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La caja de musica Number 0995
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #995 julio 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* DAVE WILLEY & FRIENDS - "Immeasurable Currents" (2011)
* KARCIUS - "The First Day" (2012)
* SOT - "Kind Of Saltz" (2011)
* ORNITHOS - "La Trasfigurazione" (2012)
* MIRROR - "Daybreak" (1976)
* LCDM: 2 DAYS PROG +1
* SUBTILIOR - "Absence Upon A Ground" (2012)
* TOHPATI ETHNOMISSION - "Save The Planet" (2010)
* XII ALFONSO - "Charles Darwin" (2012)
* Eblen Macari Ensaemble -26 de julio- Rectoría General UAM
* MARANIA en La Ratonera Cultural - 28 de julio
* The Satellite + Pilotocopiloto + I Am Genko - 28 agosto
* La Maschera Di Cera - trailer del próximo disco
* KINDER "Archipiélago" nuevo aporte de la vanguardia rockera peruana
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DAVE WILLEY & FRIENDS - "Immeasurable Currents" (2011)
DAVE WILLEY FRIENDS: "Immeasurable Currents" (2011)
Temas
1. Too Much Light (Ionesco's Theme) (3:47)
2. The Old Woods (5:46)
3. If Two See A Unicorn (1:57)
4. What A Night (4:02)
5. The Conservatives (1:50)
6. Winter (3:22)
7. I Could Eat You Up (3:36)
8. Wordswords (5:40)
9. Autumn (3:18)
10. Mitch (2:57)
11. A Garland Of Miniatures (2:40)
12. Nightfall (4:31)
Dave Willey: acordeón, guitarra, bajo, teclados, batería, percusión, tubos de
correo, campanas, cítara, guitarra folclórica, órganos, guitarrón, armonio,
voz, silbidos, imitación de ruidos de caballos
Colaboradores - Deborah Perry (voz, percusión), Elaine di Falco (voz, piano,
droplets), Hugh Hopper (bajo y loops en 2, 4 y 12), Farrell Lowe (guitarra en
2), Mike Johnson (guitarras en 4, 5, 7, 8 y 12), Wally Scharold (voz en 5),
James Hoskins (cello en 6), Emily Bowman (viola en 6), Mark Harris (clarinet
en 6), Bruce Orr (fagot en 6), Dave Kerman (batería en 7), Hamster Theatre
(voces procesadas en loops en 12)
Un prolífico músico y compositor de la vanguardia estadounidense, Dave Willey
es conocido por su solvencia al bajo, acordeón, guitarra acústica, percusión, y
en general, todo un arsenal propio del multi-instrumentista talentoso y
entusiasta que es él. Entre los coleccionistas progresivos él se destaca como
figura líder de Hamster Theatre y parte de la dupla rítmica de Thinking Plague.
También ha formado parte del efímero proyecto 3 Mice, y mientras tanto, ha ido
escribiendo y grabando material durante un buen puñado de años: "Immeasurable
Currents", firmado por Dave Willey & Friends, recopila buena parte de este
material. Si lo tomamos como un disco solista con un "crédito abierto", se
trata de su segunda obra, pues en 1993, Dave Willey editó el disco "Songs From
The Hamster Theatre", un disco que justamente sembró el terreno para la
formación de HT. Dentro de su agrupación itinerante de amigos para este segundo
disco se encuentran viejos colegas de Thinking Plague (incluyendo a su pareja
Eliane di Falco) y Hamster Theatre, así como al desaparecido Hugh Hopper.
Parece mentira cuán ocupado se mantenía esta leyenda del Canterbury, a años de
su muerte todavía siguen surgiendo discos donde se hizo presente=85 Este disco
está dedicado a Hopper y al padre de Dave, Brent Willey (autor del poemario
"The Tin Box Papers And Other Poems", del cual se extrajeron las letras para
las piezas cantadas). Bueno, concentrémonos en el repertorio de "Immeasurable
Currents", ?vale?
"Too Much Light (Ionesco's Theme)" abre el disco con un aura grácil revestido
de una estilizada serenidad que le da un aire irremediablemente etéreo a los
recursos disonantes del desarrollo temático. "The Old Woods" nos muestra a
Willey y sus colaboradores de turno explorando vías jazzeras, despejando así el
camino para dimensiones intimistas, incluso un poco crepusculares; poco
después, "What A Night" reitera esta exploración de ambientes intimistas,
llegando hasta el punto de plasmar una atmósfera ensoñadora que, a pesar de no
esconder su raíz vanguardista, resulta genuinamente cálida y relajante. "If Two
See A Unicorn" y "I Could Eat You Up" suenan como sacados de un archivo de
out-takes de "In Extremis" (sin duda, buenos out-takes): desarrollando
diferentes niveles de colorido y expansión instrumental, ambas piezas muestran
la osada inteligencia que exige ordenar con rigor arquitectónico las
implacables complejidades inherentes a los conceptos bizarros de melodía y
capas armónicas en curso. "The Conservatives" es un gracioso ejercicio de
musicalidad juguetonamente frívola (al modo de un country suavemente
teatralizado) que bien de perillas antes de que "Winter" nos lleve a través de
una bruma minimalista con base de piano, la misma que halla la compleción de su
articulación en el dueto vocal femenino.
"Wordswords" es patentemente grisáceo, jugando a lo expectante con una aureola
ceremoniosa que resulta mayestática y amenazante a la vez=85 a pesar de que no
es precisamente una pieza hiperbólicamente densa en sí misma. Los arreglos
percusivos que entran a tallar en la sección final le dan un toque exótico al
asunto. "Autumn", al igual que "Winter" antes, se basa en un ejercicio de
desarrollos minimalistas con base de piano, aunque esta vez la adición del
acordeón aporta un poco más de luminosidad al asunto. Con la secuencia de
"Mitch" y "A Garland Of Luminaries" tenemos, respectivamente, un recordatorio
del humor circense propio del ideario de Hamster Theatre bajo el esquema de la
emulación de una balada de Leonard Cohen, y una traducción flotantemente
minimalista del estándar de Art Bears. De esta manera, el terreno está
preparado para que emerja "Nightfall" con su aura cósmica, signada por un
surrealista minimalismo ensoñador, lo cual hace que el disco termine con una
actitud retraimiento, la dulce nostalgia de la despedida. "Immeasurable
Currents" es un estupendo catálogo de pequeños viajes por los valles y estepas
del rock in opposition, usando estrategias tan divertidas y osadas en la
planificación de dichos viajes. Dave Willey y sus amigos/as han plasmado una
gran labor en este disco que es digno de ocupar un lugar en cualquier buena
colección de música progresiva de avanzada.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: KARCIUS - "The First Day" (2012)
KARCIUS: "The First Day" (2012)
Temas
1. The First Day (5:48)
2. Hypnotic (6:35)
3. Rest My Head (6:44)
4. The Word (6:29)
5. Number Ten (3:04)
6. Why (6:25)
7. Brother (6:15)
8. Djoko (2:26)
9. Water (8:17)
Integrantes
- Sylvain Auclair: bajo, canto
- Thomas Brodeur: batería, percusión
- Simon L"Esperance: guitarras
- Mingan Sauriol: teclados
El grupo franco-canadiense Karcius vuelve al ruedo fonográfico, y lo hace tras
pasar por una notoria fase de transformación en su línea de trabajo. No solo
cuenta con un nuevo bajista en su alineación, sino que éste aporta un rol vocal
al esquema grupal, y por sobre todas las cosas, el grupo ha forjado un nuevo
cimiento sonoro basado en un reciclamiento neo-psicodélico de prog-metal, heavy
prog y jazz-rock con tonalidades contemporáneas que lo emparentan con el
Porcupine Tree post-"In Absentia", el Quidam post-Emila y Riverside. Será
imposible repasar el repertorio del grupo sin mencionar a estos referentes más
de una vez. Vamos a ver qué nuevo impulso significará este disco para la banda,
pero los tiempos de "Episodes" y "Kaleidoscope" se han ido para siempre: el
esquema sonoro del grupo ha mudado de piel, de las llamas del viejo Karcius ha
emergido uno nuevo que mira muy poco para atrás y se proyecta hacia nuevos
cielos musicales por donde volar.
