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La caja de musica Number 0969
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #969 octubre 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Entrevista a GLAZZ
* SYMPHONY X - "Iconoclast" (2011)
* Hola Cajeros espero llegue este correo sin acentos.
* DESIGN de INTERVIEW de GENTLE GIANT
* Nota_aclaratoria_sobre_la_cronica_de_PANZERBALLETT_en_el_festival_RIO
* breve cronica de una revista encontrada
* POSEIDÓTICA + VIOLENTANGO + KLAUSS - 21 de octubre
* NICKLAS BARKER - "El Último Fin De Semana" (2011)
* DREAM THEATER - "A Dramatic Turn Of Events" (2011)
* Vuelven... Arcabuz
* DEEP PURPLE en la prensa limeña (inc. cancelación del concierto)
* Alejandro Matos - 15 de octubre
* Steven Wilson - Grace for Drowning (2011)
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Entrevista a GLAZZ
Hola
El trío portuense Glazz ha edita su segundo trabajo "Cirquelectric", tuve
ocasión de verlos en directo en la SALA FAKTORIA D'ARTS en Terrassa el
pasado 9 de
Septiembre 2011 y aproveche la brillantez para realizarles la siguiente
entrevista.
"Lo que hacemos tiene que ver con el Rock Progresivo pero no nos sentamos a
componer pensando en que somos una banda de ese estilo. Hacemos lo que nos
va
pidiendo el disco y si encaja va a mezcla".
Glazz
ENTREVISTA A GLAZZ (SEPTIEMBRE 2011)
JM: ?Nos puedes hacer una breve presentación de Glazz ?
GLAZZ: Somos trío instrumental que hace Jazz y Rock Progresivo a partes
iguales pero que bebe de otros estilos como el Funk, las músicas del mundo
la fusión...
JM: ?Creo haber leído que en vuestros directos incluís además de la música
un elemento escénico coreográfico?
GLAZZ: Cuando podemos contamos con la presencia de Lucía Ruibal. Interpreta
algunos de los personajes y hace que el espectáculo sea redondo.
JM ?De que manera evoluciona el grupo desde vuestros inicios y como os
adentráis en el mundo progresivo?.
GLAZZ: La propia música nos ha llevado a ello. De todas formas no nos gusta
encasillarnos en un estilo. Lo que hacemos tiene que ver con el Rock
Progresivo pero no nos sentamos a componer pensando en que somos una banda
de ese estilo. Hacemos lo que nos va pidiendo el disco y si encaja va a
mezcla.
JM: ?A que bandas o solistas podrías decir que hacéis referencia /
influencia? Son esas referencias, además, influencias reales de los todos
músicos de Glazz?
GLAZZ: Cada uno aporta lo que más a escuchado o trabajado. Desde los doble
LP de Rock Sinfónico de los "70 a lo último de Avishai Cohen , un blues
pantanoso tipo Toma Waits...Cada uno tiene su lista de reproducción personal
y es algo que se nota en el estudio.
JM: JAZZ FUSION o FUNK ? Hacia donde se mueve el grupo musicalmente?
GLAZZ: Con respecto al primer disco nos hemos movido un poco más hacia el
Jazz/ Rock aunque en directo pasamos bastante por el funk. La única forma de
saberlo es escuchando el futuro tercer disco...
JM: Al componente flamenco como le dais rienda? ?Es importante para la
búsqueda de vuestra originalidad y estilo?
GLAZZ: Nos sentimos cómodos tocando sobre palos flamencos, además es una
música que casa muy bien con el Rock por la pasión que desprenden ambos
estilos.
JM: Hablarnos un poco del proceso de creación de Cirquelectric, ?De donde
salen las ideas? ?Quién es el principal compositor? ?Cómo trabaja la banda
en general?.
GLAZZ: En cada tema se graba lo que pide el tema, en alguna que otra ocasión
hemos tenido la sensación de que los temas estaban ya dentro del estudio y
que tan solo había que darles forma. Por lo general solemos traer ideas más
o menos maduras y las ponemos en común hasta que suenan como tenemos en la
cabeza. El principal compositor y arreglista es Jose.
JM: ?Habéis dejado material grabado o por grabar?
GLAZZ: Sí, pero muy poca cosa.
JM: Vertigo, El domador y especialmente La adivina pastora son los temas mas
progresivos del disco, aún asi noto que el grupo se mueve no se si
intencionadamente por senderos jazzeros y fusión ?Es premeditado?
GLAZZ: En lo que hacemos no hay nada premeditado. Afortunadamente es lo que
nos sale.
JM: A partir del tema cantado de Miguel Rios noto los temas mas enlazados,
mejor cohesionados a nivel compositivo, es una sensacion de que haya como
una primera parte adsequible para todos los publicos y otro segunda parte
mas compleja para oídos mas selectos. ?Que pensáis de esta opinión?
GLAZZ: Puede ser, hicimos tres órdenes provisionales y este fue el que nos
convenció. La Adivina Pastora es un tema con un desarrollo un poco más lento
y dos solos amplios que nos pareció bien dejar para cuando el oído estuviera
acomodado.
JM: ?Del resto de invitados que nos podéis comentar? Javier Ruibal, Carmelo,
Pepa Niebla, etc..?
GLAZZ: Les debemos a todos una cena, su trabajo ha sido extraordinario y
para nosotros ha sido todo un placer poder trabajar con ellos.
JM: Habéis utilizado tanto José como Javi la guitarra portuguesa. ?Alguna
razón especial?
GLAZZ: José le cambió las cuerdas a una perteneciente a Javier Ruibal y
empezó a probarla, el resto salió solo.
JM: ?Como ves la escena progresiva aquí en España?
GLAZZ: No la seguimos muy de cerca en realidad, es complicado dar con las
bandas y sobre todo verlas en directo. Las que más nos han llamado la
atención son Senogul, WhyGo y Ocnos. Hace cosas muy curiosas y de una
calidad notable. Lo mejor de este mundillo es que estamos pendientes los
unos de los otros y nos seguimos mutuamente.
JM: ?y fuera de aquí? ?Que grupo(s) te gustan mas de los actuales?
GLAZZ: Quien más sigue el Rock Progresivo actual es Daniel. Artistas como
David Gilmour, Transatlantic, Porcupine Tree , Spock"s Beard y por supuesto
Dream Theater se encuentran entre sus favoritos.
JM: ?Como fue la experiencia de tocar en el Jazz Plaza de La Habana, en
Japon, en Manchester y en el festival de Bornos junto a la PFM?.
GLAZZ: Fueron todas muy buenas, nos sorprende siempre el recibimiento que
solemos tener fuera de nuestras fronteras, en Manchester fuimos la actuación
con más público del Festival de Jazz y en Japón hemos hecho negocio con una
de las cadenas de tiendas más importantes del país por citar algunos
ejemplos.
