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La caja de musica Number 0960
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #960 julio 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE - 23 de junio
* lanzamientos de Esoteric Recordings de junio a agosto
* MONO - "Hymn to the Immortal Wind" (2009)
* Gigantes Gentiles 51
* LCDM: 1870 EN VIVO - 14 de julio
* TANTRA - "Satori" (2010)
* entrevista a Claudio Parra en la prensa peruana
* Luzparís + Altocamet + Video en Mar de Plata - 11 de agosto
* 2 conciertos prog 2 en Lima para agosto
* 1870 - "Pogo Y 4 Historias De Horror" (2011)
* Jon Anderson habla sobre el Yes actual
* Roger Hodgson en Tarragona, 12-07-11
* Gigantes Gentiles 52: Especial festivales
* Mono - "You Are There" (2006)
* QUEENSRYCHE en la prensa peruana
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE - 23 de junio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo italiano IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE dará un concierto el día sábado 23
de julio, a partir de las 21:00, en la Piazza dei Partigiani Caduti per la
Libertá - ciudad de Génova. !Buen sinfónico retro italiano para amenizar una
cálida noche de verano!
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: lanzamientos de Esoteric Recordings de junio a agosto
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Para los nostálgicos de las etapas más gloriosas de la música progresiva y
otras vertientes experimentales, Esoteric Records tiene los siguientes ítems en
lista para ser reeditados entre junio y agosto.-
Junio:
Lol Coxhill - Ear Of The Beholder
David Bedford - Nurses Song with Elephants
CCLR - CCLR (Cavalli-Cocchi, Lanzetti & Roversi)
Bill Nelson - Northern Dream
Dave Brock And The Agents Of Chaos - Agents Of Chaos
Earth And Fire - To The World Of The Future
Acqua Fragile - Acqua Fragile
Acqua Fragile - Mass Media Stars
Julio:
Aardvark - Aardvark
Tudor Lodge - Tudor Lodge
Richard Wahnfried & Arthur Brown - Time Actor
Arthur Brown And Vincent Crane - Faster Than The Speed Of Light
Speedy Keen - Y' Know Wot I Mean
Soft Machine - Tales Of Taliesin
Agosto:
Tangerine Dream - Atem (2CD)
Tangerine Dream - Underwater Sunlight
Socrates - Phos
Jack Bruce - Out of the Storm
Speedy Keen - Previous Convictions
Más información en http://www.cherryred.co.uk/esoteric/
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MONO - "Hymn to the Immortal Wind" (2009)
MONO: "Hymn to the Immortal Wind" (2009)
Temas
1. Ashes In The Snow (11:46)
2. Burial At Sea (10:39)
3. Silent Flight, Sleeping Dawn (6:00)
4. Pure As Snow (Trails of the Winter Storm) (11:26)
5. Follow The Map (3:56)
6. The Battle To Heaven (12:51)
7. Everlasting Light (10:23)
Integrantes
- Takaakira "Taka" Goto: guitarras
- Tamaki Kunishi: bajo, piano, clavicordio, glockenspiel
- Yasunori Takada: batería, tímpanos, gong, platillos, glockenspiel
- Yoda: guitarras, órgano Hammond B3
Colaboradores - orquesta dirigida por Dave Max Crawford
Mono estaba al borde de su décimo aniversario como entidad musical cuando grabó
y publicó "Hymn to the Immortal Wind", no solo uno de los discos más admirados
por fans y críticos musicales, sino también uno de los discos más unánimemente
elogiados de toda la historia del post-rock hasta nuestros días. Y todo esto se
da con justa razón, pues este disco refleja, de forma clara y sin lugar a
confusiones, la más imponente cuota de imaginación musical que este cuarteto
japonés ha desplegado hasta ahora, y hay que tener en cuenta que Mono es un
grupo tremendamente solvente como unidad creativa. Sus deudas estilísticas con
GYBE!, Mogwai y el Sigur Rós de los 3 primeros discos siguen presentes disco
tras disco, pero Mono sabe darle un toque personal al meollo, además de
revitalizar desde dentro su propia propuesta sonora, apelando a no se sabe qué
fórmula mágica, pero sí, en efecto, suena con nuevos bríos con cada nuevo
disco. "Hymn to the Immortal Wind" no es la excepción, y es más, se trata de
toda un fenomenal punto culminante de su visión musical. La presencia
persistente de un nutrido ensamble de cuerdas (más algunas flautas y bronces)
supone un recurso efectivo a la hora de generar la renovada frescura pautada
para este disco. Nos aunamos desde aquí a las entusiastas opiniones positivas
que este disco ha cosechado desde el día de su lanzamiento.
'Ashes In The Snow' abre el disco con un calor emocional penetrante desde el
punto de partida, expuesto primeramente de manera muy suave, pero poco antes de
llegar a la barrera del tercer minuto, ya se abren espacios para que el grupo
empiece a expresar con soltura su energía global, aunque sea solo por un
engañoso instante. De todas maneras, el cuerpo central se va afianzando de una
forma muy clara, siendo así que a poco de pasados los siete minutos se instaura
definitivamente la fuerza expresiva de la banda, aportando niveles infinitos de
densidad y tensión al motivo central, llegando incluso a modificar varias de
sus tonalidades recurrentes en otras más inquietantes como efecto de la
contundencia sonora que tiene lugar y que no va a parar hasta el momento del
cierre. 'Burial At Sea' porta una calma más entristecida, comenzando con una
simple nota sostenida de órgano y un juego de guitarras que se focaliza en
orientar una cautivante progresión de acordes que transmite una belleza
sutilmente exótica de la misma manera que crea un aire de expectativa: la
aureola funeraria aludida en el título halla en la combinación de cadencias de
tambores y el fondo de cuerdas un correlato perfecto, el cual a su vez enmarca
apropiadamente la labor de las guitarras duales. Un nuevo motivo, que
supuestamente refleja el momento de llanto y duelo, entra a tallar y se
desarrolla para la segunda mitad, comenzando de manera muy tenue para finalizar
con un "Sturm und Drang" apabullante, un vigor dramático expresado en toda su
pureza. Los seis minutos de 'Silent Flight, Sleeping Dawn' se concentran en una
sublime amalgama de orquesta y piano, con un clavicordio que ocasionalmente se
une a este último para añadir algunos suaves toques de cristalina placidez al
asunto: no viene mal un momento de conmoción netamente reflexiva después de la
ilación entre la intensidad desgarrada de 'Ashes In The Snow' y la añoranza
tremendamente fiera de 'Burial at Sea'.