La pieza homónima abre el disco con una dimensionalidad ecléctica donde los
lenguajes del jazz-rock y la psicodelia pesada contemporánea confluyen muy
armónicamente; algunos interludios tirados hacia el estándar prog-metalero
refuerzan la patente muscularidad de la banda. Luego sigue "Hypnotic", tema más
reposado que se concentra en recrear atmósferas jazz-fusionescas dentro de un
esquema sónico muy amigable con el estándar del sinfonismo moderno. El rol del
piano es crucial para enfocar el desarrollo temático central, mientras que la
dupla rítmica sostiene con pulcra solvencia las variantes de ambiente que
tienen lugar (especialmente en la sección final). Con la dupla de "Rest My
Head" y "The Word", el grupo afianza y completa la renovada dirección sonora de
su propuesta musical: el primero de estos temas nos devuelve un poco a la magia
magnética de "The First Day" con un aumento de los aires de familia con el
Riverside 2003-2005 y Phi, con miras a darle una ostentosa fastuosidad al
asunto; por su parte, el segundo establece nexos con patrones del Porcupine
Tree 2007-2011 años así como con el lado melódico del prog-metal, y de hecho,
se puede decir que es la canción emblemática de las aspiraciones sónicas
desarrolladas en los primeros 25 minutos del álbum. "Number Ten", en fluida
consonancia con la atmósfera conclusiva de "The Word", es un misterioso solo de
piano arropado bajo capas industriales de sintetizador, al modo de una
ceremoniosa sucesión de reflexiones arrojadas en medio de la expansiva
estructura cósmica de la realidad. A partir de aquí, "Why" emerge como la
aseveración más filuda hasta el momento de la renovación estilística de
Karcius: empezando con un aura parsimoniosa al modo de una cruza entre
Portishead y No-Man, la climática segunda mitad se deriva hacia una expresión
de aguerridas aventuras progresivas inspiradas tanto en el PT de "Fear Of A
Blank Planet" como en el estándar Wilsoniano de "Insurgentes". "Brother" asume
en la mayor parte de su esquema unos aires jazz-progresivos que nos recuerdan
en cierta medida al viejo Karcius de "Episodes" y "Kaleidoscope", aunque es
cierto que algunos matices del guitarreo y la permanente intensidad de la dupla
rítmica hacen que esta canción se acomode totalmente a la línea de trabajo
reflejada en el repertorio. De hecho, el clímax que ocupa buena parte del
momentum final nos muestra a la banda regresando de lleno a los modelos de
Riverside y PT. La secuencia de "Djoko" y "Water" cierra el álbum con la
adición de nuevos aspectos que se integran dentro del espíritu general del
disco: "Djoko" es un dinámico ritual de percusiones tribales que se proyecta
celebratoriamente a través de una levemente marcada atmósfera industrial,
mientras que "Water" se focaliza en un espíritu de talante neo-progresivo (al
modo de la faceta más etérea del Quidam actual), pertinentemente ornamentado
con vuelos sonoros robustos afines a lo que hemos escuchado anteriormente de
forma consistente (además de un abierto coqueteo con cadencias dub-reggae en
algunos pasajes de su estructura rítmica).
Éste es el nuevo Karcius, "The First Day" es su testimonio vital; puede
resultar chocante para muchos de nosotros que conocimos y apreciamos sus
anteriores trabajos el tener que empezar a familiarizarnos con esta nueva línea
de trabajo, y de hecho, la primera o primeras dos escuchas de "The First Day"
puede generar ideas y sensaciones confusas y/o decepcionadas. Pero, a fin de
cuentas, una vez que uno se anime a darle nuevas oportunidades a "The First
Day", se tendrá la ocasión de disfrutar de este nuevo material como lo que es,
un recurso de frescura y nuevo vigor para la vigencia contemporánea de la
escena progresiva.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SOT - "Kind Of Saltz" (2011)
SOT: "Kind Of Saltz" (2011)
Temas
1. Schlatan (5:14)
2. Tusjpen (5:53)
3. Bartof (1:38)
4. Follower (6:30)
5. Saltpetersyre (6:01)
6. Den Avsagde (1:52)
7. Stætten (4:22)
8. End Of Saltz (2:44)
9. Oftebrua (3:44)
10. Tzar Saltan (8:21)
Integrantes
- Skjalg Reithaug: guitarras, guitarra-sintetizador
- Anders Hunstad: batería, piano eléctrico, voz
- Lars Andreas Haug: tuba, trompeta, trombón, efectos, voz
Sot es el nombre de un trío noruego formado en Oslo y conformado por músicos
procedentes de áreas tan dispares como el metal, la fusión y el pop: con su
estructura de guitarra, batería y tuba (más otros implementos), Sot elabora una
propuesta vitalista y extravagante que se enmarca dentro de la confluencia de
rock in opposition, math-rock y avant-jazz, añadiendo sazones de prog
psicodélico con una carga Crimsoniana. En su propio blog de Bandcamp, el grupo
expresa su amor por "los ritmos inusuales y grooves pesados, a veces aumentados
con chispazos de melodías infantiles". Esta descripción oficial, a pesar de no
estar pensada desde un plano objetivo, acierta exactamente con lo que el oyente
ha de encontrar a la hora de escuchar "Kind Of Saltz", el disco que Sot editó
en diciembre de 2011 a través de su propio sello Sotanic Sounds. El repertorio
de este disco está armado a partir de traviesas travesías por pasajes intensos,
parajes sutiles, irrupciones saltarinas, cortinas minimalistas, momentos de
constricción, rituales de exaltación. Repasemos el disco en cuestión con mayor
detalle a fin de determinar cómo se articulan todos estos ítems.
