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La caja de musica Number 0991
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #991 junio 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* varias noticias
* COTO EN PEL - "Holocaust" (1978)
* WIZARD RIFLE - "Speak Loud Say Nothing" (2012)
* 2112 - "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" (2012)
* ZEVIOUS - "After The Air Raid" (2009)
* ECLAT - "L'Esprit Du Cercle" (2012)
* DIAGONAL - "Diagonal" (2008)
* Viaje_a_800:_"Coñac_Oxigenado"_2012
* DOMO - "Domo" (2011)
* TRIBAL TECH - "X" (2012)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: varias noticias
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Resistencia Chaco + La Mujer Barbuda + Helmut Robot, 21 de junio
El jueves 21 de junio, el grup oRESISTENCIA CHACO tocará en Club V [Av
Corrientes 5008, Buenos Aires ], continuando con el derrotero de presentaciones
de su excitanet disco "Una puerta roja en algún lugar de la República Checa".
Compañeors de cartel: LA MUJER BARBUDA y HELMUT ROBOT.
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Ciclo Homenaje al Rock de los Setenta - 2º EDICIÃN
Esto se ve interesante, el festival musical "CICLO HOMENAJE AL ROCK DE LOS
SETENTA - Segunda Edición", 4 jornadas en la localidad argentina de Mendoza.
" Heredera del movimiento hippie y la contracultura, de la psicodelia y del
Mayo Francés, la Década del Setenta fue rebelde y contestataria. Idealista y
revolucionaria. Humanista =85=85 libertaria. Creativa casi como ninguna. A
cuarenta años decidimos recrear parte de su música...."
CUATRO BANDAS y PRODUCCIONES DEL CIELOSUR presentan:
CICLO HOMENAJE AL ROCK DE LOS SETENTA. Segunda Edición.
SÁBADO O2 DE JUNIO, 21:30 HORAS: YES SPIRIT / CLOSE TO THE EDGE, 40 ANIVERSARIO
VIERNES 08 DE JUNIO, 21:30 HORAS: ECLIPSE / PINK FLOYD ANTHOLOGY
SÁBADO 16 DE JUNIO, 21:30 HORAS: COSMO'S FACTORY / ROCK DEL PANTANO
VIERNES 06 DE JULIO, 21:30 HORAS: KASHMIR / THE LED ZEPPELIN EXPERIENCE
Nave Cultural Mendoza, Parque Central de la Ciudad de Mendoza. Sala 2
http://www.ciudaddemendoza.gov.ar/municipio/areas/turismo-y-cultura/nave-cultural
Valor de la Entrada: $ 40.00 cada función
Cantidad de Butacas con entradas a la Venta: 167 para cada show
Venta de Entradas disponibles para los cuatro shows en BOLETER CDA DE NAVE
CULTURAL: Miércoles a Sábados: de 10 a 13hs y 18 a 21hs. Domingo: de 18 a 21hs.
Teléfono: 0261- 4495288
OPERACIÓN DE SONIDO: DANIEL P CDCCOLODISEÑO GRÁFICO: EDGARDO POVEZSONIDO E
ILUMINACIÓN: NAVE CULTURAL MENDOZAPRODUCCIÓN ART CDSTICA: EDGARDO POVEZ Y
ALEJANDRO PIZARROPRODUCCIÓN VIDEO: ALBERTO MATURANOPRODUCCIÓN EJECUTIVA:
ALEJANDRO PIZARRO / PRODUCCIONES DEL CIELOSUR
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descansa en paz, John Harrison [HAWKWIND]
John Harrison, quie nfue el primer bajista que formó parte de la banda
HAWKWIND, falleció el pasado sábado 26 de mayo, justo un día después de su 70mo
cumpleaños. Él 'llevaba ya sus últimos 7 años padeciendo de la efermedad de
Huntington. Los héroes de la vanguardia rockera de los 70s siguen cumpliendo
con los últimos pasos de sus respectivios ciclos vitales.
Aquí hay algunos vídeos con música del primer disco de HAWKWIND, en honor de
Harrison.-
Hurry On, Sundown: http://www.youtube.com/watch?v:vCZOIz4LUFM
Seeing It As You really Are: http://www.youtube.com/watch?v:LxLIVWWgfGA
Mirror Of Illusion: http://www.youtube.com/watch?v:-5vUqo5xchQ
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NomaNooirax 2012
Se viene una nueva edición del NomaNooirax Fest, organizado por los sellos de
rock vanguardista Noma Records y Nooirax: se trata de un evento madrileño que
se caracteriza por sus carteles estilísticamente amplios y su énfasis en
propuestas rockeras de gran calibre (prog-metal, post-rock, math-rock,
psicodelia, stoner, sludge, avant-metal, etc.)
Los días 22 y 23 de Junio se celebrará en la sala "Faena Madrid" y el sábado 30
de Junio será en la sala El Grito de Fuenlabrada.
Cartel:
Viernes 22
AATHMA
SONNÖV
MEIDO
MAUD THE MOTH
OTUS
Sábado 23
WORMED
TROCOTOMBIX
JARD CDN DE LA CROIX
CEMENTERIO
Sábado 30
POSSESSION
TEMPESTA
MANIAC
FORENSSICK
GARUDA
LÖSUNG
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Aquà transcribo lso datos de tres importantes conciertos que se vienen
dentro de la vanguardia rockera argentina.-
DEFÃRMICA + PROYECTO QUASAR + MAPAS
Ciclo No Nómade presenta a Proyecto Quasar, Defórmica y Mapas en Santana,
Ramos MejÃa
Viernes 29 de junio.
Entrada en puerta: $35.-
Anticipadas por Inbox/Facebook: $25.-
www.facebook.com/âmapasmapas
www.facebook.com/deformica
www.facebook.com/proyectoquasar
PEZ + SUR OCULTO
11 de agosto
21.00
Niceto Club
Niceto Vega, 5510 â C.A.B.A.
