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La caja de musica Number 0987
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #987 abril 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* el disco de RANJHUS
* MOVUS - "Maxa Firekeeper" (2010)
* CATHEXIS - "Cathexis" (1982)
* PULSONICA - "Tribaloide" (2011)
* Música Para Cuando Aparece Un Monstruo" (2011)
* LOS INI - "Matespacial" (2007)
* el próximo disco de VDGG.. !!totalmente instrumental!!
* CuÃ!ndo nos cambiaron la frecuencia de 432Hz a 440Hz y por qué?
* nuevo proyecto con Chino Moreno (DEFTONES) y tres ex-ISIS
* LIZARD sacará pronto su nuevo álbum de estudio
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el disco de RANJHUS
RANJHUS: "Ranjhus" (2010)
Temas
1. Candombe Viejo (5:55)
2. Obra En Construcción (2:40)
3. Incierto (4:14)
4. Ranjhus (2:38)
5. Seis Nueve (4:50)
6. Reggae (4:57)
7. Canelones (5:08)
8. Sr. Hyde (4:02)
9. Dinámica Cuántica (3:25)
10. Rumbo (2:45)
11. Citromundo (3:49)
12. Cara De Bossa (4:01)
Integrantes
- Juan Juárez: guitarras
- Aldo Valenzuela: bajo
- Faustino Gallardo: batería
Colaborador - Titi Rivarola (bombo legero en 9)
Procedente de la localidad argentina de Córdoba, Ranjhus es un power-trío
dedicado a forjar un sonido jazz-rockero progresivo de claras afinidades
fusionescas y cadencias étnicas, empapado a su vez con ornamentos y arreglos de
inspiración progresiva. El grupo sabe sacarle el jugo a su conciso formato de
guitarra-bajo-batería a la hora de concretizar sus bien armadas composiciones.
Semejanzas con sus coterráneos de Tórax hay en cuanto al uso filudo de las
potencialidades más extrovertidas del lenguaje jazz-rockero-fusionesco, pero
Ranjhus exhibe una sonoridad más áspera en comparación con la actitud más
explícitamente estilizada de Tórax; más bien, en cuanto a este detalle en
particular, hallamos coincidencias más patentes con las líneas de trabajo
desarrolladas por los mexicanos de Delta Red y los chilenos de Fumigun. El
disco homónimo publicado en 2010 fue grabado entre noviembre de 2009 y marzo
del susodicho año bajo la guía productora de Titi Rivarola (el líder de Tórax,
precisamente): "Ranjhus" fue presentado oficialmente en mayo de 2010 en el
Paseo del Buen Pastor, a sala llena, un evento que también quedó registrado en
un DVD. Pero no es éste el único documento audiovisual que el trío tiene en su
haber, sino que también hay otro DVD filmado en el Teatro San Martín en 2007,
auspiciado por el Gobierno de Córdoba, la Secretaría de Cultura y el Teatro San
Martín. De por sí, el grupo tiene varios años de actividad, participando en un
proyecto musical llamado "Flores De Lirio" bajo la dirección de la cantante y
flautista Mariana Lesta, tocando en varios centro culturales de Córdoba e
incorporando varias veces otros medios de expresión artística en sus
espectáculos. Este disco debut supone, a la luz de estos datos, una especie de
culminación de un rico y esforzado periodo de crecimiento y maduración de la
voz personal de Ranjhus dentro del gran contexto de la vanguardia jazz-rockera
de su país. Vayamos a continuación al repertorio mismo del disco.
"Candombe Viejo" da inicio al disco con un ritmo latino fiel al título de la
pieza, manejado con una actitud que implementa ocasionales incursiones de rock
duro con un enfoque apropiadamente domesticado para la ocasión. En la segunda
mitad, el grupo explora sonoridades de tenor psicodélico, logrando así mantener
la vitalidad esencial de la pieza con una frescura bien sostenida. La dupla de
"Obra En Construcción" e "Incierto" completa cabalmente la estupenda primera
impresión del disco: el primero de estos temas ahonda grácilmente en la faceta
extrovertida del grupo, desarrollando un sólido ejercicio de jazz-rock con un
breve solo de batería incluido, mientras que el segundo se enraíza en ambientes
más contenidos, en los cuales el factor jazzero se hibridiza con recursos
sónicos experimentales emparentados con el diverso estándar del space-rock.
Cuando llega la pieza que se titula al igual que la banda y el disco, el grupo
se explaya en expresiones de celebratorio optimismo, y para ello refuerza su
aspecto rockero con una energética vibración no ajena a la sofisticación propia
de los lenguajes del jazz moderno y el rock progresivo: es una pena que solo
dure poco más de 2 minutos y medio, pues su gancho resulta tremendamente
llamativo. "Seis Nueve" se mueve en un terreno muy diferente, uno de
introversión y serenidad: esta circunstancia obliga a la banda a explorar los
rincones más grisáceos de su espectro sonoro, y en eso ayuda mucho la
estrategia sutil que implementa la dupla rítmica a la hora de fundamentar y
llenar el esquema sobre el que se entretejen los crepusculares desarrollos
armónicos de la guitarra. Tras este momento de recogimiento espiritual emerge
"Reggae", que es=85 bueno, un reggae: más exactamente, es una traducción en
lenguaje jazz-rockero del estándar del dub-reggae, algo que le sale muy bien a
los músicos de Ranjhus debido a su buen oficio para crear magia psicodélica,
algo muy conveniente para esta ocasión concreta.
