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La caja de musica Number 0996
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #996 agosto 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* LYE BY MISTAKE - "Fea Jur" (2009)
* SEIKAZOKU -
* KINDER - "Archipiélago" (2012)
* Anachronos en vivo - 21 de setiembre
* AHVAK - AHVAK (2004)
* ROMANTIC WARRIORS II - ABOUT ROCK IN OPPOSITION (2012)
* R.I.P. Lol Coxhill
* HEXATONICA - "El Visionario" (2012)
* FarFest ha sido cancelado
* el 1ro de ETRON FOU LELOUBLAN
* Court: "Twenty Flying Kings" (2012)
* UNIVERSAL MUSIC reeditarÃ! el catÃ!logo completo de FRANK ZAPPA
* El Retorno del Gigante TV Programa 4-AGOSTO-Fechas de Shows-Sorteos Entradas
* LCDM: 2112 + REDD, 7 de setiembre
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LYE BY MISTAKE - "Fea Jur" (2009)
LYE BY MISTAKE: "Fea Jur" (2009)
Temas
1. Big Red Button (4:04)
2. The Condition (6:08)
3. Invincible Bad Ass (5:45)
4. Vanguard To Nowhere (8:52)
5. Stag (5:25)
6. Fea Jur (7:12)
7. Missouri Tomater (1:26)
8. Money Eating Mary (Karaoke Remix) (11:04)
Integrantes
- Josh Bauman: guitarras
- Johnnie Truesdale: bajo
- Drew Button: batería, percusión
Segundo disco en su haber y primero netamente instrumental, "Fea Jur" es, en
nuestra opinión, la mejor vía de entrada al mundo musical de Lye By Mistake
para el neófito. Formado en Missouri en el año 2004, Lye By Mistake es un grupo
dedicado al metal experimental que empezó sus días como un cuarteto con el
vocalista Tony Saputo incluido, y fue así que editó el EP "The Fabulous" a
pocos meses de formado y en 2006 el disco debut "Arrangements For Fulminating
Vective". Dos años después, Saputo se fue de la banda, y el trío remanente
decidió seguir como ensamble instrumental tras desistir de la idea inicial de
buscar un reemplazo para Saputo. Teniendo en cuenta que este grupo crea un
estilo metalero vitalista y alevosamente complejo, en base a la amalgama de
jazz-rock, prog-metal estandarizado, mathcore, deconstrucciones propias del
avant-prog y psicodelia, cabe decir que el modus operandi puramente
instrumental resulta una estrategia que se acomoda mejor a las potencialidades
de explotación de todas estas aristas sónicas. En fin, "Fea Jur", disco grabado
y publicado en 2009, parece la demostración decisiva de ello.
"Big Red Button" abre el disco con una exhibición de fuego volcánico hecho
sonido, un equilibrio crucial entre la impactante vitalidad del mathcore y las
facetas más retorcidas del prog-metal, aunque lo suficientemente estilizado
como para dejar que emerjan también unos convenientes patrones jazz-rockeros
con la finalidad de completar una sofisticada ingeniería musical. "The
Condition" da mayor prioridad al factor jazz-rockero aunque el eclecticismo
vital de la banda sigue impoluto: en todo caso, emerje aquí más focalizado en
torno a uno de sus pilares centrales. "Invincible Bad Ass" se focaliza en la
confluencia de los estándares de Liquid Tension Experiment y Gordian Knot, lo
cual a su vez implica una confluencia relativamente fuerte con Scale The
Summit. "Vanguard To Nowhere", por su parte, lleva la visión musical de la
banda a otros lares de neurosis y retorcimiento en el arte del ruido: speed
metal, Crimsonismo, avant-jazz, travesuras Zappianas, space-rock, metal
neoclásico y bebop se mezclan y retroalimentan en una pócima sonora letal y
electrizante, incansable en su magnificente vigor. "Stag" regresa al patrón
vitalista de "Big Red Button" no sin arrastrar consigo las huellas que dejó la
implacable exaltación incendiaria de "Vanguard To Nowhere": el resultado final
va muy en línea con el Canvas Solaris pre-"The Atomized Dream". La sexta pieza
del disco es precisamente la homónima, cuyo mérito principal es el de
sintetizar las esencias sónicas de "Invincible Bad Ass" y "Big Red Button", y
con ello se logra enfatizar relevantemente el núcleo estilístico bajo el que se
encuadra el grupo.
"Missouri Tomater" es un breve solo de guitarra de línea bluegrass, un momento
de candor sereno antes de que "Money Eating Mary (Karaoke Remix)" cierre el
disco a punta de hierro y fuego. En efecto, esta pieza de 11 minutos de
duración destaca como una de las expresiones más robustas de la fuerza de
carácter inherente a Lye By Mistake, pero que conste que no todo es jazz-rock
metalizado y mathcore en su desarrollo temático: también hay un interludio en
clave de Latin-jazz que sirve para insertar una colorida sorpresa exótica en
medio del despliegue de fuerza, así como ciertas alusiones a la herencia heavy
stoner a lo largo del crescendo temático que tiene lugar entre los 6"30" y los
7"40". Esta pieza brinda un broche de oro a un gran disco: "Fea Jur" es un
disco especialmente recomendado a los fans progresivos que buscan indicios de
ideas refrescantes dentro de la vanguardia metalera así como a los amantes del
rock metálico que sienta particular afinidad por las diversas heterodoxias que
emergen en su seno.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SEIKAZOKU -
SEIKAZOKU: "Out Takes '66-'78" (1998)
Temas
1. Krsnahasyamaj (4:10)
2. Jatakastupa (2:46)
3. Madhyamakamula (2:58)
4. Vyavartanihstava (3:35)
5. Dharmagujaparika (2:53)
6. Prajnapraptati (6:03)
7. Sambandhapariksaddhi (1:35)
8. Pramanasiddhikarika (1:25)
9. Panditananabhadra (1:07)
10. Varatnavali (4:54)
11. Anuruddhaccaya (0:37)
12. Darasikuhyasi (4:00)
13. Gurupabhadra (3:00)
14. Gangadharayana (2:37)
15. Ramanumalika (4:54)
16. Brahmagnpatirana (4:05)
Integrantes
- Atsushi Tsuyama: bajo, guitarra, violín, batería, kazoo, piano, sintetizador
- Tatsuya Yoshida: batería, percusión, oboe, órgano, piano eléctrico, voz
- Makoto Kawabata: piano, bouzouki, voz, guitarra, sarangi, violín,
sintetizador, piano eléctrico, órgano, shamisen
Seikazoku es un grupo japonés de música progresiva vanguardista formado casi
por accidente, aunque lo más acertado es decir que se formó con la idea de
improvisar y con una nula planificación temática. Resulta que en junio de 1966,
en el contexto de un festival de música y arte que se realizaba en el Nishioji
Kumin Centre de Tokio, los tres genios peritos Atsushi Tsuyama (de Omoide
Hatoba, Acid Mothers Temple y otros), Makoto Kawabata (de Acid Mothers Temple,
Floating Flower y otros) y Tatsuya Yoshida (de Ruins, Korekyojin,
Koenjihyakkei, Ronruins, The World Heritage y muchísimos otros) desarrollaron
un concierto basado en improvisaciones, principalmente motivadas por la
psicodelia 70era, el krautrock, el acid-folk y el RIO. Esta actuación quedó
registrada dos años después en el disco "Outtakes "66-"78", añadiendo algunos
(no muchos) efectos y recursos instrumentales sobregrabados en la
post-producción: el título humorístico de este disco debut hace alusión a una
supuesta recopilación de canciones desechadas de la discografía oficial de
algún grupo imaginario de rock psicodélico experimental que hipotéticamente
desarrolló su carrera a lo largo de los 60s y los 70s. Aunque los instrumentos
de especialidad de Tsuyama, Yoshida y Kawabata son el bajo, la batería y la
guitarra respectivamente, el trío decide intercambiar instrumentos de vez en
cuando y añadir otros ítems (percusiones, teclados, violín, maderas,
instrumentos del folclore japonés).
"Krsnahasyamaj" es un ágil jam muy a lo Gila con Amon Duul II: el sencillo
encuadre donde se focaliza su vigor sónico resulta una muy interesante
iniciación de esta aventura. Con la secuencia de "Jatakastupa" y
"Madhyamakamula", transitamos desde una celebración de la deconstrucción
aleatoria articulada en un crescendo climático hacia un ejercicio de
sonoridades cibernéticas industriales sobre una base rítmica jazzera.
