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La caja de musica Number 0976
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #976 diciembre 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
Vota los mejores discos de 2011
http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/CGI/mejor11.html
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* Los mejores de 2011
* descansa en paz, Mark ÒMoogyÓ Klingman
* Spock's Beard sigue adelante... Ácon los nimos arriba!
* NormaFest 2012
* HUMBLE GRUMBLE 2011
* TARTAR LAMB - "Polyimage Of Known Exits" (2011)
* LCDM: TRYO - 10 de diciembre
* ETER-K - "Watching The Universe" (2011)
* ZEBULON - "Zebulon" (1980)
* MUSICA D"REPUESTO - "aV abuC" (1998)
* Gabo Di Romo
* LçQUESIS en vivo - 16 de diciembre
* MY BROTHER THE WIND-"I Wash My Soul In The Stream Of Infinity" 2011
* Glass Hammer: "Cor Cordium" (2011)
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Autor: Jose Manuel <jminesta@gmail.com>
Asunto: Los mejores de 2011
* Direcci B3n de correo: arqjoseluis_2005@yahoo.com
* Votaci B3n de los mejores del a B1o:
Hola Amigos de LCDM, d (c)jenme decirles que son una gran pagina y que los sigo
desde hace varios anos.
Les presento la lista de lo que a mi parecer es lo mas representativo de este
2011. En terminos generales un ano bastante productivo con relacion a los
anteriores.
Aqui va mi lista:
1 - STEVEN WILSON =80" GRACE FOR DROWNING
2 - DREAM THEATER =80" A DRAMATIC TURN OF EVENTS
3 - RIVERSIDE =80" MEMORIES IN MY HEAD [EP]
4 - OPETH =80" HERITAGE
5 - UNEXPECT =80" FABLES OF THE SLEEPLESS
6 - NEAL MORSE =80" TESTIMONY 2
7 - WOBBLER =80" RITES AT DAWN
8 - HAKEN =80" VISIONS
9 - BLACKFIELD =80" WELCOME TO MY DNA
10 - LEPROUS =80" BILATERAL
11 - PHIDEAUX =80" SNOWTORCH
12 - PENDRAGON =80" PASSION
13 - PAIN OF SALVATION =80" ROAD SALT II
14 - MASTODON =80" THE HUNTER
15 - ANUBIS =80" A TOWER OF SILENCE
16 - VAN DER GRAAF GENERATOR =80" A GROUNDING IN NUMBERS
17 - YES =80" FLY FROM HERE
18 - NEMO =80" REVOLU$ION
19 - DEVIN TOWNSEND =80" DECONSTRUCTION
20 - XING SA =80" CREATION DE L =80 99UNIVERS [2010]
21 - JAKSZYK FRIPP AND COLLINS =80" A SARCITY OF MIRACLES
22 - FEN =80" EPOCH
Eso es todo amigos, hasta pronto y saludos desde Ecuador (Cuenca)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: descansa en paz, Mark ÒMoogyÓ Klingman
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El teclista Mark "Moogy" Klingman, especialista en sintetizadores diversos
durante su etapa en Utopia, ha fallecido recientemente: el 15 de noviembre,
para ser más exactos, a la edad de 61 años. Él había sido parte de la historia
del rock "n" roll durante más de cuatr odécadas. Fue un leal y firme
colaborador de Todd Rundgren en varios de sus proyectos más celebrados,
dominando el piano, el órgano, el clavinet y los sintetizadores en clásicos
como "Hello It"s Me," "Sometimes I Don"t Know What To Feel," "Utopia Theme," y
"The Ikon." Deentro de Utopia se ubicó con paso firme en la avanzada
progresiva, con un estilo fuertemente enraizado en el funk, el boogie-woogie y
el jazz. Entre sus mayores logros como compositor está el haber co-escrito el
gran hit de Bette Midler "Friends", y también produjo el álbum de la susodicha
"Songs for the New Depression", el cual incluía su dúo con Bob Dylan "Buckets
of Rain."
Klingman siempre se ha mantenido activo en el área de Nueva York, pero un
reciente diagnóstico de una forma agresiva de cáncer le motivó una nueva
perspectiva sobre la vida y una renovada recarga de energía. En febrero último,
Utopia reunió a su formación original para dar dos conciertos (con llenso
totales) en el Highline Ballroom de Nueva York con el fin de recaudar fondos
para sus tratamientos. Klingman se sintió profundamente conmovido por compartir
el escenario con músicos a los cuales no había visto siquiera en 30 años,
además de su gran amigo Rundgren.
Y en fin, su vida terminó el 15 de diciembre... !!Gracias por la Música,
Moogy!!
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Spock's Beard sigue adelante... Ácon los nimos arriba!
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Esto de Spock"s Beard no es chocante ni dramático: el ensamble remanente de
Alan Morse, Dave Meros y Ryo Okumoto sigue con los ánimos arriba y con ganas de
seguir adelante, preparando el próximo lanzamiento de un DVD en vivo (!otro!),
una gira europea para inicios de 2012 y componiendo material para el que será
su 11er disco de estudio en el verano de 2012.
Es más=85 el grupo ha decidido incorporar al baterista Jimmy Keegan
(colaborador desde hace casi 10 años) y al vocalista/guitarrista Ted Leonard
(colaborador desde el año pasado) como miembros permanentes de la banda ante la
partida de Nick D"Virgilio. Según un comunicado emitido por la banda, "nosotros
lamentamos que Nick, un miembro original del grupo, gran amigo y enorme talento
n ose dé abasto para seguir con nosotros debido a sus otros compromisos. Por
favor, seguid apoyándolo, oíd su nuevo disco solista "Pieces", id a verlo con
Cirque Du Soleil y seguidle la pista en cualesquiera otros proyectos locos en
los que se embarque. Él es genial y le deseamos la mejor de las suertes y el
éxito que él merece. !No estaríamos aquí sin NDV!"
