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La caja de musica Number 0963
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #963 agosto 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Gigantes Gentiles 54
* Ignatius: "Lights From the Deep" (2011)
* nominados al Premio Cuna de la Bandera
* And You Will Know Us by the Trail of Dead - Tao of the Dead (2011)
* LCDM: The Dear Hunter - The Color Spectrum (2011)
* RESISTOR - "The Secret Island Band Jams" (2011)
* LABIRINTO DI SPECCHI - "Hanblecheya" (2011)
* Levin-Torn-White, nuevo súper trío de rock experimental
* domingos del 21 de agosto al 25 de setiembre
* ABRETE GANDUL -"Enjambre Sísmico" (2011)
* GRAN TURISMO VELOCE: "Di Carne, Di Anima" (2011)
* Rock In Opposition 2011
* JAIME ROSAS - "Flashback" (2011)
* falleció Mac (ex-Threshold)
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Autor: "Quagliano" <equagliano@gmail.com>
Asunto: Gigantes Gentiles 54
Amigos:
Este miércoles 31 de agosto, a las 22hs. y por RadioColaborativa.com,
presentaremos el programa Nro. 54 de Gigantes Gentiles, la buena música que no
se escucha.
En este programa: Barbara Rubin y su maravilloso disco Under The Ice; el
Festival La Plata Prog 2011 y las bandas participantes: Baalbek, Hexatónica,
Jinetes Negros, Uranian, Akenathon, Tanger, Big Machine, Sugar Mice, Dragón de
Hierro, La Increíble Fuga de Triángulos y Contraluz. Y un cierre de lujo:
presentamos los trabajos de Esteban Cerioni para el disco triple de homenaje a
Litto Nebbia producido por Fabián Spampinato, que el propio Esteban envió para
nuestros oyentes.
Gigantes Gentiles, la buena música que no se escucha, se emite por 10 emisoras:
RadioColaborativa.com, FM VOX 100.9 Mhz (Punta Alta, Argentina), RadioXpress,
Tu Voz Interactiva (México), SinAudio.com (México), FM Ariadna Solidaria 95.5
(Blanco Encalada, Mendoza), Código DF (México DF), Delta 80 (Caseros, Bs. As.),
Culturactiva Radio (Montevideo, Uruguay) y Radio Mucury Cultural, de Teófilo
Ottoni, Minas Gerais, Brasil.
!Los esperamos!
--
Quique Quagliano
RadioColaborativa.com, Voluntades en red
www.radiocolaborativa.com
radiocolaborativa@gmail.com
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Ignatius: "Lights From the Deep" (2011)
LCDM: Ignatius: "Lights From the Deep" (2011)
Discografica: MUSEA
Temas:
1. Bleeding Souls (8:02)
2. Emptiness (6:47)
3. Resurrection (8:41)
4. Lights from the Deep (12:39)
5. BCN (9:30)
6. Morning Moon (11:01)
Músicos:
- Ricardo Boya: Bass, Keyboards and vocals
- Toni Castarlenas: Guitars
Invitados / colaboradores:
- Marcelo Ortiz: Drums
- Daniel Campos: teclados
Ignatius es una banda formada hace ya 10 años en Barcelona por Toni
Castarlenas y Ricardo Boya los cuales se reparten el trabajo de composición
e interpretación. Ha pasado casi un año desde que se comento el lanzamiento
de su primer disco, por fin y a través de Musea sale a la luz "Lights From
the Deep", un trabajo compuesto de seis temas, donde la banda barcelonesa
nos muestran un rock progresivo clásico ecléctico cercano a los parámetros
mas actuales del Neo progresivo con ese toque moderno heavie y un sabor
especial a los Pink Floyd mas sinfónicos.
El grupo gusta de los pasajes instrumentales como se puede apreciar en el
tema que cierra el álbum "Morning Moon", muy a lo Pink Floyd especialmente
en los pasajes atmosféricos que imprime los teclados, omnipresentes en todo
el álbum, amen de la guitarra en plan solista desprendiendo mucho
sentimiento. Otro tema del mismo calibre es precisamente el tema mas largo y
que da nombre al álbum "Lights from the Deep" con esos interminables y
lineales solos instrumentales.
Los temas cantados por Ricardo Boya suenan muy NEO progresivo, especialmente
"Emptiness", una descarga emocional e intensa con la voz desgarrada de
Ricardo, me recuerda y mucho a los trabajos mas actuales de ARENA o
PENDRAGON. Otro tema parecido y cantado pero mas enérgico es la inicial
"Bleeding Souls".
Mas próximo al HARD Rock tenemos "Resurrection" mezclados con pasajes suaves
e intensos a Pink Floyd.y algún toque caótico a lo King Crimson en su parte
central. El tema BCN, siglas de Barcelona es abierto con un caos
instrumental y efectos de sonido para que imaginemos una ciudad cosmopolita,
es una tema variado, donde podemos oir Metal prog, Neo progresivo y como no
la interacción de guitarra y teclados.
En resumen Ignatius no innova ni aporta nada nuevo al mundo
sinfoprogresivo,solo sus ganas de hacer buena música, con buenos arreglos,
armonías y cuidadas instrumentaciones, en muchos momentos se les podría
calificar como Neo progresivos, ellos alegan no haber escuchado nunca a
Arena y que el Neo progresivo no es lo que mas le llena, lo cual induce a
pensar que lo NEO les sale espontáneamente, en otras ocasiones recuerdan a
los mas atmosféricos y lisérgicos Pink Floyd, en definitiva cada oyente
sacara su conclusión. Dicen tener ya material para un segundo CD, lo
esperaremos con ansia de ver como evoluciona el grupo.
La distribución en España se realiza a través de su pagina
Myspace.com/ignatiusrock y el facebook.
(c) Juan Mellado (2011)
progjuan@gmail.com
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Autor: "Quagliano" <equagliano@gmail.com>
Asunto: nominados al Premio Cuna de la Bandera
Queridos amigos:
La organización del Premio Cuna de la Bandera acaba de informarnos que estamos
nominados para la edición 2011 del premio.
El año pasado lo ganamos con RadioColaborativa. Para esta edición estamos
nominados en el rubro Radio On Line con Colaborativa, y en el rubro Programa de
Rock con Gigantes Gentiles.
Estas nominaciones, que son un reconocimiento de colegas de gran trayectoria y
prestigio de nuestra propia ciudad, nos llenan de orgullo y satisfacción. La
entrega de premios se llevará a cabo el próximo 9 de octubre.
Gracias a Norma y a todos en la organización del Premio, por distinguirnos con
estas nominaciones, que compartimos con nuestros oyentes y amigos.
