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La caja de musica Number 0962
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #962 agosto 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* murió Mirtha Defilpo
* Ands Or Dogs (2011)
* Música Para Pantallas Vacías?
* HUMUS - "Happy Days Ahead" (2011)
* murió "Bam Bam" Miranda, percusionista peruano
* TRAUMPFAD - "Aufbruch" (2011)
* R.I.P. Ron van Eck, de Supersister
* AHLEUCHATISTAS - "Location Location" (2011)
* Gigantes 53
* Versus Five - "The Paths behind music" (2009)
* Senogul : III (2011)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: murió Mirtha Defilpo
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Hace unos días falleció la poetisa y músico argentina Mirtha Defilpo. Entre
otras cosas, ella fue la persona encargada de las letras en la trilogía de
Litto Nebbia "Fuera Del Cielo", "El Bazar De Los Milagros" y "El Vendedor De
Promesas", dedicadas a investigaciones de sonoridades progresivas y
jazz-fusión, así como del álbum "Meloepa", todo un clásico de la extensa y
polivalente trayectoria de este icono del rock argentino.
Una nota publicada en el diario "Clarín" el día 26 de julio último dice.-
" Ayer se supo que había muerto Mirtha Defilpo, poeta, música y letrista. Se
supo porque la noticia circuló en muchos blogs: "digo" fue la palabra elegida.
"Digo que murió". No "anuncio", no "informo". Defilpo había nacido en Córdoba,
en 1944, y murió pocos días antes de cumplir los 67 años, el 11 agosto.
Defilpo, música, grabó un único disco, Canción para perdedores (1976) y de las
letras de "Melopea", de Lito Nebbia, con quien además estuvo casada. Sobre su
"Canción..., en una entrevista, dijo: "Simplemente quería poner los acentos en
donde yo lo sentía más". Y agregaba: "Yo hago poesía dramática, tomando
dramático como sinónimo de encuentro, hablo de situaciones dolorosas, o bien de
propuestas esforzadas para la felicidad, que creo que es la forma que yo he
elegido para comportarme en este mundo. Creo que nuestro aprendizaje se realiza
a través de las pérdidas". Eso le decía Defilpo a la revista Pelo, en 1977.
Junto a Nebbia grabó otro disco, Toda canción será plegaria, que salió en
México en vinilo y nunca fue reeditado.
En su obra poética, de un tono realista, figuran los libros Después de Darwin
(1983), Malezas (1985), los dos de la editorial Ultimo Reino, y Matices (1991).
Algunos de sus poemas, como "Lo inasible" están publicados en 200 años de
poesía argentina, la antología que editó Alfaguara con selección y prólogo de
Jorge Monteleone. "
Enlace original de la nota:
www.revistaenie.clarin.com/literatura/Adios-poeta-Mirtha-Defilpo_0_524347762.html
Ahora ella completó el milagro de su vida más allá de las promesas para
asentarse dentro del Cielo - gracias por tus imágenes líricas,
Mirtha, descansa en paz.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Ands Or Dogs (2011)
CHEER ACCIDENT: "No Ifs, Ands Or Dogs" (2011)
Temas
1. Drag You Down (4:33)
2. Trial Of Error (4:34)
3. This Is The New That (4:59)
4. Pre-Somnia (1:27)
5. Sleep (3:48)
6. Barely Breathing (3:18)
7. Life In Pollyana (3:20)
8. Death By Pollyanna (3:22)
9. Drug You Down (0:44)
10. Salad Dies (4:09)
11. Post-Somnia (1:11)
12. Cynical Girl (2:13)
13. Go Gaunt Green (0:30)
14. Empty Province (4:42)
15. Provincial Din (5:13)
Integrantes
- Thymme Jones: voz, batería, teclados, bronces, sintetizador,= percusión
- Jeff Libersher: voz, guitarras, teclados, trompeta, bajo
- Alex Perkolup: voz, bajo, guitarra
- D. Bayne: teclados, trombón
- Carmen Armillas: voz
- Andrea Faught: voz, teclados
- Lise Gilly: saxofones
Tras haber instalado una relevante piedra angular de su faceta más experimental
con "Introducing Lemon" (del año 2003), y más tarde desarrollar una versión más
colorida de la misma en "Fear Draws Misfortune" (de hace 2 años), la misión de
la banda estadounidense Cheer-Accident era la de mantener el momentum y la
frescura en el esquema sonoro de sus aventuras por áreas del progresivo de
vanguardia dentro de su bien enraizado rock razonablemente ecléctico. En este
sentido, su nuevo trabajo fonográfico "No Ifs, Ands Or Dogs" era como una
pequeña "prueba de fuego". ?Y cómo resultó esta ordalía específica? Pues
bastante exitosa, por lo que se puede comprobar a partir de lo escuchado. El
trío básico de Thyme Jones, Jeff Libersher y Alex Perkolup se rodea de una
amalgama sonora de teclados y bronces que llena espacios y aporta matices
enriquecedores en momentos clave, pero queda claro que Cheer-Accident no quiere
instalarse en la esencia del chamber-rock, sino empaparse de él al modo en que
le caen gotas de rocío, mientras dosifica las reglas de juego del RIO que
quiere utilizar para expresar su sentido de la aventura.
"Drag You Down" abre el disco con una canción muy ganchera en base a un riff
básico y un compás semi-funky bastante llamativos, aunque los ornamentos de
metales y los sutiles matices arábigos de la línea vocal añaden una conveniente
rareza al asunto. "Trial Of Error" cambia totalmente registro hacia una suerte
de RIO a-lo-Art Bears semi-tecnificado al modo de Jaga Jazzist y algún
ocasional toque kraut a lo Faust: un híbrido que resulta en una exhibición ágil
de tensión, una manifestación exquisita de inquietud. "This Is The New That" se
engarza al tema precedente para seguir explorando y ahondando en la tensión
presente, trasladándolo hacia sonoridades más orgánicas y una estructura
rítmica más compleja, ahora sí en mayor cercanía hacia los patrones
oscurantistas de Present y la tensión lúdica de 5"UUs. El guitarreo resulta
especialmente vital en este ejercicio de opresión emocional y desafío mental,
un elemento recurrente en la ideología anti-aburguesada del rock in opposition.