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: NormaFest 2012
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Para el sábado 28 de enero de 2012 se viene un festival rockero con la bandas
Aathma, Sonnöv, Jardín De La Croix y Trocotombix. !!Promete ser potente y
electrizante!!
Hora: 20.00
Lugar: Ritmo y Compás
Dirección: Calle del Conde de Vilches 22, 28028 Madrid, España 95
Más información.-
Venta de entradas
Anticipadas: 8=80 http://www.ticketea.com/nomafest2012 y Tiendas Tipo, C/
Montera
Taquilla: 10=80
Taquilla con CD o vinilo a elegir: 12=80
Enlace: www.nomarecords.com
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: HUMBLE GRUMBLE 2011
HUMBLE GRUMBLE: "Flanders Fields" (2011)
Temas
1. Sirens Dance (3:54)
2. Aging Backwards (5:20)
3. Flanders Fields (5:05)
4. Sleepless Night (5:59)
5. Horny (2:57)
6. Little Bird (4:29)
7. Duck On A Walk (3:25)
8. The Greatest Kick Of The Day (3:23)
9. Never Lose Your Mind (2:43)
10. Love Song (5:27)
11. Purple Frog (5:05)
Integrantes:
- Jonathan Callens: batería, voz
- Jouni Isoherranen: bajo, voz
- Gabor Humble Voros: guitarra, voz
- Pol Mareen: saxo
- Pedro Guridi: clarinetes
- Pieter Claus - marimba, vibráfono, percusiones
Colaboradores - L. Jordens (voz), H. Oosterlijnck (voz), J. Vanhaelewyn (voz),
J.C.T. Iturra (voz en español), L. Mochan (voz), A. Czigany (armónica), J.
Buysse (flauta), F. Vandaele (silbato), W. Vandenabeele (violín), M. Quill
(voz), F. Roose (voz)
Habiendo comenzado sus días en Bélgica a fines del milenio pasado como un
ensamble de rock-folk experimental, Humble Grumble experimentó una pronta
evolución hacia un esquema sonoro progresivo muy aventurero, basado en la
confluencia de RIO, jazz-prog, la escuela Zappiana, rock experimental de
talante humorístico y expresiones free-form, añadiendo además aires del
folklore europeo oriental. Su estilo musical evolucionado suena a un punto
intermedio entre Thinking Plague, Höyry-Kone, Rascal Reporters y Jaga-Jazzist,
aunque a veces aprietan las tuercas para generar un dinamismo a lo Primus con
orquesta de vientos ensamblada por el mismísimo Zappa, o también puede sonar a
unos Univers Zero que tocan música de fondo para una comedia negra posmoderna.
La música de este grupo ostenta arreglos densos y sorpresas que exigen varias,
muchas escuchas para asimilar, pero siempre hay un espíritu alegre y un
optimismo juguetón tanto en la base compositiva de las melodías y desarrollos
armónicos como en las interacciones realizadas por los músicos en acción. Este
grupo se sentiría realmente muy cómodo creando una camaradería estilística con
Panzerzappa, 5"UUs y Cheer-Accident. Su excitante tercer disco "Flanders
Fields", aporte para el año 2011, es el que nos ocupa ahora.
Con aires de "One Size Fits All" da inicio al álbum "Sirens Dance", alegría
grácil y pura revestida de trucos dadaístas y ciertos pasajes tensos
momentáneos. Un comienzo genial cuya secuela inmediata es el candor
alevosamente naif de "Aging Backwards", al modo de una balada crooner de
raigambre tropical cuyo desarrollo temático incluye elementos fusionescos
trazados con suma elegancia, no rompiendo sino enriqueciendo el ambiente
inicial. Si bien lo arreglos de vientos mantienen un colorido jazzero, el solo
de guitarra se enfila hacia fraseos agresivos y neuróticos, portando una
saludable energía pero cuidándose de sobredimensionar las cosas. El tercer
tema, que es el que precisamente da título al álbum, comienza con una base de
balada acústica en 3/4 para pronto virar hacia un ejercicio de polirritmos y
deliciosas orquestaciones de vientos, ejercicio que sirve como puente hacia
pasajes complejos donde se alternan momentos cargados de vibraciones rockeras
viscerales con otros signados por la cámara vanguardista, todo ello mientras la
batería mantiene un buen pulso jazzero. Es casi como un homenaje al RIO
estadounidense de inicios de los 80s (Cartoon, Pocket Orchestra). "Sleepless
Night" y "Horny" vuelven de lleno al territorio Zappiano: el primero porta una
complejidad solemne después de tener un inicio engañosamente lírico como lo
tuvo la canción homónima inmediatamente antes; "Horny", por su parte, es
esplendorosamente extrovertido, haciendo gala del descarado carácter satírico
de su libidinoso título. Cuando llega el momento de que emerja "Little Bird",
nos topamos con un momentum de extravagancia solventemente transportado por el
explosivo colorido que brota del accionar ensamblado de los músicos. La
presencia de ritmos a lo Dixieland y partes cantadas en español ayuda a
fortalecer el aire de festival caótico y catártico que predomina en la canción.
