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La caja de musica Number 0997
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #997 agosto 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* CTHULHU RISE - 42 (2012)
* ZONDA PROJECKT en La Nave Cultural - 20 de setiembre
* GA'AN - "Black Equus" (2011)
* LIQUIDARLO CELULOIDE - "Disturbia Ingrávida" (2012)
* QUI - "Qui"
* L'ORCHESTRE SYMPATHIQUE - "En Concert C0 La Grande Passe" (1979)
* GATTO MARTE - "Marte Sulla Luna" (2012)
* Trevor Rabin: "Jacaranda" (2012).
* Alejandro Ochoa: "Deus Piano" (2011).
* Maurizio Di Tollo: "L'UOMO TRASPARENTE" (2012)
* Syndone_-_"La_bella_é_la_bestia" (2012)
* THE ENID - "Touch Me"
* TOE - "The Future Is Now" (2012)
* THE ENID - "In The Region Of The Summer Stars" (1976)
* STABAT AKISH: "Nebulos" (2012)
* GA'AN: "Ga'an" (2009)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: CTHULHU RISE - 42 (2012)
CTHULHU RISE: "42" (2012)
Temas
1. Opus 24 (3:24)
2. Opus 22 (4:17)
3. Opus 23 (5:19)
4. Opus 26 (3:26)
5. Opus 27 (3:51)
6. Opus 19 (4:20)
7. Opus 12 (3:00)
8. Opus 28 (4:18)
9. Opus 29 (4:42)
10. Opus 31 (5:54)
11. Opus 32 (7:03)
Integrantes
- Ivan "S_D" Serdyuk: guitarras
- Stanislav "Beaver" Bobritsky: teclados
- Yury Demirskiy: bajo
- Andy "Gone" Prischenko: batería
Procedente de Ucrania, Cthulhu Rise es uno de los nuevos grupos más
interesantes dentro del medio progresivo de nuestros días. El grupo se fundó
en 2008 con un formato de quinteto que incluía a un vocalista, grabando un par
de demos con esta formación: tras la partida del vocalista, el grupo decidió
seguir adelante como ensamble puramente instrumental. Su bloque sonoro se
sostiene en una confluencia de prog-metal, mathcore y jazz-rock dentro de un
esquema progresivo que es, a la vez, rico en colorido sonoro y desafiante en su
uso de la fuerza como esencia del lenguaje rockero. Su disco debut "42",
terminado de grabar a fines del año pasado después de que se postergaran los
primeros planes de grabarlo en la segunda mitad de 2010, fue finalmente
publicado por Musea en junio de este año: pasamos a reseñarlo a continuación.
"Opus 24" abre el disco con un contundente despliegue de vigor que se enmarca
fehacientemente dentro de un aura de pulcra musicalidad. "Opus 22" y "Opus 23"
refuerzan el proceso de consolidación de la voz musical de la banda, siendo así
que aquél otorga cierto espacio de lucimiento al aporte del bajo a través del
entramado grupal, mientras que éste aumenta la dosis de polenta en aras de
robustecer aún más la de por sí electrizante dinámica sonora de la banda,
acercándolo al paradigma de Planet X. Esta misma descripción podrá ser válida
para "Opus 12". Mientras tanto, "Opus 26" da un cierto relieve especial al
elemento jazzero en la mayor parte de las cadencias rítmicas que se desarrollan
en él, dentro de la omnipresente explosividad rockera, al modo de una cruza
entre CAB y Cynic; esto es algo que reencontraremos pletóricamente en "Opus
28". Por su parte "Opus 27" se vuelve a sostener sobre un balance bien cuidado
entre lo metalero y lo jazz-rockero, portando un swing muy parecido al de "Opus
22". "Opus 19" regresa a la sofisticación más versátil que antes hallamos en
"Opus 26", logrando crear coloridos y bien reguladas variaciones de ambientes a
través del obviamente articulado desarrollo temático. "Opus 29" es una pieza
donde el sintetizador ocupa especial protagonismo en la amalgama instrumental,
luciendo un extenso solo de intensos ribetes psicodélicos que se impone como
una ráfaga de truenos en medio de la aparatosa tormenta sónica gestada por los
demás instrumentos. "Opus 31" porta bastantes herencias de las atmósferas
inagotablemente incendiarias de "Opus 23" y "Opus 12". Ocupando los últimos 7
minutos del album, "Opus 32", que resulta ser el tema menos apabullante del
álbum. De hecho, la estructura fluida de su claridad melódica y el manejo que
se hace de su inherente expresividad ubica a la banda en una especie de
encrucijada entre los paradigmas de Kenso y Tribal Tech: así pues, para el
momento de la despedida, el ensamble decide lucir la faceta más sinfónica de su
perennemente vibrante visión musical.
"42" es un disco potente e intenso, prácticamente no concede descanso en cuanto
a despliegue de energía y aparatosa vitalidad, pero también saca a relucir
continuamente su candor melódico. Cthulhu Rise se luce como uno de los
debutantes más llamativos dentro del escenario progresivo de 2012. Cabe añadir
como punto final que el grupo se mantiene en un momentum creativo único,
grabando y pre-produciendo nuevo material para un pronto segundo disco mientras
articula su agenda de conciertos.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ZONDA PROJECKT en La Nave Cultural - 20 de setiembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo progresivo argentino ZONDA PROJECKT tocará en vivo el jueves 20 de
setiembre, a partir de las 21.30
El lugar del evento será La Nave Cultural, en la localidad argentina de
Mendoza (la banda es de allí).
Dirección: cruce de Av. España y J.A. Maza
Entrada general: $30 / estudiantes y jubilados: $25
ZONDA PROJECKT son: Tuti Vega (batería), Erni Vidal (bajo), Federico Prieto
(guitarra), Sebastián Scala (teclados)
Invitado para el concierto - Alejandro Marangoni (flauta traversa)
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: GA'AN - "Black Equus" (2011)
GA'AN: "Black Equus" (2011)
Temas
1. Arms They Speak (9:54)
2. Servant Eye (8:35)
3. Call Of The Black Equus (18:44)
Integrantes
- Lindsay Powell: voz, piano eléctrico, sintetizador
- Seth Sher: batería
- Tyson Torstensen: sintetizadores, bajo, sintetizador bajo, piano eléctrico
Ga"an vuelve al ruedo tras una breve crisis que sufrió poco tiempo después de
la edición de su casete (y LP) homónimo en 2009 dentro del circuito undeground
de Chicago. El mencionado trabajo debut llamó la atención dentro de los
círculos musicales independientes, pero el grupo sufrió la deserción del
teclista y el bajista del cuarteto original: el baterista Seth Sher y la
vocalista Lindsay Powell reformaron el grupo como trío con el ingreso del
teclista/bajista Tyson Torstensen, siendo así que la misma Powell también toca
teclados dentro de este nuevo formato. Con un par de nuevas composiciones y una
nueva versión de uno de los temas que formó parte del disco debut, el grupo
logró editar el estupendo segundo trabajo "Black Equus", el cual disfruta de
una producción de sonido más robusta. Reseñamos el disco acto seguido.
Durando casi 10 minutos, "Arms They Speak" refleja un vigor cálido e intenso
que se agita como una colorida fuerza de la naturaleza, la misma que se
articula dentro de un encuadre sonoro donde la inteligencia de la arquitectura
y la orgánica vibración del espíritu vanguardista se unen en una única fuente
sónica. La ingeniería desarrollada por la dupla rítmica es impecable, haciendo
que la tensa oscuridad del expansivo desarrollo temático adquiera cierta aura
mística. "Servant Eye", tema retomado del repertorio del disco debut, sigue a
continuación para llevar el espíritu del disco hacia una dimensión un poco más
siniestra. Esta nueva versión porta una garra mejor focalizada que la original,
lo cual repercute en que al aura de inquietud inherente al esquema compositivo
del tema sea manejado con ágil y mayestática soltura. La huella Magmiana en el
ideario musical de la banda se manifiesta aquí sin disimulo de ningún tipo,
mientras que se hacen notar también ciertas afinidades con el estándar de
Univers Zero y la dimensión épica del krautrock sintetizado. La suite "Call Of
The Black Equus" cierra el concepto del álbum de una manera magnífica. El
asunto comienza con un aire de grisácea majestuosidad donde las capas y
cadencias de los sintetizadores elaboran una densidad cósmica muy efectiva en
cuanto a crear una espiritualidad expectante, a medio camino entre la
invocación a alguna fuerza trascendente y la contemplación del orden del
universo. Una vez que entra a tallar la batería, se empieza a preparar el
camino para que el primer cuerpo central se instale a paso firme: la
espiritualidad expectante permanece pero se va tornando más extrovertida. Poco
antes de llegar a la barrera del séptimo minuto, emerge una secuencia de dos
nuevos motivos sucesivos, diseñada para explorar nuevas atmósferas dentro del
microcosmos de estilizada densidad vanguardista que se impone. El primero de
estos motivos tiene dos minutos de duración, portando un esquema instrumental
marcado por una sequedad fácil de notar aunque no abrumadora, y sobre todo,
conservando íntegramente el talante distinguido; el segundo motivo surge con la
intención de emitir un mayor grado de fuerza expresiva al asunto, siguiendo
claramente los patrones del Magma del "Mekanïk Destruktïw Kommandöh" y del
primer Eskaton, pero con esa dimensionalidad electrónico-psicodélica tan propia
del trío. Cerca de la barrea del duodécimo minuto, surge un nuevo núcleo
temático donde el grupo revive la exquisita brujería sónica que tan buenos
réditos había dado anteriormente en "Arms They Speak", incluso potencializando
su musicalidad hasta llevarla a un gallardo clímax rebosante de contundente
luminosidad.
