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La caja de musica Number 0979
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #979 enero 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
Vota los mejores discos de 2011
http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/CGI/mejor11.html
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* THE EARTH EXPLORER "Trans Europe Expression"
* HENRY KAISER & TREY GUNN "Invisible Rays" (2011)
* FIRE! With Jim O"Rourke "Unreleased?"
* ARTERIA "Cuatro Visiones" (2011)
* Blue Mammoth
* TARTAR LAMB - "Sixty Metonymies" (2007)
* Los mejores del aÒo
* EREH CDA - "ManuzkRitoz ZE" (2010)
* TSUKI-USAGI - "Tsuki-Usagi" (2010)
* Los mejores del aÒo
*
* LUZ DE RIADA - 20 de enero
* White Willow: "Terminal twilight" (2011)
* ARANIS - "Roqueforte" (2010)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: THE EARTH EXPLORER "Trans Europe Expression"
THE EARTH EXPLORER: "Trans Europe Expression" (2012)
Temas
1. Stromboli (6:39)
2. Rhodanus (River to the Ocean) (6:56)
3. Intersection (7:58)
4. Flying Roses (7:31)
5. Gordes (11:37)
6. Endeavour (6:07)
Integrantes:
- Kenji Imai: flauta
- Ryuji Yonekura: teclados
- Takayuki Asada: batería
- Yukio Iigahama: bajo
- Katsumi Yoneda: guitarras
The Earth Explorer es el nombre de una muy buena banda japonesa dedicada a esto
de revitalizar la vertiente sinfónica del progresivo vivo de nuestros tiempos.
Formado en 2005 bajo el nombre de Europe Express, no se dedicó a cultivar un
kraut electrónico a lo Kraftwerk como podría pensarse en un primer instante,
sino a hacer covers de PFM y Area, entre otras bandas de la tradición
progresiva europea. Cuando el grupo empezó a crear su propio material, se
focalizó en la vertiente sinfónica del género, aunque sin cerrarse a la riqueza
sónica que puede proveer alguna ocasional incorporación de cadencias jazzeras:
el resultado que se generó fue una sonoridad muy rica y vitalista. Habiendo
grabado un homónimo disco debut generalmente ignorado en 2009, ahora a inicios
de 2012 es hora de prestarle atención con su segundo lanzamiento "Trans Europe
Expression". El título de este segundo disco es alusivo a la prehistoria de la
banda: pasamos a reseñarlo de inmediato.
El disco abre con "Stromboli", un tema muy tirado hacia las líneas de PFM y
Camel, conjugando el colorido prístino de las estructuras melódicas con la
vivacidad bien manejada de la estructura rítmica en 7/8. La flauta se siente
solventemente asentada en su locación preferencial dentro del bloque
instrumental, lo cual no impide que la guitarra asuma a veces un rol
protagónico en algunos momentos estratégicos. El aura extrovertida de este tema
de entrada halla su complemento con la espiritualidad reflexiva que se impone
en el segundo, "Rhodanus (River to the Ocean)": la pieza de por sí no es
lánguida, pues contiene varios pasajes cargados de fuerza expresiva, y de
hecho, la guitarra dispone de una presencia más crucial, pero es evidente que
el tenor de los motivos centrales es meditativo. El estilo esencial se mantiene
intocable, apelando frontalmente a un lirismo conmovedor que ya practicaron
antaño otras bandas japonesas como Mr. Sirius, Pageant y Mugen: el pasaje final
de piano y flauta parece prácticamente un tributo a esos antecedentes.
"Intersection", el tercer tema, ahonda en los matices más extrovertidos de la
banda, haciendo que el colorido ya manifiesto anteriormente en "Stromboli"
llegue a niveles más entusiastas, incluso valiéndose de cadencias jazz-rockeras
en la base rítmica, con lo cual se logra un sólido hermanamiento de sinfonismo
y jazz-prog, nada distante del estándar de los heroicos veteranos de Kenso
(etapa de los discos "II" y "III"). Cabe notar la breve presencia de tarareos
femeninos en uno de los pasajes intermedios. "Flying Roses" puede muy bien
describirse como una mirada sintética de todo lo que ha venido sucediendo en el
disco hasta ahora: comienza con un motivo medidamente melancólico en 5/4, luego
pasa a una sección pastoral naturalmente liderada por los dibujos y florituras
de la flauta, y posteriormente se complace en explorar, una vez más, aureolas
de expresividad extrovertida. La pieza se remata perfectamente con una
exhibición de calidez al más puro estilo Cameliano con algunos ribetes
Focusianos. "Gordes", el tema más largo del disco con sus 11 minutos y medio de
duración, comienza con un preludio que ostenta una actitud solemne y
ceremoniosa sostenida principalmente por las bases del piano, mientras que la
flauta y la guitarra van organizando sus propios espacios dentro de la
arquitectura sónica en curso. Mientras avanza la instauración del ambicioso
cuerpo central, la vibración ceremoniosa va en aumento, pasando a niveles
épicos inspirados en UK y Yes. Los últimos 6 minutos del álbum están ocupados
por "Endeavour", pieza que se pone a cargo de mantener el momentum de
ceremoniosa fastuosidad. Incorporando algo de vigor en algunos pasajes
intermedios, la pieza garantiza algo de necesaria energía en medio de la
solemnidad reinante, logrando así completar un auténtico broche de oro para el
álbum.