--
Quique Quagliano
RadioColaborativa.com, Voluntades en red
www.radiocolaborativa.com
radiocolaborativa@gmail.com
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: And You Will Know Us by the Trail of Dead - Tao of the Dead (2011)
...AND YOU WILL KNOW US BY THE TRAIL OF DEAD: "TAO OF THE DEAD" (2011)
Discográfica: Superball Music/Century Media
Temas:
1. "Introduction: Let's Experiment" - 2:59
2. "Pure Radio Cosplay" - 6:06
3. "Summer of All Dead Souls" - 4:20
4. "Cover the Days Like a Tidal Wave" - 3:08
5. "Fall of the Empire" - 2:38
6. "The Wasteland" - 2:42
7. "The Spiral Jetty" - 2:04
8. "Weight of the Sun (or the Post-Modern Prometheus)" - 2:30
9. "Pure Radio Cosplay (Reprise)" - 3:38
10. "Ebb Away" - 2:58
11. "The Fairlight Pendant" - 5:49
12. "Tao of the Dead Part II: Strange News From Another Planet" - 16:32
Músicos:
- Conrad Keely - vocals, guitar, drums, piano, keyboards
- Jason Reece - drums, vocals, guitar
- Autry Fulbright II - bass, vocals
- Jamie Miller - percussion
La evolución de este grupo no ha dejado de ser constante ya desde sus
inicios. Nacidos dentro de la escena indie-noise-rock americana esta
ha ido derivando disco a disco hacia un estilo más elaborado y
grandilocuente, acercándose cada vez más al concepto ópera rock y los
sonidos sinfónicos.
Con "Tao of the Dead" no hay duda de que esta banda se sitúa ya
definitivamente alrededor de la escena progresiva reciente cerca de
Porcupine Tree, The Dear Hunter, Muse, Oceansize o Mansun. De hecho ellos
mismos reconocen que en este disco han querido rendir homenaje a álbumes que
les han influenciado de forma decisiva como "The Dark Side of the Moon" de
Pink Floyd, "Close to the Edge" y "Relayer" de Yes, "Hemispheres "de Rush o"
Neu! "de Neu!.
La cuestión es que los tejanos se encuentran en uno de sus mejores momentos
gracias a este épico trabajo que tanto puede recordar aquellas míticas
operas rock de The Kinks o The Who, como al rock progresivo de raíces
setenteras debidamente actualizado.
Estructurado en dos partes diferenciadas, "Tao of the Dead" es una obra
conceptual sobre el taoísmo que hay que valorar en conjunto. El tramo
comprendido entre "Cover the Days Like a Tidal Wave" y "Weight of the Sun"
es absolutamente emotivo, quizás lo mejor del álbum. Sin olvidarnos de la
épica "The Fairlight Pendant" o de la segunda parte del álbum ocupada por 16
minutos de "Strange News from Another Planet".
En conclusión, un gran y fascinante álbum para este 2011.
Valoración: 8/10
Ferran Lizana (rockomic@gmail.com)
Agosto 2011
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: LCDM: The Dear Hunter - The Color Spectrum (2011)
THE DEAR HUNTER : "THE COLOR SPECTRUM" (2011)
Discográfica: Triple Crown Records
Black EP:
1. "Never Forgive, Never Forget" - 4:41
2. "Filth and Squalor" - 4:01
3. "Take More Than You Need" - 4:30
4. "This Body" - 4:47
Red EP:
1. "I Couldn't Do It Alone" - 3:29
2. "A Curse of Cynicism" - 3:11
3. "Deny It All" - 3:34
4. "We've Got a Score to Settle" - 3:45
Orange EP:
1. "Echo" - 4:06
2. "Stuck On a Wire Out On a Fence" - 3:08
3. "A Sea of Solid Earth" - 4:41
4. "But There's Wolves?" - 4:06
Yellow EP:
1. "She's Always Singing" - 2:40
2. "The Dead Don't Starve" - 4:57
3. "A Sua Voz" - 3:20
4. "Misplaced Devotion" - 3:46
Green EP:
1. "Things That Hide Away" - 3:24
2. "The Canopy" - 3:52
3. "Crow and Cackle" - 5:42
4. "The Inheritance" - 3:25
Blue EP:
1. "Tripping in Triplets" - 3:52
2. "Trapdoor" - 3:54
3. "What You Said" - 5:04
4. "The Collapse of the Great Tide Cliffs" - 5:33
Indigo EP:
1. "What Time Taught Us" - 4:07
2. "Mandala" - 4:55
3. "Progress" - 3:35
4. "Therma" - 2:41
Violet EP:
1. "Mr. Malum" - 3:57
2. "Lillian" - 4:07
3. "Too Late" - 4:03
4. "Look Away" - 3:41
White EP:
1. "Home" - 3:55
2. "Fall and Flee" - 4:05
3. "No God" - 3:49
4. "Lost But Not All Gone" - 3:58
Músicos:
- Casey Crescenzo / Vocals, Piano, Guitar
- Nick Crescenzo / Drums, Percussion, Vocals
- Maxwell Tousseau / Guitar, Vocals
- Erick Serna / Guitar, Vocals
- Nate Patterson / Bass, Vocals
Pocos grupos existen hoy en día que puedan compararse a The Dear Hunter en
cuanto a ambición y grandiosidad a la hora de confeccionar sus obras.
Teniendo en cuenta que su obra conceptual en actos, que interrumpen
momentáneamente, hay que entenderla como una colección de diferentes álbumes
por separado, no hay duda de que "The Color Spectrum" es la obra más
mastodóntica que han grabado hasta ahora.
Nada menos que una obra conceptual sobre el espectro de color, dividida en 9
EPs (uno por color añadiendo el blanco y el negro) formado cada uno por
cuatro temas. En total nada menos que 36 canciones y dos horas y media de
música.
Cada EP deriva hacia un estilo diferente pero a la vez encajando muy bien
dentro del conjunto y del universo sonoro característico de Casey Crescenzo,
líder, cerebro y alma máter de The Dear Hunter. Así, por ejemplo, Red se
ocupa del pop-rock épico, Orange del hard-prog retro, Green sigue una onda
country-folk, Violet deriva hacia el musical teatral o Indigo hacia la
electrónica.
Pero no estamos ante una obra conceptual al estilo de lo que nos tiene
acostumbrados Crescenzo. Aquí no hay interludios, piezas que sirvan de nexo
de unión entre los principales temas del álbum, por la sencilla razón de que
"The Color Spectrum" siendo una obra conceptual es también un trabajo de
canciones. Todas y cada una de las piezas que forman esta obra pueden
funcionar por sí solas como singles, podemos extraerlas del conjunto y
seguir teniendo validez. Y al mismo tiempo todas juntas forman una obra
perfectamente cohesionada, estratégicamente estructurada como álbum
concepto.
"The Color Spectrum" es un trabajo de una regularidad y una firmeza
envidiables. Cada uno tendrá sus temas favoritos, algunos indiscutiblemente
brillantes, pero lo que casi se puede asegurar es que todos los temas están
a la altura. Para mi gusto entre lo más destacado del año y lo mejor que han
grabado Crescenzo y los suyos hasta ahora.
