Copy Link
Add to Bookmark
Report
La caja de musica Number 0964
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
============================================================================
LCDM: #964 septiembre 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
----------------------------------------------------------------------------
* LCDM: Leprous - Tall Poppy Syndrome (2009)
* SKE - "1000 Autunni" (2011)
* LCDM: Murió Joe Yamanaka
* LCDM: murió Paolo Raciti (Eris Pluvia)
* Arabs in Aspic 2: "Strange Frame of Mind" (2011)
* Battles en concierto
* III" (2011)
* Tides From Nebula "Earthshine"
* TOUNDRA "II"
* PEANUT BRITTLE SATELLITE - "Planet Girth" (2011)
* FLOR DE LOTO - "Imperio De Cristal" (2011)
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: LCDM: Leprous - Tall Poppy Syndrome (2009)
LEPROUS : "TALL POPPY SYNDROME" (2009)
Discográfica: Sensory Records
Temas:
1. Passing (8:31)
2. Phantom Pain (6:50)
3. Dare You (6:45)
4. Fate (4:38)
5. He Will Kill Again (7:31)
6. Not Even A Name (8:46)
7. Tall Poppy Syndrome (8:28)
8. White (11:31)
Músicos:
- Einar Solberg / synthesizer, vocals
- Tor Oddmund Suhrke / guitar, vocals
- Halvor Strand / bass
- =D8ystein Landsverk / guitar, backing vocals
- Tobias =D8rnes Andersen / drums
Resulta extraño como este álbum se me pasó por alto en su momento. Fue a
principios de este año cuando supe de la existencia de Leprous y pude
disfrutar de esta maravilla, así que hablemos de él aprovechando la salida
de su sucesor.
Leprous poco tienen que ver con la creciente escena noruega que incluye al
rock progresivo como uno de sus ingredientes, si exceptuamos a Magic Pie.
Curiosamente el grupo al completo es la banda de directo de Ihsahn, pese a
que nada tienen que ver con el black metal, aunque también es cierto que el
ex-Emperor últimamente viene desmarcándose del estilo extremo de su antiguo
grupo. Leprous podríamos decir que recogen los frutos del progresivo y el
hard rock setenteros y lo actualizan para las nuevas audiencias más cercanas
al prog-metal y al legado dejado por Opeth.
La estructura de los temas, el trabajo melódico de genuino sabor americano
del vocalista o el puntual uso del Hammond como ingrediente agresivo los
convierten en herederos del hard prog setentero y en esencia los emparenta
con bandas actuales como Haken o Magic Pie. También añadiendo arrebatos
prog-metal que nos traen a la memoria a bandas como Shadow Gallery, Opeth,
Riverside o Dream Theater.
Conclusión: "Passing", "Not Even a Name", "Dare You", "He Will Kill Again"=85
un desfile de estupendos temas a cual mejor, rubricado por las dos joyas que
ponen colofón a la obra. La instrumental "Tall Poppy Syndrome" y el
emocionante final con "White", impresionantes.
Grandísimo álbum. Pronto, su sucesor.
Valoración: 8.5/10
Ferran Lizana ( rockomic@gmail.com)
Agosto 2011
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SKE - "1000 Autunni" (2011)
SKE: "1000 Autunni" (2011)
Temas
1. Fraguglie (6:06)
2. Denti (5:11)
3. Carta E Burro (4:57)
4. Scrupoli (4:12)
5. Delta (5:06)
6. Scogli 1 (2:13)
7. Sotto Sotto (5:35)
8. Mummia (5:24)
9. Scogli 2 (2:33)
10. La Nefazia Di Multatuli (6:29)
11. Scogli 3 (1:30)
12. Rassegnati (7:09)
Paolo Ske Botta: composiciones, órganos, pianos eléctricos, sintetizadores,
efectos
Colaboradores - Fabio Ciro Ceriani (sansula, percusiones), Valerio Cipollone
(clarinetes, saxofones), Enrica di Bastiano (arpa), Maurizio Fasoli (piano),
Elia Leon Mariani (violín), Nicolas Nikolopoulos (flauta), Giuseppe Jos Olivini
(Theremin, percusiones, efectos), Roberta Pagani (voz), Valerio Neth Reina
(voz), Matrtia Signó (batería), Markus Stauss (saxofones), Fabrice Toussaint
(idiófonos, trombón, percusiones), Pierre Wawrzyniak (bajo), Francesco Zago
(guitarras acústicas y eléctricas)
El teclista italiano Paolo "Ske" Botta se ha lucido a sus anchas con el disco
debut de su proyecto solista Ske: el título de este disco debut es "1000
Autunni" y la línea musical desarrollada en él se orienta hacia una el
rock-in-opposition con una actitud lo suficientemente anti-dogmática como para
incluir fluidamente elementos de jazz-rock, Canterbury, sinfonismo y
extravagancias contemporáneas a lo Zappa. Para los coleccionistas de progresivo
vanguardista de nueva generación, el nombre de Paolo Botta les sonará familiar
como parte del personal de Yugen (actuales campeones del RIO europeo) y como
miembro del grupo estadounidense French TV para el álbum "This Is What We Do".
El bloque sonoro contenido en el repertorio de este disco es realmente rico,
calculadamente compuesto y arquitectónicamente cimentado, y a despecho de
cualquier estereotipo que se suele asociar al control, se siente vitalista y
refrescante al oído atento. Es correcto llamar a Ske como proyecto dirigido por
de Paolo Botta en vez de una simple y llana aventura literalmente solista, pues
a través de la concreción de todas estas composiciones de su autoría, él deja
que cada miembro de su nutrido ensamble de colaboradores (incluidos muchos de
Yugen) aporte su sello personal, especialmente en los departamentos de maderas,
piano y percusiones tonales.
"Fraguglie" da inicio al disco con un frontal despliegue de colorido
desarrollado dentro de un bloque sonoro donde conviven Canterbury a lo National
Health, jazz-rock de vieja escuela 70era y modismos gente-giantianos. Al final
hay un viraje hacia climas suavemente misteriosos, sutilmente tétricos, algo
así como una exploración en los aspectos más etéreos del chamber-rock de
tradición francófona. Hay muchos aires de familia con los legados de A
Triggering Myth y D.F.A. en esta espectacular pieza de entrada. "Denti" y
"Carta E Burro" son los temas que están a cargo de ocupar los siguientes 10
minutos del álbum: el primero desarrolla vías sonoras de corte RIO en estricta
confluencia con el paradigma de Yugen; el segundo, por su parte, explora
matices de tendencia más serena dentro de esta modalidad vanguardista,
incorporando en esta ocasión una suerte de confluencia entre el Henry Cow de
"Western Culture", la herencia de Rascal Reporters y las líneas de exploración
neo-Canterbury que se han venido plasmando de la mano de varias bandas
jazz-prog del nuevo milenio. Respecto a este último tema, cabe recalcar que la
mezcla de actitud contemplativa e inquietud mental está lograda con una
pulcritud genialmente milimétrica. "Scrupoli" cambia de registro y nos ofrece
poco más de 4 minutos de tensión y sorpresa, muy a lo Zappa en su sazón más
sofisticada. La sensación de bizarra agilidad parece incontenible, pero una
escucha mínimamente atenta descubre aquí una finísima arquitectura surrealista
que abiertamente desafía las concepciones aburguesadas de orden y armonía, no
para destruirlas sino para reconstruirlas. ?Y qué le sigue a este arrebato de
rebeldía progresiva? Un momento de calma, en esta ocasión específica, la bella
pieza "Delta".