'Pure As Snow (Trails of the Winter Storm)' nos regala poco menos de 11 minutos
y medio de nueva gloria atmosférica, basada en el romanticismo etéreo de
'Silent Flight, Sleeping Dawn' y llevando éste a instancias de esplendor
envolvente durante sus primeros 6 minutos, un esplendor que en muchos niveles
anticipa la gloria imponentemente climática que habrá de desarrollar
'Everlasting Light' en el cierre del disco. (Para quien ya conoce este álbum de
principio a fin, es difícil dejar de mencionar el tema de cierre antes de
tiempo, pero debemos seguir la secuencia del repertorio con el debido orden). A
partir de allí, el ambiente se torna inapelablemente denso, muy en línea con el
asentamiento crucial sobre el cual se sostuvo el núcleo de la primera pieza.
'Follow The Map' nos devuelve al lirismo envolvente basado en el diálogo entre
piano y orquesta, usando un cierto retorno a 'Silent Flight, Sleeping Dawn',
pero con un tenor un poco más bombástico, lo cual significa que la candidez
emocional se hace más patente. A continuación sigue otro tema de pretensiones
épicas, 'The Battle To Heaven': un primer motivo se alimenta sostenidamente de
su propia recurrencia así como de las variables de intensidad que la impulsan
durante casi 6 minutos; un segundo motivo, parcialmente inspirado en el
primero, emerge de una calma momentánea y resuelve el resto de la pieza con
evidente agilidad y un lirismo más decididamente definido, lo cual le da un
aire especialmente mágico a la robustez creada desde las cuerdas de la guitarra
y el swing de la dupla rítmica. El disco concluye con 'Everlasting Light', una
de las piezas más celebradas por los fans de la banda: comenzando con un
cautivador motivo de piano cuya sencillez suavemente invita al ensamble
orquestal a llenar huecos de manera bien cuidada. A pocos segundos de llegar a
la barrera del cuarto minuto, la dupla guitarrera se hace cargo de extender sus
tentáculos texturiales con la pauta marcada por la orquesta, mientras que el
piano calla: es en este momento que se empieza a preparara el terreno para el
fabuloso clímax que ha de elevar la ideología musical de Mono hacia una de sus
manifestaciones más épicas. El hermanamiento entre grupo y orquesta hace que
las llamas de la melancolía se aviven con un fulgor exaltado que manifiesta
nuevos colores para el mundo y nuevas fuerzas cósmicas para el universo. El
pasaje conclusivo es espectacular, siendo el equivalente sonoro del palacio más
imponente que se pueda construir o incluso imaginar. ?Qué otro final podía
lógicamente tener un disco como "Hymn to the Immortal Wind" sino uno donde Mono
pudiera explayarse en el post-rock estilizado que sembró y cosechó durante más
o menos 10 años? No queda nada más que decir salvo que se trata de una joya
exquisita dentro de la vanguardia rockera de nuestros días: Mono es una banda
que con cada nuevo disco realza su imponencia como figura líder del post-rock.
César Mendoza
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Autor: "Quagliano" <equagliano@gmail.com>
Asunto: Gigantes Gentiles 51
Amigos:
Este miércoles 6 de julio, a las 22hs. y por RadioColaborativa.com,
presentaremos el programa Nro. 51 de Gigantes Gentiles, la buena música que no
se escucha.
En este programa: Revivimos momentos de la celebración del programa 50, con
Danae y con Canturbe en vivo interpretando material no incluido en la emisión
anterior; la sorprendente banda formoseña NdeRamirez y su reciente disco; el
rosarino Pablo Palumbo y su disco Paneo; presentamos el trabajo solista de
Gonzalo Esteybar y el primer disco de Uranian, el excelente "La ciudad de los
sueños". En el cierre, un homenaje a Alberto Bonomi con una de sus
composiciones para DFA.
Gigantes Gentiles, la buena música que no se escucha, se emite por 10 emisoras:
RadioColaborativa.com, FM VOX 100.9 Mhz (Punta Alta, Argentina), RadioXpress,
Tu Voz Interactiva (México), SinAudio.com (México), FM Ariadna Solidaria 95.5
(Blanco Encalada, Mendoza), Código DF (México DF), Delta 80 (Caseros, Bs. As.),
Culturactiva Radio (Montevideo, Uruguay) y Radio Mucury Cultural, de Teófilo
Ottoni, Minas Gerais, Brasil.
!Los esperamos!
--
Quique Quagliano
RadioColaborativa.com, Voluntades en red
www.radiocolaborativa.com
radiocolaborativa@gmail.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: 1870 EN VIVO - 14 de julio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo mexicano de chamber-rock 1870 tendrá su próxima actuación en vivo el
jueves 14 de julio a las 7.30 PM, en el local Riffs House of Rock, en la
localidad de Querétaro. Será ocasión para mostrar eol material de su inminente
segundo álbum "Pogo Y 4 Historias De Horror", el cual ya se puede escuchar
íntegramente en http://www.myspace.com/1870rio
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TANTRA - "Satori" (2010)
TANTRA: "Satori" (2010)
Temas
1. Einfhrung (4:53)
2. Niño De Cobre (2:42)
3. Tensiones (5:46)
4. El Emisario (6:24)
5. El Lenguaje Es Un Virus Del Espacio Exterior (8:33)
6. Bajo Tierra (16:54)
7. Satori (13:57)
Integrantes:
- Jupi Medvescig: guitarras
- Ramiro Orensaz: bajo
- Gonzalo Rey: sintetizadores analógicos, percusión
- Maru Valdez: batería, percusión
Colaborador - Pablo Puntoriero (flauta traversa y flautín en 3, saxo tenor en
6)
Tantra es el nombre de un ensamble instrumental argentino formado en Mar de
Plata en 2004 (la historia oficial cuenta que todo comenzó en un sótano), con
la misión de activar una potente dimensión de rock progresivo-psicodélico.