"Trans Europe Expression" es un disco realmente fabuloso, un ejemplo de cómo
los viejos estándares del prog sinfónico todavía pueden confiar su nostálgica
supervivencia a las manos y mentes de músicos adueñados de tremendas dosis de
creatividad compositiva y energía. The Earth Explorer es una banda a descubrir,
una tarea pendiente e ineludible para los acérrimos e irreductibles amantes del
género progresivo.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: HENRY KAISER & TREY GUNN "Invisible Rays" (2011)
Invisible Rays
MORGAN AGREN, HENRY KAISER & TREY GUNN: "Invisible Rays" (2011)
Temas
01. Invisible Rays 22:19
02. The Magic Ring Of Invisibility 6:50
03. Where Is Juan? 5:52
04. The Secret Handshake With Danger 6:20
05. Greatest Hits 1:04
06. The Last Guru 4:55
07. Take A Bath With Lenin 2:13
08. Ghost Red Wires 4:24
09. Invisibility Clause 4:35
10. Understudy To The Stars 0:18
11. An Unusually Nice Hotel 12:40
Integrantes:
- Henry Kaiser: guitarras, mandola, guitarra barítono
- Trey Gunn: guitarras touch, bajos touch, guitarra barítono
- Morgan Agren: batería, percusión
Henry Kaiser, Trey Gunn y Morgen Agren, tres colosos veteranos de la vanguardia
y la música progresiva que se juntan para grabar un álbum en base a una serie
de improvisaciones que se registraron en una ocasión única donde los tres
disponían de tiempo libre y tuvieron la ocurrencia de perpetrar una aventura
conjunta. Algo tan casual como esto puede ser el revulsivo de música
importante, tal como lo demuestra el resultado: "Invisible Rays", un abundante
catálogo de música arriesgada que salió a la venta pública en noviembre de
2011. Y todo comenzó en marzo de 2011, en el contexto de la convención
artístico-pedagógica IB Expo 2011, organizada por la gente de Isildur"s Bane,
en la localidad sueca de Varberg. Justamente durante el último día del evento,
los maestros Agren, Kaiser y Gunn se dieron cuenta de que contaban con un par
de horas de tiempo libre, y simplemente se encerraron en el estudio Red Room
(cuartel general de Isildur"s Bane), siendo así que Kaiser asumió el rol de
"más o menos líder" de este improvisado trío. De hecho, Kaiser posteriormente
se llevó las pistas grabadas a su estudio de Oakland para mezclarlas y
organizarlas en un repertorio reconocible. En subsiguientes comunicaciones, los
tres músicos expresaron su total complacencia con el resultado obtenido, y así
pues, se dio luz verde a la publicación de un nuevo ítem de música experimental
contemporánea, una nueva joya para el disfrute de los perpetuos fans del rock
progresivo de avanzada. Y estamos hablando de gente muy versátil aquí: MOrgan
Agren es un veterano del jazz y el progresivo en tierras suecas, contando con
una membresía en Kaipa y siendo co-fundador de Mats/Morgan; Trey Gunn es un
viejo conocido de Robert Fripp desde los tiempos de los Crafty Guitarists y fue
pieza vital dentro del KC de la cuarta etapa, además de contar con un nutrida y
respetable discografía solista; Henry Kaiser es una curtida celebridad en los
mundillos del jazz-rock y la vanguardia free-form en los EE.UU, incluyendo en
su amplio currículum colaboraciones con el gran Fred Frith.
El disco comienza con la pieza homónima, una maratón monstruosamente magnífica
que supera los 22 minutos de duración. El despliegue de fortaleza y vibraciones
electrizantes es patentemente vitalista, nunca decayendo en su contundencia: la
labor de Kaiser a la hora de establecer sólidos fundamentos jazz-rockeros a las
diversas cadencias en curso es inapelablemente robusta, mientras que las ideas
neuróticamente arrolladoras que brotan de la guitarra de Kaiser nos remiten
sucesivamente a estándares Frippianos, Holdsworthianos, McLaughlianos y
Frithianos. Por su parte, Gunn guarda una disciplina oportunamente comedida a
fin de aportar un ancla a las travesías alucinadas en las que se embarcan sus
dos compañeros. Al bordear la barrera del décimo minuto, el trío desarrolla un
pasaje muy a lo Projekct Three, eso es, expansión de sonoridades a lo
Frippertronics bajo una armazón de free-jazz empapada de aromas psicodélicos.
Poco antes de la barrera de minuto 14, el asunto vira hacia un breve interludio
abstracto que en realidad opera como puente hacia un motivo de corte RIO
guitarrero contemporáneo (semejante a lo hecho por Cosa Brava, Pak y las
aventuras de rock experimental de John Zorn). Este motivo conduce
sostenidamente a la sección final, el cual reinstaura con ciertas
modificaciones uno de los primeros riffs que tuvieron lugar en la pieza: el
momentum y el gancho se completan contundentemente. Cuando emerge "The Magic
Ring Of Invisibility", se instala una atmósfera un poco más relajada, al modo
de una versión fusionesca de BLS, o mejor dicho, un híbrido entre el aspecto
jazzero de BKS y el espíritu general de la obra maestra de Gunn "The Joy Of
Molybdene". "Where Is Juan?" ahonda en la cuestión jazzera para instalar un
cálido ejercicio de relajado free-jazz donde lo introspectivo adquiere un aire
bizarro (que no exultante). "The Secret Handshake With Danger" es frontal y
llanamente un exhibición de deconstrucción químicamente pura: aquí no interesa
tanto la interacción sino la cohabitación de tres voluntades encerradas en sus
propias ocurrencias del momento, con un Agren afanosamente concentrado en
ejercicios percusivos mientras que Kaiser desarrolla escalas raras en su
guitarra touch y Gunn juega con variados efectos cósmicos.
El sarcásticamente titulado "Greatest Hits" es una irrupción de vigor caótico
que solventemente sirve como puente entre el surrealismo de "The Secret
Handshake With Danger" y la fusión psicodélica de "The Last Guru", plagado de
las dosis habituales de modismos Crimsonianos. "Take A Bath With Lenin" es un
nuevo ejercicio de tenso caos liderado por los densamente complejos fraseos a
la guitarra de Kaiser, un ejercicio no muy largo que sirve para crear un
momento de alucinada intensidad antes de que "Ghost Red Wires" brinde una
aureola de serenidad, sutilmente envuelta bajo un suave manto de misterio: en
el minuto final, el ensamble aumenta la polenta de forma gradual pero decidida,
preparando así el camino para que, acto seguido, "Invisibility Clause" nos
ofrezca un cuadro sonoro de colorida extroversión dentro de las coherentemente
sostenidas pautas experimentales a las que está comprometido el trío. Con menos
de 20 segundos de descoyuntadas sonoridades abstractas, "Understudy To The
Stars" abre la puerta a la última pieza del álbum - "An Unusually Nice Hotel".
Ocupando un espacio de más de 12 minutos y medio, esta pieza se arma sobre un
jam desde el cual se desarrolla un crescendo que asciende desde los rincones de
una engañosa calma contemplativa hacia una densidad emocional cuyo fuego vital
flamea contenido. En cierta medida, esta pieza conclusiva recapitula los
espíritus de "The Magic Ring Of Invisibility" y "Where Is Juan?" - un broche
preciso y dorado.
En conclusión, "Invisible Rays" es una obra sublime donde los músicos
partícipes dan total cuenta de por qué son figuras tremendamente importantes
dentro de las vanguardias rockera y jazzera de los últimos decenios: los Sres.
Agren, Kaiser y Gunn han logrado congeniar a todo nivel en cuanto a
creatividad, performance y magia, y lógicamente, este resultado fonográfico
concreto no puede sino catalogarse como genial, una genialidad pura y dura.
Este disco se siente en casa teniendo como vecinos a los discos de Bozzio Levin
Stevens, los solistas de Trey Gunn, Naked City de John Zorn, los Projekcts I y
IV, Fripp Rieflin Gunn, KTU, Levin Torn White y el proyecto Polytown de Bozzio,
Karn y Torn. !Hay que ver cuánto trío hay en esta lista!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FIRE! With Jim O"Rourke "Unreleased?"