Resumiendo como conclusión, "Black Equus" es un disco que tiene todo el
merecimiento para ser valorado como un referente importante para darle sentido
a la preservación de la experimentación rockera radical en los Estados Unidos
en lo que va del nuevo milenio. Ga"an es un nombre a ser anotado y subrayado en
cualquier ambiciosa agenda de compras progresivas.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LIQUIDARLO CELULOIDE - "Disturbia Ingrávida" (2012)
LIQUIDARLO CELULOIDE: "Disturbia Ingrávida" (2012)
Temas
1. En El Lenguaje De Las Tormentas (2:57)
2. Altar A La Tecnología Intuitiva (7:10)
3. Lógica En La Naturaleza De Lo Imposible (2:31)
4. Bengalas a Medianoche (3:00)
5. Fruto Del Bien, Árbol Del Mal (8:02)
6. Vida Nocturna De Un Pueblo Fantasma (7:05)
7. Fosforescencias Más Allá De La Luz (11:43)
Integrantes
- Juan Diego Capurro: teclados y procesos electrónicos
- Javier "Chuti" Manrique Corzo: guitarra eléctrica
- Alfonso Vargas: batería
Formado en 2003 como vehículo de expresión musical para el sintetista y artista
gráfico Juan Carlos Capurro, Liquidarlo Celuloide es ya un nombre importante
dentro de la vanguardia limeña. "Disturbia Ingrávida" es el ítem fonográfico
que la banda ofrece en el año 2012, conformando el séptimo de su trayectoria.
Con el paso del tiempo, la línea de trabajo de Liquidarlo Celuloide pasó desde
la electrónica abstracta de tenor incidental y ambiental hasta una filuda
demostración de vigor rockero excéntrico y abstracto basado en una confluencia
de noise-rock, psicodelia e improvisaciones deconstructivas bajo un esquema
sónico decisivamente aguerrido. El ensamble logra con "Disturbia Ingrávida"
reforzar las raíces de su evolución hacia sonoridades más agresivas que ya se
había plasmado cabalmente en sus dos discos de 2010 "Cruzyficción Monosódica" y
"Sinapsis", logrando simultáneamente crear un híbrido de los espíritus
dominantes de ambos discos y potencializar los mencionados espíritus en aras de
revitalizar su radical ideología estética.
"En El Lenguaje De Las Tormentas" es un prólogo de casi 3 minutos de duración
cuya aleatoria amalgama de ornamentos de sintetizador, guitarra y platillos
prepara el terreno para el auge de "Altar A La Tecnología Intuitiva", pieza que
se articula en torno a un infernal caos surrealista sobre una parsimoniosa
cadencia de la batería: bajo esta arrolladoramente amenazante arquitectura
sónica, el ensamble celebra y deconstruye a la vez el rol del ruido dentro del
rock. Otras dos piezas sucesivas de corto aliento, "Lógica En La Naturaleza De
Lo Imposible" y "Bengalas a Medianoche", se encargan de asentar y afianzar el
ambiente general de lisérgica inquietud y oscuro misterio que inunda el disco:
"Lógica En La Naturaleza De Lo Imposible" está armada sobre un efectivo juego
de síncopas principalmente marcado por los efectos cibernéticos en curso,
mientras que "Bengalas a Medianoche" establece una apabullante mezcla de kraut
(al modo de un bizarro híbrido de Faust y Ash Ra Tempel) y post-metal (el
guitarreo parece retratar gigantescas nubes que flotan en un paisaje irreal).
Acto seguido emerge "Fruto Del Bien, Árbol Del Mal", un viaje de 8 minutos de
duración dividido en dos secciones. En él, la gente de Liquidarlo Celuloide
explora y ensancha los confines más osadamente abstractos de su propuesta
musical, haciendo de la deconstrucción, más que una simple posición estética,
un auténtico modo de sentir el impacto de la angustiante fiereza del mundo
contemporáneo en la psique humana. Los legados de Kluster y Klaus Schulze
adquieren un renovado vigor en manos de Capurro y co. "Vida Nocturna De Un
Pueblo Fantasma" no emerge precisamente para apaciguar el impacto de las
electrizantes llamas de esta aventurera dimensionalidad abstracta que el grupo
genera a través de su propuesta rockera: por el contrario, debido a que
contiene en buena parte enfoques rítmicos más definidos (desde lo machacante
hasta lo sutil), la oportunidad está dada para que las vibraciones opresivas
inherentes a la esencia de LC se incrementen en proporción geométrica. Los
momentos finales sirven para retomar los ecos del cerebralismo desafiante que
con tanta liberalidad se había desarrollado en "Fruto Del Bien, Árbol Del Mal".
Durando más de 11 minutos y medio, "Fosforescencias Más Allá De La Luz" cierra
el álbum con un aura reposada inicial que no oculta la arrebatadora tensión
emocional de trasfondo. El carácter constreñido de la primera mitad mantiene
una pertinente aureola contemplativa desde la que la banda sustenta una
atmósfera de expectativa a través de la opresivamente minimalista bruma sonora
que se explaya ceremoniosamente a través del espacio. La segunda mitad se
concentra en una suspensión misteriosa de abstracciones cibernéticas, un nuevo
ejercicio de tensión aleatoria que revela un colorido más variado en recursos
que el mostrado en las piezas anteriores del repertorio; de este modo, el disco
redondea su círculo temático de forma coherente sin perder el sentido de la
sorpresa.
Lo que hace Liquidarlo Celuloide con este es instaurar un sólido emblema de una
de las potencialidades más interesantes de experimentación rockera que se hacen
en el underground peruano contemporáneo por el lado del noise y la psicodelia,
una labor de asimilación de nuestros tiempos modernos y a la vez de desafío
frontal contra las pautas convencionales del arte y la música. "Disturbia
Ingrávida" tiene que ser una de las instalaciones sonoras más relevantes de la
vanguardia peruana en este año 2012.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: QUI - "Qui"
QUI: "Qui" (2008)
Temas
1. Puyol (8'20)
2. Mimique (4'48)
3. Minamo Ni Tsuki (8'59)
4. Dachou No Uta (5'55)
5. Jirou (10'36)
6. Astratto (9'55)
Integrantes
- Takashi Hayashi: guitarras
- Kazuo Yoshida: flautas, saxofón
- Naoyuki Seto: bajo
- Dan Yoshikawa: batería
- Takashi Itani: percusión
Qui es un grupo japonés formado bajo la iniciativa del guitarrista Takashi
Hayashi con la meta de crear música de jazz-fusión con inclinaciones
progresivas. Tras un disco debut titulado "Prelude" del año 2006 con el formato
de trío, la banda se amplió a quinteto para su homónimo segundo álbum, el cual
data de 2008. "Qui" permitió a la banda darse a conocer más a fondo en el mundo
de internautas progresivos, e incluso logró hacerse presente en una de las
ediciones del ProgDay. Reseñamos este disco en cuestión como introducción a la
visión musical de Qui.