"Canelones" se resguarda en la vitalidad de su esquema Latin-jazz para girar
hacia ambientes más coloridas, aunque los delineamientos y retazos
predominantes de la guitarra siguen generando una luminosidad controlada.
Solamente en el minuto final es que la guitarra se suelta más abiertamente para
hilar la expresividad de su electricidad latente. "Sr. Hyde" es en muchos
aspectos un heredero de "Incierto", pero con un filo más agudo en los momentos
de despliegue psicodélico, mientras que "Dinámica Cuántica" se enraíza en una
encrucijada entre "Obra En Construcción" y "Canelones", incluyendo un momento
cálido donde ingresa el bombo legero de Titi Rivarola como ítem adicional. A
estas alturas del partido, el oyente ya está bastante consciente de la
personalidad del trío, por lo que el aporte de esta serie de cuatro temas
consiste principalmente en reforzar la consistencia interna del repertorio.
"Citromundo" es un tema donde Ranjhus se resuelve a reavivar sus fuego más
alegre, su hoguera musical más juguetona: con su fluida combinación de rock,
funky y fusión, la pieza despliega un brillo impactante. Finalmente, "Cara De
Bossa" cierra el álbum en estricta lealtad con su título, utilizando un compás
de bossa nova como base nuclear del dinamismo crucial desarrollado por el dúo
rítmico. Y lo hace recibiendo el impacto de la muy vigorosa pieza precedente,
lo cual repercute en la dosis de frenesí con la cual la banda se dispone a
explorar los matices y cadencias de este ritmo particular. Así termina un disco
que exuda expresividad y colorido a raudales a través de un esquema sonoro que
nunca llega a hacer completa ostentación de su propio vitalismo: lo desarrolla
con tacto, inteligencia y lucidez, intuyendo por dónde se dan los espacios
sucesivos de expansión y constricción. Tal vez esto último sea lo que mejor
defina la propuesta que nos ofrece Ranjhus - y realmente es una banda que
recomendamos abiertamente descubrir de parte de los melómanos fanáticos del
jazz-rock y otras formas de música contemporánea.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MOVUS - "Maxa Firekeeper" (2010)
MOVUS: "Maxa Firekeeper" (2010)
Temas
1. Al Filo Del Origen (3:21)
2. Asgard (4:14)
3. Daath (4:14)
4. Locked-Up Full Of Freedom (4:26)
5. Midgard III (3:32)
6. Twisted, Coiled (6:03)
7. Espiral De Vida (3:04)
8. Cabos E Fractais (5:26)
9. Van (Tatei Neixa) (3:20)
10. Leviatán (6:09)
Integrantes
- Juan Juárez: voz, piano, guitarras, percusiones, sintetizador
- Pablo Crespo: guitarras, piano, arreglos
- José Luis Domínguez: bajo, sintetizador
- Russel Ruvalcaba: batería, percusiones
- Esteban Testolini: guitarras, voz, percusiones, sintetizador
Colaboradores - Magik Magik (cuerdas en 5, 7, 8 y 10), James Lehner (pandero en
6), Jimmy LaValle (bajo, guitarra, percusiones, sintetizador), Diego Martínez
(samplers), Orco (samplers)
Formado en 2004 en la localidad mexicana de Guadalajara bajo la iniciativa de
los tres guitarrista Raúl Andréu, Esteban Testolini y Pablo Crespo más la dupla
rítmica de José Luis Domínguez y Russel Ruvalcaba, Movus se concibe como un
proyecto musical influenciado por los paradigmas del post-rock y otras diversas
modalidades de rock experimental contemporáneo focalizado en atmósferas
evocativas y emotividades contemplativas. Tras varios años de sostener una
interesante experiencia en el negocio musical, que los llevó a compartir
escenario con grupos como Explosions In The Sky y Mum (entre otros) y a grabar
un homónimo disco debut en 2007, Movus concretizó en 2010 su segunda obra
fonográfica "Maxa Firekeeper", a la que el grupo define en su blog de Myspace
como "su disco más entrañable y sólido hasta la fecha". Justamente es éste el
disco que pasamos seguidamente a reseñar.
"Al Filo Del Origen" da inicio al disco con una ceremoniosidad limpia y
refinadamente sutil en el manejo de los aspectos más complejos del esquema
rítmico en curso, mientras que el espíritu de auto-constricción permanente
pulcramente intacto. No importa si se siente que este tema de apertura concluye
demasiado pronto, pues acto seguido, la dupla de "Asgard" y "Daath" se encarga
de explotar la dinámica introspectiva iniciada por aquél para llevarla hacia
dimensiones más majestuosas: la envolvente magia etérea de "Asgard" y la
vibración intimista de "Daath" irradian un magnetismo sonoro que atrapan al
alma en una espiral de descenso hacia sus más calladas inquietudes y dudas.
"Midgard III" hace lo propio mientras añade arreglos de cuerda al esquema
sonoro grupal, el cual sigue enraizado en el pathos propio de la espiritualidad
lánguida. Antes de este tema, "Locked-Up Full Of Freedom" permite a la banda
explotar de forma muy moderada algunos refrescantes recursos de muscularidad
rockera dentro de su esencialmente introspectiva propuesta estética, la cual
sigue desarrollándose en este tema con estricta fidelidad a sus propios
cánones. De este modo, sienta un impulso precedente para el sexto tema,
"Twisted, Coiled", el cual está signado por una confluencia entre la languidez
otoñal abundantemente predominante en los esquema sonora de la banda y ese
extra de muscularidad iniciado sucintamente por "Locked-Up Full Of Freedom".
