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La caja de musica Number 0941
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #941 enero 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
vota los mejores discos de 2010:
http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/CGI/mejor10.html
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* Los mejores del año
* MUDDY WORLD "Finery of The Storm"
* OVUM "Microcosmos"
* Tim Esau regresa a IQ... !!!
* mis discos favoritos de 2010
* ESKATON "4 Visions"
* Anathema en la prensa peruana
* el disco de HONEYELK
* Serpentina Satélite 2010
* LACRYMOSA 1984
* el 1ro. de AKSAK MABOUL
* LCDM: Psychotropic Caravan Festival III
* Pallas: "XXV" (2011)
* Los álbumes_que_más_os_han_marcado
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Autor: www-data <www-data@dlsi.ua.es>
Asunto: Los mejores del año
* Dirección de correo: hugo.castro@redsalud.gov.cl
* Votación de los mejores del año:
El año 2010, no hubo gran cantidad de producciones respecto de otros años, pero
si un numero suficiente para generar valiosos discos destacables en esta
segunda década de los 2000. Lamentablemente hay muchas producciones que quedan
fuera del alcance de nuestro tiempo y dinero y de las cuales vamos descubriendo
a medida que pasan los años. Pero de los que he logrado apreciar, estos son los
más destacados a mi gusto:
HYPNOS 69 LEGACY. Excelente CD al estilo rock psicodelico con King Crimson.
CICCADA A CHILD INH THE MIRROR. El mejor debut en años.
LA MASCHERA DI CERA PETALI DI FUOCO. El mejor Italiano (y es mucho decir)
CONQUEROR MADAME ZELLE. Excelente italianos con toques retros y modernos.
AMPLIFIER OCTOPUS. Mejor producción de rock progresivo contemporáneo.
WOLF PEOPLE STEEPLE. Mejor disco de stoner progresivo.
GROBSCHNITT LIVE 2010-2008. Excelente regreso en vivo de estas leyendas.
GROBSCHNITT HISTORY 0. No se como estos Alemanes sacan tantos CDs con temas
inéditos y de tan alto nivel.
SOLSTICE SPIRIT. Muy buen rock progresivo con toques folck. Estilo Karnataka,
pero buenos (me explico ?).
CRIPPLED BLACK PHONIX I VIGILANTE. Excelente producción al estilo Anathema y
Floyd.
ANATHEMA - WE`RE HERE BECAUSE WE`RE HERE. Uno de sus mejores trabajos.
SETI DISCOVERIES. Mejor CD latinoamericano.
RACCOMANDATA RICEVUTA RITORNO IL PITTORE VOLANTE. Otro regreso Italiano de
primer nivel.
KEITH EMERSON BAND MOSCOW. Creo que es el mejor DVD del año, con un sonido e
interpretación excelentes, sin mencionar los temas que son mejores aún.
QUANTUM FANTAY BRIDGES OF KUKURIKU. Extraño nombre para esta excelente
producción de rock psicodélico al estilo OZRIC.
MAGENTA LIVE AT REAL WORD. Excelente trabajo umpluge CD y DVD.
HAKEN AQUARIUS. El mejor disco de heavy progresivo.
IL TEMPLO DELLE C LESSIDRE SAME. Muy buen debut, aunque podría haber sido
mejor.
AREKINAMES IN CASE OF LOSS. Otros Italianos de primer nivel, interpretando su
mejor trabajo a la fecha.
ARGENT OF MERCY DRAMARAMA. Sólidos.
K2 Black garden. Buen segundo CD, denle una oportunidad.
Las decepciones.
ELOY. Nueva producción de bajo nivel de composición, Que te pasa FRANK, te ha
hecho mal el retiro?.
TRANSATLANTIC. Mas de lo mismo, un poco mejor que el anterior, pero esos temas
lateros que nunca terminan, chiclosos y desesperantes, especialmente esos
finales de 12 minutos que son aburridos y sin sorpresas.
THE WATCH PLANET EARTH?. Clones de Genesis con temas sin sentimiento ni
pasión (Genesis compuesto por computadoras). No se pueden superar, una lastima,
pues como músicos son excelentes.
Eso es todo y .......... un abrazo para cada uno de los cajeros y
recuerden
son solo comentarios emanados del gusto de cada uno.
Hugo Castro Salinas. Santiago de Chile
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MUDDY WORLD "Finery of The Storm"
MUDDY WORLD: "Finery of The Storm" (2006)
Temas
1. Iron Ant (3:49)
2. Lilac (6:53)
3. Fever (1:42)
4. Duel (5:05)
5. Dewfall (4:28)
6. Muddy Floor (6:21)
7. Apollo (3:38)
8. Granada (6:02)
9. Cut (4:27)
10. Neon (2:56)
Integrantes
- Soeda Yusuki: guitarra
- Murakami Keita: bajo
- Sugita Kohei: batería
Muddy World es el nombre de un ensamble japonés que dignifica infinitamente la
ideología del power-trío dentro de la avanzada rockera: su esquema sonoro que
alterna y/o combina fiereza, refinamiento y dinamismo de acuerdo a pautas
genuinamente progresivas es un perfecto ejemplo de cómo se puede, a punta de
ingenio, explotar sugerentemente ideas musicales usualmente sencillas a fin de
generar un resultado final complejo y sofisticado. Una cosa que es evidente
desde las primeras escuchas es que este trío de Yusuki, Keita y Hokei sabe
compenetrarse a las mil maravillas en sus jams, y otra cosa fácil de notar es
su necesidad de expresarse eclécticamente a través de una gama de recursos
estilísticos que contempla el jazz-rock, el math-rock, el patrón crimsoniano,
el stoner y la psicodelia pesada, además de algunas alusiones al modelo no-wave
de los primeros 80s. "Finery Of The Storm", su disco del año 2006 (anticipado
por su EP de 2004 "Iron Ant"), refleja a la perfección el talento con que
cuenta este ensamble para crear un eclecticismo tan electrizante con una
instrumentación no demasiado prolija.
El primer tema, 'Iron Ant', despeja toda modorra posible con un simple esquema
compositivo en 6/8 ejecutado con convincente polenta; este derroche de fuego
viene sucedido por los más elaborados matices de 'Lilac', pieza en 5/4 que
revela ciertos parentescos con Attention Deficit y la banda compatriota Baraka.