"Vyavartanihstava" y "Prajnapraptati" vuelven a la fluida rudeza kraut del
primer tema con un toque añadido de pesadez y una mayor soltura de los
guitarreos, además de una especial sofisticación estructural en el último de
estos casos: en medio de ambos temas, "Dharmagujaparika" regresa a la lógica
deconstructiva con las garras bien afiladas, esta vez con una centralización en
la instalación del violín en medio de abstractos climas electrónicos. Luego
siguen tres temas muy breves: "Sambandhapariksaddhi" es una exploración de
climas abstractos signados por las desestructuradas interacciones entre piano,
percusiones y violín; "Pramanasiddhikarika" es un lisérgico jam a lo Guru Guru;
"Panditananabhadra" es un sombrío preludio surrealista a algo=85 ?pero a qué?
Tras su final abrupto, se rompe este misterio al irrumpir instantáneamente
"Varatnavali" para aportar nuevos remezones krautrockeros, incluyendo un
burlesco ornamento de corte cuasi-bluesero para su sección final. Tras el
colorido dadaísmo del breve retazo sonoro de "Anuruddhaccaya", "Darasikuhyasi"
exhibe una peculiar mezcla de Dzyan, Exmagma y Gene Krupa, logrando así que la
extravagancia perpetuamente reinante ventile sus poros y adquiera una dinámica
diferente. "Gurupabhadra" es un ejercicio de acid-raga aumentado con matices
propios del Extremo Oriente: se revela cándidamente un aura de calidez a través
de la patente densidad sonora explayada en la armazón de violines, sarangi y
percusiones étnicas. "Gangadharayana" retoma la usual vibración krautrockera
con la incorporación de ciertas cadencias jazz-funk antes de que "Ramanumalika"
desarrolle la más ambiciosa exploración de patrones acid-folk de todo el álbum,
desde la cual el trío explora climas perturbadores, incluso siniestros en
ciertos momentos. En fin, el disco se cierra con "Brahmagnpatirana", un jam que
retoma el swing de "Gangadharayana" y lo remodela con el crudo vigor de
"Krsnahasyamaj" y "Vyavartanihstava".
Todos los amantes y acuciosos coleccionistas de la vanguardia progresiva
japonesa tienen que agradecer no solo que ésta sea una escena tan prolífica,
sino también que haya tanto trabajólico metido en ese ambiente. Tres de ellos
se juntaron en Saikazoku, una entidad que empezó como un proyecto tentativo y
que ya terminó instaurándose como un grupo propiamente dicho, disponible para
ser revitalizado cada vez que los elementos de este trípode retro-kraut hagan
coincidir en sus agendas los periodos de reposo de sus otros proyectos. El
grupo ya tiene en su currículum un disco de estudio y otros dos en vivo, por lo
que hay bastante que explorar en estas manifestaciones de su combustión
creativa. "Out Takes "66-"78" es una estupenda vía de entrada a su ideario
musical.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: KINDER - "Archipiélago" (2012)
KINDER: "Archipiélago" (2012)
Temas
1. Punto De Fuga (3:11)
2. UO (2:17)
3. Archipiélago (4:56)
4. Caer (2:33)
5. Aquello Que No Controlamos (3:14)
6. Instantes (4:21)
Integrantes
- Renzo Gianella: guitarra
- Renzo La Torre: guitarra
- Nicolás Gjivanovic: guitarra
- Carlos Freyre: batería
- Christian Vargas: teclados
Colaborador - Sergio Saba (voz en 4)
El quinteto peruano KINDER acaba de publicar en versión virtual su nuevo
trabajo "Archipiélago", un EP que sucede al homónimo disco debut de 2010 y que
muestra a la banda migrando "hacia un sonido menos electrónico y que trabaja
por primera vez las percusiones con una batería real", según palabras textuales
publicadas en su perfil de Facebook. El sello Automatic Entertainment está a
cargo de la difusión virtual de "Archipiélago" a través del enlace
http://www.automatic.com.pe/espanol/sello/sello_detalle_ae017.htm . La línea de
trabajo del grupo se apunta a una vigorosa confluencia de post-rock, psicodelia
y noise-rock, que en eta ocasión permite al ensamble focalizarse con mayor
fruición en los roles de las triples guitarras para armar los núcleos sonoros
respectivos a cada tema del nuevo disco.
"Punto De Fuga" abre el disco con una vitalidad inapelable, sostenida
principalmente por las ilaciones de síncopas armadas entre la labor de la
batería y las diversas interacciones de las guitarras; el teclado, por su
parte, añade colores cósmicos allí donde los riffs arman un cúmulo vigoroso en
beneficio del afianzamiento rítmico. "UO" tiene una actitud más intensa en
cuanto al encuadre rítmico, pero de por sí la fiereza sónica es, en líneas
generales, menos pronunciada, como si Explosions In The Sky quisiera explorar
su faceta más constreñida en base a una partitura perdida del The Cure
pre-1984. Durando casi 5 minutos, la pieza homónima se sumerge en climas
introspectivos e intimistas con un recurrente compás de 6/8 manejado con la
suficiente sutileza para dejar que los matices de las guitarras (incluida una
acústica) y los ornamentos etéreos del teclado se muevan sólida y
congruentemente a través de la cuidadosamente elaborada atmósfera central. La
arquitectura sónica revela su naturaleza inmensamente cerebral, pero a su vez,
deja manifestarse una cierta aura de inquietud cuya callada realidad también se
hace presente en el sonido fáctico. Así las cosas ,el oyente está preparado
para loa efluvios de corte cuasi-stoner de "Caer": la visceralidad rockera en
curso es como un despertar a la luz de una mañana estresante, una sensación
reforzada por la misma duración breve del tema. A continuación, "Aquello Que No
Controlamos" regresa a los senderos de introspectiva inquietud que antes habían
signado la ingeniería de "Archipiélago", pero esta vez con una densidad
evidentemente más marcada, un realce de lo sombrío, una exploración en el
crescendo de una amenazante irrupción de energías misteriosas. Particularmente,
nos parece una pena que esta pieza sea tan breve, pues tenía todo el potencial
de ser el preludio de un absorbente jam post-rockero de esos que dignifican
enormemente el ideal del rock como vía para crear ambientes oscuramente
solipsistas, pero ésta es la decisión del grupo y hay que aceptarla. Además,
todavía nos queda "Instantes" para cerrar la experiencia de este EP: ocupando
un espacio de casi 4 BD minutos, "Instantes" supone un final auténticamente
épico para el disco, armado sobre un robusto manejo de climas evocativos y en
apoyo de las oportunas intuiciones rítmicas de Freyre, todo ello en consonancia
con los estándares de Explosions In The Sky y Té.
A pesar de su brevedad, "Archipiélago" tiene que ser valorado como un ítem
tremendamente interesante dentro del actual estado de cosas de la vanguardia
rockera peruana. Y sobre todo, debe ser apreciado como testimonio claro y
directo de la reformulación del ideario musical de Kinder. La banda opera ahora
con el inamovible núcleo de tres guitarristas (Gianella, La Torre y
Gjivanovic), el baterista Freyre y el recién ingresado bajista Paul Celi, en
nombre de un reacomodo de piezas con miras a alimentar su continua combustión
sónica interna. !Hay que seguir la pista a Kinder!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Anachronos en vivo - 21 de setiembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo chileno ANACHRONOS dará un próximo concierto en la Sala SCD Bellavista
de Santiago (Santa Filomena, 110), el 21 d setiembre a partir de las 22.00. La
formación de lgrupo es: Ingrid Contreras (Voz), Alexandro Torres (Guitarra),
Alonso Quijada (Teclados), Álvaro Urbina (Bajo) y Cristian Arriagada (Batería).
Más información en los enlaces www.anachronos.cl y
www.myspace.com/anachronoschile
Aquí me despido hasta una nueva ocasíón.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: AHVAK - AHVAK (2004)
AHVAK: "Ahvak" (2004)
Temas
1. Vivisektia (8:30)
2. Bherta (8:25)
3. Regaim (2:41)
4. Ahvak (16:21)
5. Melet (2:53)
6. Hamef Ahakim (13:32)
7. Pirzool (0:58)
Integrantes
- Yehuda Kollon: guitarras
- Ishay Sommer: bajo
- Udi Susser: teclados, flautas, baglama, darbooka, canto
- Roy Yarkoni: teclados, piano
- Dave Kerman: batería, percusión
- Udi Koomran: computadora
Gestado y armado a través de redes sociales israelíes de amantes del rock
progresivo, Ahvak es un grupo muy interesante dentro del avant-prog de nuestros
días (léase: modalidad progresiva entusiastamente heredera de los legados del
RIO y el Zeuhl). La línea de trabajo de este grupo tiene muchos paralelos con
lo que hacen bandas como U Totem, Runaway Totem, Yugen, October Equus, Happy
Family: un esquema sonoro complejo y dueño de abiertos contrastes internos que
se maneja con altas dosis de vigor y muscularidad. Mientras los componentes de
Ahvak iban conociéndose y creando su propio material, recién con el ingreso del
baterista estadounidense-israelí Dave Kerman pudo el grupo concretar la
realización de un disco de estudio: una vez concretizado éste y titulado como
el grupo mismo, fue publicado por Cuneiform Records en 2004.