FIRE! With Jim O'Rourke: "Unreleased?" (2011)
Temas
1. Are You Both Still Unreleased? (11:39)
2. ...Please, I Am Released (9:05)
3. By Whom And Why Am I Previously Unreleased? (3:12)
4. Happy Ending Borrowing Yours (17:29)
Integrantes:
- Mats Gustafsson: saxo, piano Fender Rhodes, efectos eléctricos
- Johan Berthling: bajo
- Andreas Werliin: batería, percusión
Con - Jim O"Rourke (guitarra y efectos)
El saxofonista sueco de jazz experimental Mats Gustafsson es algo así como el
equivalente de John Zorn en tierras escandinavas, un obsesionado de la
expansión y amplificación de los ideales de expresividad inquieta del free-jazz
que no le hace ascos a la psicodelia radical, el noise, lo industrial, lo
cibernético, el World Music, incluso los legados del punk y el kraut. O sea, un
eclecticismo proyectado hacia un radical desafío de las normas a partir de
particulares recreaciones de las motivaciones primarias de las teorías
vanguardistas del jazz. Fire! es el nombre de su más reciente proyecto, el cual
surgió como un power-trío de jazz postmoderno, debutando en 2009 con el álbum
"You Liked Me Five Minutes Ago". Siendo así que el bajista Johan Berthling
tenía que duplicar sus labores para realizar también las partes de guitarra, la
situación cambió para el segundo álbum "Unreleased?", el cual se hizo con la
colaboración de Jim O"Rourke como constante invitado especial. O"Rourke es un
músico veterano que emergió y creció en la escena underground de Chicago,
cabalgando por igual en los caminos del rock experimental y el jazz de
avanzada, contando en su currículum con estancias en bandas tan disímiles como
Red Krayola, Wilco y Gastr Del Sol. Así pues, esta asociación con Fire! Le
resulta absolutamente natural a una mente tan inquieta y diversa como la suya.
Hacemos bien en mencionar a John Zorn como referente descriptivo para acercar
la línea musical de Fire! al lector, pero también cabe señalar
conexiones/confluencias con Zs, Zu y Combat Astronomy.
"Are You Both Still Unreleased?" abre el disco con una dinámica inquieta
engañosamente revestida de parsimonia. Los recursos de tensión mayormente
desplegados por el saxo aportan una garantía de intensidad desafiante a un jam
que, por lo demás, deja que se luzca la cadencia moderada perpetrada por la
dupla rítmica. Hay una especie de clímax masivamente sostenido en los últimos
minutos, clímax signado por las atmósferas Frippianas de la guitarra (a lo
Fripp & Eno): de esta manera, el ensamble logra mantener el nivel de energía
expresiva sin salirse un ápiced de los confines de su minimalismo abstracto.
Acto seguido, emerge la arquitectura de "...Please, I Am Released", pieza que
se desarrolla a través de 9 minutos de maquinismo neurótico e inquietudes
dadaístas, elaborando así unas variantes industriales al discurso del
jazz-rock. Los efectos cósmicos de guitarra y sintetizador ocupan un
protagonismo inicial mientras arrojan gélidos colores psicodélicos sobre un
machacante compás de 3/4, y recién en la frontera del cuarto minuto y medio
entra a tallar el saxo para generar nuevos recursos de arrolladora tensión. La
coda realza la simpleza armónica nuclear de una forma magnéticamente
abrasadora. En medio de unos temas de tan largo aliento, "By Whom And Why Am I
Previously Unreleased?" resulta un interludio donde el grupo elabora una
misteriosa improvisación descoyuntada, al modo de un aire de expectativa
encapsulado en una profunda niebla gris.
Los últimos 17 minutos y pico del álbum están ocupados por "Happy Ending
Borrowing Yours", y lo hace justamente tomando la posta del interludio antes
mencionado con una extensa introducción pletórica de densas atmósferas caóticas
desde donde se arma un apabullante crescendo surrealista. Al llegar a la
frontera del sexto minuto, ya se siente un esquema rítmico bien asentado, cuya
cadencia guarda bastante similitud con la del tema de entrada, pero en lo que
concierne a las sonoridades que arropan el juego musical en curso, las
semejanzas son con "...Please, I Am Released". Así las cosas, se puede advertir
que el grupo se toma el serio propósito de condensar su lado misterioso y su
lado dinámico en el bloque sonoro que ha de cerrar el disco. El modo en que las
solitarias pulsaciones de bajo finales crean el momento final del tema parece
emular los últimos latidos de una maquinaria bizarra de sonidos desafiantes. Y
así culmina la experiencia de "Unreleased?", una alucinada experiencia de
música progresivamente diferente y desafiante de parte de esta asociación de
Fire! y Jim O"Rourke. !Ojalá se den más creaciones de esta asociación en el
futuro!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ARTERIA "Cuatro Visiones" (2011)
ARTERIA: "Cuatro Visiones" (2011)
Temas
1. La Sentencia (3:55)
2. Fragmentos Cortados (4:13)
3. Lo Inexistente (4:58)
4. Cuatro Visiones (7:37)
5. Partes En Una Botella (8:00)
6. Marcha Fúnebre (3:10)
7. Lo Que No Está Muerto (4:45)
8. Mi Pulso (3:03)
9. El Hijo De Bernardo (6:01)
10. Un Lamento Y Dos Danzas (7:43)
Integrantes:
- Juan Carlos Ruiz: fagot, composiciones
- Adolfo Zaragoza Cerecero: guitarras
- Mari Carmen Graue: cello eléctrico
- Víctor Baldovinos: batería
- Tizok: programación, percusión electrónica
Arteria es un ensamble de chamber-rock mexicano de formación reciente, pero
formado y comandado por una figura veterana de la vanguardia progresiva
mexicana: Juan Carlos Ruiz, vientista de bandas tan heroicas como Nazca y Culto
Sin Nombre. También hay otro genial veterano en la banda, el baterista Víctor
Baldovinos, cuyo CV incluye estancias en Iconoclasta, Muros De Agua y Govea,
entre otras actividades musicales. El bloque grupal de Arteria expone una
propuesta sonora directamente heredera del corazón más puramente sombrío del
RIO francófono de primera generación: Univers Zero, Art Zoyd, Present - su obra
debut "Cuatro Visiones" encarna una manera magistral de investigar en este tipo
de vías exigentemente experimentales en los confines más radicales del lenguaje
rockero.