"Scogli 1" es un delicioso ejercicio de cámara vanguardista (con predominio de
maderas) que opera como preludio a la dupla de temas que sigue a continuación.
Así pues, "Sotto Sotto" comienza dicha dupla desarrollando parajes sonoros
calmados signados por un minimalismo cálido, creando así la ambientación propia
de una bruma que tiene algo de aureola mística y también algo de misterio
inescrutable. El cambio de registro llega con la otra pieza de esta dupla,
"Mummia", la cual tiene un muy marcado parentesco con la extroversión de
"Fraguglie" y una relativa cercanía a la extravagancia estilizada de
"Scrupoli". "Scogli 2" marca otro preludio de fuerte contenido académico (esta
vez, sobre la base de un motivo de piano), anticipando así la magia candorosa
de "La Nefazia Di Multatuli", pieza que se puede describir como un encuentro
entre el Soft Machine de la etapa Jenkins y el primer Picchio dal Pozzo, con
algunos toques de Nucleus. Su lirismo es sencillamente exquisito, ostentando su
inherente complejidad sin llegar nunca a las áreas del boato excesivo o las de
la prolijidad ostentosa. La secuencia de "Scogli 3" y "Rassegnati" está a cargo
de completar los últimos 8 minutos y medio del álbum. El primero retoma los
aires de "Scogli 2" aunque con un acento festivo un poco más marcado durante la
progresión de su motivo central, lo cual permite al segundo tema realzar la
solemnidad grisácea y moderadamente siniestra con la que empieza. El asunto con
la sección prologar de "Rassegnati" es engañoso porque el cuerpo central pronto
se revela ágil y colorido, haciendo que las alusiones a la inquietud y al
desasosiego inherentes a la sofisticada estructura melódica de la pieza
ostenten un destello especialmente vibrante en medio de un contexto de tensión
permanente. A poco de pasada la barrera del cuarto minuto, la ambientación se
torna reposada y lírica, apelando a una bien asentada vulnerabilidad poética
que completa la fracción final de la pieza, cuya coda se basa en unos segundos
de tensos arrebatos de arpa. Una despedida envolvente y un cierre sorprendente
para un álbum que es toda una gozada de vanguardia progresiva tomada muy en
serio. Con "1000 Autunni", Paolo Botta se afirma como una mente creativa con
alas propias: es un disco que recomendamos a ojos cerrados a todo verídico
amante de las modalidades más aventureras de experimentación progresiva.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: Murió Joe Yamanaka
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El cantante japonés Joe Yamanaka murió de cáncer pulmonar en un hospital de
Yokosuka (preferectura de Kanagawa) el pasado domingo 7 de agosto - tenía 64
años de edad.
Habiendo conocido primeramente el estrellato como vocalista de la banda Flower
Travellin' Band, pionera del rock psicodélico en la escena japonesa, Yamanaka
prosiguió después una carrera solista y también otra en la actuación. El tema
principal de la película de 1977 "Ningen no Shomei" (Prueba del hombre), donde
también actuaba, fue uno de sus hits más memorables.
Descansa en paz, Joe, y gracias por la música.
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: murió Paolo Raciti (Eris Pluvia)
HOLA, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Más noticias de muertes en el rock progresivo: el 3 de agosto falleció el
teclista italiano Paolo Raciti, de la banda ERIS PLUVIA. Tenía solamente 46
años de edad.
El estilo de ERIS PLUVIA estaba inicialmente enmarcado en la tradición del
sinfonismo italiano en sus vertientes más reflexivas y pastorales, tal como se
reflejaba en e ldisco debut "Rings Of Earthly Light" (1991), y luego, casi
veinte años más tarde, su segundo álbum "Third Eye Light" (2010) mostró un
enfoque más moderno y ecléctico sin perder su compromiso esencial con el
sinfonismo.
Paolo Raciti ahora muestra su arte a un público de ángeles.
!Gracias por la música, maestro!
----------------------------------------------------------------------------
Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Arabs in Aspic 2: "Strange Frame of Mind" (2011)
Arabs in Aspic 2: "Strange Frame of Mind" (2011)
Discografica: BLACK WIDOW RECORDS
Temas:
1. Aspic Temple (0:56)
2. The Flying Norseman (4:14)
3. Dive (1:06)
4. In to my Eye (3:17)
5. Moerket (4:32)
6. Fall til Marken (7:14)
7. TV (4:52)
8. Strange Frame of Mind (3:32)
9. Have you ever seen the Rain, Pt. 2 (2:46)
10. Arabide (7:39)
11 Hocus Pocus (3:54) CD bonus track
Músicos
- Jostein Smeby / guitar / vocals
- Stig Jorgenson / organ / keys / vocals
- Erik Paulsen / bass / vocals
- Eskil Nyhus / drums, percussion
Cuarteto noruego que inicio su andadura en 1997 y que tras una desbandada se
reformaron hace poco añadiendo un 2 al nombre del grupo, es decir ARABS in
ASPIC (2).
La música que nos ofrecen esta influenciada básicamente de los 70's, stoner
rock, rock sinfónico, piscodelico y Hard rock, a mi me viene a la mente
escuchándolos grupos como Trettioariga Kriget, Beardfish, primeros Pink
Floyd y primeros King Crimson, época In the Court of the Crimson King.
Tras un continuo machaque de teclados Hammond y Mellotron en grandes dosis
como fondo musical, se van desarrollando temas tan dispares y atractivos
como "The Flying Norseman" con un excelente pasaje instrumental, este tema
concretamente me suena a los suecos Trettioariga Kriget, seguidamente
resaltaría el cuarto tema "In to my Eye" por el protagonismo del mellotron y
la psicodelia de los primeros Pink Floyd, a continuación "Moerket" nos
conduce al Hard Progresivo, para desembocar en otro tema con sabor a
Trettioariga Kriget, como es "Fall til Marken", aqui el mellotron, lo
sinfónico recuerda perfectamente al In the Court of the Crimson King. Tras
un boogie hard rockero titulado "TV", llega el mejor tema para mi gusto del
álbum, precisamente el que da titulo al album "Strange Frame of Mind", me
recuerdan a los Beardfish con un toque a los primeros King Crimson,
extraordinaria de nuevo la utilización del Mellotron. Cierra el álbum la
cañera "Have you ever seen the Rain, Pt. 2", la balada doom psicodelica
"Arabide" y una versión meritoria del Hocus Pocus de Focus.