JM ?Cuáles son vuestros planes de futuro? ?Estáis componiendo nuevo
material? ?Cómo van vuestras actuaciones en directo?
GLAZZ: Ahora estamos inmersos en la promoción de Cirquelectric pero no
paramos de pensar en el tercer álbum. Antes de todas formas tenemos pensado
publicar el segundo disco
en una mezcla 5.1 edición disco libro.
Gracias y mucha suerte
Juan
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SYMPHONY X - "Iconoclast" (2011)
SYMPHONY X: "Iconoclast" (2011)
Temas
DISCO UNO
1. Iconoclast (10:51)
2. The End Of Innocence (5:27)
3. Dehumanized (6:48)
4. Bastards Of The Machine (4:56)
5. Heretic (6:25)
6. Children Of A Faceless God (6:21)
7. When All Is Lost (9:10)
DISCO DOS
8. Electric Messiah (6:14)
9. Prometheus (I Am Alive) (6:47)
10. Light Up The Night (5:04)
11. The Lords Of Chaos (6:10)
12. Reign In Madness (8:38)
Integrantes:
- Russell Allen: voz
- Michael Romeo: guitarras eléctricas y acústicas, teclados orquestales,
programación
- Jason Rullo: batería
- Michael Pinnella: teclados, piano
- Michael Lepond: bajo
"Iconoclast" es la nueva entrega de Symphony X, banda original de Nueva Jersey
que desde la primera mitad de los 90s ha estado desarrollando, consolidando y
afirmando un paradigma muy estilizado de la onda prog-metalera en base al
estándar del metal neo-clásico y con abundantes florituras y ornamentos de
carácter sinfónico. Este disco viene en formato simple y doble, siendo este
último el que contiene más fielmente la totalidad del concepto gestado por
Romeo y Allen, una responsabilidad creativa dual que ya había rendido buenos
frutos en la ambiciosa idealización poética miltoniana expuesta en el disco
anterior, "Paradise Lost" (2007).
Casi 11 minutos dura el primer tema del volumen 1, justamente el tema que da
título al disco. Con un pasaje introductorio que incluye arreglos corales, la
pieza instala su cuerpo central, focalizado en una exhibición de poder metalero
sofisticado poco antes de llegar a la barrera del segundo minuto y medio. Todas
las piezas habituales del puzle musical históricamente delineado por esta banda
están allí: riffs poderosos, una sección rítmica sólida que se mueve con
milimétrica precisión por todas las variantes de compás, momentos para el
brillo d la guitarra y el teclado en sus respectivos solos, el magistral canto
de Russell Allen. Se ahonda también en el rol especialmente protagónico de la
guitarra de Romeo que se venía dando desde los días de "The Odyssey": la
presencia de los teclados en ornamentos, armonías y orquestaciones no es tan
relevante como en los días de "The Divine Wings Of Tragedy" o "Twilight In
Olympus", pero a despecho de la relativa minimización de este recurso
predilecto del estándar del prog-metal neoclásico (el reino de Symphony X), la
estructura musical de esta pieza es fluidamente explorada a través de su
ambiciosa proyección temporal. "The End Of Innocence" sigue a continuación, con
muchos de los ingredientes sonoros intactos, aunque su dinámica compositiva se
me hace más cercana a la de un par de temas del épico concept-disc "V".
"Dehumanized" está más a tono con el filo agresivo inapelable de "Paradise
Lost": hallamos en la sección intermedia el que quizá sea uno de los mejores
solos de guitarra de todo el doble álbum. "Bastards Of The Machine" y "Heretic"
prosiguen con este despliegue de contundencia oscura y arrolladora: el primero
se desarrolla de una forma trepidante tanto en su esquema rítmico como en la
articulación de los riffs básicos, y adicionalmente, en el canto de Allen,
simultáneamente airado y autoafirmativo; el segundo capitaliza el frenesí para
concentrarse un poco más en lo muscular y bajar en cierta dosis el acento
dramático que en "Bastards" era más patente. "Children Of A Faceless God"
convierte la fuerza rockera vigente a una dimensión un poco más contenida,
logrando así crear un esquema melódico donde lo majestuosos se resalta
debidamente. Durando 9 minutos y pico, "When All Is Lost", cierra el primer
volumen del disco con un esplendor magnífico y atrapante, alternando secciones
lentas donde reina una atmósfera emocionalmente vulnerable de power-ballad con
otras en las que el grupo da rienda suelta a su estilizada extroversión que ya
es "marca de la casa" desde hace tiempo. La coda dirigida por la guitarra
acústica, a pesar de su brevedad, tiene un poder evocativo inmenso.
Pasamos ahora al segundo volumen y es el tema "Electric Messiah" el que está a
cargo de inaugurar la ocasión, y lo hace con una polenta muy semejante a la
exhibida y articulada en"Bastards Of The Machine" y "Heretic", posiblemente más
cercana a este último. "Prometheus (I Am Alive)" establece una estilización más
a tono con el legado de "The Odyssey", logrando así plasmar otro momento de
majestuosidad antes de la erupción de una nueva oleada flameante de frenesí
directo por vía de "Light Up The Night". En este punto quedan poco menos de 15
minutos para la conclusión de la experiencia de "Iconoclast". Así, "The Lord Of
Chaos" desarrolla un lirismo claramente definido en medio del imponente vigor
de la instrumentación (que incluye, claro está, otro solo incendiario a cargo
del "Gran Jefe" Romeo), y es tan fuerte el impacto de ese lirismo que se
perpetúa a su manera en la más aguerrida "Reign In Madness", pieza que tiene
mucho parentesco con "Heretic" y "Electric Messiah" en cuanto a la contundencia
rítmica, la garra vocal en la mayor parte de las intervenciones de Allen y el
despliegue de poder por parte de los riffs, pero las bases de teclado aportan
un aura mayestática al bloque sonoro global, un aspecto que se resalta de
manera poderosa en el aguerrido interludio instrumental. Por enésima vez, los
fantasmas de "The Odyssey" inundan los ambientes de este palacio prog-metalero
iconoclasta. Así termina esta nueva obra de Symphony X, banda que ya tiene
desde hace cierto tiempo delineados los confines de su tradición y los rituales
de nueva frescura que han venido alimentando de forma consistente desde los
tiempos de "The Odyssey" - nos quedamos con el aprecio por este disco en tanto
condensador de las propuestas de "The Odyssey" y "Paradise Lost", manteniendo
la expectativa en torno a las metas musicales que el grupo deberá proyectarse
en adelante. Por lo pronto, !nota aprobatoria para "Iconoclast"!