Con el predominio de las guitarras acústicas y el rol significativo del
ensamble de cuerdas en "Espiral De Vida", la banda vira hacia los aspectos más
explícitamente líricos de su esencia sonora, logrando así concretizar un
hermoso preludio al despliegue de vibraciones flotantes en "Cabos E Fractais",
pieza que recibe en buena medida el legado de "Twisted, Coiled" aunque con una
luminosidad menos tentadora. Los últimos nueve minutos y medio del álbum están
sucesivamente ocupados por "Van (Tatei Neixa)" y "Leviatán". El primero de
estos temas se engarza con "Cabos E Fractais" para renovar crucialmente la
línea de trabajo de la banda a partir de una extroversión llamativa, que no
exagerada. El prólogo de esta pieza está elaborado a partir de la armazón de
percusiones tribales, los espartanos acordes de una guitarra y las etéreas
texturas de la otra: de este modo, el grupo impulsa la manifestación de un
colorido no muy habitual en él. Por su parte, "Leviatán" focaliza su esquema
sonoro en la magnificación de la motivación reflexiva que sirve de guía
creativa para la banda: así, el disco termina con un aura de expresividad
determinante para crear el impacto de un último destello decisivo antes del
apagón definitivo. La influencia de Mogwai es fácil de notar aquí, aunque queda
claro que Movus se siente cómodo remodelando dicha influencia bajo una dinámica
especialmente estilizada.
Nuestro balance general de "Maxa Firekeeper" es positivo, especialmente en lo
que se refiere a su manera de revelar las atmósferas más íntimas de la
dimensión contemplativa del espíritu humano: Movus lo hace con solvencia e
ingenio, razón de sobra para que quienes aún no los conocen les presten
atención a partir de ahora.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: CATHEXIS - "Cathexis" (1982)
CATHEXIS: "Cathexis" (1982)
Temas
1. Spiderbite (4:23)
2. The Argument (9:58)
3. Obsidian Night (5:09)
4. Attitude Problem (4:12)
5. Stigmata (8:31)
6. Rusty's Song (4:06)
Integrantes
- Rusty Anderson: bajos con y sin trastes, bajo Wally Truchard Custom con
martillos, grito alto
- Roger Brown: batería, percusión, rueda, grito tenor
- Chip Carter: guitarras eléctrica, acústica y de 12 cuerdas, canto, claves,
grito soprano
- Jim Kuster: pianos acústico y eléctrico, sintetizadores, efectos
electrónicos, grito bajo
Bastante escondido, o mejor dicho, bastante perdido dentro de los de por sí muy
ignorados recovecos de las vanguardias progresiva y fusionesca que aún
llograbana sobrevivir en la escena estadounidense de fines de los 70s,
Cathexis, con su homónimo disco de 1982, resulta un ítem muy curioso y
revelador para los más ávidos coleccionistas de rock progresivo y jazz-rock.
Oscilando entre el swing de la tradición del jazz-fusion y la agilidad melódica
del jazz-rock progresivo, Cathexis gestó en sesiones de grabación realizadas a
lo largo de los meses de agosto y setiembre de 1981 una pequeña joyita musical
alevosamente extemporánea, dueña de tanta ingenuidad como hidalguía. Vayamos al
disco en cuestión para entrar en detalles.
Durando poco menos de 4 BD minutos, "Spiderbite" abre el álbum con una
ambientación colorida, provista de cromatismos optimistas y tonalidades
cálidas. Se nota mucho el impacto
del Weather Report post-"Heavy Weather", pero aún se impone la nostalgia plena
por la tradición más vital del jazz-fusion estadounidense. Y esos fraseos de la
guitarra en el momento más climáticos de la pieza=85 su vigor le añade una
prestancia especial al motivo melódico central. Luego sigue "The Argument",
tema que dura casi 10 minutos. El aura de ceremoniosidad se impone en su
evidencia, especialmente cuando tras la larga introducción de piano se revela
un primer motivo de talante suavemente melancólico. El ulterior desarrollo del
esquema compositivo aligera las cosas hasta un nivel de genuina extroversión,
pero la espiritualidad nuclear de la pieza sigue siendo firmemente ceremoniosa.
El destaque del piano viene matizado con algunos efectos solos de sintetizador
y guitarra acústica que emergen para realzar ciertos pasajes de los momentos
más alegres. Esta vez, el referente más notorio es el Return To Forever
clásico. La primera mitad del álbum se completa con "Obsidian Night", un tema
cantado que da campo al grupo para proyectar su mirada artística a través del
Oceáno Atlántico y aproximarse al estándar de Caravan-con-Camel: lo que suena
es, en efecto, una semi-balada sinfónica pulcramente arropada de
matices jazzeros. "Attitude Problem", a pesar de ostentar un título relativo a
desajustes psicológicos y desadaptaciones sociales, resulta en realidad un muy
grácil ejercicio de jazz-progresivo donde el candor del Camel de la etapa 77-78
se conjuga con el vigor sofisticado de una Pat Metheny Band, con algunos
retazos de parentesco con Holding Pattern. Es una pena que esta pieza solo dure
4 minutos y segundos, pues nos parece que su gancho daba para un desarrollo
temático más extenso sin llegar al punto de quemar la idea. "Stigmata" es el
tema que sigue a continuación, el segundo que incluye canto. Aunque parece
tener una estructura semi-baladística afín a la empleada en "Obsidian Night",
en realidad "Stigmata" ostenta una personalidad más ambiciosa. Su más extenso
desarrollo temático, su manejo tan pulcramente cuidadoso del meticulosamente
compuesto cuerpo central, el uso majestuoso de variantes jazzeras en los vuelos
instrumentales y la utilización de ciertos trucos académicos en las partes
rockeras hacen que la pieza se sienta más cercana a una cruza entre Happy The
Man y Gilgamesh que a la tradición estadounidense que fue tan significativa
para los dos primeros temas. Los últimos cuatro minutos del álbum están
ocupados por "Rusty"s Song", tema que sí reivindica la tradición fusionesca a
placer, especialmente en lo que se refiere a la aplicación de un swing funky
para capitalizar los imponentes aires de extroversión (con un grandioso solo de
bajo que sale a colación para este fin).