"Vivisektia" abre el álbum con un frontal ejercicio de retorcido dinamismo
basado en disonancias avant-garde, ritmos folclóricos y climas opresivamente
oscuros a lo Univers Zero-con-5UU"s. Se trata prácticamente de una declaración
de principios, la instauración de una nueva visión musical, y luego "Bherta" se
encarga de enfatizar este posicionamiento con la elaboración de una sonoridad
más agresiva y un manejo más filudo de los complejos vericuetos temáticos y
rítmicos en curso. La vitalidad que ostenta esta pieza es siniestra, y aún así
porta una energía que hace que este despliegue de enajenante oscuridad sónica
resulte cautivante. "Regaim" es una breve pieza basada en la interacción de
piano y flauta que, a pesar de su aparentemente inofensiva estilización, se
regodea en tensos juegos de disonancias y silencios: su función principal es la
de servir como preludio a la pieza que se llama al igual que la banda y el
disco, la misma que ocupa un espacio de más de 16 minutos. Dentro de su
estructura ambiciosamente expansiva, "Ahvak" resulta el ítem nuclear donde la
visión musical de la banda halla su expresión más sólida. Tras un pasaje
introductorio marcado por climas expectantes elaborados bajo una minimalista
arquitectura ceremoniosa, el desasosiego latente empieza a soltarse con la
gestación de un primer cuerpo central pletórico en intensidad, portando con
absoluta solvencia performativa y dignidad creativa los legados del Univers
Zero de "Heresie", el primer Present y el Art Zoyd de "Phases". Luego sigue una
sección intermedia armada con la alternancia de retazos solemnes y coloridos
retorcidos, a la cual le sucede un segundo cuerpo central que sigue dando
vueltas en torno al frenesí psicótico que inspiró antes al primero, explotando
incluso sus potencialidades surrealistas con una mayor dosis de vigor. De esta
manera, el clímax se asienta en una espiral perpetua de electrizante neurosis
siempre abierta a sorpresas y pronunciados juegos de contrastes, para
finalmente desembocar en una lisérgica retoma del motivo inicial con triple
dosis de delirio deconstructivo (especialmente por causa de la tesitura bizarra
del guitarreo).
"Melet" ofrece un momento de descanso no aportando un ítem cándido sino
ejercitando desarrollos disonantes con un uso muy controlado de la energía
expresiva, incluyendo algunas calculadas alusiones bucólicas al estándar del
avant-folk. De esta manera se prepara el terreno para "Hamef Ahakim", la otra
pieza de largo aliento del álbum. Durando 13 BD minutos, este tema explora
caminos de densidad inescrutable en un terreno sonoro que no está
exclusivamente focalizado en el oscurantismo opresivo que fue tan decisivamente
predominante en la estructura de "Ahvak". Aquí hay una mayor presencia de
climas juguetones, no totalmente exentos de alusiones terroríficas pero sí
focalizados en un manejo más amable de los arrebatadores desarrollos temáticos
a través de la ilación de ambientes diversos; tales ambientes diversos se
hallan muy bien diferenciados entre sí a fin de enfatizar el aura de
sofisticación, y también cabe notar en ellos la reacción de elementos de
inspiración folklórica. El epílogo del disco es "Pirzool", un abstracto
ejercicio de exordios tribales y efectos percusivos computarizados, una
travesura dadaísta que complementa el aura vitalista de "Hamef Ahakim".
Evaluado en bloque tras nuestro repaso por cada ítem individual contenido en
él, este disco debut de Ahvak demuestra que el viejo legado del chamber-rock
sigue vivo y que puede ser revitalizado magníficamente por la imaginación
creativa de las nuevas generaciones de bandas avant-prog: contando con la guía
del ya veterano Dave Kerman (una de las figuras más relevantes dentro del
"renacimiento" del rock in opposition de los últimos 25 años), pero sobre todo,
con su propio punche, Ahvak se erige como un referente destacado dentro del
prog israelí del nuevo milenio. Esperemos que este disco de hace 8 años no sea
su único aporte a la escena mundial del prog del nuevo milenio.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ROMANTIC WARRIORS II - ABOUT ROCK IN OPPOSITION (2012)
ROMANTIC WARRIORS II - ABOUT ROCK IN OPPOSITION : "Zeitgeist Media" (2012)
Documental dirigido por Adele Schmidt y José Zegarra Holder
100 min.
La dupla de Adele Schmidt y José Zegarra Holder retoma su labor de amor hacia
el rock progresivo y esta vez lo hace enfocándose en uno de sus episodios
históricos más desafiantes: el movimiento Rock In Opposition, la manifestación
proactiva de los que quieren crear espacios de difusión y expansión de su
música fuera de y frente a los esquemas de ventas y ganancias de las pocas
grandes corporaciones del negocio musical. Este documental porta un esquema
narrativo en base a dos trayectos que se desarrollan en simultáneo: uno es el
viaje de investigación que hace el propio José Zegarra en aras de esclarecer
los orígenes, perspectivas y significado del rock in opposition como concepto
de hacer y promover un rock diferente y apartado del mainstream; el otro
trayecto es el que va desde las sesiones de ensayo hasta la presentación del
colectivo Once Upon a Time In Belgium, una magnífica congregación de músicos
de Present, Univers Zero y Aranis, en la edición 2011 del RIO Festival (en
Carmaux, Francia). De hecho, el flujo narrativo del documental halla su
orientación final en las imágenes del ensamblaje, preparaciones y la concreción
final de su primera presentación e n el RIO Festival porque esta hidra
avant-progresiva de tres cabezas encarna, a la vez, el pasado y el presente del
concepto de rock in opposition: la existencia de Once Upon a Time In Belgium es
un recurso de celebración y revitalización de algunas de las principales
orientaciones sónicas que se dieron en la sección francófona desde fines de los
70s y a lo largo de la primera mitad de los 80s, y que ahora Aranis y otras
entidades mantienen en vigencia desde los 90s en adelante. La línea común de
estos dos trayectos lleva desde los motivos originarios del rock in opposition
como movimiento artístico y anti-mainstream hasta el afianzamiento actual de
bandas dedicadas a cultivar el rock progresivo de vanguardia desde fines de los
80s en adelante, culminando en la institucionalización del RIO festival en el
sur de Francia.
En líneas generales, Chris Cutler, Dave Kerman y varios músicos de Univers Zero
y Present son los más acuciosos de todos los personajes entrevistados; la
presencia de Steven Feigenbaum, presidente de Cuneiform Records, también es
vital para efectos de información, análisis y comentarios descriptivos. En las
entrevistas concedidas por algunos de los músicos, salen bien pronto a colación
los nombres de Magma (la visión musical de Christian Vander), Miles Davis y
Frank Zappa como influencias motivadoras para el delineamiento de las propias
propuestas musicales de Henry Cow y Univers Zero, respectivamente. El maestro
Vander es una figura guía para que el espectador se deje llevar por la ilación
del documental: su leitmotiv de componer "música que no existe en ningún otro
lugar" y la noción de "penetrar dentro de sí mismo para descubrir un nuevo
universo y seguir ahondando cada vez más profundamente en él" reflejan su
intención de crear una peculiar revolución musical dentro de la vanguardia
rockera desde 1969, a partir de una propuesta de "música sobria y silenciosa"
como alternativa a lo que él veía como ostentaciones artificiosas del tipo de
rock que se hacía bajo los parámetros del "Flower Power" y el pacifismo
elemental de la ideología hippy. La gente de Univers Zero también traerá a
colación este distanciamiento diametral frente al carácter ensoñador del
pacifismo hippy al explicar su interés por variantes más oscuras y siniestras
de la vanguardia progresiva (y colateralmente, su apego a las vertientes más
desafiantes de las vanguardias jazzera y académica). Por su parte, el maestro
Cutler revela que la intencionalidad esencial de Henry Cow era la de
reivindicar al rock como un lenguaje musical serio, "hacer cosas en él y que
solo pueden hacerse en él". A través del testimonio de su bajista Lars Krantz,
Samla Mammas Manna (junto con su derivado Zamla Mammaz Manna) se presenta como
una entidad musical para la cual el humor resultaba "una llave importante para
acceder al corazón de la gente", y por tanto, era el ingrediente esencial para
su propia visión progresiva: lo más conmovedor es ver imágenes del
recientemente desaparecido Lars Hollmer ("dueño de una alma grandiosa" según
Krantz, "una persona muy positiva" según el bajista de Etron Fou Leloublan
Ferdinand Richard) luciéndose al teclado o al acordeón, dentro y fuera de SMM,
o como solista. También es mencionado más adelante por Dave Willey (de Hamster
Theatre y Thinking Plague) como una gran influencia. Bruno Meillier y el
mencionado Richard describen a Etron Fou Leloublan como una entidad orgánica
focalizada en la compleja y original articulación de su dupla rítmica (Richard
y Guigou Chevenier). Stormy Six, a su vez, se presenta como un grupo de
rock-folk de protesta cuya integración en el movimiento RIO le permitió
expandir sus horizontes musicales, y de hecho, tuvieron una asociación muy
cercana a la gente de Henry Cow en cuanto a la logística esencial del
movimiento.