Es en este estado de cosas que se da la secuencia de "Pre-Somnia", "Sleep" y
"Barely Breathing". El primero es un preludio dirigido por densas capas de
guitarra a las cuales pronto se une el ensamble íntegro, para que luego el
segundo capitalice la atmósfera resultante de una manera extrovertida,
asentando así una directa afinidad con varios de los momentos más coloridos de
los dos álbumes precedentes de la banda; finalmente, "Barely Breathing" retoma
el estándar de la psicodelia surf en lo que parece un homenaje a la faceta más
experimental de los Beach Boys, no exento de cierto humorismo a lo Zappa. La
dupla de "Life In Pollyana" y "Death By Pollyanna" comienza con un ejercicio de
RIO colorido (al modo de una cruza entre "Drag You Down" y "This Is The New
That") y termina con un viaje musical arquitectónico que ciertamente acusa
cierto influjo de la psicodelia crimsoniana, aunque los aires de familia se
relacionan más generalmente con Thinking Plague. El breve tema "Drug You Down"
consiste en un arreglo coral reciclado a partir del tema de apertura sobre un
jam rockero de corte no-wave, un curioso prólogo a "Salad Dies", poderosa pieza
instrumental que establece un macizo híbrido del King Crimson 73-74 y el
Present clásico. "Post-Somnia" es un interludio con tufillo math-rock, el cual
abre la puerta para otro homenaje al pop tradicional, esta vez en base a la
psicodelia beat: "Cynical Girl", un delicioso híbrido de Motown con The Beatles
de la etapa 66-68. Los últimos 10 minutos del álbum están ocupados por la
tríada de "Go Gaunt Green", "Empty Province" y "Provincial Din". El primero es
un prólogo marcado por una elegante fanfarria de corte canterburiano (al modo
de la big band de Keith Tippett), contrastado con la densidad grisácea y
vitalista de "Empty Province", pieza muy afín a los estándares de Thinking
Plague y 5"Uus, así como a la tradición de Art Bears, manejando muy bien los
tiempos de consonancia y los de explosividad; finalmente, "Provincial Din" se
encarga de tomar la posta de la tensión articulada de "Empty Province" y darle
un acento épico merced a la adición de una fastuosa coral, arreglos percusivos
y orquestaciones de teclado, antes de que la coda se proyecte hacia atmósferas
espaciales enraizadas en la psicodelia electrónica de línea krautrock.
En conclusión, tenemos en "No Ifs, Ands Or Dogs" un afianzamiento convincente y
enérgico de Cheer-Accident como un referente importante de la vanguardia
progresiva estadounidense de los últimos años (aún si la banda explícitamente
muestra amplios recelos ante esta etiqueta), pero sin duda que su eclecticismo
basado esencialmente en la confluencia de varias líneas de investigación
progresiva de vanguardia los convierte en portavoces idóneos de inquietudes
sónicas renovadas y revitalizadas. !Sigamos prestando atención a esta banda!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Música Para Pantallas Vacías?
LA MÁQUINA CINEMÁTICA: "Música Para Pantallas Vacías" (2010)
Temas
1. Amigos (Parte 1) (4:06)
2. Amigos (Parte 2) (4:58)
3. Luana (3:44)
4. Intrusos (4:10)
5. Eterno Sábado (2:27)
6. Pesebre (5:48)
7. Anomir (5:47)
Suite
8. Besos (4:29)
9. Abrazos (4:07)
10. Mordiscones (3:38)
11. Candombe Para Los Pájaros (4:16)
12. Media Luna (4:43)
Integrantes
- Exequiel Mantega: piano
- Gustavo Hunt: clarinete
- Patricio Villarejo: cello
- Leonardo Álvarez: batería y percusión
Colaboradores - Ramiro Gallo (violín primero en 1, 2, 6), Sergio Fresco (violín
2do en 1, 2, 6), Paulina Fain (flauta en 1, 2, 6, 8, 9, 10), María Eugenia
Caruncho (oboe en 1, 2, 6), Martín Pantyrer (clarón en 1, 2, 6), Guido Martínez
(bajo en 1, 2, 4, 6), Pedro Rossi (guitarra en 1, 2, 6)
La Máquina Cinemática es la fantástica criatura musical fundada por el pianista
argentino Exequiel Mantega: un ensamble de cámara contemporánea dispuesta para
crear ideas musicales apropiadas como fondos para películas, generada sobre las
bases confluyentes del tango-fusión, la vanguardia jazzera de los 60s y la
tradición del cool jazz, con toques notables de chamber-rock que sirven no para
aportar oscuridad sino para aportar ciertos momentos de tensión que alimentan
el brillante lirismo reinante en el repertorio de la banda. "Música Para
Pantallas Vacías" es el título del disco editado en 2010 que muestra de modo
directo la apuesta estética de parte de La Máquina Cinemática en aras de tender
puentes entre la academia, el jazz y el rock artístico. Repasemos ahora el
repertorio del susodicho disco con detalle.
La serie dual del concepto de "Amigos" muestra de frente el aire de distinguida
sofisticación y el aura de delicada musicalidad que operan como "leyes
fundantes" del paradigma sonoro de La Máquina Cinemática: el cuerpo central de
la Parte 1 se centra en un esquema rítmico que combina 5/4 y 6/4, forjando un
ambiente flotante portador de una fastuosidad sensiblemente calculada, el que
finalmente aterriza en un candoroso ejercicio de calma envolvente; la Parte 2
se mueve en un terreno más introspectivo, donde lo romántico y lo nostálgico se
conjugan en una única motivación solemne que se enfila en su último minuto en
un suave encuadre de jazz de salón. "Luana" prosigue por una senda intimista e
introspectiva similar a la de la pieza anterior, pero el carácter saltarín de
algunos pasajes sirve para aportar algunos recursos de expresividad
extrovertida en medio de la calma prominente. Otra cosa sucede con "Intrusos",
toda una oda a la alegría de vivir cuyo convincente dinamismo en los fraseos de
las maderas y las cuerdas encaja de lo más bien con las escalas del piano, todo
ello dentro de un encuadre rítmico marcado por un vibrante magnetismo. Para
"Eterno Sábado", los aires extrovertidos se tornan extravagantes a partir de un
masivo juego de disonancias enmarcados sobre un compás ágil, eso sí, nada
alarmantes porque el ensamble preserva solventemente su arquitectura sónica
cristalina. "Pesebre" nos traslada de nuevo hacia atmósferas introspectivas,
realzando lo romántico para generar imágenes embriagadoramente emotivas en el
oyente. Cuando la batería entra en acción, el romanticismo básico permanece
pero la cualidad embriagadora es reemplazada por una cadencia coqueta que
aporta un interesante matiz lúdico al asunto. "Anomir" encarna brillantemente
la faceta fusionesca de este ensamble: es realmente un cénit imponente dentro
del esquema global del álbum: el interludio se centra en la interacción entre
piano, cello y clarinete, diseñada para plasmar un aire de serenidad antes de
que el regreso del ensamble completo genere la secuencia de un clímax decisivo
y una coda suavemente evocativa.