'Fever' es un interludio basado en un swing arquitectónico que prepara el
camino para el swing más suelto y vivaz de 'Duel', el cual puede describirse
como un experimento de química math-rockera realizado con logística tomada de
las áreas del crimsonismo y del stoner. Los climas de tensión y frenesí se
manifiestan con total vivacidad, pero el grupo cuida muy bien que este fuego
progresivo quede controlado a través de una fineza que para nada contradice la
agilidad muscular en curso. 'Lilac' y 'Duel' conforma las instancias más
incendiarias de este disco, pues en adelante el trío optará por tendencias más
reposadas (en diversas medidas) en lo que queda del disco. 'Dewfall' tiene
ciertos aires a lo Primus, aunque principalmente se trata de una pieza donde
predomina un espíritu sereno, además de ser uno de los pocos temas cantados del
disco. 'Muddy Floor' también es un número cantado, contando con un esquema
melódico llamativo, fácilmente llevadero, casi como un híbrido entre The Police
y Wes Montgomery. El gancho es tan cálido que el grupo se pueda dar el lujo de
explorar su magnetismo por 6 minutos y pico. 'Apollo' hereda algo de la calidez
del tema precedente, aunque esencialmente se trata de una exploración
instrumental de ambientes intimistas reflexivos sobre una pauta
predominantemente jazzera. 'Granada' también traba con cadencias jazzeras,
aunque su armazón sonora también incorpora elementos de math-rock en
proporciones equitativas: hay una cierta cualidad etérea que permanece
firmemente asentada a lo largo del tema. 'Cut' es otro tema cantado cuyo
esquema musical se basa en un efectivo jam de cariz stoner mezclado con
no-wave: aquí tenemos otro ejemplo de la capacidad de Muddy World de enrollarse
con una idea sencilla y sacarle un provecho interesante. El álbum concluye con
'Neon', un jam sostenido sobre una batería tribal que nos puede recordar muy
bien al primer Guru Guru empapado de aromas post-rockeros.
Muddy World es un grupo muy interesante, en mi opinión, un ensamble al cual
vale la pena seguir a fin de percatarnos de cuánto más es capaz de aportar a la
actual escena vanguardista japonesa.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: OVUM "Microcosmos"
OVUM: "Microcosmos" (2008)
Temas
1. Brilliant Lies (11:38)
2. Lost In Addiction (7:58)
3. Zero (6:47)
4. No Where Now Here (10:28)
5. Reflection (5:12)
6. Snowflake Butterfly (6:21)
7. Astral (11:37)
Integrantes
- Norikazu Chiba: guitarra, sintetizador
- Yu Tokuda: batería
- Yosuke Jinnouche: guitarra
- Shunsuke Onoyama: bajo
La escena rockera experimental que se desarrolla en Japón es un terreno muy
abierto y receptivo, lo cual incluye la presencia de importantes bandas de
línea post-rock procedentes de la tierra del Sol Naciente. Ovum es una de esas
bandas, y su disco debut "Microcosmos" es una buena vía de entrada para que el
neófito tiente su primera aproximación a esta banda. Explosions In The Sky,
Isis, Mogwai y sus más veteranos compatriotas de Mono son las principales
referencias de inspiración para este cuarteto formado en 2006, y que
prácticamente desde el primer día ha ido manteniendo una constante actividad en
el área underground de Tokio.
'Brilliant Lies' abre brillantemente el disco con una muestra de las
potencialidades más extrovertidas del estándar del post-rock. El motivo inicial
se instala con una aureola optimista que funciona muy bien a la hora de
expresar su gancho inherente, y a partir de ahí el cuarteto elabora un poderoso
clímax en su camino hacia la barrera de los 6 minutos y medio. Aquí se da un
punto de quiebre en el cual el ensamble regresa al motivo original y reelabora
un segundo y definitivo clímax. El encuadre armado entre el cálido swing de la
batería y la calculada arquitectura de las guitarras duales es perfecto para la
ocasión. Con estos primeros 11 minutos y pico de explosión sónica, el primer
impacto sobre la atención del oyente está garantizado. 'Lost In Addiction'
recapitula en buena medida esta extroversión musical aunque la dosis de polenta
está evidentemente más medida; cabe notar la incorporación de ciertas cadencias
jazzeras en el desarrollo rítmico de esta pieza en particular, lo cual permite
al grupo generar algunos momentos de espíritu juguetón a su vuelo instrumental.
'Zero' cambia de registro para orientarse hacia los senderos más introvertidos
del post-rock: el cáustico empleo de la lenta base rítmica y los persistentes
efectos cósmicos de guitarra en el trasfondo garantizan la permanencia de una
aureola casi surrealista en torno al simplista esquema compositivo empleado
para la ocasión. 'No Where Now Here' es otro tema largo, durando poco menos de
10 BD minutos. Para sus primeros 4 minutos, el tema perpetúa los aires
reflexivos de la pieza precedente, para luego sacar provecho de las
entusiastamente flotantes armonías guitarreras en curso y darle un giro
explosivo: la brisa otoñal que antes envolvía el cerebro del oyente se
convierte en éter dinámico, elaborando así un clímax electrizante que no
descontrolado. La coda desarrollada en el último minuto ofrece un momento de
puro relax. 'Reflection' supone la cumbre del disco en términos de desarrollo
compositivo: Ovum decide incorporar aires de Latin-fusion y crimsonismo de la
etapa "Discipline" a su línea de trabajo, incluyendo también interesantes
variaciones en el esquema rítmico. 'Snowflake Butterfly' retoma y capitaliza el
ímpetu introspectivo trabajado anteriormente en 'Zero', ofreciendo así un
abierto contraste frente al colorido patente de 'Reflection'. Los últimos 11
BD minutos del álbum están dedicados a llevar lo introspectivo hacia una
dimensión épica, exaltada, tensa: 'Astral' basa principalmente el núcleo de su
expresividad en la alternancia entre pasajes dominados por flotantes acordes de
guitarra y otros marcados por interludios cálidos (rezagos de lo hecho en los
dos primeros temas del álbum). Da la impresión de que el grupo se plantea
sugerir y aliviar sucesivamente un clima de tensión siempre disponible para
soltarse de una vez=85 y finalmente lo hace en los segundos finales, culminados
con un ingeniosamente abrupto final.
"Microcosmos" es, en el balance general, un muestrario de una hora de post-rock
concebido y ejecutado con músculo y nervio: Ovum se dispone desde el punto de
partida a impulsar una vitalidad electrizante al género a la par que aplica
obedientemente las reglas inauguradas por sus paradigmas de preferencia.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Tim Esau regresa a IQ... !!!
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Una telenovela llena de sobresaltos y resoluciones felices, eso parece la
historia aún viviente de IQ. Tras el shock de la partida de John Jowitt, quien
aportó swing y personalidad a la dupal rítmica de la banda desde los tiempos de
"Ever", ahora nos llega la noticia del retorno de Tim Esau. Parece mentira...
pero sí, el bajista original regresa a IQ después de 30 años fuera de ella (la
culminación de la gira de "Are You Sitting Comfortably?").
