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La caja de musica Number 0994
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #994 julio 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* IL BACIO DELLA MEDUSA - "Deus Lo Vult" (2012)
* PROFUSION - "Rewotower" (2012)
* VAN DER GRAAF GENERATOR - "Alt" (2012)
* LETHE - "Lethe" (1981)
* THE WRONG OBJECT...en pos de su próximo disco de estudio
* DOUBT - "Never Pet A Burning Dog" (2010)
* ASTRE - "Foresight" (1981)
* MACONDO - "Estados Luminares"
* JACKO WACKO - "Jacko Wacko" (2012)
* MANUEL MIRANDA SEXTETO en vivo - 1 de agosto
* NICHELODEON - "No" (2012)
* LCDM: THABU en vivo - 11 de agosto
* Maestro Jon Lord, Â!descansa en paz!
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: IL BACIO DELLA MEDUSA - "Deus Lo Vult" (2012)
IL BACIO DELLA MEDUSA: "Deus Lo Vult" (2012)
Temas
1. Invocazione Alle Muse (2:02)
2. Indignatio (Infedeli In Terra Santa) (8:03)
3. Urbano II Bandisce La Prima Crociata (3:07)
4. Simplicio (4:27)
5. Deus Lo Vult (7:15)
6. Verso Casa (3:49)
7. La Beffa (Non Un Trono, Non Un Regno... Solo Sdegno) (5:10)
Integrantes
- Simone Cecchini: voz, coros, guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, armónica
- Diego Petrini: batería, percusión, mellotron, órgano
- Federico Caprai: bajo
- Simone Brozzetti: guitarra eléctrica
- Eva Morelli: flauta, pícolo, sacos, alto, soprano y tenor, Theremin
En medio de otras ocupaciones musicales que incluye la existencia de un
proyecto progresivo paralelo llamado Ornithos, los músicos de Il Bacio Della
Medusa se han dado abasto para reunir fuerzas en pos de un nuevo disco para
este año 2012: "Deus Lo Vult" es su título, y su duración es bastante corta
para lo que nos tiene habituados el formato digital, pero yendo más allá de la
cuestión de su duración, el hecho es que Il Bacio Della Medusa nos ha entregado
una electrizante muestra de la capitalización de su fuerza expresiva de su
propuesta tal como se desarrolló sucesivamente en su disco debut de 2008 y
"Discesa Agli Inferi Di Un Giovane Amante" de 2009. El grupo suena más agresivo
que nunca en los momentos más exaltados, exhibiendo un filo arrollador y
apabullante que se siente Vandergraffiano al igual que fiel a los legados de
Biglietto Per L"Inferno, Metamorfosi y Ossana.
"Invocazione Alle Muse" da inicio al disco con un aire de añoranza hábilmente
marcado por la guía que otorgan las líneas de flauta. Esta estrategia sustenta
la expectativa
en torno a "Indignatio (Infedeli In Terra Santa)", la canción donde el ensamble
empieza a mostrar más fehacientemente sus filos sonoros en aras de una
expresividad enérgica que contiene momentos fastuosos, parajes de tendencia
gótica, interludios juguetones de orientación sinfónica clásica, psicodelia
aguerrida=85 todo ello dentro de una ambiciosa armazón progresiva que emparenta
al ensamble con sus coterráneos de Malibran y A Piedi Nudi (etapa de
"Creazione") así como a otros referentes como Hypnos 69 y Gargamel. "Urbano II
Bandisce la Prima Crociata" tiene el colorido y el ritmo de una celebración
pastoral, un momento de vibraciones lúdicas tras el despliegue de muscular
densidad que tuvo lugar en la pieza anterior. Así las cosas, entra a tallar
"Simplicio" como la ocasión precisa para que el grupo explore los rincones más
genuinos de su faceta lírica: tiene todo el aire de una balada de PFM
remodelada para Ossana. A continuación sigue la pieza homónima, la misma que
sorprende rotundamente con un viraje power-prog-metalero desde el cual la banda
proyecta su dimensión más oscura con una muscularidad imponente; a poco de
pasada la barrera del cuarto minuto y medio, el desarrollo temático cambia de
foco hacia un jam blues-rockero que ostenta una ágil actitud retro. "Verso
Casa" nos devuelve al sinfonismo de sensibilidad folk que es marca registrada
de buena parte de la comunidad progresiva italiana de primera generación, pero
también cabe decir que el quinteto le brinda su oportuna dosis de rudeza
rockera al asunto, y además, con el talante circense de la base compositiva de
la canción, la tensión emocional está garantizada. Justamente "La Beffa (Non Un
Trono, Non Un Regno... Solo Sdegno)", la canción que cierra el álbum, recoge
dicha tensión emocional. La atmósfera de carnaval tétrico cuyas figuras
farsescas y espectros traviesos invaden el mundo como un desfile grisáceo de
sátiros destructivos es manejada con una pesadez contundente. Parece mentira
cómo se da maña la flauta para imponer su rol protagónico en medio de los riffs
patentemente poderosos y a través de los esquizoidemente dadaístas esquemas
rítmicos. La explosión final cierra el despliegue sonoro de forma decisiva.
"Deus Lo Vult" es una explosiva experiencia progresiva que solo dura casi 34
minutos=85 !solamente casi 34 minutos! Pero Dios lo quiso así, parafraseando el
título del disco en
cuestión: más específicamente, la gente de Il Bacio Della Medusa lo quiso así,
pero lo que más vale la pena rescatar de este disco es su manera de plasmar el
deseo de la banda de reactivar su propia esencia restauradora del sinfonismo
pesado italiano tradicional con nuevos recursos de expresividad. Il Bacio Della
Medusa se aferra a la posta que tomó de las manos de Malibran, Nuova Era y A
Piedi Nudi.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: PROFUSION - "Rewotower" (2012)
PROFUSION: "Rewotower" (2012)
Temas
1. Ghost House (4:14)
2. Taste Of Colours (Part One) (3:48)
3. Taste of Colours (Part Two) (3:05)
4. Treasure Island (5:04)
5. So Close But Alone (4:47)
6. Tkeshi (2:00)
7. Chuta Chani (6:03)
8. The Tower (Part One) (4:39)
9. The Tower (Part Two) (5:30)
10. Turned To Gold (4:22)
11. Dedalus Falling (11:31)
Integrantes
- Luca Latini: voz
- Thomas Laguzzi: guitarras
- Luca Cambi: bajo
- Vladimer Sichinava: batería
- Gionatan Caradonna: teclados
Profusion es el nombre una banda italiana formada en 2002 con la misión de
juntar los mundos del prog sinfónico y el jazz-fusión en su esquema sónico,
comenzando como un trío de teclado-bajo-batería y pronto pasando a quinteto con
el ingreso de un guitarrista y un cantante. Hay algo de verdad en su misión
original a la luz de sus dos discos "One Piece Puzzle" (2006) y "Rewotower"
(2012), pero lo más acertado es decir que el estilo de Profusion consiste en un
eclecticismo ágil y vigoroso donde el neo-prog, el prog-metal melódico
estandarizado en la escena continental de los 90s en adelante, el sinfonismo de
vieja escuela y el paradigma de Spock"s Beard (con Neal Morse) se alternan y
conjugan en un contexto de meticulosa musicalidad. Hoy es ocasión de reseñar
"Rewotower", su segundo disco, el cual ya viene recibiendo elogios abundantes
en varios blogs progresivos.