Aquà me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: COTO EN PEL - "Holocaust" (1978)
COTÓ-EN-P C8L: "Holocaust" (1978)
Temas
1.- Aura De Sons (13:30)
2.- Lamentacions (4:40)
3.- Holocaust (Part 1) (10:35)
4.- Holocaust (Part 2) (8:08)
Integrantes
- Pep Llopis: órgano, sintetizadores, mellotron y voz
- Carles Pico: guitarras eléctrica y acústica
- Vicent Cortina: batería y percusión
- Paco Cintero: bajo, corneta y voz
Los nombres del grupo Cotó-En-Pél y su único LP "Holocaust", editad oen 1978,
están escritos con letras de oro en los anales del rock progresivo hecho en la
Península Ibérica en la gloriosa década de los 70s. Grabado en los míticos
Estudios Kirios de Madrid en junio de 1977, este disco encarna una de las
muestras más notables de la vertiente sinfónica desarrollada en la vanguardia
laietana. El esquema sonoro creado por este cuarteto tiene fuerza de carácter,
guardando algunas confluencias claves con sus coterráneos de Atila, pero a
diferencia suya, Cotó-En-Pél da abierta preferencia al manejo de climas más
sutiles, ideas musicales que enfatizan el aspecto cósmico del estándar
sinfónico (al estilo de Pink Floyd, Eloy, Novalis, incluso el King Crimson de
la etapa Sinfield)
Con ruidos de tormenta eléctrica y grillos en la noche empieza el primer tema,
"Aura De Sons", una maratón progresiva de largo aliento. Una vez que la banda
entra en acción, lo hace primero elaborando unas texturas etéreas que nos
pueden hacer recordar a los preámbulos Yessianos de sus viajes en "Tales" o los
Floydianos en su paradigmática aventura de "Wish You Were Here". Una vez que la
instrumentación asienta su arquitectura de sucesivos esquemas melódicos,
alternando pasajes extrovertidos y lánguidamente reflexivos, Cotó-En-Pél
muestra sus afinidades con el discurso de Atila, así como los paradigmas del
Yes 71-72 y del kraut-sinfónico encarnado por Eloy, Grobschnitt y Novalis.
Luego sigue "Lamentacions", pieza que se sitúa en un registro completamente
distinto: se trata de una balada con base de guitarra acústica, adornada con
intervenciones de corneta y un melancólico canto que funciona muy bien dentro
del cuadro sonoro intimista elaborado para la ocasión. Suena un poco a las
baladas acústica Crimsonianas de "Lizard" e "In The Wake Of Poseidon", o del
primer disco de PFM. La pieza homónima, cubierta en dos partes, ocupa toda la
segunda mitad del disco. Las texturas sutilmente inquietas del pasaje inicial
de la Parte 1, abundantes en texturas cósmicas, suenan a un remodelamiento
Crimsoniano de estándares Floydianos, y cuando emergen las intervenciones
vocales, la atmósfera general adquiere tintes siniestros un tanto emparentados
con Goblin. Es un momento raramente atractivo dentro del ideario musical del
grupo, serenamente introspectivo pero a la vez indicador de una ansiedad
extraña que aflora a ratos de forma incompleta, ya sea en algún solo de Moog,
ya sea en los disonantes arreglos de mellotron, o en las antes mencionadas
intervenciones vocales. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto y
medio, el grupo vira hacia un pasaje expectante donde el bajo establece unas
medidas florituras al servicio de la reinante intensidad sombría, la cual es
poco después realzada por un Frippiano solo de guitarra. El clímax conclusivo,
encuadrado bajo las columnas respectivas de las estilizadas capas orquestales
de los teclados y la robusta labor de la batería abre la puerta a la Parte 2,
la cual comienza con un tenor lírico bastante calmado, onírico y plácido, al
modo de un híbrido entre PFM y Novalis. Cuando la instrumentación se robustece
para dejar traslucir más claramente los colores inherentes al núcleo
compositivo del motivo central, el asunto cobra ribetes a lo Museo Rosenbach
(el glorioso final de la suite "Zarathustra"), pero con un acento Floydiano
que resulta casi omnipresente dentro de la esencia progresiva de la banda. Es
una pena que la sección final no sea más extensa, pues su espíritu ceremonioso
se hubiera beneficiado indudablemente de un mayor campo de expansión para el
solo de guitarra y las capas de mellotrón. De todas maneras, cabe indicar que
el final de "Holocaust (Part 2)" resulta un auténtico broche de oro para
completar solventemente la experiencia de escuchar el disco.
Lo dicho: "Holocaust" es un pasaje muy importante dentro del legado del rock
progresivo catalán, una pieza de colección que merece su justo lugar dentro de
los estantes que los coleccionistas de música progresiva reservan para aquellas
joyas que los conocedores saben apreciar sin reservas de ningún tipo.
Cotó-En-Pél dignificó grandemente, durante su efímero paso por la industria
fonográfica, el nombre del rock progresivo en la vanguardia rockera que se
desarrolló en la Península Ibérica durante los 70s. Quienes aún no lo tengan=85
!a conseguirlo ya!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: WIZARD RIFLE - "Speak Loud Say Nothing" (2012)
WIZARD RIFLE: "Speak Loud Say Nothing" (2012)
Temas
1.- Tears Won"t Soften Steel (6:23)
2.- Frazetta (4:58)
3.- Megatherium (7:29)
4.- Nobody (7:06)
5.- Leathery Gentlemen (10:32)
Integrantes
- Sam Ford: batería, voz
- Max Dameron: guitarra, voz
Formado en el otoño de 2009 en la localidad de Portland, el muscular power-dúo
Wizard Rifle practica una variedad de rock experimental que bebe tanto de las
añejas aguas del stoner y la psicodelia pesada de los 70s como de los
estándares del doom metal, post-metal y noise-rock, aparte de algunos
ocasionales coqueteos con la juguetona neurosis propia del math-rock. Tras
haber publicado un EP titulado "Kitties And Pie!!!!!" en 2010, ahora en 2012
edita su primer disco de larga duración (aunque cabe decir que dura poco más de
35 minutos en total) "Speak Loud Say Nothing", a través del sello Seventh Rule,
especializado en música del variado underground estadounidense.