En definitiva si os va el HARD progresivo y sinfónico, el stoner rock, el
Hammond y el mellotron y ese continuo respirar de finales de los 60 y
comienzos de los 70's no dejéis de escuchar este disco.
(c) Juan Mellado (2011)
progjuan@gmail.com
----------------------------------------------------------------------------
Autor: Javier Aguirre <javier500@yahoo.com.mx>
Asunto: Battles en concierto
Concierto de Battles en Guadalajara, México, mayo 2011
Y bien gente, aquí les dejo esta reseña, ya con unos meses de atraso, pero
como dicen, mas vale tarde que nunca, ademas, los Battles han estando
cosechando muy buenas criticas con su ultima produccion asi que bien vale la
pena seguir informados sobre ellos. Como siempre, una disculpa por la
omision de acentos pero es por formato de la misma caja de musica. Bueno,
adelante...
Battles
14 de Mayo 2011
Lugar: Plaza De La Liberacion, Guadalajara, Jal. Mexico.
Hace unas semanas, tuve la oportunidad de ver y de manera gratuita (vaya
fortuna, ya que fue como parte del festival cultural de Mayo que se viene
celebrando de un tiempo para aca en mi cuidad
http://www.festivaldemayo.org/) a uno de los grupos que mas han sonado en el
mundo del Math Rock (ese delicioso primo/hermano/subgenero del Rock
Progresivo) en estos ultimos tiempos: los innovadores estadounidenses
Battles, quienes se presentaron en Plaza de la Liberacion, una plaza publica
ubicada en el mero centro de la ciudad.
Despues de conquistar a la critica y al publico conocedor con su estupendo
debut Mirrored, ahora se paseaban por estos lares mexicanos para presentar
su siguiente larga duracion (a la fecha del concierto faltaban un par de
semanas para que saliera a la venta) titulado Gloss Drop. Lo que mas hacia
dudar de la propuesta actual de los Battles fue la marcha de Tyondai
Braxton, vocalista, guitarrista y uno de los artífices de buena parte de la
composicion del Mirrored. Afortunadamente, despues de ver en vivo a los
actuales Battles, despreocupense? todavia hay BATALLAS para rato. Los
actuales miembros Dave Konopka, Ian Williams y John Stanier tienen mucho que
ofrecer.
El concierto arranco con grupo abridor, los tapatíos Sutra
(http://www.myspace.com/sutramx) quienes andan en una interesante propuesta
progresiva de tintes psicodelicos. Y tocaron aproximadamente unos 40 min.
Y por fin, como a eso de las 10:30 de la noche, aparecen en escena los
actuales miembros: Dave Konopka, Ian Williams y John Stanier. Y sin decir
una palabra y presentándose con su musica, arrancan con AFRICASTLE que ya
dejaba muy claro los pasos por donde iba a ir la tocada: toda una muestra de
virtuosísimo math rockero progresivo, ya sea todos los efectos que sacaba
Konopka con su juego de sintetizadores, los psicodelicos rasgueos en la
guitarra de Ian Williams y sus lisergicos juegos en los teclados y sobre
todo, lo que mas destacaria a lo largo del concierto, la impresionante,
precisa y poderosa manera de John Stanier de pegarle a la bateria. Vaya
cosas, hace mas de una decada me compre aquel disco mitico del rock
alternativo llamado Meantime ?Quien diria que mucho despues veria al
baterista de ese disco en una propuesta igual de buena para totalmente
distinta a lo que venia haciendo en Helmet?
Y sin ninguna pausa, se siguieron con SWEETIE & SHAG, una de las pocas
canciones cantadas del ultimo disco, en donde, para sustituir la ausencia de
vocalista, el respectivo cantante de la cancion, (en este caso Kazu Makino)
aparecia de forma pregrabada en la pantalla gigante del escenario. Pantalla
que durante gran parte del concierto fue bastante desaprovechada, ya que,
salvo en los temas cantados, nunca fue usada para algo mas.
Y por fin la banda se dirigio al publico: ?Buenas noches Mexico, estamos muy
felices de estar aqui con ustedes. Esta noche queremos tocarles un set
musical nuevo, con algunas canciones que ustedes conocen y otras que quiza
no porque son muy recientes. Esperamos que las disfruten? Y efectivamente,
puras canciones nuevas y tristemente no tocaron nada de su primer gran disco
Mirrored, como ya se sospechaba desde dias antes del concierto.
Desfilaron casi todas las canciones del Gloss Drop: Dominican Fade, Wall
Street, Inchworm, White Electric? la gente en general tranquila (raro en
conciertos en Mexico) y ciertamente disfrutando el concierto, pero fue hasta
que se vino el primer single ICE CREAM (que por esas fechas ya andaba
circulando por la red) donde la gente se prendio un poco mas. En la pantalla
aparecio Matias Aguayo para entonar en español ?Dame un helado
derritiendose, Dame un helado derritiendose?
Cerraron la primer parte del concierto con MY MACHINES (quien la canta Gary
Numan uno de los mas famosos cantantes de la era pop new wave alla por los
ochentas a nivel mundial) y con el muy buen instrumental FUTURA.
Despues de los consabidos minutos de espera y de que buena parte del publico
coreara ?Atlas, Atlas, Atlas? (la estupenda cancion que los dio a conocer a
nivel mundial con su primer disco), la banda regresa y cierran con un
impresiónate ejercicio progresivo de unos 12 minutos, la cancion Sundome
(con el japonés Yamataka Eye en las vocales), con gran trabajo en la seccion
instrumental y un demoledor John Stanier demostrando porque es considerado
uno de los bateristas mas precisos y veloces del mundo.
Y asi, despues de casi una hora y media, el concierto termina.
En general, muy buen tocada, con todo y lo decepcionante que fue que no
incluyeron nada de su primer disco y por lo tanto no se extendieran más allá
de las dos horas. Ademas, la musica de los Battles esta hecha a la medida
para tener una juego de luces y mucho mas espectaculo en el escenario, pero
nada, salvo las partes cantadas, la pantallota gigante fue totalmente
desperdiciada y los juegos de luces normalitos, normalitos, sin nada de
efectos visuales interesantes de por medio.
Al final, los Battles (a pesar de la salida de Tyondai Braxton) tienen mucho
que ofrecer todavía y siguen siendo una de las propuestas actuales mas
refrescantes del panorama rockero actual.