"Ghost House" abre el álbum con un colorido vitalista que suena afín al
estándar de The Tangent con ciertos tufillos a lo PT en algunos guitarreos, y
también con algunas semejanzas colaterales con el Kansas clásico. Esta pieza de
apertura sirve para enganchar al oyente sin remedio antes de que las dos partes
de "Taste Of Colours" se encarguen de proseguir con el repertorio. Con este
tema de dos partes entramos más de lleno en el modelo del neo-prog (claridad
melódica, estilizaciones pulcras dentro de una ingeniería de afinidades
pop-rock): en este caso, notamos conexiones con IQ y Arena, lo cual significa
que tenemos un neo alimentado por una peculiar robustez sónica, una robustez
que también nos recuerda en ciertas instancias al lado más suave del Dream
Theater pre-1997. Parece que el momento es propicio para que "Treasure Island"
saque a colación las facetas más expresivamente filudas del ideario musical de
la banda: en efecto, ahora el vínculo con el prog-metal es más que un coqueteo
y pasa a ser un elemento definitorio para el modo en que Profusion trabaja con
los patrones del sinfonismo moderno. Es fácil sentir la cercanía con Vanden
Plas y el Threshold de la etapa con Mac. Bajo la guía del piano, "So Close But
Alone" comienza como una semi-balada pero luego gira hacia simpáticas
vibraciones de corte Latin-jazz: un recurso que ha sido utilizado varias veces
por Spock"s Beard en sus ya lejanos días bajo el liderazgo de Neal Morse.
"Tkeshi" es un soundscape de talante arábigo (muy al estilo del "Passion" de
Peter Gabriel) que funge como preludio a "Chuta Chani", canción donde el grupo
regresa a sus incursiones prog-metaleras, preservando a su vez la conexión
arábiga iniciada por el mencionado preludio. Las dos partes de "The Tower"
completan un total de 10 minutos. Este viaje musical específico le sirve a la
banda para volver de lleno a las aguas del neo-prog y las texturas orquestadas
del estándar prog-sinfónico, navegando sobre una armazón de cálidos desarrollos
melódicos donde la prestancia aguerrida del rock y el manejo ocasional de
cadencias rítmicas jazz-rockeras ayudan a mantener niveles de fastuosidad
consistente para los desarrollos temáticos en curso. Posiblemente sea esta
dupla de secciones de "The Tower" uno de los modelos específicos más
representativos del tipo de aporte que Profusion pretende ofrecer al actual
escenario progresivo. "Turned To Gold" es una bella semi-balada que porta aires
de familia con "So Close But Alone" pero con un pronunciado sentido de relax y
candidez. Los últimos 11 BD minutos del álbum están ocupados por "Dedalus
Falling". La canción se focaliza en un sólido equilibrio entre los estándares
neo-prog y prog-metal melódico, a modo de síntesis final de las coordenadas
predominantes del viaje desarrollado a lo largo del disco. Poco antes de llegar
a la barrera del séptimo minuto, la canción deriva a un fade-out que produce un
falso final: tras un efectista momento de silencio, un cósmico preludio de
teclados (al modo de un híbrido de Genesis y Pink Floyd) abre las puertas a la
verdadera coda rockera con que culmina la canción. Otro modelo revelador de lo
que Profusion es desde su quintaesencia misma.
"Rewotower" es un disco que sin duda deberá llamar, especialmente hablando, la
atención de todos los amantes del prog sinfónico con temple contemporáneo y de
los coleccionistas de prog-metal con afanes melódicos. Pero yendo a un
diagnóstico general, este disco tiene suficientes cuotas de musicalidad,
pulcritud técnica y energía rockera como para poner a Profusion en un rol
destacado dentro los medios virtuales de difusión y apreciación del género
progresivo. !Al César lo que es del César!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: VAN DER GRAAF GENERATOR - "Alt" (2012)
VAN DER GRAAF GENERATOR: "Alt" (2012)
Temas
1. Earlybird (4:01)
2. Extractus (1:38)
3. Sackbutt (1:53)
4. Colossus (6:35)
5. Batty Loop (1:13)
6. Splendid (3:46)
7. Repeat After Me (7:39)
8. Elsewhere (4:19)
9. Here's One I Made Earlier (5:42)
10. Midnite Or So (3:34)
11. D'Accord (2:28)
12. Mackerel Ate Them (4:50)
13. Tuesday, The Riff (2:47)
14. Dronus (10:37)
Intérpretes:
- Peter Hammill / guitarra, teclados
- Hugh Banton / órgano, teclados, pedales bajos, bajo eléctrico
- Guy Evans / batería, percusión
Un año después de la edición de "A Grounding In Numbers" (aunque había sido
grabado con bastante antelación), Van Der Graaf Generator vuelve a hacerse
presente en el mercado fonográfico con "Alt" su primer disco enteramente
instrumental. Lo más parecido a ello fue el segundo volumen de "Present", el
disco de retorno del cuarteto clásico de Peter Hammill-David Jackson-Hugh
Banton-Guy Evans, el cual incluía una serie de jams mayormente motivados por la
psicodelia free-form y el jazz experimental, donde eran muchas las ocasiones
donde el saxo de Jackson tenía el rol protagónico. Ahora las cosas son
distintas con un trío de Hammill-Banton-Evans que tiene una buena solidez en su
modus operandi desde los tiempos de "Trisector" (disco de 008)), un núcleo
sonoro más cáustico en la forma pero con una amplísima gama de recursos en sus
interacciones a la hora de llenar este núcleo con ideas, estrategias y
esquemas. Podemos adelantar desde ya que "Alt" no supone del todo una aventura
radicalmente distinta de lo que escuchamos el año pasado en su brillante disco
"A Grounding In Numbers": es un disco diferente, sí, y de hecho, la ausencia de
una responsabilidad vocal permite al grupo apoyarse menos en líneas melódicas
definidas, pero algunos de los trucos y amalgamas que entren a tallar en
ciertos momentos del repertorio se hacen eco de ciertas travesuras plasmadas en
el disco predecesor. Vayamos ahora a los detalles de "Alt".