"Puyol" abre el álbum con tonalidades amables sobre un continuo compás de 5/4:
las alternancias de la flauta y la guitarra en el frente protagónico permiten a
la banda organizar variaciones de ambientes dentro del básico esquema
compositivo de la pieza. "Mimique" se enfila hacia una atmósfera aún más
calmada, al modo de una cruza entre el Focus introspectivo y un Metheny de
actitud intimista: el enfoque calculadamente suave de la dupla percusiva y la
base armónica armada por la guitarra acústica sustentan una consistente aureola
pastoral para el desarrollo temático. "Minamo Ni Tsuki" reitera este interés
por climas introvertidos y reflexivos pero bajo una armazón rítmica un poco más
ágil, con un swing fusionesco moderadamente animado que permite al grupo
reciclar efectivamente el colorido exhibido en el primer tema del álbum. Con
"Dachou No Uta", las cosas se ponen más energéticas y vivaces de manera
frontal. La guitarra emplea algunos recursos psicodélicos en varios de sus
fraseos y el saxofón entra a tallar para revitalizar el rol de los vientos
dentro del esquema global, algo exigido por el sofisticado frenesí rítmico
sobre el que se arma el jam. Así las cosas, es el momento idóneo para que
"Jirou" revele las aristas más experimentales de la banda: empezando con un
extenso prólogo aleatoriamente abstracto, el cuerpo central se desarrolla como
un robusto ejercicio de free-jazz enmarcado en un esquema progresivo donde lo
psicodélico y lo jazzero se mezclan con una fluidez excepcional. Realmente es
como si el grupo se hubiera transformado en otro distinto después del ecuador
del disco, y por si acaso no había quedado clara la idea, "Astratto" entra a
tallar para reforzar estas inquietudes por las exploraciones jazz-rockeras. En
todo caso, la aureola sonora de "Astratto" porta menos tensión que la de
"Jirou" a pesar de que a todas luces recibe su impacto, y más bien se conecta
con la vibración exquisita del Mahavishnu Orchestra original (con flauta en vez
de violín) y el vigor peculiar del Weather Report de la era Pastorius. A través
del viaje instrumental en curso, el bajo y la batería cuentan con sus
respectivos espacios para el lucimiento solista.
Muy buen disco es "Qui" y una muy buena banda es Qui: este ensamble japonés
hará las delicias de los amantes del jazz-rock contemporáneo, de la vanguardia
progresiva y de ambas vertientes musicales. En cuanto a los niveles de
creatividad musical, pasión y pulcritud, todos ellos son lo suficientemente
elevados como para colocar a la banda en un lugar destacado dentro de la
avanzada japonesa actual.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: L'ORCHESTRE SYMPATHIQUE - "En Concert C0 La Grande Passe" (1979)
L'ORCHESTRE SYMPATHIQUE: "En Concert - La Grande Passe" (1979)
Temas
1. Citronade (7:59)
2. Houmalaya (10:10)
3. Des Lacs, Des Riviéres, Des Ruisseaux (5 :53)
4. Perpétuel Balouba (8:30)
5. Biplane (7:32)
Integrantes
- Jean Vanasse: vibráfono, percusión
- Fransois Richard: flauta, piano
- Warren Stolow: bajo
- Mathieu Léger: batería
L'Orchestre Sympathique era un grupo quebequense que emergió de las cenizas de
Lasting Weep, al igual que Maneige, pero a diferencia de éstos, nunca logró
concretizar un contrato de grabación. Teniendo que lidiar con esta frustración
año tras año a pesar de que su continua actividad en festivales de jazz y
música de vanguardia los mostraba como una banda que tenía algo importante que
ofrecer al mercado fonográfico, al final decidieron organizar un concierto en
el que la compra de la entrada garantizaba la adquisición del disco a ser
grabado en el evento: de ahí sale "En Concert C0 La Grande Passe", el único
trabajo oficial que el grupo llegó a grabar antes de separarse. La portada
habla por sí misma: el esqueleto de un dinosaurio escuchando un gramófono muy
maltrecho, una clara parodia del logo de Grammophon. Yendo a la música misma,
cabe decir que el estilo de L"Orchestre Sympathique se basa ampliamente en las
influencias del legado fusionesco (Return To Forever, Weather Report) y de las
vertientes más profundamente jazzeras del Canterbury, siendo así que las
confluencias con el Maneige de la etapa 77-80 se traslucen también con bastante
claridad. Pasamos a reseñar este disco a continuación.
"Citronade" da inicio al disco con una frontal exhibición de frescura melódica
y rítmica, con una flauta que asume con fuerza de carácter el liderazgo lírico
del desarrollo temático del motivo central. El asentamiento del mismo es sólido
y coherente, pero el grupo no se cierra a la idea de elaborar variantes, como
demuestra la introducción de un bastante dinámico interludio de tenor
Latin-jazz que le sirve a la banda para explorar ciertos matices de alegre
extravagancia dentro del esquema de la pieza. Tras este explícitamente colorido
punto de inicio, "Houmalaya", pieza que se extiende por un espacio de más de 10
minutos, sirve de pretexto para que la banda explore una gama más amplia de
recursos expresivos. De hecho, quedan como constantes la garra extrovertida de
los esquemas rítmicos empleados y la pulcra explotación de las tonalidades y
vibraciones de la flauta, pero sobre todo se nota una mayor liberalidad en la
creación de diversos motivos (incluyendo influencias Zappianas en algunos de
ellos), lo cual obliga al cuarteto a focalizarse especialmente en la ilación de
tales motivos: se incluye un solo de batería dentro del proceso. Iniciando la
segunda mitad del álbum, "Des Lacs, Des Riviéres, Des Ruisseaux" baja un poco
el ritmo de la expresividad esencial de la banda en aras de articular una
orientación más reflexiva para el esquema grupal. El vibráfono logra
encuadrarse en un rol más protagónico que antes, y también hay un hermoso solo
de bajo donde Stolow plasma lo que parece ser la influencia de Alphonso
Johnson. Tras un preludio de caos free-form, "Perpétuel Balouba"; a pesar de
que en algún momento realiza uno de sus habituales solos fantásticos de flauta,
Richard se concentra mayormente en el piano, lo cual permite al vibráfono y al
bajo elaborar diálogos que enriquecen la base compositiva. Las afinidades con
el Zao post-75 y Pierre Moerlen"s Gong son fáciles de notar. El disco se cierra
con "Biplane", tema de tendencia introspectiva donde la flauta vuelve a ocupar
el protagonismo indiscutido: de hecho, la pieza se estructura en torno a un
dueto de flauta y bajo en donde la arquitectura melódica se asienta de una
manera precisa a la hora de explayarse en el ambiente melancólico creado para
la ocasión.
Este disco de L"Orchestre Sympathique ha sido redescubierto por el sello
ProgQuébec en 2006: para los coleccionistas de la música progresiva y
fusionesca de "aquellos años 70s", esta reliquia será una gozada total, no nos
cabe duda.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: GATTO MARTE - "Marte Sulla Luna" (2012)
GATTO MARTE: "Marte Sulla Luna" (2012)
Temas
1. Dagon (3:51)
2. Il Cacciatore Di Farfalle (6:52)
3. Il Parruchhino (3:15)
4. Sinfonia No.1 (Notturno) (3:15)
5. Kindering (3:29)
6. Sinfonia No.2 (Vento Di Libeccio) (3:21)
7. Cthulhu (4:53)
8. Hotel Plaza (4:55)
9. Megavalse (4:55)
10. Honky Tonky (5:42)
Integrantes
- Nino Cotone: violín
- Maximilian Brooks: piano
- Ben Newton: teclados, acordeón, fagot
- Pietro Lusvardi: contrabajo
- John Sheperd: guitarras
- Rob Bellamy: batería
El ensamble italiano Gatto Marte vuelve al ruedo fonográfico en este año 2012
con un disco bastante exquisito titulado "Marte Sulla Luna". Se trata del
octavo ítem a cargo de este ensamble italiano formado a mediados de los 90s en
torno al formato de cuarteto de piano-violín-contrabajo-fagot con la misión de
crear un estilo ágil de chamber-rock que se tomara en serio las influencias del
RIO francófono así como de la fusión, el folk y el avant-jazz. "Marte Sulla
Luna" es también el primer disco de la banda sin el fagotista original Giuseppe
Brancaccio, pero para eso está Ben Newton, quien también toca acordeón y
teclados adicionales. Con la adición de un guitarrista y un baterista, el
ensamble concretiza una sonoridad muy pletórica, y de hecho, se trata de uno de
los trabajos más íntegramente líricos que ha hecho la banda hasta ahora. Lo
reseñamos detalladamente a continuación.