Yendo al aspecto más concreto, el concepto de Rock In Opposition nació no tanto
como un estilo per se sino como una estrategia de difusión de propuestas
musicales osadas que experimentaban condiciones de negligencia y abuso dentro
del mainstream (excepto quizá Samla Mammas Manna), lo cual a su vez, implicaba
que las alternativas musicales que se presentaban quedaban de facto acalladas
por los lobbies exclusivistas de un puñado de sellos importantes y grandes
distribuidoras. El evento del domingo 12 de marzo de 1978 en el New London
Theater, el primer Festival RIO con un exquisito cartel ocupado por Henry Cow,
Samla Mammas Manna, Univers Zero, Etron Fou Leloublan y Stormy Six supuso un
bautizo exitoso para el proyecto del rock in opposition. El segundo Festival
RIO tuvo lugar en Milán, entre el 26 de abril y 1 de mayo de 1979: el cartel
era más amplio, incluyendo de nuevo a Univers Zero, Etron Fou Leloublan, Stormy
Six y Samla Mammas Manna, e incorporando a Art Bears (el primer grupo de Dagmar
Krause, Fred Frith y Chris Cutler tras la crisis final de Henry Cow), Aksak
Maboul y Art Zoyd. Aksak Maboul surgió prácticamente como un proyecto a dúo de
los multi-instrumentistas belgas Mark Hollander y Vincent Kenis (para el disco
debut "Onze Danses Pour Combattre La Migraine"), pero su involucramiento en el
movimiento RIO le llevó a convertirse en un ensamble "all-stars" de sus nuevas
bandas amigas (para su segundo disco "Un Peu De l'Ame Des Bandits"). Por su
parte, Art Zoyd se orientaba hacia una línea de trabajo en muchos aspectos
concordante con Univers Zero: Michel Bercksmans, fagotista-oboísta de ambos
grupos, describe a Art Zoyd como dueño de una variante "mucho más directa y
mucho más fría" de chamber-rock. Con el paso del tiempo, y bajo la guía del
violinista Gérard Hourbette, Art Zoyd se metamorfoseó en un ensamble de línea
predominantemente electrónica con particular interés en musicalizar obras de
teatro, ballet y espectáculos multimedia de fuerte carga visual. De hecho,
Hourbette dirige el "Art Zoyd Centre Transfrontalier de Création Musicale": él
encontró en la música electrónica una conexión con su experiencia de años mozos
residiendo en una de las zonas industriales francesas de posguerra, y a partir
de allí, Art Zoyd se convirtió en un espejo sonoro explícito de este encuentro
entre el yo y el exterior.
Mientras se iban incorporando estas nuevas bandas y las posibilidades de
asociaciones específicas entre músicos de los diversos grupos miembros, Present
surgió como vehículo para que Roger Trigaux buscara una focalización más
rockera y guitarra-céntrica para las atmósferas y sonoridades que él había
contribuido a crear en las filas de Univers Zero. A pesar de que ya era obvio
que se trataba de una iniciativa que gozaba de razonable consistencia, la
desintegración de Henry Cow no parecía ser un buen augurio para la ulterior
supervivencia de esta iniciativa multigrupal, pero de todas maneras, estos
grupos encontraron huecos dentro de su amplia gama de circuitos para seguir
realizando conciertos de carteles variados hasta 1980. En palabras de Cutler,
dado que los grupos ya encontraron vías para apoyarse mutuamente en eventos
específicos, ya no necesitaban de un bloque organizativo central: "expresamos
nuestra posición, era hora de separarse". Hourbette resalta los tres ejes que
unificaron en su momento a las bandas de este colectivo (el elemento político,
la necesidad de establecer una red y el factor artístico) mientras que
Chevenier destaca la coincidencia de todos en "el deseo de crear algo poderoso
en la música"; por su parte, Andy Kirk (de Univers Zero) concluye que tras un
par de años de interacción cercana, cada grupo se volvió cada vez más
concentrado en sus propios planes, dejando a la colectividad RIO en segundo
plano. Pero esta "fatalidad conclusiva" del movimiento RIO no fue sino el
inicio de un legado que sigue vivo hasta hoy, disponible para inspirar nuevos
caminos de investigación. El mismo Kirk se muestra muy entusiasta al ver que la
antorcha "opositora" está siendo hoy por hoy ondeada por nuevas manos, mientras
que Vander nos recuerda, a partir de su propia experiencia aquel tiempo en que
gestó la idea de Magma y le decían que no era posible, que "todo es posible,
incluso en las peores circunstancias, siempre algo es posible".
La figura del cineasta y productor musical Giorgio Gomelsky también tiene una
justa presencia dentro del documental, pues como promotor musical de The
Rolling Stones y The Yardbirds había conseguido situarse en una buena posición
dentro del negocio musical del rock, y su atención por Magma permitió al
susodicho ensamble francés promover su osada y enérgica visión musical en
escenarios dentro y fuera de su país. De esta manera, la exposición de Magma
condujo a generar simientes de motivaciones y estímulos creativos únicos para
las mentes de quienes posteriormente habrían de convertirse en los impulsadores
del rock in opposition; también apoyó la difusión de la música de Soft Machine
y Gong. Más aún, en 1978 fundó el Zu Club en Nueva York, donde el 8 de octubre
del mismo año organizó el Manifestival of Progressive Music, el cual sirvió no
solo para darle mayor presencia a los grupos del RIO dentro del circuito
estadounidense sino también a banda nacionales que pugnaban por exponer sus
propuestas vanguardistas- es el caso de The Muffins, cuarteto profundamente
influido por el Canterbury, tal como testimonia su baterista-percusionista Paul
Sears. Por su parte, Cutler fundó Reccomended Records en 1978, Hollander fundó
Crammed Discs y Feigenbaum fundó Cuneiform Records en 1984 con la finalidad de
crear espacios de difusión para propuestas musicales diferentes que son
sistemáticamente negadas por el sistema del mainstream: es la persistencia de
la resistencia inconformista del RIO. A poco de pasada la barrera del 53er
minuto, aparece un colorido anagrama de nombres de sellos independientes
dedicados a la producción y difusión de bandas vanguardistas, lo cual muestra
que esta inquietud de resistencia inconformista puede surgir en cualquier
momento en cualquier lugar. El impulso de estos sellos permite dar cabida a
Miriodor, Thinking Plague, Hamster Theatre, etc., además de rescatar material
viejo ya agotado o que había quedado semi-perdido en la leyenda del rock de los
70s.
La idea central que Schmidt y Zegarra dejan desarrollarse en el desarrollo de
la segunda mitad del documental es que los ideales del rock in opposition
todavía resulta válida como vía de exploración musical dentro del amplio arco
iris de vertientes progresivas que siguen motivando a los grupos jóvenes,
maduros y viejos que aún se mantienen en activo a seguir produciendo música. La
asignación de las etiquetas RIO/Avant-Prog y Zeuhl en la ambiciosa enciclopedia
virtual ProgArchives (a estas alturas, un punto de referencia prácticamente
indiscutible para la comunidad mundial de amantes y coleccionistas de cosas
progresivas) se muestra como prueba de ello. Chris Cutler deja constancia de
que está al tanto de la difusión y ampliación que ha estado recibiendo el
concepto del RIO en las propuestas de rock de vanguardia de los últimos años:
hay una necesidad de categorizar estas propuestas experimentales de nueva
hornada y parece que RIO resulta un concepto donde las ideas encajan más
fácilmente ("se convierten en propiedad pública", según sus propias palabras).