Y qué decir de ese pasaje casi a lo bossa nova que incluye un solo de flauta
muy Focusiano - es genial, !genial! De inmediato se engarza "Duck On A Walk",
siguiendo con el vendaval de este jaleo Zappa-chamber-rockero. Ya para este
momento, el grupo tiene puestas sobre las mesas todas las cartas de su apuesta
artística, aunque esto para nada quiere decir que el grupo se ha hecho
previsible: para constatar esto una vez más, basta ver la ilación que se
establece con el octavo tema, "The Greatest Kick Of The Day", el cual lleva la
juerga progresiva hacia niveles de un "Primus acústico" ornamentado con una
poderosa presencia de los vientos. "Never Lose Your Mind" porta un magnificado
aire de comedia, muy al modo del Zappa teatral. "Love Song" no suena como una
canción lenta de resonados ribetes sentimentales - o sea, como una canción de
amor normal y corriente -, sino más bien como un paisaje sonoro centrado en una
reformulación funky-jazzera de ciertos estándares del chamber-rock. Es la
inclusión de un interludio cantado con base de guitarra acústica lo más
parecido a una canción de amor que podemos hallar aquí. El álbum concluye con
"Purple Frog", el cual ocupa 5 minutos de recapitulación de los cánones
Zappianos a los cuales la banda continuamente se muestra ligada. Las secciones
cantadas son abiertamente satíricas, y por lo demás, el bloque instrumental
porta conexiones muy cercanas con las que mostraron anteriormente en "Sirens
Dance", "Never Lose Your Mind" y "Horny".
?Cómo culminar esta reseña sobre "Flanders Fields" sino concluyendo que se
trata de un disco fabuloso? Humble Grumble es una banda muy a tener en cuenta
pues aporta colorido extrovertido y alegría mordaz a los recursos vanguardistas
del género progresivo que la banda tuvo a bien combinar para forjar su voz
propia. !Hay que seguir la pista a esta banda!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TARTAR LAMB - "Polyimage Of Known Exits" (2011)
TARTAR LAMB: "Polyimage Of Known Exits" (2011)
Temas
1. 1st Movement (6:48)
2. 2nd Movement (12:35)
3. 3rd Movement (9:27)
4. 4th Movement (11:59)
Integrantes
- Toby Driver: bajo, voz
- Jeremiah Cymerman: clarinete, efectos electrónicos
- Terran Olson: saxofón alto, sintetizador
- Daniel Means: saxofón alto
- Tim Byrnes: sintetizador, trompeta, corno francés
Colaboradores - David Bodie (percusión en 4), Mia Matsumiya (violín en 4),
Masami Tomihisa (piano en 4)
Tartar Lamb es uno de tantos proyectos en los que está involucrado Toby Driver,
uno de los músicos y compositores más osados de la escena experimental
estadounidense durante los últimos 15 años. Forjado en las canteras
post-metaleras de maudlin Of The Well y asentado como creativo principal de
Kayo Dot, su máximo propósito es el de instaurar masivos elementos de
vanguardia en el lenguaje del rock con el propósito de motivar emociones y
evocar sensaciones por vía de recursos desafiantemente abstractos. El caso de
este proyecto Tartar Lamb es el de crear senderos de abstracción que en otros
proyectos quedan como recursos colaterales o secundarios: es chamber-rock puro
y duro para este nuevo milenio. El primer disco de este proyecto, "Sixty
Metonymies" (2007), estaba basado en el dúo nuclear de Driver (como
guitarrista) y su sempiterna colega Mia Matsumiya al violín. Ahora, con este
disco de 2011 titulado "Polyimage Of Known Exits", Driver pasa a tocar el bajo
y se rodea de cuatro vientistas (dos de los cuales también tocan sintetizador),
mientras que Matsumiya se queda como colaboradora en el último tema.
"1st Movement" instala prestamente un aire de inquietud crepuscular que de
manera sostenida y calculada va virando hacia ambientes insoportablemente
tenebrosos, y a pesar de ello, intrigantemente magnéticos. Con una tendencia
minimalista propia de la banda sonora de Popol Vuh para la película
"Nosferatu", Driver y sus secuaces van armando un poderoso crescendo donde lo
oscuro revela un ilógico pero irrefrenable fulgor. "2nd Movement" emerge en un
continuo para ahondar la oscuridad reinante en nuevas profundidades de
espiritualidad funeraria y visceralidad siniestra. Las huellas macabras del
Univers Zero de "Heresie" y del Art Zoyd de "Phase One" se hacen notar
ampliamente en la visión de Driver, alimentada también del minimalismo
desafiantemente sombrío de clásicos del kraut como el "Zeit" de Tangerine Dream
y el legado de Kluster. A pesar de las diferencias bien delineadas entre los
pasajes donde los vientos elaboran florituras que llenan el ambiente y otros
más espartanos donde prevalece el jugar con los silencios, el desarrollo
temático se mantiene en una cohesión muy lograda. El momento de "3rd Movement"
empieza con una densidad menos pronunciada y una tensión más sutil, siendo así
que lo sombrío deja paso a lo melancólico: la serena belleza que destilan
varias líneas de saxo y clarinete del cuerpo central permiten al ensamble
explorar las facetas más líricas del concepto del presente álbum. A poco de
pasada la frontera del quinto minuto, la ambientación se vuelve más
extrovertida bajo el mando de los ornamentos armónicos del bajo. Esto sirve
para que los vientos proyecten vuelos alucinados, haciendo que la tensión
regrese cobijada bajo una enceguecedora luz de delirio emocional: la vía se
abre hacia la explosiva coda, marcada por una psicodelia que parece retratar el
vació espiritual que subyace a un mundo mecanizado hundido bajo las sombras de
la noche. El cuarto y último Movimiento (titulado, cómo no, "4th Movement")
ocupa un espacio de casi 12 minutos para completar la idea por vía de la
exploración de matices enriquecidos. En realidad, la pieza comienza con casi
cuatro minutos focalizados en una lánguida aura de abandono emocional en clara
herencia del Movimiento anterior. Luego, las cosas se resuelven de una forma
más serena y articulada cuando la batería instala una arquitectura definida y
el violín se explaya en exploraciones serenamente cálidas. La cadencia general
de esta sección que se prolonga hasta el final es de cariz jazzero, no muy
ágil, más bien con un talante meditativo que funciona muy bien a la hora de
conectarse con el ambiente que había prevalecido previamente: David Bodie
(quien también es baterista de Kayo Dot desde "Coyote") hace gala de un swing
delicado para este propósito. El violín de Mia, de hecho, cumple un rol muy
destacado dentro del bloque instrumental. El final de este movimiento y del
álbum se cumple sin dramatismos ni aspavientos: el crescendo y la compleción
del ambiente general se cumplen con una fluidez cuidadosamente natural.