Quienes amen la estilización melódica esencial del rock prog-sinfónico y
quienes gusten de las vertientes jazzeadas de la tradición progresiva sabrán
valorar este granito
de arena que Cathexis aportó al rock artístico de su país a inicios de los 80s.
Si se da la ocasión de acceder a este material, !a no dudarlo cuando surja la
tentación de adquirirlo!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: PULSONICA - "Tribaloide" (2011)
PULSÓNICA: "Tribaloide" (2011)
Temas
1. Metrópolis 1926 (3:37)
2. Tribaloide (4:42)
3. Maratón (3:26)
4. Caminando Descalzo (3:53)
5. Pangea - Partes 1, 2 y 3 (9:43)
6. Supernova (3:31)
7. Lapsus (0:53)
8. Sabor A Mil (3:39)
9. Alien Pop (3:51)
10. Tibwa Eléctrica (1:50)
Integrantes
- Jorge González: set de batería, timbales y xilófono
- Carolina Cohen: set de congas y accesorios percusivos
- Marcelo Tubio: guitarras y programaciones
Colaboradores - Patricio Resico (bajo en 1, 2, 4 y 8), Fabián Tejada
(didgeridoo en 2 y steel drum en 4), Sergio Gutiérrez (piano en 8)
Pulsónica es el nombre de un ensamble argentino asentado en Buenos Aires,
fundado en 2006 por el veterano y creativo baterista/percusionista Jorge
González: su currículum incluye membresías pasadas en el Ensamble de Percusión
Orquesta Amarilla, así como en las bandas de soporte de Celeste Carballo y
Moris. La ideología sónica de Pulsónica se basa en una enérgica confluencia de
rock progresivo, psicodelia de línea heavy y fusión de predominancia
afro-latina. La presencia de Carolina Cohen en el vital refuerzo del esquema
rítmico de la banda ayuda crucialmente a la hora de realzar las complejas
cadencias y pautas rítmicas que entran a tallar en las composiciones de la
banda. Pero no vale subestimar el rol del único no percusionista del trío, el
guitarrista Marcelo Tubio - su energía y versatilidad lo convierten en el pilar
para llenar poderosa y convincentemente la arquitectura musical del grupo. El
debut fonográfico de la banda tuvo lugar en 2008 con la edición de "Movimiento
Perpetuo", y tres años más tarde, se publicó el segundo disco "Tribaloide".
Este último es el que pasamos a reseñar a continuación.
Los primeros 3 BD minutos del álbum están ocupados por "Metrópolis 1926",
pieza que exhibe su extroversión a flor de piel a través de su ilación de rudos
pasajes agresivos y otros más sofisticados de claro tenor fusionesco. Luego de
este primer golpe de impacto sigue la pieza homónima, la cual gira hacia
ambientaciones un poco más misteriosas, aunque la sólida presencia de la
guitarra en los riffs y fraseos permite que la pieza exhiba su electrizante
potencia inherente al empuje creado por el inteligentemente recargado ensamble
rítmico. Con la dupla de "Maratón" y "Caminando Descalzo", el trío afianza
sólidamente su posicionamiento musical ante nuestros oídos atentos: el primero
de estos temas pone énfasis en la dimensión filudamente rockera de la banda
(rozando en varios momentos el estándar del jazz-rock pesado moderno), mientras
que el segundo se desliza suavemente sobre cálidas arenas de fusión latina,
permitiendo que la percusión sobresalga en un rol protagónico en el realce del
swing, pero sin hacer su presencia abrumadora. El quinto tema es el más
ambicioso del repertorio: se titula "Pangea" y dura 9 BE minutos en una
ilación de tres partes. Los primeros tres minutos se focalizan en atmósferas
minimalistas que se extienden cuales sábanas sonoras oníricas, creando así un
trasfondo ideal para el vibrante solo de guitarra que se impone mágicamente;
luego, tras una elegante serie de arpegios de guitarra, se arma un motivo sutil
donde la marcada cadencia rítmica de la supla González-Cohen manifiesta la
dinámica electrizante del cosmos. Para los últimos dos minutos y pico, el
ensamble desarrolla un ejercicio de implosión sónica tan contundente como
mágica, exultante de vibraciones climáticas. Una vez que el grupo ha explorado
las potencialidades más épicas de su propuesta musical en "Pangea", "Supernova"
retoma su faceta más aguerrida a partir de una retoma de la bizarra
electricidad de "Maratón"; a modo de epílogo, "Lapsus" brinda una breve
exhibición de llamaradas percusivas donde cada golpe suena a una evocación a
las energías más vitales de la Madre Tierra. "Sabor A Mil" recurre a ritmos
tropicales para elaborar su armazón en base a una arquitectónica sonora tan
vibrante como elegante, al modo de un ítem de orfebrería vivazmente coloreado:
ya a estas alturas del partido estamos más que familiarizados con la esencia de
Pulsónica, centrada en darle una fuerza apabullante en beneficio de la
remodelación de varias posibilidades ofrecidas por la tradición fusionesca.