"Tears Won"t Soften Steel" abre el disco con un estruendoso vigor resultado de
la confluencia de stoner, noise-rock y metal, con ciertos retazos de math-rock
(al estilo de Giraffes? Giraffes!) en algunos pasajes donde el grupo juega a
crear texturas psicodélicas en medio del impenetrable e imparable fragor de
electricidad rockera que tiene lugar. "Frazetta" sigue a continuación para
continuar explorando estas aguerridas atmósferas, incluso aumentando la dosis
de exaltación psicótica, durante su primera sección; luego, en la segunda
sección, el dúo vira hacia un motivo más constreñido donde se exploran
texturas oscuras a partir de un nuevo manejo de la fiereza, antes de llegar al
breve cierre exultante que, de todas maneras, da amplias muestras del aura de
sofisticación con el que Wizard Rifle es capaz de alimentar su propio esquema
musical. La banda sabe llenar espacios a pesar de su muy reducida estructura de
dúo, y esta noción se confirma con creces al arribar "Megatherium", tema que se
basa en una confluencia entre la rotunda robustez del post-metal y el fuego
esencial a la tradición stoner, más coqueteos con la faceta más áspera del
Hawkwind 70-73. El dinamismo oscurantista empleado para el desarrollo del
clímax final es contundente, un punto de máxima expresión de la visión
artística del dúo dentro del disco. "Nobody" se hace eco de la grandiosidad
inmediatamente precedente mientras le insufla la agresiva gracilidad
filudamente expuesta en los primeros temas del álbum. La coda de esta pieza
consiste en una emulación de un ritual tribal, lo cual le da un aire dadaísta
al asunto. Finalmente, ocupando los últimos 10 BD minutos del disco, "Leathery
Gentlemen", pieza donde la banda muestra las aristas más bestiales de su
esencial extroversión metalera, y de hecho, lo que sucede aquí en los primeros
6 minutos y pico en una secuencia perpetua de truenos y relámpagos traducidos a
los lenguajes de la guitarra eléctrica y la batería. Luego, el grupo elabora un
breve puente minimalista que conduce hacia un ejercicio final de exacerbados
delirios psicodélicos, kilométricamente potencializados con una polenta
típicamente doom-metalera.
Todo esto fue la experiencia de "Speak Loud Say Nothing", un muestrario de
vigor galopante y psicosis traviesa que refleja la peculiar intensidad de
Wizard Rifle, un grupo que ya viene generando un público de culto dentro del
underground estadounidense y que, anticipamos, tiene aún mucho que ofrecer al
ideal del metal experimental en el futuro próximo.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: 2112 - "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" (2012)
2112: "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" (2012)
Temas
1. Los Hermanos Lombardi (7:43)
2. Doble Tiempo Alternado (4:02)
3. Marea Sepia (4:37)
4. Capitán Beatty (3:56)
5. Mi Río (3:07)
6. Mi Desierto (3:48)
7. El Montañes (4:40)
8. Ingeniero Marconi (4:14)
9. Caída Atmosférica (4:20)
10. Canción Del Espacio Para Cantar Con Amigos (7:21)
11. La Amenaza De La Estrellita Negra (4:06)
12. Christine Watkins (4:55)
Integrantes
- Sergio Moscatelli: batería
- Juan Tambussi: guitarras
- Gabriel Costa: bajo y coros
- Germán Ivaldi: voz solista
2112, leyenda viviente del prog-metal argentino, afronta el año 2012 con un
nuevo disco titulado "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi", el mismo
que lo muestra como una fuerza musical vigente a través de su muy curtida
veteranía y la inconstancia de su presencia efectiva dentro del escenario
fonográfico de su país. Doce años y ciertos cambios de alineación tuvieron
lugar desde el tiempo del tercer disco de la banda "Glory Lies Ahead". Hoy por
hoy, 2112 ha abandonado su tradicional esquema de power-trío para operar como
un cuarteto donde permanecen el guitarrista Juan Tambussi y el baterista Sergio
Moscatelli, mientras que el bajista uruguayo Gabriel Costa le da un brisas de
radiante frescura a la dupla rítmica y el cantante Germán Ivaldi (el miembro de
más reciente ingreso) hace de sus participaciones vocales el ingrediente final
para la compleción de las proyecciones melódicas del grupo. Este disco ha
tomado bastante tiempo para completarse, e incluso provocó que se hiciera una
especie de postergación de la celebración del vigésimo aniversario del disco
debut de la banda ("Alterando Las Divisiones"), pero a la luz de los resultados
auditivamente palpables, cabe concluir que el empleo adicional de tiempo para
darle forma conclusiva al concepto de "El Maravilloso Circo De Los Hermanos
Lombardi" ha valido la pena. Tal vez estamos ante el mejor disco del grupo
hasta la fecha.
La pieza que nombra en su título a los dueños del Maravilloso Circo abre el
disco con un motivo introductorio tremendamente electrizante, dejando luego
paso a un cuerpo central asequible que suena a un híbrido del Thin Lizzy
clásico con el Rush de "2112", además de algunos desarrollos y quiebres
rítmicos que nos remiten claramente al DT de "Train Of Thought". El grupo pone
toda su carne en el asador desde el punto de partida con esta canción que es la
más larga del repertorio. Esta actitud de plena confianza en su propia
muscularidad musical que se confirma con la secuencia de los dos temas
siguientes, que son "Doble Tiempo Alternado" y "Marea Sepia". Portando ambos un
desarrollo menos extenso, cabe especificar primero que ""Doble Tiempo
Alternado" exhibe un swing de corte heavy-funky al estilo Zeppeliniano con
algunas alusiones a los recursos de sofisticación que en su momento Soundgarden
elaboro para su propia maduración post-grunge. Por su parte, "Marea Sepia"
empieza apelando a climas más controlados dentro de un esquema pop-rockero en
el que el grupo explora las facetas más sutiles de su agenda estilística; pero
además, la dupla rítmica elabore algunos pasajes de tendencia jazz-rockera en
su dinamismo arquitectónico a fin de permitir la fluida incepción de algunas
variantes rítmicas a mitad del camino, lo cual determina que el momento final
adquiera un cierto matiz épico. "Capitán Beatty" es el primer instrumental del
álbum, el cual se puede muy bien calificar como un tributo simultáneo al Rush
76-78 y al Rush 93-95: el despliegue de vitalidad rockera se reviste de
majestuosa ingeniería melódica con una saludable dosis de cambios de ritmos y
ambientes. Luego sigue la secuencia de las canciones "Mi Río" y "Mi Desierto":
la primera suena como una semi-balada de Rainbow, mientras que la segunda nos
remite parcialmente al aura de "Doble Tiempo Alternado", aunque con un arreglo
patentemente más sencillo.
La segunda mitad del disco se inicia con "El Montañés", pieza llamativa sobre
un medio tiempo que reitera el aire accesible y relativamente sencillo que
había marcado los dos temas precedentes, un poco como la faceta más asequible
de Satriani: algunos breves interludios en 7/8 y un espectacular (aunque no muy
extenso) solo de guitarra hacen la diferencia dentro del calculado desarrollo
melódico de la canción en cuestión. Le sucede el segundo instrumental del
disco, "Ingeniero Marconi", tema que reitera la lógica de progresiones
complejas y refinada ilación de variantes y contrastes de la que el encuadre
instrumental ya había hecho gala en "Capitán Beatty". En comparación, las ideas
melódicas contenidas en este instrumental portan una ambientación un poco más
extrovertida, y además, la dupla rítmica explora dinámicas un poco más ligeras.
