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La caja de musica Number 0990
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #990 mayo 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* STEREOKIMONO - Intergalactic Art Cafe
* TRIO DESATANUDOS - El Rey De Las Palabras
* KOTEBEL en directo
* CELEBR8 - festival progresivo de gran proyección
* COSA BRAVA - "The Letter" (2012)
* TOWN PORTAL - "Vacuum Horror" (2012)
* Programa de Radio de ROCK PROGRESIVO
* LCDM: Nuevo disco de La Desooorden
* HAND OF FATIMA - "Obake" (2009)
* ASTRALIS - "Voces Del Bosque" (2009)
* SONNOV - "Hay Una Luz" (2012)
* 2112 - El maravilloso circo de los hermanos Lombardi
* PULSÃNICA en vivo - 9 de junio
* IAN ANDERSON - "Thick As A Brick 2" (2012)
* No_habrá_festival_Lago_de_Bornos
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: STEREOKIMONO - Intergalactic Art Cafe
STEREOKIMONO: "Intergalactic Art Café" (2012)
Temas
01. Fuga Da Algon (11:29)
02. Space Surfer (6:43)
03. Indian Breakfast (7:25)
04. Rebus - Part I - Il Gioco (2:01)
05. Rebus - Part II - La Metafora (4:04)
06. Rebus - Part III - La Soluzione (3:26)
07. Lumacacactus (5:38)
08. The Gnome On The Moon (6:47)
09. Zona D"Ombra (5:33)
10. Oltre Algon (5:46)
Integrantes
- Antonio Severi: guitarras, guitarra-midi, teclados
- Alex Vittorio: bajo, teclados
- Cristina Atzori: batería, percusiones
Stereokimono es una de las bandas más originales de la movida progresiva
italiana de las últimas dos décadas. Formada en Boloña en 1989, y tras sufrir
algunas crisis de alineación, en 1995 el grupo se reformó con el trío Antonio
Severi, Cristina Atzori y Alex Vittorio que sigue vigente hasta ahora. Aunque
todos los músicos de la banda están involucrados en otros proyectos
simultáneos, se dieron abasto para grabara dos discos, "Ki" y "Primosfera", que
aportaron gran frescura al variopinto mundo de la vanguardia rockera de su
país. Ahora, 9 años después de "Primosfera", el trío publica una nueva joya
progresiva: ""Intergalactic Art Café".
Los primeros 11 minutos y pico del álbum están ocupados por "Fuga Da Algon",
pieza que constituye un estupendo ejercicio en la combinación de space-rock y
jazz-prog dentro de un encuadre psicodélico que muestra sus garras de forma
estratégica, sin visceralidad, con una contundencia genuina y elegante a la
vez. Los recursos cósmicos provistos por los teclados y la guitarra-midi
catapultan muy bien las potencialidades etéreas de varios de los diversos
motivos hilados en la pieza. Esta vía de entrada es tan impactante que exige de
la banda que se esfuerce seriamente en mantener la buena onda en lo que aún
queda de disco=85 y el grupo ha de cumplir solventemente con este cometido.
"Space Surfer" suena básicamente a una versión jazz-rockera de un híbrido entre
el Crimsonismo 80ero y la psicodelia espacial a lo Ozric Tentacles, pero
también incluye pasajes más livianos donde el grupo explora texturas
rocanroleras sutiles en base a sencillos juegos armónicos manejados con
oportuna constricción. Atzori es una baterista muy versátil que sabe utilizar
su energía y su pericia tanto en los pasajes extrovertidos como en los
contenidos. El tercer tema, "Indian Breakfast", presenta una más ligera
aproximación al enfoque estilístico esencial de la banda: hay una preeminencia
de los factores del jazz-pop dentro de este exquisito ejercicio de fusión
melódica, el cual incluye un motivo indio en el comienzo y algún momento de
Latin-jazz en uno de los pasajes intermedios. Luego sigue el concepto
tripartito de "Rebus" para seguirnos mostrando más caras del incombustible
eclecticismo de Stereokimono. "Il Gioco" da inicio al concepto con una
extroversión impactante, ágilmente llevada a través de una compleja secuencia
de motivos y esquemas rítmicos durante un espacio de solo dos minutos. Cuando
la cosa se pone con tintes moderadamente arábigos, emerge la segunda parte "La
Metafora", la cual porta un aire Crimson-Samla-Zappiano bastante peculiar,
capaz de generar un ambiente de alegría a través de la reinante extravagancia.
"La Soluzione", la tercera y última parte de este concepto, prosigue por esta
vía de exploración llevándola hacia un incremento de la sofisticación, lo cual
repercute necesariamente en un realce de la espiritualidad humorística en
curso.
"Lumacacactus" es un ejercicio enérgico y grácil de psicodelia progresiva que
está mayormente dominado por un tenor bastante colorido (incluyendo algunos
leves coqueteos con ritmos ska y europeo-orientales), además de algún breve
interludio denso. El momento de "The Gnome On The Moon" es uno muy distinto:
armado sobre un compás de jazz de cabaret, el grupo arma una sonoridad con una
diversidad interna bien organizada, que va desde momentos sobrios y lacónicos a
otros más explícitamente intensos, mientras Atzori aborda el canto con una
actitud ceremoniosa propia de una maestra de ceremonias. Las imágenes mentales
motivadas por este tema nos remiten a una magia perdida, tal vez una magia
proyectada que nunca llegó a concretarse y que solo quedó como sueño de
grandeza, la añoranza crepuscular que se siente mientras se da la decadencia de
lo noble y lo palaciego. "Zona D"Ombra" nos devuelve de lleno a la vitalidad
electrizantemente dinámica de "Fuga Da Algon" con el añadido de una mayor dosis
de polenta: la guitarra de Severi suena bastante robusta en varios momentos,
explayando su vigor salvaje con una disciplina impoluta. El último tema del
disco es "Oltre Algon", el cual desarrolla capaz y texturas cósmicas en una
suerte de ambient psicodélico donde confluyen elementos krautrock con
estándares de Steve Hillage: los samplers de susurros y soliloquios ayudan a
reforzar el aura de ensueño que arropa a la instrumentación. Un final etéreo
para un disco que mayormente ha sido generoso en la develación y encauzamiento
de varias modalidades de colorido sónico.
Stereokimono se ha lucido con enormidad y carácter a la hora de gestar y
producir este nuevo álbum: "Intergalactic Art Café" es una bizarra gema de
música progresiva genuinamente renovadora con el sello de una banda que nunca
pudimos olvidar con el paso de los años tras su último disco. !Un retorno a lo
grande de una banda grade!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TRIO DESATANUDOS - El Rey De Las Palabras
TRIO DESATANUDOS: "El Rey De Las Palabras" (2011)
Temas
1. El Disparo (4:33)
2. El Rey De Las Palabras (6:53)
3. Entrave (6:00)
4. Sin La Vivi (7:59)
5. Budú (5:10)
6. Que No Se La Lleve El Viento (8:10)
7. Invitation (6:22)
8. Santa Cruz (10:20)
9. Dense (3:24)
10. Corazón Herido (7:01)
11. Dinámico (4:32)
12. Bistrita (4:01)
Integrantes
- Darío CDscaro: guitarras, efectos, samples, composiciones, arreglos
- Gustavo Lorenzatti: contrabajo, composiciones, arreglos
- Fernando Caballero: batería, arreglos
Trío Desatanudos es el producto de la asociación de tres luminarias del jazz y
el rock de avanzada en la localidad argentina de Córdoba: Darío CDscaro,
Gustavo Lorenzatti y Fernando Caballero. Este ensamble registró en 2011 el
disco "El Rey De Las Palabras", un ejemplo magnífico de ingenio invertido en el
lenguaje del avant-jazz con elementos fusionescos y progresivos. Contando con
un arsenal sonoro de guitarra eléctrica, contrabajo y batería, el grupo maneja
efectos, arreglos y esquemas lo suficientemente complejos como para generar una
estructura sónica auténticamente intrincada donde se da una perfecta
combinación de libertad de expresión y pensamiento organizado a tres bandas.