César Mendoza
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Autor: alberto benitez <albertogg_prog@yahoo.com.mx>
Asunto: Hola Cajeros espero llegue este correo sin acentos.
A todos los cajeros del mundo.
No me he olvidado de "mis deberes cajeriles" jejeje. Les envío mi mensaje.
En YOUTUBE me encontre con el video Edge of Twilight: Adam Wheeler and Brady
Arnold do a Gentle Giant Cover.
Si les interesa la musica de GG se maravillaran. Que bonito cuando cada
quien hace lo que le corresponde.
Gracias Gigante. Gracias Gigantes. Solo intento ser un GIGANTE POR UN DIA.
Saludos desde Mexico D.F.
Alberto Benitez Baena
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Autor: alberto benitez <albertogg_prog@yahoo.com.mx>
Asunto: DESIGN de INTERVIEW de GENTLE GIANT
He compartido con ustedes, un poco en desorden, reseñas detalladas de Gentle
Giant: Acquiring The Taste (LCDM#303), Gentle Giant (LCDM#315), Octopus
(LCDM#349), Three Friends (LCDM#376), In a Glass House (LCDM#397), The Power
and the Glory (LCDM#470) y Free Hand (LCDM#516). Reseñas detalladas de los
albumes completos, rola por rola. Tambien les he compartido tablaturas para
bajo, flautas dulces, teclados y guitarra acustica de mi favorito grupo de rock
progresivo: Gentle Giant. Digo esto a los cajeros que se asoman por primera vez
a LCDM, y a los que se interesen, por supuesto. :Espero que llegue sin
acentos.: :Pero antes saludo a todos los cajeros del mundo.: :En esta ocasion
los deleitare con la reseña detallada de la pieza musical DESIGN contenida en
el album INTERVIEW. Aplausos por favor a Gary Green, Kerry Minnear, Derek
Shulman, Ray Shulman, John Weathers. :De 0:00 a :0:16 se oye que entrevistan a
los gigantes: :ENTREVISTADOR:LA BANDA RESPONDE A CONTRAPUNTO. Woooooow:
Well/Well, I guess...combination of...background...very arranged...basically
it's all different sorts... :Wooooow. Permitanme reponerme. Hasta en la
respuesta se nota el oficio de los Gigantes: Parece que hablan en completo
caos, pero no se confundan cajeros. Los Gigantes responden al entrevistador EN
CONTRAPUNTO. No es caos. Es un perfecto orden. Es una respuesta en perfecto
orden CONTRAPUNTISTICO.: :De 0:17 a 0:35 es una armonia a cuatro voces.: :De
0:36 a 1:51 se sigue oyendo la armonia a cuatro voces y se agregan cuatro voces
mas QUE ENTRAN A CONTRAPUNTO. Sin yo detallar cuando es fuga o cuando es canon
u otro elemento estructural para no complicar aun mas esta reseña. Favor de
tener cuidado con no confundir armonia con contrapunto. O sea que ya tenemos 8
voces en total. En las dos veces que se solfea la palabra TIME se agrega una
novena voz.: :De 1:50 a 2:46 continua con una seccion de percusiones.: :De 2:47
a 3:38 esta seccion es aderezada a 5 (cinco) voces que me recuerdan a JOHANN
SEBASTIAN BACH. Echenle un vistazo a sus fugas y canones. Inicia con la letra
"I thought everything may come to me, made my way only as I'm able", despues el
canon es a 2 voces, despues es un canon a 3 voces, despues el canon es a 4
voces y despues el canon es a 5 voces. Johann Sebastian Bach nunca sabra que en
el rock progresivo en esta pieza de DESIGN el Gentle Giant se ocupo de
recordarlo. En especial lo recordo Kerry Minnear.: :Orale por por que tanta
seriedad mia, jejeje. Hasta parezco experto hablando sobre Gentle Giant,
jejeje. Chale, ora si me vi re seriesote, nooo. Es un pequenyo break. Relax.
Continuo.: :De 3:39 a 3:45 la seccion de percusiones continua y va esfumandose
en los bordes de la via lactea.: :A partir de 3:46 regresamos al DOBLE
SOSTENIDO con las armonias vocales y hasta terminar la pieza. Favor de tener
cuidado con no confundir entre CODA con regreso al DOBLE SOSTENIDO.: :Es una
pieza ejecutada con impecabilidad y en perfecto orden BACHIANO.: :No quiero
aburrirlos con las referencias del siglo XVIII. Pero la musica de Gentle Giant
está llena de ella y ES ROCK. Wooow.: :A Design le doy calificacion de diez.
Con solo esta pieza DESIGN, el Album completo INTERVIEW queda con calificacion
de 8 como minimo, en mi humilde opinion.: :Gracias Kerry Minnear y gigantes
gentiles que lo acompanyan.: :Como siempre, esto es sin afan de lucro, solo
intento ser un GIGANTE POR UN DIA.: :Los saluda desde Mexico, D.F.:Alberto
Benitez Baena:Septiembre 3, 2011 Gentle Giant, how would you describe your
music?