"Dagon" abre el disco con un colorido y un vigor notables, siendo así que el
violín ocupa un rol vitalmente protagónico en el diseño del cuerpo central de
la composición; el clímax conclusivo guiado por la guitarra es tan llamativo
que nos deja un poco con la miel en los labios al no ser un poco más extenso,
pero el fondo no importa, pues "Il Cacciatore Di Farfalle" emerge para
llevarnos hacia senderos de musicalidad muy diferentes, llenos de una calidez
cautivadora que mucho tienen que ver con el fastuoso sinfonismo de la tradición
italiana y muy poco con las habituales capas de oscuridad y densidad que
abundan en el chamber-rock. Siguiendo por el camino de la pura calidez, "Il
Parruchhino" nos recuerda más al Isildur"s Bane de la época de "The Voyage",
con ese sentido de la exquisitez bien llevado a través de la intensa pero
delicada armonización en el diálogo establecido por los instrumentos. Por su
parte, "Sinfonia n.1 (Notturno)" asume una aureola más grisácea, levemente
inquieta (a lo Kronos Quartet), basándose en el desarrollo de una atmósfera
moderadamente densa, mientras que "Kindering" elabora un clima más juguetón, el
mismo que es manejado con serenidad bajo la guía del piano. Estos dos temas
tienen en común el realce que se da a las cadencias de inspiración jazzera
desde la dupla rítmica. "Sinfonia No.2 (Vento Di Libeccio)" retoma el espíritu
de la "No. 1" y la revitaliza con una agilidad sinfónica realmente deliciosa:
se puede decir que con la secuencia de estas tres piezas, el álbum llega a un
cénit contundente. Cuando emerge "Cthulhu", el ensamble echa mano de su faceta
más densa para armar un juego de claroscuros sonoros bastante inspirado: las
confluencias con los idearios musicales de Yugen y Ske son fáciles de advertir
en esta situación, lo cual es un indicio de lo pertinente que es contar con una
pieza de tanto carácter inmediatamente después del mencionado cénit. "Hotel
Plaza", por su parte, suena a una amalgama de las atmósferas y ambientes de los
temas segundo y tercero: a través de su refinada arquitectura melódica, el
motivo central destila una candidez envolvente y cautivadora. "Megavalse" sigue
en su base compositiva el esquema de un vals sinfónico, recurriendo nuevamente
a las aristas densas de la banda: las afinidades con Univers Zero y el After
Crying pre-"De Profundis" son rápidamente apreciables. "Honky Tonky" cierra el
disco con un ejercicio de música de cabaret alimentado con una cierta aureola
circense que es manejada con la suficiente sobriedad como para el humor
reinante no se haga farsesco: parece que ésa es la idea, especialmente cuando
algunos pasajes plagados de una cálida ceremoniosidad sinfónica también entran
a tallar. El empleo de tonalidades blueseras en ciertos fraseos de la guitarra
es un truco muy curioso dentro de este contexto. Atención a la coda minúscula
que surge tras unos segundos de silencio, lo cual hace que la idea humorística
se redondea con travieso ingenio.
Reiteramos que "Marte Sulla Luna" es un disco hermoso y exquisito, y como tal,
merece ser apreciado como una de las joyas progresivas más notables del
presente año 2012. También puede ser una ocasión óptima para que los neófitos
entren en el mundo musical de Gatto Marte.
César Mendoza
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Autor: Eduardo Norris <laleynorris@yahoo.com.ar>
Asunto: Trevor Rabin: "Jacaranda" (2012).
Trevor Rabin: "Jacaranda" (2012).
Temas:
1. Spider Boogie (0:52)
2. Market Street (5:33)
3. Anerley Road (7:14)
4. Through the Tunnel (5:52)
5. The Branch Office (2:06)
6. Rescue (3:56)
7. Killarney 1 & 2 (3:53)
8. Storks Bill Geranium Waltz (1:03)
9. Me and My Boy (3:13)
10. Freethought (2:14)
11. Zoo Lake (4:08)
12. Gazania (3:11)
Personal:
- Trevor Rabin: todas las guitarras, bajos y teclados; composiciones, arreglos
y produccion.
- Tal Wilkenfeld: bajo electrico (3).
- Vinnie Colaiuta: bateria (2, 4).
- Lou Molino III: bateria (3, 10).
- Ryan Rabin: bateria (5, 9).
- Liz Constantine: voces (6).
Empecemos diciendo que este es un gran disco. Digamos tambien que esta
obra esta muy lejos de aquellos sonidos que otrora han destacado a este
talentoso musico, ya sea en su epoca en Yes o de sus trabajos solistas de
los ochenta.
Atras quedo la imagen del guitar-hero-adolescente que le hemos conocido a
Trevor Rabin: aqui hay madurez y calidad compositiva e intrepretativa que
en Yes apenas comenzo a aflorar. En este "Jacaranda" se combinan la
exquisitez, el brillo, el virtuosismo y la inteligencia incluso a la hora de
los arreglos y de la produccion en tan solo 12 temas que no llegan a los 44
minutos en su totalidad. Suficiente, aunque por ahi queden ganas de seguir
escuchando mas.
Un trabajo totalmente instrumental. Apenas se lo oye a Rabin exhalar algun
gesto de placer en uno u otro tema, pero nada mas. Considero que eso es un
punto muy positivo, y no porque el sudafricano tenga mala voz, sino todo lo
contrario: es un buen cantante, pero siempre se destaco mas por sus
cualidades como multi instrumentista, y aqui lo demuestra con creces.
Sobre el disco en si, convendria dividirlo por la mitad: los cinco
primeros tracks bien podrian estar conectados a manera de obra casi
conceptual con muchisima potencia y grandes bases ritmicas, con "Spider
Boogie" como simpatico prologo en donde Trevor expresa en menos de un
minuto que sus virtudes en las guitarras acusticas y electricas siguen
intactas. "Market Street", tema que le hubiera sentado muy bien a Yes,
demuestra que Rabin no ha olvidado sus raices dentro del rock, con un gran
trabajo de Vinnie Colaiuta (Chick Corea, Frank Zappa, Joni Mitchell, Jeff
Beck, Sting y la lista sigue). "Anerley Road", con una intro a lo Wes
Montgomery, da la bienvenida a una gran y joven bajista, Tal Wilkenfeld
-Jeff Beck (Escuchar el gran disco "Emotion & Commotion", tambien con V.
-Colaiuta), Eric Clapton, Allman Brothers Band; gran revelacion en el jazz
-y la musica fusion-, en el unico tema "largo" del disco, lleno de
-pasajes introspectivos. "Through the Tunnel", con un comienzo muy suave, es
-en mi opinion una oda a Mahavishnu Orchestra y un gran homenaje a su
-admirado John McLauglin, uno de los puntos mas interesantes del registro,
-con un tremendo Colaiuta que se sale por tocar 'a lo Cobham'. Hay algunos
-fraseos muy propios de musica de peliculas de accion -genero que Trevor
-no desconoce, como todo fan de este musico sabe-, pero nunca abusa de
-ellos, a lo que tenemos que estar una vez mas agradecidos. "The Branch
-Office", tema que aparenta ser solo cuerdas y piano, gratamente introduce a
-Ryan Rabin -su hijo- en la bateria en forma breve, demasiado breve para mi
-gusto.
"Rescue", tema que Trevor compuso para la pelicula "The Guardian", es en mi
opinion lo menos relevante del disco. Correctamente interpretado por una
Liz Constantine, cuya voz fue bien acolchonada por teclados y con una intro
y final hechas por una potente y a la vez discreta guitarra electrica, no
pasa de lo anecdotico, aunque fuerza decir que, en materia de soundtracks
para peliculas, Rabin demuestra que sabe del oficio como uno de los
mejores.
Sacando "Me and my boy", un tema casi pop-rock mezclado con fusion
(Tambien, con su hijo Ryan), el resto de las composiciones van mas hacia
la exploracion intimista con aproximaciones hacia la musica clasica
("Killarney 1 & 2", "Gazania") y el jazz ("Freethought", "Zoo Lake"), todos
brillantemente ejecutados y arreglados. Prestar especial atencion al piano
de "Killarney", en un estilo muy 'a lo Wakeman', una pequeC1a pieza que
realza la capacidad de este musico en los teclados y en la amplia paleta
sonora que cruza por su cabeza. Una delicadeza.
Los aC1os que sucedieron desde el notable y no muy valorado "Talk" hasta la
fecha no han sido en vano. Rabin ha cultivado una gran capacidad de trabajo
en base a sus aportes a la produccion de musica de peliculas y eso se
evidencia en la gran calidad del presente trabajo. Gran regreso y muy
recomendable tanto para fans de este musico como a los de Yes o
simplemente para aquellos que quieran disfrutar de una obra en donde
mayormente predominan guitarras acusticas y electricas por igual y con un
increible buen gusto. Muy bueno.
Eduardo Norris
Rafaela, Santa Fe, Argentina
Agosto 2012
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Autor: Eduardo Norris <laleynorris@yahoo.com.ar>
Asunto: Alejandro Ochoa: "Deus Piano" (2011).
Alejandro Ochoa: "Deus Piano" (2011).
Temas:
1. Mas alla (en algun lugar) (3:52)
2. Conversaciones de mañana (5:17)
3. Adagio para clarinete y piano (3:09)
4. Lagrimas de estrellas (3:53)
5. Siglo veintiuno (3:23)
6. Sin olvidos (5:42)
7. You know my people (4:42)
8. Deus Piano (Viaje sin retorno) (3:36)
9. Bonus track: 02 (5:03)
Musicos:
- Alejandro Ochoa: piano, cuerdas (electric piano), excepto en 6;
composiciones, arreglos, produccion y direccion musical.
- Diego Valsagna: piano (5, 6), cuerdas (electric piano - 2, 5), arreglos,
produccion y direccion musical.
- Sebastian Feck: contrabajo (2).
- German Morales: guitarra acustica (2).
- Ana Coronel: clarinete (3).
- Jonatan Santillan: violin (5).
- Juan Ignacio Fenoglio: cuerdas (electric piano - 8), programacion,
- sampler y efectos sonoros en todos los temas.