"Schlatan" abre el disco con un filo rockero bastante pronunciado, punzante a
través de su dinamismo imponente en las secciones explícitamente fuertes y más
sutil en los pasajes de tendencia comedida: imaginemos una versión math-rockera
de un híbrido entre Mahavishnu Orchestra y Höyry-Kone. "Tusjpen" abre campo a
ambiente y texturas marcadas por cierta dosis de calidez, aunque nunca faltan
las ocasiones para que la expresividad rockera encienda su llama: el factor
jazzero es, en líneas generales, más pronunciado. "Bartof" es una breve
aventura de danza gitana, al modo de un tributo a Samla Mammas Manna. Resulta
conveniente que sea seguida inmediatamente por "Follower", pues su inicio
lánguido hace que nuestra atención vire desde la efímera iluminación juguetona
de la pieza precedente hacia una misteriosamente serena nocturnidad. Más
adelante, el grupo da rienda suelta a su espíritu travieso recurriendo
sucesivamente a interrupciones dadaístas, un momento de jolgorio y otro marcado
por una densidad cuasi-Crimsoniana, logrando así generar una bizarra diversidad
temática antes de volver a la languidez inicial. "Saltpetersyre" suena como un
retorno a la extrovertida espiritualidad nuclear "Schlatan" con matices
añadidos bajo la inspiración de las orquestaciones Zappianas. Como pequeño
bloque de aleatorios retazos cósmicos, "Den Avsagde" opera como un preludio al
colorido vigoroso de "Stætten", tema que encapsula y recapitula ávidamente la
mayor parte de la sofisticada versatilidad de la que siempre ha venido haciendo
gala el grupo; aunque el aura de extravagancia circense es predominante,
también hay momentos para el lucimiento de interludios jazzeros y de texturas
cósmicas. "End Of Saltz" nos presenta la faceta introvertida de Sot, articulada
en torno a un motivo repetitivo que da la apariencia de explayarse en torno a
su inherente densidad=85 pero ésta nunca llega a estallar, manteniéndose bien
contenida por la red sónica creada por el trío. "Oftebrua", por su parte,
establece un parentesco con "Tusjpen": cabe destacar el brillante solo de piano
eléctrico ejecutado por el baterista. Los últimos 8 minutos y pico del disco
están ocupados por "Tzar Saltan". Esta pieza aprovecha su espacio de expansión
para volver a las ambiciones sintéticas de "Stætten", solo que esta vez se da
un equilibrio más consistente en la repartición de roles de los dispares
elementos contenidos en ella. Cabe destacar el modo tan elegante en que el
grupo maneja las secciones más aguerridas; también merece una mención especial
el juego de escalas que primero emerge como interludio y después reaparece para
el clímax conclusivo, es simplemente genial, con un swing muy llamativo que
nos remite al legado de la faceta etérea del primer Mahavishnu Orchestra.
Todo esto fue "Kind Of Saltz", un muestrario de vanguardia progresiva que
brilla con luz estelar y que lamentamos haber conocido recién ahora. Sot merece
la atención de todos los amantes del género progresivo que buscan ser
desafiados por las infinitas posibilidades que se abren a la experimentación
rockera ecléctica e impredecible.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ORNITHOS - "La Trasfigurazione" (2012)
ORNITHOS: "La Trasfigurazione" (2012)
Temas
Il Trittico Del Tempo Che Fu:
1. L'Orologio (5:43)
2. La Persistenza Della Memoria (3:11)
3. Somatizzando l'Altare Di Fuoco (7:46)
4. L'Ipostasi (3:19)
Presa Di Coscienza Del Presente:
5. Al Torneo (3:32)
6. L'Arrivo Del Fuoco - Fuga (4:34)
7. Nuvole E Luce (2:23)
8. Ritorno Al... (Reprise) (1:47)
9. Salamandra: Regina Di Psiche E Di Saggezza (7:40)
Quiete E Redenzione Del Domani:
10. Nel Crepuscolo (3:49)
11. La Notte (4:05)
12. L'Alba Del Nuovo Giorno (6:01)
13. This Is What We've Got: The Flute Song (7:31)
Integrantes
- Diego Petrini: batería, percusiones, órgano, piano, mellotron, voz
- Eva Morelli: flauta, saxos alto, soprano y tenor
- Federico Caprai: bajo, voz
- Antonello De Cesare: guitarras solista y acústica, coros
- Simone Morelli: guitarras rítmica y acústica
- Maria Giulia Carnevalini: voz, coros
Formado en 1999 por el baterista/teclista Diego Petrini y el bajista Federico
Caprai, el grupo retro-progresivo italiano Ornithos puede ser erróneamente
percibido como un off-shoot de Il Bacio Della Medusa. Al fin y al cabo, recién
en 2012 ha sacado al mercado su disco debut mientras que Il Bacio Della Medusa
ya tiene tres en su haber (incluyendo el de este año, "Deus Lo Vult"). Pero
resulta que este grupo se formó con anterioridad, por lo que Ornithos puede
válidamente presumir de tener una visión y dinámica propias, más allá de las
obvias semejanzas que existen entre las líneas de trabajo practicadas por ambos
grupos. La fijación especial por la vertiente más robusta de la tradición
prog-sinfónica italiana (Museo Rosenbach, Cervello, New Trolls) y el empleo de
varios recursos de hard rock y psicodelia de vieja escuela son aires de familia
imponentes en cuanto a las confluencias sonoras entre Ornithos e IBDM. Pero el
caso especial de Ornithos incluye también un solvente manejo de recursos
jazzeros y fusionescos dentro de su rica amalgama sonora: el ensamble se siente
lo suficientemente afiatado como para manejar este eclecticismo con garra y
buen pulso. "La Trasfigurazione" es la carta de presentación de Ornithos, una
obra hecha realidad más de 10 años después de la formación del grupo. Repasemos
el disco en cuestión con los detalles de su repertorio.
La serie de 13 composiciones de "La Trasfigurazione" se reparet en tres bloques
sucesivos. "Il Trittico Del Tempo Che Fu", "Presa Di Coscienza Del Presente" y
"Quiete E Redenzione Del Domani". La secuencia de "L"Orologio" y "La
Persistenza Della Memoria" abre el primer bloque con punche y prestancia,
desarrollando un correctísimo balance entre las secciones fuertes y las
líricas: los aires de Cervello, Biglietto Per L"Inferno y PFM resurgen
fluidamente en el modus operandi de la banda, lo cual los vincula
estilísticamente al primer Notabene y a Chiave Di Volta. "Somatizzando l'Altare
Di Fuoco" emerge para añadir un poco de tensión al asunto, con aires de
proto-prog a lo Gnidrolog mezclados con el jazz-prog de Colosseum y alternados
con matices del King Crimson del quinteto original. Es asombroso notar cuánta
vitalidad puede fluir y transpirar tan ágilmente a través de las sofisticadas
ramificaciones que tienen lugar dentro de los confines de esta pieza, cuya coda
deriva en aires juglarescos que parecen sacados de un out-take de Buon Vecchio
Charlie. "L"Ipostasi" aprovecha la aureola de jovialidad con que terminó el
tema precedente para elaborar un grácil ejercicio de tango empapado de rocío
fusionesco: el reinante espíritu de travesura es manejado por el ensamble con
muy buen pulso, logrando que continuamente se resalte el aura saltarina del
desarrollo temático. El bloque de "Il Trittico Del Tempo Che Fu" cumple
cabalmente con su doble misión de establecer las reglas de juego del grupo
para los oídos del oyente y de articular una sonoridad bien afiatada a través
de las interacciones entre los ejecutantes.