Durando 4 BD minutos, "El Disparo" abre el disco con un distinguido ejercicio
de jazz-rock marcado principalmente por atmósferas sutiles donde lo fusionesco
impone las condiciones de las expresiones de energía sónica y del desarrollo
del swing. Acto seguido llega la pieza homónima, basada en un motivo en 5/4, en
cuyo entorno se desarrollan arreglos razonablemente sofisticados en los que el
trío explora facetas de densidad y disonancia. "Entrave", una composición de
Henrie Exiet, nos remite a cándidos climas crepusculares donde el retorcido
lirismo exhibido por el contrabajo con arco aporta recursos de inquietud,
apropiadamente medidos para la estructura instrumental del momento. El momento
donde se luce la guitarra de CDscaro es más relajante, en comparación. "Sin La
Vivi" es una suerte de bossa nova reciclada a través del uso de ornamentos
propios del rock psicodélico, aunque sin perder de vista el swing esencial de
la idea básica, mientras que "Budú" se mete de lleno en el lenguaje stoner con
algunos factores sónicos que parecen satirizar ciertos clichés del nu-metal:
una idea traviesamente genial. "Que No Se La Lleve El Viento" es un tema
bastante climático dentro del repertorio del álbum. Comienza con una
espiritualidad relativamente sosegada, entre bluesera y psicodélica dentro de
la usual actitud calculada que asume el trío en sus interacciones; luego,
deriva a un motivo más extrovertido donde el grupo hace una reconstrucción de
tenor avant-jazzero de un pasaje inspirado en cadencias fusionescas; a partir
de esta dupla temática, se elabora la ingeniería sonora integral del tema.
"Invitation" es una pequeña Biblia de la historia del jazz, un estándar de
eterno valor compuesto por Bronislau Kaper, inmortalizado por varias luminarias
como, por ejemplo, Thelonius Monk: en esta ocasión, Trío Desatanudos lo retoma
con un aditivo de aires fusionescos sin destruir para nada la magia esencial de
la idea original. Después de la infranqueable solemnidad de "Invitation",
emerge la soltura fresca y luminosa de "Santa Cruz" para exhibir, una vez más,
la maestría con la cual el trío conjuga los lenguajes del avant-jazz y la
fusión. En este caso, también se notan elementos de experimentación progresiva
en varios fraseos de la guitarra de CDscaro (con acentos cercanos a lo
Frippiano), oportunos índices de desafiante perturbación en medio de la
explosiva extroversión que el encuadre de Lorenzatti y Caballero arma con
estupendo punche. "Dense" establece una dinámica rotundamente poderosa donde
los discursos del rock pesado clásico y de la fusión contemporánea se engarzan
en un colorido donde todos los matices involucrados se amalgaman a las mil
maravillas: otro m omento climático del disco, sin duda. Los últimos 15 minutos
y pico del álbum están ocupados por la secuencia de "Corazón Herido",
"Dinámico" y "Bistrita". El primero se basa en una labor de deconstrucción de
un bolero en clave jazzera, dibujado con predominancias de matices grisáceos.
"Dinámico", por su parte, se encarga de darle un giro Crimsoniano a las cosas
con un muscular ejercicio de rock neurótico dentro de un encuadre sonoro que,
en vez de complacerse en complejidades ostentosas, prefiere mantener el fuego
flameando dentro de una frescura relativamente sencilla. "Bistrita" tiene menos
robustez y mucha más agilidad, portando el frenesí de una rueda de ruleta: algo
así como una cruza entre la farsa carnavalesca de un Zappa y el descaro
sofisticado de John Zorn con la adición de la ligereza engañosa de unos Forever
Einstein. Estos dos últimos temas reflejan los últimos destellos de fuegos
artificiales antes de que caiga el telón.
Trío Desatanudos es uno de tantos ejemplos de la brillantez musical que se
mantiene y brota continuamente desde Córdoba: "El Rey De Las Palabras" es uno
de los discos más excitantes y peculiares que se han hecho en el seno de la
avanzada jazz-rockera argentina en los últimos años.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: KOTEBEL en directo
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
!!Se viene un concierto de KOTEBEL!! En efecto, presentando su más reciente
master opus "Concerto For Piano And Electric Ensemble", el quinteto
hispano-venezolano KOTEBEL dará un concierto en la Sala Colonial Norte del
Centro Comercial Príncipe Pío, en Madrid, el 30 de junio. La hora programada
para el inicio del evento en cuestión es a las 21:00. El saxofonista Fran
Mangas y el percusionista Carlos Talez serán invitados especiales en el
concierto.
La venta de entradas está a 10 euros en taquilla, 8 euros en venta anticipada
a través de E entradas (www.entradas.com//).
!!Se ve grandioso!!
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: CELEBR8 - festival progresivo de gran proyección
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Pronto tendrá lugar CELEBR8, un festival progresivo que durará 2 días y que
congregará a figuras veteranas y recientes del género progresivo.
Sábado 7 de julio
IQ, SUBTERRANEA FULL STAGE SHOW
PALLAS
THE TANGENT
SEAN FILKINS
Domingo 8 de julio
IT BITES
MAGENTA
MARS HOLLOW
TINYFISH
DEC BURKE
Lugar: The Hippodrome, 1 St James Road Kingston upon Thames, Surrey KT1 2AH
Venta de entradas en el enlace http://www.themerchdesk.com/
La peculiaridad de la participación de IQ consiste en que la banda realizará
la performance entera de su inolvidable concept-album doble "Subterranea",
aprovechando que este año es el 15to aniversario de la mencionada obra.
!!Se ve grandioso!!