Esto fue "Polyimage Of Known Exits", una demostración de ingenio y vitalidad
dentro de la vanguardia progresiva que tiene lugar dentro del siempre
sorprendente underground estadounidense contemporáneo: Toby Driver confirma por
enésima vez las grandes dimensiones de su talento creativo a la hora de
retorcer y desafiar las "reglas" del rock con una genuina intuición para el
peligro en el arte.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: TRYO - 10 de diciembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo chileno TRYO dará un próximo concierto el dia 10 de diciembre. Se
tratará de un recital eléctrico.
Datos del evento.-
Lugar: Baúl Café
Dirección: 5 Norte 433, entre 2 y 3 Poniente, Viña del Mar - Chile
Día: 10 de diciembre
Hora: 22.30
Entrada: $ 2.500
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ETER-K - "Watching The Universe" (2011)
ÉTER-K: "Watching The Universe" (2011)
Temas
1. Nebula Rasa (6:12)
2. Flying With Mihalis (12:50)
3. Watching The Universe (From The Threshold) (14:06)
4. Like A Fish In The Sea (10:25)
5. Collapse In The Sylvian Aqueduct (12:22)
Integrantes
- Iván Santos: guitarras
- Eduardo Velarde: bajo
- Adrián Arguedas: batería y percusión electrónica
Colaboradores - Tavo Castillo (flauta en 3), Georgia Platman (voz ambiental y
narraciones)
Como una larga deuda pendiente para con el público peruano y para consigo
mismo, Éter-K logra por fin hacer realidad su cuarta producción de estudio
"Watching The Universe", a través de la logística del sello mexicano Azafrán
Media y tras meticulosas sesiones de grabación en el Estudio REC en Lima, bajo
la labor técnica de Marco Gereda. Las intenciones de llevar la propuesta de
space-rock progresivo de Éter-K al mercado internacional los ha llevado a usar
el idioma inglés para titular al álbum y cada una de las cinco piezas
contenidas en él. El trío de Iván Santos, Eduardo Velarde (bajista retornado) y
Adrián Arguedas (baterista nuevo que tiene tras de sí una amplia y extensiva
trayectoria en la vanguardia rockera peruana) aprovecha cabalmente la coyuntura
a fin de dotar a su propuesta de un nivel de estilización sonora bastante
notable, lo cual para nada se contradice con el frenesí muscular que
naturalmente brota de su estrategia de espontaneidad sostenida en torno a jams
y composición en tiempo real.
"Nebula Rasa" abre el disco con un poder contundente, el cual expresa a través
de su muscular dinamismo el tipo de estilización sónica al cual nos hemos
referido en el párrafo inicial de esta reseña. Las texturas perpetuamente
oscilantes de la guitarra y la robusta arquitectura elaborada por el dúo
rítmico se congregan en una unidad sónica muy bien integrada, integrando la
vibración del space-rock de las últimas dos décadas y el paradigma sempiterno
de Steve Hillage. La coda en base a unos breves fraseos de bajo distorsionado
aporta un cierto aire ligero al asunto. A continuación sigue lo que ha de ser
la versión definitiva de un clásico de siempre de Eter-K: "Volando Con
Mihalis", aquí "Flying With Mihalis". Esta versión de 2011 establece un nuevo
nivel de robustez cósmica al jam central, lo cual en buena parte se debe al
groove que ahora le da Arguedas, y siguiendo con este baterista en cuestión,
también es de gran ayuda su manera de generar efectos con su percusión
electrónica durante el onírico interludio que empieza en torno a la barrera del
tercer minuto y medio. También se hacen notar los trazos que dibuja el bajo
antes de ceder el paso al inevitable protagonismo final de la guitarra. El
mencionado interludio opera como crucial punto de quiebre hacia lo que será un
extendido clímax en el que la muscularidad electrizante y la magia ensoñadora
se funden en una única estrategia sónica. El tercer tema es el homónimo, que
con su espacio de 14 minutos se erige en el ítem más extenso del álbum. El
tenor general del jam central de "Watching The Universe (From The Threshold)"
está basado en cromatismos orientales inspirados en el exótico misticismo
indio: al respecto, la intervención del flautista Tavo Castillo (uno de los
héroes de Frágil) en el pasaje introductorio resulta vital para sustentar el
ambiente planificado para el tema. La confluencia de referentes tales como
Agitation Free, Amon Duul II en su faceta acid-folk, Hidria Spacefolk y Quantum
Fantay es fácil de notar en el desarrollo de esta introducción y la
subsiguiente emergencia del jam que construye el cuerpo central, donde el
llamativo groove se edifica sobre una cadencia kraut-funky. El flujo
pulcramente sostenido del jam aterriza finalmente en un reprise conclusivo del
etéreo motivo inicial. "Like a Fish In The Sea" ocupa el cuarto lugar en este
repertorio, pero en realidad se trata de la primera pieza que la banda grabó en
el estudio REC con miras a este álbum. Se trata de la composición más terrenal
de la banda, con un aura stoner sólido que le saca el jugo a su constreñido
groove rítmico durante sus primeros 5 minutos y medio. A partir de ahí, el
esquema rítmico se agiganta para generar un frenesí psicodélico muy relacionado
con la intensidad sistemática que ya apreciamos en el tema de apertura. Los
últimos 12 minutos y pico del disco están ocupados por "Collapse In The Sylvian
Aqueduct", otro clásico de la banda desde inicios del milenio=85 !pero tuvo que
esperar 10 años para que se concretara al fin su registro oficial de estudio!