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Autor: "Javi Herrera" <javiherreragil@gmail.com>
Asunto: Nota_aclaratoria_sobre_la_cronica_de_PANZERBALLETT_en_el_festival_RIO
Hola a todos,
solo quería puntualizar(me) un detallito técnico sobre lo que comenté del
concierto de Panzerballett en Carmaux. Quizás alguno se haya dado cuenta de
que cuando dije "con la
banda tocando el 5/8 del tema y el batería superponiendo una inverosímil
superdivisión en 15 partes", lo de que fuera inverosímil o no depende del
número de compases en 5/8 sobre los que se repartiera la superdivisión de 15
partes. Por ejemplo, sobre 3 compases sería trivial (la subdivisión coincide
con al corchea del 5/8, en efecto, 3*5 : 15), la miga del caso es que la
coincidencia se da cada 4 compases en 5/8 (o sea, polirritmia de 15 sobre
20, que simplificando queda 3 sobre 4... pero el "4" se refiere a cuatro
corcheas sobre el 5/8, o sea que tenemos una polirritmia sobre un
desplazamiento rítmico. Algo realmente bizarro:
http://www.youtube.com/watch?v:5uapNJD94Bc
como corrobora el "What the fuck" de un miembro del público, que no da
crédito ;-)
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Autor: alberto benitez <albertogg_prog@yahoo.com.mx>
Asunto: breve cronica de una revista encontrada
Saludos a todos los cajeros y no cajeros del mundo.: :Estaba ordenando algunos
libros en mi librero y sin querer queriendo encontre una revista que aca en
Mexico era famosa a fines de los 60's y en los 70s. La revista se llama Mexico
Canta.: :Yo llegué a tener como 100. Cajeros no me pregunten por estas revistas
que tuve. Lo hecho hecho esta.: :Me encontre un Mexico Canta. De hecho no tenia
escrito el anyo pero lo encontrare leyendo esta revista como lo hacia en el
pasado: de INICIO a FIN y sin perder detalle, sin pestanyear.: :Viendo una
referencia me percate que la revista es de fines de 1972 o de 1973. Esta
revista tiene la seccion ROCKOMENTARIOS escrita por F. R. K. (sic). Es una
seccion de preguntas y respuestas. Alguien pregunto ?quien es el organista del
fabuloso grupo YES, de que grupo viene?.: :La respuesta en estos tiempos
modernos afortunadamente la conocemos muchos rockerosprogresivos del mundo. En
los ultimos 15 o 20 anyos no es novedad saber quien es el FABULOSO TECLADISTA
de YES.: :A fines de 1972 o en 1973 era una aventura o era un alucine enterarse
de estas cosas y por supuesto era un alucine oir las maravillas del rock
progresivo sin imaginarnos que seguirian siendo obras maestras en el nuevo
milenio. Obviamente, yo ya era un fan rockeroprogresivo.: :Les transcribo parte
de la respuesta: "Ademas Rick acaba de sacar, hace poco, un album como solista
que se llama The Six Wives of Henry VIII, que esta muy bueno".: :Por supuesto
que a su debido momento oi este disco de un tal RICK en esos anyos 70s. En casa
de mi amigo de muchos anyos y actual compadre un dia de esos anyos 70s escuche
The Six Wives of Henry VIII, puesto que soliamos reunirnos para escuchar ROCK
PROGRESIVO y del otro ROCK. En esos anyos no se tenia el concepto de Rock
Progresivo, pero YA EXISTIA.: :Ojala alguien que tenga algun numero de esta
revista y tenga deseos de compartirlo y tenga tiempo para nosotros nos
transcriba algo de esa Revista y nos haga viajar a esos maravillos anyos del
rock progresivo. No importa que nos den noticias que ya sepamos. En los 70s el
rock progresivo era de otro planeta. Lo sigue siendo.: :No los aburro mas.
Leere la revista con calma y seguire informando.: :Por el momento CAMBIO Y
FUERA.: :Saludos desde Mexico DF:Alberto Benitez Baena:Octubre 5, 2011
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: POSEIDÓTICA + VIOLENTANGO + KLAUSS - 21 de octubre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El cuarteto argentino POSEIDÓTICA presentará el próximo 21 de cotubre su nuevo
disco "Crónicas Del Futuro" en un evento donde compartirá cartel con las bandas
VIOLENTANGO y KLAUSS.
Lugar: Niceto Club | Niceto Vega 5510 | Palermo | Ciudad de Buenos Aires
Hora: 20.00
Venta de entradas.-
Anticipadas $30 en la boletería de Niceto (Lun a Vie de 12 a 18 hs), Anthology
(Av. Santa Fe 1670 Local s 7. Galeria Bond Street), Oid Mortales (Av.Corrientes
1145 local 17) o por sistema Ticketek http://www.ticketek.com.ar/
2x1 Club La Nación disponible solo por Ticketek (CUPOS LIMITADOS)
Entradas en puerta: $40.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: NICKLAS BARKER - "El Último Fin De Semana" (2011)
NICKLAS BARKER: "El Último Fin De Semana" (2011)
Temas
1. Leo (1:23)
2. Celestial Ghost (5:28)
3. Night Ambience (2:03)
4. Sisters / Phantasm (3:20)
5. Rendezvous (2:23)
6. Entering The Village (1:40)
7. Confrontation / Doom (4:10)
8. Going Home / Ouija (3:22)
9. By The Shore (2:19)
10. Chase / Purgatory (3:14)
11. Grand Finale (3:27)
12. Home (1:03)
13. Beach Girls (1:50)
Nicklas Barker: mellotrón, sintetizadores, bajo, Theremin, gong
Colaboradores - Martha Barker (cello), Karolina Bergström (violín), Peter
Nordins (batería, percusión)
Nicklas Barker, quien no es sino Nicklas Berg, guitarrista/teclista de
Anekdoten, Morte Macabre, My Brother The Wind y otros proyectos musicales,
aparte de productor e ingeniero de sonido, da rienda suelta sus inquietudes de
músico y creador solista cuando se encarga de la banda sonora de la película de
horror española "El Último Fin de Semana", dirigida por Norberto Ramos del Val
y protagonizada por el poderoso ensamble actoral de Irene Rubio, Alba Messa,
Silma López, Nacho Rubio, Marian Aguilera, Jorge Anegón, Ayelén Muzo, Víctor
Alcázar. En fin, más información sobre la película se puede leer en su FB
https://www.facebook.com/#!/elultimofindesemana?sk:info . Por lo pronto, esta
banda sonora es un notable ejercicio de música progresiva atmosféricamente
siniestra y densamente etérea, donde los momentos intensos (predominantes) y
los más contenidos suenan igualmente envueltos bajo un manto de misterio
acechante y peligro latente tanto como inocultable. Si pensamos en un híbrido
entre Goblin, el lado más nostálgico de Morte Macabre y las aureolas más
evocativas del kraut electrónico, contaremos con un apropiado esquema mental
para comprender la experiencia de escucha de esta banda sonora. Vayamos ahora a
los detalles del mismo.