Valoración: 8.5/10
Ferran Lizana (rockomic@gmail.com)
Agosto 2011
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: RESISTOR - "The Secret Island Band Jams" (2011)
RESISTOR: "The Secret Island Band Jams" (2011)
Temas
1. Voyage 7 (4:01)
2. Picadora (5:00)
3. Piezo Fury (5:25)
4. All Systems Go! (3:30)
5. Dream Of The Arctic Tern (6:12)
6. Santa Anna (8:15)
7. Quirk (3:47)
8. Sleepytime (7:10)
9. Double Ascent (15:07)
Integrantes
- Steve Unruh: guitarras, violín, flauta
- Rob Winslow: bajo
- Barry Ferrands: batería
- Fran Turner: guitarras
Parece mentira cómo comenzó Resistor, de la forma más sencilla y casual, lo
cual no se condice poéticamente con el tipo de sofisticación vibrante que este
cuarteto insufla a sus vuelos instrumentales, sólidos, versátiles, llenos de
nervio y sobre todo, de niveles impresionantes de inventiva y afinidad
espiritual que hacen que permiten al ensamble articularse en una magia
compartida a través de sus casi siempre improvisadas ideas musicales. Todo
comenzó en 2005 cuando el talentoso multi-instrumentista estadounidense Steve
Unruh decidió que tenía ganas de formar parte de un proyecto musical donde
tocara principalmente la guitarra eléctrica, encontrando pronto un aliado en su
amigo ingeniero electrónico Rob Winslow. Mientras iban armando sus primeros
jams, uno de los electricistas operarios del estudio de ensayo resultaba ser
también baterista, de nombre Barry Ferrands: sabido el dato, casi al instante
se convirtió en el tercero a bordo. Cuando las primeras composiciones ya se
perfilaban en sus formatos definitivos, se sentía la necesidad de un cuarto
miembro, un teclista de preferencia=85 pero esta cuarta entidad resultó ser
otro guitarrista, Fran Turner. Así las cosas, el terreno estaba preparado para
el disco debut homónimo de 2008, seguido por "Rise" dos años más tarde, y ahora
en 2011, "The Secret Island Band Jams" constituye la tercera placa de parte de
Steve Unruh y sus compinches. La presencia de Turner permite a Unruh dar rienda
suelta a su solvencia con otros instrumentos como el violín y la flauta, un
factor que repercute notablemente en el realce de coloridos sonoros dentro del
encuadre específico de la banda, un encuadre progresivo donde se desarrollan
parajes eclécticos de psicodelia, jazz-rock, rock duro clásico, aventuras
cuasi-fusionescas y jam. Pasamos a comentar el tercer disco a continuación.
En medio del ruido del mar movido por fuentes vientos de la costa, "Voyage 7"
abre el disco con un grácil ejercicio de space-rock en 7/4 que suena a algo
intermedio entre el Guru Guru jazz-rockero y Phish. "Picadora" y "Piezo Fury"
ocupan conjuntamente los siguientes 10 minutos del disco: el primero de estos
temas establece un clima lírico bastante cálido sobre un compás de 5/4,
especialmente apoyado en el rol principal del violín, un ítem de tendencia
sinfónica; el segundo se enfila hacia un jazz-fusión aflamencado que nos
recuerda fácilmente a los ensueños hispánicos de un John McLaughlin, pero con
una base rítmica encuadrada dentro de un discurso propiamente rockero, lo cual
sirve de perfecto sustento para el perfil asumido por la guitarra eléctrica en
su dialogante antagonismo frente a la acústica. El momento de "All Systems Go!"
es uno de cambiar de rumbo para enfilarse hacia un macizo ejercicio de rock
duro con tremendo gancho, al estilo clásico de los 70s (GFR, Jeff Beck),
mientras que por contraste, "Dream Of The Arctic Tern" se encarga de crear y
sostener una aura de relajada y contemplativa serenidad en clave de jazz-rock
lento con sutiles tendencias folk-psicodélicas que nos remiten de alguna manera
a East Of Eden o a Kebnekajse. El solo de flauta que emerge en medio tiene un
tufillo tulliano imposible de ocultar, aunque con un carácter más atenuado.
"Santa Anna" se encarga en su primera parte de recoger y amplificar el espíritu
space-rock que ya había insertado la pieza inicial, con la salvedad de que el
esquema rítmico es más pausado, algo que el ensamble aprovecha muy bien para
darle un realce más notorio a los solos y riffs guitarreros, a la par que el
grupo en bloque explora matices envolventes. La adición de inquietantes líneas
de violín en algunos pasajes añade una conveniente magnificencia al asunto. La
segunda parte está diseñada sobre un incremento notorio del timbre rítmico de
la batería y una agresividad más frontal de las guitarras y el bajo: aquí
hallamos un intermedio entre el Ash Ra Tempel cañero y el estándar del sonido
stoner contemporáneo. Un final arrolladoramente electrizante para los primeros
32 minutos del disco.
Pero=85 todavía quedan 26 minutos de experiencia sónica con Resistor, aunque es
irrefutablemente legítimo decir ya que la propuesta de esta banda concretiza
exitosamente su misión ecléctica. Lo que queda de viaje comienza con los 3 BE
minutos de "Quirk", un tiempo dedicado a la serenidad contemplativa en clave de
suave y lento rock, elegantemente sazonado con savia lírica a cargo del violín:
parece todo un homenaje a Focus con retazos de Ragnarok. A continuación sigue
"Sleepytime", con la misión de continuar por la misma senda introspectiva,
incluso ahondando en la sensación de languidez emocional inherente a esta
actitud: teniendo una bien amalgamada estructura armónica compartida entre las
dos guitarras, una precisa dupla rítmica que consistentemente mantiene una
cadencia contenida y la inserción de un breve y evocativo, "Sleepytime"
recapitula a las mil maravillas los espíritus nucleares de "Quirk" y "Dream Of
The Arctic Tern". Finalmente, el último cuarto de hora del álbum está ocupado
por "Double Ascent". Se trata de un buen espacio de tiempo para explorar un
viaje musical dado, y en este caso, tenemos una aventura psicodélico-progresiva
de alto nivel que comienza con un bien encajado matrimonio entre las bases
sostenidas por el doble guitarreo y las musculares florituras de flauta: un
híbrido entre East Of Eden, Jethro Tull y Focus. Más adelante, poco antes de
llegar a la frontera del quinto minuto, las cosas se intensifican
momentáneamente hasta el punto de reconectarse con el Guru Guru más
disciplinadamente jazz-rockero, el cual, a su vez, es sucedido por un etéreo
motivo de corte space-rock. La secuencia de estos dos motivos funciona como una
ilación de puentes duales hacia la emergencia del segundo motivo del tema, uno
marcado por matices de rock duro y stoner en su recuperación del vigor sónico
del primer motivo. Unruh aprovecha la ocasión para desarrollar un intenso solo
de violín, mientras que sucesivos solos de guitarra exploran caminos
intermedios entre los explorados por los legendarios Dave Gilmour y Jeff Beck
durante los románticos años 70s. Con el efecto final de oleaje se retoma el
ambiente que precedía al inicio del primer tema del álbum, pero esta vez la
marea fluye por sí sola, sin ser atormentada por los dioses del viento.