"Earlybird" ocupa los primeros minutos del álbum con atmósferas serenas basadas
en la interacción entre sonidos de aves y percusiones, un mágico matrimonio
entre la espontaneidad de la vida silvestre y la forma libremente calculada de
la racionalización percusiva. "Extractus" es la primera incursión íntegramente
articulada por el trío, y muestra un lado stoner árido que tal vez hubiera sido
más interesante de explotar con una mayor expansión; por su parte, "Sackbutt"
nos muestra un lado de VDGG afín al krautrock. El primer despliegue
explícitamente grandilocuente se encapsula en "Colossus", excursión muy
aventurera que se refocila en reconstruir la faceta más caótica del ideario
tradicional de VDGG (etapa de "Pawn Hearts") para potencializar sus aristas
postmodernas: una auténtica celebración del dadaísmo bajo un esquema de trabajo
avant-progresivo. "Batty Loop" tiene aires a lo nu-jazz, y es una pena que sea
solo un retazo lo que se nos muestra aquí, pues parece tener gancho:
"Splendid", que gira en torno a un motif blues-rockero para aplicarle una
intensa cirugía psicodélica, sí cuenta con un espacio de desarrollo más
satisfactorio para el oyente, y de paso, sirve para mostrar fehacientemente el
nervio tan sólido como extravagante que forma parte del estilo esencial de Guy
Evans. !Este músico no recibe suficientes elogios merecidos de parte de los
melómanos de todo el mundo! "Repeat After Me", que dura más de siete minutos y
medio exhibe aires de jazz crepuscular y un aura nostálgica que encuadra las
sutiles interacciones entre los tres músicos: ambos elementos sirven para que
se abra una ventana a ese factor lírico que también ha cumplido un rol crucial
en el paradigma Vandergraffiano.
Con la secuencia de "Elsewhere" y "Here"s One I Made Earlier", el grupo sale
del invernadero de reposo emocional donde se había instalado momentáneamente
para desarrollar nuevas vías de extravagancia creativa: "Elsewhere" retoma la
lógica eclécticamente deconstructiva que anteriormente había imperado en
"Colossus", con iguales niveles de desasosiego pero con un nivel de
extroversión más medido; por su parte, "Here"s One I Made Earlier" es un
soundscape inquietante donde las texturas cósmicas de guitarra ocupan el rol
central, creando así un híbrido de kraut electrónico (a lo Cluster) y aventura
Frippiana. "Midnite Or So" regresa al espíritu del jazz crepuscular, otro
momento de lirismo sereno y un tanto vulnerable, pero como VDGG nunca fue un
grupo que se conformara con monocromatismos, "D"Accord" entra a tallar para
trucar la serenidad por brumoso misterio potencialmente motivador de horrores
por venir: música idónea para una escena de una película de horror con tintes
surrealistas. "Mackerel Ate Them" es un nuevo ejercicio de deconstrucción
vanguardista donde se armonizan vibraciones propias del free-jazz bajo ropajes
psicodélicos y trucos electrónicos space-rockeros inspirados en la dinámica
aleatoria de la musique concrete. Una vez más, la peculiar dinámica de Evans se
alza como centro neurálgico del bloque sonoro en los momentos donde aparece,
mientras que sus compañeros aprovechan su momentánea ausencia para explorar el
arte de la desestructuración. Después de esta exhibición de sofisticación
postmoderna, "Tuesday, The Riff" nos revela lo más paradigmáticamente
Vandergraffiano del disco: un trabajo continuo en torno a un riff y una
parsimoniosa estructura rítmica que nos retrotrae a los tiempos de "Godbluff" y
"Still Life" aunque con una finura menos pulida: esta pieza dura menos de
minutos, pero encaja fácilmente como interludio para algún ficticio out-take de
los años 975--.. "Dronus" ocupa los últimos 0 BD minutos del álbum. Aunque su
espacio de expresión es privilegiado dentro del esquema de este disco, este
tema no tiene un carácter ostentosamente intenso al modo de "Elsewhere" o
"Colossus": por el contrario, se trata de un trabajo expansivo de texturas
minimalistas y retazos sónicos densos cuyo sentido auto-constreñido de la
energía le permite explorar atmósferas oníricas que no apelan al reposo sino a
la inminencia de un oscuro sobresalto. ?Post-rock a lo VDGG bajo la dirección
musical de Tortoise?, ?VDGG reconstruyendo una pieza perdida del Tangerine
Dream 4--7??, ?una sonata compuesta por Brian Eno usando a VDGG como orquesta?
Úsese la metáfora que se quiera con tal de que implique la idea de un
equilibrio sostenido con impecable pulso entre quietud formal e inquietud de
trasfondo.
Toda una aventura debe haber significado tocar todas estas piezas, y sobre
todo, una interesante serie de procesos intelectuales e intuiciones estéticas
deben haber sido exigidos a la hora de armar esta secuencia con las
delimitaciones específicas de las piezas para articular la integralidad de un
disco. También debe ser muy raro experimentar la música de CDGG sin el canto de
Peter Hammill (ni qué decir sin sus letras), pero ante todo, lo más apropiado
es valorar a "Alt" por lo que es, un muy buen disco de avant-rock instrumental,
y otra cosa muy apropiada es apreciar el hecho de que los maestros Banton,
Evans y Hammill aún están en activo y en muy buena forma creativa.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LETHE - "Lethe" (1981)
LETHE: "Lethe" (1981)
Temas
1. Lethe (5:36)
2. Avbury Circle (9:46)
3. Cold In Fingers (9:49)
4. Le Tombeau II (9:25)
Integrantes
- Thuur Feyen: órgano, pianos, sintetizadores
- Tohpati: oboe, flauta, corno inglés, piano
- Hans Lambers: batería, percusión, xilofón, vibráfono, sintetizador
- Johan Saanen: bajo, guitarra clásica
- Kees Walravens: guitarras eléctrica y clásica
"Lethe" es el nombre de uno de los más bellos (y más desconocidos) discos
holandeses de rock progresivo sinfónico que se han hecho en Holanda antes del
revival 90ero: Lethe es también el nombre del grupo que lo compuso y grabó. A
pesar de que se editó en 1981, es natural que el sonido de Lethe tenga el
espíritu 70ero a flor de piel pues el grupo en cuestión surgió de las cenizas
de Mirror, grupo formado en 1972 por unos jovencísimos músicos entusiasmados
por el ideal del rock artístico y que también llegó a registrar un disco de
estudio poco antes de separarse. Ambos grupos pasaron desapercibidos ante los
ojos del público rockero de aquel entonces y despreciados por el mainstream del
negocio musical, pero vale la pena revisar su obra. En este caso, nos
concentramos en Lethe y su único disco.