Tal como aparece en el enlace www.iq-hq.co.uk , el grupo publicó: "Estamos muy
contentos de anunciar el retorno a IQ de Tim Esau. Estamos muy entusiasmados de
poder contar con él de nuevo en la familia de IQ para la gira de nuestro 30mo
aniversario".
A su vez, Tim señaló lo siguiente: "Bueno, comenzaré expr5esando mis mejores
deseos para John en el futuro. Solo lo vi un par de veces pero sé que es un
gran músico y que era muy popular entre los leales fans de IQ. Así pues, tras
la partida de John y tras recuperarme de la impresión inicial de un mail que
recibí, estoy extremadamente agradecido a Pete, Mike y Cookie por pensar en mí
para tocar el bajo en IQ y estoy feliz de aceptar su invitación. Tengo muchas
ansias por volver a trabajar con ellos, conocer y trabajar con Neil, ver muchas
caras que no he visto en años, y por supuesto, conocer nuevas caras."
El grupo añade: "!pueden confiar en que no tenemos planes de nuevos cambios en
la formación en el futuro próximo! Estamos ansiosos por verlos a todos ustdes
en el IQ30 Tour que tendrá luga reste año."
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: mis discos favoritos de 2010
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Aquí va la lista de mis discos favoritos del año 2011, comenzando con los 10
primeros en riguroso orden de preferencia.-
1. FROGG CAFÉ - Bateless Edge
2. UNIVERS ZERO - Clivages
3. YUGEN - Iridule
4. JAGA JAZZIST - One-Armed Bandit
5. ALGERNON - Ghost Surveillance
6. KAYO DOT - Coyote
7. FRENCH TV - I Forgive You For All My Unhappiness
8. NICHELODEON - Il Gioco Del Silenzio
9. RATIONAL DIET - On Phenomena And Existences
10. AREKNAMÉS - In Case Of Loss...
Ahora siguen los demás discos favoritos, en estricto orden alfabético por
grupo/músico.-
AMOEBA SPLIT - Dance Of The Goodbyes
AUTUMN MOONLIGHT - The Sky Over Your Shoulders
CANVAS SOLARIS - Irradiance
JOSÉ CARBALLIDO - Réquiem
COSA BRAVA - Ragged Atlas
LAS COSAS - Solarística
DEFÓRMICA - Páramo
ELEPHANT9 - Walk The Nile
ERIS PLUVIA - Third Eye Light
FALSOS CONEJOS - YYY
TREY GUNN & MARCO MINNEMANN - Modulator
HELMET OF GNATS - High Street
HYPNOS 69 - Legacy
K2 - Black Garden
KINDER - Kinder
LENIN - Río Hecho Cacería
LIIR BU FER - 3juno
LUZPAR CDS - Tierra De Conejos
LA MASCHERA DI CERA - Petali Di Fuoco
MY SLEEPING KARMA - Tri
PILOTOCOPILOTO - Pilotocopiloto
PROYECTO WEF - Creación espontánea
PSICOTROPIA - Psicotropia3
RED SPAROWES - The Fear Is Excrutiating But Therein Lies The Answer
RELOCATOR - Relocator
RODRIGO SAN MART CDN - There's No Way Out
SHINING - Blackjazz
IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE - Il Tempio Delle Clessidre
THE WATCH - Planet Earth?
XING SA - Création De L'Univers
ZAAL - Onda Quadra
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ESKATON "4 Visions"
ESKATON: "4 Visions" (1981)
Temas
1. Eskaton (10:24)
2. Attente (10:12)
3. Ecoute (13:00)
4. Pitié (8:44)
Integrantes
- André Bernardi: bajo
- Gérard Konig: batería
- Alain Blésing: guitarra
- Gilles Rozenberg: órgano, sintetizador
- Eric Guillaume: piano eléctrico
- Marc Rozenberg: piano eléctrico
- Paule Kleynnaert: voz
- Amara Tahir: voz
Grabado en primer lugar pero recién editado un año después de "Ardeur", este
involuntariamente segundo álbum de Eskaton titulado "4 Visions" puede
legítimamente considerarse como la manifestación pura del tipo de orientación
musical que este ensamble propuso para la marginal pero intensa movida zeuhl
que operaba en los círculos vanguardistas de la Francia progresiva desde los
albores de la obra de Magma. No son pocos los coleccionistas que consideran a
Eskaton como la expresión más lograda del género (sin dejar de reconocer la
insoslayable presencia pionera de Christian Vander & co.) a pesar de lo
evidentes que son las deudas estéticas para con los embajadores rockeros del
ideal kobaiano. De hecho, Eskaton asumió la tarea heterodoxa de hacer zeuhl en
un idioma tradicional, el francés (la alternativa a hacer zeuhl netamente
instrumental era cantar en idioma inventado, idiomas poco comunes como el corso
en el caso de Rialzu, o simplemente tarareando), pero Eskaton hizo lo que hizo
y así se lo propuso desde la primera mitad de los 70s. Es una pena que recién a
fines de los 70s pudiera Eskaton disponer de medios para registrar en acetato
su visión musical: en 1979 Eskaton debutó con un single, y en el lapso de los
10 meses siguientes grabó dos álbumes de estudio que, por causas del destino de
la industria fonográfica, se editaron en orden inverso. En fin=85 Eskaton se
caracteriza por darle un enfoque refinado y más marcadamente fusionesco a los
estándares del zeuhl, lo cual los emparenta mucho con Dn y Zao: un zeuhl más
accesible en cuanto a elaboraciones compositivas y que, a cambio, se plantea
desafíos en amalgamas rítmicas y manejos de texturas. Eskaton es un paradigma
especial dentro del bizarro género en que se ubica.