Un señor disco es "The Secret Island Band Jams", sí, señoras y señores, un
discazo que a nosotros nos ha servido como vía de entrada al mundo musical de
Resistor; para quienes ya estén familiarizados con la obra precedente de este
proyecto dirigido por el Maestro Unruh y completado por músicos de auténtico
primer nivel, este disco no será para nada una decepción. !!Muy recomendable!!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LABIRINTO DI SPECCHI - "Hanblecheya" (2011)
LABIRINTO DI SPECCHI: "Hanblecheya" (2011)
Temas
1. Eclissi, pt. 1 - L'Occio E La Maschera (8:23)
2. La Maschera Della Visione (5:58)
3. Fantasia (8:58)
4. Nel Nulla Etereo Soggiogato Dall'Ignoto La Mente Si Espande (7:01)
5. Purpurea (10:00)
6. Foll(i)a (19:12)
7. Eclissi, pt. 2 - La Genesi (9:36)
Integrantes:
- Gabriele Marroni: guitarras
- Filippo Menconi: bajo
- Andrea Valerio: piano, sintetizadores
- Raffaele Crezzini: batería, percusión
- Diego Armando Samo: teclados, sintetizadores
Colaboradores - Paolo Carelli (voz, narración), Michele Sanchini (cello)
Formado en Siena en 2005, el grupo italiano Labirinto Di Specchi ha venido
desarrollando una interesante trayectoria en el underground de su país en aras
de aportar algo propio al actual estado de la cuestión en el género progresivo.
El año 2011 ve la edición de su disco debut "Hanblecheya", siendo así que la
única experiencia fonográfica anterior de Labirinto Di Specchi era un demo
promocional que eventualmente llamó la atención del sello Lizard Records. ?Qué
nos muestra "Hanblecheya"? - un híbrido interesante de space-rock, psicodelia
relajada floydiana, elementos de sinfonismo estandarizado, excursiones en
vibrantes momentos prog-metaleros, y en menores pero también importantes dosis,
matices de post-rock y jazz-fusión. O sea, un viaje musical ricamente ecléctico
gestado y armado con vitalidad y convicción. Con el uso de narraciones, algunos
pasajes del disco adquieren una cierta solemnidad poética, y con las
intervenciones de un cellista invitado se enriquecen algunos ornamentos y
orquestaciones de teclado. De hecho, la presencia de dos teclistas en la banda
es un indicio de lo importante que es para el grupo sustentar su visión
ecléctica para que convivan lo melódico con lo espacial, o lo sutil con lo
grandilocuente, algo para lo cual se reparten responsabilidades Andrea Valerio
y Diego Armando Samo.
"Eclissi, pt. 1 - L'Occio E La Maschera" abre el disco ocupando un espacio de
casi 8 BD minutos. Tras una introducción cósmica que dura casi 3 minutos (y
que incluye retazos de cello y una narración), el cuerpo central desarrolla un
sólido jam bastante estilizado, articulado bajo la lógica del space-rock con
una cadencia melódica lo suficientemente relevante como para controlar
notablemente el potencial expresivo del motivo, el cual se inspira en exóticos
aires orientales. El detalle de la percusión extra es fundamental para realzar
el groove de la composición. La coda etérea sirve tanto para cerrar el círculo
de esta pieza inicial como para abrir la puerta al arribo de la siguiente, "La
Maschera Della Visione", la cual explora más decididamente un enfoque ecléctico
donde el sinfonismo, el space-rock y el prog-metal se funden en una
expresividad energética cuyo gancho se condice fluidamente con la abierta
sofisticación en la que se zambullen los instrumentistas. Hay un fabuloso solo
de sintetizador después de la barrera del cuarto minuto y medio que, de haberse
hecho un poco más extenso, no hubiese hecho ningún daño: es fabuloso, un
atractivo destello de esplendor wakemaniano en medio del esquema
psicodélico-sinfónico. "Fantasia" y "Nel Nulla Etereo Soggiogato Dall'Ignoto La
Mente Si Espande" están sucesivamente a cargo de preservar y alimentar la
fastuosidad musical que ahora se halla en un momento de especial plenitud. El
primero de estos temas comienza bajo el liderazgo de la guitarra acústica,
comenzando con una solemnidad serena arropada de matices grisáceos, para luego
pasar a un interludio jazz-folk que en realidad sirve de puente hacia una
sección más fastuosa, siendo esta vez el teclado el que dirige la situación
melódica, mientras el bajo aporta ornamentos armónicos que alimentan la
expresión de vigor resuelta por el bloque de la dupla rítmica. En la barrera
del sexto minuto, se da un viraje total hacia un nuevo interludio marcado por
atmósferas de inspiración floydiana, un puente hacia la sección final muy a lo
Porcupine Tree de la etapa 93-96. Por su parte, el segundo de estos temas nos
transporta hacia un espacio psicodélico enfilado hacia un imponente fragor
lisérgico, marcado por la combinación de percusiones acústicas e industriales,
inquietantes ornamentos de sintetizador, machacantes líneas de bajo y filudas
intervenciones de la guitarra. El bloque compositivo es sumamente sencillo,
pero es la armazón de los arreglos lo que le brinda al tema ese aire de
neurótica complejidad que, con todo, no resulta chocante ni siniestra. A
continuación viene "Purpurea", tema que aprovecha su espacio de 10 minutos para
expandirse en una variedad de motivos y ambientes a través de la cual el grupo
hace gala de su pulso y nervio a la hora de trabajar, elaborar y arreglar la
ilación de diferencias: comenzando con una introducción basada en el flotante
engranaje cósmico de sintetizador, florituras de bajo, guitarra acústica y
percusión sampleada, el primer cuerpo se orienta hacia un ejercicio de
sinfonismo interceptado por una guitarra portadora de poderosos matices
metaleros; luego sigue un segundo cuerpo donde se recupera el aura cósmica en
parte, aunque esta vez con una dupla rítmica que incorpora cadencias jazzeras
al asunto mientras que el guitarreo se divide entre texturas más propias del
post-rock y fraseos solistas propios de un Steve Vai romántico; finalmente,
este motivo aterriza en una breve coda en la que la guitarra retoma su cadencia
pesada y la dupla rítmica recoge su aura rockera.