La pieza que da nombre al álbum y al grupo inicia esta experiencia melómana con
una elegancia sublime, una arquitectura pastoral que destila calidez por todos
y cada uno de sus poros sónicos con ruidos de estanque en el fondo. Las bases
de piano y las delicadas ilaciones melódicas del oboe dirigen el exquisito
desarrollo temático, muy en línea con el Anthony Phillips de "The Geese & The
Ghost". Los tres siguientes temas del álbum tienen un esquema rítmico más
sólido con presencia de batería, aunque la sección inicial de "Avbury Circle"
continúa por la vena contemplativamente pastoral de "Lethe": en efecto, la
dupla de piano y corno francés elabora un prólogo de casi 3 minutos de
duración, hasta que irrumpe el cuerpo central, armado sobre una variedad de
cadencias que alternan entre el funk-fusión, el prog sinfónico y el estándar
jazz-prog, lo cual permite al grupo mostrar su faceta pletóricamente alegre por
primera vez. La ambientación es similar a la del grupo sueco Atlas y también al
Finch de "Galleons Of Passion". Así las cosas, "Cold Fingers" prosigue por este
sendero de elegante extroversión, entrando un poco más de lleno al terreno
grandilocuente de Focus, y también con algunas reminiscencias del Camel
pre-"Mirage", aunque sin renunciar a la gracilidad semejante al anteriormente
mencionado paradigma de Finch. "Le Tombeau II", la última pieza del album, se
encarga de cerrar el círculo abierto por "Avbury Circle", retomando su espíritu
general, estilizado y extrovertido de una forma cautivadora, estableciendo un
particular realce del factor jazzero en algunos momentos, mientras que otros
pasajes se explayan en una ceremoniosidad típicamente sinfónica. Posiblemente
se trate de la mejor composición de todo el álbum, y un oportuno clímax
conclusivo para el mismo. Lethe es un grupo muy recomendable para los
coleccionistas progresivos que son perpetuos amantes de la vieja escuela del
género.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: THE WRONG OBJECT...en pos de su próximo disco de estudio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
THE WRONG OBJECT, uno de los más excelsos y recorridos ensambles de música
jazz-progresiva, asentado en Bélgica y autor de varios estupendos discos
editados por MoonJune Records, está actualmente en campaña de pre-producción
del que será su próximo trabajo de estudio, y para ello apela a la ayuda
financiera adicional que se le pueda dar de parte de la comunidad melómana
progresiva.
En efecto, según palabras de los miembros de THE WRONG OBJECT: "!Requerimos de
vuestra ayuda para cubrir los costos de grabación, mezcla y masterización de
nuestro nuevo disco! !Fans de The Wrong Object, el R.I.O., el post-Canterbury,
el nu-jazz y Frank Zappa, uníos!
Tras 10 años de existencia e intensivas etapas de tours, grabaciones y diversas
colaboraciones con luminarias belgas e internacionales de los mundos del jazz y
el rock (Elton Dean, Harry Beckett, Annie Whitehead, Alex Maguire, Stanley
Jason Zappa, Robin Verheyen, =85), el año 2012 deberá ser el del nuevo y
largamente esperado disco de THE WRONG OBJECT, un disco con material original
que habrá de ser publicado por MoonJune Records (www.moonjune.com) en el otoño
próximo.
Más información en:
http://www.rockethub.com/projects/9245-the-wrong-object-s-new-studio-album
Temas de algunos de sus discos anteriores.-
Malign Siesta: http://www.youtube.com/watch?v:GcVdoMK6FzI
Sheepwrecked: http://www.youtube.com/watch?v:J-bFxysboVQ
The Unbelievable Truth: http://www.youtube.com/watch?v:VayZWjunik8
Seguimos en contacto.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DOUBT - "Never Pet A Burning Dog" (2010)
DOUBT: "Never Pet A Burning Dog" (2010)
Temas
1. Corale Di San Luca (3:05)
2. Laughter (6:25)
3. Over Birkerot (8:53)
4. Sea (7:57)
5. Passing Cloud (4:08)
6. Cosmic Surgery (6:45)
7. Aeon (7:28)
8. Beppe"s Shelter (8:16)
Integrantes
- Alex Maguire: piano eléctrico Fender Rhodes, órgano Hammond, mellotron,
sintetizadores
- Tony Bianco: batería
- Michael Delville: guitarra eléctrica, guitarra-sintetizador Roland GR-09
Colaborador - Richard Sinclair (bajo en 1 y 2, voz en 1 y 5)
?Qué pasa cuando Alex Maguire (veterano teclista británico de meticulosa
formación clásica y amplia experiencia en el jazz y el prog), Tony Bianco
(baterista estadounidense cuya carrera se ha desarrollado mayormente en la
vanguardia jazzera europea) y Michael Delville (virtuoso guitarrista belga
entusiastamente volcado hacia líneas de vanguardia, especialmente en el
ensamble The Wrong Object) se juntan? Pues que se forma Doubt, un proyecto de
exquisito prog-jazz que aumenta aún más sus credenciales artísticas cuando
Richard Sinclair, una de las más vitalistas figuras sobrevivientes de la
tradición Canterbury, entra en acción como colaborador especial para este
proyecto. "Never Pet a Burning Dog", disco editado en 2010 por el sello
MoonJune, es el testimonio vivaz e irrefutable del tipo de genio musical que
solo puede brotar de la combinación y fruición de estos talentos. El material
incluido en "Never Pet A Burning Dog" fue grabado en vivo en estudio entre los
días 6 y 7 de agosto, para ser luego mezclado y masterizado en el Electromantic
Studio de Beppe Crovella (uno de los campeones de Arti + Mestieri).