- Ariel Tolosa: guitarra electrica y piano (9), programacion, sampler y
efectos sonoros en todos los temas, arreglos, produccion y direccion
musical.
Sello independiente.
Una verdadera sorpresa para este escriba: un musico de Rafaela (Nacido en
Tancacha, Cordoba) ofreciendo de manera autodidacta -y con cierto riesgo-
su primer trabajo, lleno de imagenes y matices hechos con delicadeza y buen
gusto.
Se puede decir que este es un trabajo que va por varios caminos que se
cruzan, entre los que podemos mencionar la musica clasica ("Adagio para
clarinete y piano", "Sin olvidos"), el new age ("Lagrimas de estrellas",
"You know my people") y el rock progresivo con aires floydianos ("Mas alla
(en algun lugar)", "Deus piano"), con el claro concepto de transmitir un
mensaje placido, diafano, lejos de toda estridencia y con una clara
honestidad de quien se juega por transmitir lo mejor de si.
Los que acompaC1an a Alejandro son reconocidos musicos locales que se
encargaron en gran parte de ayudar en los impecables arreglos que aqui se
demuestran. Todos se desempenan admirablemente, aunque debe destacarse el
maestro Diego Valsagna, gran y sensible pianista si los hay por estos lares.
Un muy buen punto de partida es este "Deus Piano", disco que abre la
posibilidad de futuras obras que nos traigan mas deleites sonoros y que
demuestren aun mas afianzamiento por parte de A. Ochoa en sus
composiciones.
Muy bueno.
www.myspace.com/deuspiano
deuspiano@hotmail.com.ar
Eduardo Norris
Rafaela, Santa Fe, Argentina
Agosto 2012
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Maurizio Di Tollo: "L'UOMO TRASPARENTE" (2012)
Maurizio Di Tollo: "L'UOMO TRASPARENTE" (2012)
Discografica: BTF - AMS
Songs / Tracks Listing
1. L'Uomo Trasparente (2:36)
2. Tannhauser (6:54)
3. Pioggia Sulla Memoria (6:05)
4. La Curva Dei Pitosfori (5:58)
5. Io Sono Quel Cespuglio (3:06)
6. Casomai (3:38)
7. Pioggia Ripresa (3:34)
8. La Poesia Della Carne (6:37)
9. Milioni Di Occhi Al Cielo (5:13)
10. I Topi Saranno I Vincitori (6:43)
Line-up / Musicians
- Maurizio Di Tollo / vocals, piano, drume, percussion, synthesizer,
Mellotron, glockenspiel, Hammond, Taurus Bass, effects, Moog, electric piano
- Agostino Macor / Moog, effects
- Christian Marras / bass
- Laura Marsano / guitar
Guest musicians:
- Ksenja Laginja / spoken word (1, 4, 8)
- Alessandro Corvaglia / backing vocals (2)
- Andrea Moretti / flute (2, 8)
- Rossano Villa / piano, Rox Strings Quartet (2, 6, 9)
- Michele Savino / piano (6)
- Matteo Casu acoustic guitar (9)
Pongámonos en situación, Maurizio Di Tollo es un multistrumentista italiano
conocido por ser el batería de la banda La Maschera di Cera, pero tambien
de Moongarden, The Watch, Höstsonaten y los Rohmer de Fabio Zuffanti. Pues
bien este 2012 se atreve a montarselo en solitario, con este album
conceptual titulado "L'uomo trasparente", un trabajo sorprendente donde
Mauro nos ofrece su faceta mas versátil, desde la de cantante hasta la de
teclista, acompañado de Laura Marsano (QUASAR) a la guitarra y algunos
componentes habituales de LMDC, como Agostino Macor con el Moog y efectos,
a la flauta en el segundo y ocatvo tema Andrea Monetti
Los 10 temas que componen este disco surcan terrenos desde el Neo
progresivo mas moderno (IQ, Clepsydra), la melancolía propia del prog
italiano (Celeste, y los teclados electrónicos y vanguardistas a lo
Vangelis o JM Jarre. Abundante solos de piano, saturación agradecida de
atmósferas minimalistas, un toque de space-rock, narraciones en tono
poético a cargo de Ksenja Laginja, conocida artista genovesa en el campo
musical y visual que interviene en tres temas (1, 4 y 8).
De este calibre tenemos para mi un tema que reúne lo anteriormente
descrito, se trata de "La Poesia Della Carne" con un toque electrónico en
los sintetizadores que me recuerda a Vangelis, Andrea Moretti aporta su
particular forma de tocar la flauta y la guitarra de laura que hace
recordar a Lele Hofmann de Clepsydra.
Curioso también ese tono de voz a lo Franco Battiato que imprime Maurizio
Di Tollo, especialmente en los temas "La Curva Dei Pitosfori", "Casomai" y
"Milioni Di Occhi Al Cielo", no puedo dejar de mencionar "Tannhauser" un
tema precioso con reminiscencias al neo moderno de IQ.
En definitiva Mauro nos ofrece un gran trabajo poetico electrónico neo
progresivo, donde abunda lo melódico, lo minimalista, lo sentimental y lo
poético y donde destacan los teclados, las armonias vocales y los riffs de
guitarra a cargo de Laura Marsano.
Saluti
(c) Juan
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Syndone - "La_bella_é_la_bestia" (2012)
Syndone: "La bella é la bestia" (2012)
Discografica: BTF
Temas:
1. Introitus (3:12)
2. Il fiele e il limite (4:49)
3. Rosa recisa (4:57)
4. Complice carnefice (6:05)
5. Piano prog impromptu (1:23)
6. Tu non sei qui (4:23)
7. Orribile mia forma (3:53)
8. Mercanti di gioia (4:13)
9. Bestia! (3:56)
10. Ora respira (4:35)
11. La ruota della fortuna (3:37)
12. Canto della rosa (1:03)
Musicos:
- Nik Comoglio / piano, Hammond, Moog, keyboards
- Francesco Pinetti / marimba, vibrafono, percussion
- Riccardo Ruggeri / vocals y concepto
Invitados:
- Ray Thomas / flautista en "Tu non sei qui" y "Orribile mia forma"
- Federico Marchesano / bass
- Pino Li Trenta / Bateria
- Gomalan Brass Quintet / en "Il fiele e il limite" Marco Braito (tromba),
Marco Pierobon (tromba), Nilo Caracristi (corno), Gianluca Scipioni
(trombone), Stefano Ammannati (tuba).
- Cuarteto de cuerdas de la orquesta Filarmonica de Turin (Matteo Ferrario
y Antonino Russo al violin, Carlo Bruno a la viola y Silvia Manzo al
violonchelo)
Hace un par de años esta banda italiana procedente de Turin, volvió a la
escena progresiva con un estupendo trabajo titulado "Melapesante" donde se
narraban diferentes historias con un único protagonista, la manzana de
Newton, Guillermo Tell, Adan y Eva, el 11 de Septiembre en Nueva York,
etc...
De la mano de BTF /AMS y ahora en formato trío, la banda liderada por el
compositor y teclista Nik Comoglio, nos presenta una OPERA ROCK progresiva
basada en la novela original de Leprince de Beaumont, trabajo grabado y
masterizado en los estudios de Abbey Road, con la participación del
productor Greg Walsh.
El característico sonido que genera una obra conceptual se acrecenta en
esta ocasión por la ausencia de guitarra eléctrica y la diversidad de voces
que debe imprimir el cantante Riccardo Ruggeri, desde la propia Bella, la
Rosa, el Narrador, la Bestia e incluso el padre de Bella, todo en un tono
romántico, melódico, expresivo, introspectivo, teatral y un toque moderno
predominante sobre una base clásica del rock progresivo setentero italiano
y anglosajón.
Como tal opera de rock que se trata, me es difícil destacar algún tema
respecto a otro, quizás me gusta mas la primera parte, mejor estructurada
compositivamente que el tramo final, mas lineal y complejo y donde aparece
algún rasgo de Jazz. Por decir algo negativo mencionaría la poco mordiente
balada "Tu non sei qui" con el piano de cola de fondo.
Las influencias siguen siendo desde Museo Rosenbach, Le Orme, BMS; Latte E
Miele y Genesis.
Especialmente indicado para fan de las operas rock y del rock progresivo
italiano realizado en los 70's pero con el añadido de un toque moderno.
En definitiva música romántica, melódica, expresiva, jazzy, cabaretesca,
oscura y a ratos rabiosa, agraciada por la variedad timbrica del cantante
Riccardo Ruggeri y la gran cantidad de instrumentación empleada, amen de
los instrumentos clásicos del rock sinfónico, tenemos múltiples
instrumentos como el cello, la sección de viento (2 trompetas, trombon,
corno y tuba) protagonizada por el quintento Gomalan Brass Quintet y ademas
de la sección Cuarteto de cuerdas Koiné (2 Violines, Viola y violoncello)
que forman parte de la Orquesta Filarmónica de Turín y que además,
curiosamente se ofrecen amenizar banquetes de boda por internet.