Con "La Sentencia" se da inicio al disco, abriéndose ampliamente campo a
caminos sónicos marcados por una oscuridad vigorosa que hace de la nocturnidad
una fuente de energía tan angustiosa como inapelable. La esencia sonora se
sitúa a medio camino entre Present y el Henry Cow de "Western Culture". Acto
seguido, la secuencia de "Fragmentos Cortados" y "Lo Inexistente" ahonda en la
oscuridad con una ceremoniosidad tétrica que crea una niebla diseñada para
envolver al cosmos y hundirlo en el inframundo, algo muy fiel al estándar de
Univers Zero. "Fragmentos Cortados" se basa en una alternancia de cadencias
marciales de tenor mortuorio con otras más ágiles, mientras que "Lo
Inexistente" patentemente pone un acento prioritario en lánguidos climas
funerarios. La pieza homónima llega en cuarto lugar, ofreciéndonos 7 minutos y
medio de nuevas vicisitudes sonoras que se bifurcan continuamente por los
senderos de oscura tensión que el grupo ya ha demostrado manejar con impoluta
maestría. El vigor arrollador que se impone fehacientemente desde las primeras
notas abre paso a un manejo sofisticado de ambientes peligrosos y atmósferas
inciertas, permitiendo que las líneas del oboe y del cello eléctrico asuman
sucesivamente un medido protagonismo en medio de las pulsaciones rítmicas que
atormentan el bloque instrumental general. Esto nos remite al legado de
Present. "Partes En Una Botella" exhibe un aura dadaísta y medio juguetón a la
hora de reciclar la herencia de perturbación y densidad de las cuatro piezas
anteriores, manteniendo la expresividad en un conveniente nivel de
autocontención durante la mayor parte del tiempo. La sección final sirve para
que la banda explore una retorcida luminosidad expansiva, culminando en una
explosión densa y absorbente.
"Marcha Fúnebre" encarna a la perfección el temor y el temblor de la conciencia
ante el prospecto de sufrir un daño tan grande como inasible: primeramente lo
hace sobre un triste y grisáceo compás marcial, ciertamente fúnebre, y luego
vira hacia un clímax explosivamente tétrico. Esta inquietud oscura y aterradora
es magistralmente perpetuada en "Lo Que No Está Muerto" durante los casi 2
minutos y medio que dura su obertura; a partir de ahí, el tema deriva hacia una
expansión de motivos grisáceos que portan diferentes niveles de agilidad. Esta
expresión de intensidad visceral es recapitalizada y articulada por "Mi Pulso",
la pieza más explícitamente rockera del álbum: el motor vitalista plasmado por
la guitarra y la batería opera como una efectiva estrategia arquitectónica para
la instrumentación global. "El Hijo De Bernardo" se proyecta también hacia
ambientaciones ágiles, siempre fieles a los moldes de Univers Zero y Present:
se destaca aquí un extenso solo de guitarra que dignifica infinitamente la
contundencia esencial del instrumento. Finalmente, "Un Lamento Y Dos Danzas"
completa el concepto estético del disco: esta pieza hereda mucho de la
solemnidad que marcó antes a "Marcha Fúnebre" y "Partes En Una Botella",
empezando con un tenor seco y luego pasando a una dimensión un poco más etérea.
El clímax sostenidamente creciente que se arma antes del pasaje final cuenta en
el cello como su elementos crucial.
Así pues, tenemos que hacer un balance general muy positivo sobre Arteria y su
disco "Cuatro Visiones": México nos sorprende nuevamente desde las esferas más
radicales y posmodernas del multicolor mundo progresivo, yendo de la mano con
1870 y portando orgullosamente las herencias de referentes legendarios como
Nazca, Decibel y Culto Sin Nombre. Este proyecto liderado por Juan Carlos Ruiz
entra de lleno en la realidad actual del género progresivo con paso firme.
César Mendoza
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Autor: Julian Quezada Quilodran <julianqq@gmail.com>
Asunto: Blue Mammoth
hola!
les escribo para avisarles que coloque el disco de mi grupo - BLUE MAMMOTH
- en la red:
http://soundcloud.com/bluemammoth/sets
https://www.onerpm.com/BlueMammoth
El cd tambien esta a la venta en: masquerecords.com
saludos
Julian
--
www.bluemammothband.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TARTAR LAMB - "Sixty Metonymies" (2007)
TARTAR LAMB: "Sixty Metonymies" (2007)
Temas
01. Incensing The Malediction Is A Lamb (12:30)
02. A Lamb In Hand's Worth Two In The Ewe (03:12)
03. Trumpet Twine The Lamb Unhyne (09:35)
04. The Lamb, The Ma'am And The Holy Shim-Sham (16:38)
Integrantes:
- Toby Driver: guitarra
- Mia Matsumiya: violín
Colaboradores - Tim Byrnes (trompeta), Andrew Greenwald (batería)
Primera exposición sonora de Tartar Lamb, uno de los proyectos liderados por
Toby Driver para canalizar y concretizar sus diversos enfoques creativos
asociados al ideal de hacer vanguardia inaudita y peculiar dentro del lenguaje
del rock=85 o incluso desafiando (cuando no retorciendo) los límites del mismo
para meterse en algo que se sitúa a medio camino entre el RIO y la simple y
llana música de cámara. A esta afiliación responde Tartar Lamb, ensamble que
entregó una muy densa obra titulada "Polyimage Of Known Exits" el año pasado, a
contrapelo de la más espartana obra debut "Sixty Metonymies" que pasamos a
reseñar aquí. La base de las composiciones aquí contenidas se fundan en el
interés que tenía Driver por explorar las posibilidades de texturas y sutilezas
a partir del dueto de guitarra y violín: durante el desarrollo de las ideas
para este disco, se añadieron la trompeta y la batería, aunque manteniendo
firme el núcleo de guitarra y violín en lo que al espíritu de las composiciones
se refiere.
Los 12 minutos y medio que dura "Incensing The Malediction Is A Lamb" nos pone
en onda con la esencia estilística del ensamble, de manera pura y directa. La
primera fase consiste en 150 segundos de extremadamente lánguida interacción
entre la guitarra y el violín, apelando a sumamente relajados juegos
minimalistas de acordes. A medida que avanza la pieza, el asunto se pone un
poco más colorido, incluyendo una presencia más relevante de la trompeta,
aunque es claro que las interacciones no pierden ese relevante tenor
minimalista y sumamente controlado. El empleo de efectos de grabación acelerada
en algunos lugares estratégicos ayuda a sostener el muy sutil crescendo que
tiene lugar a lo largo del cuerpo central. "A Lamb In Hand's Worth Two In The
Ewe" empieza con un obediente seguimiento de las atmósferas apabullantemente
lánguidas con las cuales se había trazado el inicio de la primera pieza, pero
más adelante incorpora trucos un poco más traviesos. El final calmado y
silencioso no logra ocultar el hecho de que una puerta de expresividad se ha
abierto, y es por ello que no nos debe sorprender que "Trumpet Twine The Lamb
Unhyne", el tercer tema, comience con un prólogo tan asertivo, dueño de un
clima de caos producto de la fusión de free jazz y musique concrete.