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: COSA BRAVA - "The Letter" (2012)
COSA BRAVA: "The Letter" (2012)
Temas
1. Soul Of The Machine - 2:12
2. The Eyjafjallajökull Tango - 6:48
3. Drowning - 4:04
4. The Wedding - 6:08
5. The Letter - 3:41
6. Slings And Arrows - 7:23
7. Jitters - 5:13
8. For Lars Hollmer - 8:03
9. Emigrants - 4:06
10. Nobody Told Me - 4:10
11. Common Sense - 7:15
12. Soul Of The Machine (Reprise) - 2:05
Integrantes
- Fred Frith: guitarras, bajo, voz
- Carla Kihlstedt: violín, armónica bajo, voz
- Zeena Parkins: acordeón, teclados, objetos raros, voz
- Shahzad Ismaily: bajo, voz
- Matthias Bossi: batería, percusiones, ambientes caóticos
- The Norman Conquest: manipulaciones de sonido
Invitados - Michael Elrod (tambura), William Winant (bombo, crótalos)
Cosa Brava vuelve a la actividad fonográfica dos años después de la edición de
su álbum debut "Ragged Atlas" (que había sido grabado en diciembre de 2008). El
grupo ha aumentado sus afiliaciones con el ingreso del bajista Shahzad Ismaily
y del baterista/percusionista Matthias Bossi (también colega de Carla Kihlstedt
en otros proyectos musicales, incluyendo a los legendarios Sleepytime Gorilla
Museum), aunque esto no ha conllevado, como se podría razonablemente sospechar,
un sonido más lleno en cuanto a agresividad, sino más bien un aumento de
recursos a la hora de desarrollar los habituales coloridos excéntricos y
desafiantes que Cosa Brava convierte en marca propia. De hecho, este nuevo
disco incorpora un mayor peso de los elementos World Music y folk que se
amalgaman con otros dentro de su bizarra propuesta. Con una figura de larga
trayectoria como Fred Frith al frente y una congregación de jóvenes veteranos
cooperando activamente en la misión creativa, Cosa Brava encarna
fehacientemente la comunión entre algunas tradiciones específicas
del R.I.O. y nuevas concepciones sobre el ideal de hacer rock novedoso.
"Soul Of The Machine" abre el disco como un artilugio de ingeniería, un
mecanismo que marca el ritmo robótico con el que la sociedad moderna da sus
imponentes pasos de gigante a través del tiempo; de este modo, se abre camino
para que surja "The Eyjafjallajökull Tango", tema extravagantemente colorido,
cuya juguetona complejidad suena como un intermedio entre Kronos Quartet y
Hamster Theatre, cálido pero denso, amable pero no exento de peligro. La
secuencia de "Drowning" y "The Wedding" nos lleva hacia terrenos más oscuros e
inquietantes: "Drowning" es como una memoria perdida de un momento en la
infancia donde el ambiente circense ocasional mostró una faceta aterradora,
mientras que "The Wedding" se basa en una remodelación abstracta de atmósferas
folclóricas y flotantes ambientes psicodélicos, sucesivamente. La quinta pieza
es justamente la que da título al álbum, y se caracteriza tanto por el peso que
tienen los retumbos de la batería dentro del bloque instrumental como por la
ceremoniosidad cuasi-gótica a lo SGM que aportan los arreglos vocales; también
vale mencionar el uso de la máquina de escribir como utensilio percusivo
directamente alusivo al hecho de escribir mensajes a la conciencia pública.
"Slings And Arrows" es una pieza abiertamente deconstructivista que se enraíza
poderosamente en los legados Henry Cowianos de "In Praise Of Learning" y
"Western Culture", lo cual implica un manejo cuidadoso de texturas, un afán por
crear y reforzar atmósferas misteriosas, y una sensación de esperar lo
inesperado, que es justamente lo que ocurre cuando irrumpe una secuencia
percusiva cuya robustez se retroalimenta con los descoyuntados efluvios
guitarreros de Frith. La tensión que se liberó en la secuencia final de "Slings
And Arrows" despejó el camino para que "Jitters" despliegue su propia
arquitectura, neuróticamente dividida en secuencias reconocibles que se
reiteran en ciclos bien definidos, manejados
con un punche pulcramente equilibrado entre los músicos involucrados.
El octavo tema nos engancha de entrada por su título tan entrañable: "For Lars
Hollmer" - claramente, se trata de una pieza compuesta en honor a la memoria de
una de las figuras más emblemáticas e influyentes de toda la historia de la
vanguardia progresiva, el Maestro Lars Hollmer, teclista, acordeonista,
percusionista y bizarro vocalista de Samla Mammas Manna, Zamla Mammaz Manna,
Von Zamla, etc. Esta pieza sirve para que Cosa Brava explore fehacientemente
sus aristas más expresamente líricas, aunque sin renunciar a su
filo esencialmente experimental: pasando de pasajes relajantes a otros más
cadenciosos de tendencia folk, el grupo construye una armazón musical evocativa
y elegante, pulcra como la más lujosa porcelana, cándida como el más refinado
terciopelo. La parte más emotiva es el final, con esa combinación de espartanas
notas de acordeón, palmas y falsetes que retratan los últimos pasos del Maestro
Hollmer hacia las Puertas del Más Allá. Esta celebración da lugar a otra,
"Emigrants", tema que porta aires indios y carpatienses que son ingeniosamente
retorcidos por amenazantes síncopas psicodélicas en ciertos momentos
estratégicos. "Nobody Told Me" vuelve un poco a la languidez oscurantista y
abstracta de "Slings And Arrows", aunque esta vez el grupo usa esta estrategia
desde un punto de vista farsesco, usando un arreglo coral que suena como un
aquelarre de espíritus vetustos que se explayan en sus quejumbrosas
observaciones sobre el mundo que les rodea. La breve sección final se enfila
hacia una sonoridad rockera ácida y adusta, un clímax tal vez demasiado
efímero. Así las cosas, "Common Sense" nos enfila hacia las dimensiones más
serenas del ideario musical de Cosa Brava, explayándose en climas
contemplativos que encapsulan unas imperativamente elegantes secuencias de
retazos auto-constreñidos donde reina un espíritu minimalista, y a la vez,
candoroso. El final del álbum vira hacia una retoma del primer tema: en efecto,
"Soul Of The Machine (Reprise)" reconstruye la neurótica vivacidad maquinista
que había servido de obertura para el álbum, dejando así que la luz de
juguetona tensión ilumine los parajes que antes habían quedado arropados bajo
la espiritualidad nocturna de "Common Sense".
Todo esto fue "The Letter", una tremendamente creativa misiva de música
progresiva concebida desde las orillas más vanguardistas del plurivalente
género. Cosa Brava se instala decisivamente como un referente especialmente
valioso dentro de las vertientes de línea avant-progresiva desarrolladas en los
últimos años.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TOWN PORTAL - "Vacuum Horror" (2012)
TOWN PORTAL: "Vacuum Horror" (2012)
Temas
1. Rosini - 4:05
2. Steaming Scrolls - 4:01
3. Sedway - 1:46
4. Salut - 3:16
5. Drastic Insights - 3:31
6. Phantom Time - 4:45
Integrantes
- Christian Henrik Ankerstjerne: guitarras
- Jeppe Lillegaard Nielsson: guitarras
- Malik Breuer Bistrup: batería
- Morten Ogstrup Nielsen: bajo
Proveniente de Dinamarca, más exactamente de su capital Copenhague, el grupo
instrumental Town Portal emerge como una fuerza sónica bastante interesante
para conocer y entender
los recovecos contemporáneos de la avanzada math-rockera fuera de la esfera
estadounidense. Comenzó sus días como cuarteto, y es así como aparecen
registrados los créditos de su EP debut "Vacuum Horror" en su blog de Bandcamp.
El referente principal de la línea musical de esta banda está encarnado en And
So I Watch You From Afar.