Set list:
- Africastle
- Sweetie & Shag
- Dominican Fade
- Wall Street
- Inchworm
- White Electric
- Ice Cream
- My Machines
- Futura
Encore:
- Sundome
Videos de la tocada:
Africastle y Sweetie & Shag
http://www.youtube.com/watch?v 9llwJLUjo-0
Ice Cream
http://www.youtube.com/watch?v=InmMAN1ZWFA
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: III" (2011)
SENOGUL: "III" (2011)
Temas
1. The Nightstalker (0:37)
2. Pijamas (8:01)
3. La Serpiente de Jade (5:14)
4. Paraná (6:06)
5. The Black Cat (9:09)
6. Tales From Buanga (3:47)
7. Gameland (2:02)
8. Sopa Colorá (13:41)
Integrantes
- Israel Sánchez Barragán: guitarras eléctrica y acústica, sitar, saxo tenor
- Pedro Álvarez Menchaca: guitarras eléctrica y acústica, e-bow, voces
- Eduardo García Salueña: pianos, órgano, sintetizadores, Mini-Moog, pads
- Eva D. Toca: batería, batería electrónica
- Pablo Canalís Fernández: bajo, voces, efectos vocales, mini marímbula
eléctrica, pandeiro, chun mo, shaker, semillas, tinghas, guimbarda, gong feng,
persiana, flexátono, sheng, caxixi, cremallera, cascabeles, vibraslap, cuenco
tibetano, tubos wah, kárkabas, crótalo, llavófono
Colaboradores - John Falcone (fagot en 1), Iris Cárcaba (violín en 2), Rafael
Yungueros (batería en 2), Alejandro M. Ares (acordeón cromático), Chema Fombona
(batería, agogó, surdo, cabasa y tamborim en 3; cajones peruanos, surdo,
bongós, tumbadoras, vibráfono, cencerros, caxixis, cascabel, palmas y efectos
en 8), Theodossi Spassov (kaval en 7), Abelardo Freitas (Abotronics en 7), Luis
Cobo "Manglis" (guitarras eléctricas de 6 y 12 cuerdas y acústica en 8), Pedro
Ontiveros (saxo soprano y flauta en 8)
Con el no demasiado intrigante título de "III", Senogul obsequia al mundo su
tercer disco de estudio. Teniendo en cuenta la increíblemente positiva
impresión que causó con justa razón su homónimo disco debut, y luego el giro
tan radical hacia nuevos matices sonoros que se articuló en su segundo álbum
"Concierto De Evocación Sonora", la expectativa en torno a este nuevo disco era
grande. Suficiente constancia de las infinitas ganas de proyectarse hacia
diversas gamas estilísticas de parte de los músicos de Senogul había no solo en
estos dos discos sino también en los diversos proyectos colaterales que fueron
surgiendo en torno a este ensamble.
"The Nightstalker" abre el disco con una amalgama de arreglo coral, capas de
teclado, retazos de e-bow y vientos para crear un ambiente tenebroso: creación
exclusiva de Pablo Canalís, inquieto y consumado investigador del sonido. Se
trata, al fin y al cabo, de una travesura idónea para abrir la puerta a la
colorida pieza "Pijamas", cuya ilación multi-temática es todo un ejemplo de
variedad bien llevada y asumida con osada soltura. Tenemos pasajes sinfónicos
por aquí, otros pasajes de tendencia psicodélica por allá, y como quien no
quiere la cosa, se insertan motivos de corte chamber-rock que prontamente dejan
paso a otros donde la banda da rienda suelta a sus persistentes inquietudes
fusionescas, y finalmente, algunos pasajes intermedios y el final que se
aferran seriamente a estándares gente-giantianos provistos del refinamiento y
nervio contenido propios de Senogul. Este comienzo genial anticipa una fiesta
progresiva para los oídos, !y vaya si esta intuición no es acertada! Los
siguientes 5 minutos y pico del álbum están ocupados por "La Serpiente De Jade"
tiene una cadencia más reposada, poderosamente enriquecida por las líneas
dibujadas por los vientos y las elegantes bases del piano; en los momentos en
que la pieza se torna más extrovertida, emerge un simpático ritmo de rumba
latina cuyo exotismo patente ayuda a motivar una agradable sensación de
frivolidad en el ambiente. La cuestión fusionesca sigue haciéndose fuertemente
presente en "Paraná", tema que se sumerge en aromas del folklore brasileño
combinadas con atmósferas ágiles propias de lo guaraní. Después de la candidez
de "La Serpiente De Jade" y el aura optimista de "Paraná", Senogul hace una
excursión por recovecos más sofisticados en "The Black Cat", comenzando con una
introducción densa y misteriosa que prepara el terreno para un primer motivo
fulguroso armado sobre un esquema rítmico complejo. Es una pena que no dure
mucho, pues su base melódica es bastante llamativa, pero se agradece la
sorpresa que llega a continuación: un ambiente grisáceo que se instala con una
aureola psicodélica tan refinada como atemorizante (al menos, en parte),
recurriendo primero a un compás a medio tiempo, y posteriormente,
desarrollándose en un pasaje ingeniosamente complejo donde la sofisticación
reinante se condice perfectamente con la agilidad. Poco antes de llegar a la
barrera del quinto minuto, una dupla de saxos despide esta sección y anuncia el
arribo de un sencillo y calmado pasaje marcado por la guitarra acústica, un
interludio ceremonioso a otra sección sofisticada que en parte retoma la
densidad inicial, ornamentándola con eficaces arreglos disonantes y retomando
algunas ideas anteriores para el inminente epílogo. "Tales From Buanga" tiene
al bajo como protagonista indiscutible, con sus armonías, quiebres y texturas
fluyendo como un río a través de varios parajes donde se incidentalmente se van
sucediendo intervenciones percusivas varias, adornos de teclado, fraseos de
guitarra y arreglo coral; el último pasaje es un alegre ensamble grupal
jazz-progresivo muy a lo Canterbury, hermoso realmente=85 !y también demasiado
breve! En fin, cosas de la vida.
"Gameland" es definitivamente la pieza más bizarra del álbum: su atmósfera de
caos organizado sin duda tiene mucho de homenaje al impredecible maestro Zappa,
con sus constantes alteraciones de esquema, motivo, ritmo y estructura. Yo lo
interpreto como una exhibición de espíritu frontalmente disfrazado de absurdo
dadaísta y desvarío psicopatológico, algo totalmente idóneo para retratar el
mundo contemporáneo tan frenético y sobrecargado en el que vivimos. "Sopa
Colorá", el último tema del disco, ocupa un espacio de más de 13 BD minutos.