"Alien Pop" se enfila por los senderos del space-rock en clave progresiva: la
banda ostenta una agilidad muy juguetona a fin de que el innegable gancho del
cual goza la pieza en cuestión despliegue abiertamente su propio magnetismo sin
perderse en enredos innecesarios. La frescura de esta pieza encuentra su
adecuada contraparte en la ruda tensión de "Tibwa Eléctrica", el epílogo del
álbum que comienza como una orgía percusiva y termina como un ejercicio de
neurosis cuasi-Crimsoniana sembrado sobre un pasto de raíces Osibisa.
Como balance general, tenemos en "Tribaloide" 40 minutos de continuos ejemplos
de música jazz-progresiva intensa y vigorosa creada con abundantes dosis de
ingenio. Pulsónica es uno de varios nombres que mantienen los ideales del rock
progresivo y la avanzada fusionesca en un sitial muy alto dentro de la
vanguardia argentina de los últimos años. !Vale la pena investigar en su
trayectoria!... y también esperar que sigan generando más discos en el
futuro=85
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Música Para Cuando Aparece Un Monstruo" (2011)
LA MUJER BARBUDA: "Música Para Cuando Aparece Un Monstruo" (2011)
Temas
1. La Venganza Del Plomero Liquido (0:24)
2. Hipopótamo Amarillo (2:41)
3. Técnico Superior En Plásticos Y Elastómeros (5:17)
4. La Rana (7:23)
5. El Plomero Liquido Ataca De Nuevo (0:24)
6. Enano De Jardín (5:57)
7. Cóccix (6:02 )
8. Montaña Que Revienta (7:43)
9. El Plomero Líquido Existe (0:49)
10. Pixel (5:27)
11. Axel, El Axolote (3:18)
12. Hombre Gangoso (5:39)
Integrantes
- Franco Fontanarrosa: bajo
- Sergio Álvarez: guitarra
- Martín Pantyrer: saxos y clarinetes
- Lulo Isod: batería y objetos
La Mujer Barbuda es un cuarteto dueño de una inspirada sonoridad experimental y
poderosa cuya riqueza interna se sostiene en una magnífica confluencia de
jazz-rock, psicodelia, avant-prog, estrategias de formas libres y
rock-in-opposition. La figura líder de este ensamble es el bajista y compositor
Franco Fontanarrosa, pero para nada sus intervenciones se convierten en la
columna vertebral o el fundamento del sonido grupal: por el contrario, este
cuarteto funciona como una unidad cabalmente integral donde las energías
particulares de cada componente arman diálogos sónicos llenos de espíritu
aventurero e impulso bizarro en cada pieza. En esta reseña repasaremos su
primer disco titulado "Música Para Cuando Aparece Un Monstruo", grabado,
mezclado y masterizado a lo largo de los tres primeros meses de 2008.
El inicio del disco es con el breve preludio "La Venganza Del Plomero Líquido",
una escalada de juguetes percusivos que levanta una tarima para la exhibición
del fabuloso tema "Hipopótamo Amarillo", el cual despliega un ambiente de
furiosa neurosis arropado bajo ritmos y riffs extrovertidamente coloridos,
además de insertar un breve interludio caótico por ahí. Con "Técnico Superior
En Plásticos Y Elastómeros", la banda sigue explorando estas ambientaciones de
neurosis celebratoria y los lleva una más contundente expansión expresiva. La
guitarra de Álvarez se luce de forma particularmente notable, estableciendo
nexos entre la fiereza Hendrixiana y el vigor iconoclasta de un Fred Frith.
Cuando llega el turno de "La Rana", el grupo se relaja un poco para disponerse
a explorar cadencias de corte fusionesco. El rol ocasionalmente destacado del
clarinete y los sonidos de percusiones concretas que enriquecen la base rítmica
capitalizan la gestación de una estructura sónica grácil, lo cual permite que
en alguna ocasión pueda el bajo lucirse en un primer plano sin hacer mucho
aspaviento. "El Plomero Líquido Ataca De Nuevo" es otra breve pieza, esta vez
armada con el ensamble grupal en pleno que se dedica a reelaborar la cadencia
mecanicista del primer mini-tema, pero su función consiste esencialmente en
prepararnos para la experiencia de "Enano De Jardín", pieza donde la banda
elabora motivos y matices explotando las aristas más intrincadas de su misión
musical; la rica variedad de atmósferas y esquemas rítmicos y la pulcramente
hilada progresión temática la convierten en un cénit indiscutible del álbum.
"Coccix" recibe el impulso de la peculiar magia del tema precedente con un
grupo motivado a seguir jugando con los límites de sus propias ambiciones
estéticas: el empleo de trucos de free-jazz y la inmersión en misteriosas
interacciones deconstructivas refuerzan el sentido de aventura. De este modo,
el grupo expone confluencias con las directrices de otras bandas especializadas
en el jazz-rock contemporáneo como Gutbucket y Led Bib.