El segundo bloque se inicia con "Al Torneo", tema que se explaya en un intenso
jam de 7/8 tras un preludio celebratorio de corte medieval, y luego retoma
aires juglarescos con un colorido compactamente sostenido sobre la armonización
de rock y folk. Con "L'Arrivo Del Fuoco - Fuga", el grupo se enfila por las
áreas del jazz-rock psicodélico, creando así una curiosa mescla de NT Atomic
System y Soft Machine. "Nuvole E Luce" es básicamente una expansión de los
aspectos más serenos de la excursión jazz-rockera, trabajando poco a poco un
crescendo de emotividad de la mano de la cantante invitada Maria Giulia
Carnevalini. Así las cosas, se prepara el terreno para la electrizante erupción
rockera de "Ritorno Al... (Reprise)", debidamente sazonada con pasajes
folclóricos estilizados que se ubican en lugares estratégicos. A cargo de
cerrar el segundo bloque, "Salamandra: Regina Di Psiche E Di Saggezza" opera
como una recapitulación de las atmósferas y ambientes predominantes en "Al
Toreno" y "L'Arrivo Del Fuoco - Fuga". La dupla de "Nel Creposcolo" y "La
Notte" abre el tercer y último bloque con el curioso recurso de alternar
pasajes de rock pesado frontal y filudo con otros de cariz ceremonioso que se
enmarcan cómodamente en el estándar sinfónico. "L'Alba Del Nuovo Giorno" es un
llamativo viaje instrumental que reitera el instinto y la mentalidad volcados
hacia las reivindicaciones del prog italiano y el proto-prog británico: en
muchas formas, esta pieza supone un replanteamiento de la línea de trabajo
expuesta anteriormente en "La Persistenza Della Memoria" y "Somatizzando
l'Altare Di Fuoco". Con su estupendamente pulcra amalgama de vitalidad y
musicalidad, "L'Alba Del Nuovo Giorno" hubiera supuesto un gran cierre para el
álbum si la última parte del tercer bloque no fuese "This Is What We've Got:
The Flute Song"=85 lo cual tampoco está nada mal. Esta canción se arma en torno
a una ingeniería jazz-progresiva de 7 BD minutos cuyos ribetes blueseros y
ocasionales ornamentos Tullianos sirven para garantizar un solvente nivel de
sofisticación al asunto.
Todo este despliegue de riqueza melódica ha servido para convertir a "La
Trasfigurazione" en uno de los discos retro-progresivos más importantes del
año; esperemos que el futuro cercano tenga en reserva más trabajos de Ornithos
para el deleite de todos los amantes y coleccionistas de rock artístico.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MIRROR - "Daybreak" (1976)
MIRROR: "Daybreak" (1976)
Temas
1. Daybreak (10:03)
2. Goodbye (10:13)
3. Dear Boy (3:25)
4. Edge Of Night (13:02)
Integrantes
- Johan Saanen: bajo
- Paula Mennen: voz, teclados
- Kees Walravens: guitarras, voz
- Peter Fransen: batería, percusión
- Philip de Goey: saxo, flautas, oboe
Formado en 1972 por cuatro amigos de secundaria a quienes se unió un vientista
en el año siguiente, el grupo holandés Mirror es uno de los misterios más
agradables de la primera generación de rock progresivo holandés. Su disco
"Daybreak", el único que llegaron a grabar, salió al mercado en 1976: aunque el
grupo ya contaba con un público de culto en el circuito local y alrededores, su
disco no fue precisamente un éxito de ventas. El estilo de la banda es
esencialmente sinfónico, con algunos elementos jazz-rockeros que salen a
colación para enriquecer el swing; entremos a más detalles repasando el disco
en cuestión.
La pieza homónima abre el disco con un colorido intenso y frontalmente
llamativo que nos remite a los paradigmas del mejor Yes y el Focus clásico,
además de algunos ribetes jazz-rockeros cuasi-Canterburyanos que entran a
tallar en ciertos momentos del desarrollo temático. Portando bastantes
equivalencias con lo que Lift estaba haciendo por su parte en los EE.UU.,
"Daybreak" resulta una apertura fielmente indicativa de los enfoques centrales
que Mirror estaba dispuesto a aportar a la escena progresiva de su país. Será,
a fin de cuentas, el tema más brillante de todo el álbum, pero en general no es
justo pasar por encima del repertorio restante, por lo que vamos ahora a
"Goodbye". A pesar de que su título alude al dulce dolor de la despedida, este
segundo tema no es triste de por sí: su motivo central expresa una serena
aureola de melancolía, principalmente bajo la guía dual de la guitarra y el
oboe, mientras que por otro lado, las traviesas irrupciones de variantes
extrovertidas ayudan a reforzar el colorido esencial del cuerpo compositivo.
"Dear Boy" es la pieza más convencional del disco: es una balada sinfónica que
tiene algo del Curved Air post-Monkman así como cercanías claras con el
estándar del Earth & Fire. Con sus 13 minutos de duración, "Edge Of Night"
cierra el disco con una manifestación de la mayor fastuosidad de que es capaz
el quinteto: exhibiendo aires Eloy-Floydianos combinados con algunas
estilizaciones a lo Trace y reincidiendo en el candor melódico de Earth & Fire,
este tema completa prestamente la ideología de sinfonismo elegante y evocativo
que Mirror se propuso como norte.
A poco de salir al mercado este disco, el grupo hizo varias mini-giras en el
circuito nacional pero no pasó mucho tiempo hasta que se dieran las sucesivas
partidas del bajista y la cantante-teclista. Así las cosas, Mirror solo tenía
la opción de dejar todo ahí, aunque Saanen, De Goey y Walravens volvieron a
unir fuerzas en 1978 para formar un nuevo grupo, Lethe. Este grupo solo logró
editar un disco homónimo en 1981, pero ése es motivo para otra reseña.
Terminamos ésta diciendo que "Daybreak" de Mirror es un ítem fácilmente
apreciable para los coleccionistas ávidos de rock sinfónico de todos los
lugares, épocas y tendencias.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: 2 DAYS PROG +1
HOLA CAJEROS, LES SAUDA CÉSAR MNDOZA.
Se viene un festival progresivo con un estupendo cartel: se trata de 2 DAYS
PROG, un evento que a pesar de su nombre dura no dos sino tres días, entre el 7
y 9 de setiembre. 2 DAYS PROG +1 tendrá lugar en la Piazzetta della Musica en
la localidad de Veruno.
El cartel es como sigue.-
Viernes 7-set
Court
Wicked Minds
Pain of Salvation
The Flower Kings
Sábado 8-set
Gran Turismo Veloce
Trettioariga Kriget
Anima Mundi
IQ
Domingo 9-set
Profusion
Knight Area
Lazuli
Angelo Branduardi
El ingreso es gratuito.