"Corale Di San Luca" da inicio al disco con un aura de sencillo intimismo
precedido por un solemne campaneo, abriendo así el camino para "Laughter" y sus
intensos trazos y retazos psicodélicos que despliegan una magnificencia
arrolladora. La influencia de Matching Mole y los coqueteos con el avant-jazz
de vertiente filuda (pensamos en Scorch Trio, por ejemplo) son las coordenadas
dominantes en la ardiente sonoridad creada a partir de la interconexión entre
el órgano distorsionado y la fiera guitarra de Delville mientras la batería
crea un mundo sónico paralelo con sus autoafirmativas excursiones
free-jazzeras. "Over Birkerot" baja un poco el nivel de agresividad expresiva
en nombre de una cadencia rítmica más constreñida, pero sigue mostrando
confiadamente las aristas genuinamente filudas que orgullosamente ostenta el
bloque sonoro del trío. El factor free-jazzero es ahora exclusivamente
definitorio en esta excursión específica, así como en "Sea", pieza que lleva
esta estrategia hasta niveles más patentemente abstractos, supuestamente para
retratar la inmensidad del mar con la paleta sonora a disposición (batería,
piano eléctrico, guitarra-sintetizador). Este ejercicio de espiritualidad
dadaísta y desencajada antecede al lirismo cálido y mágicamente crepuscular de
"Passing Cloud", tema que tiene mucho parentesco con los estándares de Robert
Wyatt y varios proyectos de Alan Gowen: sí, estamos ahora repasando los matices
más relajados del Canterbury.
"Cosmic Surgery" es un mundo aparte dentro del repertorio de este álbum,
revelándonos las dimensiones más fastuosas del trío: focalizado en un núcleo
progresivo que rinde cuentas a los legados del primer King Crimson y la
psicodelia temprana de Khan, además de ciertos guiños al aspecto etéreo del
Soft Machine de "Six", esta pieza exhibe su bien definida arquitectura con una
convicción atrapante. La dupla de "Aeon" y "Beppe"s Shelter" completa el
ideario de Doubt de manera decisiva. "Aeon" es un nuevo ejercicio arrollador de
free-jazz, esta vez arropado por una luminosidad cósmica que le permite
establecer una especie de contraste con el dinamismo flotante de "Sea".
"Beppe"s Shelter", por su parte, establece una ágil confluencia de jazz
experimental y psicodelia progresiva, siendo así que el peculiar protagonismo
de la flauta (sintetizada) permite que las consistentes ebulliciones
guitarreras provistas por Delville refuercen su focalización básica hasta que
llega el momento final para su climático solo. Y bueno=85 el golpe de tambor
final opera como contundente epílogo a esta experiencia tan tremenda que fue
"Never Pet A Burning Dog", un disco que los tres miembros de Doubt dedican a
Elton Dean (fallecido el 6 de febrero de 2006) en agradecimiento por su rol en
la germinación de este proyecto. Si este disco se ofrece como emotivo homenaje
a un amigo ido, se nos ofrece a los demás como una oportunidad especial para
disfrutar de música buena y diferente. Vale la pena anotar este ítem en la
agenda de próximas compras melómanas.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ASTRE - "Foresight" (1981)
ASTR CB: "Foresight" (1981)
Temas
1. Hole In The Sky (Part I) (6:20)
2. Through The Looking Glass (6:08)
3. Lar-Asia (6:42)
4. Before The Gods (6:42)
5. The Doorway (9:33)
6. World Class [Nadia ; Free And Expressive Beauty ; Competition ; The Waiting
: The Glory] (13:40)
Integrantes
- Mark Loveless: teclados, guitarra
- Les Mobley: batería, percusión
- Bill Tankersley: bajo, pedales bajos, teclados
Astre fue un grupo estadounidense de rock progresivo que se movió en el círculo
underground de Oklahoma entre 1978 y 1984; fue con su formación del trío de
Mark Loveless, Leb Mobley y Bill Tankersley que el grupo logró registrar su
único disco, titulado "Foresight". La formación original consistía en Loveless
a la guitarra, Tankersley al bajo y la voz, Curt Wasson a los teclados y Curt
Wasson a la batería, pero el pronto abandono de estos últimos llevó al arribo
de Mobley y a que la labor de los teclados se tuviera que repartir entre los
dos primeros. El estilo de Astre no es precisamente original dentro de los
cánones del prog sinfónico, pero es un efectivo homenaje buena parte de las
luminarias progresivas 70eras, siendo su ingenio para crear buenas melodías y
su agilidad dos relevantes puntos fuertes a su favor.
El instrumental "Hole In The Sky (Part I)" pone en órbita las inclinaciones
ELPianas del trío después de un expectante preludio cósmico que suena a un
híbrido de Eloy con U.K. Acto seguido, "Through The Looking Glass" nos muestra
al grupo virando hacia una dirección completamente distinta: se trata de una
balada de tendencia AOR cuyos matices prog-sinfónicos se asocian un poco con el
Triumvirat de la etapa con Barry Palmer. Por si acaso no había quedado claro
que Astre focalizó su creatividad compositiva a hacer un homenaje integral a
los grandes de la primera generación progresiva 70era, "Lar-Asia" nos revela su
lado Crimsoniano: Loveless deja sus teclados y se ocupa de la guitarra solista,
dispuestos los tres a desarrollar un ejercicio de psicodelia compleja a través
de neuróticos juegos de riffs y esquemas armónicos disonantes (incluyendo una
aproximación al estereotipo de "Lark"s Tongues in Aspic II"). Claro está, Astre
no duplica el nivel de muscularidad de Fripp & cía., pero sí hace una labor
bastante interesante en cuanto a la manifestación de ágil densidad rockera; el
carácter árido de esta densidad se basa principalmente en que se trata de una
versión en vivo. "The Doorway" nos devuelve, en su primera mitad, al boato
ELPiano tan pletóricamente luminiscente en el primer tema, aunque el toque
fastuoso resulta menos electrizante en comparación; en su segunda mitad, que es
cantada, la pieza adquiere ciertos tufillos a lo Novalis. La composición más
larga del disco es la que la cierra: "World Class". A través de sus 13 minutos
y pico, la pieza integra cinco secciones tituladas autónomamente, siendo la
primera signada por la predominante manifestación de climas románticamente
serenos (un poco a lo The Enid), y la segunda una reconstrucción delicadamente
etérea de dicho romanticismo. De este modo, se prepara el camino para la
extroversión épica de la tercera sección, la cual se puede ilustrar como un
intermedio entre los idearios de Bardens y Wakeman. La cuarta sección retoma la
espiritualidad lánguida de la segunda, elaborando un breve momento de
expectativa antes de la emergencia de la última sección con su ceremonioso
esplendor melódico, fiel al romanticismo estilizado con el que había comenzado
todo este asunto.