Saluti
(c) Juan
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: THE ENID - "Touch Me"
THE ENID: "Touch Me" (1979)
Temas
1. Charades [i) Humouresque (6:17) - ii) Cortege (5:11) - iii) Elegy (Touch Me)
(3:17) - iv) Gallavant (7:14)] (21:59)
2. Albion Fair (16:26)
Integrantes
- Robert John Godfrey: teclados
- William Gilmour: teclados
- Francis Lickerish: guitarras
- Stephen Stewart: guitarras, percusión
- David Storey: batería, percusión
- Terry Pack: bajo
Colaborador - Tony Freer (corno inglés, oboe)
Tercer disco de The Enid y segundo con el teclista William Gilmour en sus filas
como lugarteniente de Godfrey, "Touch Me" tiene le misión de crear una
encrucijada entre el preciosismo exultante de "Aerie Fairie Nonsense" y el
dinamismo particular del impresionante disco debut "In The Region Of The Summer
Stars". Estando más enfocado en los teclados que nunca, The Enid ya suena
trepidantemente como una orquesta de rock, aunque también es justo señalar que
las guitarras son utilizadas de forma muy poderosa dentro del sólido
afiatamiento del ensamblaje grupal (especialmente, en la primera mitad del
álbum). Lickerish es co-autor de tres de las cuatro secciones de "Charades",
por lo que es razonable suponer que él se sentía muy compenetrado con el rol de
la guitarra dentro de la lógica estética que seguía siendo predominantemente
basada en las necesidades expresivas de Godfrey. En todo caso, al leer los
créditos del disco, uno halla más lógica en el hecho de que Gilmour sea el
co-autor que más recurrentemente acompaña la labor inspirativa de Godfrey.
El concepto de "Charades" se inicia con "Humouresque", una pieza llamativa
cuyo cuerpo central se focaliza en un ágil motivo de corte manierista donde la
amalgama de teclados crear y recrea el desarrollo temático con prístina
soltura, a la par que la dupla rítmica va sosteniendo el flujo de las
florituras de la ingeniería melódica con excelsa precisión. Los pasajes donde
el grupo vira hacia motivos más serenos - inspirados en la visión épica de
Elgar - operan no tanto como generadores de contraste sino como recursos de
complementación para la intención básica de dejar que la melodía se focalice en
un bien asentado espíritu celebratorio. "Cortege" ostenta un aura palaciega
donde la combinación de estilizaciones románticas y variantes de inspiración
renacentista está a la orden del día. "Elegy (Touch Me)" es una pieza de piano
clásico de aquellas que le gustan tanto al Sr. Godfrey, reflexivas e inundadas
de un aire de distinción: la vibración conmovedora de Mahler parece ser la
referencia influyente más recurrente en la base compositiva de esta pieza,
aunque también hay ciertos pasajes que parecen seguir algún patrón de la Sonata
"Patética" de Beethoven. Durando más de 7 minutos, "Gallavant", la última
sección de "Charades" es también la más larga. Gestada y arreglada en clave de
vals sinfónico, desarrolla una gentileza melódica basada en Tchaikovsky y un
meticuloso manejo de las variaciones de ambiente que nos remiten en general a
la etapa romántica de la música de cámara: esta sección sirve para perpetuar la
lección general de "Aerie Fairie Nonsense" y reciclarla a través de la dinámica
heredada del disco debut. En muchos sentidos, "Humouresque", "Cortege" y
"Gallavant" encarnan a la perfección el estándar nuclear del álbum que
describimos en el primer párrafo de esta misma reseña.
"Albion Fair" es la suite que ocupa toda la segunda mitad del disco. Con una
primera sección que dura más de 5 minutos, los teclados (principalmente
sintetizadores) de Godfrey y Stewart ocupan exclusivamente el espacio sonoro en
una flotante atmósfera donde la elegancia de la música docta y la
espiritualidad contemplativa del new age, la atmósfera general de la pieza
queda claramente definida. Después de esto, se suceden secciones temáticas
donde la tríada de guitarras-bajo y las percusiones orquestales añaden
ocasionales toques de color, hasta que llega el preciso momento en que el grupo
entra en acción desde su propio ensamblaje para crear el primer momento
climático, a poco de pasada la barrera del octavo minuto, y una vez abierta esa
puerta ya no hay manera de cerrarla. Aunque no estamos precisamente en un
momentum parecido a los momentos clave del "Journey" o el "King Arthur" de
Wakeman, sin duda se trata de una manifestación del lado rockero de la férrea
arquitectura musical de The Enid. Las variantes de motivos y los quiebres
melódicos siguen operando en un colorido suntuoso y pomposo, pero sin dejar que
la sonoridad integral del sexteto llegue a niveles de sobresalto o saturación,
todo está bien cuidado desde la articulación de las variadas ilaciones
compositivas hasta los diálogos concretos que tienen lugar entre los
instrumentistas. El factor Wagneriano es bastante fuerte en varias fanfarrias
de sintetizador y guitarra, pero también se mantiene fuerte la influencia de la
densa nostalgia propia del paradigma de Mahler en medio de efluvios orquestales
tan saltarines, y eso se nota de forma más notable en los momentos finales.
Todo esto fue "Touch Me", el disco que consolidó el paradigma de The Enid
dentro del lugar que ocupó dentro de una etapa de ardua supervivencia "de
posguerra" que el ideal del rock progresivo experimentó tras el ecuador de los
70s. Tal como nosotros lo vemos, The Enid aportó mucha dignidad a este ideal
con este disco en medio de la ubicación de relegamiento que ya estaba
padeciendo de forma remediable en el negocio musical.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TOE - "The Future Is Now" (2012)
TOE: "The Future Is Now" (2012)
Temas
1. Run For Word (3:22)
2. Tsuki Kake (4:23)
3. Ordinary Days (4:03)
4. The Future Is Now (4:01)
Integrantes
- Kashikura Takashi: batería, percusión
- Mino Takaaki: guitarras
- Yamane Satoshi: bajo
- Yamazaki Hirokazu: guitarras
Colaboradora - Aco (voz en 2)
Toe es una banda japonesa que lleva bastantes años en el mundo del rock
underground de su país, ganándose una buena reputación como ensamble de rock
instrumental que sabe mostrar energía y sutileza con igual sensibilidad, como
moviéndose a medio camino entre el post-rock y el math-rock, entrando en
cualquiera de ambas áreas y apropiándose de algunas de sus pautas con solvencia
e inteligencia. Formado en el año 2000, Toe ya tiene en su haber dos discos de
larga duración y varios EPs, y su acto de presencia en el presente año 2012 es
con un nuevo EP: "The Future Is Now".
"Run For Word" abre el disco con una vitalidad electrizante que es manejada con
sumo refinamiento, al modo de Hella en su faceta más sofisticada, y también en
consonancia con sus compatriotas de Lite. "Tsuki Kake" vira hacia un registro
distinto, que es de rock-fusión con tendencia bossanova: el etéreo canto de la
invitada Aco ayuda a realzar el rol protagónico de la guitarra acústica,
mientras que la aparición esporádica de capas de sintetizador funcionan como
ornamentación que realza el carácter centralmente etéreo de la composición.