Más información en los enlaces http://www.ver1musica.it/ y
http://www.facebook.com/ver1musica
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SUBTILIOR - "Absence Upon A Ground" (2012)
SUBTILIOR: "Absence Upon A Ground" (2012)
Temas
1. Absence [1. Overt ; 2. Primo Frammento ; 3. Epicicli I ; 4. Secondo
Frammento ; 5. Arioso ; 6. Terzo Frammento ; 7. Un Coeur Mecanique ; 8. Resti
(Quarto Frammento) ; 9. Epicicli II ; 10. Toccata ; 11. Helas Avril ; 12.
Danzante (Quinto Frammento) ; 13. Clos] (29:38)
2. Upon a Ground [1. Part I ; 2. Part II ; 3. Part III] (15:29)
Michele Epifani: órgano Hammond, piano eléctrico, sintetizadores
Colaboradores - Perluigi Mencattini (violín en 1), Valerio Cipollone (clarinete
y clarinete bajo en 1), Christiano Pomante (vibráfono y marimba en 1), Maurizio
Fasoli (piano en 1), Stefano Colombi (guitarra eléctrica en 1 y 2), Antonio
Marrone (bajo en 1), Simone Pacelli (bajo en 2), Luca Falsetti (batería y
percusión en 1 y 2), Carmine Iarine (saxo tenor en 2), Manuel Trabucco (saxo
tenor en 2), Massimo Magri (cello en 2),
Subtilior es el nombre del proyecto chamber-rock del teclista/compositor
Michele Epifani, a quien conocemos mayormente como la figura líder de
Areknamés. Subtilior ofrece una dimensión sónica muy diferente, afín a rabiar
con la portada: un bosque siniestramente oscuro que aparece iluminado por
ígneas luces que brotan desde agujeros que penetran en el subsuelo. Univers
Zero y la primera fase de Art Zoyd son las primordiales influencias que Epifani
tuvo en mente a la hora de crear las dos suites del disco debut "Absence Upon A
Ground", lo cual, a su vez, lleva a paralelos con nombres más contemporáneos
como Finnegans Wake (primeros álbumes), Far Corner y Yugen - de hecho, algunos
miembros de ese último grupo aparecen en este disco.
Dando inicios a la suite "Absence", "Overt" instala una aureola de expectativa
sazonado con cadencias de jazz, para que a continuación "Primmo Frammento"
elabore y desgrane un exquisito juego de desarrollos armónicos dadaístas y
ornamentos bizarros. "Epicicli I" pasa a terrenos de inquietante languidez
abstracta, lo cual determina eficazmente el tipo de tensión contenida que
habremos de hallar en "Secondo Frammento" así como la otoñal aura de misterio
encarnado en "Arioso". "Terzo Frammento" regresa a la extroversión colorida de
"Primo Frammento", antes de que la dupla de "Un Coeur Mecanique" y "Resti
(Quarto Frammento)" arme un crescendo donde los diversos artilugios percusivos,
cuerdas, vientos y teclados congreguen recursos mecánicos y vibraciones
orgánicas. Éste es un clímax muy especial de la primera suite, sin duda.
"Epicicli II" reformula la languidez abstracta de "Epicicli I" capitalizando su
potencialidad oscurantista, logrando con ello sembrar el terreno para que
"Toccata" establezca un ambiente denso sostenido sobre un ágil manejo de
cadencias avant-jazzeras. En medio de esta niebla de misterio y espiritualidad
crepuscular, "Helas Avril" enciende una pequeña fogata de lirismo relajado
donde la comunión entre las espartanas escalas de piano y las sutiles
intervenciones del vibráfono aportan una cierta calidez. "Danzante (Quinto
Frammento)" reemplaza la calidez por la fastuosidad, aunque reteniendo
esencialmente la actitud lírica de base. "Clos" cierra la primera suite
retomando la aureola de expectativa con la que había comenzado "Overt", pero
esta vez intensificándola para elaborar un pertinente clímax conclusivo: la
faceta explosiva se muestra a flor de piel, pero la ingeniería musical es
manejada con suficiente nervio como para que esta ebullición final diste
infinitamente de lo chocante o lo apabullante. !Una gran conclusión, sin duda!
La suite "Upon A Ground" instala sus pasos más sólidamente en terrenos oscuros
rodeados de amenazantes aires de surrealista nocturnidad. Durante el desarrollo
de la Primera parte, el ensamble se siente muy cómodo transitando de momentos
diseñados para la conexión transversal de guitarra-teclados-vientos-percusión y
otros donde la estructura se relaja para dar pie a elaboraciones libres
marcadas por cierto acento cósmico. La Segunda Parte sigue una lógica muy
semejante, con el añadido de que los contrastes entre pasajes luminosos y
brumosos están más acrecentados, y que estos últimos cuentan con un mayor campo
de expansión. La Tercera Parte culmina la suite con la manifestación más
esquemática de la celebración de la nocturnidad que ha conformado el núcleo
temático de "Upon A Ground": algo así como una procesión de despedida que
atraviesa la niebla del limbo para desaparecer mientras anuncia su pronto
retorno.
En conclusión, "Absence Upon a Ground" es un testimonio de enorme aprecio por
el legado del RIO francófono, elaborado con talento creativo y energía por
Michele Epifani y sus compañeros de aventura. Epifani parece estar en continuo
estado de gracia cuando se dispone a acometer sus diversas aventuras
progresivas: su mente vanguardista hace de Subtilior un nombre especialmente
notable dentro del escenario progresivo de 2012.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TOHPATI ETHNOMISSION - "Save The Planet" (2010)
TOHPATI ETHNOMISSION: "Save The Planet" (2010)
Temas
1. Selamatkan Bumi (9:07)
2. Bedhaya Ketawang (8:31)
3. Drama (1:47)
4. Ethno Funk (8:38)
5. Gegunungan (2:56)
6. Hutan Hujan (8:42)
7. Biarkan Burung Bernyanyi (7:27)
8. Inspirasi Baru (4:13)
9. Perang Tanding (8:16)
10. Pesta Rakyat (5:10)
11. Amarah (2:34)
Integrantes
- Tohpati: guitarra eléctrica, guitarra-midi
- Indro Hardjodikoro: bajo
- Diki Suwarjiki: suling, soundscapes
- Endang Ramdan: kendang, gong, kenong y otras percusiones indonesias
- Demas Narawangsa: batería y percusiones indonesias (rebana, kempluk)
Colabora - Lestari (voz en 2)
Tohpati, quien es algo así como el híbrido joven de Holdsworth y McLaughlin en
el contexto de la avanzada jazz-fusion indonesia, es todo un trabajólico cuando
se trata de hacer música en grupos y proyectos. Aparte de su membresía de larga
data en SimakDialog y la reciente conformación del power-trío de jazz-rock
progresivo Tohpati Bertiga, también cuenta en su CV con este quinteto de fusión
jazz-progresiva denominado Tohpati Ethnomission. Su posicionamiento está en una
encrucijada entre las otras dos entidades antes mencionadas: porta sólidas
dosis de colorido folklórico al estilo de SD, pero a su vez ostenta un vigor
electrizante que lo sitúa más cerca de TB. En sí mismo, Tohpati Ethnomission
resulta una valiosa manifestación de jazz-fusion dentro de las innumerables
posibilidades que se abren a partir de la actitud de replantear los matices y
ritmos de la tradición folklórica en un lenguaje y dinámica modernos. La
integración de las percusiones étnicas en la armazón rítmica de los viajes
instrumentales y el inventivo uso de maderas étnicas como interlocutoras de la
virtuosa guitarra de Tohpati garantizan una amalgama bien armada a través de su
fuerza expresiva. Esto es lo que se deduce inmediatamente a partir de las
primeras escuchas de "Save The Planet" ("Selamatkan Bumi" en la lengua materna
de Tohpati y sus compañeros de viaje), disco del año 2010: vayamos ahora a los
detalles del mismo.