Quedan casi 29 minutos para que concluya el repertorio, lo cual deja a
"Foll(i)a" y "Eclissi, pt. 2 - La Genesi" con la misión de completar
sucesivamente el concepto artístico del álbum. "Foll(i)a" comienza, al igual
que el tema precedente, con una pasaje dominado por la guitarra acústica. El
siguiente pasaje tiene una cadencia moderadamente lánguida que suena a
post-rock empapado de rocío space-rockero y bañado en aromas reflexivos de
inspiración floydiana. Para el asentamiento de la parte narrada, la languidez
se acentúa a fin de preparar el impulso hacia el siguiente pasaje, uno más
extrovertido donde al compás de 6/4 el ensamble arma un ejercicio de space-rock
muscular y contundente, que fluidamente va evolucionando en complejidad de
tendencia sinfónica hasta desembocar en otro pasaje nuevo donde lo reflexivo
retorna bajo una forma más iluminada. Esta circunstancia sirve para que más
adelante el grupo vuelva a explorar sonoridades filudas, a la par que preserva
la emotividad meditabunda que ha venido predominando hasta el momento. En algún
punto se inserta un motivo musical recurrente de cariz arábigo, el cual termina
generando un frenesí desde su propio núcleo central para explayarse en un
clímax explosivo dirigido por la lógica de la psicodelia progresiva: la
intensificación de la labor percusiva y la arrebatadora expansión de las capas
de sintetizadores son los co-líderes de esta impactante conclusión. "Eclissi,
pt. 2 - La Genesi" tiene un preludio extrovertido y colorido, pero lo
suficientemente breve como para que el oyente no se haga ilusiones de
acostumbrarse a lo que está escuchando: el cuerpo central más bien explora lo
colorido con un jam centrado en un motivo que, nuevamente, basa su esquema
armónico y ambiente general en atmósferas exóticas. La idea se explaya
fluidamente, sin sopor ni pesadez, apelando a la limpia interacción entre los
músicos en medio de la columna vertebral de la dupla rítmica y la pulsación de
las capas de teclado: la pieza concluye con el ceremonioso armado de un reposo
final que incluye una última recitación. Así termina "Hanblecheya" y así nos
manifiesta Labirinto Di Specchi sus ganas de aportar algo interesante al
escenario progresivo actual.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Levin-Torn-White, nuevo súper trío de rock experimental
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Se viene un nuevo trío de veteranos legendarios de la vanguardia rockera de las
últimas 4 décadas: LEVIN-TORN-WHITE, formado por... Tony Levin (bajo y Chapman
Stick), David Torn (guitarras y efectos texturiales) y Alan White (batería y
percusión).
Los pre-orders se pueden hacer aquí: http://papabear.com/store/store.html - los
envíos se harán el 13 de setiembre, que es el mismo día de la salida a la venta
oficial. Los primeros mil ejemplares serán firmados por Tony, David y Alan.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: domingos del 21 de agosto al 25 de setiembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Se viene un ciclo de recitales de jazz-fusión peruano en Lima, "Domingos De
Jazz con Sazón Peruana", los domingos del 21 de agosto al 25 de setiembre.
Tramscribo el mensaje emitido oficialmente por los organizadores del evento.-
" Buscando difundir el jazz en nuestra ciudad de Lima y después del éxito de
las primeras Sesiones de Jazz en el Teatro Mocha Graña, "Water Babies Jazz" y
la Tía Mocha Free Music vienen apostando por crear un nuevo espacio para
artistas y público amante de este género. Para esto, se han organizado los
"Domingos de Jazz con Sazón Peruana" en el Teatro Mocha Graña (Av. Sáenz Peña
107- Barranco) donde, cada domingo, desde el 21 de agosto al 25 de setiembre, a
las 5:00 PM, diversos exponentes del jazz compartirán sus propuestas, siempre
con un toque peruano que le añade la sazón a la tarde.
Estas sesiones buscan ser una nueva propuesta para las tardes de domingo y,
también, acercar a nuevos públicos, sobre todo jóvenes y estudiantes, con
entradas asequibles (S/.15 adultos y S/. 10 Estudiantes), y lograr que el jazz
sea también una actividad familiar.
Este domingo 21 se inaugura con el Carolina Araoz Cuarteto. La experimentada
directora de Jazz Jaus nos propone un viaje musical donde el jazz conversa con
los boleros y valses criollos. El domingo 28, el trío Manante, una de las
bandas de jazz peruano más reconocidas formadas por Gigio Parodi, Pepe Céspedes
y Noel Marambio, nos deleitarán con ritmos peruanos diversos fusionados con
jazz. El domingo 4 de setiembre, se presenta Kambujo con una propuesta que
fusiona el jazz con música afroperuana y funk, en una mezcla sabrosa y llena de
ritmo. Gabriel Ríos es uno de los jóvenes talentos que ha incursionado en la
escena. Él nos presentará, el domingo 11, latin jazz, standards de jazz
revisitados, y música afroperuana para explorar todas las posibilidades
musicales que estos presentan. El domingo 18, el blues y el jazz se dan la mano
con la música afroperuana con Kaleidoscopio. Finalmente, para cerrar este
ciclo, el domingo 25 tenemos al Pierre Huarniz Project. Uno de los más
talentosos guitarristas jóvenes compartirá con un trío de lujo un proyecto de
fusiones y revisiones de standards de jazz, así como temas propios, todo con el
mejor sabor peruano.
!!Hay descuentos especiales para los que compren entradas para varios
conciertos!!
Contactos y venta de entradas: car12_e@hotmail.com, al 997956761 y
rolando33@gmail.com , al 998031105 "
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ABRETE GANDUL -"Enjambre Sísmico" (2011)
ÁBRETE GANDUL: "Enjambre Sísmico" (2011)
Temas
1. Hacia La Nada (4:27)
2. Necro Sistema (3:02)
3. Marejada (7:29)
4. Consecuencia Natural (10:26)
5. Colapso (11:20)
6. Convergencia Caótica (8:01)
7. Intangible (7:55)
8. ...Y Ahora Qué? (7:20)
Integrantes:
- Antonio Arceu: batería
- Aime Acuña: teclados
- Rodrigo Maccioni: guitarras y flauta
- Pedro Santander: bajo
Colaborador - Leo Arias (saxofón y clarinete en 1, 4 y 8)
El grupo chileno Ábrete Gandul vuelve a dignificar y engrandecer magníficamente
el sitial bien ganado de la escena latinoamericana dentro del ámbito progresivo
mundial con su nuevo disco "Enjambre Sísmico". Se trata de un disco especial en
varios sentidos, especialmente porque se trata del testimonio de un grupo que
ha sabido sobrevivir, reconstruirse e impulsarse con renovadores bríos
creativos tras la crisis que supuso la partida del guitarrista Rodrigo Pinto.
En vez de reemplazarlo, el grupo decidió quedarse como cuarteto mientras se
disponía a gestar un digno sucesor del fabuloso segundo álbum "Cuentos Para
Dormir", el cual data del año 2005. Para esta nueva ocasión, el grupo sigue
echando mano de sus afinidades hacia el jazz-rock, la psicodelia, el
space-rock, el estándar crimsoniano y la fusión contemporánea, y es verdad que
el rol de la guitarra no ha quedado disminuido merced a la decisión de Rodrigo
Maccioni de doblar su presencia y redoblar sus esfuerzos mientras conserva su
simultáneo rol de flautista. Pero también es verdad que se nota un
posicionamiento más notable de parte de los teclados de Aime Acuña dentro del
sonido global, algo que resulta muy útil a la hora de crear momentos
particularmente coloridos o de explorar matices cósmicos en ciertos momentos
proyectados hacia vuelos psicodélicos y atmósferas misteriosas. En general, el
grupo sigue siendo capaz de funcionar a las mil maravillas como un bloque
orgánico, no como el enjambre del título, sino más bien como una coalición
armónica donde las sensibilidades paralelas e intercambios manejan
exquisitamente las ideas compositivas y arreglos de cada pieza individual. La
ocasional presencia del saxofonista invitado Leo Arias ayuda bastante a la hora
de fortalecer el aura de equilibrada diversidad que se explaya a lo largo del
repertorio.