Tantra comienza a reunirse en 2004 en un sótano de Mar del Plata, sin otra idea
que hacer música, lo cual a primera vista parece una boludez, pero no es un
dato menor, basta con observar una fotografía del mundillo del rock, donde todo
parece diseñado para la tapa de una revista o el prime time de un noticiero del
mediodía. Editado a inicios de 2010 a partir de sesiones de grabación que
empezaron en junio de 2009 y terminaron en febrero de 2010, su disco debut
"Satori" ha sido bien recibido por la crítica y amantes del rock experimental
en redes internautas de su país así como internacionales. Entre el día de su
formación y la salida al mercado de este disco, el grupo mantuvo una actividad
importante de conciertos en escenarios de Mar del Plata, Buenos Aires y La
Plata (compartiendo escenarios muchas veces con Pez, Luzparís, El Festival de
los Viajes, Poseidótica, Fútbol, Honduras y otras numerosas bandas que apuestan
por experimentar al máximo con los múltiples códigos posibles del rock), además
de registrar un EP titulado "Horas" en algún momento del año 2006.
'Einfhrung' ocupa los primeros casi 5 minutos del disco, introduciéndolo (de
hecho, el título es la palabra 'Introducción' en alemán) con una envolvente
destilación de sonoridades cósmicas Eloy-Floydianas por todos sus poros, con
esas envolventes capas de teclado que sostienen el contenido viaje instrumental
en curso; acto seguido, la pieza engarzada 'Niño De Cobre' se encarga de
impulsar las primeras demostraciones de robustez del disco, ensamblando un jam
consistentemente confluyente con las huellas estilísticas de Hydria Spacefolk y
del Ozric Tentacles de los primeros 90s. 'Tensiones' se encarga de darle un
giro más grisáceo a la energía instalada por la pieza anterior: allí donde
'Niño De Cobre' era ágil y entusiasta, 'Tensiones' es contemplativo,
estableciendo una polenta rockera moderadamente densa sobre la base de una
cadencia rítmicamente sobria: algo así como una idea perdida del Amon Dl II
de la etapa "Yeti" retomada por el Eloy de la etapa "Inside"-"Floating". Los
constantes fraseos de la guitarra solista (entre gilmouriana y hillageana)
mantienen un aura blues-psicodélica muy oportuna a la hora de ofrecer un
creativo contraste frente a la bien amalgamada dinámica establecida entre
Valdez y Orensaz; a la hora de insertarse algunas intervenciones de flauta, la
cosa se siente muy natural. 'El Emisario' aborda un viaje musical potente que
retoma parte de la energía ya mostrada en 'Niño De Cobre', permitiendo al
ensamble mostrarse de forma particularmente extrovertida, lo cual repercute en
crear un pico dentro del repertorio. El compás de 7/8 en los primeros 4 BD
minutos ayuda crucialmente a motivar recursos de sofisticación progresiva al
asunto (un poco a lo Gong), así como a potenciar ciertas cadencias
jazz-rockeras en la dupla rítmica, todo ello mientras los fraseos de la
guitarra y los matices varios de los sintetizadores refuerzan y enriquecen las
tonalidades inherente cósmicas de las ideas musicales que se van proyectando en
el camino. En una segunda sección, la banda opera con un vigor frontal a lo
Hawkwind-con-Hydria Spacefolk sobre un compás de 4/4, gestando un jam que se
siente demasiado corto una vez que concluye. Después de esta estupenda aventura
psicodélica que ocupó un espacio de seis minutos y pico que dura la pieza, la
misión de 'El Lenguaje Es Un Virus Del Espacio Exterior' consiste en mantener
el momentum, y lo hace instalando una síntesis entre la cadencia reflexiva de
'Tensiones' (en un 60%) y la sofisticación estilizada de 'El Emisario' (en un
40%), haciendo que la pieza opere como una mirada hacia el interior más
esencial de su propia visión musical. Cabe destacar el rol más destacado que
tienen los sintetizadores en la maduración y desarrollo del motivo central, en
comparación con los temas precedentes, en consonancia con el protagonismo menos
notorio de la guitarra.
Poco más de 28 minutos han pasado desde que comenzó el disco y aún queda poco
más de media hora para que acabe: en este momento cuando Tantra ha puesto todas
sus cartas sónicas sobre la mesa, le falta emprender sendos viajes extensos a
través de 'Bajo Tierra' y la pieza homónima, respectivamente. Estas dos
ocasiones musicales son vitales para que el grupo se disponga a poner toda la
carne en el asador a la hora de inspirar imágenes y sensaciones electrizantes
en el oyente por vía de proyecciones instrumentales de largo aliento. 'Bajo
Tierra' comienza con un prólogo frontalmente lisérgico, fuertemente inspirado
en la onda acid-folk de la tradición kraut (incluyendo florituras de flauta y
golpes percusivos exóticos), virando pronto hacia un cuerpo central bastante
muscular donde la potencia rockera se hermana fluidamente con cadencias
rítmicas de raigambre funky. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo
minuto y medio, llegamos a un jam más reflexivo, tan floydiano como
reminiscente del Ozric Tentacles pre-90ero, sin por ello perder una pieza del
vigor propiamente contemporáneo que Tantra exhibe tan creativa y solventemente.