La pieza homónima abre el disco con un esplendor vibrantemente optimista donde
se hilan los detalles del motivo central con impecable pulcritud; así, se
genera un clima perfectamente idóneo para la inserción de un extenso interludio
marcado por una estilizada tensión psicodélica. "Bedhaya Ketawang" sigue a
continuación para virar hacia contenidos climas introvertidos donde el lirismo
se torna melancólico y misterioso. El canto de la invitada Lestari ayuda a
reforzar la magia folclórica del asunto. La dupla de "Drama" y "Ethno Funk" es
simplemente electrizante: "Drama" funge como preludio Mahavishnu-Crimsoniano a
la exquisita exhibición de extroversión y dinamismo que se encapsula en "Ethno
Funk". Esta pieza porta un gancho inmenso, prácticamente infinito, lo cual le
permite extenderse por más de ocho minutos y medio sin hastiar al oyente. Los
aires modernos a lo Tribal Tech que Tohpati Ethnomission insufla a esta
excursión musical se sienten robustamente asentados en los brillantes solos de
guitarra así como en las interacciones entre el baterista y el percusionista.
"Gegunungan" es un breve ejercicio de reposo contemplativo dirigido por la
percusión, un momento de serenidad antes de que "Hutan Hujan" instaure una ágil
síntesis de la vibración vitalista de "Selamatkan Bumi" y la luminosidad
extrovertida de en "Ethno Funk" con una dosis incrementada de fuerza expresiva:
esto último es resultado de la inserción de adornos y matices prog-psicodélicos
a varias intervenciones de la guitarra. "Biarkan Burung Bernyanyi" e "Inspirasi
Baru" muestran facetas más contenidas de la extroversión esencial de Tohpati
Ethnomission: el primero de estos temas da espacio para que la flauta indonesia
ocupe un rol protagónico relevante para la atmósfera general de la composición,
mientras que el segundo se explaya en recursos de grácil colorido alternados
por los encuadres protagónicos de cada músico en momentos sucesivos. "Perang
Tanding" regresa a la vitalidad frontal que ha venido marcando los momentos más
llamativamente resaltantes del disco, aunque retomando los aires cálidos
insuflados en las dos piezas anteriores, lo cual permite a la banda crear un
nuevo momento sintético, un clímax particular dentro del repertorio. "Pesta
Rakyat" se revela más fiel a la tradición jazz-fusion de Mahavishnu Orchestra:
su duración menos expandida que "Ethno Funk" o "Hutan Hujan" obliga al ensamble
a manejar el núcleo compositivo de la pieza con un especial sentido de
urgencia. El epílogo del disco viene con un ejercicio de jazz-rock
Holdsworth-Hendrixiano donde Tohpati se desdobla en la guitarra eléctrica y la
sintetizada: un peculiar cierre para un gran álbum.
Son más de 67 minutos de esplendorosa belleza fusionesca lo que nos brinda
"Save The Planet": Tohpati Ethnomission es un nombre a poner en lugar
prioritario en una agenda de futuras exploraciones jazzeras y progresivas.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: XII ALFONSO - "Charles Darwin" (2012)
XII ALFONSO: "Charles Darwin" (2012)
Temas
Volume: 1809 - 1835:
01. Collection One (1:41)
02. Earliest Recollections (4:58)
03. Stolen Fruit (3:14)
04. Physics And Hunting (3:51)
05. Silent Battle (4:38)
06. Collection Two & Three (1:47)
07. Bump of Reverence (5:32)
08. Leaving England - Part 1 (1:31)
09. Leaving England - Part 2 (3:05)
10. Letter From Henslow (3:19)
11. HMS Beagle (3:52)
12. Collection Four (0:30)
13. Captain Fitz-Roy (2:50)
14. Straits Of Magellan (5:12)
15. Tierra del Fuego (7:46)
16. Darwin's Finches (3:54)
17. Homeward Bound (3:09)
Volume II: 1836 - 1858:
01. Collection Five (1:52)
02. So Many Years (3:42)
03. Strange Fossil (2:55)
04. Emma And Charles (5:55)
05. Coral Of Life (5:07)
06. Collection Six (1:11)
07. Down House (4:32)
08. Island Of Devil's Riding School (4:00)
09. Annie - Part 1 (2:56)
10. Annie - Part 2 (2:02)
11. Collection Seven (2:36)
12. Beloved Cirripedia (3:56)
13. An Ordinary Day (3:55)
14. Salting The Seeds (6:24)
15. Lenny (2:36)
16. It's Time To Write (2:30)
17. Collection Eight (0:56)
18. Missing Links (3:06)
Volume III: 1859 - 1882:
01. Collection Nine (0:53)
02. Bound Together (4:49)
03. Descent With Modification (2:36)
04. On The Origin Of Species (6:38)
05. Controverse In Oxford (1:27)
06. Collection Ten (0:56)
07. Slave Makers (4:01)
08. Last Human Common Ancestor (4:03)
09. Sombre Thoughts (5:27)
10. Collection Eleven (0:57)
11. Mysterious Illness (7:01)
12. Copley Medal (2:46)
13. Vision Of The Indian Mound (6:23)
14. Descent Of Man (4:53)
15. Collection Twelve (0:55)
16. Struggle For Existence (1:36)
17. Darwin's Burial (4:40)
Integrantes
- Philippe Claerhout: guitarras, mandolina, glockenspiel, bajo, dan-bao,
castañuelas, copas de vino, delfinófono, bouzouki, balafón, dientes de
cocodrilo, shaker, sanza, tamani, arpa, valiha, ocarina, dan tranh, ukulele,
campana tibetana
- Fransois Claerhout: sintetizadores, piano, bodhran, programación de ritmos y
samples, palmas, litófono, bloques de madera, uñas de cabra, pote de mate,
tambor de bambú, shekere, dientes de jabalí, pitecófono, palos de madera, coros
- Thierry Moreno: batería, campana tibetana, tom-toms, platillos, tarola
militar, campaneos, persianas, triángulo, guitarra acústica, tambor de mano,
pandereta, tamani
- Stéphane Ducassé: flauta, flauta bajo, flautas dulces, dientes de hipopótamo,
xilofón, dientes de cocodrilo, Theremin
Colaboradores - Maggie Reilly (voz), Elliott Murphy (voz), Gérard Lenorman
(voz), Huong Thanh (voz), Pierre Emberger "Freegh" (voz), Amy Keys (voz),
Ronnie Caryl (guitarras, voz), Alistair Gordon (voz), Jayney Klimek (voz), John
A. Helliwell (saxos, clarinete), Raphael Ravenscroft (saxos), Terry Oldfield
(flauta), John Hackett (flauta), Tim Renwick (guitarras), Francis Dunnery
(guitarras), Robin Boult (guitarras), Ian Bairnson (guitarras), David Paton
(bajo), Michael Manring (bajo), Mickey Simmonds (teclados), Ton Scherpenzeel
(teclados)