Los temas 8-10 conforman una suite tripartita cuyos títulos autónomos sucesivos
de "Besos", "Abrazos" y "Mordiscones" parecen explicarse por sí mismos. ?Y cómo
se desarrolla lo musical en esta trilogía? Veamos. "Besos" alterna matices
sobrios y pasajes juguetones, mientras que "Abrazos" se instala en un viaje de
creciente solemnidad marcado a contrapelo del decreciente ritmo de los oleajes
del piano bajo los cuales flotan el cello y las maderas; finalmente,
"Mordiscones" irrumpe para explayarse solventemente en entusiastas colores y
cadencias abiertamente inspiradas en el tango-fusión, con oportunos ingresos de
elementos disonantes dentro del desarrollo melódico guiado por el clarinete.
Los últimos 9 minutos del disco están ocupados sucesivamente por "Candombe Para
Los Pájaros" y "Media Luna". El primero de estos temas exuda coquetos colores
fusionescos manejados con colosal finura, mientras que el segundo recapitula
varias de las atmósferas que tuvieron presencia en momentos selectos del
repertorio previo, incluso ahondando en el tenor romántico, cuya guía está a
cargo del piano, mientras que la batería y el cello refuerzan la base jazzera
de antigua usanza. Así concluye la experiencia de La Máquina Cinemática, una
experiencia más que recomendable para quienes gustan simple y llanamente de la
música bella y de calidad excelsa.
César Mendoza
[Un agradecimiento a Germán Aurelio Rojas Acosta por sus sugerencias sobre la
apreciación de este hermoso disco]
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: HUMUS - "Happy Days Ahead" (2011)
HUMUS: "Happy Days Ahead" (2011)
Temas
1. Welcome To MMVIII (4:37)
2. News From A Convulsive Truck From Wark (5:45)
3. Not Having It Doesn"t Mean They Don"t Know It (4.12)
4. Way Cookies (4:57)
5. Act Your H (4:36)
6. One Year Old + The Runaround (4:25)
7. What"s The Cure (4:30)
8. Rainflow Before Gloomy Revolution (5:06)
9. Monsterdawp (6:03)
10. Being Paranoid Does Not Mean The Danger Isn"t Real (5:03)
- Jorge Beltrán: guitarras, teclados, sintetizadores, bajo
Colaboradores - John Westminster (batería), Dierk Roshman (teclados en 1-6, 8,
9), Víctor Basurto (bajo en 3 y 5), Audrey, Tim y Mike (voces en 7), Ben
Williams (guitarra solista, bajo, teclados y efectos en 10)
Editado independientemente y difundido a través de iTunes desde fines del
pasado mes de julio, "Happy Days Ahead" es el disco que consigna la vuelta al
ruedo de Humus, el proyecto prog psicodélico solista del mexicano Jorge
Beltrán, después de un periodo de cosecha y siembra que duró entre 2008 y 2011,
siendo así que algunas pistas de base datan del año 2002. Este periodo, por lo
escuchado en el disco antes mencionado, no fue uno donde la creatividad entró
en crisis, pero sí se nota una labor más lenta en la gestación, arreglos y
desarrollo del repertorio de los 10 temas aquí presentes. El conjunto íntegro
del álbum fue grabado en lugares tan diversos como México, Inglaterra, Holanda
y Alemania: esta variedad de lugares es una perfecta metáfora para el
electrizante eclecticismo que se construye y reconstruye continuamente a lo
largo del disco, pero para más detalle, mejor vamos tema por tema.
"Welcome To MMVIII" pone toda la carne en el asador desde el punto de partida:
sonoridades potentes encapsuladas en complejas armazones rítmicas, entramado de
teclados digitales y guitarreos macizos, esquema compositivo equitativamente
heredero del crimsonismo y del chamber-rock sombríamente tenso de la escuela
gala (Univers Zero, Present), todo ello plasmado con un vigor contundentemente
vitalista. "News From A Convulsive Truck From Wark" tiene una primera sección
marcada por la psicodelia heavy alternada con pasajes de rock metálico neto: el
esquema rítmico durante los primeros dos minutos es menos complejo que en la
pieza de apertura, pero esto no es simplicidad sino una exploración concienzuda
de un groove específico, lo cual viene muy bien en este caso. Pero cuando
llegamos a la barrera del segundo minuto, las cosas viran hacia una dimensión
deconstructiva, una segunda sección enredada en un juego dadaísta desafiante,
casi como un Zappa "Henry-cowizado". Una tercera sección irrumpe interrumpiendo
con un nuevo groove rockero llamativo, con un punche semejante al del primer
motivo y un espacio reservado para pirotecnias de guitarra. "Not Having It
Doesn"t Mean They Don"t Know It" es un jam jazz-rockero psicodélico que me
parece situado a medio camino entre la tradición del kraut guitarra-céntrico
(Ash Ra Tempel, Guru Guru) y el patrón más filudo de Djam Karet. "Way Cookies"
comienza en clave de blues-rock, pero la inquietud de Humus marca la pauta
desde el inicio, lo cual explica la continua desestructuración y reconstrucción
de las pautas rítmicas marcadas por la batería y el empleo de continuo de
fraseos disonantes de piano al modo de la cámara contemporánea, siendo así que
la pieza se traduce sucesivamente a los lenguajes de la psicodelia heavy y el
free-jazz a través de una postura dadaísta consistente. "Act Your H" (el título
más gracioso del repertorio) reitera el protagonismo del estándar psicodélico,
pero esta vez retorciéndolo para convertirlo en el revestimiento de una
composición que es esencialmente de corte RIO con matices space-rockeros en sus
pasajes finales. "One Year Old + The Runaround" comienza con un tenor calmado e
intimista, para luego abrirse a través de una sonoridad extrovertida en base a
una apuesta por pasajes oscuros explícitamente sofisticados, llegando
finalmente a una coda en fade-out de ambiente fulguroso. Es una pena que se dé
este fade-out, pues me parece que hubiera resultado interesante ver hacia dónde
podían desembocar esos últimos flujos de la guitarra solista.