Un tercer jam regresa a la polenta del primero, potenciándola en lo que parece
que será un clímax relevante para la pieza en sí, especialmente en lo que se
refiere a las dosis aumentadas de musculatura y nervio en la dupla rítmica: no
dura mucho, pero impacta profundamente en la estructura general del tema, pues
lo que concluye la pieza es un reprise del motivo acid-folk inicial, al modo de
un ritual que invoca al reposo después de la llamarada final. 'Satori' replica
esta actitud de ambición estilística, volviendo a las influencias de Gong y
Hawkwind sin perder el pulso propio. Apelando a una expresión un poco más
controlada de la fuerza rockera en aras de fortalecer las atmósferas emergidas
de la interacción entre los instrumentistas, la pieza se enfila en su primera
sección por una intensidad bárbara, inocultable, cada vez más patente mientras
aumenta el frenesí rítmico durante la expansión de la primera sección. El
momento de la segunda sección comienza con un pasaje de engañosa languidez que
en realidad es una preparación emocional para un estimulante ejercicio de
proyección psicodélica donde las estructuras sonoras exhiben formas más
intrépidas y libres. Una vez concluida esta electrizante erupción de lava
lisérgica, el grupo se dispone a tomarse su tiempo para armar una despedida
contemplativa donde la psicodelia reinante se arrope bajo su faceta más
introspectiva, una vibración tan inquieta como relajante. Así termina "Satori",
un disco que pone oficialmente a Tantra en un lugar dominante dentro de la
actual vanguardia rockera argentina.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: entrevista a Claudio Parra en la prensa peruana
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Hace poco dio una entrevista a la prensa peruana el maestro Claudio Parra,
pianista/teclista del grupo chileno LOS JAIVAS y uno de sus miembros
fundadores, fue publicada hoy miércoles 6 de julio en el diario Perú 21, en
vísperas de su múltipel jornada peruana que los llevó de tocar en la ciudadela
de Machu Picchu hasta la Plaza de Armas de la ciudad de Cusco, culminando en
una gloriosa presentación estelar en el festival Todos Juntos en Lima (Parque
de la Exposición, domingo 10 de julio). Aquí transcribo la nota.-
"Estoy seguro de que lloraré cuando toque en Machu Picchu"
"En 1981, a partir del éxito de Alturas de Machu Picchu, se produjo nuestra
vuelta a América. Desde entonces estamos entre América y Europa", nos dice
Claudio Parra, el pianista de Los Jaivas, que participan en las celebraciones
de Machu Picchu.
Autor: Gonzalo Pajares C.
"El mar crea seres contemplativos, melancólicos, y nos prepara para el cambio:
el mar forma seres tanto apacibles como furiosos. Y, por eso, también nos
enseña a respetar", nos dice Claudio Parra, pianista de Los Jaivas. Fundado en
los años 60, fueron pioneros del rock fusión y del jazz en esta parte del
mundo. Sin embargo, su mayor éxito está ligado a Pablo Neruda, a Vargas Llosa y
al Perú: la musicalización de Alturas de Machu Picchu, el poema de Neruda, y el
especial que de él hiciera nuestro novelista le dieron al grupo fama universal.
Con esta historia detrás participan, mañana y el viernes, en los festejos por
el centenario de la llegada de Hiram Bingham al santuario inca. De yapa, este
domingo se presentarán -desde las 3 p.m.- con Magaly Solier y otros artistas
locales en el Parque de la Exposición.
?LOS JAIVAS LO LLEVARON POR EL CAMINO DE LA MÚSICA POPULAR?
Empecé estudiando música clásica -me gustaban Stravinsky y Béla Bartók- pero,
como era joven, me interesaba más la música contemporánea.
?POR SUS ESTUDIOS SE SENT CDA MÁS MÚSICO QUE SUS COMPAÑEROS?
No. Era un músico más académico, pero esto tiene sus limitaciones. Cuando
improvisábamos, mis compañeros autodidactas tenían mucha más libertad para
crear. Cuando uno tiene una formación académica se enclaustra, se pone a pensar
en las escalas, en las notas; en cambio, mis compañeros solo se dedicaban a
crear, no se fijaban en esos detalles, no estaban parametrados por lo
académico.
?SON LOS JAIVAS UNA BANDA DE ROCK?
No. Siempre evitamos usar el término 'rock', y cuando lo usamos ha sido para
marcar una pauta generacional. Somos una banda de música, nunca nos gustó
encasillarnos, siempre optamos por la libertad. Si escucha nuestros discos,
notará que hay temas acústicos y eléctricos, folclóricos y rockeros. Siempre
quisimos utilizar todos los elementos que la música nos daba.
APARECIERON EN UNA ÉPOCA DONDE AFLORAN TEMAS COMO EL LIBRE CONSUMO DE DROGAS,
LA LIBERTAD SEXUAL=85
En nosotros siempre hubo libertad e independencia: no todos andábamos haciendo
lo mismo. Unos lo hicieron, otros no; unos más, otros menos; pero, sí, es
cierto que estuvimos metidos en todo eso.
SE DEC CDA QUE LA MARIHUANA TE ABR CDA LOS SENTIDOS, TE HAC CDA MÁS CREATIVO=85
Creo que sí, pero yo no probé drogas: mi droga era la música. Cuando me puse a
estudiar música desarrollé todos mis sentidos, me empecé a dar cuenta de los
mínimos detalles=85 pero algunos de mis compañeros desarrollaban eso con la
ayuda de la marihuana. Fíjese que a mí me gustaba el ambiente de hierba, se
producía una cosa muy agradable, había libertad, paz, entendimiento.
PRACTICARON LA VIDA EN COMUNIDAD=85
Era una época de apertura de ideas: Mayo del 68, el 'hipismo'. La música
estaba metida en todo: en la política, en el arte, en la búsqueda. Fue una
época muy interesante, donde aparecieron corrientes como el ecologismo. Creo
que los hippies fueron los primeros ecologistas, los primeros humanistas, al
menos como entendemos a las humanidades ahora.
?LA POL CDTICA SE METIÓ CON LOS JAIVAS O LOS JAIVAS SE METIERON CON LA POL
CDTICA?
Hasta en eso dejamos amplia libertad, no nos gustaba decirle a la gente lo que
tenía que hacer. Cada uno de nosotros tenía una visión personal de la vida y
del mundo, pero no estábamos tan ideologizados. Eso sí, éramos consecuentes con
lo que decíamos, predicábamos con el ejemplo. De Chile salimos por una razón
profesional: fuimos de gira por Argentina y, luego, ya no quisimos regresar
(risas). Era 1973, y Buenos Aires era la capital cultural de América, con una
movida rockera superpotente. Era un mundo maravilloso. Estuvimos cuatro años, y
en 1977 nos instalamos en París. De allí empezamos a movernos por toda Europa.
En 1981, con el éxito de Alturas de Machu Picchu, se produjo nuestra vuelta a
América. Desde entonces estamos entre América y Europa. De hecho, yo aún vivo
en Francia.
NO CONOCIERON A NERUDA, ?NO?
Así es. Nunca habíamos usado textos ajenos para nuestras canciones, nos
enorgullecíamos de eso, de nuestra creatividad, pero luego de Alturas=85
empezamos a usar cosas de otros.
LOS POEMAS TIENEN SU PROPIO RITMO, SU MUSICALIDAD. ?CÓMO MANEJARON ESE
ELEMENTO?