El disco abre con un tema cuyo título resulta irónico: "Hacia La Nada". La
pieza refleja una armazón donde se conjugan cadencias jazz-rockeras, psicodelia
y aureolas crimsonianas con una fineza tremendamente exquisita producto de la
equilibrada interacción entre los músicos. El lugar predominante del compás en
5/4 dentro del entramado rítmico ayuda a crear y sostener un swing especial
tanto en los pasajes líricos como en los agresivos. "Necro Sistema" sigue a
continuación, asumiendo la misión de ahondar en la sofisticación musical en
curso de acuerdo a parámetros cercanos al sinfonismo de vieja escuela pero con
una vibración enérgica que se siente muy vital y moderna: el final es
electrizantemente climático, resolviendo un breve momento de tensión con una
contundencia decisiva. Todo ha empezado muy bien y va a seguir mejorando
durante el transcurso del disco, y si no estamos dispuestos a ponernos tan
optimistas cuando solo hemos escuchado por más de siete minutos del disco,
"Marejada" irrumpe para invitarnos a cambiar de actitud y disfrutar de su
aureola envolvente y brumosa, la cual nos transporta hacia una atmósfera muy
diferente a las de los dos primeros temas. Durante el desarrollo del cuerpo
central, los oyentes nos hacemos cómplices de una actitud de contemplación
basada en un manejo psicodélico de pistas musicales emergidas sobre un compás
de 7/8 desde una confluencia entre crimsonismo suave y jazz-fusión relajante.
Tras un interludio en el que la serenidad parece ahondarse, la pieza llega a
una coda absorbentemente enérgica que, de alguna manera, se hace eco del
espíritu esencial del cuerpo central. Los dos siguientes temas, "Consecuencia
Natural" y "Colapso", son los más extensos del disco. "Consecuencia Natural" se
basa en un jam consistentemente inundado de cadencias jazz-rockeras, pero no se
trata de una estrategia monocorde, sino más bien de una nueva exhibición de la
soltura y solvencia que siempre muestra Ábrete Gandul en sus excursiones
instrumentales. El interludio en clave space-rock y los neuróticos retazos de
guitarra que entran a tallar desde los márgenes para colaborar con los recursos
de tensión aportados por el saxo permiten a la idea extenderse sólidamente sin
agotarse de buenas a primeras. Por su parte, "Colapso" establece una especie de
recapitulación bien armonizada de las huellas sónicas de "Necro Sistema" y
"Marejada", llegando incluso a superar en vigor al primero en sus pasajes más
densos: el compás en 9/8 proporciona una vitalidad bizarra al bloque sonoro. En
su ecuador, la pieza baja un poco su nivel de vigor para permitir que la flauta
se erija como núcleo focalizador de la instrumentación durante poco menos de
dos minutos y medio; de ahí en adelante, el grupo empieza a armar un nuevo
momento de intensidad que habrá de redondear el concepto de la pieza con una
poderosa iluminación épica donde los pesados guitarreos (entre crimsonianos y
presentianos) se hermanan con los teclados cósmicos sobre una base rítmica tan
compacta como ágil. "Colapso" es un cénit indiscutible del disco.
Todavía quedan 23 minutos y pico hasta que concluya este enjambre progresivo de
sonoridades sísmicas, y "Convergencia Caótica" es la pieza a cargo de iniciar
el resto de este viaje musical. Lo hace a las mil maravillas, por cierto, pues
su manejo tan versátil de los momentos marcados por gráciles vibraciones
funk-rockeras junto con otros signados por una sofisticación psicodélica y
otros más de tenor reposado la convierte en una especie de contraparte dinámica
de "Colapso". Cuando el teclado asume el rol protagónico, el grupo pasa a
explorar matices refrescantes de tendencia introspectiva, una actitud que se
resalta peculiarmente en el cierre del piano. "Intangible", el tema siguiente,
empieza con un prólogo que se hace eco de la introspección con la que se cerró
la pieza precedente, pero no tarda en reubicarse sobre un compás más
exultante... aunque no precisamente para plasmar un talante optimista, sino más
bien portando una tensa espiritualidad, patentemente emparentada con "Hacia La
Nada" y "Colapso". La pieza de cierre lleva un título tan cínicamente apropiado
como "...Y Ahora Qué?", lo cual nos motiva a preguntarnos: ?qué hay ahora? La
respuesta es: un motivo recurrente de base jazz-rockera con un swing alegre
pero con su optimismo implícito lo suficientemente contenido a fin de que el
lirismo no se vuelva frívolo. Una vez más, el saxo asume un rol crucial en el
destaque de los ambientes sobre el esquema central del perpetuo viaje musical
en el que se embarca el grupo.
Ésta fue la experiencia íntegra y completa con el disco "Enjambre Sísmico", una
obra que destila ingenio, solvencia técnica y múltiples formas de energía
musical por todos sus poros. Ábrete Gandul se confirma como un referente
imprescindible de la vanguardia progresiva chilena del nuevo milenio. En pocas
palabras=85 !!un gran disco de un gran grupo!!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: GRAN TURISMO VELOCE: "Di Carne, Di Anima" (2011)
GRAN TURISMO VELOCE: "Di Carne, Di Anima" (2011)
Temas
1. Anec Retrorsum (0:22)
2. Sorgente Sonora (4:16)
3. Misera Venere (5:19)
4. Quantocámia (7:36)
5. L'Artista (4:30)
6. L'Estremo Viaggiatore (4:40)
7. La Paura (4:55)
8. Misera Venere (Reprise) (3:34)
9. L'Indice E l'Occhio (8:32)
Integrantes:
- Claudio Filippeschi: voz, piano, teclados
- Flavio Timpanaro: bajo, pedales Moog Taurus, coros
- Stefano Magini: batería
- Massimo Dolce: guitarras, efectos, programación de loops
Colaborador - Matteo Breschi (flauta en 8)
Formado en 2008 en la localidad de Grosseto (Toscana), el cuarteto italiano
Gran Turismo Veloce brinda una peculiar propuesta progresiva donde se combinan
y alternan con fácil fluidez estándares clásicos y recientes del rock
artístico: el repertorio de su disco debut "Di Carne, Di Anima" incluye
aspectos estilizadamente melódicos propios del sinfonismo italiano, atmósferas
envolventes floydianas amalgamadas con recursos musculares a lo Porcupine Tree,
ambientes de raíz neo-prog, manejos de electrónica pop-psicodélica a lo
Radiohead, también algunos aires de familia con la inflada solemnidad propia de
varios referentes retro-sinfónicos de los últimos 15 años. O sea, Gran Turismo
Veloce forja su estilo sobre la pretensión de sintetizar pautas del progresivo
de vieja escuela, desarrollos más recientes de los 80s y recursos de claras
consonancias contemporáneas.