Aparentemente, esta promesa de tensión explícita es tan solo un espejismo, pues
el ensamble vuelve al solaz del minimalismo grisáceo y misteriosamente calmado.
Pero=85 a partir de la barrera del quinto minuto y medio se elabora un clímax
moderado cuyo carácter modoso es tan solo la cubierta engañosa de una gran
desazón: se nota una aureola de tristeza en este pasaje inteligentemente armado
sobre una letanía de dos acordes. La conclusión porta una ceremoniosa
invitación a recuperar la calma. Los últimos 16 minutos y pico del álbum están
ocupados por "The Lamb, The Ma'am And The Holy Shim-Sham". Esta pieza tiene la
misión de ahondar concienzudamente en los caminos de introspección abstracta
que han sido trazados en la estructura íntegra del disco. Hay algunos momentos
de más abierta expresividad que sirven para aportar un controlado régimen de
variedad al desarrollo musical en curso: de hecho, los últimos minutos están
marcados por un mantra que parece exorcizar algunos fantasmas de inquietud
mientras se deja arropar por la triangulación de violín, trompeta y batería.
Cabe resaltar también el perfil bajo que mantiene la guitarra dentro de la
instrumentación global, pero aún así, sus fraseos se mantienen como recursos de
liderazgo sonoro. Por su parte, el violín redondea el posicionamiento
protagónico del que ha gozado consistentemente a través de todo el disco.
Tartar Lamb es un proyecto muy interesante dentro de las continuas intentonas
que existen por introducir elementos de la vanguardia académica dentro del
discurso más experimental del underground rockero de nuestros días. "Sixty
Metonymies" es el testimonio del nacimiento de una entidad muy importante
dentro de esta vertiente.
César Mendoza
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Autor:
Asunto: Los mejores del aÒo
* DirecciÛn de correo: jclara66@hotmail.com
* VotaciÛn de los mejores del aÒo:
------ RESUMEN MUSICAL 2012-------
MEJORES DISCOS EN MI HUMILDE PARECER:
NEAL MORSE-- TESTIMONY 2
IGNATIUS-- A LIGHTS FROM THE DEEP
STEVEN WILSONóGRACE FROM DOWNING
PENDRAGONóPASSION
STEVE HACKETTóBEYOND THE SHROUDED HORIZON
ALBATROSóURSUS
AIRBAGóALL RIGHTS REMOVED
BEN CRAVENóGREAT & TERRIBLE POTIONS
DISCIPLINEóTO SHATTER ALL ACCORD
PAIN OF SALVATIONóROAD SALT TWO
Me dejo un montÛn en el tintero, pero creo que 2011 ha sido una cosecha
excelente,
Neal Morse y Steven Wilson nos dieron lo mejor de ellos, el panorama espaÒol se
hizo
notar con dos discazos, Ignatius y Albatros, trabajos que ponen el rock
progresivo
nacional a la altura que se merece, no quiero dejar de mencionar los discos de
Cosmograf, Millenium, Peter Gagriel, Pagan,s Mind,Anubis..........
Destacar a Unitopia como el mayor descurimiento musical del aÒo, sus discos The
Garden, y Artificial, aunque son de aÒos pasados, ponen a la banda en la cima
del rock progresivo actual!!!!
M·s de lo mismo con Dream Theater, soy de la opiniÛn de Portnoy, deben de dar
un parÛn
y ver que camino coger, sus ultimos trabajos suenan todos iguales!!!!
DescubrÌ el ìSome Girlsî de los Stones, ni idea donde estuve escondido sin
escuchar tal joya!!!!!!
El disco que m·s escucho, y no me canso: Marillion-- ìHappiness is the roadî
y,
por supuesto:THE WALL.
Un suspenso total al ìLULUî de Metallica y a la reuniÛn de Black Sabbath
prevista para este aÒo, otra leyenda perdida por poderoso caballero Don
Dinero!!!!!
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: EREH CDA - "ManuzkRitoz ZE" (2010)
EREH CDA: "ManuzkRitoz ZE" (2010)
Temas
1. ArrankandomelazUñaz (7:22)
2. Burlezke (6:12)
3. ObzkuroInfluhodeDolor (5:26)
4. KalordeZangre (3:50)
5. LaPiedra (5:10)
6. Aborto (1:08)
7. BahalaBruma (7:33)
8. Rito (7:19)
9. Aura (6:40)
Integrantes:
- Jorge Gaytán: bajo, viola
- Tizok: guitarras, percusiones, bajo, epígrafes
Erehía es el peculiar nombre de un dúo mexicano dedicado a cultivar una muy
hereje modalidad de rock progresivo: el rock in opposition. Los dos miembros de
este ensamble, Jorge Gaytán y Tizok, se conocen de un largo tiempo atrás,
cuando creaban obras vanguardistas en la Escuela Nacional de Música y hacían
música para danza contemporánea. El disco que traemos a colación hoy,
"ManuzkRitoz ZE", es hasta ahora el único testimonio fonográfico de la
confluencia creativa de Gaytán y Tizok, dando como resultado una propuesta
muscular y ampliamente neurótica dentro del espectro de variantes que ofrece la
línea de trabajo rock-in-opposition en el progresivo. La inclusión de epígrafes
alusivos a los temas del disco buscan reforzar la consistencia conceptual del
mismo: ahora, repasaremos su repertorio con detalle.