Los primeros 8 minutos de este EP están ocupados por la dupla de "Rosini" y
"Steaming Scrolls", dos temas que se caracterizan por su buen pulso y sobriedad
a la hora de manejar e hilar los cambios de ambientes y desarrollar los
momentos de patente fragor rockero, así como armar los sofisticados cimientos
del swing generado por la dupla rítmica. Más adelante, "Salut" se impulsa a
partir de los impactos de estas piezas y ofrece una sonoridad más rotunda,
rayana con el stoner, sobre un predominante compás de 7/8; pero antes,
"Sedway" brinda un momento sereno e intimista donde la banda coquetea con el
lenguaje del jazz-rock, un viaje plácido y tal vez demasiado breve, pues su
cuerpo central tiene suficiente gancho como para ser explorado por más del
minuto y tres cuartos que la banda le dedica. Pero bueno, así son las cosas y
el EP sigue adelante con sus dos últimas piezas "Drastic Insights" y "Phantom
Time": el primero de estos temas se hace debido eco de la electrizante
vitalidad de "Salut", mientras que el segundo regresa a los terrenos más
medidos y sofisticados que se exploraron en los dos primeros temas.
Durando poco más de 20 minutos, "Vacuum Horror" supone un breve pero poderoso
muestrario de math-rock ágil y grácil: Town Portal es un ensamble que da
pruebas fehacientes
de su capacidad para mantener vigente la vitalidad de esta modalidad de rock
experimental. Hoy por hoy, Town Portal opera como trío sin Jeppe Lillegaard
Nielsson, aunque esta circunstancia no ha mermado sus ganas de mantener una
agenda ocupada para el año 2012. Ojalá lleguen pronto nuevos ítems fonográficos
del ahora trío Town Portal.
César Mendoza
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Autor: Cerca Orilla <cercadelaorilla.prog@gmail.com>
Asunto: Programa de Radio de ROCK PROGRESIVO
Hola estimados miembros de la CAJA DE MÚSICA.
Somos CERCA DE LA ORILLA, un nuevo programa de radio dedicado 100% al
Rock Progresivo
El programa es parte de la programación de Universo 94.9 FM en la
ciudad de Colima, México y transmitimos todos los martes en punto de
las 19:00 hrs. y se puede escuchar desde cualquier parte del mundo a
través de: www.ucol.mx/radio/
Sabemos que son pocos los espacios en radio abierta en todo el país
para dar a conocer a este maravilloso género que nunca ha tenido el
reconocimiento que merece, pero desde aquí, contribuimos con nuestro
grano de arena para darlo a conocer y difundirlo.
Asi que, invitamos a todos los melomanos conocedores de este foro (que
conocemos desde hace muchos años) a que sigan nuestras transmisiones.
Les pasamos nuestra pagina en facebook para que nos sigan y nos apoyen
con un click de "me gusta"
https://www.facebook.com/CercadelaOrilla
Por supuesto, todos los programas que se han ido transmitiendo los
pueden descargar desde nuestro web oficial:
http://cercadelaorilla.blogspot.mx/
Les pasamos los links de los podcast que se lo dedicamos a "Lo mejor
en el progresivo durante el 2011"
LO MEJOR DEL PROGRESIVO 2011 PARTE UNO:
http://cercadelaorilla.blogspot.mx/2012/04/cerca-de-la-orilla-programa-12.html
LO MEJOR DEL PROGRESIVO 2011 PARTE DOS:
http://cercadelaorilla.blogspot.mx/2012/04/cerca-de-la-orilla-13.html
LO MEJOR DEL PROGRESIVO 2011 PARTE TRES:
http://cercadelaorilla.blogspot.mx/2012/05/cerca-de-la-orilla-14.html
LO MEJOR DEL PROGRESIVO 2011 PARTE CUARTO:
http://cercadelaorilla.blogspot.mx/2012/05/cerca-de-la-orilla-15.html
Sin más, les mandamos un progresivo saludos a todos y felicitaciones a
José Manuel Inesta por su gran labor en este foro desde hace mas de
una década.
P.D. Si tienen alguna banda de progresivo y quieren que pasemos su
material, envíenos un correo a "cercadelaorilla.prog@gmail.com"
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: Nuevo disco de La Desooorden
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Les reenvío un mensaje de parte del grupo chileno de rock-fusión experimental
LA DESOOORDEN, en la última fase de su carrera musical.-
" Tenemos el agrado de contarte que ya se encuentra disponible el último disco
de La Desooorden titulado "El Andarín".
Esta producción siguiendo la línea de los últimos discos de la banda, se trata
de un disco conceptual que cuenta la historia de un personaje que recorre
Sudamérica sin un rumbo definido conociendo personas y paisajes que su espíritu
y el momento le van guiando. Esta variedad de paisajes y experiencias son
reflejados en la música con amplia variedad de ritmos, timbres, instrumentos y
sonoridades.
El disco está compuesto por 16 temas que puede ser escuchada de principio a fin
como una sola canción. Además contiene material multimedia con fotos de la
composición del disco y de la grabación. Además contiene las letras y el
detalle de los instrumentos. Vienen 2 videos y además un juego interactivo.
Todo esto en un lindo envase de digipack junto a un librito con el detalle de
las canciones.
Los interesados en tener el último pedazo de historia de La Desooorden y las
otras producciones disponibles (los discos Ciudad de Papel y La Isla de los
Muertos, y el DVD) pueden escribir a la dirección web@desooorden.cl. Los discos
tienen un valor de $6.000 y el DVD de $8.000. Por la compra de 2 discos, el DVD
también puede ser adquirido en $5.000. El envío a ciudades fuera de Valdivia es
de $1.500. Sólo habrán 100 copias disponibles para la venta.
Además aún tenemos disponibles poleras en distintas tallas (XS,S,M y L) en los
motivos de la celebración de los 10 Años y 2 modelos de la celebración los 15
años. Estos modelos se pueden apreciar en la página web.
Para los más fanáticos, venderemos un set de 10 afiches originales de
conciertos efectuados por La Desooorden a lo largo de su vida por un valor de
$2.000, donde destacan el lanzamiento del disco Ensayo, lanzamiento de la
página web, concierto de Aula Magna de Temuco, lanzamiento del disco La Isla de
los Muertos, gira sur de La Isla de los Muertos, celebración de los 10 años en
Valdivia, gira de celebración de los 15 años por distintas ciudades de Chile,
lanzamiento del disco Ciudad de Papel, y otros.
Esperamos puedan adquirir algún recuerdo de la banda y además difundir esta
noticia entre sus amistades.