En un contexto de abuso verbal y físico, "Leo" abre el disco con un aura de
pavor e indefensión de forma minimalista. Este breve prólogo prepara el camino
para la solemnidad claroscura de "Night Ambience", tema que orgullosamente
ostenta su hibridación de Anekdoten temprano y el Goblin clásico: con las
gloriosas capas de mellotrón y las intrusiones de los sintetizadores, el órgano
y el Theremin se crea un genuino ejemplo de cómo la languidez puede, en el arte
del ruido, erigirse como una modalidad especial de energía expresiva. Dándole
un aire un poco más olfieldiano al asunto, pero preservando las alusiones a
Goblin, "Night Ambience" nos devuelve al pavor de la pieza inicial por un par
de minutos antes de que "Sister / Phantasm" nos lleve por los senderos de un
relajamiento grisáceo que finalmente se trastoca en un clima de inquietud
expectante ante algo que se avecina pero no se logra atisbar, permaneciendo
indescriptible: muy kraut esta pieza, al modo del Tangerine Dream de "Sorcerer"
con aires añadidos a lo Cluster. ?Y por qué no seguir con lo kraut? Pues Barker
sigue adelante con esto para la secuencia de "Rendezvous" y "Entering The
Village", extrapolándolo hacia un minimalismo más marcado, semejante al
Kraftwerk pre-"Autobahn" a fin de realzar lo terrorífico de una forma sólida en
un espacio de menos de dos minutos y medio. Aunque persiste en la línea de
predominio minimalista, "Confrontation / Doom" ya no se enmarca tanto en el
legado del kraut como en los momentos más misteriosos del parámetro de Goblin,
incluso aportando matices electrónicos propios de un Brian Eno durante su etapa
pionera de lo que después se dio por llamar "ambient"; algo muy similar sucede
en la siguiente pieza, "Going Home / Ouija", la cual tiene un inocultable aire
Eno-Vangelisiano en la ilación de los dos motivos que conforman su núcleo
compositivo. "By The Shore" sí supone un regreso a los rincones más oscuros del
discurso kraut que ya habían dejado su huella en "Rendezvous" y "Entering The
Village", y tabién más adelante en "Grand Finale". Cuando la oscuridad se
matiza con una espiritualidad vitalista a través de un robótico compás
llamativo, es el momento en que "Chase / Purgatory" emerge para aportar una
misteriosa luminosidad al ambiente general del álbum. Esta pieza puede
describirse como una partitura perdida del Jarre de "Equinox" retomada por el
Neu! del tercer álbum bajo la producción de Peter Baumann aún fresco de las
sesiones de grabación de "Stratosfear". "Home" es lo tétrico en su máxima
expresión, finamente disfrazado de cálido lirismo en sus primeros pasajes pero
presto a despojarse prontamente de dicho disfraz, mientras que "Beach Girls" es
un ejercicio de suave compás tropical no ajeno a la nocturnidad emocional que
ha penetrado todos los poros sónicos del álbum... algo así como una añoranza
plácida en medio de la inocultable tensión que aprisiona a la mente.
En conclusión: Nicklas Barker luce su habilidad y creatividad para crear
texturas y ambientes convincentes y poderosos desde su papel de teclista, una
posición que hasta ahora solo era secundaria en otros proyectos musicales
progresivos en los que había estado envuelto desde los tiempos del primer álbum
de Anekdoten. Teniendo en cuenta el tanta veces mentado revival 90ero del rock
progresivo ya tuvo lugar hace dos décadas, Barker ya puede ser considerado como
un veterano por méritos propios, y aquí está la banda sonora de "El Último Fin
De Semana" para corroborar la innegable justicia artística de esta
consideración.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DREAM THEATER - "A Dramatic Turn Of Events" (2011)
DREAM THEATER: "A Dramatic Turn Of Events" (2011)
Temas
1. On The Backs Of Angels (8:45)
2. Build Me Up,Break Me Down (6:59)
3. Lost Not Forgotten (10:11)
4. This Is The Life (6:57)
5. Bridges In The Sky (11:01)
6. Outcry (11:24)
7. Far From Heaven (3:56)
8. Breaking All Illusions (12:25)
9. Beneath The Surface (5:26)
Integrantes
- James LaBrie: voz, coros
- John Petrucci: guitarras, coros
- John Myung: bajo
- Jordan Rudess: teclados, Continuum, MorphWiz
- Mike Mangini: batería, percusión
Si el nombre de Dream Theater ha sido sinónimo indiscutible de paradigma del
prog-metal desde la inolvidable (y para no pocos, todavía insuperable) dupla de
álbumes "Images & Words" y "Awake", desde el año pasado también ha sido
sinónimo de telenovela desde la tensa situación que se originó con la partida
de Mike Portnoy (previo rechazo de su iniciativa de poner a la banda de
vacaciones y tras un fallido intento posterior de regreso), sin obviar un
litigio sobre los réditos económicos de la utilización del mismo nombre del
grupo. En fin, el grupo ha sabido seguir adelante con un nuevo enfoque
compositivo que implicó dejar más campo abierto a lo melódico a partir de una
interacción más fluida entre Petrucci y Rudess, una mayor iniciativa de este
último, y la retoma de aportes importantes de parte de LaBrie y Myung. Por su
parte, el nuevo baterista Mike Mangini ha sabido hacer gala de su técnica,
fuerza y veteranía para cumplir con su rol de "nuevo Portnoy" que el grupo
tenía en mente para sus primeros pasos en esta nueva fase de su carrera. Parece
un rol muy encorsetado, y puede serlo en muchos sentidos, pero también es
verdad que la leyenda de Portnoy no está construida con aire y quimeras, sino
con una realidad de años y años de versatilidad que lo convierten en toda una
figura infinitamente influyente para la maduración del prog-metal desde la
década de los 90s, un mérito que no le podrán negar aquellos que con razón
odian sus tendencias al divismo y al egocentrismo. La simple tarea de anularlo
exige pericia y esa intuición que solo da la veteranía, y Mangini era el
designado por el Dios Destino para realizar este trabajo. Además, desde la
logística creativa diseñada para la composición y los arreglos del nuevo
material, tenía sentido que se buscara una permanencia idealista de Portnoy. En
efecto, Dream Theater decidió dar un paso decisivo y necesario tras el proceso
de aburguesamiento que se hizo notar en "Systematic Chaos" y "Black Clouds &
Silver Linings", así como en el legado unilateral de "Train Of Thought":
retomar los mejores frutos de su propia herencia sinfónica desde la etapa Moore
y los inicios de la etapa Rudess para revitalizar su sensibilidad musical y
enfocar con una nueva perspectiva los matices metálicos que se habían afianzado
en los dos discos precedentes. Esta estrategia era una de las que más se
discutían en los foros de fans donde no faltaban quejas sobre la crisis
creativa de los últimos discos y la innecesaria pero constante sobreabundancia
de Portnoy dentro de la línea de trabajo de la banda. Pues bien: la respuesta a
todas estas inquietudes, hipótesis, expectativas está cabalmente reflejada en
"A Dramatic Turn Of Events", disco que parece condenado a ser el más comentado
ítem de prog-metal del año. (Algo así como lo eran por varios años los discos
de Marillion con Hogarth dentro del gueto del neo-prog, ?no?) Repasemos el
disco, tema por tema.
"On The Backs Of Angels", el primer tema que se dio a conocer del disco,
inaugura esta nueva fase musical de la banda con carácter y fortaleza. El
motivo introductorio es un guiño al clásico preludio perpetuo de "Pull Me
Under" con ciertos aires añadidos a lo "A Change Of Seasons". El cuerpo central
se revela como un matrimonio bien compaginado entre la herencia de la etapa
92-95 y la pesadez más aparatosa propia de los dos últimos trabajos de estudio.