XII Alfonso no es ni mucho menos un ensamble novato en el negocio de hacer rock
artístico después de la década dorada del rock progresivo. Este ensamble
francés se formó a mediados de los 90s con la misión de crear una línea de
trabajo progresiva que combinara el aprovechamiento de la tecnología rockera y
el rescate de instrumentos rústicos y sonidos naturales, una línea de trabajo
ecléctica con intenciones holísticas y con un instinto de celebración de la
ingeniería natural del mundo y del sentido de la melodía. Fundado por la dupla
de los hermanos Claerhout (el guitarrista-percusionista-bajista Philippe y el
teclista-percusionista Fransois), el grupo se ha venido sintiendo más cómodo
operando en torno a un núcleo más poblado: el cuarteto constante que operó en
"Under" y la solidez de un sentido de ensamble en los dos volúmenes del
proyecto "Claude Monet" son prueba de ello. Para este inmenso trabajo
conceptual de 3 volúmenes titulado "Charles Darwin", los hermanos Claerhout se
asocian consistentemente con el flautista Stéphane Ducassé y siguen contando
con el baterista-percusionista Thierry Moreno, completando así el cuarteto
central. Pero no solo eso: también hay una pléyade de colaboradores entre
quienes se incluyen al vientista y frontman de Supertramp John Anthony
Helliwell (el maestro Helliwell), dos teclistas de gran trayectoria progresiva
como son Ton Scherpenzeel (líder de Kayak y miembro ocasional de Camel) y
Mickey Simmonds (Fish, Camel, Renaissance), David Paton (el bajista histórico
de The Alan Parsons Project, y también miembro ocasional de Camel y colaborador
de Rick Wakeman), Ian Bairnson (el guitarrista definitivo de The Alan Parsons
Project), Michael Manring (amo del bajo sin trastes), Maggie Reilly (la
cantante más habitual de Mike Oldfield en la primera mitad de los 80s), Huong
Thanh (una figura de la fusión y la World Music en Francia), Tim Renwick
(guitarrista que colaboró con Oldfield en varios álbumes y giras), etc. Eso sí,
todo este talento y toda esta habilidad están al servicio de las refinadas y
claramente delineadas arquitecturas melódicas e ingenierías atmosféricas
trazadas para cada pieza de cada disco. En líneas generales, XII Alfonso da
rienda suelta a las influencias de The Alan Parsons, Anthony Phillips, el Camel
y el Oldfield 80eros, The Enid y algunos patrones del sinfonismo moderno y de
la World Music a lo largo de "Charles Darwin"; entremos en más detalles a
continuación.
"Collection one" abre el primer volumen con un hermoso motivo de piano,
abriendo la puerta a la agilidad pop-progresiva de "Earliest Recollections", la
cual a su vez cede paso a coloridos musicales célticos que se desarrollan
sucesivamente en "Stolen Fruits" (de manera fastuosa) y "Physics And Haunting"
(en la línea folk-rock). Tras un nuevo paseo amable por los senderos del
pop-rock sofisticado con "Silent Battle", "Collection Two And Three" brinda un
sereno paisaje pastoral, poco después reiterado en las dos partes de "Leaving
England". En el ínterin, "The Bump Of Reverence" establece un estilizado viaje
por estilizaciones sinfónicas de tintes jazz-pop. "Letter From Henslow" muestra
matices más densos a la par que retiene la cálida vibración sónica propia de
XII Alfonso en sus momentos más solemnes: esta pieza no hubiera estorbado en un
disco de Hands o Happy The Man. "HMS Beagle", por su parte, nos devuelve a un
espíritu frontalmente ligero, antes de que la secuencia de "Collection Four",
"Captain Fitz-Roy" y "Straits Of Magellan" elabore una ilación de atmósferas
cinematográficas: la línea musical por d0onde transcurren estas tres piezas
tiene como punto de partida la quietud introspectiva y como punto de llegada un
esplendor sonoro magnífico y elegante. "Tierra Del Fuego" se hace eco de la
espiritualidad plasmada en la secuencia tripartita precedente para forjar una
gentil sonoridad repleta de ambientaciones etéreas, las cuales están sabiamente
alimentadas con cadencias fusionescas de inspiración soft-jazz. Tras este
clímax de conmoción contemplativa, "Darwin"s Finches" y "Homeward Bound" sigue
portando sus huellas con sendas muestras de refinada ingeniería sónica, donde
la calidez cautivadora de los motivos y atmósferas es manejada con impecable
pulcritud: el solo de saxo que cierra "Homeward Bound" muestra que el nervio de
John A. Helliwell (el héroe de Supertramp) sigue siendo intocable.
"Collection Five" abre el segundo volumen con un arreglo de guitarra acústica
para "Collection One", dejando el camino presto para el gancho directo de "So
Many Years" y "Emma And Charles", así como para el ejercicio de folk-prog
preciosista de "Strange Fossil" (al modo del Oldfield de la época "QE2"). "The
Coral Of Life" exhibe una dinámica armada sobre una cadencia llamativa de tinte
fusionesco: el doble canto femenino se sitúa en el rol central del despliegue
sonoro en curso. Con el toque de acordeón de "Collection Six" se tiende un
puente a la bonita balada acústica "Down House": una mención especial debe ir
para el hermoso solo de clarinete, cortesía del magistral Helliwell. "Island Of
Devil's Riding School" es un cálido ejercicio de World Music que termina
dejando algunos ecos de su swing en las dos partes de "Annie", las mismas que
reiteran la base de balada acústica para terminar aterrizando en una
ceremoniosa coda en clave de vals. Tras las hermosas proyecciones de saxo en la
remodelación jazzística de "Collection Seven", "Beloved Cirripedia" se focaliza
en proyecciones sinfónicas enriquecidas con sutiles matices fusionescos y
factores de corte chamber-rock: sin duda, en él se hallan unos de los más
prolijos arreglos instrumentales de este intensivamente extenso trabajo. "An
Ordinary Day" brinda otro momento de serenidad pop-progresiva antes de que
"Salting The Needs" ofrezca un interesante viaje jazz-rockero con domesticados
matices psicodélicos: sus 6 minutos y pico d duración pasan casi volando.