Los últimos 20 minutos y pico del disco se inician con el inesperado "What"s
The Cure", tema de base hip-hop donde el solo jazzeado de guitarra, cerca del
final, le da un cariz "artsy". "Rainflow Before Gloomy Revolution" comienza con
un talante jazz-rockero relativamente calmado, para luego virar en su segunda
mitad hacia un despliegue de variantes progresivas bastante filudas, mayormente
con reminiscencias crimsonianas, aunque también con algunos ornamentos
space-rockeros coherentemente insertos dentro de una musicalidad que inunda el
ambiente sin desbordarse. "Monsterdawp" adopta una actitud distinta en torno al
nervio rockero, lo muestra desde el punto de partida sin tapujos de ninguna
clase, con una solidez heavy administrada con buen pulso a través de las
complejidades inherentes a la ilación compositiva: los virajes de motivos y
ambientes y los usos de compases rítmicos inusuales están a la orden del día
mientras el contundente magnetismo rockero se preserva consistentemente. Los
últimos 5 minutos del album están ocupados por "Being Paranoid Does Not Mean
The Danger Isn"t Real", tema donde Beltrán deja que el invitado especial Ben
Williams (miembro del grupo What Acid Does) asuma el rol protagónico: la pieza
se conduce a través de una robusta amalgama donde el jazz-rock y la psicodelia
heavy se hermanan en una simbiosis tan enérgica como inquietante, siendo así
que las capas y adornos de teclado colaboran a la hora de aportar un matiz
siniestramente claustrofóbico en algunos pasajes. Agresión y estilización
convertidas en una sola fuente sónica. De esta manera concluye la experiencia
de "Happy Days Ahead", un disco diseñado para dar gratificación y felicidad a
los seguidores de la trayectoria de Humus en particular y a los amantes de las
versiones más filudas del rock progresivo en general. !Bien por Jorge Beltrán!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: murió "Bam Bam" Miranda, percusionista peruano
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El percusionista peruano Miguel Ángel "Bam Bam" Miranda (hermano del vientista
Manuel, conocido en la escena local como "El Señor de los Vientos") falleció
hace poco en la provincia argentina de Córdoba a causa de un ACV. Su carrera se
focalizó preferentemente hacia el jazz-fusión, el Latin-jazz y el folklore
criollo sudamericano.
Aquí transcribo una nota publicada en la prensa del país gaucho.-
"El percusionista peruano Miguel Ángel "Bam Bam" Miranda, de 55 años,
integrante de la banda que acompañaba al cordobés Carlos "la Mona" Giménez,
murió este viernes tras sufrir un Accidente Cerebro Vascular (ACV) en pleno
recital.
En pleno recital "Bam Bam" Miranda se desmayó sobre el escenario del Teatro del
Libertador donde actuaba con su banda Guarango, en el marco de la función de la
gala homenaje al 190 aniversario de la independencia de Perú. El músico tuvo
que ser atendido por un servicio de emergencias, que le diagnosticó un paro
cardiorrespiratorio y fue trasladado al Hospital Rawson y luego al Córdoba,
donde horas más tarde murió.
El director del centro asistencial, Carlos Simon, dijo que el músico "sufrió un
accidente cerebro vascular hemorrágico a partir de un aneurisma que se rompió
espontáneamente y se le acumuló mucha sangre en el cerebro".
Fuente argentina: http://www.lanacion.com.ar/1393451-murio-bam-bam-miranda
También la prensa peruana se hizo eco de esta triste noticia.-
"El célebre percusionista peruano Miguel Ángel Miranda, conocido en el mundo
musical como "Bam Bam", murió el viernes a causa de una hemorragia cerebral en
la provincia argentina de Córdoba. Según indicaron medios de ese país, la
hemorragia del artista de 55 años se produjo la noche del jueves, mientras este
se encontraba tocando el cajón en un espectáculo, junto a su banda Guarango,
con la que celebraban el 190 aniversario de la independencia del Perú.
"La gente que estaba en el teatro se sorprendió y algunos médicos que estaban
presentes entre el público se acercaron para asistirlo. La ambulancia tardó
cerca de 25 minutos en llegar", dijo Jorge Moreno, amigo del percusionista, en
declaraciones recogidas por el diario "La Voz" de Córdoba.
Carlos Simons, director del hospital Córdoba, donde fue internado de emergencia
en estado inconsciente, contó a la agencia de noticias AFP que Miranda "sufrió
una hemorragia cerebral masiva sin posibilidad de recuperación". El estado del
artista era muy grave y el pronóstico no era alentador, agregó el funcionario.
MAESTRO DE LA PERCUSIÓN
Miembro de una familia de músicos, Miranda nació en Lima el 11 de junio de 1956
e incursionó en la percusión desde niño. Su talento para estos instrumentos lo
llevó a tocar con artistas como Chabuca Granda, Tania Libertad, el brasileño
Djavan y los argentinos Alejandro Lerner, Los Nocheros y las bandas de rock
argentino Divididos y Bersuit Vergarabat.
El último artista con el que trabajó fue Carlos "La Mona" Jiménez, el famoso
cantante del cuarteto cordobés. Varios medios argentinos han lamentado la
muerte del músico que vivía desde hace casi 20 años en esa nación. "
Fuente: http://elcomercio.pe/impresa/pdf/1312088400/ECCU310711c07/
Siempre está la vida allí constantemente recordándonos que ella no está a
laventa para ninguno, y que solo nos queda hacer lo más y lo mejor que podamos
durante el tiempo de alquiler que nos otorga el "ajedrez del destino". Bam Bam
Miranda cumplió con su misión en el arte musical.
!Gracias, Maestro!
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TRAUMPFAD - "Aufbruch" (2011)
TRAUMPFAD: "Aufbruch" (2011)
Temas
01. Sol (8:16)
02. Vergebung (2:57)
03. Die Reise (7:14)
04. Angstfabrik (4:06)
05. Zu Viel (3:43)
06. Vater Und Sohn (3:41)
07. Der Neue Weg (5:06)
08. Der 100. Affe (3:29)
09. Winterschlaf (12:13)
10. Zwei Seelen (7:21)
11. Octopussy Aether [bonus track] (11:01)
Integrantes:
- Flo Huber: voz
- Matthias Unterhuber: teclados
- Marco Effenberger: guitarras
- Jonny Fagetter: bajo
- Andi Brandl: batería
Colaboradora - Anja Lange (voz)
Los referentes principales de esta banda a la hora de perfilar sus propios
márgenes musicales son Eloy, Novalis, el Grobschnitt de la etapa "Rockpommel"s
Land" (campeones del space-rock sinfónico germano), Nektar, así como el heavy
prog paradigmático de Trettioariga Kriget, además de asimilar algunos
aditamentos estilísticos inspirados en los estándares más pomposos del
retro-prog (Karmacanic, el Kaipa del nuevo milenio), el neo a lo Arena y el
prog-metal melódico que impera en varias áreas continentales, y cómo no, la
tradición del rock duro melódico de corte Uriah Heep.