Es como recuperar una vieja ilusión mientras se echa un último vistazo a los
paisajes que llenaron los últimos cinco años de trayecto a la hora de cerrar la
puerta. Pero la puerta no se cierra del todo, tal como revela "Build Me Up,
Break Me Down", pieza que no hubiera estado fuera de lugar en "Systematic
Chaos" o en medio de "Panic Attack" y "Never Enough" (del "Octavarium")=85
aunque menos mal que no es de la línea de Muse, sino más bien una canción
metalera melódica con afinidades industriales sobre un compás de medio-tiempo
pomposamente arreglado para dar la impresión de mayor polenta. Engarzado con la
conclusión sinfónica de este tema, "Lost Not Forgotten" empieza a brindar los
primeros momentos de grandeza mayestática del álbum. Comenzando con una
secuencia de piano a lo Gershwin, el tema pronto estalla en una serie de
modismos que podemos reconocer desde los tiempos de "Images & Words" y
"Scenes", con herramientas y recursos que plasman alusiones a las estructuras
de "Under a Glass Moon", "Metropolis Part 1", "Strange Déjá Vu" y "The Dance Of
Eternity". !Cómo se nota que los cuatro restantes de DT principalmente querían
a un facsímil del turbulento Portnoy! !Y también cómo se nota que el grupo
logró entender que necesitaba reciclar lo mejor de su legado con Moore y
reorientar la potencialidad creativa de Rudess para recuperar el brillo
progresivo que se había manifestado por última vez en "Six Degrees Of Inner
Turbulence" y tres cuartos de "Octavarium"! "Bridges In The Sky" tiene una
introducción que comienza con una secuencia tribal que incluye el sampleo de un
canto ritual, seguida de otro sampleo de una ceremoniosa coral gótica,
permitiendo así que el poderosos cuerpo central se instale como emergiendo de
una misteriosa niebla. Esta pieza exorciza dinámicamente los fantasmas del
"Train Of Thought" y del "Systematic Chaos" con un inteligente manejo del
gancho marchoso propio de la pieza; también podemos señalar que ciertos pasajes
de teclado en el interludio nos remiten al "Scenes From A Memory", pero es
verdad que a pesar de que se hacen presentes de una forma llamativa, son los
guitarreos y los aportes de la batería los que guían la dirección compositiva
de la pieza. La breve coda reitera el ambiente tribal del inicio. "Outcry", por
su parte, refleja un manejo más sofisticado del elementos metalero, jugándosela
por un compás más contenido y la inclusión de atmósferas digitales en medio de
una fastuosidad refinadamente desarrollada. Esta pieza guarda una fidelidad más
grande a los esquemas sonoros de los tres últimos discos, pero su sentimiento
nostálgico parcialmente patente nos remite a los terrenos más sofisticados que
se explayaron en el primer volumen del "Six Degrees" ("Blind Faith",
"Misunderstood"). Rudess se manifiesta a sus anchas en la sección intermedia,
la cual se puede describir como un híbrido entre una recapitulación ralentizada
de los alucinados aspavientos rococó del legendario "Metropolis Part 1" y los
recovecos instrumentales de "Blind Faith" y la sección final de "The Great
Debate". En resumen, "Outcry" es otra muestra fabulosa de la aureola de
frescura y nuevo esplendor que la banda ha venido proclamando desde los tiempos
de post-producción de este álbum.
El primer momento de pleno relax emocional llega con "This Is The Life", una
power-ballad de pronunciado cariz sinfónico, portando una sensibilidad serena y
un refinamiento melódico que la hace afín a varios temas a medio tiempo de
Enchant y Vanden Plas. La alternancia de 6/4 y 5/4 en el esquema rítmico de la
pieza ayuda bastante a sustentar una calidez reflexiva consistente, la cual no
se rompe cuando entran a tallar los riffs de guitarra eléctrica en ciertas
ocasiones calculadas. El segundo momento relajante está encarnado en la balada
"Far From Heaven", pieza sostenida sobre el piano y en el que LaBrie recapitula
los matices introspectivos de su voz con el grisáceo dramatismo de "Vacant" y
algunos momentos mayestáticos a lo "Wait For Sleep". Es curioso que tengamos
que sacar a colación a esta última canción en esta descripción, pues apenas
apagado el eco de la última nota de piano de "Far From Heaven" emerge la
canción que muchos han denominado como el segundo "Learning To Live": "Breaking
All Illusions". Pues bien, dicha denominación es totalmente justa, pues varias
modalidades de ilación entre motivos y bastantes ornamentos de bajo y teclado
replican buena parte del espíritu de aquella canción que cerraba "Images &
Words" con absoluto esplendor. Eso sí, esta labor de recapitulación se hace eco
de varios de los estándares de estilización prog-metalera que el grupo había
conquistado imponentemente en los momentos mejor logrados de "Scenes" y
"Octavarium": este eco se traduce en mayores dosis de muscularidad en varios de
los pasajes más potentes y un swing más pronunciado en la labor general de
Mangini, y justamente en este aspecto, se puede decir que esta canción es donde
Mangini se suelta más y no suena tan "flagrantemente Portnoyense". Por su
parte, Petrucci se luce en un solo Lifeson-Gilmouriano y Rudess hace gala de
sus modismos Wakemanianos en más de una ocasión, y en general, el quinteto
explota este tema divinamente hasta su magnífico cierre sinfónico,
convirtiéndolo así en otro cénit junto con "Lost Not Forgotten" y "Outcry". Los
últimos 5 1/2 minutos del álbum están ocupados por "Beneath The Surface",
tercer y último momento de relax emocional del disco: puesto que el final de
"Breaking All Illusions" es tajante pero no realmente climático, resulta
oportuno que esta balada con base de guitarra acústica cierre el álbum,
aportando un lirismo tranquilo e intimista en una suerte de mezcla de Styx (a
lo Tommy Shaw) con The Moody Blues (etapa del "Long Distance Voyager"). De
hecho, el solo de sintetizador que aporta en el intermedio Rudess tiene un aire
a lo Moraz bastante efectivo como contraparte de la explícita dulzura cándida
que atraviesa a la intención compositiva de Petrucci.
Finalmente, nuestro balance general sobre este álbum es positivo en tanto que
resulta tremendamente funcional a la instalación de los presentes vientos de
renovación dentro de mundo de Dream Theater, así como a la proyección hacia
prospectos de reactivada creatividad en próximos trabajos fonográficos. Para
decirlo sin rodeos retóricos, "A Dramatic Turn Of Events" cumple solventemente
con la doble misión de Dream Theater que hemos mencionado en el primer párrafo
de esta reseña: a) recuperar buena parte de la magia progresiva de la mejor
cosecha durante la etapa Moore y los primeros discos de la etapa Rudess; b)
poner en perspectiva la orientación sonora desarrollada en "Train Of Thought" y
los dos discos anteriores. Así pues, Dream Theater rinde su declaración jurada
de que ha exorcizado sus más recientes fantasmas y debe estar preparado para
nuevos retos creativos si procede el asentamiento del nuevo baterista Mike
Mangini, un veterano con derecho propio.