Con "Caída Atmosférica", el grupo explora nuevamente el dinamismo constreñido
de la semi-balada, coqueteando en buena medida con las amplias pautas de la
etiqueta del rock alternativo, aunque sin dejar de recurrir a trucos de energía
fiera propias del estándar heavy. "Canción Del Espacio Para Cantar Con Amigos",
la segunda canción más extensa del repertorio, establece una vía intermedia
entre el tono amigable de piezas como "El Montañés" o "Mi Desierto" y la
actitud más sofisticada que hallamos en los dos primeros temas. El tercer y
último instrumental del disco es "La Amenaza De La Estrellita Negra", tema que
desarrolla un refrescante enfoque Dream-Theatero a la esencia del Rush más
filudo de los últimos 20 años. Durando casi 5 minutos, "Christine Watkins"
cierra el álbum con una actitud sólida donde las armazones normalmente
ostentosas del prog-metal estandarizado se articulan dentro de una ingeniería
de grooves bastante llamativos, la cual nos recuerda, una vez más, al legado de
Rush en sus manifestaciones más rugientes: el robusto impacto inherente a esta
canción es tremendamente apropiado para concluir el álbum.
2112 se ha superado a sí mismo en varios aspectos con este nuevo disco: "El
maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" es una esplendorosa exposición de
maravillosas postales rockeras donde la exhibición de colorido musical,
florituras y trucos se hace con muy buen gusto y una estricta fidelidad a los
ideales de energía y vigor esenciales al lenguaje rockero. Prog-metal de gran
factura significa rock progresivo con énfasis en las tradiciones del rock duro
clásico y el heavy 80ero, o también metal reformulado por vía de un compromiso
con los ideales del rock artístico: sea cual sea el enfoque que se dé a esta
vertiente rockera, 2112 domina sus estándares con buen pulso e ingenio a
raudales. !Recomendado!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ZEVIOUS - "After The Air Raid" (2009)
ZEVIOUS: "After The Air Raid" (2009)
Temas
1. Where's The Captain? (5:11)
2. Coma Cluster (4:42)
3. Mostly Skulls (5:12)
4. That Ticket Exploded (5:54)
5. The Noose (4:28)
6. Inciting (4:39)
7. Gradual Decay (4:45)
8. The Ditch (5:49)
9. After The Air Raid (3:20)
10. The Children And The Rats (4:59)
11. Glass Tables (4:35)
Integrantes
- Mike Eber: guitarras
- Jeff Eber: batería
- Johnny DeBlase: bajo
Zevious es el nombre de un power-trio afincado en Nueva York cuya línea de
trabajo va por un progresivo jazz-rockero y psicodélico, portando bastantes
afinidades con
Attention Deficit, Xaal, TheRhythmIsOdd, y cómo no, el estándar Crimsoniano. La
idea de formar un grupo surgió en 1999 cuando el guitarrista Mike Eber y el
bajista Johnny DeBlase se conocieron en Pennsylvania, cuando aún estaban en
secundaria. Con el paso de los años, ya afincados en Nueva York y después de
que se les uniera el primo de Mike, un baterista llamado Jeff, se gestó
formalmente este trío con la misión de crear música jazz-rockera con un
entusiasta giro experimental, aprovechando sus respectivas experiencias en
bandas de rock, funk y prog-metal. Tras un disco debut de 2008 donde el trío
enfatizó la instrumentación acústica, llegó "After The Air Raid", un segundo
disco electrizante y enérgico que supone la verdadera carta de presentación de
Zevious - éste es el disco que pasamos a reseñar a continuación.
"Where's The Captain?" abre el disco con un despliegue explícito pero
inteligentemente comedido de vigor psicodélico dentro de una estructura
jazz-rockera armada sobre un swing ágil y llamativo: imaginemos un jam perdido
del King Crimson de los últimos días de la etapa "Red" que ha sido retomado por
la dupla rítmica de Attention Deficit y el guitarrista de Forever Einstein, y
así nos podremos hacer una buena de qué van tanto esta pieza como la siguiente,
titulada "Come Cluster". En efecto, este tema está a cargo de perpetuar la
robusta dinámica grisácea de "Where"s The Captain?" pero con una luminosidad
más opaca. El trío se orienta hacia una dosis mayor de gracilidad en "Mostly
Skulls", tema que refleja algunas de las aristas más afiladas del sonido
grupal, aunque sin establecer un abierto contraste con los dos temas
precedentes. Los solos de Mike Eber exhiben disonancias osadas de corte R.I.O.,
enfatizando así la muscularidad extra en curso. "That Ticket Exploded" se
retrotrae hacia las dimensiones más densas del ensimismamiento, pero no para
explorar ambientes calmados sino para traducir su consistente vigora una faceta
más misteriosa, incluso más oscura. La luminosidad regresa con "The Noose"
(pieza muy reminiscente de las vibraciones dominantes de "Where"s The
Captain?") y se intensifica sólidamente con "Inciting", tema que suena a un
híbrido de TheRhythmIsOdd y Gordian Knot. "Gradual Decay" es un nuevo ejercicio
de Crimsonismo jazzeado, con claras alusiones a los exigentes estándares de
Holdsworth en la participación de la guitarra. "The Ditch", por su parte,
recupera los ecos de fulgurante extroversión y ágil neurosis anteriormente
manifestados en "Mostly Skulls" e "Inciting". La pieza homónima consiste en un
ejercicio de minimalismo crepuscular de alto relieve R.I.O., algo así como un
retazo musical de Present empapado de la languidez emotiva propia de un GYBE!
Es un poco frustrante que este ejercicio tenga la corta duración de 3 minutos y
pico, pero es de suponer que su función principal es la de preparar el terreno
para "The Children And The Rats", pieza que establece un intermedio entre la
estilizada agresividad de "Mostly Skulls" y la oscura magia de "Gradual Decay".
El clímax conclusivo es arrollador en su inquietante densidad. Los últimos
cuatro minutos y medio del álbum están ocupados por "Glass Tables", tema que
permite al grupo retomar su preocupación por el swing y la dinámica rockera
desde una agilidad más ligera, retomando en buena medida el espíritu central de
"The Ditch".