Saludos y hasta siempre. "
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: HAND OF FATIMA - "Obake" (2009)
HAND OF FATIMA: "Obake" (2009)
Temas
1.- Tatari (Rito Funerario) (8:40)
2.- Goryo (Fantasma Aristócrata) (5:45)
3.- Funayrei (Fantasmas De Marineros) (5:48)
4.- Ubume (Fantasmas De Madres Que Vuelven A Por Sus Hijos) (8:38)
5.- Onryo (Fantasmas Vengativos) (5:00)
6.- Ofuda (Escrituras Sagradas Que Sirven Para Ahuyentar A Los Fantasmas)
(10:32)
Integrantes
- Gabi: bajo
- Mane: batería
- Carlos: guitarra
- Tato: guitarra, glockenspiel
- Pacoloco: órgano Hammond, guitarra steel
Procedente de la hermosa provincia de Cádiz, en el Extremo Sur de España, Hand
Of Fatima se revela como una fuerza musical tremendamente interesante dentro de
la vanguardia rockera española por su vertiente post-metalera. "Obake" es el
nombre de su disco grabado en 2008 y salido al mercado al año siguiente, una
muy buena carta de presentación de parte de este quinteto instrumental. El
sonido grupal de esta banda formada en 2007 no se suscribe a una modalidad
dogmática de post-metal, sino que añade intensidades oscurantistas propias del
post-rock y el sludge atmosférico, además de algo de las tradiciones stoner y
psicodélica en algunos de los momentos más expresivos del disco. Hand Of Fatima
muestra apegos a los estándares de Russian Circles, Res Sparowes y Pelican,
afinidades con This Will Destroy You y con lo que hacían sus compatriotas de
Toundra, principalmente en su primer álbum; de hecho, en alguna ocasión, Hand
Of Fatima y Toundra han grabado un EP compartido. "Obake" tiene un núcleo
conceptual en torno a los fantasmas de las leyendas japonesas (los yurei): fue
grabado en el Puerto de Santa María y masterizado en Nueva York.
"Tatari" da inicio al disco con un tono solemne abrumador e imponente,
inicialmente basado en concisos fraseos de la primera guitarra que entra en
acción, y paulatinamente alimentado con un bloque sónico integral que se va
armando de forma sostenida y solvente a través de esquemas rítmicos que
alternan 4/4 y 6/8. Hay una densidad patente en el bloque instrumental que es
de donde éste saca su fuerza expresiva, pero el evidente carácter constreñido
de los aportes de cada instrumento permiten que dicha densidad se mantenga en
un nivel etéreo, apelando así más a lo contemplativo que a lo impulsivo a
través de la garra que inunda el ambiente. Un estupendo inicio de álbum, sin
duda, y con la dupla de "Goryo" y "Funayrei", la experiencia de este disco
seguirá cimentándose de manera muy sólida. En efecto, "Goryo" aporta una
densidad más pronunciada que se sostiene en buena medida en la robustez
espartana que brota a dos bandas, desde la dupla rítmica y la armazón de
guitarras: la lánguida pesadez que inicialmente se utiliza para encapsular el
desarrollo sónico de la banda transmite una atmósfera de oscuridad un tanto
amenazante, para luego aligerarse un poco a través de un despliegue aguerrido
de dinamismo stoner enfilado hacia el armado de un estupendo clímax conclusivo.
Por su parte, "Funayrei" expone una estrategia de auto-contención de forma un
poco más consistente, sin renunciar a los recursos de oscuridad y robustez que
el quinteto maneja a ojos cerrados en las bien armadas interacciones entre sus
componentes individuales. "Ubume" regresa a la lógica de arquitectura ambiciosa
que antes había marcado al tema de entrada "Tatari", pero haciéndose eco de la
estilizada rudeza de "Goryo", y añadiendo matices de corte space-rock que se
explayan a través del extenso epílogo en 5/4. "Onryo" es, básicamente, un
homenaje al legado de Isis, un hermoso ejercicio de minimalismo melódico
cuidadosamente retorcido a través del manejo envolvente de climas aguerridos.
Los últimos 10 minutos y pico del álbum están ocupados por "Ofuda", el tema más
etéreo del disco, fuertemente motivado por la psicodelia de vieja escuela en
sus momentos más reflexivos (algo casi Floydiano), mientras que los pasajes más
aguerridos encarnan un exquisito balance entre la tensión claroscura propia del
post-rock y el imponente filo muscular del post-metal (con evidentes guiños a
Isis y Pelican). Los últimos dos minutos son cruciales a la hora de manifestar
un clima de neurosis explosiva donde parece que la banda pone banda sonora a la
resolución de una especie de conflicto cósmico.
Una grata sorpresa descubrir a esta banda, aunque sea un poco tardíamente. Hand
Of Fatima es uno de los exponentes más notables de la movida post-rockera que
se genera desde el underground español de los últimos años. Por lo escuchado en
este disco "Obake", hay que mantenerse alerta respecto a las próximas
actividades y, ojalá, futuros lanzamientos fonográficos de este grupo.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ASTRALIS - "Voces Del Bosque" (2009)
ASTRALIS: "Voces Del Bosque" (2009)
Temas
1. Voces Del Bosque (8:34)
2. Caminos Internos (6:00)
3. Los Pasantes (4:05)
4. Néctar De Luz (3:43)
5. Estás Aquí (13:25)
6. Saraswati (11:11)
Integrantes
- Patricio Vera-Pinto: guitarras, voz y teclado adicional (3)
- Sergio Heredia: batería y percusión
- Mauricio Arcis: bajo
- Mauricio Gaggero: teclados
Colaborador - Juan Pablo Gaete (teclado en 3)
Desde Chile, el cuarteto Astralis encarna una de las apuestas más vitales
dentro de la música progresiva hecha con total claridad melódica. Astralis
nació a principios del año 1999, en la comuna de Ñuñoa, bajo la iniciativa del
guitarrista Patricio Vera-Pinto, quien funge como director artístico de la
banda y compositor de todo el material. Este veterano músico que ya desde los
años 70s inició una trayectoria musical que incluye membresías en Lunallena y
Amapola. En cuanto al grupo que traemos a colación ahora, su propuesta
sinfónica se basa en la confluencia del legado neo (Marillion, Pendragon, Abel
Ganz) con los estándares sinfónicos propios del Genesis 77-79 y el Camel
post-Bardens. Tiene coincidencias con lo que bandas de otras áreas
sudamericanas hacen también: Chaneton, Arion, Tempus Fugit. De esta manera, su
disco debut de 2006 "Bienvenida Al Interior" manifestó un aporte sólido a la
escena neo dentro del rock sudamericano actual. Con "Voces Del Bosque", su
segundo disco del año 2009, el grupo decidió madurar y enriquecer su propuesta
sonora con la incorporación de elementos folk en modalidad estilizada y un
acercamiento más profundo a la tradición sinfónica en sus facetas más
cristalinas. Pasamos a reseñar este disco a continuación.
La pieza homónima abre el disco con aires de naturaleza y atmósferas
ensoñadoras muy a lo Yes, logrando así abrir la experiencia del disco con un
aura optimista y un colorido sónico frontal, el cual pronto muestra afinidades
con estándares de Le Orme y Eris Pluvia de forma consistente hasta el final.