"Ordinary Days" se hace eco en buena medida del espíritu de la pieza precedente
y la lleva a una dimensión más introspectiva, aunque conserva convenientes
dosis de gracilidad en su armazón instrumental: es como post-rock remodelado
sobre una cadencia jazzera. En nuestra humilde opinión, estos dos temas daban
perfectamente para un desarrollo temático más extenso, pero así son las cosas
en el concepto de cada uno de ellos en las mentes y manos de sus autores. La
pieza homónima de encarga de cerrar el disco con una dinamismo mágico cubierto
por las ágiles escalas de guitarras acústicas duales y sostenido por un esquema
rítmico estilizadamente entusiasta. La inserción de gráciles ornamentos
cibernéticos en el camino nos hace recordar un poco a Grails. En conclusión,
tenemos en "The Future Is Now" un muestrario interesante de lo que Toe sigue
aportando productivamente a la vanguardia rockera de nuestros días: es una pena
que este nuevo disco sea solo un EP, pero sin duda el material contenido en él
es garantía de una experiencia melómana agradable.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: THE ENID - "In The Region Of The Summer Stars" (1976)
THE ENID: "In The Region Of The Summer Stars" (1976)
Temas
1. The Fool=85 / =85 The Falling Tower (6:16)
2. Death, The Reaper (3:59)
3. The Lovers (5:17)
4. The Devil (4:14)
5. The Sun (4:39)
6. The Last Judgement (8:12)
7. In The Region Of The Summer Stars (6:19)
Integrantes
- Robert John Godfrey: teclados
- Francis Lickerish: guitarras
- Stephen Stewart: guitarras, bajo
- Glen Tollet: bajo
- Dave Storey: batería, percusión
Colaborador - Dave Hancock (trompeta en 5 y 6)
He aquí el disco debut de The Enid, el vehículo grupal para la visión musical
de Robert John Godfrey, talentoso (y un tanto egocéntrico) experto pianista y
concertista que inició su carrera en el rock progresivo como encargado de los
arreglos orquestales de varias piezas de los primeros álbumes de Barclay James
Harvest, además de dirigir la pequeña Barclay James Orchestra en varios
conciertos de esos primerizos años. Tras un disco debut de 1974 titulado "Fall
Of Hyperion" y editado por el sello Charisma, decidió formar un grupo: The
Enid. Este ensamble que originalmente fue diseñado para tener un vocalista,
finalmente se convirtió en una entidad íntegramente instrumental debido a que,
ad portas del inicio de las sesiones de grabación y pre-producción del disco
debut, el vocalista Peter Roberts se suicidó. Teniendo que hacer nuevos
arreglos al material compuesto bajo la inspiración de las cartas del Tarot,
tras tomar la decisión de no reemplazar a Roberts, The Enid logró finalmente
concretizar la grabación de "In The Region Of The Summer Stars", para ser
editado por BUK Records (sucursal de EMI) en 1976. Como anécdota interesante
cabe señalar que el título originalmente pensado para este álbum era "Voyage Of
The Acolyte", pero debido a la edición del primer disco solista de Steve
Hackett (uno de los hitos más importantes de la historia y recovecos varios de
Genesis dentro de la historia del género progresivo), The Enid tuvo que cambiar
también eso. Prácticamente nada salió como estaba pensado en un inicio=85 pero
salió, y eso es lo más importante. Reseñamos ahora "In The Region Of The Summer
Stars" como lo que es, un clásico del prog sinfónico británico.
La dupla de "The Fool=85" y "=85 The Falling Tower" da inicio al disco con un
exquisito boato que va desde un explícitamente suntuoso clima de expectativa
hasta un dinamismo ágil y contundente que se siente típico del estándar
sinfónico británico, aunque también portando ciertas afinidades con Trace y
BMS, especialmente en lo que se refiere a la robusta explotación de los
potenciales de colorido y el continuo empleo de ingeniosas variantes armónicas
en los desarrollos temáticos. Con "Death, The Reaper", la banda se retrotrae a
atmósferas introspectivas basadas en una confluencia de aires manieristas con
ambientes etéreos de tenor céltico. Cabe destacar el manejo sabiamente
controlado de la pomposidad exigida por la composición: el posicionamiento
central de la guitarra acústica en la primera parte y el posterior realce de
los diálogos entre sintetizador, guitarra eléctrica y tímpanos en la segunda se
hilan de una manera perfectamente compacta, llegando finalmente a una coda
cautivante en su convincente espectacularidad. La presencia de la muerta es
abordada no como el fin del proceso vital sino como una idea persistente que
hay que explorar cavando en el subsuelo del espíritu. Pasando de lo
introspectivo a lo intimista, "The Lovers" se centra en motivos de piano
clásico, muy en línea con Rachmaninov y Mahler: si bien es el piano el que guía
el camino, las orquestaciones de sintetizador aportan el paisaje imprescindible
para que el piano logre expresar adecuadamente sus ideas en curso. Poco después
de la barrera del cuarto minuto se da un giro solemnemente conmovedor al
asunto, a medio camino entre el desborde emocional y la nostalgia. La primera
mitad del álbum se cierra con "The Devil", pieza en la que The Enid vuelve a
focalizarse en sus aristas más propiamente rockeras: aunque los arreglos y el
punche performativo se revelan inmensamente estilizados, hay un aire de
siniestra travesura en el desarrollo melódico en curso, como si se quisiera
enfatizar el lado tramposo del Príncipe del Mal y no tanto su esencia maléfica.
?Afinidades con el estándar Wakemaniano? Puede ser=85 pero solo de forma
moderada.
Con un bello preludio de trompeta, la segunda mitad del disco empieza como un
amanecer. El nacimiento de un nuevo día está hermosamente retratado por la
cálida y gentil amalgama armada por el ensamble en "The Sun", siempre bajo la
guía de las intervenciones de los teclados, más unos fraseos de guitarra
solista que entran a tallar oportunamente con una cierta altivez, una
expresividad autoafirmativa que funciona tanto para realzar las líneas solistas
del sintetizador como para completar el aire de ensoñador optimismo diseñado
para la ocasión. Un poco como un híbrido de Camel y Greenslade. Tras la
emergencia de la inocencia naciente del nuevo día, llega la amenaza
apocalíptica del Juicio Final de la mano de "The Last Judgement", pieza que se
instala como un cénit de esplendor y pomposidad dentro de la estructura
integral del álbum. El primer motivo se arma dentro de un esquema de bolero
sinfónico donde el carácter marcial de la base percusiva está debidamente
reglamentada y ornamentada para expandir la fuerza de lo oscuro durante un
espacio de poco más de 4 minutos. A partir de ahí, la pieza deriva en un
momentum ceremonioso donde, una vez más, la interacción entre sintetizador y
guitarra diseña el núcleo central de toda la instrumentación: la nocturnidad se
reviste de ropajes luminiscentes, logrando así atenuar su esencia oscurantista
en nombre del predominio de la majestuosidad. La coda de trompeta sobre un
fondo de corrientes marinas sirve para realzar el desarrollo majestuoso hacia
linderos sónicos tranquilos, con lo que se prepara el camino para la pieza
homónima que cierra el álbum; en efecto, "In The Region Of The Summer Stars"
establece una atmósfera relajante que hereda mucho de la solemnidad
contemplativa e introvertida de "Death, The Reaper", pero con una sonoridad más
llena que se emparenta con "The Sun".
Por causa de la descatalogación del disco de las oficinas distribuidoras de
EMI, el grupo decidió regrabar el disco con añadidos arreglos en casi todas las
piezas con la alineación casi idéntica (pero con otro baterista, Chris Noth, y
otro trompetista invitado), y además, con casi todos los títulos cambiados (por
ejemplo, "The Lovers" pasó a ser "The Loved Ones" y la pieza homónima se
convirtió en "Under The Summer Stars"). Prácticamente se trata de lo mismo pero
con algunas expansiones que generan un interés extra a la magia del disco
original=85 pero en tanto disco original, la primera edición de "In The Region
Of The Summer Stars" es la que cuenta fundamentalmente como el primer clásico
de The Enid, y para muchos, la mejor obra de Godfrey y compañía. Téngase en
cuenta esto a la hora de comprar el disco, especialmente del hecho de que la
edición digital recoge la versión de 1984 con un bonus track de más de 18
minutos de duración donde Godfrey recopila y rehace varias melodías del disco
dentro de un ejercicio de ambient electrónico de tendencia new age. De todas
maneras, ya sea con una estructura u otra, "In The Region Of The Summer Stars"
resulta un ítem completamente indispensable para los coleccionistas de rock
sinfónico.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: STABAT AKISH: "Nebulos" (2012)
STABAT AKISH: "Nebulos" (2012)
Temas
1. Nebulos (4:40)
2. Un Peuplier Un Peu Plié (5:32)
3. Sprouts (3:11)
4. Sprouts (Continued) (1:57)
5. Sprouts (Continued) (1:19)
6. Sprouts (Continued) (3:57)
7. Troïde (7:31)
8. La Serrure (2:32)
9. Soft Fate (1:25)
10. Boletus Edulis (2:52)
11. Dynamique Cassoulet (2:28)
12. Fast Fate (0:35)
13. Le Chifre (4:05)
Integrantes
- Guillaume Amiel: marimba bajo, vibráfono, percusión
- Maxime Delporte: contrabajo
- Ferdinand Doumerc: saxofones barítono, tenor, alto y soprano, flauta
- Stéphane Gratteau: batería
- Rémi Leclerc: pianos acústico y Fender Rhodes, clavinet, sintetizador Moog,
órgano Hammond
- Marc Maffiolo: saxofones bajo y tenor
Colaboradores - Nicolas Gardel (trompeta en 9, 12 y 13), Olivier Sabatier
(trombón en 9, 12 y 13), Sarah Roussel (palabras en 5 y 7), Olivier Cussac
(guitarra lap steel en 2)
Formado en Toulouse en 2007, Stabat Akish es un vigoroso y ecléctico ensamble
de línea avant-progresiva que ya cuenta con dos discos de estudio en su haber:
el homónimo de 2009 y "Nebulos" de este año 2012. Su línea de trabajo se
delinea bajo las influencias de Zappa, Ensemble Nimbus, SMM, además de
introducir aspectos de la tradición fusionesca de los 70s y de las nuevas
modalidades de jazz experimental para enriquecer aún más su paleta sónica. Una
característica formal resaltante en el esquema sonoro de Stabat Akish está en
los roles importantes que ocupan los metales y las percusiones tonales: la
ausencia de guitarra eléctrica dentro del formato del grupo no es óbice para
que el sexteto genere una genuina energía en sus composiciones, aunque también
es justo especificar que muchas veces esta energía es elaborada bajo regímenes
de sutileza y constricción. Pasamos a reseñar "Nebulos", al cual adelantamos
como uno de los discos más peculiares de la producción progresiva del presente
año 2012.