Fue nuestro gran desafío: tuvimos que descubrir la musicalidad interna del
poema. Y aunque había grabaciones de Neruda leyendo el poema, decidimos no
escucharlas para tener el máximo de libertad.
?CONOC CDAN MACHU PICCHU ANTES DE HACER LA CANCIÓN?
Tampoco.
ALTURAS DE MACHU PICCHU ES SU DISCO MÁS VENDIDO=85
Así es. Y nada fue planificado, nunca pensamos que se iba a transformar en el
fenómeno que es ahora. Es probable que pasemos a la historia por esta obra,
aunque tenemos canciones como Hijos de la tierra y Todos juntos, que marcaron
época.
ME ALEGRA QUE UN DISCO VINCULADO AL PERÚ SEA LA PRINCIPAL OBRA DE UN GRUPO
CHILENO. ES UNA MANERA DE HERMANARNOS=85
Así es. Puede ser un elemento más de confraternidad. Por eso es un honor y un
sueño ser parte de la gran celebración de Machu Picchu. Nunca imaginé que iba a
tocar en un lugar tan bello. Ya lo habíamos hecho en la Isla de Pascua, en el
Valle de Elqui. Estoy seguro de que mañana y el viernes, cuando toquemos allí,
voy a llorar. "
Enlace del archivo PDF:
http://e.peru21.pe/102/impresa/pdf/2011/07/06/246681.pdf
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Luzparís + Altocamet + Video en Mar de Plata - 11 de agosto
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
LUZPAR CDS, ALTOCAMET y VIDEO, tres de las bandas más representativas del rock
experimental alternativo de las últimas tres décadas de rock marplatense,
compartirán cartel por primera vez en el Teatro Colón de Mar del Plata, el día
jueves 11 de agosto, a partir de las 20:30hs
Dirección: Hipólito Yrigoyen, 1665 - Mar del Plata (Mar del Plata, Argentina)
Más información en el enlace
http://desdeelmar.com.ar/desdeelmar/web/noticias/luzparis-altocamet-y-video-en-el-teatro-colon
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: 2 conciertos prog 2 en Lima para agosto
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Se vienen estos dos conciertos en agosto para la comunidad de amantes del rock
progresivo en Lima, y bueno, clar oestá, para todo aquel que quiera seguir al
tanto de la vanguardia rockera peruana.-
KHARMINA BURANNA + LA CAJA DE SCHRÖDINGER
5 de agosto
Cocodrilo Verde
Francisco de Paula Camino, 226 - Miraflores
Entrada: S/. 15
FLOR DE LOTO presenta su nuevo disco "Imperio De Cristal"
Bandas teloneras: CIRCO AL EDÉN / SHAKKEN / LA CAJA DE SCHRÖDINGER
19 de agosto
Etnias Bar
Jr. Carabaya, 228 - Lima (frente a la Plaza San Martín)
Entrada: S/. 5
Con el disco de FLOR DE LOTO: S/. 15
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: 1870 - "Pogo Y 4 Historias De Horror" (2011)
1870: "Pogo Y 4Historias De Horror" (2011)
Temas
1. Canto Tercero (9:31)
2. Romance De La Muerte De Agua (7:54)
3. Líquido (7:04)
4. Pogo (11:15)
5. El Horla: 2 De Junio (7:23)
6. El Horla: La Danza De Maupassant (3:56)
Integrantes
- Gustavo Albarrán: corno francés, percusión, voz
- Hugo Luque: efectos y modificaciones electrónicas
- Karel Gómez: oboe, corno inglés, Theremin
- Alfonso Cosme: corno francés procesado, teclado
El ensamble mexicano 1870 vuelve al ruedo para renovar su posicionamiento
dentro de las formas contemporáneas de chamber-rock, siendo "Pogo Y 4Historias
De Horror" el manifiesto de esta labor creativa. Esta vez, el grupo no se
limita a la obra del Conde de Lautreamont para motivar su propia creatividad,
sino que también apela a historias ficticias y reales de horror, lo cual sirve
en bandeja la ocasión de darle nuevas vueltas de tuerca a las estrategias de
creación de oscuridad sónica a través de recovecos musicales enraizados en las
herencias de Art Zoyd (1976-82), Nazca y, en menor medida, el Univers Zero de
los tres primeros discos.
El tema de apertura, 'Canto Tercero', sigue directamente el hilo
lautreamontiano del disco anterior con una expansión musical ágil y diversa que
funciona prácticamente como una obra teatral en sí misma: los pasajes traviesos
se alternan con los ceremoniosos de manera muy natural, haciendo que las
arquitecturas sónicas trazadas, delineadas y coloreadas por los vientos fluyan
a través de precisas combinaciones de texturas. Las apariciones de las partes
recitadas ayudan oportunamente a realzar la sensación de magia teatral.
'Romance De la Muerte De Agua' se aparta de esta particular temática y vira
hacia la narrativa de la dramaturga mexicana Maruxa Vilalta y su cuento del
mismo título. La cadencia del pasaje inicial marca el ritmo de goteos
cáusticos, tornándose pronto en una expansión de flujos medianamente serenos, y
de allí virando hacia climas electrónicos muy a tono con la musique concrete de
inspiración industrial post-modernista: hasta aquí, hemos presenciado el camino
desde la placidez hasta la densidad, un camino que se desvanece alrededor del
cuarto minuto y medio para que emerja un cálido trío de vientos que, a pesar de
no ocultar la vibración tétrica que ha venido operando, le da una dimensión más
etérea, una dimensión que se acrecienta con la aparición de ornamentos
percusivos computarizados (como "kalimbas cósmicas", por así decirlo). La
sensación de calma espiritual en medio del nebuloso misterio se mantiene
mientras la pieza se acerca al fade-out. Con 'Líquido' pasamos a la temática de
H. P. Lovecraft, una figura literaria que no ha sido precisamente ignorada en
las tradiciones del RIO y el zeuhl (incluso inspirando nombres de grupos). En
esta ocasión, la gente de 1870 se inspira en el cuento "Herbert West,
reanimador", lo cual da un contexto adecuado a la aureola alevosamente
artificial que se genera desde las inquietantes interacciones entre las
neuróticamente juguetonas armazones de los vientos y las inasiblemente
abstractas emisiones de los artilugios electrónicos. La música no retrata, sino
que testimonia casi a gritos las atrocidades contra las leyes de la vida y la
muerte que se están gestando en un laboratorio dirigido por la sinrazón. 1870
resucita y remodela brillantemente el legado de los cuatro primeros discos de
Art Zoyd.