"ArrankandomelazUñaz" abre el disco con un vigor filudamente contundente: el
asunto suena a un híbrido de Present y Humus, con las consabidas alusiones
Crimsonianas que esta mezcla implica, además de algunos factores densos propios
del RIO contemporáneo (p.e., Cosa Brava o 5"UUs). Las intrincadas pulsaciones
del esquema rítmico y los ágiles cambios de ambiente dentro de una armazón
coherente están logrados con 100% de pulcritud. "Burlezke" reformula la lógica
de tensión y robustez bajo una estructura rítmica más afín a cadencias
fusionescas, aunque queda claro que el factor vanguardista es el que signa
impávida e irrefrenablemente las excursiones sonoras del dúo. Los siguientes 5
BD minutos del álbum están ocupados por "ObzkuroInfluhodeDolor": por primera
vez asume la viola un rol importante en el bloque sonoro del dúo, y lo hace en
esta pieza desde la dirección del desarrollo temático, definiendo el desarrollo
de los riffs y marcando las complejas síncopas del esquema rítmico, amén de
elaborando los elegantes solos sombríos como temas centrales. "KalordeZangre"
hace algo muy parecido en términos de swing complejo y manejo obsesivo de
tensiones sincopadas: de hecho, este tema sigue en buena medida el momentum
concretado por "ObzkuroInfluhodeDolor", solo que esta vez la guitarra se erige
en protagonista radical. "LaPiedra" vira de registro de forma importante: se
centra en atmósferas y ritmos folclóricos, con lo cual el dúo se decide a
explorar la faceta fusionesca de su visión vanguardista. La viola se impone en
la labor de elaboración de líneas melódicas y texturas mientras que la
armonización de percusiones y guitarra acústica asienta un sostén cálido para
el esquema musical en curso. Por supuesto, las progresiones raras y el rol
predominante de las disonancias garantizan la eliminación de cualquier
tentación de ponerse líricos: esto es RIO, no lo olvidemos. "Aborto" es un
breve ejercicio de sofisticado vigor rockero, al modo de un ágil preludio a la
rara magia oscura que ha de prevalecer en "BahalaBruma". Esta pieza comienza
como emergiendo de una bruma del limbo, para pronto resurgir como una explosión
de neurosis electrizante e implacable, algo así como un Henry Cow con
esteroides alimentado con confluencias energéticas recibidas de Present y
Heldon en su faceta más netamente rockera. El asunto es realmente terrorífico,
como un aquelarre de espectros que no se limitan a asentarse en su propio
territorio sino que tratan de invadir otras zonas ajenas a su oscuridad
esencial. "Rito" porta una magia tétrica relativamente similar a la de la pieza
precedente, aunque el rol de la viola y el uso de ornamentos fusionescos a la
labor percusiva ayudan a aportar un colorido más definido al asunto. Es un rito
con tintes optimistas en medio de la obvia densidad que se explaya a lo largo
del desarrollo sónico. "Aura" cierra el disco con una aureola reflexiva,
ornamentada con aires exóticos: el diseño de cándidas líneas arabescas a lo
largo del etéreo viaje sonoro organizado por el dúo en esta ocasión redunda en
un esquema sonoro envolvente, y ello supone a su vez un epílogo sorprendente
para el álbum.
Tal como dijimos antes, Erehía tiene una larga trayectoria, por lo que es en
cierta medida una lástima que "ManukRitoz Ze" sea hasta ahora el único registro
oficial de su visión artística. Pero, por otra parte, es una verdad universal
que menos da una piedra, y por lo menos, este fabuloso ítem de
rock-in-opposition queda como una muestra fehaciente de que la escena
vanguardista mexicana es un referente valioso para entender los aportes que se
puede dar a la vanguardia progresiva desde las latitudes hispanoamericanas.
Desde fines de los 70s, cuando reinaban solitariamente ensambles aventureros
como Decibel y Nazca, hasta la actualidad donde encontramos a bandas como
Erehía, el deleite está servido para todo acérrimo coleccionista de art-rock.
Concluimos esta reseña con una transcripción del lema de la banda: "La herejía
no se crea ni se destruye, solo se transforma".
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TSUKI-USAGI - "Tsuki-Usagi" (2010)
TSUKI-USAGI: "Tsuki-Usagi" (2010)
Temas
1. Tsuki Ni Nemuru (9:30)
2. Tennkuu Heno Madrigal (6:14)
3. Tsuioku Part 1 (8:29)
4. Tsuioku Part 2 (8:15)
5. Tsuioku Part 3 (6:17)
6. Message - Anata Eno Dengon (13:56)
Integrantes:
- Tadashi Tsushimi: batería, percusión
- Tsunehiro Murakami: guitarras
- Reina: voz, flauta
- Tatsuya "Brick" Kobayashi: bajo
- Jun Nagamori: teclados
Tsuki-Usagi es un grupo japonés que hemos descubierto recientemente
(tardíamente también cabe decir). Su homónimo disco debut fue editado
originalmente en 2010, mientras que su edición de Musea data de inicios del año
siguiente. El estilo de esta banda, cuya front-woman también toca flauta, se
basa en una colorida y cándida confluencia entre el sinfonismo clásico (Camel,
Genesis) y el neo de la hornada 90era (Quidam), contando además con claros
antecedentes compatriotas como Pageant, Mugen y Providence, grupos que en su
momento asentaron maneras de enfatizar la ceremoniosidad del estándar sinfónico
en la escena nipona. El nombre de la banda se traduce al español como "El
Conejo Lunar", y se basa en una vieja leyenda nipona que relata que existen
conejos en la Luna, y que en las noches de luna llena, estos peculiares
habitantes lunares elaboran deliciosos pasteles de arroz; además, se puede ver
sus sombras mientras preparan susodichos manjares. En fin, esta leyenda sirve
no solo para darle nombre al grupo sino también para inspirar la secuencia del
repertorio de este disco, el cual revisamos acto seguido detalladamente.
Con la secuencia de los dos primeros temas, queda claro que el grupo se siente
tremendamente cómodo con los ritmos lentos, los climas envolventes dominados
por los teclados y una razonable explotación de la elegantemente dramática
determinación vocal de Reina. Imaginemos la sonoridad llena y refulgente de
Providence (otro grupo japonés) revestida de la evocativa ceremoniosidad del
Quidam de los dos primeros álbumes con la inolvidable Emila, mientras se
establecen estrechos lazos con Camel, PFM y Genesis. Comparando específicamente
ambas canciones, se puede decir que "Tsuki Ni Nemuru" porta una mayor dosis de
densidad expresiva (especialmente cuando la flauta y la guitarra alternan roles
protagónicos durante el fastuoso interludio instrumental), mientras que
"Tennkuu Heno Madrigal" exhibe un acento un poco más ligero, logrando así
conectarse con el estándar Cameliano post-80s. Los siguientes tres temas
conforman una trilogía temática agrupada bajo el título general de "Tsuioku".
El caso de "Tsuioku Part 1" comienza engañosamente con una aureola evocativa
semejante a la de los dos primeros temas en la sección inicial, pero cuando
entra a tallar el segundo motivo, las cosas se intensifican hasta el punto de
parecer un Uriah Heep remozado con colores y cadencias propias del sinfonismo
de última generación. Al emerger "Tsuioku Part 2", se nota que el grupo saca
provecho del cierre climático de la primera parte y está dispuesto a perpetrar
el cénit decisivo del concepto en curso: el grupo muestra su garra expresiva de
forma más consistente, se atreve a jugar con arreglos y giros temáticos más
complejos que antes, e incluso darle un giro un tanto Floydiano a su peculiar
manera de conjugar sinfónico clásico y neo. "Tsuioku Part 3" completa el
concepto con una manifestación de solemnidad envolvente, alimentada con una
elegantemente calculada dosis de expresividad un tanto similar a la de "Tsuki
Ni Nemuru": con todo, cabe señalar que el rol crucial del teclado en la
orquestación y base armónica le brinda un aire semi-gótico al asunto. El tema
de cierre, "Message - Anata Eno Dengon", ocupa un espacio de casi 14 minutos.