"Sorgente Sonora" comienza con una base escalas de piano para que, a partir de
ahí, el cuerpo central (alternando compases de 5/4 y 6/4) desarrolle una
atractiva recreación de sinfonismo revestido de texturas psicodélicas
moderadamente pesadas. El tema final sirve para que el grupo aumente la
vibración rockera del momento, una idea muy rara en tanto que el teclado emula
momentáneamente al acordeón, pero funciona muy bien. Los siguientes 5 minutos y
pico están ocupados por "Misera Venere", tema que porta un aire un poco más
introvertido, cercano en algo al Porcupine Tree de la etapa "Stupid Dream" y al
Pink Floyd post-Waters, pero con una garra menos llena, centrándose más en la
inquietud por elaborar una aureola de magnificencia en torno al tenor
contemplativo en curso. A continuación viene "Quantocámia", pieza que cumple
con la misión asignada de estrenar la expresividad de la faceta más fastuosa de
la banda: con un esquema sónico donde confluyen los estándares de RPWL,
Karmacanic, el Camel 90ero y el último Finisterre (el de "La Meccanica
Naturale"), Gran Turismo Veloce organiza un excitante viaje instrumental que
comienza explayándose sobre un exultante tempo de 3/4, luego vira hacia un
ambiente reposado donde inicialmente florece un solitario piano eléctrico y
posteriormente emerge el ensamble completo bajo el liderazgo de una guitarra
solista muy a lo Latimer, para finalmente completar la idea con una pomposidad
solemne que nos es habitual hallar tanto en las ofertas neo-progresivas
continentales del nuevo milenio como en el retro-prog, cerrando finalmente con
una coda donde se cita brevemente el primer motivo. Este instrumental puede ser
percibido instantáneamente como un cénit seguro y decisivo del disco. Con
"L"Artista", la banda regresa a su faceta más introspectiva con su peculiar
manera de reciclar el sonido de unos Marillion (post-"Marbles")
radioheadizados: nada especial en cuanto a lo estrictamente compositivo, pero
con unos interesantes efectos de ruidos callejeros en medio que ayudan a darle
un cierto aire desquiciado al asunto reflexivo. Las cosas cambian drásticamente
con "L'Estremo Viaggiatore", pieza que alterna pasajes marcados por riffs
prog-metaleros con otros más cálidos, armados con la sencillez propia de un
medio tiempo neo: una vez más, la irrupción momentánea de una atmósfera
inesperada en el intermedio logra reformular la experiencia de modo muy
efectivo. "La Paura" retoma una vez más el aura del Radiohead cibernético en
combinación con una vibración rockera de inspiración space-rockera que aporta
una moderada densidad a la bien definida y no muy compleja estructura melódica
de la canción. Los siguientes 3 minutos y medio del álbum están ocupados por el
reprise de "Misera Venere", pieza absorbida por una cadencia melancólica que
toma el último motivo del primer "Misera Venere" y la brinda una aureola
envolvente, a veces alimentada de ornamentos psicodélicos calculadamente
suavizados. Este tema y el anterior me hacen recordar un poco a Röhmer, uno de
esos tantos proyectos italianos de Zuffanti. "L'Indice E l'Occhio", que con sus
8 1/2 minutos de duración es la pieza más larga del álbum, está a cargo de
cerrarlo con un aire de estilizada grandilocuencia que recibe ciertas herencias
del BMS de "Canto Di Primavera" y el Le Orme de los últimos años, explotando su
sencillo motivo básico con soltura y elegancia, sin caer ni en la pesadez ni en
la languidez, por el contrario, manteniendo su vibración reflexiva de forma
ecuánime. Segundo y final cénit del disco.
Todo esto fue la experiencia de "De Anima, De Carne", disco que pone a Gran
Turismo Veloce en el gran mapa mundial del rock progresivo: cabe resaltar, como
punto final, que este ítem viene siendo ampliamente elogiado en las redes
especializadas en la difusión del género progresivo y afines.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Rock In Opposition 2011
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Ya está todo listo para el Rock In Opposition Event 2011.
El cartel del festival es como sigue.-
16 of seiembre
Christian Vander solo (Francia)
Aranis / Present / Univers Zero BAB Once upon a time in Belgium. BB
(Bélgica/Francia/EE.UU.)
17 de setiembre
Yugen (Italia)
Gargantua (Polonia)
Panzerballett (Alemania)
Jack Dupon (Francia)
18 de setiembre
Vialka (Francia)
Grumpf Quartet (Francia)
Alamaailman Vasarat (Finlandia)
Arno (Bélgica)
Además de conciertos, habrá happenings, estantes de ventas de discos y sesiones
de encuentros con fans y/o ruedas de prensa. El cronograma de encuenstros y /o
ruedas de prensa es como sigue.-
- UNIVERS ZERO / PRESENT / ARANIS / 17 set / 14.15
- YUGEN / 17 set / 16.45
- GARGANTUA / 17 set / 19.30
- PANZERBALLETT / 17 set / 22.15
- JACK DUPON / 17 set / 23.00
- VIALKA / 18 set / 15.15
- GRUMPF QUARTET / 18 set / 17.00
- ALAMAAILMAN VASARAT / 18 set / 19.00
- ARNO / 18 set / 23.00 (por confirmarse)
Más información en http://www.rocktime.org/rio
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: JAIME ROSAS - "Flashback" (2011)
JAIME ROSAS: "Flashback" (2011)
Temas
1.- Primera Luz (20:35)
2.- El Principio Del Ritmo (5:38)
3.- Buenos Momentos (4:26)
4.- Lejos (5:02)
5.- Memoria (6:32)
6.- Flashback (10:36)
Jaime Rosas: sintetizadores, piano, órgano Hammond y programaciones
Colaboradores - Coke Cruz (batería en 1), Rodrigo Godoy (bajo en 1, voz,
guitarras y bajo en 4), Jaime Scalpello (voz en 1), Ricardo Henríquez (bajo en
2, 3), Nico Figueroa (guitarras en 2), Javier Sepúlveda (guitarras en 3),
Alejandro de la Cuadra (batería en 3), Pato Martín (batería en 5), Ignacio Ruiz
(guitarras y bajo en 5)
Tras más de dos años de trabajo retomando y reciclando viejas ideas a la par
que iba germinando, forjando y concluyendo otras nuevas, el virtuoso y
perfeccionista teclista chileno Jaime Rosas vuelve a dar una nueva muestra
cabal de su talento y energía con "Flashback", su cuarto trabajo solista de
estudio. Este disco disfruta en buena medida del impulso otorgado por el
vitamínico y versátil tercer disco "Creciendo", labrado por el Jaime Rosas
Cuarteto. Para "Flashback", en perfecta coherencia con la idea general de
repaso del lugar propio dentro del entorno musical desarrollado durante años y
años, Jaime Rosas vuelve a operar estrictamente como solista acompañado de
invitados de turno. Acabo de señalar hace un rato que "Flashback" tiene una
cierta conexión con "Creciendo", pero también es justo matizar que este nuevo
disco cuenta con una personalidad propia bien afianzada, e incluso contiene una
mayor dosis de colorido en la paleta de sonidos y estrategias estilísticas
abarcadas en su repertorio, eso sí, siempre dentro de una coherencia musical
bien definida: unidad en la heterogeneidad.