El tema que da nombre a la banda abre el disco con un esplendor alucinante,
mostrando una aureola de energía y plenitud pero aferrándose concienzudamente a
las musas de la estilización: la arquitectónica afluencia de los dos pianos
eléctricos complementa dinámicamente a la labor de la batería, de tal modo que
el bajo puede lucir bastantes florituras desde su rol de puente entre el
esquema rítmico y los bizarros recursos musicales que se vierten desde el canto
femenino, la guitarra y el sintetizador. 'Attente' se inicia con una breve
introducción cósmica de sintetizador, siendo así que al poco rato se revela el
cuerpo central con un swing bastante medido, basado en el espléndido
afiatamiento entre el bajo, la batería y el piano eléctrico. Si el primer tema
parecía centrarse en ambientes celebratorios y optimistas, éste ofrece un
espíritu ceremonioso, pero lejos de recargarse por el lado tétrico que era muy
recurrente en la vanguardia gala del RIO y el zeuhl, la gente de Eskaton
conserva una ligereza muy conveniente a la hora de sacarle el jugo a las
cadencias desarrolladas en el vuelo instrumental. Para los dos últimos minutos,
la coda elabora una atmósfera entusiasta que genera una interesante variante
frente a la vibración ceremoniosa que había reinado hasta ahora. La segunda
mitad del disco abre con 'Ecoute', la pieza más larga del mismo, y la que
también lleva el sonido Eskaton hacia los niveles más altos de complejidad
épica. El colorido y espíritu extrovertido de siempre vuelven a hacerse
presentes, allí no hay mayor novedad, pero cabe notar que el bloque
instrumental se vuelve más macizo; además, se enriquece mucho con la presencia
de elementos de space-rock (especialmente en el uso del sintetizador en algunas
partes, sonando como si Tim Blake hubiera sido convocado como colaborador
especial), así como el realce melódico en determinadas partes cantadas (algo
que usualmente asociamos al estándar sinfónico). El tema se mantiene en un
frenesí orgásmico constante, ayudado tanto por el fluido manejo de la
arquitectura rítmica como por las mágicas evocaciones vertidas por el doble
canto femenino; también hay espacio para dos estupendos solos de guitarra que
tienen más de jazzero que de zeuhl. Tras el esplendor épico de 'Ecoute',
'Pitié' completa el concepto del álbum enrumbándose por sonoridades
ensoñadores, enfatizando así la faceta texturial de la banda. Hay una cualidad
claroscura en la sección inicial que parece como una sutil amenaza, pero una
vez instalado el cuerpo central nos topamos con una nueva expresión de elegante
tensión que Eskaton convierte en marca registrada: en todo caso, 'Pitié' se
aleja de las dimensiones épicas de 'Ecoute' a fin de explorar ambientes más
relacionados con el space-rock (también presentes en 'Ecoute'), así como
acercarse al espíritu ceremonioso que fue predominante en 'Attente'.
"4 Visions" es todo un clásico del zeuhl, una alternativa al estándar
monumental y fastuoso que con que Magma signó su rol pionero de esta vertiente
progresiva. Esta alternativa encarnada por Eskaton es la que más ha calado en
las bandas de nueva generación (Neom, Xing Sa, Setna) junto con Dn y Zao.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Anathema en la prensa peruana
HOLA LATEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El pasado domingo 9 de enero se publicó en la prensa peruana, más exactamente
en el diario "El Comercio", una nota sobre la banda ANATHEMA. Paso a
transcribir la nota a continuación.-
" Cambio de atmósferas
Por: Rafael Valdizán
Formado en 1990, en Liverpool, Anathema es un nombre obligado entre las bandas
de culto. Y tiene un espacio ganado, a punta de experimentación y cambios de
piel. Si tomáramos los extremos -sus inicios y su actualidad-, bien podríamos
pensar que se trata de dos grupos diferentes, con muchas más divergencias que
similitudes: un punto de partida dentro de un microcosmos death/doom y un
presente de características difusas, marcado por densas atmósferas y un sonido
más contemporáneo, que ha resultado en una abierta gama de posibilidades de
clasificación; ahora dicen de Anathema que es una banda de new prog rock; otros
le han clavado la etiqueta de rock alternativo, o de metal alternativo, y
podríamos seguir (sucede que hoy Anathema puede encontrar puntos de confluencia
con las estéticas de actos como Pink Floyd o Radiohead, por citar dos
ejemplos).
La verdad es que el curso de la banda de los hermanos Cavanagh ha sido un
deslizamiento constante. Si habláramos de colores, podría decirse que el
trayecto ha ido mudando del negro más profundo a una suerte de transparencia,
no sin antes haber atravesado varias capas de grises. En ese deslizamiento,
Anathema se ha despojado progresivamente de algunas pieles: Luego de discos
como "Serenades" (1993) y "The Silent Enigma" (1995), sofocaron las voces
guturales propias del death. En trabajos como "Eternity" (1996), "Alternative
4" (1998) y "Judgement" (1999) asoman algunos elementos más propios del mundo
gótico, con voces limpias, pero se conservan ciertos sonidos duros -que
conviven con otros matices: cuerdas acústicas, teclados- y el clima oscuro,
melancólico, por momentos agónico.
Es a partir del "A Fine Day to Exit" (2001) cuando Anathema ensaya un giro más
definido: adelgaza su sonido y la composición de canciones asume una mayor
complejidad (es ahí que empieza aquella dicotomía entre lo progresivo y lo
alternativo). Es claro que desde entonces Anathema deja de ser (por si alguien
aún tuviera dudas) una banda de metal, en su concepción más amplia, e ingresa,
de plano, entre las coordenadas de quién sabe qué tipo de rock (preferiríamos
evitar clasificaciones imposibles).
Lo más reciente de Anathema lleva por título "We're Here Because We're Here".
Diez canciones que prosiguen con el mandato del grupo: evolucionar, mutar,
probar de aquí y de allá. Con un sonido mucho más cristalino, cortesía de finas
guitarras acústicas y de un piano creciente, los nuevos temas de la banda
demuestran que todo cambio, cuando se hace con determinación y creatividad al
tope, puede otorgar buenos dividendos: drama exacerbado en temas como "Thin
Air" y "A Simple Mistake"; trance progresivo en "Summernight Horizon"; espíritu
etéreo en "Dreaming Light" y "Everything" y "Angels Walk Along Us"... Toda la
obra parece una pieza lírica, de sublime belleza. Y siempre con un costado
reservado a un sentimiento que ha sobrevivido a los cambios: la melancolía. "
El archivo PDF de esta nota está en
http://elcomercio.pe/impresa/pdf/1294549200/ECMU090111c07
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el disco de HONEYELK
HONEYELK: "En Quete d'Un Monde Meilleur..." (1979)
Temas
1. Stoyz (Duel á Vie) (11:33)
a) Rencontre avec la vie
b) Combat pour l'Harmonie
c) Naissance de la Sensibilité
2. Do Zé Vé Loy (Terres de Sagesse) (14:16)
3. Osmose (en vivo) (CD-Bonus) (4:50)
4. Rencontre d'un soir (improvisación) (CD-Bonus) (7:34)
5. Message En Breaks (CD-Bonus) (1:41)
6. Qu'une meme lumiére guide nos pas (CD-Bonus) (1:21)
Integrantes
- William Grandordy: pianos acústico y eléctrico, sintetizador
- Gérard Blanc: bajo, sintetizadores, voz, piano eléctrico en 4
- Pierre Yves Maury: clarinete, saxofones
- Christian Blanc: batería, percusión, coros
- Frank Louisolo: guitarras
Músicos adicionales - Fabien Giacchi (bajo en 4), Eric Reieuvernet
(sintetizador en 4), Jean Cortes (violín en 4)
Honeyelk es el nombre de una de las bandas más oscuras de la vanguardia
francesa de los 70s, formado por los dos hermanos Blanc (uno
baterista/percusionista, otro teclista/bajista) a mediados de la década
prodigiosa del progresivo: su carrera fonográfica fue muy corta, consistente en
un solo disco editado artesanalmente en una primera edición y recuperado
posteriormente con unos cuantos temas extra tocados en vivo para el formato
digital. Su estilo tiene una sonoridad zeuhl en la base, obviamente tomando a
Magma como referente necesario pero con un dinamismo que tiene más parentesco
con Zao y Potemkine (o sea, explorando el lado más propiamente fusionesco del
zeuhl), aportando también nexos con la línea sinfónica gala (Carpe Diem). La
banda tuvo no solo un repertorio corto sino también una formación muy
inestable, con un Gérard Blanc que alternaba roles de bajista y teclista según
se diera la ocasión (siendo muy competente en las cuatro cuerdas, dicho sea de
paso, un aplicado émulo de Paganotti y Berlin).