Su tenor general es similar al de Tennkuu Heno Madrigal en cuanto al tono
aligerado con el que se asume el desarrollo de la musicalidad inherente a los
motivos melódicos, pero su ambiciosa estructura exige que se aplique una
sofisticación en los arreglos que nos recuerda a la colorida pomposidad que ya
se había desarrollado anteriormente en las dos primeras partes de "Tsuioku".
Así pues, tenemos que esta canción funciona como una oportuna y definitoria
síntesis de las cualidades más esenciales del grupo.
Atención a los acérrimos amantes del sinfonismo de toda época y lugar: los
nombres del grupo Tsuki-Usagi y de su álbum "Tsuki-Usagi" deben ser anotados en
lugar preferente en sus agendas de futuras investigaciones progresivas. Nunca
es tarde para descubrir a este grupo, y una vez descubierto, sentirse
interesado por seguirle la pista en futuras ofertas fonográficas.
César Mendoza
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Autor:
Asunto: Los mejores del aÒo
* DirecciÛn de correo: lilybelgu@yahoo.com.ar
* VotaciÛn de los mejores del aÒo:
Feliz aÒo para los amigos de La Caja de Musica,gracias por tan buena
informaciÛn como siempre, aquÌ va mi lista de favoritos 2011.
1. Airbag, "All rights removed".
2. Sky Architect, "A dying man's hymn".
3. La Coscienza di Zeno, idem.
4. Wobbler, "Rites at down".
5. SKE, "1000 autunni".
6. Big Big Train, "Goodbye to the edge of steam", ReediciÛn.
7. Anima Morte, "The nightmare becomes reality".
8. Resistor, "The secret island band jams".
9. Memories of Machines, "Warm winter".
10. Doracor, "La vita che cade".
11. October Equus, "Saturnal".
12. Sanhedrin, "Ever after".
13. Planeta Imaginario, "Optical delusions".
14. Par Lindht Project, "Time mirror".
15. Phideaux, "Snowtorch".
16. IONA, "Another realm".
17. Hostsonaten, "Sumereve".
18. Meniscus, "War od currents"
19. After Crying, "Creatura".
Rezagados 2010.
- Nordagust, "In the mist of morning".
- Syndone, "Melapesante".
Fue un gran aÒo de musica muy disfrutable. Saludo! Lily.
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Autor: Abel Garcia-Casarrubios oliva <darko_60@hotmail.com>
Asunto:
Aqui les dejo lo que para mi ha sido lo mejor de unos de los mejores años en
cuanto a volumen al menos que yo recuerdo jamas.
01 - WOBBLER - Rites at Dawn
02 - BEARDFISH - Mammoth
03 - OPETH - Heritage
04 - RIVERSIDE - Memories in My Head
05 - STEVEN WILSON - Grace For Drowning
06 - IGNATIUS - Lights From the Deep
07 - HAKEN - Visions
08 - DISCIPLINE - To Shatter All Accord
09 - MASTODON - The Haunter
10 - PENDRAGON - Passion
Un saludo
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LUZ DE RIADA - 20 de enero
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Se viene un gran evento musical mexicano con LUZ DE RIADA: uno de los mejores
grupos de la nueva hornada progresiva de México, con un magnífico disco debut
titulado "Cuentos Y Fábulas" que fue publicado a fines de 2011
De parte del vientista del grupo.-
" Hola les escribe Ramsés Luna para invitarlos a la grabación de DVD y
presentación del disco Cuentos y Fabulas del nuevo proyecto de música
instrumental LUZ DE RIADA
Este disco lo pueden escuchar en el sitio del Vive Latino:
www.vivelatino.com.mx
Participen en este concierto capturando video con su celular y comparte tus
imágenes con nosotros para incluirlo en el DVD.
LUZ DE RIADA en la Sala Julián Carrillo este viernes 20 de enero con
transmisión en vivo por el 96.1 FM o en linea: www.radiounam.unam.mx
La cita es en
Sala Julián Carrillo
Radio UNAM
Adolfo prieto #133
Col. Del Valle
Ciudad de México
Entrada libre.
21 hrs.
Contaremos con la participación especial de estos excelentes músicos:
Remi Álvarez (saxofón), Iván Bringas (guitarra expandida)
Carlos Alvarado (cuencos), Emilio Gordoa (vibráfono)
Video-arte de Rodrigo Frenk
LUZ DE RIADA
Gustavo Jacob: Guitarra
Hugo Hernandez Balderas: Batería
Ramsés Luna: Saxofones, guitarra, voz, WX5
Hugo Santos: Grand Stick
Los esperamos, corran la voz se los agradeceremos, reciban todos un coordial
saludo.
Evento en Facebook: http://www.facebook.com/events/169431406491065/?ref:ts "
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: White Willow: "Terminal twilight" (2011)
White Willow: "Terminal twilight" (2011)
Discografica: Termo Records (Europa) y The Laser Edge (USA)
Temas:
1. Hawks Circle the Mountain (7:09)
2. Snowswept (4:12)
3. Kansas Regrets (4:39)
4. Red Leaves (8:39)
5. Floor 67 (9:53)
6. Natasha of the Burning Woods (6:28)
7. Searise (13:10)
8. A Rumour of twilight (2:33)
Line-up / Musicians
- Jacob Holm-Lupo / guitars
- Lars Fredrik Froislie / keyboards
- Sylvia Skjellestad / vocals
- Mattias Olsson / drums
- Ketil Vestrum Einarsen / flutes, woodwinds
- Ellen Andrea Wang / bass
Invitados:
- Tim Bowness/vocals (3)
- David Lundberg/fender rhodes and wurlitzer (3), orchestration (2)
- Michael S Judge/ guitar solo (1)
Un trabajo que no puede defraudar al fan de siempre de los noruegos White
Willow, toques delicados, melancólicos y oscuros marca escandinava, con la
estupenda voz de Sylvia Skjellestad y que decir de sus músicos, Mattias
Olsson, bateria de Anglagard, el lider y compositor Jacob Holm-Lupo, el
teclista Lars Fredrik Fræislie de Wobbler y destacar como invitado en el
tercer tema "Kansas Regrets" a Tim Bowness de No-Man.
Para mi el mejor tema es "Searise" con sus 13 minutos, un tema de esos que
aglutina toda la esencia y mejores momentos de un grupo, tampoco están nada
mal el tema que abre el disco, "Hawks Circle the Mountain" con el toque
inquietante, melancólico y misterioso con un mas que correcto pasaje
instrumental, el cual predominara en el resto de temas por su calidad
compositiva (flauta y teclados en especial).