Los amantes de las vertientes psicodélicas y jazz-rockeras del ideal de la
música progresiva estarán de plácemes cuando se tomen un tiempo para prestar
atención a la propuesta de Zevious. Lo escuchado en "After The Air Raid" es una
invitación poderosamente sugerente para hacerlo.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ECLAT - "L'Esprit Du Cercle" (2012)
ECLAT: "L"Esprit Du Cercle" (2012)
Temas
1. Sawaka Song - 2:11
2. Muse Et Ame - 4:55
3. Medication - 3:20
4. 13 - 5:09
5. Au Fil De l"Eeau - 5:14
6. Emotion - 4:33
7. L"Esprit Du Cercle - 9:18
8. Rythme Infernal - 4:28
9. Peplum - 3:56
Integrantes
- Alain Chiarazzo: guitarras
- Thierry Masse: teclados
- Fabrice di Mondo: batería, percusión
- Frédéric Schneider: bajos
Colaborador - Jerry Marotta (tambores en 1)
Después de muchísimos años desde que enamorara nuestros oídos y corazones con
su estupendo disco "La Cri De La Terre" (un decenio competo, para ser más
exactos), el grupo francés Eclat vuelve a hacerse presente en la actualidad de
la escena progresiva con su quinto trabajo de estudio: "L"Esprit Du Cercle". No
es chocante que este disco sea íntegramente instrumental, pues con sus dos
discos anteriores la banda había mostrado una infinita preferencia por
composiciones carentes de participación cantada, y teniendo en cuenta la
elegancia performativa y el buen gusto de su ingenio compositivo, Eclat es
capaz de evidenciar su exquisito aporte al género progresivo dejando que los
instrumentos sean las únicas voces. La verdad que el grupo se ha lucido
enormemente una vez más: a modo de balance aproximativo inicial, cabe afirmar
con certeza que este disco no defraudará en nada a los conocedores y será muy
del agrado del fan progresivo promedio que aún no está familiarizado con la
obra de este grupo fundado por el guitarrista Alain Chiarazzo a fines de los
80s. Otro dato interesante para el fan progresivo: la portada fue hecha por
Paul Whitehead, el mismo de las portadas más llamativas del mejor periodo de
Genesis.
"Sawaka Song" abre el disco con un candoroso motivo fusionesco de tenor
afro-musulmán sobre una ágil arquitectura rítmica crucialmente alimentada con
percusiones tonales. Esta apertura de poco más de 2 minutos de duración nos
prepara para el arribo de "Muse Et Ame", hermosa exhibición de jazz-prog que
ostenta influencias de Happy The Man y Camel con una frescura melódica muy
pertinentemente colorida, al modo de los momentos más extrovertidos de "Le Cri
De La Terre" y "Volume 3". Queda claro que Eclat sigue teniendo terreno donde
explorar en su propia dimensión sinfónica, así como queda claro que su faceta
más introvertida también sigue siendo terreno fértil para la creatividad
melódica: en efecto, "Medication" es un ejercicio de solemnidad melancólica
finamente armada sobre un motivo de duales guitarras acústicas, mientras que la
sobria base rítmica y los arreglos de cuerda van enriqueciendo la atmósfera
reinante en preparación para la ulterior emergencia de la guitarra eléctrica.
"13" regresa al territorio jazz-sinfónico antes planteado por "Muse Et Ame",
solo que esta vez los matices dibujados por la instrumentación se focalizan en
tonalidades moderadamente opacas, logrando así envolver en un aura de misterio
el muy arábigo motivo central en 13/8. Hay un "je ne sais quai" Canterburyano
en la ambientación plasmada por el ensamble en esta ocasión (un poco a lo
Accordo Dei Contrari con Fonderia), aunque esencialmente la pieza se siente
enraizada en el concepto estilizado propio de la tradición sinfónica (a lo
Camel). "Au Fil De l"Eeau" sigue justamente por esta misma senda, aunque cabe
notar que el talante contemplativo está más iluminado, como si hubiéramos
pasado de un paseo vespertino otoñal a un atardecer primaveral. El solo de
sintetizador que emerge en algún lugar del intermedio es espectacular, como un
tributo a Kit Watkins, mientras que los cimientos organizados por la dupla
rítmica claman a grito pelado el influjo de National Health y Gilgamesh. Y por
supuesto, la guitarra se luce también en un par de solos cuyas florituras
tienen total sentido dentro del muy impecablemente organizado bloque sonoro.
Juntos, estos dos temas duran poco más de 10 minutos, pero el oyente empático
desearía que duraran un poco más: tal es el embrujo que poseen sus respectivos
enfoques melódicos.
Como si no fuese suficiente tanto sortilegio seguido, llega "Emotion" para
devolvernos a las dimensiones más sentimentales del mundo musical de Eclat: una
pieza hermosa que hubiera llenado de orgullo a Happy The Man, Ain Soph o
Holding Pattern, sin duda, y cuya expansión de 4 BD minutos se siente, a fin
de cuentas, un "poco demasiado" breve. Pero la brevedad no es un problema para
la pieza homónima, la cual goza de un espacio de más de 9 minutos para
manifestar su propia expresividad. Se trata de una balada progresiva
instrumental articulada a ritmo de blues, con algunos toques de vals sinfónico:
imaginemos un "hermano bastardo" del clásico Cameliano post-Bardens "Ice" que
ha sido reciclado y reformulado por un ensamble de músicos de Focus y Fermata,
y podremos hacernos una buena idea de lo que nos espera con esta conmovedora
composición, manejada con delicada soltura y una suavidad estilizada a la
n-potencia. Después de este paseo por los rincones crepusculares del alma,
llega "Rythme Infernal" con la finalidad de reconstruir una cruza entre "13" y
"Au Fil De l"Eeau": una vez más, un gran oficio a la hora de reconstruir el
estándar del jazz-prog con fuertes connotaciones Canterburyanas sin descuidar
del todo el elemento sinfónico en ciertas florituras melódicas estratégicamente
ubicadas en el desarrollo temático. Finalmente, "Peplum" explora ambientes
espaciales cuidadosamente focalizados en una ingeniería sónica envolvente,
dueña de una muy pulida orquestación, al modo de una mezcla del "Theme Of
Secrets" de Jobson y "The First Seven Days" de Hammer. Es como cerrar el álbum
con una mirada final al cosmos que proyecta hacia el exterior algunas de las
más enigmáticas inquietudes del yo.