Con sus 7 minutos y pico de duración, "Montaña Que Revienta" se proyecta hacia
una de las estrategias más filudas del álbum. En parte, recibe el impulso de
"Técnico Superior En Plásticos Y Elastómeros" y "Coccix", con lo cual el
ensamble tiene la ocasión de explorar de nuevo las dimensiones más agresivas de
su arquitectura vibrante musical. "Montaña Que Revienta" es una pieza
imponente, dueña de una fuerza de carácter inapelable y un swing magnético: se
trata, sin duda, de otro cénit decisivo del álbum. "El Plomero Líquido Insiste"
es un nuevo ejercicio grupal de minúsculas cadencias mecanizadas, y como es
natural, su función es la de abrir la puerta al siguiente tema, "Pixel". Éste
nos devuelve a la dimensión más relajada del cuarteto, bien asentada en matices
y cadencias jazzeras: el saxo ocupa un relevante lugar central a la hora de
manejar y reciclar las potencialidades expresivas del cuerpo central de la
pieza. Esta misma predominancia de lo jazzero se reitera acto seguido en "Axel,
El Axolote", pero se nota aquí que el espíritu experimental está más despierto.
Los últimos 5 BD minutos del álbum están ocupados por "Hombre Gangoso", tema
que condensa solventemente la dinámica del jazz vanguardista, la prestancia
progresiva y las aristas psicodélicas que han venido ocupando lugares
predominantes a lo largo del repertorio.
"Música Para Cuando Aparece Un Monstruo" es un disco muy dinámico y atrevido,
una muestra del deseo de aventura en la exploración de las dimensiones más
inquietas del ego musical de nuestros tiempos. La óptica artística de La Mujer
Barbuda es una de las garantías más sólidas de que todavía cabe esperar muchas
cosas grandiosas de la vanguardia argentina contemporánea respecto a los
aportes al ideal progresivo del rock. ?Qué mayor prueba de esta garantía que
hacer un disco aún mejor como lo es "Lagartos Terribles" unos años más tarde?
Pero eso es motivo de otra reseña: terminamos ésta reiterando que La Mujer
Barbuda es un nombre muy a tener en cuenta de parte de los amantes del rock
experimental fabricado en cualquier parte del mundo.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LOS INI - "Matespacial" (2007)
LOS INI: "Matespacial" (2007)
Temas
1. El Enchufe Me Mira Chinito (9:43)
2. Cuidado Con Pisarle La Cola Al Cometa (3:31)
3. Incienso Cierta (0:59)
4. Matespacial (6:33)
5. Mu (4:03)
6. Incienso Cierta (0:46)
7. A Dos Cuadras (4:23)
8. Ey! Cuidado Con Pisarle La Cola Al Cometa (4:28)
9. Incienso Cierta (0:56)
10. La Importancia Del Rabanito (7:12)
11. Peripecia En El Mundo De Las Piedritas (8:56)
12. En El Silencio Ajeno (4:16)
13. ?Nues La Nuez? (1:20)
Integrantes
- Mariano Bertolini: trompeta de bolsillo y composición
- Lucio Balduini: guitarra y efectos
- Augusto Urbini: batería y accesorios
Colaborador - Alberto Ibarguren (sintetizadores en 5, 8 y 11)
Un proyecto de música vanguardista con fuertes raigambres en las tradiciones
del avant-jazz, el R.I.O. y las esferas abiertas de experimentación atmosférica
con inspiración en la musique concrete, Los Ini tuvo una existencia muy corta e
ignorada dentro de los círculos vanguardistas argentinos donde se movió=85
!pero vaya si no hizo música interesante! Con las composiciones del trompetista
Mariano Bertolini y con las energías conjugadas de éste y las del baterista
Augusto Urbini y del guitarrista Lucio Balduini, Los Ini gestó una sonoridad
inquietante, muchísimas veces inescrutable en su vibración solipsista,
explícitamente desafiante frente a los criterios más "cómodos" de musicalidad.
El resultado concreto de todo esto para la difusión fonográfica es su único
disco "Matespacial", que data del año 2007. La estructura sónica de la banda
está diseñada para crecer sin expandirse en coloridos autocomplacientes sino
para retorcerse en su propio misterio, haciendo empleo sucesivamente de
recursos de tensión, densidad, deconstrucción y sutileza según cómo van
fluyendo las ideas a partir de diálogos donde la atención a los detalles y la
permanente posibilidad de quiebre exigen que los músicos pongan de sí el 100%,
no, el 200% de su lucidez. Vayamos al repertorio del disco en sí para explicar
los detalles de esta tremenda aventura musical.
