaca" abre el álbum con mucha polenta, expandiéndose esplendorosamente en
un espacio de casi 7 minutos con recursos que van de lo Zappiano a lo
Canterburyano y de allí a lo psicodélico, pasando también ocasionalmente por
climas gitanos reformados para ajustarse al flujo musical en curso. A
continuación, "Cleopatra Through" y "Fat" prosiguen por investigaciones sonoras
encapsuladas en atmósferas sólidamente coloridas: el primero de estos temas se
basa en un compás de 5/4 para enfilarse hacia una filuda dinámica netamente
jazz-rockera, mientras que el segundo se centra en ambientes más candorosos en
el manejo de un motivo central bastante amable, un paseo por las facetas más
líricas de la banda. Para "Vascello", el grupo sigue apostando por el lirismo
limpio, pero esta vez lo maneja con un vigor más rotundo, muy cercano al
exhibido en el tema que abrió el álbum: la coda incorpora un crescendo de tenor
Latin-jazz en aras de darle un matiz atractivo adicional al asunto antes del
cierre. "02-09" se enfila por una dinámica semejante, tal vez con un leve
aumento de la robustez sonora. Después de la ambientación enérgica
sostenidamente alimentada por la sucesión de estos dos temas, "Opus Focus"
elabora una lánguida y oscura atmósfera donde los vientos y el violín asumen un
rol protagónico en los inquietantes retazos sonoros. La pieza homónima tiene un
motivo central focalizado en una alegre manifestación de climas festivos con
talante gitano, además de un interludio jazz-rockero cuya garra nos recuerda al
dinamismo ofrecido anteriormente en "Cleopatra Through". "Pocho" cierra el
álbum con un ejercicio de sonoridades y cadencias fusionescas que empieza bien
insertado en climas suaves y luego se va expandiendo sostenidamente hacia un
jam pulcramente articulado en una exquisita dinámica sincopada. La presencia de
la trompeta al frente de la instrumentación global le da un magnetismo efectivo
al asunto antes del redondeo conclusivo.
"Bani Ahead" es una creación musical deliciosa, estupenda, pletórica de
colorido y vibraciones extrovertidas desplegadas en múltiples modalidades: vale
la pena descubrir a Slivovitz a través de este disco, lo cual es garantía casi
totalmente segura de querer seguir explorando en el resto de su obra hecha
hasta el momento.
César Mendoza
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