La segunda mitad del disco comienza con la pieza más extensa del álbum, 'Pogo',
cuya inspiración proviene del deleznable y lamentablemente real drama en torno
a John Wayne Gacy, un asesino serial que ocultaba sus monstruosas verdades de
seducción, asesinato y enterramiento de jóvenes apuestos tras una fachada de
figura pública constructiva y aficionado a jugar al payaso Pogo en las fiestas
infantiles organizadas por sus vecinos. Los deconstructivos diálogos que se
arman, durante los primeros dos minutos y pico, entre las juguetonas líneas de
vientos y el organillo sintetizado desde el corazón del esquema musical de la
pieza conforman el perfecto escenario para la oscuridad inasible que causa
insana destrucción bajo una caparazón de alegría y altruismo; a partir de ahí,
la música deja que se manifieste el corazón oscuro que emite sus latidos
irrefrenablemente sádicos bajo el amparo del ruidoso imaginario de la sociedad
burguesa, abriendo así un espacio para la amalgama de la satisfacción de la
pasión psicótica y el desgaste definitivo de la vida gradualmente victimizada.
El espacio amplio se llena de mil y un recursos sonoros que se hacen eco de
sucesivas formas de hacer el mal. 'El Horla' retoma la inspiración
lautreamontiana para concluir el álbum en una secuencia de dos temas que juntos
suman un espacio de 11 BC minutos. La primera parte de 'El Horla', subtitulada
'2 De Junio', comienza en amplio contraste con la tensión tanática de 'Pogo',
es decir, abriendo surcos minimalistas de percusión y maderas al modo de una
procesión calmada de espíritus sutiles dispuestos a apoderarse de la razón e
imponer la lógica de la locura: algo muy coherente con el creciente tormento
que padece el protagonista del relato. A poco de pasada la barrera del quinto
minuto, la (?imaginaria?) procesión de espíritus dobla el paso y asienta un
ritmo consistente, generando una ansiedad revestida de inquietante
estilización, a ratos también un poco juguetona. La segunda parte, subtitulada
'La Danza De Maupassant', vira dramáticamente hacia un aire de solemnidad que
traduce la persistente esquizofrenia a un lenguaje musical retorcidamente
elegante, logrando así darle un enfoque más introspectivo y un poco menos denso
a la locura reinante. Termina así "Pogo", un disco que sigue a ratos en la vena
de "Mitos De Una Resurrección" pero con una estrategia de enriquecimiento de la
sofisticación sonora en una implosión musical bien lograda: 1870 se afianza así
como voz líder de la vanguardia contemporánea mexicana y latinoamericana.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Jon Anderson habla sobre el Yes actual
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El actual tumulto sobre el nuevo disco de Yes no se limita al antagonismo entre
opiniones positivas y negativas de parte de los conocedores y fans, sino que
también tiene un lugar en la cosmovisión personal de Jon Anderson. La gente del
Portal Esquizofrenia ha difundido la notica de una reciente entrevista a
ex-líder de Yes, quien no oculta su poca valoración hacia "We Can Fly From
Here".-
" Con motivo de la reciente publicación del disco de Yes, el periodista Andy
Greene, de la revista 'Rolling Stone', aprovechó una entrevista con su ex
vocalista Jon Anderson, para cuestionarle por su parecer ante el nuevo disco.
Anderson no tuvo pelos en la lengua a la hora de dar su opinión, mostrando
además que aun está resentido con sus ex compañeros por el trato recibido.
Sobre el nuevo disco de Yes, 'Fly From Here', Anderson no se cortó lo más
mínimo en mostrar su desencanto en el estricto plano musical del mismo: "Yo no
estaba realmente convencido", dice a la revista 'Rolling Stone': "El nuevo
cantante canta bien, pero suena un poco anticuado para mí. Además, la
producción no es tan bueno como yo esperaba. Con un gran productor con Trevor
Horn, ?qué demonios están haciendo?".
Pero no acaban ahí los desaires a su antiguo grupo. Preguntado sobre su salida
del mismo, Jon ha reiterado el malestar que le produce ver como su relación
está rota. Tras la enfermedad respiratoria que le obligó a alejarse de los
escenarios en 2008, "ellos no me dijeron nada. Se pusieron en marcha,
simplemente" -recordemos que con la incorporación de Benoït David, procedente
de una banda tributo a Yes, precisamente- "Me molestó al principio, pero te
dicen, 'Oh, bueno, los chicos quieren salir de gira y hacer rock'. Así que dejé
que ellos lo hicieran, ?qué iba a hacer si no?...".
Sobre su reciente disco en solitario, 'Survival & Other Stories', Anderson
confesó también con algo de sarcasmo, "Ahora la gente viene a verme a mí y me
siento de pronto 30 años más joven", en clara alusión a que no necesita
presentarse como Yes para atraer al público, y su excelente estado de salud.
Además, aprovechó para dejar claro que la mala relación reinante con Squire,
White y Howe ya venía de lejos. Desde que comenzó con sus problemas de salud.
Concretamente, antes de verse definitivamente obligado a abandonar los
escenarios y verse hospitalizado para tratarse, el de Lancashire desveló que la
banda estuvo mucho tiempo girando durante la última década sin tener en cuenta
los problemas que el ya estaba empezando a desarrollar, pese a las reticencias
que el mostraba: "Yo estaba tosiendo sin parar. Tanto, que los únicos momentos
en que no estaba tosiendo eran estaba en el escenario", dice. Y añade: "Sólo
necesitaba un descanso, pero los chicos estaban molestos por eso".
La degradación de su relación llegó a un punto en que Anderson viajaba en un
autobús con el teclista Rick Wakeman, mientras que los otros tres miembros de
Yes (Chris Squire, Alan White y Steve Howe) viajaban en otro. "Teníamos el
coche feliz", dice Anderson. "Ellos estaban en el auto de mal humor",
sentencia.