El repertorio oficial del álbum dura menos de 26 minutos: los dos temas largos
que se incluyen aquí fueron ejecutados por la formación de quinteto que incluía
a un guitarrista especializado y a un vientista, aunque este segundo es el que
más hace lucir su instrumento con mucha diferencia. 'Stoyz (Duel á Vie)'
comienza con un breve y amable prólogo de piano y base de sintetizador antes de
focalizar su primer motivo cantado en un vitalista ejercicio musical que puede
evocar ciertas reminiscencias con Potemkine y Carpe Diem simultáneamente. Un
segundo motivo se impulsa desde un swing jazzero y desarrolla un interludio
pulsátil de tendencia zeuhl, seguido de un pasaje de piano eléctrico y
clarinete que inaugura una sección melancólica (también cantada) marcada por un
manejo lírico de ambientes etéreos, aunque pronto regresan los momentos de
expresividad extrovertida. Para el cierre, la banda retoma el primer motivo
cantado y se despide con un fade-out que llega demasiado pronto. 'Do Zé Vé Loy
(Terres de Sagesse)' conforma una expresión más contundente de la visión
musical de Honeyelk, jugando con pasajes de tensión en medio de otros
focalizados en dinámicos desarrollo pulsátiles: el trabajo de la dupla rítmica
es patentemente complejo, lo cual repercute en realzar el carácter casi
orquestal que aportan los teclados y el saxo en varios momentos. Hay otros
momentos en los que el grupo se consagra en homenajear a Zao y Potemkine, que
ya mencionamos como referencias predominantes en el sonido de la banda. Cerca
del final, el grupo se complace en exhibir sonoridades medio cósmicas (más
parecidas al krautrock atmosférico) antes de elaborar una hermosa coda
estilizada en la que hace gala de un lirismo bien armado. Una vez más, da la
impresión de que el tema concluye demasiado pronto. El primer bonus track,
'Osmose' es un ejercicio de atmósferas introspectivas, mientras que 'Rencontre
d'un soir' elabora un estupendo jam de corte fusión: para este tema mencionado
en segundo lugar, la banda cuenta con un violinista y un teclista a cargo del
sintetizador. Al grupo se le da muy bien esta estrategia creativa .es una pena
que no la hayan explorado más a menudo. Los dos últimos bonus tracks son muy
breves: un solo de batería y una balada de voz y piano eléctrico,
sucesivamente, completan el legado que Honeyelk aportó al variopinto y
sorprendente mundillo de la vanguardia progresiva francesa. Siendo un misterio
parcial dentro de la historia del progresivo galo, el nombre de Honeyelk
resulta muy recomendable para coleccionistas.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Serpentina Satélite 2010
SERPENTINA SATÉLITE: "Mecánica Celeste" (2010)
Temas
1. Fobos (9:10)
2. Sangre De Grado (5:01)
3. Mecánica Celeste (7:46)
4. Imaginez Quel Bonheur Ce Sera De Voir Nos Chers Disparus Ressucités! (2:04)
5. Ai Apaec (8:15)
6. Sendero (11:16)
Integrantes
- Aldo Castillejos: batería
- Félix Dextre: bajo
- Flavio Castillejos: recitaciones
- Dolmo: guitarras
- Renato Gomez: guitarras
Lanzado al mercado en el último tercio del año 2010, "Mecánica Celeste" es la
tercera producción del ensamble peruano Serpentina Satélite, el cual sucede al
ampliamente elogiado "Nothing To Say". Lamento en lo personal haberlo conocido
tan tarde, pero bueno, ahora que lo he hecho, puedo afirmar que este grupo
sigue siendo una voz líder dentro de la vanguardia psicodélica que se viene
desarrollando en el nuevo milenio tanto a nivel latinoamericano como mundial.
"Mecánica Celeste" es un disco que refleja desarrollos sónicos más densos y
oscuros en comparación con su predecesor, dándole así un cariz más robusto a su
estrategia estilística ampliamente basada en las tradiciones del krautrock (Ash
Ra Tempel, Guru Guru, Amon Duul II), space-rock (Hawkwind) y el stoner.
Dependiendo de cómo el oyente reciba esta renovación de la fórmula, se sentirá
más o menos satisfecho a la hora de compararlo con "Nothing To Say" desde un
criterio meramente personal, pero queda claro que Serpentina Satélite persiste
como un referente dentro de la vanguardia rockera de nuestros días.