"Sol" abre el disco con 8 minutos y pico de refinado desarrollo melódico sobre
un esquema rítmico que alterna ciertas variaciones de compás, logrando así
crear una sensación de mesurada sofisticación: el ensamble se porta bastante
bien a la hora de añadir ciertas cadencias de influencia prog-metalera en
algunos pasajes (a lo Vanden Plas, tal vez), sin por ello romper el prístino
esquema sinfónico que se sostiene sobre una encrucijada entre Novalis,
Trettoariga Kriget y el Wakeman más rockero. Después de esta exhibición de
punche cuidadosamente estilizado, "Vergebung" se proyecta hacia atmósferas más
calmadas que son llevadas con una sobria ceremoniosidad, siempre fiel a los
referentes principales de la banda. Su brevedad sirve para que opere como
preludio a "Die Reise", pieza que abre un nuevo surco de ambiciosa expansión
melódica: la actitud esta vez es de ir al punto, explorar el filo rockero del
motivo central manteniendo un nivel constante de polenta, una actitud no muy
distinta de la que otrora empleaba el grupo estadounidense Cairo, aunque
también cabe notar afinidades con Uriah Heep. La secuencia de "Angstfabrik" y
"Zu Viel" y se encargan de preservar el vigor con consistencia y gancho: el
primero con un ritmo cañero, el segundo con una pauta rítmica más sincopada de
corte semi-funky, ambos pudiendo bien definirse como Uriah Heep
prog-metalizado. Por su lado, "Vater Und Sohn" es una dulce balada sinfónica
que se emparenta con el Eloy de "Colors", un momento de respiro relajante e
introspectivo antes de que "Der Neue Weg" recapitule la muscularidad magnética
de los temas 4 y 5, traduciéndola con una sofisticación progresiva más
explícita, como sucedió con "Sol", aunque sin igualar su magnificencia. Eso sí,
su punche es reminiscente de Trettioariga Kriget.
"Der 100. Affe" sigue por un camino similar al de "Der Neue Weg", siendo así
que su compás más contenido le permite proponer una atmósfera un poco más
inquietante. Tal vez hubiera resultado interesante explorar su base melódica
más allá de sus 3 BD minutos de duración, pero su función asignada es la de
preparar el terreno para la pieza más extensa del álbum, "Winterschlaf". La
pieza retoma buena parte de la magnificencia progresiva que marcó anteriormente
a "Sol" y "Der Neue Weg", aunque con un manejo más mesurado del punche rockero
(patente todavía) y un uso de compases y cadencias no muy frenéticas: suena a
una partitura perdida de Eloy de sus tiempos del "Silent Cries And Mighty
Echoes" retomada por un combo de músicos de Karmacanic y Vanden Plas. Cabe
destacar la estupenda confluencia que realiza el teclista Matthias Unterhuber
con su arsenal entre los barroquismos de Wakeman y la majestuosidad etérea de
Detlev Schmidtchen. Para los últimos minutos, la dupla de Jonny Fagetter y Andi
Brandl rítmica eleva la intensidad de la bien instalada estructura rítmica de
la pieza, logrando así crear un efectivo clímax sin trastocar mayormente el
timbre esencial de su núcleo compositivo. "Zwei Seelen" cierra el disco con un
discurso muy a lo Arena (post-"The Visitor") con matices de Karmacanic y
Sylvan, ostentando su bien lograda estilización de una forma ceremoniosa. Los
no muy dramáticos virajes de motivos y ritmos son manejados con soltura y
fluidez, logrando así tender un puente entre lo pomposo y lo introspectivo, o
en otras palabras, una síntesis de las mejores cualidades netamente progresivas
de la banda. El disco concluye con un bonus track de 11 minutos de duración:
"Octopussy Aether". Se trata de un viaje instrumental de muy alto vuelo, el
cual da espacio preferente a atmósferas medianamente reposadas, pero también
dando cabida a variaciones a lo largo del camino donde la intensidad y el
punche abren caminos para parajes más explosivos, siempre con una tendencia
clara hacia la contención. Parece mentira que esta pieza haya sido considerada
como un apéndice para el álbum: sus resabios a Nektar, Novalis y añadidos
sinfónicos de cariz yessiano la hacían totalmente idónea para añadirle letra e
integrarla dentro del esquema del repertorio oficial del álbum. Bueno, las
cosas son como son y, yendo al grano, es justo concluir que Traumpfad ha hecho
un ingreso muy interesante en el terreno del rock progresivo sinfónico de
nuestros días. "Aufbruch" es un disco que no decepcionará a los amantes más
recalcitrantes del paradigma sinfónico europeo de los viejos años 70s, ni
tampoco a los que siguen con interés la evolución de las iniciativas retro-prog
desde lso tiempos del revival 90ero.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: R.I.P. Ron van Eck, de Supersister
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA
Hay que lamentar una nueva muerte en el mundo progresivo, la segunda en el
hogar de SUPERSISTER. esta vez le tocó al bajista Ron van Eck partir al lugar
donde se descansa en paz. Aquí transcribo el triste mensaje emitido por los
portavoces oficiales de SUPERSISTER.-
"Desde el 20 de julio por la mañana, nuestro querido amigo el bajista Ron van
Eck ya no está entre nosotors. Tras varios años de luchar fuertemente con sus
problemas de salud, su cuerpo simplemente se rindió al final - el final llegó.
El final de sus arduos y pacientes esfuerzos por recuperarsem, que incluso lo
llevaron un día a ponerse a tocar el bajo otra vez. SUPERSISTER empezó a
ensayos - con la debida cautela - con la espranza de poder participar en el
Nearfest "11 después de haber tocado en un show telvisivo en setiembre de 2010.
Desafortunadamente, tuvimos que cancelar todo esto poco después: Ron sufrió
repentinamente una fuerte recaída. Parecía que Ron tenía que pasar por todo ese
proceso de recuperación de nuevo... !y lo hizo!, con muchísima valentía, pero
ahora sabemos, seis meses después, que fue en vano=85
Ron fue el arquitecto y filósofo de SUPERSISTER - sin él, la banda hubiera sido
algo completamente distinto, tanto en lo musical como en el mensaje de las
letras. Nostors lo extrañaremos profundamente, de hecho, él fue un querido
amigo y colega musical con quien pasamos por muchas etapas de la vida.
Adiós, Ron, gracias por todas tus notas, palabras, ideas... !nuestro Gigante
Rojo!"