Veremos si estas declaraciones tienen respuesta por parte de los aludidos
Squire, Howe y White, o si prefieren dejar correr el asunto. Lo que está claro
es que las eternas luchas de poder y egos no están ni mucho menos alejadas de
los británicos, que han tenido a lo largo de sus custro décadas más de un
desencuentro. "
Enlace original:
www.portalesquizofrenia.com/cms/jon-anderson-carga-contra-yes-y-su-ultimo-disco.html
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: "Josep M. Badia" <josepmbadia2003@yahoo.es>
Asunto: Roger Hodgson en Tarragona, 12-07-11
Concierto de Roger Hodgson en Tarragona, julio 2011
Hola, Cajeros!
En el Auditori del Camp de Mart, bajo las míticas murallas de Tarragona, y con
unos 2000 espectadores, por primera vez pude disfrutar de la actuación de Roger
Hodgson con banda. El recinto era magnífico, y aunque el clima no acompañó, el
toldo que nos cubría evitó males mayores.
Efectivamente hubo algunos problemas de sonido al principio, pero luego la cosa
mejoró y técnicamente todo fue impecable, incluida la voz de Roger (como
siempre) y la actuación de la banda. Algunas de las que ya le había oído en
solitario mejoraron mucho con el grupo ("Hide in your shell", !por fin!), y
otras de las no habituales ("In Jeopardy") quedaron también espectaculares.
En contraste, no faltaron tampoco las canciones más intimistas que también me
pusieron la piel de gallina: "Easy Does It", "Know Who You Are", y la sorpresa
de la noche:
"Across the Universe" de los Beatles.
Espectacular fue también oir "Fool's Overture" rodeados de rayos y truenos,
para acabar soltando adrenalina con "Give a Little Bit" e "It's Raining
Again" (nunca mejor dicho) como de costumbre.
Al acabar, un poco de mitomanía charlando y fotografiándome con los ilustres
Lluís Gavaldá y Joan Reig del gran grupo Els Pets; y por supuesto, con los no
menos ilustres fans llegados desde toda la Península.
La banda:
- Roger Hodgson, voz, guitarras, teclados.
- Kevin Adamson, teclados.
- Bryan Head, batería.
- Ian Stewart, bajo.
- Aaron McDonald, saxofones, armónica, flauta, teclados.
El set-list:
- Take the long way home
- School
- In jeopardy
- Hide in your Shell
- Easy does it
- Sister moonshine
- A soapbox opera
- Breakfast in America
- London
- Along came Mary
- The logical song
- Only because of you
- Lord is it mine
- Across the universe
- Know who you are
- Child of vision
- The awakening
- Don't leave me now
- Dreamer
- Fool's overture
- Two of us
- Give a little bit
- It's raining again
Salu2
Josep M.
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Autor: "Quagliano" <equagliano@gmail.com>
Asunto: Gigantes Gentiles 52: Especial festivales
Amigos:
Este miércoles 20 de julio, a las 22hs. y por RadioColaborativa.com,
presentaremos el programa Nro. 52 de Gigantes Gentiles, la buena música que no
se escucha.
En este programa: Abrimos con el grupo de Jazz Fusión Ud. Tiene Razón;
presentamos el Festival Solo Bajo Buenos Aires 2011, con una entrevista a
Héctor Pegullo (Trío Argentino de Bajos) y escuchamos a los músicos
participantes: Fernando Suarez (Uruguay), Groove Flow, Hector Pegullo, Eduardo
Pandolfo, Trío Argentino de Bajos y Marcelo Yakko Group. Además: la entrevista
telefónica de Bernardo Alza (Cosas Rústicas) con Jorge Garacotche momentos
antes del comienzo del festival del Programa 50 de Gigantes Gentiles. Para el
cierre, presentamos la 4ta. edición del festival ProgreRock Rosario 2011, y
hablamos de las bandas participantes: La Gota, Láquesis, Ariel Pozo, Fruta
Groove, Trío Vilardebó (Uruguay) y La Barca, y escuchamos trabajos de varias de
ellas.
Gigantes Gentiles, la buena música que no se escucha, se emite por 10 emisoras:
RadioColaborativa.com, FM VOX 100.9 Mhz (Punta Alta, Argentina), RadioXpress,
Tu Voz Interactiva (México), SinAudio.com (México), FM Ariadna Solidaria 95.5
(Blanco Encalada, Mendoza), Código DF (México DF), Delta 80 (Caseros, Bs. As.),
Culturactiva Radio (Montevideo, Uruguay) y Radio Mucury Cultural, de Teófilo
Ottoni, Minas Gerais, Brasil.
!Los esperamos!
--
Quique Quagliano
RadioColaborativa.com, Voluntades en red
www.radiocolaborativa.com
radiocolaborativa@gmail.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Mono - "You Are There" (2006)
MONO: "You Are There" (2006)
Temas
1. The Flames Beyond The Cold Mountain (13:29)
2. A Heart Has Asked For The Pleasure (3:43)
3. Yearning (15:38)
4. Are You There? (10:25)
5. The Remains Of The Day (3:41)
6. Moonlight (13:04)
Integrantes:
- Yoda: guitarras
- Takaakira Goto: guitarras
- Tamaki: bajo, piano
- Yasunori Takada: batería, glockenspiel, sintetizador
Mono es el nombre de una banda, pero ante todo, el de una institución del
post-rock que se hace en Japón. El hecho de que el grupo haya establecido
fuertes contactos con bandas de la influyente movida underground estadounidense
en los últimos años, incluso llegando a celebrar su 10mo aniversario en un
escenario estadounidense con un concierto espectacular donde la banda estaba
apoyada por una orquesta, habla a alto volumen sobre el nivel de importancia
que Mono tiene y ostenta en los círculos de apreciadores del post-rock y otras
formas de rock experimental de raigambre shoegaze, psicodélica y progresiva. El
grupo también goza del aprecio de buena parte de la prensa musical
especializada en vanguardias rockeras varias, especialmente desde que su
segundo disco "One Step More And You Die" les ayudara a expandir su nombre. El
disco que reseñamos aquí es el cuarto (penúltimo hasta la fecha), y en base a
nuestra propia experiencia, se puede recomendar como punto de ingreso idóneo
para el público neófito: este disco marca un interés de parte de Mono de darle
vestiduras más sofisticadas a su esencia estilística, especialmente en relación
con el uso de algunos arreglos orquestales.