Siendo el tema que abre el disco una suite progresiva de más de 20 minutos de
duración, queda clara la decisión de Rosas de poner toda la carne progresiva en
el asador desde el punto de arranque. Dando rienda suelta a sus influencias
emersoniano-wakemanianas con un punche sólido y contundente que tiene mucho que
ver con el sinfonismo ultra-barroco de las últimas décadas practicado por
nombres como Pär Lindh Project y Gerard, los primeros tres minutos son ocupados
por un vendaval fastuoso bien sostenido por la dupla rítmica. La siguiente fase
tiene un aura mucho más calmada, siendo así que la fastuosidad en curso se
torna introspectiva aunque para nada carente de punche: hablé de calma, no de
languidez. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto, la calma cede
paso a un nuevo momento de fuerza explícita, esta vez al ritmo de blues-rock
pero con las lógicas florituras del sintetizador que aseguran el ambiente
sinfónico a buen recaudo: este momento es en realidad un puente hacia una serie
de pasajes más trepidantes, los cuales sí son muy semejantes en espíritu al
motivo inicial=85 y las florituras siguen llenando espacio en su perfecta
combinación de solvencia técnica y buen gusto. En el minuto 10 pasamos a una
sección reflexiva y solemne, donde el canto de Scalpello pone voz al misticismo
patente en las armonías de piano y las etéreas orquestaciones de teclado. La
irrupción de un interludio extrovertido sirve principalmente para realzar el
misticismo bajo una nueva luz por un momento, no como contraste; el contraste
propiamente dicho llega al finalizar la parte cantada, con una retoma de la
contundencia electrizante dispuesta para redondear la idea para los últimos 5
minutos. "El Principio Del Ritmo" es un animal de otra fauna: un ejercicio de
jazz suave donde se explora una cadencia tranquila con suma elegancia, siendo
así que en algunos momentos de producen unos interesantes intercambio de piano
y guitarra guiados por un refinadísimo sentido de la sutileza. Y si de seguir
cambiando de fauna se trata, entonces el momento es más que propicio para el
surgimiento de una pieza como "Buenos Momentos", la cual encaja de lleno con el
estándar de Jaime Rosas en su faceta más extrovertida, sinfonismo incendiario
en posición "borderline" con el paradigma del prog-metal. Gustosamente comparte
protagonismo Rosas con el guitarrista Javier Sepúlveda en los pasajes más
fieros, pero la atmósfera predominante es la de una "orquesta wagneriana"
traducida al lenguaje del rock: en esto último, podemos hallar ciertas
reminiscencias de sus propias composiciones épicas dentro del modus operandi de
Entrance.
"Lejos" es una vieja composición que Rosas rescata para la ocasión: se trata de
une balada que aparentemente tiene el potencial de una típica power-ballad,
pero que el autor, en colaboración con su colega Rodrigo Godoy, reelabora como
balada envolvente donde el sinfonismo se manifiesta en su expresión más etérea,
con algunos matices fusionescos en el intermedio que añaden algunas
interesantes variantes en la cadencia general de la canción. Si "Buenos
Momentos" se emparentaba con las aventuras más incendiarias del anterior álbum
"Creciendo", "Lejos" se conecta con los momentos más intimistas del mismo.
"Memoria" es otro tema rescatado de los viejos tiempos, y de hecho data del
tiempo en que Rosas debutó en el mundillo del rock con un grupo llamado Iron
Will: "Memoria" es una power-ballad instrumental hecha bajo el modelo de las
piezas lentas de Joe Satriani y Steve Vai, y de hecho, Rosas se mantiene fiel a
la idea original para dejar que el guitarrista de turno (Ignacio Ruiz) ocupe
inamoviblemente el lugar central. Los últimos 10 minutos y medio del álbum
están ocupados por la pieza homónima, la cual epitomiza grandemente el concepto
de tributo al rock progresivo. Con un prólogo cuyo lienzo consiste en una serie
de minimalistas capas de teclado y cuyos retazos consisten en extractos breves
de clásicos compuestos por ELP, Genesis, Yes, Los Jaivas y otros, el primer
motivo se instala dentro de un esquema donde lo vangelisiano y lo floydiano se
enlazan para marcar a través de un cogobierno el paisaje de una reflexión
cósmica. El segundo motivo se explaya en un aire hard-rockero que nos remite a
Deep Purple con algo del UK de la etapa "Danger Money", no por mucho tiempo en
verdad, porque no tarda en emerger un tercer motivo donde la pieza vira hacia
esa área continuamente explorada por Rosas, la confluencia entre la obsesiva
estilización barroca de Wakeman y el nervio aguerrido emersoniano. Esta sección
es la última, y su fade-out desemboca en un arreglo cibernético a lo
Jean-Michel Jarre, además de una coda donde nuestro héroe despierta enojado por
el ruido del despertador=85 !y lo rompe! ?Una alusión satírica al personaje
Pink mientras rompía su multitud de televisores en uno de sus tantos momentos
de demencia rabiosa en "The Wall"? Posiblemente sí, pues la clave de humor ha
sido uno de los elementos esenciales de esta pieza en su concepto integral. Una
manera muy ocurrente de concluir este disco: justamente con una pieza que
individualmente recapitula la unidad en la heterogeneidad que mencionamos en el
primer párrafo.
"Flashback" es, como balance general, una obra que confirma el sitial que tiene
Jaime Rosas como figura central de los teclados dentro del circuito progresivo
sudamericano. !Muy recomendable!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: falleció Mac (ex-Threshold)
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Y la Diosa Muerte sigue imponiendo su aleatoria voluntad sobre la
humanidad.
En el caso específico del rock progresivo, su nuevo invitado eterno ha sido
Andrew McDermott, más conocido como Mac, quien tuvo su mayor gloria como
cantante de la banda británica THRESHOLD. Él falleció el pasado miércoles 3 de
agosto, después de pasar por una larga temporada de dolorosos problemas de
salud: solo tenía 45 años de edad.
McDermott pasó sus primeros años cantando en clubs y pubs ingleses antes de
mudarse a Alemania, donde se unió a la banda SARGANT FURY. Este grupo se
separó, después de registrar tres discos, en 1998, tiempo en el que McDermott
se unió a THRESHOLD para el álbum "Hypothetical", el cual es considerado por
muchos como una obra cumbre de la banda en cuestión. Actualmente, Damian
Wilson, el hombre a quien Mac reemplazó, ocupa de nuevo el rol de vocalista, a
poco de lanzado al mercado el álbum "Dead Reckoning".
La aventura más reciente de Mac estaba teniendo lugar en el proyecto SWAMP
FREAKS, el cual asumía la posición de reciclar y fundir el heavy clásico de los
70s, la anarquía emocional del grunge 90ero y algo de punk-rock. El perfil de
Facebook del sussodicho proyecto está en
http://www.facebook.com/pages/Swamp-Freaks/159346867039?sk:wall
Gracias a Mac por todo lo que aportó al mundo del rock, especialmente a
quienes valoramos la obra de THRESHOLD. Aquí van tres tubitos con sendos temas
del disco "Hypothetical".-
Light and space: http://www.youtube.com/watch?v:ys3bcpRToRA
Turn on, tune in: http://www.youtube.com/watch?v:kcLDf4R2peg
Narcissus: http://www.youtube.com/watch?v:P_pKdXzH4fE
!Gracias por la música, Mac!
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