El disco de Astre se puede escuchar en el enlace de Soundcloud
http://soundcloud.com/astremusic/sets/foresight/ - desde allí podrán los
lectores sacar sus propias conclusiones sobre esta gema perdida del prog
estadounidense. por nuestra parte, lo recomendamos a cualquier coleccionista.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MACONDO - "Estados Luminares"
MACONDO: "Estados Luminares" (2012)
Temas
1. Cementerio De Elefantes (9:39)
2. Estática Crepuscular (8:51)
3. Oda A La Locura (13:26)
Integrantes
- Alonso Jiménez: batería
- Camilo Uriarte: guitarra y voz
- Iván León: bajo y voz
- Ricardo Barreto: Guitarra
El osado y talentoso ensamble peruano Macondo vuelve a la carga con otro disco
de difusión virtual, el EP titulado "Estados Luminares". Mientras el grupo
prepara la edición física de este ítem y de su disco "El Eterno Retorno",
publicado a fines del año pasado también a través de su blog de Bandcamp, sigue
dejando constancia de su rol dentro de la actual vanguardia rockera de su país.
De hecho, ambos registros fueron grabados durante el mismo período de tiempo,
entre 2008 y 2011. "Oda A La Locura", tema que cierra este EP en cuestión, es
un clásico climático en sus conciertos, y a muchos nos dejó con la miel en los
labios que no apareciera en el repertorio de "El Eterno Retorno". Bueno, lo
tenemos aquí. A través de un espacio de más de 13 minutos, "Oda A La Locura"
nos revela un ágil muestrario de sonoridades de corte shoegaze alimentadas de
recursos prog-psicodélicos, y capitalizadas con momentos de caos fulminante que
irrumpen al modo de desafíos frontales contra la ambientación dominante. La
sección final se refocila en una oscuridad grandilocuente, creando una
dimensionalidad épica para el encuadre de los lisérgicos jams que se suceden:
el repetitivo fraseo delirante de guitarra con que acaba el tema es como una
sirena de alerta sobre el abandono definitivo a la inmensidad apabullante de la
sinrazón.
"Cementerio De Elefantes" y "Estática Crepuscular" son los dos primeros temas
del EP. Con apabullantes texturas otoñales de afinidad post-rockera empieza el
primero de estos temas. La estructura minimalista del desarrollo de los
guitarreos es manejada con una cualidad etérea que no se contrapone a la
incepción de algunos parajes en los que el sonido grupal se vuelve más afilado.
Después de pasar la barrera del sexto minuto, la banda se aventura por un rato
a explorar dimensiones más extrovertidas de corte space-rockeros, antes de
finiquitar el asunto con un estupendo ejercicio de psicodelia aleatoria que
hubiera llenado de orgullo a los cerebros de Ash Ra Tempel. "Estática
Crepuscular" porta una dosis de robustez más explosiva, merced a la pletórica
exhibición de neurosis e inquietud que se derrocha a través de su desarrollo
temático. Su lugar dentro del repertorio del EP es perfecto para anticipar la
grandeza épica de "Oda A La locura". En resumen, "Estados Luminares" confirma
la vitalidad de Macondo dentro de las vertientes más osadas de la escena
rockera contemporánea del Perú, una vitalidad muy luminar, si cabe decirlo, y
reiterando algo que dijimos en la reseña sobre "El Eterno Retorno", merece que
se le preste atención muy en serio.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: JACKO WACKO - "Jacko Wacko" (2012)
JACKO WACKO: "Jacko Wacko" (2012)
Temas
1. # 1 (7:22)
2. # 2 (7:11)
3. # 3 (7:28)
4. # 4 (8:23)
Integrantes
- Herrman Hamann: guitarra y sintetizador
- Giancarlo Rebagliatti: bajo
- Josué Vílchez: batería
Jacko Wacko es uno de los proyectos más recientes del polifacético músico
peruano Herrmann Hamann, cuya afiliación a diversos proyectos de rock y música
electrónica así como a sus propias iniciativas individuales le han llevado a
hacerse de un buen nombre como figura particularmente creativa dentro de la
vanguardia de su país. En el caso específico de Jacko Wacko, tenemos a un
energético power-trío consagrado a explorar sonoridades nocturnamente opresivas
y tanáticamente brumosas, centradas en la transmisión de oscuras inquietudes
que parecen a punto de explotar en una ebullición fatal. Bajo la confluencia de
las coordenadas del krautrock guitarra-céntrico, stoner doom y post-metal.
Durando poco más de media hora, "Jacko Wacko" contiene cuatro piezas sin título
definido. El primer tema comienza frontalmente con un dinamismo pesadamente
opresivo, apabullante en su oscura espiritualidad: el motivo minimalista es
manejado con soltura y buen pulso, incluso adornado por algunos momentos donde
la tensión ejerce una relativa pausa. La tensión psicodélica en curso refleja
fiereza, a la par que una siniestra majestuosidad. Una capa cósmica de
sintetizador tiende un puente hacia el segundo tema, el cual profundiza en la
inquietud oscurantista que forma parte de la esencia nuclear de la banda. La
pieza comienza en clave afín a los estándares post-metaleros, haciendo que la
languidez exterior se erija en la manifestación de un horror latente desde
rincones tanáticos del universo. La inserción de palabras del difunto "rey del
pop" Michael Jackson donde trata de explicar a un entrevistador que él no es un
loco es una idea muy simpática, especialmente si se interpreta como una
metáfora del intento de negar la oscuridad innegable. El tercer tema es el más
extrovertido del álbum: el grupo explora una dinámica grácil a lo Hawkwind
aunque hay que tener en cuenta que esta vitalidad no implica para nada
renunciar a la lógica de tensión y oscuridad que el grupo ostenta como su
leitmotiv crucial. El cuarto tema regresa a los fundamentos del segundo, un
viaje lánguido que parece traducir al lenguaje sónico imágenes de nieblas
absorbentes y negros velos cósmicos que se proyectan hacia la fatal inmensidad
de un agujero negro. Los fraseos de la guitarra, estratégicamente localizados,
añaden una retorcida muscularidad al asunto. Este ejercicio de post-metal con
tufillos de doom cierra eficazmente el círculo estilístico del álbum.