Feigenbaum muestra cierta preocupación por la facilidad que algunos tienen de
equiparar a varios grupos contemporáneos que practican formas vanguardistas de
rock con los viejos héroes del RIO o del Zeuhl, pero sí ve con complacencia que
se formule la categoría de "rock avant-progresivo" como una plataforma
conceptual lo suficientemente para englobar a las bandas RIO, Zeuhl, math-rock,
etc., de tal modo que los "excluidos" gocen de alguna forma de inclusión dentro
del cada vez más globalizado ideario progresivo de nuestros tiempos. Por otra
parte, resulta curiosa la experiencia del guitarrista de Thinking Plague Mike
Johnson cuando cuenta que la misión inicialmente proyectada para este grupo era
la de revitalizar lo mejor de las herencias de las legendarias bandas del
género progresivo cuando aún ostentaban una visión progresiva=85 "pero fue
después que él se enteró de que lo que él y la banda hacían era rock in
opposition". Este "despistado candor" parece mostrar que los cánones
recurrentes (por así decirlo) en la gran diversidad de bandas dedicadas al prog
de vanguardia se han instaurado como una pauta comprehensiva para los
coleccionistas y comentaristas de rock experimental. La actitud de los dos
músicos del grupo británico Guapo que aparecen entrevistados es de una
entrañable humildad: para ellos es un honor que se les agrupe bajo la misma
etiqueta de sus grupos favoritos que han marcado tan profundamente a su propia
creatividad.
Volviendo al hecho de la existencia de la "hidra de tres cabezas" Once Upon A
Time in Belgium, podemos ver que en los hechos y acciones, Daniel Denis y Roger
Trigaux, los ideólogos de Univers Zero y Present respectivamente, están
totalmente dispuestos a tender puentes con los herederos del sueño del rock in
opposition, generar espacios de mutua integración, confiar en que los
portadores de la nueva savia serán capaces de insuflar nueva vida a las viejas
composiciones. Las distinciones que hace Pierre Chevalier, pianista de las tres
bandas, es bastante reveladora: Present encarna la faceta agresiva, potente,
"punk" del RIO, Univers Zero ofrece una estructura más académica a esta energía
originaria del RIO, mientras que Aranis encarna la búsqueda de la perfección
estilizada de la forma. Kerman describe a Aranis como el portador del sonido
preciso, a Present como el portador del sonido fuerte y a Univers Zero como el
engarce entre los dos. Carla Kihlstedt, violinista del ya extinto ensamble
Sleeptytime Gorilla Museum expresa su fluida afinidad con los ideales
anti-comerciales y de pensamiento radical del RIO; por su parte, Johnson expone
su concepción del arte musical como una vía para expresar su incertidumbre y
sensación de urgencia ante la autodestrucción de la sociedad moderna, y su
colega Willey se proyecta más bien hacia su propio mundo, un mundo donde se
explayan diversos caminos de exploración en la fusión, los folclores europeos y
la experimentación de la academia posmoderna.
En relación con esto último, cabe destacar el rol de bisagra intergeneracional
que encarna el visionario baterista Dave Kerman, quien aparece en esta
congregación Once Upon A Time in Belgium desde su posición de baterista en
Aranis: habiendo sido fundador de 5UU"s y habiendo pasado por las filas de
Thinking Plague en los 90s, Kerman es el perfecto catalizador para la
sustentación de este diálogo crucial entre estos veteranos y estas jóvenes
figuras del RIO francófono. A partir de su modus operandi en los diversos
proyectos de avant-rock y chamber-rock en los que ha estado y sigue estando
involucrado, se puede concluir que él encarna la urgencia actual por ceder la
posta a las nuevas generaciones de bandas influidas por las primeras formas del
Zeuhl y el rock in opposition para que dirijan los caminos nuevos que ya han
venido forjando y afianzando desde los 90s (o incluso, desde fines de los 80s).
Lo mismo vale para la actividad desarrollada por la recientemente extinta banda
estadounidense Sleepytime Gorilla Museum, el enérgico ensamble quebequense
Miriodor, el constantemente autorrenovado grupo británico Guapo, así como una
nueva hornada de bandas italianas (Yugen, Ske, Nichelodeon, etc.), francesas
(Nebelnest, Xaal, One Shot, etc.) y japonesas (Ruins y sus derivados, Happy
Family, Koenjihyakkei, Korekyojinn, The World Heritage, Bondage Fruit,
Pochakaite Malko, etc.) que hacen de la extravagancia posmoderna una estrategia
vital para seguir creando caminos drásticamente aventureros dentro de la música
progresiva de nuestros días. Estos son solo unos cuantos ejemplos que salen a
colación en el momento, pues son muchos los países de donde surgen iniciativas
inspiradas en est6e particular ideario progresivo. Volviendo al caso del
ensamble Aranis, uno de los más destacados campeones actuales de la renovación
del chamber-rock, vemos cómo recibe el aval directamente de manos de los
maestros Trigaux y Denis: la impresionante imagen de 17 músicos plasmando
esquemas sonoros tan desafiantes como elegantes es una imagen de consonancia
intergeneracional que se explica e impone por sí misma.
Todo esto lleva finalmente a la fundación del RIO festival en el sur de
Francia, más exactamente, la localidad de Carmaux: esta iniciativa producida
por Michel Besset y Roger Trigaux, cuya primera edición tuvo lugar en abril de
2007, congrega regularmente a varios grupos y artistas procedentes de diversos
países y de diversas décadas en la Maison de la Musique de Cap Découverte. La
estilizada vitalidad de Yugen es testimoniada como una labor de colaboración un
núcleo creativo asentado en Italia y ramificaciones internacionales (incluyendo
a colaboradores que también tocan en Univers Zero y Thinking Plague): la
interacción es necesaria para concretizar visiones musicales particularmente
complejas. Ver a Tutsida Yoshida lucirse a la batería y un sampler como Ruins
Alone es todo un lujo: Besset describe su ethos musical como propio de quien
tiene la prisa por coger el metro a tiempo, aunque en persona se le nota una
actitud más relajada, incluso despreocupada. Por su parte, Kavus Torabi (el más
reciente guitarrista incorporado a las filas de Guapo) señala que una de las
exigencias de comprometerse con esta línea de trabajo es que hace falta
acomodar la agenda para tocar en varios grupos y así poder sostenerse sobre el
amor al arte.
La conclusión general del primer documental "Romantic Warriors" se reitera aquí
para el caso del legado del ideal del rock in opposition: éste tiene todavía
mucho campo de expansión en la creatividad e inspiración de nuevas entidades
musicales que ya se han estado posicionando dentro del gran escenario de la
experimentación del rock y la música contemporánea en general. En todo caso,
como observación menor y muy colateral, habría que ver cómo el Zeuhl, que en
principio es un concepto solipsista diseñado para encuadrar la música de Magma
como "espíritu que pasa a través de la materia", generó también un sub-mundo de
vanguardia musical en el underground francés con otras bandas vecinas o
derivadas del combo dirigido por Christian Vander (Zao, Weidorje, Eskaton,
Eider Stellaire, Pseu, etc.), e incluso hay propuestas de renovación del
ideario Zeuhl por una nueva generación de bandas, muchas de las cuales incluyen
a ex-colegas de Vander (One Shot, Neom, Xing Sa, Scherzoo, etc.). Más allá de
que pueda valer la pena explorar otras áreas de música avant-progresiva del
pasado y del presente, "Romantic Warriors II: About Rock In Opposition" resulta
un recorrido meticuloso e inmensamente revelador sobre lo hecho y lo que se
está haciendo todavía en las orillas y vertientes más osadas del rock
artístico. Y por qué no, este registro también puede ser un catalizador de idea
para el futuro: Adele y José han manejado sabiamente que las imágenes y sonidos
articulen plenamente el significado de la persistencia y reformación de estas
vertientes.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: R.I.P. Lol Coxhill
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Hay que lamentar el fallecimiento de Lol Coxhill, quien el pasado 10 de julio
dejó nuestro mundo poco antes de cumplir la edad de 80 años. Nacido el 19 de
setiembre de 1932 en Portsmouth, su especialidad estaba en los saxofones
soprano y sopranino, aunque también tocó otras modalidades de saxo además de la
flauta, el clarinete, las percusiones tonales y los teclados a lo largo de su
amplísima trayectoria. Solo mencionaremos que desde fines de los 60s fue un
session man muy recurrente en las escenas de avant-jazz y Canterbury: empezó en
las bandas Carol Grimes and Delivery y Kevin Ayers and the Whole World,
colaborando posteriormente en discos de Robert Wyatt, Caravan (p.e., el tema
homónimo que abre "Waterloo Lily"), Hugh Hopper, etc.