"El Enchufe Me Mira Chinito" pone en marcha la maquinaria de Los Ini con una
batería que abre espacios a través de un empleo orgánico de cadencias
free-form, inquietante pero sin pizca alguna de estridencias. Sobre la frontera
del segundo minuto, el ensamble integral se agrupa en torno a un ejercicio bien
asentado de free-jazz donde la trompeta lleva inicialmente la voz cantante,
dejando posteriormente que la guitarra pase a un posicionamiento frontal. El
grupo sabe mantener un perfil sutil mientras se enrolla en el motivo central de
la ocasión. "Cuidado Con Pisarle La Cola Al Cometa" porta un carácter más
directamente constructivo, complaciéndose en una caótica focalización en cimas
y trucos dadaístas, especialmente en el uso ostensible de objetos y efectos con
la finalidad de explorar osadas profundidades abstractas. El primero de los
interludios titulados "Incienso Cierta" ofrece un lirismo sereno antes de que
la pieza homónima ahonde en la dinámica del free-jazz con in vigor más
pronunciado que en el tema de entrada: "Matespacial" conforma un primer clímax
del álbum, y a modo de oportuno contraste, el bellísimo tema "Mu" vira hacia
parajes más introspectivos bajo el ropaje de sus sonoridades cortantemente
sobrias y lánguidamente crepusculares. Con la ceremoniosidad sutilmente tétrica
del segundo "Incienso Cierta" y la vitalidad sigilosamente saltarina de "A Dos
Cuadras", Los Ini continúan explorando los espacios de diversidad sónica que se
plantea dentro de sus impecablemente coherentes parámetros donde las
interacciones entre los músicos exigen un tratamiento muy cuidado de los
elementos sónicos aportados por cada fuente individual. "Ey! Cuidado Con
Pisarle La Cola Al Cometa" establece una confluencia entre proyecciones
abstractas y juegos de síncopas propias del jazz vanguardista, mientras que "La
Importancia Del Rabanito" nos brinda interesantes alusiones al academicismo
posmoderno que años atrás encontramos en Nucleus y los proyectos de Keith
Tippett: encontramos en este tema un nuevo clímax decisivo del disco (que no el
último) en buena parte debido a la alternancia entre las sonoridades cósmicas
de la trompeta y el nervio brumoso de la guitarra en los espacios de lucimiento
que se reparten mientras atraviesan la bizarra dinámica elaborada desde la
batería de Urbini. En medio de las dos piezas mencionadas anteriormente, el
tercer "Incienso Cierta" ofrece un puente entre los dos temas antes
mencionando a punta de retomar el espíritu ceremonioso que caracterizaba al
segundo "Incienso Cierta". Con "Peripecia En El Mundo De Las Piedritas", el
trío explora atmósferas de corte R.I.O. (como Massacre o Henry Cow) y
avant-jazz-rock (como Tortoise o Fire!), alimentado con vibraciones de
inspiración industrial. La sección final lleva a una especie de celebración
épica del aura misteriosa que había imperado a lo largo de la pieza:
definitivamente, este tema encarna un tercer clímax del álbum. "En El Silencio
Ajeno" nos transporta hacia una distante languidez, cautivadora en su etérea
sutileza, misteriosa y relajante a la vez, como genuinamente celebrando el
silencio; justo cuando la huella de la última nota no se ha borrado de la mente
del oyente, emerge una breve manifestación de extroversión con "?Nues La
Nuez?", un epílogo intrusivo bastante simpático que redondea a la perfección el
espíritu imprevisible que Los Ini insuflan sin descanso a su visión musical.
Los Ini llegaron, vieron, hicieron cosas, y no es seguro que vencieran en el
sentido más habitual de la palabra, pero este disco "Matespacial" es, a fin de
cuentas, un triunfo del ingenio humano en el arte de hacer ruido dentro de un
mundo que continuamente cuestiona sus fundamentos. La secuencia de estos 13
viajes musicales emprendido por este trío refleja, en buena medida, la
intensidad patente y los temores latentes de nuestro entorno moderno.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el próximo disco de VDGG.. !!totalmente instrumental!!
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Parece que el grupo VAN DER GRAAF GENERATOR o para el rock'n'roll ni tampoco
demasiado viejo para sorprendernos. Tal como aparece en el enlace
www.portalesquizofrenia.com/van-der-graaf-generator-nuevo-disco-alt/2012/04/
... " Mejor noticia imposible. No hace ni un año de la aparición de su último
disco, 'A Grounding In Numbers', y el trío ya está anunciando su regreso al
mercado con el álbum de estudio e instrumental 'ALT',
el cual llegará en junio a través del sello Esoteric Antenna.
Se nota que desde que se reunieron en 2005 con el disco 'Present' y luego
lanzaron 'Trisector' cogieron el ritmo de trabajo de Peter Hammill, verdadero y
único líder del grupo. O mejor dicho, se nota que Hammill prefiere ahora
volcarse en su antigua banda y aparca de momento la característica
hiperactividad discográfica que tenía en solitario (casi iba a disco por año,
año y medio).
Sólo hace un año que aparecía en el mercado 'A Grounding In Numbers' y ahora su
sello, Esoteric, anuncia la llegada de un nuevo trabajo de estudio de Van Der
Graaf Generator, el cual llegará en junio de este 2012 y se llamará 'ALT'. No
sabemos mucho más al respecto: ni portada ni canciones que tendrá el mismo,
aunque serán 13 y todas ellas instrumentales.
Hugh Banton y Guy Evans acompañan de nuevo a Hammill en esta nueva aventura,
quien presenta así el trabajo: "Este disco 'ALT' no es un disco más de Van Der
Graaf Generator (...) Las improvisaciones instrumentales y experimentales son
la clave; la mayor parte de la música de 'ALT' fue realizada sin buscarlo, o
quizás sólo mientras estaba funcionando el hemisferio izquierdo de nuestro
cerebro (...) El álbum es una mezcla de improvisaciones grabadas como pruebas
de sonido y también es estudio, y se le puede considerar más como un disco de
creaciones sonoras que de música concreta".
También comenta el multiinstrumentista y compositor que "las 13 piezas ofrecen
un paso fascinante por un mundo sonoro alternativo de Van der Graaf Generator
(...) Quizás la comparación más cercana sería la del segundo CD del disco
'Present', pero incluso esa comparación entre ambas grabaciones es arriesgado".
Esoteric vende el disco como una cara desconocida de la banda que llegará en
edición estándar de CD y también en formato de vinilo. "
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Autor: Carlos Maria Sanchez Pedreira <karlosmar@hotmail.com>
Asunto: CuÃ!ndo nos cambiaron la frecuencia de 432Hz a 440Hz y por qué?
A continuación transcribo una informacion interesante:
Un ministro de propaganda nazi llamado Joseph Goebbels
creó un decreto universal en 1939 por el cuál se instaba a todo el
mundo a afinar el LA musical a 440 Hertzios, en lugar de a 432 Hz,
frecuencia a la que se afinaba toda la música hasta el momento. Desde
1939 hasta hoy en día se ha entonado a esa frecuencia.