Congregando sonoridades pastorales de tenor optimista, "Lenny" expresa un
colorido bucólico al modo de una canción para niños mientras que "It"s Time To
Write" se proyecta hacia el área de la World Music. Este segundo volumen se
cierra en cohesiva consonancia con el elemento World Music por vía de los aires
del Extremo Oriente con que resurge "Collection Eight" y el candor
pop-progresivo de "Missing Links".
El tercer y último volumen se abre con el retorno del saxo de Helliwell para
"Collection Nine", preludio a las juguetonas armazones reggae-pop de "Bound
Together". El nivel de sofisticación musical aumenta notoriamente con el pasaje
cuasi-RIO "Descent Without Modification" y un nuevo ejercicio de jazz-fusión de
tintes World Music titulado "On The Origin Of Species": dado el título de esta
pieza individual dentro del concepto integral de este triple disco, es lógica
la actitud de prestarle atención, notando que sus atmósferas abundantemente
exóticas y su aureola contemplativa constituyen la base de su intimista belleza
estilizada. La solemnidad ritual de "Controverse In Oxford" y la introspectiva
con base de guitarra acústica de "Collection Ten" marcan el tránsito hacia la
fastuosidad intensa y elegante de "Slave Makers" (a medio camino entre The Enid
y Rick Wakeman). "Last Human Common Ancestor" es una estupenda giga céltica al
más puro estilo Oldfieldiano, mientras que "Sombre Thoughts" nos brinda un
momento de calidez directa que nos puede sonar conectado al Genesis de fines de
los 70s y al Camel de la etapa 82-85. "Collection Eleven" se arma con una
etérea dupla de guitarra acústica y flauta para abrir la puerta al lirismo
cándido de "Mysterious Illness", pieza que permite vehiculizar aires suntuosos
y dimensiones expresionistas en aras de enriquecer el predominante espíritu
reflexivo; una mención especial debe ir al solo de sintetizador, curiosamente
situado entre la sensibilidad textural de un Bardens y el barroquismo exquisito
de un Wakeman. "Copley Medal" regresa al ámbito de los climas pastorales
mientras que "Vision Of The Indian Mound" retoma la placidez sinfónica
Cameliana con añadidos aires Floydianos (etapa de Gilmour). "Descent Of Man" es
un ejercicio de pop-prog que se condice bastante con el TAPP de "Eve" y el BJH
de la etapa de "Eyes Of The Universe". Tras la dupla de guitarra acústica y
violín en "Colllection Twelve" y la breve atmósfera tensa de "Struggle For
Existence" (los últimos instantes de la vida de Darwin, su infarto final),
"Charles Darwin"s Burial" clausura el volumen y el álbum con un ejercicio de
pop-rock sofisticado donde los estilizados arreglos célticos son cruciales para
darle un aura progresiva; así, se logra generar un clima de complicidad final
con el personaje cuya vida y milagros nos han sido relatados por más de 3
horas. Él había dejado escritas en su testamento instrucciones para que lo
enterraran en el patio de la iglesia de St. Mary en Downe, pero por petición de
sus colegas, el presidente de la Royal Society of London for Improving Natural
Knooledge organizó un funeral de Estado en la Abadía de Westminster, donde su
cuerpo fue enterrado junto a los de otros científicos in mensamente renombrados
como John Herschel e Isaac Newton.
Pulcro, ecléctico y mayormente focalizado en la transparencia melódica: así ha
sido siempre el trabajo creativo de XII Alfonso y así vuelve a mostrarse en
este ambicioso disco conceptual sobre Charles Darwin. Este ensamble francés
vuelve a crear una obra muy agradable y bastante valiosa dentro del área más
amable del estándar del rock sinfónico: !bien por ellos y por todos los ávidos
coleccionistas progresivos!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Eblen Macari Ensaemble -26 de julio- Rectoría General UAM
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El trío mexicano de fusión contemporánea EBLEN MACARI ENSAMBLE dará una próxima
presentación en vivo este jueves 26 de julio en la RECTOR CDA GENERAL
UNIVERSIDAD AUTÓNOMA METROPOLITANA, a partir de las 17.00
Dirección:
EXPLANADA PRINCIPAL
Prolongación Canal de Miramontes, 3855
Ex Hacienda San Juan de Dios
Tlalpan
México, D.F.
El ingreso es libre.
Aquí me despido hasta una una proóxima ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MARANIA en La Ratonera Cultural - 28 de julio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo argentino de rock progresivo psicodélico MARANIA dará un "show XXL" en
La Ratonera Cultural este próximo sábado 28 de julio.
Hora: 22:30
Dirección: Av Corrientes 5552 - Capital Federal de Buenos Aires (Buenos Aires)
Entrada: $20
Enlaces para escuchar música de MARANIA:
http://www.myspace.com/maraniarock
http://soundcloud.com/araguet/sets/marania-demos
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: The Satellite + Pilotocopiloto + I Am Genko - 28 agosto
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Para el martes 28 de agosto está programada una exhibición de rock vanguardista
peruano en Lima a cargo sucesivamente de I AM GENKO, PILOTOCOPILOTO y THE
SATELLITE.
The Satellite: http://thesatellite.bandcamp.com/album/124
Pilotocopiloto: http://www.myspace.com/pilotocopiloto
I Am Genko: www.iamgenko.com
A partir de las 10:00 PM
Entrada: 5 soles
Lugar: La Noche de Barranco
Bolognesi 307 - Barranco, Lima
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: La Maschera Di Cera - trailer del próximo disco
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El nuevo álbum de LA MASCHERA DI CERA ya está en plena cocción. Estará listo
para edición en enero de 2013 por vía del sello AMS. Ya hay un trailer del
disco disponible en el enlace http://www.youtube.com/watch?v:95HeGnFhhb4
Este vídeo fue producido por Sibecomunicazione (www.sibecomunicazione.it), con
ontaje a cargo de Giordano Cossu y guión de Simone Besutti.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: KINDER "Archipiélago" nuevo aporte de la vanguardia rockera peruana
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo peruano KINDER acaba de publicar en versión virtual su nuevo trabajo
"Archipiélago", un EP que aporta nuevo vigor a la vanguardia rockera del país
sudamericano.
Dos años despues del lanzamiento de su homónimo disco debut, KINDER nos
presenta "Archipiélago", un EP de corte msyormente instrumental en el cual la
banda migra hacia un sonido menos electrónico y trabaja por primera vez las
percusiones con una batería real. Se trata de seis tracks donde se hacen
presentes los tiempos asincopados, los cambios constantes de intensidad y las
atmósferas creadas por el sintetizador. La línea de trabajo del grupo se apunta
a uan vigorosa confluencia de post-rock, psicodelia y noise-rock. Para uno de
los temas de este EP, la banda cuenta además con la participación de Sergio
Saba, vocalista de CECIMONSTER VS. DONKA.
Es el primer disco de la banda para el sello Automatic: está disponible en
libre descarga y será lanzado en vinilo en los próximos meses.
Instrucciones para descargar "Archipiélago" en el enlace
http://www.automatic.com.pe/espanol/sello/sello_detalle_ae017.htm
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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