Bueno, yendo a tema en sí, su estructura se basa en una secesión de varios jams
que van desde el dinamismo típicamente muscular del grupo hasta ambientes un
poco más cadenciosos al modo de la psicodelia blueseada floydiana, y de allí
hasta un espíritu stoner filtrado a través de una densidad kraut. El mapeo
sonoro resulta efectivo y mantiene el interés del oyente.
En fin, "Watching The Universe" es el catálogo idóneo para reflejar y asentar
la visión musical de Éter-K en su expresión decisiva y definitoria: decisiva
porque empuja al estándar psicodélico de la banda hacia una cima musical
inapelablemente peculiar, definitoria porque dibuja la imborrable línea de meta
hacia la cual se proyectaba desde siempre el crecimiento artístico neto de la
banda. Éter-K no se limita a perpetuar su leyenda como importante fuerza
creativa en el underground peruano, sino que además, principalmente, establece
un brillante pináculo dentro del concepto de experimentación progresiva.
!!Disco altamente recomendado!!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ZEBULON - "Zebulon" (1980)
ZEBULON: "Zebulon" (1980)
Temas
1. Opium Haut Opi Um (5:32)
2. Crazy Marck (4:16)
3. Pudding Exploison (9:11)
4. Walpurgisnacht (6:06)
5. Galappagos (4:30)
6. Schwanenflug (4:35)
7. Zombie D"Amour (5:18)
Integrantes:
- Ollie Ernst: teclados
- Michael Krenke: bajo, Siefkophone
- Thomas Krenz: guitarras, percusión
- Micky Schmidt: batería, percusión
Desde Alemania, Zebulon y su único homónimo disco de 1980 emergen en Internet
como designios de un tesoro hasta ahora perdido dentro del negocio musical de
los últimos 45 años. Condenado a ser una pieza de colección para afanosos
buscadores, "Zebulon" se revela como un catálogo de bellas piezas
instrumentales encuadradas bajo coordenadas sinfónicas, con algunos elementos y
dinámicas rítmicas de corte jazz-rockero utilizados para envigorizar el
colorido inherente a las composiciones. Tratándose de un cuarteto de guitarra,
teclados, bajo y batería, cabe destacar el rol que cumplen los teclados (tanto
de forma protagónica como desde el trasfondo) a la hora de asentar los matices
melódicos de cada tema, aunque eso no significa que la guitarra no cuente con
amplios espacios para su propio lucimiento.
"Opium Haut Opi Um" abre el disco con un aire de alegría y extroversión, al
modo de una fusión de Atlas y Camel (etapa 75-76). Hay un lirismo siempre
presente, cuidadosamente desarrollado a través de las cohesivas variantes de
motivo y ambiente que tienen lugar. Aquí hay un cierto predominio del teclado,
mientras que en "Crazy Marck", el siguiente tema, es la guitarra el ítem
prevalente. Simultáneamente, la labor de la dupla rítmica resulta vital en los
diseños meticulosos del groove y la dinámica de cada pieza en aras de mantener
una expresividad consistente. Tras estas dos manifestaciones de espiritualidad
colorida y grácil llega "Pudding Exploison", pieza que con sus poco más de 9
minutos de duración se instaura como la más extensa del álbum. El grupo decide
para esta ocasión bajar las dosis de extroversión y enfilarse hacia dimensiones
más patentemente reflexivas. El talante Cameliano todavía está muy presente en
el sonido grupal, aunque ahora también cabe mencionar referencias a lo que
Novalis había dejado de hacer por aquel entonces en nombre de la ideología
progresiva: sinfonismo de ribetes cósmicos. La segunda mitad del álbum se abre
con "Walpurgisnacht", el cual vuelve al colorido espiritual inicial con un
peculiar énfasis en el swing jazzero, el cual incluso puede sonar un poco
cercano al modelo Canterburyano en algunos pasajes determinados, pero
esencialmente se sigue tratando de prog sinfónico. "Galappagos" va por la misma
senda, retomando en buena medida el estándar de "Crazy Marck", mientras que
"Schwanenflug" se refugia en la languidez para apelar a un ambientación
melancólica: en este último caso, el lirismo relajado porta una belleza
flotante, al modo de un buen lento de Finch o de Focus. El disco se termina con
"Zombie D"Amour", tema que a pesar de su bizarro título, se dedica a rizar el
rizo de la gracilidad extrovertida que ha marcado la mayor parte del repertorio
precedente.