'Fobos' abre el disco con una marcada aureola de densidad que anuncia
adecuadamente el tipo de sonoridad que describimos anteriormente: esquema
rítmico contenido, elaboración de imponentes climas grisáceos. El afiatamiento
de los guitarreos porta vínculos con el estándar del post-rock, pero el
encuadre space-rock sigue siendo la clave temática para el bloque sonoro de
Serpentina Satélite. Para los últimos 3 minutos y pico, el jam nuclear pasa a
un momento de dinámico frenesí en base al cual la instrumentación desarrolla su
hasta ahora parcialmente contenida energía. Así pues, el clímax conclusivo de
'Fobos' deja listo el camino para el despliegue de vigor en 'Sangre De Grado',
todo un ejemplo de cómo la fuerza visceral de un motivo básico sencillo puede
resultar coloridamente enriquecida a punta de aumentar intrigantes capas y
riffs de guitarra. El cierre épico de este jam sirve, a su vez, como puente
hacia la magia peculiar de la pieza homónima, una genuina muestra de la columna
sónica de la banda en su manifestación más intensa. Tan robótico como vibrante,
tan misterioso como directo, 'Mecánica Celeste' encarna a la perfección el
ideal de proyección mental que define las diversas estéticas psicodélicas: bien
podría describirse como una cruza entre el Hawkwind de "Doremi Fasol Latido" y
el primer Ash Ra Tempel, con añadidos matices de noise-rock. 'Imaginez Quel
Bonheur Ce Sera De Voir Nos Chers Disparus Ressucités!' ('!Imagina Qué Alegría
Nos Daría Ver Resucitados A Quienes Partieron' en francés) es un breve ritual
centrado en la percusión tribal, el cántico femenino y un recitación, el mismo
que nos sirve para reposar un rato antes de que 'Ai Apaec' exponga pesadas
moles guitarreras sobre un compás lento que arrastra una imponente parsimonia
muy conveniente para el caso. Percibo la influencia el del Guru Guru de
"KanGru". Aquí se confirma plenamente la validez de la estrategia artística
desarrollada desde la pieza inicial. Llegamos al final del disco con 'Sendero',
tema que ocupa un amplio espacio de 11 minutos y cuarto. Este tema comienza con
porciones del cántico de Adviento "Un Pueblo Que Camina", un cántico al cual el
grupo alude con perturbadores aires de ambigedad al armar un preludio pesado
en clave de marcha militar, el cual termina transformándose en un motivo
continuo que, a su vez, prepara el impulso del vendaval rockero iniciado a poco
de pasada la barrera de los 4'30": el fuego cósmico se torna incendio violento
que tiene mucho de opresivo y también mucho de atrapante. Poco antes del octavo
minuto, la pieza vira hacia ambientes flotantes que sostienen el
correspondiente fade-out, el cual anuncia el momento final de retorcido
misticismo: la coda conformada por cánticos que regresan para entonar
"Resucitó".
En conclusión, "Mecánica Celeste" es un excelente muestrario de experimentación
psicodélica que mantiene a Serpentina Satélite como puntera de la vanguardia
rockera sudamericana. Repito que lamento haber conocido este disco tan
tardíamente.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LACRYMOSA 1984
LACRYMOSA: "Bugbear" (1984)
Temas
1. Opus 2 (7:53)
2. Le Chant Par Blace Cendrars (4:15)
3. Junkie's Lament (5:47)
4. Suspicion & Bugbear (5:23)
5. Vision I - The Death OF The Bird Of Paradise (2:09)
6. Confined in The Time Prison (3:47)
7. Vision II - The Chukle Laughrer in The Question (3:12)
8. The Resurrection (7:40)
9. Vision III - The Secret Treaty Of The Age Of Mairreya (5:58)
10. Flash back (0:56)
11. Metamorphosis (3:34)
12. Lacrymosa (4:20)
13. In A Grass House - The Reefer Effect (en vivo) (2:01)
14. Junkie's Lament (en vivo) (5:20)
15. (en vivo) (1:04)
16. Vision I - The Death OF The Bird OF Paradise (en vivo) (2:06)
17. Opus 1 (en vivo) (4:15)
Integrantes
- Chihiro Saito: bajo, violín, voz
- Masa Sasaki: batería, percusión
- Naohiro Yamazaki: piano
- Ash: violín
- Tsuyoshi Nakagawa: flauta dulce, crumhorn, gemshorn
- Seiichi Nakata: clarinete
- Keiko Koyama: voz
- Shinichiroh Yamazaki: saxo
- Jungo Tashihara: guitarra de 10 cuerdas, viola
- Sawako Fujita: piano, clavicordio
- Masahiro Kawamura: batería, flauta dulce
- Satoshi Watanabe: flauta
- Yoshiro Yamaguchi: oboe
Colaboradores - Atsushi Hiroike (voz), Nobuyuki Tanaka (batería), Kohta Miki
(cello)
Dentro de la diversa movida progresiva que se desarrolló y maduró en la escena
underground japonesa de los 80s, hubo también espacio para experimentaciones
por las vías del RIO y el chamber-rock: por esta vertiente, el copioso ensamble
Lacrymosa fue un referente puntero. Fundado a inicios de los 80s por el
bajista/violinista Chihiro Saito, Lacrymosa se destaca por enarbolar y ostentar
un amplio sentido de lo orquestal tanto en su bloque sonoro como en sus
meticulosas de arreglos para las composiciones que conforman su repertorio:
Univers Zero y el primer Art Zoyd son los referentes más fáciles de advertir
cuando se escucha a esta banda, pero la banda se preocupa genuinamente por
verter amplias dosis de música culta propia de su folclore nacional. Su disco
debut es conocido tanto por el título homónimo de la banda como por "Bugbear",
y desde ya me animo a definirlo como un ítem de colección para melómanos
entusiasmados con las aristas más aventureras del amplio espectro progresivo.
'Opus 2' inicia el disco con un colorido despliegue de cromatismos disonantes
que tienen mucho de travesura en medio de la imponente dinámica cerebral: su
caótico preludio tenía algo de amenazante, pero la musicalidad radiante
prevalece en la primera parte del cuerpo central. A partir del interludio, se
revelan aristas auténticamente tensas que gozan de un desarrollo minucioso,
pero la breve coda (5 segundos) retoma el bizarro espíritu de jolgorio
anterior. Tras esta entrada tan entusiasta, 'Le Chant Par Blace Cendrars' se
explaya en ambientes contemplativos marcados por el piano, un ensamble de
maderas, percusiones y cello, mientras que el canto interviene como un
contrapunto de extravagancia. 'Junkie's Lament' ofrece un ahondamiento en el
recurso introspectivo, esta vez desprovisto de cualquier extravagancia y
concentrado en explotar el lado lírico de la vanguardia esencial a la banda,
mientras que 'Suspicion & Bugbear' retoma el colorido del tema de entrada,
aunque el esquema compositivo está más focalizado y la dosis de soltura más
controlada. La segunda mitad del disco está marcada por el concepto de
'Vision': 'Vision I - The Death OF The Bird Of Paradise ' ofrece una
deconstrucción del patrón barroco; 'Vision II - The Chukle Laughrer in The
Question' hace lo propio con la tradición palaciega del Sol Naciente;
finalmente, cerrando el repertorio oficial del disco, 'Vision III - The Secret
Treaty Of The Age Of Mairreya' nos muestra a unos Lacrymosa dispuestos a
enaltecer sus deudas estéticas con Univers Zero y el Art Zoyd pre-electrónico,
complaciéndose en inquietantes climas otoñales a través del uso de
estilizaciones propias del chamber-rock francófono, con la salvedad de que
Lacrymosa se concentra en trabajar el lado más lírico del asunto. 'Confined in
The Time Prison' y 'The Resurrection' completan el cuadro en el ínterin: el
primero de estos temas se puede describir como una balada RIO, una pieza
marcada por atmósferas evocativamente románticas arropadas por arreglos
desafiantemente inusuales, mientras que el segundo expone las dimensiones más
fastuosas del estándar del chamber-rock, incluyendo una sección final
hermosamente apoteósica. En este sentido, la dupla de 'The Resurrection' y
'Vision III - The Secret Treaty Of The Age Of Mairreya' opera como una completa
manifestación de principios estéticos de Lacrymosa.