Por mi parte, gracias Maestro Van eck por la música: mi primer encuentro con la
música de SUPERSISTER fue a través de un vinilo de segunda mano (en muy buen
estado) de "To The Highe$t Bidder", un gran bautizo de fuego de Canterbury
hecho fuera de Canterbury, un testimonio claro del aporte importante que este
músico dio al desarrollo del género progresivo en Holanda y el afianzamiento de
la vertiente jazzera del género en la escena continental.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: AHLEUCHATISTAS - "Location Location" (2011)
AHLEUCHATISTAS: "Location Location" (2011)
Temas
1. Waterboarding (5:33)
2. A Little Effort Goes Away (4:18)
3. No Sleep (3:57)
4. Heraclitean (5:34)
5. Channel Zero (7:11)
6. Second Self (3:56)
7. Mistaken Identity (3:37)
8. Blind Way (1:56)
9. Israel (6:31)
10. Our National Anthem (2:39)
Integrantes:
- Shane Perlowin: guitarras
- Ryan Oslance: batería
Ahleuchatistas es ya toda una leyenda viviente dentro del math-rock que surgió
hace dos decenios y se sigue desarrollando en la vanguardia rockera
estadounidense desde inicios del milenio. Al igual que sus también veteranos
compatriotas de Don Caballero y Upsilon Acrux, este grupo encarna un punto de
referencia especial dentro de las variantes y bifurcaciones de las que el
math-rock se ha nutrido para mantenerse vigente como una iniciativa interesante
dentro del rock experimental de nuestros días. El enfoque sónico que perpetra
Ahleuchatistas confluye, en cuanto a rudeza y filo instrumental, con el de
otras bandas notables como Giraffes? Giraffes! y Oxes. Esta banda se fundó a
fines de 2002 en la localidad de Asheville (Carolina del Norte) bajo un
permanente esquema de power-trío. La formación clásica de Ahleuchatistas sufrió
a fines de 2009 la partida del bajista Derek Poteat (uno de los miembros
fundadores), ante lo cual el dúo remanente del guitarrista Shane Perlowin y el
baterista Ryan Oslance decidió seguir adelante sin reemplazar el sitial
desierto - "Location Location" es el fruto de esta nueva fase de la banda, una
fase donde el grupo aprovecha la reducción de su formato para explorar sonidos
y esquemas más libres, menos sujetos a las formas que usualmente son
consideradas como imprescindibles cuando se tiene una dupla rítmica completa,
independientemente de si la banda en cuestión tiene miras experimentales o no.
Los primeros 5 BD minutos del álbum están ocupados por "Waterboarding", pieza
que comienza explayándose en una introducción psicodélica radiante de fuerza
telúrica, antes de que el exótico motivo central se asiente en un esquema
recurrente mientras que la frenética batería de Oslance establece contundentes
tamborileos de tendencia tribal. Ya en la segunda mitad se asienta una cadencia
surf que añade matices lúdicos a la neurosis psicodelia reinante. "A Little
Effort Goes Away" baja un poco (no mucho, la verdad) el nivel de extravagancia
para concentrarse en un clima tensamente lúdico donde conviven los aires de
familia con Battles y el desparpajo del Primus clásico: para los últimos 30
segundos se arma una coda caótica muy divertida. Luego sigue la secuencia de
los temas "No Sleep" y "Heraclitean": el primero se concentra por casi 4
minutos en un estudio de abstracciones aleatorias que apelan al tipo de
espiritualidad cósmica propia de la tradición krautrock, mientras que el
segundo establece un enérgico despliegue de neurosis math-rockera no exenta de
excitantes embrujos crimsonianos, especialmente en el desarrollo del clímax
conclusivo. Tenemos aquí un cénit del álbum, y nos preparamos en seguida para
otro ejercicio de música abstracta desde el arribo de "Channel Zero", a la
sazón, el tema más extenso del álbum: "Channel Zero" se orienta claramente
hacia una retoma de las dimensiones cósmicas que ya habían marcado "No Sleep",
siendo así que esta vez el esquema sónico es más minimalista, además que la
labor del baterista, fijada en torno a improvisaciones intensas de carácter
free-jazz, establece un dinamismo persistente capaz de insuflar energía vital a
las sonoridades inescrutables que tienen lugar. Psicodelia libre en su más pura
expresión, misterio vibrante que emite un fuego tan ilógico como orgánicamente
real.
Todavía quedan 18 minutos y pico de "Location Location", y vale anticipar que
no hay ningún segundo de desperdicio en lo que queda, así como tampoco lo hubo
en el repertorio precedente. "Second Self" tiene toda la pinta de ser un cuadro
musical en tributo al primer Neu! con los pinceles de Battles, la paleta de
Fripp-Eno y el lienzo de Sonic Youth: tensión lisérgica enmarcada dentro de una
arquitectura robusta y severa, otro cénit del álbum. "Mistaken Identity" vira
hacia atmósferas más juguetonas, una reconstrucción math-rockera de aires
fusionescos inspiradas en ritmos y texturas nor-africanas y arábigas, no muy
lejanas de las exploraciones de etno-fusión contemporánea que hallamos en los
discos solistas de Tony Levin y Trey Gunn. "Blind Way", en menos de 2 minutos,
brinda un incendiario efluvio de psicodelia free-form en anticipación de
"Israel", tema que se articula en torno a los redobles perpetuamente
arrolladores de Oslance y la capa de soundscapes armada por Perlowin, estando
este último de sumar inteligentes fraseos y solos de línea space-jazz-rockera
(un poco a lo Hillage, con matice de Frith, también). Tercer cénit del álbum y
solo falta el epílogo titulado "Our National Anthem", un breve paraje
deconstructivo "armado de forma cubista", el cual comienza con una sección
cósmica minimalista de tono expectante, luego un puente interrumpe con otro
motivo minimalista, eta vez aterrador al modo de las películas de Lynch, y
finaliza con un alegre pero desconcertante motivo típicamente math-rockero que
incluso parece celebratorio. Un final así de raro es lo que merece esta obra de
artesanía vanguardista gestada por Ahleuchatistas para el presente año 2011,
una banda que sigue adelante en su valiente labor de crear arte musical como
expresión de osadía desafiante: "Location Location" es un disco muy bien
ubicado dentro de las concepciones postmodernistas del concepto de rock.
César Mendoza
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Autor: "Quagliano" <equagliano@gmail.com>
Asunto: Gigantes 53
Amigos:
Para todos quiénes nos extrañaron, un programa a la medida de sus expectativas.
Bueno, de vez en cuando nos agrandamos...
Este miércoles 17 de agosto, a las 22hs. y por RadioColaborativa.com,
presentaremos el programa Nro. 53 de Gigantes Gentiles, la buena música que no
se escucha.
En este programa: Comenzamos un recorrido por la discografía de la banda
Comunidad (Bolivia); presentamos el nuevo disco de Daedalus (Italia),
"Motherland"; Kevin Bartlett (EE.UU.) y su disco "Songs For the Big Kablooey"
en su versión extendida; Anima Mundi (Cuba) y su excelente "The Way";
presentamos a Ojo en el Cielo y cerramos con dos de las bandas que participarán
en el Festival La Plata Prog 2011: Atempo y Farenheit.