Muy bonito disco este de Zebulon, un testimonio muy peculiar de cómo todavía
quedaba algo de inventiva artística bajo el molde clásico del estilo progresivo
en el mercado fonográfico a poco de fenecida la década de los 70s. Se trata de
una recomendación preciada para coleccionistas del género, especialmente
aquellos que nunca tienen cómo hartarse del paradigma Cameliano.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MUSICA D"REPUESTO - "aV abuC" (1998)
MÚSICA D"REPUESTO: "aV abuC" (1998)
Temas
1. Parche (5:32)
2. La Cabeza, Cto + Roja, + Verda La Jaqueca (1:37)
3. La Tristeza Es Una Enfermedad D"Transmisión Sexual (6:57)
4. D"Cada 10 Hombres Q"Miran TV, 5 Son La 1/2 (5:34)
5. Suite #3 (7:07)
6. Hierba Maia (6:00)
7. Anunciación Y Danza D"Los Cordoros (6:32)
8. Baile D"Payasos (5.53)
9. aV abuC (1:23)
10. El Involucrado (bonus track) (7:32)
Integrantes:
- Lino García: bajo, batería, teclados
- Orlando "Landi" Bernal: guitarras, teclados
- Pedro Pablo Pedroso: violín, cello, teclados
Música D"Repuesto fue un curioso y talentoso grupo cubano de rock experimental
formado a inicios de los 90s por la asociación de Lino García, Orlando Bernal y
Pedro Pablo Pedroso. Su propuesta musical está claramente orientada hacia el
RIO, logrando sintetizar las facetas oscuras y sombrías del legado del
chamber-rock francófono originario y la vitalidad de recientes generaciones de
RIO. Algo que ayuda a realzar este último factor es que hay una clara presencia
de recursos digitales en la amalgama sonora de la banda: sintetizadores,
percusiones electrónicas, producción de sonido ampliamente plástica, todas
ellas herramientas prácticas a la hora de realzar las intenciones posmodernas
del trío. "aV abuC", su único registro fonográfico, publicado por el sello
mexicano Luna Negra en 1998, fue originalmente grabado en varias sesiones de
grabación que tuvieron lugar en 1993. Hoy por hoy, la banda está disgregada y
sus tres ex-miembros han desarrollado carreras musicales fuera de Cuba (uno en
las Islas Canarias, otro en Argentina, un tercero en Madrid): pretendemos con
esta reseña honra su aporte a la vitalidad contemporánea del ideal artístico
progresivo.
"Parche" da inicio al disco con una dinámica fastuosa cuya magia magnética no
logra ser ocultada por los revestimientos obviamente intrincados que la banda
utiliza para reelaborar las ideas básicas de la composición. El esquema
compositivo es meticulosamente cohesivo, aportando una especie de neurótica
alegría. "La Cabeza, Cto + Roja, + Verda" La Jaqueca es una pieza de múltiples
pianos donde las secuencias de acordes crean ondeantes oleajes ceremoniosos: se
trata de un conveniente preludio a "La Tristeza Es Una Enfermedad D"Transmisión
Sexual", tema que explora valiente y concienzudamente varios registros
abstractos que apelan a una masiva demostración de densa oscuridad lánguida
bajo mantos minimalistas, un ambiente misterioso que ocasionalmente viene
interrumpido por pasajes de descoyuntada tensión explícita. "D"Cada 10 Hombres
Q"Miran TV, 5 Son La BD" hace gala de la obvia ironía de su título y se
detiene a proyectar un aura alegre dentro de la inapelable estrategia
vanguardista de la banda. Coincidencias con Thinking Plague se pueden detectar
sin problemas. De hecho, el desarrollo melódico porta una buena dosis de
lirismo que se sitúa entre el sinfónico y el jazz-prog, aunque es verdad que
los ribetes altamente Frippianos de los guitarreos y los recursos psicodélicos
que emergen ocasionalmente nunca permiten que el confort melódico sea
totalmente dominante. "Suite #3" es toda una declaración de principios del
chamber-rock para los últimos tiempos: se notan las herencias de Present y
Univers Zero, pero ante todo, se notan las confluencias con (incluso
anticipaciones de) Runaway Totem, Miriodor y Far Corner. "Hierba Maia" y
"Anunciación Y Danza D"Los Cordoros" siguen completando el espectro sonoro de
Música D"Repuesto: el primero de estos temas elabora todo un ejemplo de
imponente fastuosidad disonante, portadora de un magnífico brillo cuyo fulgor
extrovertido tiene algo de amenazante; el segundo despliega un ejercicio de
auto-observación abstracta que comienza al modo de un monolítico retorcimiento
en su grisáceo solipsismo y termina elaborando un ceremonioso ambiente de circo
tétrico. Así las cosas, "Baile D"Payasos" se enrumba por el mismo camino que la
pieza precedente, haciendo una deconstrucción de clichés circenses y
vodevilescos en medio de una parsimonia donde los estándares del chamber-rock y
del legendario kraut electrónico se hermanan fluidamente. La pieza homónima,
que ni llega al minuto y medio de duración, cierra el repertorio oficial del
álbum como un pastiche de pistas inversas y arreglos caóticos de batería: al
fin y al cabo, el título del tema es "Cuna Va" al revés. El bonus track "El
Involucrado" tiene una estructura melódica más cercana al rock "normal", o en
todo caso, con una orientación más próxima al estándar sinfónico, incluyendo
algunos interludios instrumentales domesticadamente densos: me suena similar al
Témpano de "Atabal-Yemal", y sin duda, se trata de una buena composición, pero
hay que reconocer que su posicionamiento no se condice con el espíritu general
del disco.
"aV abuC" es un tremendo testimonio del ingenio creativo que se puede hallar en
las orillas de la vanguardia progresiva fuera de las habituales esferas europea
y estadounidense. Cuba se revela como una agradable caja de Pandora progresiva
con esto que nos brinda Música D"Repuesto.