Esto provoca en la gente pensar y sentir de una manera determinada y
se la mantiene sumida en un desorden interno. En 1953 el decreto de
Goebels fue aprobado por parte de la Organización Internacional de
Normalización (ISO).
Esto ocurrió a pesar de los esfuerzos de un gran número de músicos
franceses que apoyados por el Conservatorio de París, organizaron un
referéndum para preservar el LA afinado a 432 Hz.El LA afinado a 432hz ha
estado oculto al mundo por ser el punto de balance sónico de la naturaleza.
"432 Hz vibra en los principios de la media de oro PHI y unifica las
propiedades de la luz, tiempo, espacio, materia, gravedad y el
magnetismo con la biología, el código del ADN y la conciencia.
La afinación natural a 432 Hz tiene efectos profundos en la consciencia y
también en el nivel celular de nuestro cuerpo.
"Por la re-sintonización de instrumentos musicales y el uso de la
afinación de concierto a 432 hertzios en vez de 440 hertzios, tus átomos
y el ADN empiezan a resonar en armonía con la espiral de PHI de la
Naturaleza." (Brian T. Collins)Toda la música que escuchamos en este momento,
genera una frecuencia inarmónica con el planeta y con el organismo humano.
Una nota hace 12 armónicos, porque pone en resonancia las 12 notas de
la escala musical (con medios tonos y sostenidos). Las notas hacen 12
armónicos, cuando se toca una nota afinada a un LA afinado a 432 Hz.
Cuando uno toca en un LA afinado a 440 Hz, sólo se hacen 8 armónicos.
La
música afinada a 440 Hz es música muy pobre.
La frecuencia del planeta Tierra es de 8 Hz. Las ondas alfa, la
frecuencia del cerebro en estado de relajación profunda, son ondas a 8Hz.
Afinar a 440, hace que la base no sea 8, sino 8"25, lo cual
significa que los armónicos que generan no son armónicos con el
planeta.El Ser Humano funciona en un rango de frecuencia que va de 16 a 32
Hertzios, lo que equivale en la escala musical, del do al do, o sea, una
octava. Afinar a 440 Hz tampoco es armónico con la frecuencia del Ser
Humano porque la base es 16,5.La primera alteración física que podemos notar
cuándo llevamos un
rato escuchando música, es cansancio, fatiga, ganas de no hacer nada, y
esto sucede porque los armónicos de la música no encajan con la
frecuencia vibratoria del ser humano.
La frecuencia en la que nos mete la música afinada a 440 Hz nos hace sentir
inseguridad, miedo, angustia y desorden internoDurante muchos años ha
interesado que la Humanidad esté sumida en la oscuridad.Si la música no está en
armonía con el planeta, no está en armonía con
el Ser humano y cómo consecuencia se producen alteraciones en ambos.Para evitar
que esto continúe sucediendo, deberíamos afinar la música
a 432 Hz. Y podemos hacerlo pasando toda nuestra música al ordenador, y
utilizar un programa que permita bajar la frecuencia. Las
interpretaciones sonarán un poco más lentas, pero es casi imperceptible.
Hay programas de ordenador que sirven para manejar, editar y grabar
música. Por ejemplo el de Mac, Garage Band.
Esta música después se debe pasar a DVD en lugar de en CD, porque los
CD"s no tienen capacidad de manejar 12 armónicos, sólo manejan 8
armónicos, y no serviría de nada porque estaríamos recortando 4
armónicos.
La música grabada en CD es cortante, dura, fría, en cambio grabada en
DVD es más cálida porque permite grabar con los 12 armónicos.
Gracias, y hasta pronto
Carlos Sánchez Pedreira
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: nuevo proyecto con Chino Moreno (DEFTONES) y tres ex-ISIS
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Chino Moreno, frontman del grupo DEFTONES y líder de proyectos colaterales como
CROSSES (junto con Shaun Lopez, guitarrista del grupo FAR) y TEAM SLEEP, está
formando un nuevo proyecto musical llamado PALMS, en asociación con tres
ex-miembros de ISIS: Aaron Harris, Clifford Meyer y Jeff Caxide. PALMS tiene
planeado publicar un álbum en el transcruso de este año.
Harris informa que PALMS comenzó "hace un poco más de un año atrás a partir del
deseo permanente de continuar haciendo música después de que se separó ISIS."
De hecho, "Chino se nos unió al poco tiempo y nuestro sonidó empezó a cobrar
forma a partir de ahí. Realmente nos hemos esforzado mucho en pos de éste,
nuestro primer disco, y estamos muy emocionados porque la gente lo va a
escuchar pronto. Es muy bueno estar detrás de una batería nuevamente siendo
parte de esta alineación." Por su parte, Moreno también ha expresado su
entusiasmo: "Como fan de ISIS, siempre he disfrutado los ambientes que estos
tipos transmiten con su sonido. Estoy muy emocionado de combinar mi sentido de
la creatividad con el de ellos, y de divertirme al hacerlo."
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LIZARD sacará pronto su nuevo álbum de estudio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La banda polaca LIZARD, muchos años después de su últimos disco "Spam", vuelve
al ruedo fonográfico con su nuevo álbum "Master and M". Aún no se ha anunciado
la fecha precisa del lanzamiento del disco, pero se anuncia su futura
existencia en la página web de la banda: http://lizard-band.com/news.html
Se supone que es un disco conceptual inspirado en un libro sobre una antigua
historia.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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