Es bueno saber que la vertiente psicodélica del rock sigue rindiendo tan buenos
frutos en las escenas underground de varios países, y en el caso del Perú, Jack
Wacko encarna una de las propuestas más vitales e interesantes dentro de esta
vertiente. Vale realmente la pena apoyar a esta nueva entidad.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MANUEL MIRANDA SEXTETO en vivo - 1 de agosto
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Manuel Miranda Sexteto regresa nuevamente al auditorio del ICPNA de Miraflores,
donde no solo brindará lo mejor de su repertorio y puestas en escena, sino que
también mostrará adelantos de su próxima producción musical "Horizontes",
disco que aún no ha sido lanzado, pero que muy pronto estará en el mercado
local.
El Señor de los Vientos estará como siempre, con los excelentes músicos que lo
acompañan y con imágenes sorprendentes en la multimedia (Malaki). Lo mejor de
Manuel Miranda nos espera con su sorprendente fusión de ritmos del Perú con
rock progresivo, bossa nova, jazz, sonidos orientales y del mundo.
El sexteto está integrado por Raimund Bierling (batería, pututos), Gustavo
Araníbar (guitarra eléctrica), Marco Oliveros (percusión), Eduardo Freire
(bajo, pututos), Raffo Carlos (teclados) y Manuel Miranda (saxos, flautas,
quenas, zampoñas, pututos, quena Chincha, duduk armenio).
La cita es el miércoles 1 de agosto a las 7:30 p.m. en el Auditorio del ICPNA
de Miraflores. Los esperamos!!
Precio de Entrada: General - S/.30
Estudiantes - S/.15
Auditorio del ICPNA (Instituto Cultural Peruano Norteamericano)
Lugar: ICPNA (Av. Angamos Oeste 120 - Miraflores)
Hora: 7:30 p.m.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: NICHELODEON - "No" (2012)
NICHELODEON: "No" (2012)
Temas
1. Fame (4:00)
2. Fiaba (7:13)
3. Malamore E La Luna (4:35)
4. Apnea (6:31)
5. Claustrofilia (6:04)
Intérpretes:
- Fabrizio Carriero: batería, percusión
- Francesco Chiapperini: saxo, clarinete
- Andrea Illuminati: piano, teclados, laptop
- Claudio Milano: voz
- Luca Pissavini: bajo eléctrico
- Lorenzo Sempio: guitarra eléctrica, guitarra-sintetizador, efectos
"No" es el rotundo título de este disco en vivo que el ensamble
avant-progresivo Nichelodeon acaba de producir para distribuirlo en Internet
por vía de la página web oficial de Claudio Milano. Las cinco piezas que aquí
aparecen fueron registradas en el local Bloom, en la ciudad de Mezzago, en
diciembre de 2011. El disco está disponible como download gratuito en la página
web de Claudio Milano (http://www.claudiomilano.it/). "Fame" abre el disco con
músculo y gancho, dejando en claro cuán bien afiatado está el ensamble desde el
punto de partida. Durando menos de cuatro minutos, el magnético desarrollo
temático completa su discurso temático con solvencia y convicción, y de hecho,
deja un claro indicio de la dinámica sónica que el ensamble concretiza
solventemente sobre el escenario. Acto seguido emerge "Fiaba", otra pieza
destacada de "Il Gioco Del Silenzio" que en esta versión en vivo se beneficia
de una vibrante rotundidad en cuanto a la exploración del sofisticado
dramatismo inherente a la composición.
"Malamore E La Luna" es un clásico de la visión musical de Milano (desde el
tiempo de su disco solista "La Stanza Suona Ció Che Non Vedo"): la versión en
vivo aquí expuesta se focaliza en el núcleo de su parte cantada, prescindiendo
de las expansiones concretas que habían generado momentos de electrizante
oscuridad en el repertorio de "Il Gioco Del Silenzio". Con todo, es justo
indicar que el flujo instrumental aportado por el ensamble colorea ciertos
espacios con efectividad. El momento de las frontales manifestaciones de las
facetas electrizantes del avant-prog llega con "Apnea", que nos revela todo el
esplendor expresionista del ensamble. Por vía de su inspiración en una suerte
de mezcla de Art Bears y Henry Cow, "Apnea" nos revela un ágil diseño de
perturbadoras sonoridades donde luminosidades de torturada extroversión se
dejan ver en medio de la imponente arquitectura de tensión. "Claustrofilia"
cierra el álbum con una densidad ceremoniosa donde la esencia de la agorafobia
encuentra su expresión más intensa: siendo un tema ubicado en el medio del
repertorio de "Il Gioco Del Silenzio", aquí sirve como una conclusión de lo más
eficaz. En conclusión, "No" encarna una manifestación genuinamente reveladora
de lo que significa Nichelodeon a pesar de su concisa duración de menos de
media hora. También significa la afirmación de la esencia global de Nichelodeon
como un ensamble en el sentido más completo de la palabra: aunque este disco en
vivo no contiene material nuevo, sí permite a los conocedores echar una mirada
renovada a su obra, redescubrirla desde su proyección hacia esquemas
particularmente enérgicos.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: THABU en vivo - 11 de agosto
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo argentino d e prog-metal THABU presentará su disco "Reborn" el próximo
11 de agosto, a las 19:30hs, en Gier Music Club (Alvarez Thomas 1078, Capital
Federal). La banda invitada será NUMINIS
(http://www.facebook.com/NuminisMetal).
Venta anticipada de entradas a $25: consultar a info@thabu.com.ar
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Maestro Jon Lord, Â!descansa en paz!
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Este lunes 16 de julio se anunció en la página web de Jon Lord
(http://jonlord.org/) la noticia de su triste partida. Nacido en Leicester el 9
de junio de 1941, Jonathan Douglas Lord falleció el 16 de julio por causa de
una fatal embolia pulmonar en la London Clinic, tras una larga batalla contra
el cáncer de páncreas. En el moment ode su partida, Jon estaba rodeado de su
familia.
"Jon Lord fue el legendario teclista de Deep Purple que co-escribió muchas de
las canciones legendarias de la banda, incluyendo el himno rockero 'Smoke On
The Water' y tocó en muchas bandas a lo largo de su carrerar. Era
principalmente conocido por su trabajo orquestal Concerto for Group &
Orchestra, inaugurado en el Royal Albert Hall con Deep Purple y la Royal
Philharmonic Orchestra en 1969, bajo la dirección del renombrado Malcolm
Arnold, un evento que se repitió en 1999, nuevamente en el Royal Albert Hall,
junto con la London Symphony Orchestra y Deep Purple.