La marcial, triste y sentimental "Snowswept" que bien pudiera encajar en
los últimos trabajos de Paatos, el romantico tema "Kansas Regrets" made in
Tim Bowness (No Man) y por último destacar la instrumental épica "Natasha
of the Burning Woods" con un cierto toque a lo Mike Oldfield.
No es mejor ni peor que sus primeros trabajos (ejemplo Ex Tenebris o
Sacrament), es diferente por su modernidad y acercamiento "tímido" al post
rock, pero la banda de Jacob Holm Lupo no podrá defraudar a nadie, sigue
ofreciéndonos como mínimo buena música y como no con la dulce y
encautivadora voz de Sylvia, a la cual añoramos desde que Trude Eitang
participo en Signal to Noise, por cierto han pasado ya 5 años desde
entonces.
Salu2 pasajisticososcurosescandinavos
(c) Juan Mellado 2011
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ARANIS - "Roqueforte" (2010)
ARANIS: "Roqueforte" (2010)
Temas
1. Roque (5:54)
2. Ade I (1:03)
3. Past (5:31)
4. Ade II (1:33)
5. Noise (11:46)
6. Ade III (1:17)
7. Naise (10:54)
8. Ade IV (2:31)
9. Tissim (5:40)
10. Aila (8:12)
11. Forte (3:08)
12. PS (0:56)
Integrantes:
- Jana Arns: flauta
- Liesbeth Lambrecht: violín
- Marjolein Cools: acordeón
- Stijn Denys: guitarra
- Joris Vanvinckenroye: contrabajo, composiciones
Colaboradores - Ward De Vleesschouwer (piano), Stefan Wellens (viola), Pierre
Chevalier (piano), Dave Kerman (batería, percussion)
Proveniente de la zona flamona de Bélgica, más exactamente de la localidad de
Amberes, el ensamble de chamber-rock Aranis se ha venido haciendo de un lugar
importante dentro de las vertientes vanguardistas de la escena progresiva de
este nuevo milenio. Desde el año 2005 en que Aranis publicó su homónimo disco
debut, no ha dejado de crear producciones a un ritmo consistente. Su propuesta
sonora guarda fidelidad al legado de aventura académica instaurado por el
ambicioso estándar de Univers Zero, pero su actitud hacia las composiciones y
arreglos de su repertorio actualiza un realce de los potenciales de lirismo y
colorido que se crea al dar tanto espacio a instrumentos clásicos: flauta,
violín y acordeón generan una tríada sónica vitalista y extrovertida, no ajena
a disonancias y tensiones, pero definitivamente lejana de las obsesiones por lo
oscuro y lo inescrutable que conforman el núcleo del paradigma RIO francófono
(los mencionados Univers Zero, Shub-Niggurath, Vortex). Más bien, la onda de
Aranis tiene confluencias con las líneas de trabajo de Ensemble Nimbus y el
Finnegans Wake de la primera época, y en cierto modo, suena a una versión
"des-electrificada" de Rouge Ciel. Aranis gusta de explorar fehacientemente sus
conocimientos académicos en cada una de las estrategias grupales con que se
conforman las piezas de su repertorio: enfatiza el elemento chamber en el
chamber-rock. En el año 2010, el grupo nos regaló esta joya titulada
"Roqueforte", un disco especialmente muscular dentro de su discografía pues
para la ocasión interviene Dave Kerman (Thiunking Plague, 5UU"s, Present, etc.)
como baterista.
"Roque" abre el álbum con casi 6 minutos de pura gloria sonora basada en una
sólida arquitectura de cadencias donde las florituras cálidamente líricas del
violín y la flauta completan una paleta mágicamente colorida. "Past" y "Noise"
son piezas a cargo de completar la manifestación del esquema musical en curso.
El primero de estos temas ofrece una aureola de inquietud un poco más
pronunciada que en el tema precedente: es verdad que los adornos folclóricos
que entran a tallar en algunos pasajes impiden que el asunto se haga realmente
oscuro, pero el amenazante clímax conclusivo es imponentemente fulminante. El
segundo es todo un clímax del álbum, un prodigio de refinada ingeniería de
texturas y contrapuntos donde el continuo diálogo entre los instrumentos queda
estilizadamente enmarcado en una arquitectura sónica de largo aliento y grandes
ambiciones. Más parece una pintura hecha de sonidos que una "común y
silvestre" pieza musical, si nos ponemos a exagerar un poco ante tamaña
maravilla. 11 BE minutos aprovechados con una maestría infinita e impoluta.
También hay interludios colectivamente titulados "Ade": todos ellos marcados
por una línea minimalista, "Ade I" es sombríamente parco, mientras que "Ade II"
ofrece un espectro un poco más meticuloso y "Ade III" ostenta un aura
abstractamente etérea, y finalmente, "Ade IV" añade un matiz lírico a
contrapelo del minimalismo reinante. De este modo, introduce al oyente a la
magia específica de "Tissim", la cual explora los momentos más explícitamente
alegres del álbum: es de notar la presencia de vibraciones fusionescas en las
cadencias predominantes en el desarrollo temático.
"Naise" es la otra pieza magna del álbum, un ejercicio expansivo de musicalidad
empapada de genialidad marca de la casa (dura casi 11 minutos). Ofrece,
simultáneamente, una suerte de contraparte a y una continuidad de "Noise". En
efecto, "Naise" ofrece recursos de tensión que no advertimos en tales
dimensiones en "Noise", y de hecho, se incluye un interludio bastante poderoso
con claros tintes mortuorios en los prolegómenos de la sección final; pero a su
vez, se advierte que la arquitectura compositiva sigue por los mismos
parámetros de grandiosidad y colorido. "Aila" porta un dinamismo vibrante y
extrovertido semejante al de "Tissim", aprovechando que dispone de mayor tiempo
de desarrollo para exhibir una mayor dosis de sofisticación, intensificando el
elemento de cámara vanguardista a través de una musicalidad que nunca se hace
inescrutable. La dupla de dos piezas breves, "Forte" y "PS", completa el álbum
con un aire celebratorio: "Forte" es cándido e intenso, "PS" es travieso y
alimentado con sobrios toques de Latin-jazz, ambos funcionan como cara y cruz
de una moneda musical extrovertida.
Tenemos, entonces, en "Roquefort", una obra magna del chamber-rock del nuevo
milenio. Aranis domina su oficio y ya está curtido en el negocio musical, por
lo que no es de extrañar que este disco sea un catálogo de piezas tan bien
armonizadas y ejecutadas, pero ciertamente hay en este disco un testimonio del
arribo a una dimensión nueva dentro de la evolución artística cuajada por la
banda. !!Recomedado!!
César Mendoza
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