Por supuesto, también ha grabado discos como solista o co-líder en proyectos a
dúo (con e pianista Steve Miller, el guitarrista G. F. Fitz-Gerald, el
sintetista Morgan Fisher, etc.) o de mayor tamaño: aprovechó muy bien su
longevidad a la hora de aportar cosas interesantes a la música de avanzada. De
sus últimos años de actividad, cabe destacar el cuarteto que armó con Charles
Hayward, Hugh Hopper y Orphy Orbison para grabar el disco "Clear Frame". Pero
sin duda, son sus discos "Ear Of Beholder" (doble), "Diverse" y "Lid" los que
pueden dar mejor cuenta de los recovecos más notables de su visión musical.
Adiós Sr. Coxhill, !gracias por la música!
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: HEXATONICA - "El Visionario" (2012)
HEXATÓNICA: "El Visionario"(2012)
Temas
1. El Visionario (8:31)
2. Rompiendo Estructuras (5:44)
3. Eukharistó (6:21)
4. Sobrevuelo (8:21)
5. Intro B (2:22)
6. La Gracia De Ser=85 (10:21)
7. El Infierno Interior (5:04)
8. Amanecer Atardeciendo (4:59)
9. Aluvión (9:59)
Integrantes
- Juan Gasco: batería
- Abel Valente: guitarras
- Carlos Cattaneo: guitarras
- Nahuel Acosta: teclados
- Sergio Topham: bajo Juan Gasco (Bateria), Abel Valente (Guitarra), Nahuel
Acosta (Teclados), Sergio Topham (Bajo), Carlos Cattaneo (Guitarra)
!Hexatónica ha vuelto! En efecto, este quinteto instrumental argentino ha
editado su largamente esperada segunda placa fonográfica "El Visionario" seis
años después de su inolvidable disco "Formas". La alineación cambió bastante
desde esos tiempos, pues solo queda remanente la dupla rítmica de Juan Gasco y
Sergio Topham (siendo el primero de éstos quien asume la posición líder),
mientras que la dupla guitarrera y la posición de teclista están ocupadas por
ingresantes de los últimos años. Mucho ha recorrido y sufrido el grupo desde su
fundación en 2002 y la sucesivas ediciones de un primer demo, un disco en vivo
y el mencionado debut de estudio "Formas", entre otras cosas, las primeras
bajas importantes al poco tiempo de editado el debut. Ha sido un largo camino
el que ha tenido que andar Hexatónica para asentar una nueva formación estable,
desarrollar nuevo material y concretizar éste en un disco de estudio: bajo la
iniciativa editorial de Musea, "El Visionario" es ya una realidad, y ya nos
toca aprovechar el momento para reseñarlo al detalle.
La pieza homónima abre el álbum con un vigor implacable, iniciándose con una
impetuosa escala de piano, y luego prolongando la aserción y desarrollo de un
extrovertido cuerpo central que dura casi 4 minutos y medio; a partir de allí
emerge un interludio etéreo que oscila entre lo Floydiano y lo Yessiano, el
cual sirve para crear una atmósfera envolvente antes de que la coda reinstaure
el motivo central para un estupendo clímax de cierre. Con "Rompiendo
Estructuras", el grupo remodela sus esquemas sonoros para preservar su fuerza
esencial mientras añade una mayor dosis de majestuosidad al desarrollo temático
en curso. "Eukharistó" (enlistado en el disco con grafía griega) está marcado
por melodías y aires exóticos, los mismos que adquieren una estilización
especial naturalmente debida al colorido progresivo provisto por el grupo:
compuesto por el ex-teclista Diego Yanivello, se le nota un aire peculiar
dentro del repertorio del álbum. Cuando llega el momento de "Sobrevuelo", se
puede decir que el esquema integral del álbum se afianza en su cima artística.
Esta pieza porta un aura solemne que se impone a través de la aguerrida fuerza
del ensamblaje instrumental, el cual se mueve sólidamente a través de las
variantes de ambientes que se dan dentro de una atmósfera general suntuosa. Una
mención especial debe ir para los exquisitos fraseos de teclado que dirigen el
electrizante clímax conclusivo, y en general, cabe destacar la inserción de
grisáceos matices amenazantes a través de varios momentos del desarrollo
temático. "Intro B" es una breve pieza palaciega de fuerte inspiración
renacentista que opera principalmente como preludio a "La Gracia De Ser=85"; de
hecho, los primeros pasajes de este extenso tema se hacen eco del aura
palaciega de "Intro B" y prepara el terreno para la instauración de la
rigurosamente articulada vibración melódica bajo la que se trazan los primeros
solos de guitarra. El cuerpo central de la composición porta un aura evocativa,
una espiritualidad líricamente conmovedora, aunque con su espacio de 10 minutos
y pico, tiene espacio para añadir variantes en las atmósferas: de hecho, el
grupo utiliza algunos pasajes razonablemente densos y otros marcados por
grooves un poco más ligeros a medida que transcurre la pieza, siguiendo las
lecciones del prog sinfónico clásico mientras se aferra a su propia sonoridad
contemporánea. Tenemos aquí otro pico creativo del álbum. "El Infierno
Interior", a despecho de las torturadas alusiones de su título, ejerce una
sólida reiteración de la vitalidad extrovertida la de banda: los estándares de
LTE y Planet X se hacen sentir sin por ello restarle personalidad al grupo en
su labor creativa. "Amanecer Atardeciendo" es el momento más introvertido del
álbum, siendo así que el piano ocupa el rol protagónico tanto en la envolvente
serenidad del inicio como en la controlada magnificencia que brota después con
un esplendor espiritual cautivador. "Aluvión" cierra el disco con una ágil
combinación de fluidez en las ilaciones temáticas y complejidad en las
variaciones de ambientes, logrando así crear un intermedio entre "Sobrevuelo" y
"La Gracia De Ser=85", con un mayor énfasis en el elemento sinfónico a través
del punzante nervio rockero que es tan patente.
Hexatónica ha vuelto a todo dar con "El Visionario", y con él ha vuelto a
lucirse como lo que es: una fuerza de la naturaleza que brilla como fuego
dentro del escenario actual del rock progresivo argentino. Este disco no es
solo un catálogo de ideas musicales, es una celebración de la música misma y de
la tradición progresiva en particular: las resaltantes personalidades del tema
homónimo, "Sobrevuelo", "La Gracia De Ser=85" y "Aluvión" les hacen definir
puntos álgidos dentro del repertorio, pero dicho repertorio se luce mejor como
bloque integral. !Y eso lo hace un disco genuinamente excelente!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FarFest ha sido cancelado
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El ambicioso proyecto de festival progresivo FarFest ha sido cancelado: parece
ser que ha sido víctima de su propia estructura ambiciosa, con un cronograma
proyectado de cuatro días. En palabras de los mismos organizadores." Lamentamos
tener que anunciar que hemos tomado la muy difícil decisión de cancelar
oficialmente el festival Farfest 2012. La concreción de este evento era muy
exigente, y a fin de cuentas, no se dio la cantidad de ventas de entradas
suficiente como para garantizar el paso a la siguiente fase de la producción."
Echemos un vistazo a este cartel de ensueño que quedó como eso, un ensueño.-
Alphataurus (Italia)
Anekdoten (Suecia)
Atoll (Francia)
Cathedral (EE.UU.)
Cressida (EE.UU.)