César Mendoza
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Autor: Javier Aguirre <javier500@yahoo.com.mx>
Asunto: Gabo Di Romo
Les paso esto de un amigo musico.
No es rock progresivo, pero SI buena msica.
Todos aquellos interesando en rock de tintes goticos y melancolicos les puede
agradar bastante y se lo pueden descargar aqui mismo su disco debut de manera
gratuita para que lo escuchen.
Saludos!
Javier H. Aguirre
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Gabo Di Romo es un musico cantautor de la ciudad de Guadalajara en Mexico.
Desde los 11 aos la musica lo seduce, sobre todo mediante el rock en espaol e
ingles de aquella poca. A partir de ahi es cuando empieza el aprendizaje de
varios instrumentos musicales como la guitarra y el teclado. Sobre todo, es
en la guitarra, donde encontrara su mejor medio de expresion.
En la secundaria tuvo sus primeras tocadas con compaeros de la escuela tocando
covers, saliendo de esa etapa de su vida es cuando ya tiene decidido su camino
y a lo que se quiere dedicar para toda su vida:
"en ese momento la decision estaba tomadaÉ la musica seria mi compaera hasta
el ultimo suspiro"
Despues de pasar por varias agrupaciones y estilos (desde el rock alternativo,
heavy metal , power, gothic, y dark wave) y la inclusion de nuevos instrumentos
en su aprendizaje como musico (bajo electrico, bateria, canto) que ha ido
desarrollando en su alma mater CEDART, decide ser guitarrista del grupo de
metal gotico MIDNAG desde el 2005 hasta el ao 2011. Actualmente es miembro de
la agrupacin de Metal Gotico NOX AETERNUS.
El ao 2010 es cuando decide sacar su disco como solista, una recopilacion de
canciones hechas aos atras con un aroma en polvo, pero con una cargada pasion
influenciada por la feminidad del universo.
Todos son una serie de poemas dedicados a la mujer y a su enorme capacidad de
transformar las almas de quien las rodea.
Asi que con ustedes, el disco FLOR NEGRA de Gabo Di Romo, un disco 100%
mexicano, un disco basicamente del genero rock con tintes de musica goth power
pop y alternativoÉ y pinceladas de nostalgia y melancolia.
ÒNo teman, tambien tengo canciones tristesÓ
CONTACTO:
http://www.facebook.com/pages/Gabo-Di-Romo/128822913848137
http://www.facebook.com/pages/Nox-Aeternus/233613450008308
gabodiromo@gmail.com
Guadalajara, Jal. Mex.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LçQUESIS en vivo - 16 de diciembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El día viernes 16 de diciembre, con hora oficial de inicio a las 22:00, el
grupo argentino LÁQUESIS dará un concierto.
Lugar, dirección y ciudad: EL MURO - Buenos Aires 912 - ROSARIO
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MY BROTHER THE WIND-"I Wash My Soul In The Stream Of Infinity" 2011
MY BROTHER THE WIND: "I Wash My Soul In The Stream Of Infinity" (2011)
Temas
1. Fire! Fire!! (13:07)
2. Pagan Moonbeam (3:47)
3. The Mediator Between Head And Hands Must Be The Heart (5:40)
4. Torbjörn Abelli (10:57)
5. Under Crimson Skies (10:33)
6. I Wash My Soul In The Stream Of Infinity (6:19)
Integrantes
- Nicklas Barker: guitarras y mellotron
- Mathias Danielsson: guitarras y flauta dulce
- Ronny Eriksson: bajo
- Tomas Eriksson: batería
Tras su impresionante disco debut "Twilight In The Crystal Cabinet", el
ensamble sueco My Brother The Wind vuelve a tomar pro as alto las riendas de la
vanguardia psicodélica de la escena progresiva actual con este excelente
segundo disco titulado "I Wash My Soul In The Stream Of Infinity". Este
aquelarre de Nicklas Barker, Mathias Danielsson, Ronny Eriksson y Tomas
Eriksson, cuatro sabios brujos progresivos que ha sabido generar una
instantánea magia filuda bajo los cánones perennes del rock psicodélico, vuelve
a lucirse en una magnífica demostración de vigor lisérgico y energía
hipersónica.