Con ese título se nos vienen imágenes anticipatorias de rock andaluz y fusión
flamenca=85 y no estaremos errados en imaginar eso. El preludio marcado por el
piano va muy en onda con el legado de Alameda, mientras que desarrollos
posteriores nos llevan a terrenos de Imán Califato Independiente, Triana y
Guadalquivir. Algunos elementos de fusión latina tampoco desentonan para nada a
la hora de explotar la grácil calidez inherente a las exploraciones progresivas
de raigambre andaluza, por lo que resulta una idea estupenda sacarlos a
colación en algún momento. Cabe destacar la presencia de un bello interludio de
piano que aporta un momento de plena serenidad tras el explícito despliegue de
colorido que ocupó varios minutos; el pasaje final también tiene una cautivante
belleza, exquisitamente explayada sobre un ceremonioso compás de tres cuartos,
con un destaque especial del sintetizador (Mantero-con-Bardens).
?Qué tenemos, como balance general, en esta tercera obra de Senogul? Un nuevo
muestrario de la brillantemente ecléctica creatividad musical de este quinteto,
el cual sigue cimentando su permanencia en la cima de la experimentación
progresiva española de los últimos años. El genio creativo es fácil de notar a
la primera ocasión (y eso lo sabemos quienes hemos estado siguiendo a la banda
desde sus primeros demos y homónimo disco debut), pero ciertamente hace falta
más de una escucha para "III" a fin de asimilar el bloque general de este
repertorio, debido al estupor y al desconcierto que los detalles abiertos y
desarrollados en cada pieza individual generan en el oyente. Reiterando la idea
con otras palabras, hace falta más de una escucha detenida para que el regocijo
ante la obra general se condiga con un aprecio debido de cada ítem particular
que la conforma. Una vez llegado a este punto, el oyente (o por lo menos, el
oyente que esto escribe) solo podrá sentirse obligado a designar a "III" como
una nueva prueba de la grandeza progresiva que se está haciendo en la Península
Ibérica en lo que va del milenio.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Tides From Nebula "Earthshine"
TIDES FROM NEBULA: ?Earthshine? (2011)
Temas
1. These Days, Glory Days (6:44)
2. The Fall Of Leviathan (8:29)
3. Waiting For The World To Turn Back (3:05)
4. Caravans (9:59)
5. White Gardens (6:13)
6. Hypothermia (2:39)
7. Siberia (10:03)
8. Cemetery Of Frozen Ships (5:48)
Integrantes:
- Adam Waleszynski: guitarras
- Maciej Karbowski: guitarras, sintetizador, piano
- Przemek W?glowski: bajo
- Tomasz Stolowski: batería
Tides From Nebula es el nombre de un cuarteto instrumental polaco de
post-rock formado hace unos seis años y que debutó hace dos con el disco
?Aura?. El año 2011 es el año de su segundo disco ?Earthshine?, el cual
reseñaremos a continuación. Este grupo es bastante aplicado en esto de
asumir la misión de aportar su grano de arena a la vigencia del post-rock:
Mogwai y Do Make Say Think parecen ser sus referentes exclusivos en los
momentos más calmos de sus ideas musicales, mientras que Explosions In The
Sky e Isis parecen ser los centros magnéticos hacia el cual el grupo
focaliza la creación de sus aspectos más extrovertidos (que no son
mayoritarios, dicho sea de paso).
?These Days, Glory Days? abre el disco con una aureola de calma intensa
marcada por los espartanos acordes de piano, pero cuando la batería empieza
a armar su arquitectura tribal y las capas de guitarra anuncian el
asentamiento del cuerpo central, nuestros oídos se enfrentan a un frenesí
celebratorio y optimista que no dura mucho, pero sí genera suficiente
musculatura para sostener el moderado misterio brumoso que envuelve al
último paraje del tema. ?The Fall Of Leviathan? se encuadra dentro de una
actitud más solemne, con una dosis de vigor casi idéntica a la del tema de
entrada, pero con una espiritualidad más asentada en lo introspectivo.
?Waiting For The World To Turn Back? es un etéreo y relajante preludio a
?Caravans?, pieza que porta una cautivante calidez en su parsimoniosa
musculatura de guitarras, muy afín ella al estándar de Explosions In The
Sky. Con una curiosa combinación de languidez contemplativa y alegría
sosegada, ?White Gardens? desarrolla un cuerpo central que se hace eco de
las ambientaciones predominantes del tema anterior; para la coda que se
explaya en los dos últimos minutos, las cosas viran sónicamente hacia una
atmósfera más potente, respetando el tenor reflexivo que patentemente inunda
el motivo central a la par que se proyecta hacia un clímax crecientemente
explosivo. Los últimos 18 minutos y pico del álbum están ocupados por la
secuencia de ?Hypothermia?, ?Siberia? y ?Cemetery Of Frozen Ships?.
?Hypothermia? es un ejercicio minimalista que ofrece un paisaje sonoro
minimalista donde se borran los límites entre el ensueño y el reposo eterno,
un oportuno momento de plácida quietud después de la electrizante ebullición
rockera con la que había concluido ?White Gardens?. ?Siberia? empieza como
un despertar, dejando que se desarrolle una sensación de calidez
contemplativa de una forma sostenida y contenida. Un nuevo motivo irrumpe
después de la frontera del tercer minuto y medio sin romper la cadencia
básica, pero sí se nota con la variante que se ha dado un incremento en el
tenor ceremonioso de la instrumentación, principalmente en la recurrente
secuencia armónica de las guitarras duales. Es el momento en que el grupo
empieza a afilar su músculo en los guitarreos e incorporar matices un poco
más sofisticados en la cadencia rítmica de la pieza. Poco antes de llegar a
marcar el séptimo minuto, la batería asume el encargo de bajar la intensidad
para invitar a la instrumentación a concentrarse en áreas más
introspectivas, y de hecho, emerge con este nuevo viraje un lirismo que, a
despecho de su patente sencillez, se siente poderoso mientras se desvanece
cómodamente en su fade-out. Mucho de Mogwai y Do Make Say Think. En fin,
?Cemetery Of Frozen Ships? cierra el disco recogiendo la melancolía que
envolvía al motivo final de ?Siberia? para encuadrarlo dentro de un clima
funerario, alevosamente lánguido, mórbidamente relajante: lo que en
?Hypothermia? era una sutil imagen de reposo más allá de esta vida, en esta
pieza se nota la ansiedad inherente a la tristeza por lo que se fue para no
volver jamás, una ansiedad que no osa vociferar sino que se mantiene
encapsulado en su propio ensimismamiento. El pasaje final marcado por la
guitarra acústica tiene la aureola de una elegía sobria que le da un
innegable aire de distinción a la imponente tristeza.