La labor solista de Jon recibió elogios de todo el mundo cuando finalmente se
retiró de Deep Purple en 2002.
Jon pasó de la Oscuridad hacia la Luz."
Por supuesto, varios medios de prensa y webs musicales se han hecho eco de este
drama para el rock.-
PORTAL ESQUIZOFRENIA
(http://www.elmundo.es/elmundo/2012/07/16/cultura/1342460675.html)
"No ganamos para malas noticias y pérdidas en el mundo del rock. Ha fallecido
Jon Lord, el genio de los teclados, fundador de Deep Purple y una figura
esencial en el género desde finales de los años 1960 y a lo largo de dos
décadas, encontrando pocos rivales a los teclados y los pianos dentro del rock.
Hace casi un año, en agosto de 2011, daba la noticia de que padecía un cáncer
para el cual tendría que afrontar un tratamiento que le apartaría de la música
temporalmente. Ha sido este lunes, 16 de julio de 2012, a los 71 años, cuando
una embolia pulmonar se lo ha llevado de entre nosotros. Descanse en paz.
Cómo ya informamos en su día, el mítico teclista Jon Lord, uno de los creadores
de Deep Purple junto a Ritchie Blackmore e Ian Paice, anunció en agosto de 2011
en su página web que padecía un cáncer de páncreasque le obligaba a cesar en su
actividad musical durante un tiempo indefinido. Lord explicaba a sus amigos,
seguidores, fans y compañeros de viaje que está "peleando contra un cáncer".
"Tendré que tomarme un respiro de las actuaciones mientras dure el tratamiento
y la cura", añadía. "Por supuesto", dijo entonces, iba a seguir "escribiendo
música por ser algo parte de la terapia", al tiempo que esperaba estar de
regreso en "buena forma el próximo año", este 2012. "Dios os bendiga y os veo
pronto", cerraba así su escueta nota.
Jonathan Douglas Lord, nacido el 9 de junio de 1941 en Leicester, formó parte
de Deep Purple en su época dorada y ha seguido colaborando con ellos de forma
intermitente, aunque sin duda también le recordaremos por sus intervenciones en
Whitesnake, la banda de su ex compañero en Purple David Coverdale. En 2005
comenzó a trabajar como solista en Jon Lord & The Gemini Band, y recientemente
había anunciado que estaba trabajando en una revisión del célebre 'Concerto for
Group and Orchestra', que compuso para Deep Purple en 1969, para tocarlo en
directo en el Royal Albert Hall, aunque ya en 1999, para conmemorar los 30 años
del mismo, la banda volvió a interpretarlo.
De hecho, hace unas semanas informábamos de esa cita discográfica. En
septiembre de este 2012 se iba a publicar esa revisión del 'Concerto for Group
and Orchestra' con invitados de la talla de Bruce Dickinson, Joe Bonamassa y
viejos amigos como Steve Morse, aún miembro de los actuales Purple. Después de
más de 100 representaciones en directo por todo el mundo y de numerosas
variaciones y revisiones, la nueva grabación suponía la versión definitiva de
Lord de esta pieza maestra, de 1969 originalmente. La grabación fue conducida
por Paul Mann, de quien ya dependió la versión del 30 BA aniversario publicada
en 1999, con algunos invitados de lujo como el ahora ya también desaparecido
Ronnie James Dio."
MUSICÓPOLIS
(http://www.musicopolis.es/jon-lord-fallece-de-una-embolia-pulmonar/448552012/)
"El mítico y carismático teclista de Deep Purple, Jon Lord ha fallecido a los
71 años de edad a consecuencia de una embolia pulmonar, según informan medios
británicos. El músico estaba internado en una clínica londinense donde recibía
un tratamiento para frenar un cáncer de páncreas que le había sido
diagnosticado.
Lord fue uno de los miembros fundadores de Deep Purple en 1968 y se mantuvo en
la banda junto a Ian Pace, baterista, a pesar de los sucesivos cambios de
formación que el grupo vivió desde 1970. Estuvo en activo hasta 2002 cuando
decidió retirarse.
En su etapa como miembro de Deep Purple compuso muchos de los grandes éxitos de
la banda como, por ejemplo, "Smoke on the Water" y, sobre todo, "Child In
Time", que cuenta con una destacada parte de órgano como podéis comprobar en
este vídeo grabado en la televisión en 1970.
La carrera de Jon Lord también abarca trabajos con otros grupos. Comenzó como
teclista de The Artwoods, una formación británica de la década de los años 60
que estuvo liderada por Art Wood, hermano mayor de Ron Wood (The Rolling
Stones); y, sobre todo, su militancia durante seis años (de 1978 hasta 1984) en
Whitesnake junto a su ex compañero en Deep Purple, Dave Coverdale, y también
con Pace."
EL MUNDO (http://www.elmundo.es/elmundo/2012/07/16/cultura/1342460675.html)
"Muere Jon Lord, uno de los fundadores de Deep Purple
El músico británico Jon Lord, el mítico teclista de Deep Purple, ha fallecido
este lunes a los 71 años.
"Nos entristece anunciar la muerte de Jon Lord, que hoy ha sufrido una embolia
pulmonar fata en la London Clinic, tras una larga batalla con el cáncer de
páncreas. Jon estaba rodeado por su familia", anunció su página oficial.
Lord comenzó su andadura con Deep Purple, la banda pionera del heavy metal que
vendió más de 100 millones de discos , en 1968 tras tocar en los grupos Artwood
y The Flowerpot.
El músico fue el responsable de algunos de los temas más famosos de Deep Purple
como 'Smoke On The Water', todo un clásico de los años 70 considerada por la
revista Rolling Stone como una de las mejores canciones de la historia.
La banda de rock se separó en 1976 para regresar reformada en 1984. A lo largo
de cuatro décadas, Lord compaginó su carrera en solitario con su papel de
miembro de Deep Purple hasta que en 2002 abandonó definitivamente el grupo.
"Voy a tener una larga y vibrante carrera como solista", dijo la noche de su
último concierto con Deep Purple.
En agosto de 2011, Lord comunicó a sus seguidores que estaba "luchando contra
un cáncer" por lo que iba a interrumpir sus actuaciones mientras se sometía a
un tratamiento y conseguía curarse, aunque seguiría componiendo "como parte de
la terapia"."
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