Le edición digital de "Bugbear" incluye nada menos que 8 bonus tracks. La dupla
de 'Flash back' y 'Metamorphosis' es un hermoso ejercicio propio de los
estándares del chamber-rock, mientras que 'Lacrymosa' es una bella balada de
cámara articulada en un colorido esquema progresivo: algo muy cercano a la
faceta más lírica de Pazzo Da Fanfano De Musica y Pageant que a los recovecos
infernales de unos Present, por ejemplo. Estos temas están muy bien producidos,
por lo que no parecen ser simples demos: supongo que conforman un single de la
banda, pero no cuento con recursos informativos para confirmar esta hipótesis.
Los demás bonus provienen de actuaciones en vivo cuya calidad de sonido es muy
mediocre, aunque los delineamientos compositivos son fáciles de seguir: 'In A
Grass House - The Reefer Effect' se basa en una traviesa triangulación entre la
sección percusiva y el piano, mientras que 'Junkie's Lament' deja espacios para
el lucimiento del bajo en un ejercicio que combina free-jazz con musique
concrete; subsiguientemente, el breve esbozo tétrico de 'The embankment on
Sundown', la versión en vivo de 'Vision 1' y la nebulosamente inquietante
estilización de 'Opus 1' completan este minucioso repaso de la propuesta
artística de Lacrymosa, una propuesta muy apetecible para los coleccionistas
progresivos más ávidos del planeta.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de AKSAK MABOUL
AKSAK MABOUL: "Onze Danses Pour Combattre La Migraine" (1977)
Temas
1 - Mercredi matin (0:22)
2 - Saure gurke (Aus 1 urwald gelockt) (2:21)
3 - Animaux velpeau (0:36)
4 - Milano per caso (3:19)
5 - Fausto coppi arrive! (1:09)
6 - Chanter est sain (3:09)
7 - Son of l'idiot (3:21)
8 - DBB (Double bind baby) (3:28)
9 - Cuic steppe (4:20)
10 - Tous les trucs qu'il y a lá dehors (1:59)
11 - Ciobane (0:24)
12 - The mooche (1:36)
13 - Vapona, not glue (6:54)
14 - Glympz (4:37)
15 - Three epileptic folk dances (2.20)
16 - Mastoul alakefak (9:17)
17 - Comme on a dit (1:12)
Integrantes
- Marc Hollander: teclados, órgano Farfisa, saxo alto, clarinetes alto y bajo,
flauta, percusión, mandolina, caja de ritmos
- Vincent Kenis: guitarras, bajo, acordeón, piano Fender Rhodes, percusión
Colaboradores - Chris Joris (percusión, teclados, saxo soprano), Marc Moulin
(teclados), Catherine Jainaux (voz en 4 y 16), Paolo Radoni (guitarra en 4),
Jeannot Gillis (violín en 4), Lucy Grauman (voz en 6), Ilona Chale (voz en 6),
Juliette (voz en 10), Lee Schloss (saxo soprano en 17), Michel Berckmans (fagot
en 16), Denis van Hecke (cello eléctrico en 16), Frank Wuyts (teclados en 16),
Geoff Leigh (saxo en 16)
Aksak Maboul es una banda belga asociada a la muy nutrida movida francófona que
se desarrolló bajo la guía del rock in opposition, aunque estrictamente no se
trata de una banda de RIO: más bien se puede catalogar como banda de rock
ecléctico experimental, así de simple, sin mayores dilemas. En todo caso, su
explícito deseo por romper reglas de juego del rock y la pronta asociación con
grupos y músicos del movimiento RIO pusieron a Aksak Maboul en el mapa de esta
vertiente. Básicamente, Aksak Maboul es el resultado de la asociación de Marc
Hollander y Vincent Kenis, dos músicos que compartían la inquietante meta de
crear música ecléctica sin tapujos y con unas ganas enormes de aprovechar
recursos low-tech sin complejos, todo al servicio de la inagotable creatividad
que ambos gestaban desde su formación en 1974 hasta el año del lanzamiento de
su primer disco "Onze Danses Pour Combattre La Migraine", 1977. Este disco es
tremendamente peculiar, irrepetible dentro de la vanguardia europea de los 70s,
pero ciertamente se puede notar la ulterior influencia de AM en grupos
estadounidenses como 5uu's, Birdsongs Of The Mesozoic (sus primeros discos) y
Rascal Reporters (toda su obra). Casi todos los temas son compuestos por
Hollander, y encima muchos de ellos lo tienen a él como músico exclusivo: aún
así, "Onze Danses=85" quedó para la posteridad como una empresa grupal, y de
hecho, el dúo contó rápidamente con músicos de apoyo para llevar su música a
los escenarios. Fue en ese momento que Hollander entró en contacto con músicos
de Univers Zero y Henry Cow, en lo que comenzaría a ser la gestación del
material del segundo disco de la banda, pero dejamos eso por ahora para otra
reseña. Por lo pronto, nos concentraremos en este disco debut.
Las tres primeras viñetas musicales establecen un clima de relax y gallardía
aventurera simultáneamente, contando con una instrumentación no muy prolija que
digamos: 'Mercredi matin' desarrolla un ambiente exótico, 'Saure gurke (Aus 1
urwald gelockt)' elabora una etérea cadencia jazz-latina y 'Animaux velpeau'
exhibe un trío de maderas muy en línea con la cámara post-moderna. No tenemos
ni 3 minutos y medio de disco y ya contamos con un oportuno muestrario del tipo
de innovaciones hacia el cual se enfila este ensamble. 'Milano per caso' es una
pieza compuesta con el espíritu de cabaret y con un bloque sonoro (guitarras
acústicas, acordeón, canto femenino) que lo acerca al espíritu bucólico
mediterráneo. 'Fausto coppi arrive!' es un breve interludio de maderas que abre
el camino sucesivamente para los cálidos aires de la muy deconstruida balada
'Chanter est sain', el jazz-fusión atmosférico de 'Son of l'idiot', el
minimalismo grisáceo de 'DBB (Double bind baby)' y la misteriosa agilidad de
'Cuic steppe': este último contiene citas de 'Milano per caso' y 'Fausto coppi
arrive!' antes de culminar. La primera mitad del disco se cierra con 'Tous les
trucs qu'il y a lá dehors', un ejercicio de improvisación al piano eléctrico a
partir del ágil canto de una tierna infante (que se llama Juliette). 'Ciobane'
abre la segunda mitad del disco al modo de una pequeña travesura renacentista,
dejando así que los tratamientos lúdicos de corte fusionesco vertidos en la
secuencia de 'The mooche' y 'Vapona, not glue' destilen su coqueto colorido.