Una estupenda experiencia es la de escuchar ?Earthshine?, advertir cómo
Tides From Nebula ha aprendido las lecciones y estándares de sus maestros y
se ha atrevido a demarcar su propio territorio sonoro dentro del hábitat del
post-rock. Valdrá la pena seguir la pista a esta banda y buscar su disco
debut ?Aura? después de lo que hemos oído en este segundo disco.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TOUNDRA "II"
TOUNDRA: "II" (2010)
Temas
1. Tchad (2:49)
2. Magreb (10:59)
3. Zanzíbar (4:55)
4. Völand (2:13)
5. Danubio (7:17)
6. Koschei (3:35)
7. Bizancio (8:38)
Integrantes:
- Alberto Tocados: bajo, tampura
- Alex Pérez: batería
- Esteban Jiménez: guitarras
- Víctor García-Tapia: guitarras
Colaboradores - Álvaro Llorente (cello en 7), Manolo Iglesias (piano en 7),
Víctor Teixeira (guitarra steel en 7), Rubén Mingo (percusiones en 4)
Titulado sin mayores misterios "II", el grupo instrumental madrileño Toundra
ofrece su segundo disco como muestra de los derroteros sónicamente enriquecidos
con los cuales proyecta la revitalización de su esquema esencialmente
post-metalero: elementos de stoner, psicodelia empapada de exóticos perfumes
fusionescos y retazos de metal estándar entran a tallar en ciertos parajes
estratégicamente ubicados del repertorio. Dicho enriquecimiento estilístico
repercute necesaria y vitalmente en la plasmación de un repertorio más
contundente en comparación con el del homónimo disco debut, el cual dos años
antes de este disco ya había llamado la atención de aficionados al post-rock y
post-metal de España y del mundo por merecidas razones.
Hay, de hecho, una estrategia bien definida en la notoria incorporación de
colores étnicos en varios temas de este disco, tal como se revela en la
entrevista publicada en este enlace:
http://www.feiticeira.org/entrevista/toundra . Las imágenes de la portada,
duendes masculinos y femeninos maléficamente entusiasmados con rituales de
destrucción corporal, erotismo grotesco y muerte en medio de un bosque que
ostenta colores cándidos, aluden al concepto de choque de culturas.
"Tchad" da inicio al disco al modo de un preludio de cadencias arabescas
articuladas finamente en la cristalina maraña de guitarras acústicas y
eléctricas. El sobrio punche mostrado en la atmósfera bien sostenida de esta
pieza es idóneo para preparara el camino para "Magreb", ambiciosa pieza de 11
minutos que se erige en el primer cénit del álbum. Tras poco menos de 2 BD
minutos haciéndose eco de la ceremoniosidad filuda del primer tema, el ensamble
finalmente explota por primera vez en una exhibición de fuego controlado, cuyas
llamas se imponen con viril incandescencia a través de los riffs y armonías del
motivo guitarrero, así como por la muscularidad milimétricamente articulada de
la dupla rítmica. Más adelante, la banda sucesivamente alterna intensos climas
de tenor stoner con otros más sutiles de tendencia shoegaze, aprovechando así
los matices que la batería insufla al permanente dinamismo de la dupla rítmica,
para cerrar el conjunto sónico con un despliegue de post-metal académicamente
puro y contundentemente convincente. Los últimos segundo de rasgueos
guitarreros y redobles entrecortados de batería anuncian el despliegue de
extrovertido vigor de "Zanzíbar", pieza que principalmente se basa en sacar
provecho de la pulsión vibrante de "Magreb": el buen oficio de la banda en esto
de evitar monotonías hace que los poco menos de 5 minutos que dura la pieza
pasen como en un instante. Otro cénit, lo cual convierte a esta dupla en un
perpetuo clímax luminoso. "Völand" es un interludio de guitarras acústicas y
percusión en base a un motivo inspirado en aires del Oriente Medio. ?Será una
suerte de nostalgia por los viajes acústicos fusionescos que a veces insertaba
Jimmy Page en el repertorio de Led Zeppelin? Posiblemente, pero como sea,
funciona muy bien como momento de relax antes de que "Danubio" desarrolle un
clima de reflexividad intensa, creando una polenta notoria pero contenida
dentro de los confines expresivos marcados por la pauta rítmica semi-lenta. En
la frontera del cuarto minuto y medio, los guitarreos se sumergen en una
flameante atmósfera de ágil densidad que primero se enfila por el estándar del
post-metal y termina por exaltarse en una intrépida manifestación de visceral
furia rockera donde el hierro exultante del metal se mezcla con el acero macizo
del stoner. Un final impresionante, realmente. "Koschei" se conecta con el tipo
de electrizante vibración que ya se había plasmado en buena parte de "Zanzíbar"
en fluida conexión con la tormentosa extroversión de "Danubio", terminando en
una coda más contenida que permite al grupo trabajar con atmósferas
misteriosas. El disco se termina con "Bizancio", broche de oro para la completa
aventura sónica de "II". Comenzando el primer motivo con arreglos sobrios,
apenas traspasada la frontera del segundo minuto, el ensamble le da un filo
contundente con apabullantes sonoridades inquietantes. Un nuevo momento de
retrotraimiento ofrece la oportunidad de explorar texturas evocativas donde la
banda explora refrescantes texturas candorosas; este giro está inteligentemente
expandido para generar un álgido contraste con la poderosa sección final,
forjada a puro fuego épico.
Como balance final, cabe reiterar el modo tan coherente y tan sólido en el que
Toundra ha desarrollado su evolución musical dentro de un consistente apego a
la misión específica que se ha trazado dentro de la vanguardia rockera
contemporánea. El sano y dinámico eclecticismo que se organiza dentro una
integralidad sonora bien armada habla por sí solo a lo largo de los 40 minutos
que dura este disco. Toundra no ha necesitado más tiempo para dejar plena
constancia de su estupendo estado de madurez actual.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: PEANUT BRITTLE SATELLITE - "Planet Girth" (2011)
PEANUT BRITTLE SATELLITE: "Planet Girth" (2011)
Temas
1. Anisotropic Axon Re-Electroplation, Mvt. 1 (3:34)
2. Cruisin" (4:40)
3. Billie"s Blue Bodega (8:28)
4. Fierce Chemchok Heruka And The Between Deities (7:05)
5. Showdown At The Bump-Bump Ranch (6:43)
6. Fear (5:03)
7. Anisotropic Axon Re-Electroplation, Mvt. 3 (7:24)
Integrantes:
- Zack Mikida: guitarras
- Ian Machniak: bajo
- Zach Kushner: teclados
- Shawn Brandel: batería, guitarra
- Ryan Campbell: batería, percusión
- Evan "Karl" Courtin: violín, glockenspiel
Peanut Brittle Satellite es el nombre de un joven ensamble que, en muchos
sentidos, ofrece una firme esperanza para la reactivación de varias de las
facetas más energéticas de la añeja e inolvidable tradición del rock
progresivo. Formado en Buffalo durante la segunda mitad del año 2007. La banda
saca buen provecho de su inusual diversificación instrumental en torno a la
cual articula sus composiciones y consiguientes arreglos de las mismas: junto
al cuarteto habitual de guitarra, bajo, teclado y batería, hay además un
miembro que alterna roles de segundo guitarrista y segundo baterista, además de
un violinista que también se desdoble en la percusión tonal. De esta manera, el
grupo puede trabajar muy solventemente desde el núcleo mismo de su seno sonoro
los momentos en los que hay que realzar pulsaciones rítmicas, o aquellos donde
hace falta enfatizar el punche rockero por vía del empleo de guitarreos duales,
y cómo no, los aportes melódicos del violín en un fino equilibrio con la
guitarra y el teclado donde se exploran jams y cadencias con particular
insistencia. 2011 es el año de este disco debut titulado "Planet Girth", el
mismo que nos muestra a una banda con las ideas lo bastante claras sobre su
camino a seguir y una osadía suficientemente consistente como para encarnar una
promesa válida para el presente y el futuro próximo del rock progresivo a nivel
mundial.