Una mención especial debe ir hacia los solos de sintetizador, los cuales portan
una magia bien desarrollada que sirve para darle un enfoque claro al encuadre
melódico de la pieza. El segundo tema, "Caminos Internos", nos muestra a la
banda mostrando una dimensión más grácil de su esencia estilística, haciendo
dos cosas a la vez: reforzar los roles de la guitarra y la batería a la hora de
generar dinamismo rockero y explotar matices folclóricos de cueca en varios
ornamentos rítmicos estratégicamente ubicados. Con Los Pasantes, Astralis se
mete de lleno en el estándar de Los Jaivas: alegre dinamismo andino traducido a
refinamientos prog-sinfónicos, al estilo de los discos "Alturas De Machu
Picchu" y "Aconcagua". Siguiendo por esta línea folk-progresiva y añadiendo
elementos de la herencia del Congreso 70ero, "Néctar De Luz" emerge como una
deliciosa cueca-rock donde el grupo explora la candidez propia de este
emblemático ítem cultural chileno. Los últimos 24 minutos y pico del álbum
están ocupados por la dupla de "Estás Aquí" y "Saraswati". "Estás Aquí" brinda
una expansión ambiciosa sobre el equilibrio entre sinfonismo modernizado y
prog-folk antes exhibido en "Caminos Internos", con el gesto añadido de que el
cuarteto aprovecha el extenso esquema dentro del cual arma la pieza para
amplificar las potencialidades épicas del asunto, además de guiar el colorido
esencial al sonido grupal hacia tonalidades más claroscuras (como un híbrido
del IQ 80ero y el Le Orme de "Uomo Di Pezza"): la persistencia del interludio
hace que el clima general sea denso, aunque sin perder la agilidad propia del
neo-prog clásico de los 80s. Posiblemente sea justo catalogar a "Estás Aquí"
como el cénit decisivo del disco, aunque para nada implica esto desestimar lo
que tiene que ofrecer "Saraswati" a la clausura de "Voces Del Bosque". Este
tema, llamado como la diosa hindú de la sabiduría y las artes escénicas,
traslada la línea de trabajo de "Caminos Internos" y "Estás Aquí" hacia un
impulso marcado por influencias Floydianas y Camelianas, siendo así que la
dupla rítmica se encarga de sustentar la vibración folclórica en el subsuelo
del esquema instrumental (al modo de las secciones más solemnes de esa tremenda
suite de Los Jaivas "La Poderosa Muerte"). Astralis explota su faceta épica con
impecable solvencia por segunda vez consecutiva, concluyéndola con majestuosos
ruidos de oleaje, al modo de un egreso a las fuerzas de la naturaleza de donde
había surgido el primer tema del álbum.
"Voces Del Bosque" es un muestrario de música colorida que fue creada con
patente ingenio, una prueba innegable del tipo de aporte genuinamente personal
que Astralis tiene por ofrecer a la realidad actual del sinfonismo moderno
chileno. Vale la pena seguir la pista de próximas producciones que el horizonte
futuro de Astralis nos tenga deparadas.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SONNOV - "Hay Una Luz" (2012)
SONNÖV: "Hay Una Luz" (2012)
Temas
1. Horizonte De Sucesos (9:58)
2. Estratocúmulos (7:12)
3. NM (2:02)
4. Será Difícil (9:37)
5. Los Últimos Días De Pompeya (9:20)
6. PA (2:54)
7. L-Dopa (7:05)
8. Caminamos Hacia Amaurota (7:22)
9. Hay Una Luz (5:02)
Integrantes
- Rubén Farrona: guitarras
- Javier García: geometría y color
- Enrique Mingo: bajo
- Álvaro Otero: batería y percusión
- Roberto Tena: guitarras
Colaborador - Jorge "Dark Borussian" García (von en 5)
Grupo asentado en Madrid y formado a mediados de la década pasada, Sonnöv es el
resultado de la comunión de varios músicos procedentes de bandas consignadas en
diversos géneros, y en su agrupación decidieron utilizar las pautas del rock
experimental para "buscar nuevas vías de composición y expresión
músico-narrativa", tal como indica su blog de Myspace. Los lenguajes del
post-rock y del post-metal son las coordenadas esenciales de estas
exploraciones con las que el grupo organiza y arregla sus creaciones musicales:
el grupo plantea un concepto que va más allá del ruido musical, incorporando
amplios recursos audiovisuales y multimedia en sus conciertos. El grupo
menciona a Isis, Neurosis, Tool, GYBE! y Mono como algunas de sus influencias
musicales en su perfil de Facebook, y con estos datos podemos hacernos una
buena imagen abstracta del tipo de sonoridad donde se enraíza Sonnöv. Su primer
registro fonográfico fue "Cerogrados", de 2007, y ahora en 2012, el sello Noma
Records edita su segundo ítem "Hay Una Luz", un disco que desde ya podemos
describir como uno de los más excitantes de la vanguardia rockera española del
presente año. Varios temas incluyen muestras sonoras de películas, como por
ejemplo, el canto de los tres presidiarios de la película de Jarmusch "Down By
Law" en "Estratocúmulos". Repasemos ahora el repertorio de "Hay Una Luz".
Durando casi 10 minutos, "Horizonte De Sucesos" abre el disco con una fuerza de
carácter lo suficientemente atrapante como para manejar con buen pulso la
ardiente polenta de las sonoridades instrumentales dentro de un bloque
finamente estructurado. Así, los tránsitos entre los momentos expansivos y
constreñidos se sienten naturales y pulcramente fluidos, y sobre todo, se
prepara el terreno para el ulterior arribo de secciones marcadas por dinamismos
y esquemas rítmicos más sofisticados que operan ya como interludios
ingeniosamente sorpresivos, ya como bases para un poderoso clímax conclusivo.
Tras esta exhibición de intensa nebulosidad épica, llega el momento de
"Estratocúmulos", pieza que prefiere dar prioridad a ambientes más contenidos,
aunque para nada renuncia el grupo a mostrar su lúcido filo rockero,
especialmente en lo que se refiere a los robustos retazos dibujados por las
guitarras duales. "NM" es un breve ejercicio de minimalismo abstracto, un poco
a lo GYBE!, un oportuno puente entre la estilizada densidad del tema
inmediatamente anterior y la extrovertida agilidad de "Será Difícil". Este tema
comienza con un espíritu muy grácil, un manejo colorido de las capas de
guitarra y la dinámica de la dupla rítmica, para luego virar a una segunda
sección más relajada y reflexiva, aunque sin perder la agilidad antes
mencionada, pero sí dándole un cariz más grisáceo. Esta pieza suena a una cruza
entre Explosions In The Sky y Mono, con algunos toques de Isis. Mientras "Será
Difícil" emite sus últimas irrupciones sónicas en una suerte de epílogo
entrecortado, emerge en un fade-in la magia grisácea de "Los Últimos Días De
Pompeya", pieza que se hace debido eco de los estándares establecidos por el
tema precedente: refrescantes aureolas de nebulosa tensión e inquietud
espiritual que se explayan con igual solvencia en pasajes explícitamente
robustos como en otros dominados por una languidez medianamente furiosa. El
grupo está coqueteando ahora con la angustia muscular propio del post-metal=85
y con la intervención vocal del invitado Jorge García, el asunto se adentra en
áreas del sludge (al modo de The Pax Cecilia y el primer maudlin Of The Well).