Todo esto fue "L"Espit Du Cercle", un disco bellísimo que no solo nos trae de
vuelta bienaventuradamente a Eclat, sino que lo confirma como una voz sumamente
importante para la realidad del escenario progresivo francés tanto del pasado
reciente como de la actualidad.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DIAGONAL - "Diagonal" (2008)
DIAGONAL: "Diagonal" (2008)
Temas
1. Semi Permeable Men-Brain (10:54)
2. Child Of The Thunder-Cloud (8:49)
3. Deathwatch (7:18)
4. Cannon Misfire (5:32)
5. Pact (14:00)
Integrantes
- David Wileman: guitarras, percusión, sintetizador, voz
- Nicholas Whittaker: saxofón alto, clarinete, flauta, flauta dulce,
sintetizador, percusión, voz
- Alex Crispin: pianos, órgano, sintetizadores, percusión, voz principal
- Daniel Pomlett: bajo eléctrico, guitarras, percusión, voz
- Nicholas Richards: guitarras, e-bow, sintetizadores, percusión, voz
- Ross Hossack: sintetizadores, cintas, filtros, percusión, voz
- Luke Foster: batería, sintetizadores, arreglos de cuerda, voz
Diagonal es un septeto formado recientemente en la localidad británica de
Brighton (la cual cuenta con una muy ocupada escena underground) y que tomó por
sorpresa a la comunidad internacional de amantes del género progresivo con su
disco homónimo de 2008. Lo que encontramos en "Diagonal" es una propuesta
nostálgica a la vez que revitalizadora de varios referentes de las viejas
escuelas de la psicodelia y la fase adolescente del estándar progresivo:
Gnidrolog, Arzachel, Khan, Cressida, remodelaciones estilizadas del Hawkwind de
"Hall Of The Mountain Grill" y del Amon Dl II del "Tanz Der Lemminge", así
como apoyos inspirativos en el Genesis del "Tresspass" y el King Crimson 69-70,
todos ellos han dejado alguna huella importante dentro de la amalgama
estilística que Diagonal maneja solventemente. En cuanto a nombres
contemporáneos respecto a los que el sonido de este ensamble guarda evidentes
afinidades, se nos ocurren Hypnos 69 y Eldberg, y un poco también Areknamés.
Una característica saltante dentro del repertorio de Diagonal es que los viajes
proyectados en los jams no buscan extenderse demasiado, sino que más bien son
"pretextos" para hilar diversos motivos; así pues, el ensamble opera como una
orquesta donde cada responsabilidad performativa se sostiene claramente en su
posición bien enmarcada dentro del todo. Es una psicodelia alevosamente
sinfónica, o si se quiere a la inversa, un sinfonismo retro reactivado por vía
de esquemas sonoros propios de la edad de oro de la vanguardia psicodélica
europea que se inició a fines de los 60s. Vayamos ahora al repertorio del disco
en sí para entrar en los sucesivos detalles del mismo.
Durando cerca de 11 minutos, "Semi Permeable Men-Brain" abre el disco con un
colorido dinamismo perfilado y focalizado en una arquitectura sónica bastante
aguerrida sin llegar a extremos de agresividad. Los cambios de ritmo y las
variaciones de compás se manejan con bastante buen nervio, logrando concretar
una estupenda cohesión a través de la diversidad de motivos. El jam de los
últimos minutos, el cual incluye un pequeño pasaje multi-percusivo y un breve
solo de batería, se explaya en las facetas más extrovertidas de la propuesta
sonora esencial de Diagonal. Haciendo contraste con este ejercicio de
psicodelia progresiva abundante en colores, "Child Of The Thunder-Cloud"
comienza remitiéndonos a un aura de otoñal ensimismamiento bajo la guía doble
del piano y el clarinete, un dueto que elabora un pasaje introductorio sutil y
relajante. Una vez instalado el cuerpo central, éste se revela dueño de una
vibración sinfónica sólida en su carácter evocativo. Las capas de sintetizador
y las suaves florituras de piano conforman la base del núcleo melódico, al
menos hasta que después de pasada la barrera del quinto minuto, la pieza
incorpore un minimalista interludio cósmico en camino hacia una variante
jazz-rockera de la atmósfera predominante en el cuerpo central. Llegado este
momento, el bajo se convierte en aliado del piano y las dos guitarras
encuentran un mayor campo de expresión tanto en las bases armónicas como en los
discretos fraseos solistas que entran a tallar en ciertos momentos. La puerta
está abierta para que el grupo siga explorando sus rincones más contemplativos,
y es justamente el turno de "Deathwatch", pieza que se centra en el desarrollo
melódico establecido por el canto y el piano eléctrico de Alex Crispin. La
pieza da vueltas en torno a un ambiente consistentemente melancólico, el cual
se beneficia de un gradual enriquecimiento instrumental aportado por las
inteligentes armazones de las dos guitarras y el manejo de ornamentos
sobriamente fastuosos de parte de los teclados de apoyo y las delicadas
intervenciones de los vientos. Cambiando las cosas, "Canon Misfire", pieza
instrumental cuya estrategia sónica establece una grácil recapitulación de la
luminosidad desarrollada en las últimas secciones de "Semi Permable Men-Brain":
el grupo maneja la magia de los riffs y las inusuales métricas rítmicas con
impecable pulso, haciendo gala de su vigor rockero a la par que lo mantiene
bajo control para que no se dé alguna clase de desborde que termine por
distorsionar el groove. El disco concluye con "Pact", el tema más largo del
mismo, durando 14 minutos. El grupo aprovecha convenientemente e espectro
temporal proyectado para esta pieza en particular con el propósito de explorar
las facetas más ambiciosas de su visión musical. En efecto, los motivos están
pulcramente elaborados en sus respectivos esquemas melódicos, y la dupla
rítmica apuesta por darle un aumentado groove jazzero a varios pasajes de su
ingeniería; también hallamos un intermedio lánguidamente sereno afín a los
modelos de Pink Floyd (etapa del "Wish You Were Here") y Yes (etapa del "Takes"
y del "Relayer"); finalmente, la coda se arma en torno a un sencillo motivo en
3/4 cuya ceremoniosa lentitud le permite enseñorearse con un aire de calmada
magnificencia, algo muy a lo Novalis.