César Mendoza
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Vuelven... Arcabuz
http://www.arcabuz.es/index.html
Arcabuz es un grupo de rock que nace en 1978. En aquellos tiempos, cuatro
jóvenes de menos de 20 años, forman una banda a imagen y semejanza de los
grupos que se escuchaban en aquella época. Las influencias eran claramente
del rock sinfónico anglosajón, progresivo y del rock andaluz. Establecieron
su base en Santa Coloma de Gramanet, (Barcelona) donde tuvieron su primer
local de ensayo. Si algo tuvieron claro desde los inicios, fue que la música
tenía que ser propia y original. Aunque no pudieron escapar de las
influencias de sus ídolos, lo que tenía que salir era algo que nadie hubiera
escuchado antes.
Y así fue. Su primer trabajo solo vió la luz en actuaciones en vivo, y en
una maqueta grabada en los Estudios Gema 2 de Barcelona, por donde pasaron
la mayoría de músicos que hicieron historia en el panorama musical español.
Esta grabación constaba de tres temas de larga duración:
Confrontaciones dolorosas
La Setrilleira Monstruosa
Al final de una larga espera.
Con ellos, pisaron varios escenarios de Barcelona, destacando la actuación
en la Discoteca Georgia, en la callle Pelayo, en Semana Santa de 1979, la
primera vez que se abrían locales de ocio en estas fechas desde el
establecimiento de la democracia.
El tiempo pasó, y cada uno siguió su camino.
Es ahora, más de 30 años después del inicio, cuando los componentes
originales de Arcabuz deciden juntarse de nuevo para volver a escuchar cómo
sonaban.
Julio Francisco Álvaro "Paquito" a los teclados, Carlos López a la guitarra,
José-Luis López, al bajo y Aurelio Ortega a la batería, vuelven a formar
Arcabuz. 30 años después, con la ilusión renovada y con los mismos
planteamientos. Con nuevas ideas, recordando lo anterior, pero añadiendo
innovaciones fruto del paso del tiempo.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DEEP PURPLE en la prensa limeña (inc. cancelación del concierto)
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Tal como se ve en este enlace
http://www.deeppurple.com/index.cfm/pk/content/pid/430562 , se canceló la
presentación de DEEP PURPLE en Lima dentro de la sección sudamericana de la
actual gira mundial de esta leyenda del rock pesado.
En fin, la gente del diario limeño "El Comercio" había organizado una breve
entrevista telefónica con el bajista Roger Glover antes de la cancelación del
evento, por lo que la publicó recientemente (domingo, 9 de octubre). Aquí
transcribimos la nota de la entrevista en cuestión.-
" El hombre del bajo púrpura
Por: Rafael Valdizán
Domingo 9 de Octubre del 2011
Cancelaron Deep Purple en Lima. Dicen que como efecto dominó por el Caso
Oyarce. El recital debía ser el 27 de este mes en la explanada sur del
Monumental. Pero ello, tras lo ocurrido, ya casi equivaldría a tocar en el
mismísimo infierno. Quien escribe ya había llamado a Roger Glover a su casa en
Zúrich y había conversado con él. Y si bien ya no venía al caso publicar lo que
él pensaba del show, por obvias razones, tampoco podía desperdiciar la ocasión
de rescatar algo de aquella charla de un lunes por la tarde. En estas líneas,
algunas palabras del bajista galés.
?Cuáles son tus discos favoritos de Deep Purple?
No suelo escuchar Deep Purple (risas). Pero sí te digo que son cuatro los
discos que sobresalen, y son los que comenzaron una nueva era para la banda.
"Deep Purple in Rock", "Perfect Strangers" y "Purpendicular". Todos ellos
tuvieron algo nuevo. Pero si tuviéramos que elegir un álbum que defina a Deep
Purple, ese sería "Made in Japan" porque no somos una banda de estudio, sino
una banda en vivo. Y ese disco es fantástico. Representa un gran momento para
nosotros.
?Estás de acuerdo con quienes dicen que Deep Purple junto con Led Zeppelin y
Black Sabbath sentaron las bases del heavy metal?
Sí, aunque es algo difícil establecer una conclusión sobre eso. Pero supongo
que algo pasó entre los años 1964 y 74. Fueron diez años de música fantástica;
pareciera que todas las bandas salieron de esa época. Moody Blues, Jethro Tull,
Led Zeppelin, Black Sabbath=85 las buenas bandas americanas también son de esa
época, The Doors, Jefferson Airplane, Grateful Dead. Eran tiempos en los que el
negocio no era tan fuerte, pero la música sí.
?Pero tú consideras que la música de Deep Purple es heavy metal?
En realidad, es hard rock. Es música que está definida por cierto tipo de
sentimiento o actitud. Y, para mí, nunca va a desaparecer, pues expresa todas
las emociones, todos los estilos y atmósferas. Y el heavy metal es una de esas
atmósferas.
Jon Lord [ex tecladista de DP] pelea una batalla contra el cáncer. ?Has hablado
con él recientemente?
Sí, he hablado con él hace unas semanas. Es consciente de lo que está pasando.
Pero él es muy positivo, muy espiritual, y tiene el apoyo de la gente que lo
rodea. Tuvimos una larga y amistosa conversación. La verdad que está en muy
buen camino. Es un hombre muy fuerte.
?Estás en contacto con Ritchie Blackmore [ex guitarrista de DP]?
Mmm=85 no. Pero no por elección mía. En todo caso, diría que él no está en
contacto conmigo.
Es un tipo muy especial, ?no?
Conozco a Ritchie. Hemos tenido nuestros altibajos, pero básicamente es un
guitarrista fantástico, el mejor con el que he trabajado jamás. Y por ello le
perdono todo lo demás. Yo lo respeto mucho. Ojalá fuéramos amigos, pero todo
depende de él.
?Qué significa el bajo para ti?
El bajo es la estructura de las canciones. Y me divierto mucho tocándolo. Me
gusta ser la ruta, mientras los otros músicos hacen su parte.
?Escuchas modern rock, nuevos artistas?
Yo escucho de todo. Soy un fan de la música y me gusta meterme en la mente de
las personas, en lo que expresan en las letras de las canciones. Lo que busco
es sorpresa.
MÚSICO SOLISTA
Nuevo álbum en estudio
Le comenté a Roger Glover que había escuchado un par de temas de su nuevo CD en
solitario y le pedí que contara algo del tema que lleva el nombre del álbum,
"If Life Was Easy" ("Si la vida fuera fácil"). El bajista contestó: "Fue la
primera canción que escribí para el álbum. Tomé una guitarra española que había
en el departamento de mi novia y empecé a tocar una melodía medio estúpida
(risas), y cada vez que regresaba al departamento volvía a tocar la misma cosa.