"PA", con su armazón de dobles guitarras acústicas, brinda una brisa de calma
después de la ominosa tormenta sónica que estremeció el tiempo y el espacio
durante los 9 minutos anteriores, aunque con un aura de brumoso misterio que no
aquieta del todo los fantasmas la inquietud. De este modo, se prepara un
momento de reposo antes de que surja "L-Dopa", pieza que se caracteriza por
volver a explorar los aspectos más gráciles del sonido de Sonnöv en clave de
5/4. El dinamismo que resulta de la actual interacción entre los músicos queda
encapsulado en una arquitectura sobria donde prevalecen ambientaciones
luminosas, un poco juguetonas tal vez. El momento de "CaminamosHacia Amaurota"
es uno de renovadas excursiones en los aspectos más filudos de la banda, al
modo de un retorno sintético a los senderos antes trazados por "Horizonte De
Sucesos" y la segunda mitad de "Será Difícil". En fin, la pieza homónima cierra
el álbum con una plácida calma propia de la melancolía que contempla las
huellas y rezagos de lo vivido: el ruido del goteo de un caño mal cerrado ayuda
a completar el aura de soledad solipsista que se proyecta desde las aleves
armonizaciones de las escalas de guitarra.
En conclusión, solo nos queda repetir que "Hay Una Luz" es uno de los discos
más excitantes de la vanguardia rockera española del presente año: bien vale la
pena descubrir a Sonnöv de una vez por todas, apreciar su manera de combinar
electrizante energía con inquietantes texturas, y esperar que siga creando
estupendas obras de rock experimental a través del futuro próximo.
!Recomendado!
César Mendoza
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Autor: Juan Tambussi <jtambussi@fibertel.com.ar>
Asunto: 2112 - El maravilloso circo de los hermanos Lombardi
El 1ro. de mayo salió nuestro nuevo cd "El maravilloso circo de los hermanos
Lombardi".
Se puede escuchar on line en:
http://2112.bandcamp.com
Saludos desde Buenos Aires
Juan Tambussi
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: PULSÃNICA en vivo - 9 de junio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La banda PULSÓNICA dará pronto un concierto con su actual formato de cuarteto -
Jorge González, Carolina Cohen, Marcelo Tubio y Julián Cusmano.
Sábado 9 de junio
20.00
"Guapachoza"
Jean Jaures 7515 (Abasto - C.A.B.A.)
Argentina
Entrada: $30
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: IAN ANDERSON - "Thick As A Brick 2" (2012)
IAN ANDERSON: "Thick As A Brick 2" (2012)
Temas
DIVERGENCE: interventions, parallel possibilities
Pebbles Thrown
1. From A Pebble Thrown (3:06)
2. Pebbles Instrumental (3:30)
3. Might-have-beens (0:50)
Gerald The Banker
4. Upper Sixth Loan Shark (1:13)
5. Banker Bets, Banker Wins (4:28)
Gerald Goes Homeless
6. Swing It Far (3:28)
7. Adrift And Dumfounded (4:25)
Gerald The Military Man
8. Old School Song (3:07)
9. Wootton Bassett Town (3:44)
Gerald The Chorister
10. Power And Spirit (1:59)
11. Give Till It Hurts (1:12)
Gerald: A Most Ordinary Man
12. Cosy Corner (1:25)
13. Shunt And Shuffle (2:12)
CONVERGENCE: destiny, fate, karma, kismet
A Change Of Horses
14. A Change Of Horses (8:04)
Mulberry Walk
15. Confessional (3:09)
16. Kismet In Suburbia (4:17)
What-ifs, Maybes, Might-have-beens
17. What-ifs, Maybes, Might-have-beens (3:36)
Ian Anderson: flauta, guitarra acústica, voz
Banda de apoyo - John O"Hara (órgano Hammond, piano, teclados), David Goodler
(bajo, glockenspiel), Florian Opahle (guitarra eléctrica), Scott Hammond
(batería, percusión)
Colaboradores ocasionales - Ryan O"Donnell (voces adicionales), Pete Judge
(trompeta, fiscorno, corno tenor, tuba)
Uno de los discos más especiales y controvertidos dentro de los eventos
progresivos del presente año 2012, "Thick As A Brick 2" es un disco destinado a
ser evaluado y examinado por siempre jamás en relación y en oposición a su
brillante antecesor de 40 años atrás, "Thick As A Brick", aquel disco que
Jethro Tull, con su formación de Ian Anderson, Martin Barre, John Evan, Jeffrey
Hammond-Hammond y el recién llegado Barriemore Barlow, grabó como parodia de
los aspectos épicos y grandilocuentes del entonces ya florecido rock
progresivo=85 !y que se convirtió en uno de los discos más emblemáticos del
género! No somos pocos los que consideramos a "Thick As A Brick" como una parte
imprescindible del pináculo definitivo de la historia del rock progresivo, y la
misma gente de Jethro Tull se tomó la idea más en serio con la gestación de "A
Passion Play". Frente a toda esta tradición de un momento espectacular dentro
del variopinta tradición Tulliana, ?qué propósito cumple esta obra solista de
Ian Anderson que se ofrece al mercado fonográfico como secuela de un disco
histórico? Seamos justos con el Sr. Anderson en caso de que nos sintamos
tentados a pensar que se trata de una tentativa por explotar un poco a esta
vieja gallina de los huevos de oro con el solo propósito de buscar nuevos
réditos. Más bien, la idea de este disco surgió de parte de dos viejos amigos
de Anderson de su época con Chrysalis Records, y un poco más tarde, del
ejecutivo y otrora rey de la vanguardia progresiva Derek Shulman: tras una
inicial renuencia ante estas sugerencias, finalmente Anderson se puso a
concebir un concepto para este tributo al 40mo. aniversario de "TAAB",
desproveyendo al personaje Gerald Bostock de su carácter jocosamente ficticio y
convirtiéndolo en un personaje de un pasado real sobre cuyo destino y presente
nada se sabe, solo cabe especular.
Con este esquema conceptual en mente, Ian Anderson utiliza su poética peculiar
para hacerse preguntas en voz alta sobre qué hubiera sido de nuestras vidas si
en ciertos momentos específicos las decisiones importantes que tomamos hubieran
sido distintas a como fueron, o si hubiéramos tenido más suerte o hubiésemos
pasado pro algún infortunio grande: la lógica del "qué hubiera pasado si=85" es
la ilación temática del repertorio de este disco, el cual se divide en dos
grandes secciones, "Divergence" y "Convergence", y sus correspondientes
sub-secciones contienen las canciones individuales (17 en total). Reflexión
crítica, una búsqueda de orden en la secuencia de eventos de nuestra vida,
incertidumbres en torno a las personas que en el pasado nos marcaron de alguna
manera pero que no hemos vuelto a ver en muchísimos años - Anderson hace una
exégesis de la melancolía de la tercera edad (?su propia tercera edad?) a
través de esta "reificación" de Gerald Bostock. Nos parece, de entrada, que la
idea de hacer un repertorio de 17 temas más o menos cortos no es una estrategia
tan útil para realzar el carácter conceptual intencionado para este disco como
sí lo hubiera sido hacer 5 o 6 composiciones de más largo aliento, algo
realmente épico desde la perspectiva progresiva estandarizada. En fin, vayamos
ahora al repertorio en sí.