Diagonal y su disco homónimo son dos referentes muy valiosos dentro del estado
de cosas del género progresivo que se ha venido desarrollando en lo que va de
milenio. Los niveles de frescura y ecléctico ingenio que Diagonal incorpora al
legado de la experimentación psicodélica son razones más que suficientes como
para recomendar altamente este disco a los coleccionistas que siempre hay por
ahí.
César Mendoza
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Viaje_a_800:_"Coñac_Oxigenado"_ 282012 29
Viaje a 800: "Coñac Oxigenado" (2012)
Discografica: Alone Discos
Temas:
1. Oculi Omnium in te Sperant Domine (12:20)
2. Ni perdón ni Olvido (7:26)
3. Eterna Soledad (10:35)
4. Tagarnina Blues (6:03)
5. What's Going On (14:42)
Músicos:
- José Francisco Moreno "Poti": voz recitada, bajo, teclados y theremin
- José Ángel Alberto Mota: Guitarras
- Chumbo Pol Elder: guitarra
- David Jess Carbone: batería
Desde Algeciras (Cádiz) el tercer disco en 12 años de esta banda que
practica una música fusionadora de estilos como el Stoner, el Hard Rock, lo
psicodelico y el rock progresivo. Pink Floyd, Black Sabbath, Hawkwind,
Barricada y de una forma mas moderna a los Hypnos 69 y a los vascos The
Soulbreaker Company.
Trabajo realizado como póstumo, la banda ha anunciando su fin, esperemos
que se lo piensen y vuelvan con este estilo, ya que este "Coñac Oxigenado"
suena mas que nunca el componente progresivo, además de psicodelico y
cosmico a lo Kautrock.
El disco empieza con "Oculi Omnium in te Sperant Domine" un tema claramente
stoner pero con pasajes psicodelicos y unas palmas delatadoras de su
carácter y sello andaluz mezcladas con efectos de botellas y de carruajes,
le sigue "Ni perdón ni Olvido" un tema Hard "urbano" a lo Barricada con
pasajes lisergicos y un toque aflamencado al final, en ocasiones el canto
se vuelve voz recitada de la mano de José Francisco Moreno en forma
agresiva y con mucha ira.
Eterna Soledad es una acústico sureño minimalista y repetitivo con algún
deje psicodelico y con un toque especial a Pink floyd en las guitarras, el
cuarto tema "Tagarnina Blues" mezcla la piscodelia con los relatos y para
acabar una versión muy particular de "What's Going On" de Buffalo, con un
stoner oscuro, Pink Floyd, buenos cambios de ritmo, un toque progresivo en
los pasajes instrumentales, lisergia y psicodelia a lo Hawkwind.
En definitiva nos encontramos con el trabajo mas progresivo de la banda
andaluza, fieles al stoner pero con un agradecido interés en explorar o
fusionar otras hierbas...
Salu2 stonerrogresivos
(c) Juan 2012
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DOMO - "Domo" (2011)
DOMO: "Domo" (2011)
Temas
1. Nadi (6:30)
2. Prana (11:57)
3. Asura (8:52)
4. Pretas (3:12)
5. Yamantaka (8:27)
6. Eta Carinae (1:59)
7. Samsara (24:03) [incluye un hidden track]
Integrantes
- Sam: guitarras, efectos
- Paco: batería
- Oscar: bajo, voz
Domo se forma a principios de 2010 en Alicante bajo la iniciativa de tres
músicos dispuestos a explorar y reelaborar las aristas más filudas de la
experimentación psicodélica. Desde su esquema de power-trío, Domo se siente muy
cómodo jugando con las estructuras clásicas de la psicodelia heavy, el kraut
guitarra-céntrico, el space-rock y el stoner, todo ello dentro de una
arquitectura progresiva que pone rotundo énfasis en el carácter electrizante de
la esencia del rock. Su homónimo disco debut, grabado a fines de 2010 y editado
en enero del año siguiente (además de difundido en Bandcamp), es un muestrario
de más de una hora de duración donde el grupo asienta sus inquietudes con
músculo y solvencia, aportando una vitalidad especial dentro de la vanguardia
española del momento, al igual que lo hacen otras bandas contemporáneas de la
escena ibérica como El Páramo, Cuzo, Toundra, etc.
Con la secuencia inicial de "Nadi" y "Prana", tenemos un espacio de más de un
cuarto de hora para familiarizarnos frontalmente con la energía y vitalidad con
que los esquemas sónicos de Domo llenan el entorno del oyente y electrizan su
mundo interior. "Nadi", en efecto, está marcado por una cadencia austera,
engañosamente lánguida, cuyo esquema rítmico constreñido sirve para dosificar
la expresión de la fuerza latente que emerge de los fraseos Hendrixianos de la
guitarra. "Prana", por su parte, incrementa a ritmo geométrico las dosis de
expresividad e intensidad, estableciendo una contundente mezcla de recursos de
fortaleza rockera que tiene que ver con los legados de Ash Ra Tempel (la
energía sofisticadamente exultante), Led Zeppelin (el swing magnético) y
Hawkwind (la vibrante aspereza cósmica). El manejo de un interludio en clave
serena durante cierta extensión de tiempo sirve para enriquecer la
dimensionalidad mayormente robusta de la composición nuclear de la pieza.
"Asura", el tercer tema, prosigue por la senda de frenesí lisérgico de "Prana",
alimentándolo con retazos exóticos de sutil inspiración arábiga y
capitalizándolo con una acentuada complejidad en cuanto a los arreglos
rítmicos. Luego sigue la secuencia de "Pretas" y "Yamantaka": "Pretas" es un
preludio armado con escalas de guitarras acústicas que se explayan sobre unas
distantes capas un tanto siniestras de sintetizador, abriendo así la puerta a
"Yamantaka", pieza que establece una efectiva síntesis entre la vitalidad
rotunda y sofisticada de "Asura" y la fiereza contemplativa de "Nadi". "Eta
Carinae" es un preludio espacial que tiene mucho de Tangerina Dream y Cluster,
un breve paseo por cristalinas atmósferas etéreas antes que "Samsara" culmine
el repertorio del disco. La susodicha pieza empieza elaborando una larga
exploración de territorios de sutileza introspectiva dentro del discurso
psicodélico propio del grupo, hasta que llega el momento de la soltura
explosiva y pulsátil, un despliegue incandescente de fuego y músculo, un motivo
llamativo que parece disolverse demasiado pronto en un fade-out. Después de
varios minutos de silencio, emerge un hidden track que dura 5 minutos, el cual
desarrolla una agresividad sofisticada muy al estilo de "Prana" y "Asura".