'The Flames Beyond The Cold Mountain' abre con tres minutos y poco más de
rasgueos flotantes que simulan llamas tenues que recién se van abriendo paso en
medio de un calor distante; cuando una armonía básica de guitarra se empieza a
armar, el terreno está preparado para en cualquier momento se dé una erupción
de emotividades oscuras y místicas a cargo del ensamble que está enteramente
entregado a su fragor interno. Así, casi sin querer, nos hemos enrollado con 9
minutos de gloria post-rockera donde la melancolía se convierte en una fuerza
agresiva de la naturaleza. Llegando a una nueva sección de la pieza, la banda
se sumerge en aguas más introspectivas de manera engañosa, pues no se trata de
una calma tras la tormenta sino de un reposo en medio de la tormenta que nunca
desapareció, tal como muestra la furia a la vez robusta y etérea que se
desarrolla en los dos últimos minutos. 'A Heart Has Asked For The Pleasure'
ofrece un momento de lirismo romántico genuinamente acogedor, alimentado por
cierta aura de misterio: un momento de tranquilidad emocional antes de que
'Yearning' recapitule el romanticismo reinante y lo lleve por un tránsito desde
iniciales parajes de cuidada sutileza hasta otras pautas marcadas bajo
coordenadas majestuosas, las cuales incluso aluden seriamente a inclinaciones
de emotividad retorcida. Metiendo durante su último tercio algo de crimsonismo
al sólido esquema post-rockero que goza de obediente lealtad de parte del
cuarteto, 'Yearning' logra generar un clímax fulminante donde los guitarreos y
la dupla rítmica llegan a instalarse en un terreno de exaltación: aquí
podríamos testimoniar una actitud celebratoria si no fuera porque la
ambientación permanece bien enquistada en la lógica de la densidad que emana
desde la sombría oscuridad de los rincones más ocultos del corazón, y de hecho,
los últimos dos minutos y medio se hunden en una languidez reflexiva que
reitera en buena medida el ocultamiento culminante de la primera pieza. 'Are
You There?' recaptura la inmensidad de la melancolía reinante y le proporciona
un ropaje de nebulosa tranquilidad, retratando el relax de los latidos del
corazón del mundo mientras se deja envolver por una niebla otoñal cuyas oscuras
tonalidades grisáceas brindan protección en vez de expectante peligro o
misterio. Nada que temer, solo hay que dejar que la nostalgia se suelte e
inunda el paisaje con pulso firme y consistente. 'The Remains Of The Day' es
una hermosa melodía manejada por el piano y el ensamble de cuerdas (sutilmente
alimentado por capas de guitarra), donde el espíritu contemplativo se hace
irresistiblemente candoroso y ensoñador, un halo de luz primaveral después de
la bruma otoñal de 'Are You There?'. Finalmente, 'Moonlight' desarrolla una
combinación de la plácida melancolía que había dominado el ambiente
predominante de 'Are YouThere?' y el relax ambivalente de 'Yearning'. El motivo
central es sencillamente hermoso, sintiéndose continuamente nuevo a través de
su consistente recurrencia; a medida que se van sumando texturas de guitarra
para explotar la fuerza latente, adquiere una majestuosidad bárbaramente
señorial, y a eso ayuda la intervención del ensamble orquestal.
Con "You Are There", Mono consolidó de manera inapelablemente justa su sitial
como portavoz principal de la escena post-rockera japonesa ante el mundo. Todo
el ingenio derrochado y plasmado en los tres discos de estudio anteriores puede
interpretarse como un proceso de gestación de la magnificencia que inunda cada
poro sónico de este disco. A pesar de tener tan solo 5 años de edad, "You Are
There" debe ser considerado como un clásico indiscutible del post-rock.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: QUEENSRYCHE en la prensa peruana
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La prensa peruana, más específicamente, el diario "El Comercio", ha brindado un
sitio para el nuevo disco de QUEENSR 9FCHE "Dedicated To Chaos". El artículo
escrito por Rafo Valdizán aparece transcrito a continuación.-
" CAMBIOS... ?CAOS?
Basta darse una vuelta por algunos sitios de Internet para enterarse de cómo
muchos han vapuleado el más reciente esfuerzo de Queensryche. Hasta podrían
tejerse bromas de humor negro con estos primeros tanteos -la placa acaba de
salir hace solo unos días- en relación al nombre del disco: "Dedicated to
Chaos" (Dedicado al caos)...
La mayor cantidad de objeciones apunta a que la banda comandada por Geoff Tate
ha fabricado (malas) canciones, más cercanas al pop que al rock. E
inmediatamente surgen las comparaciones, mediante nostálgicos vistazos al
pasado glorioso de una banda capaz de crear monumentos como "Operation:
Mindcrime" (1988) o "Empire" (1990).
Es cierto. Queensryche ha cambiado mucho desde que se iniciara, a comienzos de
los años 80, como otro ensamble más de heavy metal. De las primeras influencias
de Iron Maiden o Judas Priest, pasó a pesquisas más complejas, las cuales
ayudaron a fundar el metal progresivo (posta que luego tomaron grupos como
Fates Warning o Dream Theater).
No contentos con ello, se hicieron más introspectivos (ejemplo, "Promise Land",
1994, tal vez su última gran obra). Tentaron un acercamiento a los sonidos del
grunge (intento fallido) y encallaron en un mar de indefiniciones, antes de
levantar cabeza en "American Soldier" (2009). Sin embargo, creo que "Dedicated
to Chaos" no es la desgracia que dicen que es (presumo que muchas opiniones
vienen de fans intransigentes e intolerantes a la experimentación). El álbum se
levanta fuera de los ámbitos del rock duro, sí. Pero ello no invalida el camino
tomado, el cual está más orientado al uso de herramientas rítmicas y a la
elaboración de melodías idóneas. Gustan temas como "Get Started" (primer
'single'), "Drive", "Broken" (introspectiva y doliente), "Hard Times" (un cruce
entre Bowie, Roxy Music y Pink Floyd), etc. "
Enlace PDF: http://elcomercio.pe/impresa/pdf/1309669200/ECMU030711c06/
?Cómo estará siendo este disco por los seguidores de este grupo y amantes del
rock en general en los próximos días y semanas? Con esta pregunta al aire me
despido hasta una nueva ocasión.
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