"Anisotropic Axon Re-Electroplation, Mvt. 1" se instala en los primeros 3
minutos y medio del álbum a punta de agilidad y vigor sobre un compás de 3/4
que es explotado de forma luminosamente extrovertida, casi como emulando en
sonido la visión del resplandecer de un amanecer instantáneo. Su viraje hacia
un relajado pasaje final permite preparar el terreno para "Cruisin"", pieza que
desarrolla una efectiva serie de cadencias jazzeras tanto en su swing como en
su armazón armónica para que el ensamble se mueva a sus anchas en su labor de
mezclar ensoñaciones psicodélicas y neuróticas disonancias en clave
chamber-rock. Este estupendo ejercicio de colorido dinámico encapsulado en una
arquitectura de controlada energía deja un impacto indudable en la pieza que
sigue a continuación, "Billie"s Blue Bodega", pues ésta también da amplia
cabida a factores jazzeros y fusionescos en su esquema rítmico y atmósferas
instrumentales más recurrentes. Mientras tanto, los roles de la guitarra,
teclados, violín y ocasionalmente el bajo, elaboran y afianzan ideas musicales
sucesivamente inspiradas en Mahavishnu Orchestra, el Gong de Pierre Moerlen y
el Zappa más lírico, logrando así generar una proyección de genuina calidez
dentro del lenguaje psicodélico en curso. "Fierce Chemchok Heruka And The
Between Deities" es harina de otro costal, una pieza empieza con un primer
motivo marcado por un contundente coqueteo abierto con varios lados oscuros de
la experimentación progresiva de vieja escuela (el King Crimson de la etapa
Wetton, Present), aunque como se notará poco después, el grupo siempre procura
mantener al menos una cierta dosis de resplandor dentro del esquema compositivo
de turno, lo cual los emparenta en el segundo motivo más bien con otras
propuestas contemporáneas de RIO emergidas en la vanguardia estadounidense
(Thinking Plague, Cheer-Accident). El tercer y último motivo articula una
sonoridad retro-progresiva solemne y poderosa, principalmente focalizada en el
nervio plasmado en el solo de guitarra y la bien adornada labor del baterista,
llegando finalmente a una ambientación climática tremendamente contundente
(incluyendo una breve coda de inspiración "crimsonianamente fracturada"). En
este punto del álbum, la banda se siente en su sazón en cuanto al despliegue de
sus más explícitas proyecciones progresivas, y ahora que es el momento de
"Showdown At The Bump-Bump Ranch", el sexteto construye nuevamente un sólido
ejercicio de jazz-rock psicodélico, haciéndose eco además de los ribetes
crimsonianos que ya se inauguraron en la pieza precedente. El encuadre donde
los extrovertidos pasajes intensos sostienen la ambientación reposada que
domina el jam central está pulcramente logrado al 100%. ?Parentescos con Deluge
Grander y Birds And Buildings? Hasta cierto punto, se podría decir que sí. Se
puede decir que el bloque dual de "Fierce Chemchok Heruka" y "Showdown"
conforma un cénit decisivo y definitorio del repertorio integral del álbum.
Acto seguido llega "Fear" para brindarnos otro estupendo momento progresivo,
reiterando previas conexiones con el RIO estadounidense contemporáneo a la par
que plasma oportunas dosis de colorido y dinamismo en los que salen a relucir
retazos zappianos (etapas "Grand Wazzoo" y "One Size Fits All"). Para los dos
últimos dos minutos, la banda vira hacia un momento de tensión a través de un
pulcro manejo de cacofonías y contrapuntos, generando así un exquisito recurso
de explosiva gracilidad disonante. "Anisotropic Axon Re-Electroplation, Mvt. 3"
(?dónde está el "Mvt. 2"?... mmmm=85) es la pieza encargada de cerrar el álbum.
El primer motivo se perfila por el clima de relajado lirismo con el cual había
concluido el "Mvt. 1", hasta que pasada la barrera de los 2 minutos, el grupo
se impulsa hacia un ambiente más extrovertido, el cual poco a poco va
desarrollando un colorido elegante y cándido al estilo del mejor Canterbury,
aunque con una instrumentación cuyas dosis de nervio y swing más tienen que ver
con el estándar jazz-rockero de raíz estadounidense. El clima de alegría se
prolonga hasta el final, incluyendo algunos arreglos intermedios donde la base
rítmica se atenúa un poco a favor del realce del piano.
Todo esto fue "Planet Girth", un viaje progresivo lleno de plenitud colorida y
robustez que permite a Peanut Brittle Satellite merecer, como mínimo, un
porcentaje sustancial de nuestra detenida atención. !Realmente vale la pena!
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FLOR DE LOTO - "Imperio De Cristal" (2011)
FLOR DE LOTO: "Imperio De Cristal" (2011)
Temas
1. Imperio De Cristal (6:27)
2. Mosoj Pacha (Nuevo Mundo) (4:57)
3. Sombras En La Oscuridad (3:42)
4. El Jardín Secreto (6:15)
5. Mar Amargo (pt 1 y pt 2) (7:41)
6. Sueños Diurnos (6:48)
7. Laberinto (5:33)
8. Despertar (7:36)
9. Hasta El Final (9:57)
Integrantes
- Alonso Herrera: guitarras eléctricas y acústicas, voz
- Alejandro Jarrín: bajo, coros
- Junior Pacora: flautas, zampoñas, quena, charango, cajón, bombo legero,
congas, coros
- Carlos Llontop: batería, coros
- Ignacio Flórez; guitarra rítmica, coros
Colaboradores - Emiliano Obregón (solos de guitarra en 8 y 9, arreglos
sinfónicos en 5 y 9), Agustina González (voz y coros en 4 y 9)
Flor De Loto refuerza y confirma el posicionamiento crucial que se ha forjado
desde hace años dentro de la vanguardia rockera peruana: "Imperio De Cristal"
es el disco que trae nuevos pergaminos para esta confirmación, demostrando por
qué Flor De Loto es en sí mismo un referente relevante dentro de la élite del
rock progresivo sudamericano. Para éste, su cuarto disco, Flor De Loto saca
lustre al formato redefinido de su formación, con el nuevo baterista Carlos
Llontop (quien reemplaza al histórico Jorge Puccini), el afianzado flautista
Junior Pacora quien añade percusiones y charango a su logística individual y el
ingreso oficial de Ignacio Flórez como segundo guitarrista, escalando
posiciones desde su inicial rol como guitarrista ocasional de apoyo. Por su
parte, los mismos de siempre, Alonso Herrera y Alejandro Jarrín, siguen
explayando sus inclinaciones creativas con un bloque de composiciones maduras
donde el filo rockero y el dinamismo esenciales a la banda exhiben un brillo
creciente. Este disco es también el que ha tenido un proceso más ambicioso de
grabación y producción en lo que va de la discografía de la banda: fue
registrado en Virtual Estudios de Buenos Aires, contando con la entusiasta
participación del productor Emiliano Obregón también en arreglos orquestales en
un par de temas, así como algún que otro solo de guitarra por allí.