La monumental pieza "Fire! Fire!!" abre el disco con un fulgor opresivo y
abrasivo que brilla imponente dentro de un clima de implacable implosión
sónica. Los miembros del ensamble articulan un diálogo dinámico y contundente,
bastante enraizado en la lógica de energía surrealista propia del primer Guru
Guru y Ash Ra Tempel. Aunque el vigor esencial de la pieza se mantiene en un
nivel excitantemente consistente, en los últimos minutos se produce una
ambientación etérea en el groove general para así permitir la crucial
emergencia de las capas de mellotrón: el final resultante ostenta un claro
tenor lisérgico. Después de este robusto viaje psicodélico, "Pagan Moonbeam"
cambia el discurso hacia una base de raga india en un espacio de 3 BE minutos,
ostentando plácidamente los resabios de la vieja tradición acid-folk que formó
parte importante de la vanguardia rockera alemana de los 70s (Yatha Siddra,
Brösselmaschine, los momentos pastorales de Amon Duul II). De este modo, el
terreno está cimentado para la instalación de "The Mediator Between Head And
Hands Must Be The Heart", pieza que asume con nervio y firmeza la tarea de
reciclar el talante psicodélico al cual es tan afecto el grupo sobre una
cadencia jazz-rockera y una densidad grisácea de corte Crimsoniano (lo cual
incluye a las capas de mellotrón a lo "Starless And Bible Black"). A
continuación siguen dos temas de largo aliento, "Torbjörn Abelli" y "Under
Crimson Skies": en ellas, la banda explota al máximo la dinámica electrizante
que emerge naturalmente de la conjunción de sus cuatro voluntades conformantes,
lo cual logra que el repertorio del álbum fluya de forma consistente. "Torbjörn
Abelli" persiste en la inspiración kraut que se había hecho presente en el tema
anterior, bajando los coqueteos jazzeros en la cadencia rítmica y aumentando el
fragor de los guitarreos de forma contenida. Es en el segundo de estos temas,
"Under Crimson Skies", donde el fragor se pronuncia de forma más evidente: aquí
la estrategia de la primera mitad es la de recuperar la esencia del stoner,
apelando a una transparente confluencia de swing Zeppeliniano y aristas
agresivas del Guru Guru de "KanGuru", con algunos toques al estilo del primer
disco de Hawkwind. En la segunda mitad, el grupo explora ambientes un poco más
relajados a fin de generar un clima ensoñador que se siente a la vez cálido y
distante. De esta manera, se anuncia convenientemente el arribo de la pieza
homónima para ocupar los últimos 6 minutos y pico del álbum. Su sencillo
esquema recurrente, desarrollado sobre una lenta cadencia post-rockera en 15/8,
evoca imágenes de contemplativa serenidad donde la introspección sirve como
puente hacia proyecciones mentales de ensoñaciones calmadas.
En conclusión, tenemos en "I Wash My Soul In The Stream Of Infinity" un trabajo
de espléndida lucidez psicodélico-kraut-stoner-space-rockera, en el cual se
resume una muy lograda tarea de reivindicación, remodelación y refrescamiento
de varias estrategias de inmortales de investigación progresiva. My Brother The
Wind firma su acta de solvencia creativa con este disco ante los ojos y oídos
de los coleccionistas progresivos del nuevo milenio.
César Mendoza
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Glass Hammer: "Cor Cordium" (2011)
Glass Hammer : "Cor Cordium"
Discografica: Sound Resources / Ario Records
Temas:
1. Nothing Box (10:53)
2. One Heart (6:20)
3. Salvation Station (5:08)
4. Dear Daddy (10:30)
5. To Someone (18:15)
6. She, A Lonely Tower (10:57)
Musicos:
- Fred Schendel / keyboards, steel guitar, backing vocals
- Steve Babb / bass guitar, keyboards, backing vocals
- Jon Davison / lead vocals, acoustic guitars
- Alan Shikoh / guitars (electric and acoustic), sitar
Invitados:
- Randall Williams / drums
- Jeffrey Sick / violin on Dear Daddy
- Ed Davis / viola on Dear Daddy
Un año después de la edición de "IF", vuelve la banda americana de Steve
Babb y Fred Schendel a escena con este album titulado "COR CORDIUM" -
Corazón de Corazones - con un sonido si cabe mas YES e intimista /
romántico que sus predecesores trabajos. Repiten diseñador de la portada
obra de Tom Kuhn de Designerloge y de cantante Jon Davison, al cual
curiosamente lo descubrieron en Youtube, una voz muy parecida a la de Jon
Anderson y una historia paralela a la que le sucedio al canadiense Benoit
David, actual cantante de YES.
Si "IF" suposo el retorno a las raices musicales de Glass hammer, este Cor
Cordium es la prolongación y diria yo que la confirmación absoluta del
objetivo a sonar a YES. Escuchar la voz de Jon Davison ya no solo puede
recordar a Jon Anderson sino incluso a la de Benoit David y es que ademas
hasta ciertos fragmentos pueden hacer pensar que tanto el Fly from Here
como Cor Cordium tiene algo mas que parecido.
Lo cierto es que la continua cortina y solos de teclados de Fred Schendel
hacen olvidar esta sensación, su sonido se acerca mas a los patrones de
Emerson que a los de Wakeman, como la guitarra de Alan Shikoh nada tiene
que ver con la de Steve Howe y me acuerdo cuando escribo esto de que en IF
lo buscaba. Con todo, la sensación de "deja vu" yessesiana puede ser debida
en mayor culpa a que se le ha dado rienda suelta en la composición al Sr.
Jon Davison, ese final acústico y baladistico lo delata. Lo mas seguro es
que me equivoque y tan solo se trate de sospechas, indudablemente
infundadas.
Me quedo con el último tema "She, A Lonely Tower", un tema muy sinfónico,
con buenas melodías y armonías, lo mas cercano a una mini-suite, donde lo
intimista se entremezcla con pasajes bombisticos y algún destello country.
Tampoco esta nada mal la oscuridad y complejidad de One Heart" o "Dear
Daddy" aunque como ya he comentado se me hace dificil emparentar a Glass
Hammer con lo acústico y con ese toque a balada, aunque la aparición entre
medias de pasajes instrumentales muy a Yes y la participación de un violín
y viola a cargo de dos invitados.
El resto de temas les falta algo de gancho para llegar a convencer del
todo, el caso de "Nothing Box" mejoraría si las armonías fueran algo mas
cautivadoras,
En definitiva un trabajo que mantiene el "savoir faire" de IF. Glass
Hammer, quizás sus mas que claras referencias e influencias en YES le puede
restar mérito, pero otros grupos lo hacen también y parece no importar
demasiado.
Curioso que el batería Randall Williams no aparezca como titular sino como
colaborador ??
Salu2 yesespicosclonicosinfonicos
(c) Juan Mellado 2011
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