Latte E Miele (Italia)
Locanda Delle Fate (Italia)
Maxophone (Italia)
Mezquita (España)
Pulsar (Francia)
SBB (Polonia)
Shylock (Francia)
Wobbler (Noruega)
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro de ETRON FOU LELOUBLAN
ETRON FOU LELOUBLAN: "Batelages" (1976)
Temas
1. L"Amulette Et Le Petit Rabbin (18:07)
2. Sololo Brigida (3:18)
3. Yvett"Blouse (0:26)
4. Madame Richard - Larika (9:23)
5. Histoire De Graine (11:20)
Integrantes
- Chris Chanet (Eulalie Ruynat): saxofón, voz
- Ferdinand Richard: bajo, guitarras acústica y eléctrica, voz
- Guigou Chenevier: batería, percusiones, voz adicional
Etron Fou Leloublan fue uno de los grupos que formaron parte del concepto de
rock in opposition como vía de difusión de rock vanguardista a contrapunto de
las formalidades elitistas y exclusivistas del mainstream. Formado en 1973 bajo
el nombre de Etron Fou bajo la iniciativa del saxofonista Chris Chanet (cuyo
nombre verdadero es Eulalie Ruynat y también tiene formación profesional en
actuación), el trío original se completó con el bajista-guitarrista Ferdinand
Richard y el baterista-percusionista Guigou Chenevier, su primera presentación
oficial fue como banda telonera de Magma (nada más y nada menos) en un
concierto del 23 de diciembre del mismo año. La meta originaria de Etron Fou
era crear "una alterativa musical viable al rock"n"roll y al free-jazz de la
escena francesa", las cuales se sentían estancadas a sus oídos. A fines de
1976, el grupo amplió su nombre al definitivo Etron Fou Leloublan y grabó su
disco debut "Batelages", editado al año siguiente. Se nota que las condiciones
de edición de sonido y postproducción son bastante primitivas, incluso para los
estándares de esos tiempos, pero posiblemente esta falencia haya repercutido en
la virtud de capturar la árida esencia musical de la banda. Poco antes de su
lanzamiento al mercado, el fundador abandonó el grupo, no sin antes haberle
permitido hacerse notar dentro del underground local, lo cual finalmente le
llevaría a hacerse de un sitio en el colectivo de rock in opposition, tal como
se mencionó antes.
"L"Amulette Et Le Petit Rabbin" abre el disco con una expansión sonora
ágilmente ecléctica que se expande hasta poco más de 18 minutos: como carta de
presentación de la ideología musical del trío, resulta un ítem particularmente
expresivo. Tras un preludio de guitarra acústica de un minuto y medio, el trío
irrumpe de lleno con una frenética vibración neurótica que se sitúa en un
híbrido de garaje rock, cabaret y prog vanguardista. En la frontera de los
5"45" se inicia un jam en clave psicodélica que parece una remodelación del
estándar de tensión Vandergraafiana al modo de unos Velvet Underground. En esta
sección precisamente se manifiesta abiertamente el peculiar estilo de Richard
al bajo, quien afina su instrumento de una forma más alta de lo habitual a fin
de poder insertar armonías y riffs en medio de su prolija labor rítmica junto
con su socio Chevenier. Otro jam juguetón que se complace en sonoridades
ásperas es sucedido por una breve parodia de klezmer, una recitación dadaísta y
una parodia de canción infantil. Un tercer jam psicodélico se aproxima más a
una versión cruda del primer Gong, preparando el ambiente para la traviesa (y
muy Zappiana) sección cantada con la que concluye esta suite. "Sololo Brigida"
cierra la primera mitad del disco con un despliegue de solo de batería y
ornamentos percusivos varios (además de silbato y corneta): el aura circense es
predominante en esta exhibición de espíritu investigador de cadencias
deconstructivas y formas diversas de golpe bajo el enfoque del ruido artístico.
La segunda mitad del disco empieza con una miniatura de gráciles climas
circenses titulado "Yvett"Blouse", tras la cual "Madame Richard - Larika"
instala un jam central donde la magia electrizante del jazz-rock, la vitalidad
extravagante del teatro del absurdo y las divagaciones psicodélicas de corte
free-form se engarzan en una sonoridad robusta. Se puede decir que esta pieza
contiene los momentos más serios de expansión instrumental de todo el disco, y
de hecho, crea un estándar a ser afinado en los siguientes dos discos de la
banda (cuando ya estaba metida en la movida del RIO). "Histoire De Graine"
cierra el álbum con una recapitulación de los aspectos más extrovertidos de la
vibración teatral de la banda , focalizándose en una serie de ejercicios de
dinamismo teatral y cerebrales vibraciones lúdicas en clave sombría, gestando
así el ítem más agresivo del disco. El primer pasaje se basa en un soliloquio
que se extiende por poco más de tres minutos sobre un recurrente riff de bajo;
el segundo pasaje emerge al modo de una parodia de los cánticos
ritualísticamente siniestros de corte Magmiano, preparando así el camino hacia
un clímax incendiario que se extiende con robusta liberalidad. La coda refleja
un breve instante de reposo tras la arrolladora explosión precedente: este
reposo no invita precisamente a la plácida serenidad, como muestran el tono
solemne del soliloquio y las risotadas de fondo. Con este despliegue de pesadez
y buen pulso para el manejo de variantes de ambientes, Etron Fou Leloublan
cierra este primer paso en su carrera fonográfica: "Batelages" simboliza la
culminación de una primera etapa de exploración y focalización musical,
logrando así impulsarse a paso firme hacia una evolución artística que habrá de
convertirlo en uno de los estandartes más valiosos del underground francés de
fines de los 70s e inicios de los 80s, todo un ícono para los amantes de la
línea progresiva de avanzada radical.
César Mendoza
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Court: "Twenty Flying Kings" (2012)
Court: "Twenty Flying Kings" (2012)
Discografica: Maracash MRC027
Tracklist:
1. Cries (9:23)
2. Anastasius Epitaph (3:20)
3. The Great Bear Rising (2:51)
4. Sumptuous Moment (21:42)
5. Lovers (7:29)
6. Dream Tale (2:40)
7. Alviss' Revenge (17:17)
Line-up / Musicians
- Marco Pedrini / vocals, synth
- Mosé Nodari / guitars, oboe, flutes, backing vocals
- Marco Strobel / guitars, mandolin and backing vocals
- Jacopo Favrin / bass guitar
- Francesco Vedani: drums, transverse flutes, recorders, synth
La banda italiana COURT sufrió un duro golpe, al dejar el grupo su líder y
carismático cantante Paolo Lucchina, pero supieron sobreponerse entrando en
Enero del 2010 Marco Pedrini como sustituto, el cual además hace también
las funciones de teclista.
Con esta nueva formación y estrenando casa discográfica Ma.Ra.Cash Records,
los italianos COURT nos ofrece en este 2012 su tercer trabajo oficial,
titulado "Twenty Flying Kings".
No se trata de un álbum completamente nuevo, el CD incluye 3 canciones
pertenecientes a la maqueta de 1993 (Cries, Lovers y Alviss" Revenge), mas
la mini-suite "Sumptuous Moment" que ya estaba presente en el segundo album
Distances de 1997, eso si todas nuevamente interpretadas y registradas.
Además el álbum incluye "Dream Tale", un tema nuevo compuesto en 1996 por
Boll y Mosé y por ultimo se añade los dos temas ya compuestos en el 2008
que fueron incluidos en el álbum "Inferno" para los proyectos de COLOSSUS /
Musea, pero obviamente, en esta ocasión cantados por Marco Pedrini.
Extraña pero sugerente mezcla la que nos ofrecen los veroneses, música
celta, folk, medieval, psicodelica y Hard Blues Rock, destacan entre todos,
los dos temas mas largos, "Sumptuous Moment" introducido con un poema de
Emily Dickinson y "Alviss' Revenge", dos mini-suites con todos los
ingredientes que nos pueden ofrecer esta banda, en esta ocasión respecto a
su anterior trabajo "Frost of Watermelon", suenan mas irreverentes y con un
toque rabioso, me recuerdan en alguna ocasión a los Waterboys (guardando
las distancias), supongo que el cantante tiene mucho que ver con esto.
Destaca también la inicial "Cries" muy psicodelica con un gran trabajo a la
guitarra de Mosé, la instrumental "The Great Bear Rising" con un magnifico
riff de guitarra de Marco Strobel y por ultimo mencionar la épica "Lovers"
Introducida por la guitarra portuguesa interpretada por Marco Strobel, el
toque medieval que imprime la flauta y que en algún momento me recuerda al
Hard Rock de unos Led Zeppelin.
COURT abandona su lado mas sinfónico, melódico y pasional a lo Genesis para
incrementar su tono mas folk, celta, medieval y psicodelico blues sesentero.
http://www.courtband.com/
(c) Juan
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: UNIVERSAL MUSIC reeditarÃ! el catÃ!logo completo de FRANK ZAPPA
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Buena noticia para los coleccionistas: el sello UNIVERSAL MUSIC reeditará el
catálogo completo de FRANK ZAPPA. Transcribo esta noticia del Portal
Esquizofrenia, en una nota escrita por Javi Moreno
www.portaesquizofrenia.com/universal-music-reeditara-el-catalogo-completo-de-frank-zappa/2012/08/)
" El genio, a veces incomprendido, que fue Frank Zappa, junto a sus Mothers Of
Invention, merecían de una vez por todas la reedición de su catálogo en
condiciones. The Zappa Family Trust, fundación que reúne el legado del genio
loco, por fin ha podido recuperar los derechos de todas las obras de Zappa,
firmando a su vez con Universal Music un contrato a nivel internacional
mediante el cual se licencia a la multinacional para editar y distribuir la
reedición de 60 grabaciones del compositor.