Gigantes Gentiles, la buena música que no se escucha, se emite por 10 emisoras:
RadioColaborativa.com, FM VOX 100.9 Mhz (Punta Alta, Argentina), RadioXpress,
Tu Voz Interactiva (México), SinAudio.com (México), FM Ariadna Solidaria 95.5
(Blanco Encalada, Mendoza), Código DF (México DF), Delta 80 (Caseros, Bs. As.),
Culturactiva Radio (Montevideo, Uruguay) y Radio Mucury Cultural, de Teófilo
Ottoni, Minas Gerais, Brasil.
!Los esperamos!
--
Quique Quagliano
RadioColaborativa.com, Voluntades en red
www.radiocolaborativa.com
radiocolaborativa@gmail.com
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Autor: Eduardo_García_Salueña <edugarsalu@gmail.com>
Asunto: Versus Five - "The Paths behind music" (2009)
VERSUS FIVE: "The paths behind music" (2009)
01. New way
02. Funk reunion
03. Rage
04. Left behind
05. 35 hours later
06. Burst in tears
07. Madness & Fran
08. Papillon nights
09. Assu
10. Walk on a handrail
11. Strange character
- CARLOS NAVARRETE: guitarra eléctrica, clásica y sintetizada
- PABLO BARRIOS: teclados y sintetizadores
- RIKI: congas, pequeña percusión, tambor batá, bongos y cuenco tibetano
- OSVALDO JORGE: batería, tabla, calabaza, bendir y darbuka
- XAVI ALAMÁN: bajo eléctrico
Colaboradores:
- VORO GARC CDA: trompeta
- DAVID GADES: cajón (1)
- RIKA, APA & CARL: voz robotizada (2)
Compositores:
- CARLOS NAVARRETE (1, 3, 4, 6, 8, 9, 11)
- CARLOS NAVARRETE, RIKI & PABLO BARRIOS (5)
- PABLO BARRIOS & CARLOS NAVARRETE (7)
- VERSUS FIVE (2, 10)
El año 2009 nos trajo un interesantísimo trabajo de estudio -el
primero- de una banda valenciana llamada Versus Five. Se trata de un
álbum completamente instrumental en cuyas piezas se entrelazan con
naturalidad diferentes estilos tales como el jazz, el rock, el funk o
el flamenco, principalmente. Desde el primer momento de la audición se
atisban destacadas ideas en la composición, motivos con mucho gancho,
riqueza tímbrica (sobre todo en los registros de los teclados y las
guitarras) y cambios estructurales muy fluidos; pero esto se ve
incentivado, además, por el estupendo trabajo interpretativo que se
registra en la grabación, reflejándose una notable dinámica de grupo,
mucho swing y una patente querencia por la improvisación. Cada pieza
presenta desarrollos diversos y cuida mucho las dinámicas, habiendo
momentos de gran intensidad conviviendo con otros de mayor contención.
Todo esto configura una de las mayores virtudes del disco, y me
aventuro a decir que también ocurrirá con la banda en directo (a pesar
de que hasta la fecha aún no he podido verles): la energía de una
música que se presenta como viva y en constante movimiento.
En el seno del grupo ha habido algunos cambios. Diversos miembros como
Jorge Molina (bajo), Borja González (batería), Dani Cano (trompeta) o
Diego Faus (bajo) formaron parte de las primeras formaciones. En la
actualidad, Javier Feltrer cubre el registro de los instrumentos de
viento como un miembro más (configurando así la plantilla de sexteto),
alternando con los saxos, la flauta travesera y el EWI (Electronic
Wind Instrument) junto al quinteto de base. También Víctor Traves ha
sustituido al baterista Osvaldo Jorge en mayo de 2011.
El espíritu ecléctico de la agrupación se puede apreciar en cada corte
del disco. "New way" y "Burst in tears" nos llevan por terrenos más
cercanos a la fusión flamenca, con pianos cercanos a la estética de
David Peña Dorantes y un trabajo percusivo en la línea de Rubem Dantas
(recomiendo escuchar la versión completa de "Burst in tears",
disponible en la propia Web del grupo). En otros, como "Rage" o
"Madness & Fran" se pueden apreciar las influencias de bandas como
Planet X, Niacin o Liquid Tension Experiment, donde a veces una
actitud más metal cobra protagonismo, siempre al servicio de la
fusión. También hay elementos que hacen referencia a la
multi-culturalidad, sobre todo a partir de la utilización de las
percusiones, la trompeta y los pianos y guitarras acústicas, con una
tendencia a los sincopados ritmos latinos (visible en "Strange
charater" o "35 hours later") y a los elementos africanos (como en el
final de "Assu"). "Left behind" es una de mis favoritas, con esos
irresistibles delays de guitarra, las melodías de sintetizador, las
frases de trompeta con sordina y las vertiginosas secuencias de
batería con acentos drum"n"bass. Todo ello le confiere un halo de gran
originalidad y espontaneidad.
Hay que destacar el gran trabajo a nivel individual, lo que se acaba
transmitiendo a nivel global en el espíritu de grupo. Las
intervenciones de Carlos Navarrete y de Pablo Barrios son muy
afortunadas, tanto en los solos como en las líneas acompañantes,
además de mostrar una significativa versatilidad en cuanto a buscar el
sonido que mejor encaje en cada pieza. Carlos puede hacer rítmicas de
carácter funk como secuencias flamencas o riffs de rock con
convencimiento. Su particular mezcla de rock y jazz en los solos es
muy disfrutable; igualmente, Pablo alterna con gran facilidad pianos
acústicos (con mucho gusto en los tumbaos) y eléctricos (a lo Herbie
Hancock), órganos, sintetizadores lead con una distorsión cercana a
Derek Sherinian o pads ambientales para recrear atmósferas más
electrónicas. El bajista Xavi Alamán es un buen soporte rítmico y
armónico, destacando en algunas secciones con mayor peso solista
(baste escuchar el melódico inicio de "Walk on a handrail", una de las
piezas más detallistas y calmadas del disco) e incluso atreviéndose
con un solo de voz más bajo eléctrico en "Funk reunión". Por último,
la sección percusiva conformada por Riki y Osvaldo Jorge presenta un
gran empaste, otorgando dinamismo y mucho color (magnífico el solo en
"Papillon nights"), en consonancia con los años dorados de bandas como
Santana o Weather Report. También hay que destacar la labor de Voro
García a la trompeta, con unos fraseos mayoritariamente jazzísticos y
una gran limpieza en la ejecución, además de acentuar la originalidad
de la combinación instrumental.