En varios momentos y aspectos, se nota que este disco arrastra la inercia
provocada por el dinamismo aguerrido y épico que tan anchamente se desarrolló
en el trabajo anterior "Mundos Bizarros". Tanto la pieza homónima que abre el
disco como "Sombras En La Oscuridad" brindan un sólido testimonio de ello. La
primera da marcha a la maquinaria sónica de la banda con frontal contundencia,
revelándose como hermana menor de "Volver A Nacer" y "Mundos Bizarros"; la
polenta acrecentada para la sección final redondea la idea central de la pieza
con furiosa brillantez. La segunda baja un poco el tono épico del asunto,
optando por poner más énfasis en el gancho rockero en sí mismo (combinando lo
maidenesco y lo dream-theatero), aunque igualmente da muestras de esa
sofisticación rockera que ya es marca registrada de Flor De Loto. "Sueños
Diurnos" es otra canción que cae dentro de este perfil, aunque tiene la
particularidad de centrarse en aires menos extrovertidos que los expuestos en
las dos canciones anteriormente mencionadas: aparte de la afinidad en cuanto a
ingeniería compositiva y estructura sonora, hay en "Sueños Diurnos" un lirismo
tajantemente perfilado y una emotividad firmemente dibujada a través de los
arrebatos metaleros finamente estilizados. La idea de cerrar el álbum con una
composición particularmente ambiciosa del lote también es síntoma de la
"herencia bizarra" a la cual nos seguimos refiriendo: nos referimos a "Hasta El
Final", tema sobre el cual nos detendremos más adelante. Pero no se trata de la
única pieza explícitamente majestuosa del álbum, pues también tenemos en este
departamento a "Mar Amargo". Su primera sección se dedica a explorar atmósferas
contemplativas, portadoras de una energía dramática en medio de la predominante
serenidad; su segunda sección se articula bajo la lógica de la pomposidad a
través de la vibración céltica que el grupo elabora con nervio y precisión,
ayudado además por una serie de arreglos orquestales que están a cargo de
reforzar la opulencia sónica de una forma estilizadamente envolvente. Mención
aparte va para el solo de flauta que se desarrolla antes de la coda,
manifestación del brío y la gallardía impecables que suelen provenir de un
maestro como lo es Junior Pacora.
Yendo al resto del repertorio, es de notar de forma especial la presencia de la
primera composición de Pacora al grupo en el segundo corte: "Mosoj Pacha". Este
número instrumental se concentra en trabajar sobre una base de donde se
alternan cadencias de la costa norteña y la serranía sur peruanas, aunque lejos
de ser un simple ejercicio de fusión en base a lugares comunes, incluye su
buena dosis de colorido rockero, dosis utilizada con la debida inteligencia
para que la fuerza inherente a los riffs y solos de guitarra complementen la
lógica inherente al esquema compositivo. Incluso la irrupción rockera que
emerge en un breve interludio después de la barrera del tercer minuto y medio
es utilizado para solidificar la ilación temática en curso; las presencias de
las percusiones étnicas y el charango, por su parte, terminar de asentar el
aliento fusionesco dentro del bloque sonoro global. Tras la arquitectura
robusta del anteriormente mencionado "Sombras En La Oscuridad" llega otro
instrumental, "El Jardín Secreto", compuesto por Jarrín: su estructura melódica
ágil y colorida se alimenta de la inserción de variopintas texturas andinas,
célticas y arábigas dentro de un desarrollo compositivo que fluye de forma
natural a través de su diversidad. Como ocurre varias veces, los elementos
tullianos y rusheros dejan traslucir sus huellas en el esquema sonoro que la
banda crea para la ocasión. "Laberinto" es otro instrumental compuesto por
Jarrín. Su timbre inicial está basado en un manejo sobrio de climas metaleros
sobre un compás lento, permitiendo a la flauta diseñar figuras magnéticamente
melancólicas, pasando posteriormente a un segundo cuerpo donde la vibración
rockera se revitaliza de manera contundente: muy maidenesco el asunto, al
estilo de los tres últimos discos que han lanzado los reyes de la NWBHM. Para
el último minuto, el grupo elabora una cadencia rítmica de inspiración andina,
momento que aprovecha Pacora para tomar el charango y complementar con sus
rasgueos los sutiles ornamentos que Jarrín emite con su bajo. "Despertar" sigue
a continuación, despegando desde los cimientos etéreos con los que había
concluido "Laberinto" y volviendo a consolidar un viaje rockero sobre un
esquema rítmico ceremonioso que se hace debido eco del desgarro emocional
vertido en la letra: la letra pertenece a Jarrín, mientras que la composición
está a cargo del nuevo baterista Llontop. Mientras las secciones cantadas
reflejan la huella maidenesco-tulliana que recurrentemente se hace presente en
el mundo musical de Flor De Loto, el estupendo interludio instrumental se
explaya en trabajar ambiente y recursos de tipo Dream Theater y Fates Warning.
Y llegó la hora del final, o mejor dicho, "Hasta El Final", pieza que ocupa los
casi 10 último minutos del álbum. Esta pieza tiene un desarrollo consistente en
torno a la base melódica en torno a la cual se arma el cuerpo central,
encarnando una amalgama perfecta de ampulosidad prog sinfónica, destellos
metaleros de carácter rigurosamente solemne y lirismo de puro corte folk-rock.
En suma, "Imperio De Cristal" resulta una cumbre única e imponente para el rock
peruano del año 2011. Mis momentos personalmente favoritos están en "Mosoj
Pacha", "El Jardín Secreto" y la secuencia de los tres últimos temas, pero más
allá de esta observación de detalles seleccionados, vale la mirada general a la
cohesión bien integrada que se extiende a través de todo el repertorio del
disco. Tal como se ven (y oyen) las cosas, Flor De Loto tiene vida para rato
después de un pasado marcado por un continuo crecimiento y a partir de este
presente brillante.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