En fin, tenemos en Domo un referente importante para entender y apreciar las
vertientes del underground español basados en la iniciativa de recuperar y
reformular los lenguajes del stoner y el rock psicodélico dentro de un esquema
musical ambicioso, genuinamente progresivo, una avanzada que respeta mientras
reconstruye tradiciones marcados por la contundencia de los sonidos, atmósferas
e intensidades. Realmente vale la pena prestar atención a este gueto que tiene
tantas propuestas excitantes - como la de Domo en esta ocasión - que ofrecer al
público ávido de algo realmente interesante dentro de la ideología rockera.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TRIBAL TECH - "X" (2012)
TRIBAL TECH: "X" (2012)
Temas
1. Mech X (4:52)
2. Got Faith 'N Phat (7:10)
3. Time Lapse (7:38)
4. Anthem (5:28)
5. Palm Moon Plaza (7:35)
6. Gravity (3:40)
7. Working Blue (7:01)
8. Ask Me A Question (5:24)
9. Let's Get Swung (5:07)
10. Corn Butter (4:25)
Integrantes
- Scott Henderson: guitarras
- Gary Willis: bajo
- Scott Kinsey: teclados
- Kirk Covington: batería
Tribal Tech, el cuarteto liderado por la dupla de Scott Henderson y Gary Willis
y completado por Scott Kinsey y Kirk Covington, vuelve al ruedo fonográfico
doce años después de su disco anterior "Rocket Science". "X" es el apropiado
título para su décimo trabajo de estudio, un trabajo que marca un retorno
poderoso que revela a Tribal Tech como una fuerza musical imponente a través
de los años de hiato. Justamente en este año se cumple el vigésimo aniversario
de "Illicit", el disco con el que comenzó a operar la alineación de Tribal Tech
que hasta el día de hoy sigue vigente. No hay mayores novedades en el frente
del estilo y el esquema sonoro grupal, pero sí hay una innegable exhibición de
refrescantes ideas compositivas en este nuevo disco, lo cual sirve para seguir
justificando el lugar tan importante que ocupa esta banda como influencia
recurrente para el desarrollo del jazz-rock de los 90s en adelante así como una
inspiración para el surgimiento del jazz-prog-metal. Tribal Tech es no solo el
testimonio de un pasado que se remonta hasta los 80s, sino también un presente
muy vital que sabe dignificar el legado de la vanguardia jazzera para nuestros
tiempos actuales: repasemos el repertorio de "X" para confirmar esta
afirmación.
Durando casi 5 minutos, "Mech X" inicia este rito de retorno con energía a mil:
riffs suntuosamente agresivos, efectos tortuosamente cósmicos de teclado y una
cadenciosa labor de pesadez rítmica generan el perfecto preludio para lo que
será un exquisito ejercicio de musicalidad llamativa que halla maneras
inteligentes de reciclar su robustez esencial. El siguiente tema "Got Faith 'N
Phat", explora recursos de ligereza sobre un tratamiento funky de estándares
heredados de la tradición jazz-fusion de los 70s (claramente a lo Weather
Report y Return To Forever), mientras que "Time Lapse" (un disco que se
distancia tantos años del precedente debe incluir un tema con un título así) va
más por la línea de un híbrido entre Tony Mac Alpine y el Holdsworth de inicios
de los 90s, aunque con una vibración jazzera más pronunciada. Henderson se luce
como queriendo demostrar que nunca tuvo un letargo, mientras que el solo de
Kinsey al piano eléctrico da amplias muestras de su clase como músico. ?Y qué
decir de la dupla rítmica? - Willis y Covington se lucen enormemente
funcionando como un organismo holístico, llenando espacios desde su
arquitectura global e incluso generando un increíble solo de bajo ya cerca del
final. Más adelante, "Palm Moon Plaza" y "Working Blue" exploran senderos
sónicos más plácidos, relativamente guiados por la lógica de la
auto-contención. Durando ambos temas más de 7 minutos, el grupo cuenta con
espacio suficiente para explorar las atmósferas disponibles para que se
potencialicen desde sus bien definidos cuerpos centrales respectivos: "Palm
Moon Plaza" opera con una atmósfera crepuscular envolvente aunque no carente de
momentos musculares, mientras que "Working Blue" se focaliza en explorar
recursos de estilizada introversión tras un preludio psicodélico, y con un
manejo constreñido de los pasajes donde la expresividad asciende moderadamente
de nivel. "Anthem", a despecho de su título bombástico, es en realidad una
pieza marcada por un lirismo cálido sobre un compás sereno, donde el encuadre
sonoro articulado por el cuarteto porta un aura de sobria melancolía. Se puede
decir que en esta tríada de "Palm Moon Plaza", "Working Blue" y "Anthem" se
concentran las facetas de mayor inspiración lírica dentro de lo que la banda ha
creado para este disco. Cuando el asunto se vuelve un poco más ruidoso, se
trata en realidad de un caso de expansión del colorido musical en curso, una
evolución especial del tenor extrovertido latente en el núcleo compositivo de
la pieza. "Gravity" vuelve a la nostalgia de los tiempos del esplendor del
jazz-fusion 70ero, y lo hace con suficiente gracilidad como para permitir que
los solos de guitarra afiancen su fuerza de carácter con confianza: como
siempre, Covington opera como mitad máquina/mitad organismo en su laboriosa
cimentación rítmica. "Ask Me A Question" es la rara avis de este repertorio: se
trata de un ejercicio de estilizada psicodelia con base hindú dentro de un
típico encuadre jazz-progresivo. Quedan poco menos de 10 minutos para que
concluya el álbum y esta misión es cumplida por la secuencia de "Let"s Get
Swung" y "Cora Butter": el primero de estos temas organiza una exquisita retoma
de la aureola refinadamente brumosa del Weather Report de la etapa "I Sing The
Body Electric", mientras que el segundo se fija en la herencia del Herbie
Hancock explorador de "Head Hunters".
Todo esto fue "X", un trabajo muy bien hecho, una labor de artesanía
jazz-rockera donde Tribal Tech concentra muchas de sus virtudes creativas y
performativas que germinaron los momentos más brillantes de sus trabajos más
destacados, como "Tribal Tech", "Illicit", "Reality Check" y "Rocket Science":
a partir de ahora, hay que contar también con "X" como parte de este
multivalente cénit musical de Tribal Tech. !Recomendado!
César Mendoza
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