El escopetazo de salida se dio el pasado 31 de julio con el lanzamiento de las
primeras 12 grabaciones, el cual será seguido por otros paquetes de docenas de
grabaciones que se publicarán mensualmente hasta el final de 2012. También es
la primera vez que estas grabaciones estarán disponibles en formato digital.
Gail Zappa, representante de The Zappa Family Trust, ha reconocido que la
oferta de Universal Music es de "las que no se puede rechazar, con la que todos
salimos ganando, principalmente los fans de Frank". Por su parte, Bruce
Resnikoff, Presidente de Universal Music, ha declarado que "el artista y
compositor, Frank Zappa, es uno de los más importantes e influyentes de la
historia de la música. Nos sentimos honrados de que Gail Zappa y todo The Zappa
Family Trust nos hayan confiado su legado. Tenemos la intención de honrarlo y
realizar versiones de alta calidad, digitales y físicas, para sus fans".
El acuerdo abarca todo el catálogo de Zappa, incluyendo las editadas
originalmente bajo el sello independiente de Frank Zappa, Barking Pumpkin
Records, y muchos de los masters analógicos originales han sido ya
remasterizados.
Los primeros 12 lanzamientos que han sido reeditados son los siguientes:
Freak Out! (1966)
Absolutely Free (1967)
Lumpy Gravy (1968)
We"re Only In It For The Money (1968)
Cruising With Ruben & The Jets (1968)
Uncle Meat (1969)
Hot Rats (1969)
Burnt Weeny Sandwich (1970)
Weasels Ripped My Flesh (1970)
Chunga"s Revenge (1970)
Fillmore East, June 1971 (1971)
Just Another Band From L.A. (1972)
Página oficial de Frank Zappa: www.zappa.com "
Bueno, a ahorrar y a comprar, que ése es el orden natural de las cosas...
especialmente para los obsesivos de la música de FRANK ZAPPA.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: "El Retorno del Gigante - Correo" <correo@elretornodelgigante.com.ar>
Asunto: El Retorno del Gigante TV Programa 4-AGOSTO-Fechas de Shows-Sorteos
Entradas
Estimados amigos
Tenemos al agrado de anunciar el lanzamiento del CUARTO PROGRAMA de: El
Retorno del Gigante T.V.
Programa número 4, de Agosto de 2012, un programa de TELEVISIÓN, el cual les
brindamos una emisión mensual que ustedes podrán ver en nuestro portal web
www.elretornodelgigante.com.ar y en nuestro canal de You Tube a partir del
SÁBADO 4 de AGOSTO de 2012
Además queremos especialmente agradecer las enormes muestras de apoyo
recibidas por partes de todos ustedes, que verdaderamente nos hacen seguir
cada vez con mas fuerza, tanto con el programa que venimos ofreciendo desde
hace ya 12 años en el aire radial de modo ininterrumpido, con TODAS las
bandas de rock progresivo, los clásicos, las actuales y mucho mas, Y AHORA
en Formato TV, con clips, shows, rarezas y grandes sorpresas.
Además de seguir en el aire con El Retorno del Gigante Radio Show los lunes
a las 22 Hs. en 95.5 FM Patricios de Buenos Aires www.fm955.com.ar; los
miércoles a la medianoche en 89.7 fm d-rock! en Mar del Plata
http://www.d-rock.com.ar/; y los miércoles a las 23 Hs en
http://www.radiocolaborativa.com/
Programación de AGOSTO en El Retorno del Gigante - Radio Show
12 años ininterrumpidos en el aire junto al rock
progresivo y toda la buena
música!!!
Lunes 22 Hs - 95.5 FM Patricios en Buenos Aires www.fm955.com.ar
Las 24 los 365 días del año en www.elretornodelgigante.com.ar
Miercoles 24 Hs y repeticiones en 89.7 fmdrock! en Mar del Plata
www.d-rock.com.ar
Miercoles 23 Hs. en www.radiocolaborativa.com
12 AÑOS ININTERRUMPIDOS EN EL AIRE JUNTO AL ROCK PROGRESIVO Y TODA LA BUENA
MÚSICA!!!
* Un nuevo especial del prestigioso sello estadounidense Moonjune Records
Presenta: en esta edición tendremos a la banda Indonesia, Ligro y su disco
debut titulado "Dictionary 2", un trabajo que combina el sonido de power
trío progresivo con toques fusión de excelente nivel.
* Presentamos el nuevo disco de la banda folk progresiva británica
Afforested titulado "Surviving Remnants Of The Medieval Greenwood" de
sonido folk inglés con toques celtas cercano en sonido a Jethro Tull y
Gryphon
* Presentamos el nuevo trabajo de la banda griega Dol Ammad recién editado
y titulado "Hyperspeed" en una línea progresiva electrónica y hard cercano
a Ayreon
* Otro especial de "Oídos Sin Párpados" de Carlos Salatino, con rarezas y
curiosidades de la música
* Un especial de Novedades Progresivas a cargo de Daniel Sperlungo, que
trae rarezas progresivas de todo el mundo
* En el marco de Nuevas Bandas Progresivas presentaremos: la banda Factor
Sorpresa y su disco debut homónimo en una línea progresiva urbana con rock
argentino clásico y bandoneón; Les Minots y su sofisticado disco "Pequeños
Ciclos" mezcla de jazz, prog, tango y mas; el debut de Leandro "Botis"
Machín líder de La Manzana Cromática Protoplasmática titulado "En El Bosque
Estrambótico" un trabajo acústico y arriesgado con un estilo cercano a
Alberto Muñoz, Aristimuño y Ravioli en gran nivel; la banda "Hurricane
Heartattacks" y su disco sicodélico instrumental " Hurricane Love"; el
nuevo proyecto del virtuoso guitarrista cordobés Darío Iscaro, el Trío
Desatanudos un power trío fusión cercano al indonesio Tohpati y a Bill
Bruford con su disco debut homónimo.
* Presentamos la nueva obra de concepto de la banda progresiva francesa XII
Alfonso, el tríptico titulado "Charles Darwin" un delicado y enjundioso
trabajo que cuenta con la colaboración de artistas argentinos y grandes
invitados como John Hackett, Mickey Simmonds,Ton Scherpenzeel, Ian Bairnson,
David Paton, entre otros
* Presentamos el nuevo trabajo del excelente músico argentino Andrés Ruiz,
titulado "Un Santo Nuevo" volcado al formato canción con toques sutiles y
oscuros.
* Un nuevo especial de Rescatando Discos: en esta edición "Peter Gabriel 2 o
Scratch" de 1978
* Presentamos un programa especial con Bandas Progresivas de Medio Oriente,
con la banda de Irán Ahoora y su disco "Awkward Diary" en una línea que
conjuga progresivo, dark y electrónica; y el virtuoso guitarrista del Líbano
Amadeus Awad y su trabajo "Time Of The Equinox" en una línea cercana al
Dream Theater mas sinfónico
* Compartimos el nuevo disco de la estupenda banda española Harvest,
titulado "Chasing Time" en una línea progresiva moderna, con la exquisita
cantante Monique van der Kolk y grandes trabajos instrumentales
* Mas relatos, historias, los clásicos, los nuevos y "La música que a todos
les gustaría... si pudieran escucharla"
Los esperamos
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: 2112 + REDD, 7 de setiembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Un veterano de fines de los 70s y otro veterano de fines de los 80s se juntan
en un cartel para darle renovada vitalidad al rock argentino de vanguardia del
nuevo milenio: REDD y 2112, el primero mostrando su musicalidad refinada y
preferentemente sutil, el segundo desplegando su exquisito sentido del vigor
rockero. REDD es la figura señorial del rock progresiv otucumano por
excelencia; 2112 es un representante histórico del prog-metal argentino y hace
poco ha editado su nuevo trabaio "El Maravilloso Circo De Los Hermanos
Lombardi".
Ambos grupos tocarán el viernes 7 de setiembre, a partir de las 21.30, en el
local La Colorada (Yerbal y Rojas - C.A.B.A.).
!Imperdible!
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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