Un año después, me di cuenta de que podía salir una canción de ahí. Como sea,
el tema describe un momento difícil de mi vida: separación, divorcio, dejar un
país, tener bebes, mi madre se moría, fueron diez años muy estresantes. Si la
vida fuera fácil, no sabríamos que estamos vivos. Necesitamos confrontaciones.
Los conflictos nos definen, de la misma manera que uno aprende más de los
fracasos que de los éxitos". "
Enlace original en formato PDF:
http://elcomercio.pe/impresa/pdf/1318136400/ECMU091011c06/
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Alejandro Matos - 15 de octubre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El músico argentino Alejandro Matos dará próximamente un concierto en Buenos
Aires, más exactamente, el 15 de octubre.
Datos del evento.-
ALEJANDRO MATOS EN VIVO
Sábado 15 de octubre
22.00
Remember Jazz Pub
Av. Corrrientes, 1983
C.A.B.A.
Argentina
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Steven Wilson - Grace for Drowning (2011)
STEVEN WILSON : "GRACE FOR DROWNING" (2011)
Discográfica: Kscope
CD 1:
1. Grace For Drowning (2:06)
2. Sectarian (7:41)
3. Deform To Form A Star (7:51)
4. No Part Of Me (5:45)
5. Postcard (4:29)
6. Raider Prelude (2:23)
7. Remainder The Black Dog (9:27)
CD 2:
1. Belle De Jour (2:59)
2. Index (4:49)
3. Track One (4:16)
4. Raider II (23:21)
5. Like Dust I Have Cleared From My Eye (8:01)
Músicos:
- Steven Wilson: vocals, keyboards, guitars, bass, piano, autoharp,
percussion, gong, glockenspiel, programming, harmonium
- Jordan Rudess: piano
- Theo Travis: saxophones, clarinets, flute
- Ben Castle: clarinet
- Nick Beggs: stick, bass guitar
- Nic France: drums
- Tony Levin: bass
- Pat Mastelotto: acoustic and electronic drums
- Markus Reuter: U8 touch guitar
- Trey Gunn: Warr guitarr, bass guitar
- London Session Orchestra conducted by Dave Stewart: strings
- Synergy vocals arranged by Dave Stewart: choir
- Steve Hackett: guitars
- Mike Outram: guitar
- Sand Snowman: acoustic guitar
Steven Wilson, menudo tipo. ?Hasta cuando puede durar el estado de gracia de
este hombre? Por lo menos se está alargando desde mediados de los 90 hasta
ahora. Cuando piensas que su trayectoria puede empezar a tomar el camino de
descenso, va y se saca de la manga uno de los mejores álbumes de su carrera.
Esto es "Grace for Drowning", su segundo en solitario. Un doble CD (aunque
en total dura sólo 83 minutos), con el que consigue situarse por encima del
primero "Insurgentes" y que quedará marcado como uno de los puntos
culminantes de su amplia discografía.
No digo ninguna tontería si digo que estamos ante el trabajo más ambicioso
de cuantos ha grabado este hombre. Una obra construida minuciosamente,
cuidando el equilibrio al máximo, llena de detalles y matices, con una
calidad de grabación y producción difícilmente mejorables, donde en esta
ocasión Steven Wilson ha querido personalizar la obra haciéndose valer de
músicos experimentados de jazz.
"Grace for Drowning" es un álbum más homogéneo que "Insurgentes". Si en ese
primer disco la variedad de estilos y tonos se imponía hasta obtener una
colección de piezas geniales, pero ciertamente alejadas, en esta ocasión
todo parece fluir con toda naturalidad en una misma corriente, despertando
un sentimiento común entre tenebroso, nostálgico y fascinante. Eso no
significa que estemos ante un trabajo lineal o poco variado. Todo lo
contrario, la variedad de estilos diferentes que se encuentran en este
trabajo sigue siendo el habitual, moviéndose tanto entre sonidos etéreos
como tormentosos, pero eso sí, siempre remando en un mismo sentido. Wilson
se centra especialmente en sus conocidas raíces en el progresivo de los 70,
juega con jazz, electrónica, ambiente, pop, dark wave, industrial y tantas
otras sonoridades que sabe hacerse suyas e integrar a su personal estilo
como si nada.
Un trabajo comedido, sin notas de más ni ornamentación gratuita. Me
atrevería a decir que es la obra donde confluye todo lo que ha grabado
Steven Wilson hasta ahora. La culminación a muchos años de carrera. Aquí hay
lugar para un pedazo de cada uno de sus proyectos, sean Porcupine Tree en
sus diferentes etapas, IEM, Bass Communion, Blackfield, No-Man o el mismo
"Insurgentes". Pero al mismo tiempo va más allá añadiendo nuevas sonoridades
y ambientes, creando paisajes que evocan oscuridad y belleza a partes
iguales, combinando pasajes de jazz psicodélico con estallidos de violencia.
Pero lo que lo hace más grande es que estamos ante un álbum con una solidez
compositiva incuestionable y un equilibrio trabajado al detalle. Incorpora
cierta ambientación sutilmente lúgubre, fantasmagórica, hasta ahora inédita
("Belle de Jour", "Raider Prelude", "Remainder the Black Dog", "Grace for
Drowning", "Track One "...), o en todo caso cierto sabor a soundtrack de
película europea de los 70. Nunca antes había compuesto una canción de
orientación pop tan bella como "Postcard"; ecos de Radiohead en la
enigmática "Index"; composiciones exquisitas como "Deform to Form a Star" o
"No Part of me"; una instrumental " Sectarian "perfecta para preparar el
terreno por lo que nos viene encima"; una tan brillante como sorprendente
"Remainder the Black Dog" con referencias al Canterbury psicodélico de unos
Soft Machine. O por otro lado "Track One" que es la perfecta plataforma de
lanzamiento para la pieza culminante del álbum "Raider II", al tiempo que
"Like Dust I Have cleared from my Eye" es el perfecto colofón a "Rider II" y
al álbum entero, en una nueva lección de cómo equilibrar una obra como esta.
Y como no, los 23 minutos de "Raider II" memorable magnum opus donde se
concentra lo mejor que nos puede ofrecer una pieza de rock progresivo en
esencia, donde Wilson evidencia su devoción por los King Crimson de "Lizard"
o "Islands" . Majestuoso.
En uno de los mejores años de lo que llevamos de siglo para el progresivo,
cualquier otro álbum de este año parece quedar empequeñecido ante una obra
como esta. Uno de los puntos culminantes de la discografía de Steven Wilson.
Casi nada.
Valoración: 10/10
Ferran Lizana (rockomic@gmail.com)
Octubre 2011
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