La pieza homónima abre el disco desplegando un escenario sónico de más de 4
minutos y medio de sólidos coloridos guitados por la dupla de saxos, dándose
también un grandioso lucimiento de a dupla rítmica a la hora de elaborar un
swing atrapante. Luego sigue "Un Peuplier Un Peu Plié", pieza cuyo cuerpo
central porta un aura consistentemente jazzeada que sirve de encuadre para el
protagonismo de la percusión tonal; en algún momento emerge un interludio
marcado por una atmósfera cómica que define decisivamente la coda con la que se
retoma una versión resumida del cuerpo central. Con las cuatro partes del
concepto "Sprouts", el grupo se mete a explorar sus inquietudes de inspiración
RIO (a medio camino entre Ensemble Nimbus y Hamster Theatre), siendo así que lo
primero que se hace notar es la ilación de los vericuetos del exaltado saxo
alto, la cual dirige el camino hacia un crescendo grupal tremendamente
abstracto. Con la secuencia que une la desatada extroversión neurótica de la
primer continuación y la crepuscularmente apagada serenidad de la segunda
continuación (más el soliloquio de Sarah Roussel), se prepara el terreno para
la ceremoniosa vibración manifiesta en la tercera y última continuación. Ésta
brilla bajo una aureola contemplativa y evocativa que tiene ciertas afinidades
con el estándar de Aranis, y también algo de la grisácea tensión que Henry Cow
desarrolló en su último disco de estudio "Western Culture". "Troïde" es un
ejercicio de confluencia entre el swing modernista del nu-jazz y el paradigma
de Weather Report. El soliloquio de Roussel es un factor relevante para darle
un aire de poesía beat, una celebración de la corriente de conciencia que va
del francés al inglés y de allí al español, con alguna frase en italiano que
también se filtra por ahí. "La Serrure" es una miniatura donde se alternan
parajes circenses y pasajes marcados por una misteriosa sutileza, mientras que
"Soft Fate" es un ejercicio de big band construido sobre una retorcida
progresión armónica dueña de una extravagancia exultante que se trasluce a
través de la cuidad exquisitez performativa de los músicos: a todas luces,
ambas composiciones gozan de amplia inspiración Zappiana, la etapa 72-75 para
la primera, la época del "Hot Rats" para la segunda. La dupla de "Boletus
Edulis" y "Dynamique Cassoulet" enfatiza explícitamente el gusto que tiene la
banda por jugar con quiebres y contrastes a la hora de armar los bizarros
arreglos de las ideas musicales en curso. La coda pseudo-bluesera de "Dynamique
Cassoulet" tiene toda la facha de un chiste musical Zappiano. "Fast Fate" es
una remodelación veloz del cuerpo central de "Soft Fate", esta vez coqueteando
abiertamente con el filo más atrevido de la tradición be-bop. Finalmente, "Le
Chifre" opera como una cruza entre el swing
llamativo de "Un Peuplier Un Peu
Plié" y el pulcro colorido de "Soft Fate", pero sin mucho lugar para la
densidad: esta pieza está principalmente diseñada para cerrar el álbum con una
espiritualidad cálida, a pesar de los sombríos matices expectantes con los que
se arma su pasaje introductorio.
"Nebulos" es un disco alucinante, un catálogo de aventuras experimentales
creadas con sumo ingenio y ejecutadas con una electrizante combinación de
soltura, inteligencia y nervio: con este segundo disco, Stabat Akish ya puede
presumir de pertenecer a las grandes ligas de la música progresiva vanguardista
del nuevo milenio. !Y que no sea el último!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: GA'AN: "Ga'an" (2009)
GA'AN: "Ga'an" (2009)
Temas
1. Chasmaeon (7:01)
2. Living Tribunal (8:12)
3. I Of Infinite Forms Pt. 1 (5:00)
4. I Of Infinite Forms Pt. 2 (6:06)
5. Servant Eye (6:31)
6. Vultures Of The Horn (7:16)
Integrantes
- Jeremiah Fisher: sintetizadores
- Lindsay Powell: voz
- Seth Sher: batería
- Jason Sublette: bajo, sintetizador
Ga"an es el nombre de un cuarteto estadounidense dedicado a cultivar una
especie de remodelación "cibernética" del ideario Zeuhl. Formado a fines de la
pasada década en el círculo underground de Chicago por la vocalist Lindsay
Powell, el baterista Seth Sher, el sintetista Jeremiah Fisher y el
bajista-sintetista Jason Sublette, el grupo logró editar rápidamente su
homónimo trabajo debut en el anacrónico formato de casete, siendo así que al
año siguiente se re-editó en una edición limitada de vinilo y en formato
digital en un formato de download organizado por el sello independiente
Captcha Records. Lo que encontramos en "Ga"an" es música Zeuhl de nueva
generación que aporta una especie de frescura especial al paradigma
Magma-Zao-Eskatoniense, una interesante alternativa a las revisiones que desde
la ciudadela franco-europea se hace de parte de Neom, Setna y otras entidades:
la tendencia minimalista electrónica se puede asociar al krautrock sintetizado
y a la avanzada no-wave tecnificada en cuanto a los aspectos predominantes de
la armazón sónica (parcialmente parecido al Birdsongs Of The Mesozoic de la
primera etapa), pero indudablemente el núcleo creativo está inspirado en el
avant-prog del Zeuhl y (en menor medida) e chamber-rock. Pasamos a reseñar el
disco debut acto seguido.
"Chasmaeon" abre el disco empezando con un aura minimalista de tétrica
solemnidad atravesada por vibraciones cósmicas, por un espacio de poco más de 2
minutos. Una vez que entra en acción la dupla rítmica comenzando con un lento
7/8, se asienta el motivo recurrente, el cual consiste en un mantra de claras
referencias Magmianas (etapa "Mekanïk Destruktïw Kommandöh") que se va
resolviendo mágicamente con la estratégica inserción de recursos de
intensificación rítmica. "Living Tribunal" está más en línea con el paradigma
Magmiano de "Köhntarkösz", así como con la oscura agilidad de unos Present,
aunque sin la presencia de la guitarra en nombre de la dominación de los
sintetizadores. El bloque instrumental maneja perfectamente las posibilidades
creativas que brotan del contraste entre las sofisticadas cadencias elaboradas
por la batería y el carácter flotante de las amalgamas de teclados, siendo así
que el canto de Powell se articula en torno a aquéllas. En estos primeros 15
minutos ya tiene el oyente perfectamente claro de qué va Ga"an, y lo que sigue
a continuación deberá confirmar y fortalecer nuestra comprensión de ellos: las
dos partes de "I Of Infinite Forms", pieza que tuvo que ser dividida para
encajar dentro del formato de la doble cara del casete. Este concepto nos
muestra la faceta más extrovertida del ensamble, en cercanía clara con la
ideología de Eskaton y no tanto con la de Magma; de todas maneras, el rol
crucial de los sintetizadores, especialmente lo referente a su mecanicista
dimensionalidad, hace que la extroversión se acompañe con una razonable dosis
de densidad. La culminación de la segunda parte finiquita las cosas con un
acento épico bastante lírico, más cercano a los estándares de la línea de
trabajo de Tangerine Dream de fines de los 70s que al estereotipo
ostensiblemente oscurantista del Zeuhl. "Servant Eye" parece hacerse eco de la
exaltación sónica del concepto precedente, pero su patente arquitectura de
sofisticada tensión le da aires de familia más urgentes con los climas
desarrollados en las dos primeras piezas. Si "I Of Infinite Forms" supuso un
viraje hacia las secciones más brillantes de la llama avant-progresiva que el
grupo alimenta con soltura e inquietud aventurera, "Servant Eye" encarna una
exultante síntesis de los matices predominantes en el repertorio precedente. El
disco (o mejor dicho, el casete) termina con "Vultures Of The Horn", pieza
donde el grupo perpetúa la dinámica establecida en "Servant Eye" pero con dosis
aumentadas de gracilidad y una tensión un poco menos pronunciada.
Ga"an es una joya que vale la pena rescatar de su escondite dentro de los
actuales túneles secretos del underground experimental estadounidense: la banda
sigue activa con una nueva formación de trío, en la que Sher y Powell (ahora
también al teclado) están acompañados por el bajista-teclista Tyson Tortensen.
!Atentos/as, coleccionistas progresivos/as de todo el mundo!
César Mendoza
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