"From A Pebble Thrown" abre el disco (y la serie "Divergence") con una cita del
inicio del lado B de "Thick As A Brick", la misma que introduce un motivo
central atractivo, al estilo del sobrio colorido de sus discos solistas "The
Secret Language Of Birds" y "Rupi"s Dance"; "Pebbles Instrumental" se engarza
con un filo rockero más pronunciado que nos puede recordar a los días de "Crest
Of A Knave". El disco comienza bastante bien. Después del discurso de
"Might-have-beens" sobre cómo a veces brotan en nosotros preguntas sobre qué
hubiera sido de nosotros si se hubieran dado tales o cuales circunstancias
diferentes a las que efectivamente se dieron, comienza la dupla de "Gerald The
Banker": "Upper Sixth Loan Shark" opera como un preludio acústico para el
dinamismo muscular de "Banker Bets, Banker Wins". Para la sección de "Gerald
Goes Homeless", tenemos a "Swing It Far", un tema que alterna partes tranquilas
con otras más movidas, y a "Adrift And Dumfounded", un tema dominado por una
serenidad contemplativa (al modo de las canciones más lentas de "Roots To
Branches"), aunque también incluye un vitalista interludio rockero: tenemos en
esta canción un momento álgido. Dentro de la sección "Gerald The Military Man",
tenemos una remodelación de la sección militar de "Thick As A Brick" ("I"ve
come down from the upper class to mend your rotten ways") en "Old School Song"
y una nueva reminiscencia de la faceta contemplativa de "Roots To Branches" en
"Wootton Bassett Town", esta vez con un tono crepuscular que se siente más
marcado, y con un manejo delicado de las capas orquestales de teclado que
pueden remitirnos a los tiempos de "Crest" y de "The Broadsword And The Beast".
"Gerald The Chorister" incluye dos piezas muy cortas: un rock lento como "Power
And Spirit" y una cantata juglaresca como "Give Till It Hurts". "Gerald: A Most
Ordinary Man" incluye un ejercicio de ensamble de metales ("Cosy Corner") y una
pieza rockera bastante interesante que podría haberse beneficiado de una mayor
expansión temática ("Shunt And Shuffle"), pues el gancho funciona de una manera
directa. La sección del Gerald militar sobrepasa enormemente a las del Gerald
predicador y del Gerald común y corriente.
La serie "Convergence" comienza con la pieza más extensa del álbum, "A Change
Of Horses", que se erige como la pieza más larga del disco con sus 8 minutos de
duración: retomando el lirismo folk-progresivo de los mejores momentos del JT
90ero y con guiños a lo hecho en "Rupi"s Dance", la pieza maneja bien su
espacio de expansión, lo cual le permite generar un nuevo momento notable
dentro de los cánones del disco. "Confessional", la primera de dos canciones de
la sección "Mulberry Walk", nos retrotrae a la dinámica un tanto desabrida de
"Catfish Rising" en su sección cantada; solo le salva en postludio instrumental
que se enlaza parcialmente con la magia colorida de los clásicos Tullianos
"Songs From The Wood" y "Heavy Horses". La segunda canción de esta sección,
"Kismet In Suburbia", se beneficia de una mayor polenta que "Confessional",
pero también vuelve a confirmar que Anderson no ha sabido explotar de forma
contundente su vena rockera para este proyecto. Incluso en esta canción se
advierte que Opahle aporta sus fraseos más creativos, mas la canción no está
diseñada para darle suficientes espacios de expresión, y ello repercute en que
el colorido rockero se quede a un nivel meramente potencial. "What-ifs, Maybes,
Might-have-beens" cierra el álbum como un reprise de "From A Pebble Thrown"
sazonado con una reconstrucción del último clímax bombástico de "Thick As A
Brick" (aunque con más tirado a lo pastoral que a lo rockero) y el cierre
acústico del mismo disco: la variada estructura de esta canción refleja
cabalmente la dimensión ambiciosa que pudo haberse concretizado en el disco
global y que, en nuestra opinión, quedó como un menú musical cocinado en un
término medio. Y bueno, el cierre con la frase "and your wise men don"t know
how it feels to be thick as a brick 2" sirve para enfatizar (posiblemente, de
forma involuntaria) la ironía inherente a hacer una secuela de "Thick As A
Brick" con una estrategia compositiva que no terminó dando los resultados
esperables... o sea, un nuevo hito especial dentro del legado
Tulliano-Andersoniano.
Ya está en curso una gira de Ian Anderson y su banda de apoyo donde se recupera
la obra original y se promociona esta secuela. Tal vez sea ésta la temporada
para observar y apreciar cómo se curte la valía artística de "Thick As A Brick
2", cómo madura: una cosa es clara, las comparaciones, más allá de lo adorables
u odiosas que sean, serán inevitables de acuerdo a la naturaleza de esta
iniciativa, y nuestro diagnóstico es que se trata de un solvente tributo a la
faceta folklórica que conforma un ingrediente poderoso en el sonido de Jethro
Tull, pero en cuanto a la polenta rockera y la sofisticación melódica, los
logros no son tan notables como hubiera podido esperarse de un compositor que
siempre supo darse maña para explorar las aristas más afiladas de su
creatividad. Es una pena que en este disco, Anderson no haya podido recapturar
la riqueza sónica de su genial "Divinities", o reavivar la magia melódica que
había encontrado espacios muy interesantes de expresión en los más que dignos
discos Tullianos "Crest Of A Knave" y "Roots To Branches", pero tampoco nos
parece desastroso "Thick As A Brick 2": no vale la pena tampoco ponerse
tremendistas ni hacerse mala sangre sin ton ni son. Este disco es,
esencialmente, una buena idea de ingeniería donde varias paredes quedaron con
terraje incompleto y algunas columnas no quedaron del todo refinadas: cabe
agradecer a Ian Anderson por los momentos donde la inspiración es buena, y el
oyente atento sabrá detectarlos desde las primeras escuchas.
[Gracias especiales a mis amigos melómanos Daniel, Jesús y Gabriel por ayudarme
en la formación de esta primera perspectiva personal sobre el disco aquí
reseñado]
Cesar Mendoza
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Autor: Francisco De Paula Lobato Rodriguez <lobatoasis@gmail.com>
Asunto: No_habrá_festival_Lago_de_Bornos
Como bien reza el asunto de este correo, se ha decidido suspender la
edición de 2012 del Festival Lago de Bornos. A través de un escueto pero
claro comunicado en facebook:
http://www.facebook.com/pages/Festival-Lago-de-Bornos-C%C3%A1diz-Spain/365945578421
he recibido la triste noticia que hago extensible a toda la comunidad
progresiva de LCDM.
Las sensaciones son de resignación, por un lado, pero también de
comprensión. La crisis económica que afecta a instituciones, empresas,
familias, etc. no tardaría en devorar este tipo de eventos que tanto
esfuerzo económico requieren, sobre todo por el contexto en que se produce
pues, como textualmente se cita en el comunicado:* Bornos es una pequeña
localidad de la Sierra de Cádiz que, al igual que ot**ros pueblos vecinos,
está sufriendo durísimamente los efectos de la actual situación económica*.
Este año estaré privado de ese día caluroso y veraniego en el que, con el
tiempo justo, mi amigo Miguel y yo partimos en su coche desde Paradas
(Sevilla), hacia la aventura progresiva de un bello pueblo serrano de la
provincia de Cádiz, a disfrutar de los acordes clásicos de grupos
consagrados o de bandas emergentes, en un marco arquitectónico sublime. A
pesar de todo no se nos privará de la esperanza de volver otro año a la
carretera en busca de la senda de la buena música.
Me despido enviando un mensaje de ánimo y aliento a los organizadores y
colaboradores de Festival Lago de Bornos
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