El trabajo de Versus Five podría muy bien relacionarse con el de
agrupaciones como Candelaria o Glazz, por citar sólo dos referencias
nacionales en las que nos encontramos con una amplia gama estilística
cohesionada en la composición y tamizada bajo una base de enérgica
fusión entre jazz y rock como principales bastiones. Se nota mucha
frescura en las tomas y una palpable química de grupo. Incluso se
permiten hacer citas en los solos a piezas como "Spain" (Chick Corea),
"My favourite things" (Rodgers & Hammerstein II) o la más evidente (y
acreditada como homenaje): "Celebration", de Kool & The Gang. Su
melodía principal es la base temática de esta pieza, que nos sirve
para cerrar la crítica y condensar la fuerza de esta banda en una
única composición que muestra ese trabajo de elaboración colectivo
presente en todo el álbum.
Totalmente recomendables.
Más información en su Web oficial, donde se puede escuchar el disco
completo: www.versusfive.com
Eduardo G. Salueña
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Senogul : III (2011)
Senogul : III (2011)
Discografica: Disconsonancia / Musea
Temas:
1. The Nightstalker (0:37)
2. Pijamas (8:01)
3. La Serpiente de Jade (5:14)
4. Parana (6:06)
5. The Black Cat (9:09)
6. Tales From Buanga (3:47)
7. Gameland (2:02)
8. Sopa Colora (13:41)
Musicos:
- Pablo Canalís : bajo eléctrico, percusiones, voces
- Eduardo Gá Salueña : piano, teclados, minimoog
- Pedro A. Menchaca : guitarras eléctrica y acústica
- Israel Sánchez : guitarras eléctrica y acústica
- Eva D. Toca : batería
Colaboran:
- John Falcone: fagot (2)
- Juan Antonio Martínez: saxos alto y barítono (3)
- Iris Cárcaba: violín (3)
- Alejandro M. Ares: acordeón (3)
- Rafael Yugueros: batería (3)
- Chema Fombona: percusiones latinas, vibráfono, batería (4, 8 )
- Marcos Mantero: sintetizador (4)
- Theodosii Spassov: kaval (7)
- Pedro Ontiveros: flauta travesera, saxo soprano (8 )
- Luis Cobo "Manglis": guitarra eléctrica, 12 cuerdas y acústica (8 )
- Abelardo Freitas: Abotronics
Estamos ante el tercer álbum de la banda asturiana SENOGUL, un trabajo que
recoge el testigo progresivo traspasado de su álbum debut, pero que además
viene enriquecido musicalmente hablando, por las vivencias y aprendizaje de
cada uno de sus músicos en proyectos precedentes, tanto en solitario como en
grupo, precisamente uno de ellos como grupo fue su segundo trabajo
"Concierto de evocación sonora", que supuso un punto de inflexión en la
apuesta musical del grupo que derivo del sinfo-prog al Folk World Music,
pues bien todo esto se refleja y traduce en un trabajo que no solo sobresale
en una mayor madurez musical sino además en un elaborada y esmerada
producción del disco, con un amplio registro y detalles sonoros donde tiene
cabida casi todo.
Encontramos de nuevo, como claras señas de identidad en SENOGUL, la
experimentación y ese espíritu libre de su forma de componer. Hay
componentes fijos como el sonido étnico, la tímbrica, la variedad percusiva,
el jazz, el canterbury, el RIO, el rock andaluz... todo esto forma parte de
un concepto ecléctico que hace difícil encasillar su apuesta y
consecuentemente abre un gran abanico de posibilidades de llamamiento a un
tipo de progfan muy heterogéneo.
Personalmente encuentro corta la duración del disco, no supera los 48
minutos, más contando que el tema "The Black Cat" ya lo habíamos escuchado
del álbum "The tales of Edgar Allan Poe: a syNphonic collection" en el 2010,
pero bueno todo es cuestión de opiniones.
En cuanto a los temas, empezaría destacando la corta intro "The
Nightstalker" con sus atmósferas étnico oscuras y donde podemos escuchar el
instrumento chino Sheng. Me encanta en especial el tema "Pijamas", muy
elaborado con su transfondo jazzero, la melodía cambiante y la acertada
inclusión del basson interpretado este por el invitado John Falcone.
Destacable también el prog complejo y los momentos jazzeros de "La Serpiente
de Jade" que contrasta con incursiones étnicas, acrecentado este aspecto por
la intervención de instrumentos atípicos en el prog como el acordeón amen de
la presencia de violín y saxos.
Tras "Parana" tenemos el tema mas complejo, tenso y misterioso de SENOGUL
hasta la fecha, "The Black Cat" incluido como ya he comentado en el doble
álbum dedicado al escritor Edgar Allan Poe grabado para Musea en el 2010, a
continuación "Tales From Buanga" ofrece la personal experimentación y el
protagonismo del bajo y las percusiones de Pablo Canalís.
En "Gameland" tema basado en una melodía balinesa arreglada por Pablo,
escuchamos a los King Crimson mas científicos, sesudos y caóticos
conviviendo con un pasaje de Canterbury y los trazos étnicos.
Cierra el álbum el tema acostumbrado por SENOGUL homenajeando al rock
andaluz, el mas largo grabado por SENOGUL hasta la fecha, "Sopa Colora" con
un sonido claro a Alameda y su visión mas coplista y salsera del rock
andaluz, aquí intervienen los músicos de Guadalquivir, Luis Cobo "Manglis" y
Pedro Ontiveros. Este tema no toca solo el palo del rock andaluz, además hay
momentos para la salsa y un magnifico colofón de solo de piano clásico a
cargo de Eduardo.
Por poner pegas, personalmente el tema "Parana", versión personal del tema
original de Airto Moreira y Hugo Fattoruso, con la participación en los
teclados de Marcos Montero de Iman y cantado en portugués por Pablo Canalís,
lo encuentro descolocado de la línea musical del álbum, mas entre temas de
tono digamos mas serio como "La Serpiente de Jade" y "The Black Cat" y por
otro lado respecto a esta faceta mas étnica, la dificultad que puede suponer
al oyente mas acérrimo al progresivo en la cohesión de un modelo serio como
es el progresivo con lo alegre y bailable que surge de la vena mas étnica de
grupo, pero ahí esta la gracia y ese esfuerzo por ser auténticos, por huir o
alejarse de los clásicos y a veces de los esquivos clichés.
... en definitiva, estamos sin duda ante uno de los mejores trabajos
progresivos realizados en nuestro país desde hace mucho tiempo, SENOGUL creo
que ha encontrado un estilo y sonido personal y propio. Lo que queda claro a
partir de este III álbum es que el futuro de SENOGUL es mas que prometedor.
Solo me resta aconsejaros encarecidamente su escucha !!!
(c) Juan Mellado (2011)
progjuan@gmail.com
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