'Glympz' se engarza seguidamente para elaborar un ejercicio de fusión que
mezcla las cadencias jazzeras de unos Weather Report (en su faceta más sutil)
con una intrigante percusión tribal. 'Three epileptic folk dances' es una pieza
tripartita que comienza con un contrapunteo parcialmente semejante al esquema
Gentle Giant, luego continúa con una mezcla de funky y disonancias neuróticas
al saxo y al sintetizador, concluyendo finalmente con una refinada arquitectura
al más puro estilo chamber-rock. 'Mastoul alakefak', con sus más de 9 minutos
de duración, es la pieza más extensa del álbum: en realidad se trata de un tema
que en su versión original duraba solamente 5 minutos y pico, pero en la
edición digital se añadió una improvisación basada en su motivo recurrente
registrada en un concierto que tuvo lugar un año después. El tenor inicial de
la pieza se enmarca en envolventes sonoridades de inspiración jazzera, con un
amplio protagonismo de la dupla de pianos eléctricos; a poco de pasado el
ecuador del tema, que es cuando se inserta la porción en directo, el ambiente
se torna denso y se acerca hacia los patrones del space-rock, con adornos
caóticos emitidos por los vientos y la guitarra eléctrica mientras que la
secuencia de sintetizador bajo ocupa un mayor relieve. El epílogo del disco,
'Comme on a dit', aporta un momento de estilizada serenidad contemplativa.
Marc Hollander es el fundador del sello independiente Crammed Discs, el cual
sigue dirigiendo hasta el día de hoy en su afán por difundir la vanguardia que
se desarrolla muy al margen de los dictados del mainstream. Su entrada al
negocio como músico significó un manifiesto frontal en este sentido, tal como
demuestra "Onze Danses Pour Combattre La Migraine" - Aksak Maboul es un ítem
muy importante para toda acérrima colección de música experimental.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: Psychotropic Caravan Festival III
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Se viene un festival de rock psicodélico en la capital finlandesa de Hensilki
para los días 4 y 5 de febrero próximo. Se trata de la tercera edición del
PSYCHOTROPIC CARAVAN FESTIVAL.
El cartel está conformado por las siguientes bandas.-
OM (http://www.omvibratory.com)
Aqua Nebula Oscillator (http://www.myspace.com/aquanebulaoscillator)
Gunslinger (http://www.gunslinger.org.uk)
E-Musikgruppe Lux Ohr (http://www.myspace.com/luxohrkult)
Steel Mammoth (http://www.myspace.com/steelmammoth)
Zodiac Sunrise (http://www.myspace.com/zodiacsunrise)
Heavy Smoke (http://soundcloud.com/heavy-smoke)
DJ Shazzula (http://www.myspace.com/shazzuladj)
Más información en http://www.myspace.com/psycaravan
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: Pallas: "XXV" (2011)
Pallas: "XXV" (2011)
Discografica: CD Mascot Records // Music Theories Recordings
Temas:
1. Falling Down
2. Crash And Burn
3. Something In The Deep
4. Monster
5. Alien Messiah, The
6. XXV [part 1]
7. Young God
8. Sacrifice
9. Blackwood
10. Violet Sky
11. XXV [part 2]
Musicos:
- Paul Mackie / vocals
- Graeme Murray / bass, vocals
- Niall Mathewson / guitar
- Ronnie Brown / keyboards, vocals
- Colin Fraser / drums, vocals
La veterana banda escocesa PALLAS edita en este recién estrenado 2011 un
nuevo disco titulado "XXV", el cual se anuncia como una secuela de su
celebrado trabajo "The Sentinel" de 1984 y tenemos como novedad la presencia
del nuevo cantante Paul Mackie, que sustituye al cantante original Alan
Reed.
El estilo de PALLAS en XXV es una mezcla de AOR, Heavie y Metal progresivo
con predominio de tonalidades misteriosas y épicas... con algo de NEO Prog
pero a cuentagotas.
Hay cierto lexo de unión entre "The Sentinel" y "XXV" como las melodías
orquestadas del inicio en "Falling Down".
Los temas están enlazados por un hilo conductor en forma narrativa y con
efectos de sonido. Yo destacaría "The Alien Messiah" con ese comienzo
arabigo y "XXV [part 1]", este ultimo es el que contiene mas ingredientes
Neo, en especial los arpegios de piano,... amen de los últimos 3 temas que
parecen como enlazados y están en una línea mas sinfónica instrumental,
desde la inicial instrumental "Blackwood" con los vocales de la invitada
Melissa Allan, la balada melancólica de "Violet Sky" y el final instrumental
epico de "XXV (part2)".
El tema "Monster" parece como compuesto adrede para ser radiado, solo hay
que oír el gancho del estribillo " B7I feel a monster=85 I feel a monster
coming" y el comienzo premonitorio con la letra "I hear no music on the
radio". En "Yound God" se escucha alguna referencia a King Crimson y al
stoner de Black Sabbath. "Sacriface" con su rock and roll no pega mucho con
lo oído hasta ahora pero luego se transforma en heavie retomando la línea
musical del album.
Poco mas que añadir, Pallas desde 1998 que edito "Beat the drum" y en el
2001 "The Cross & The Crucible" reivindican el movimiento R.I.P. al Neo
progresivo, con su lenta agonía que ya practican otros grupos como Arena,
Pendragon, y otros...
El disco XXV sale con una edición especial que contiene en DVD un concierto
titulado Sentinel / XXV ofrecido en el 2010 en la llamada 'Night of The
Prog' festival".
Salu2 AtlantidoAORmetalicos
9A9 Juan Mellado 2011
progjuan@gmail.com
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Autor: alejandro fabian lopez <alejandro_f_lopez@hotmail.com>
Asunto: Los álbumes_que_más_os_han_marcado
En mi caso, conocí el rock progresivo siendo adolescente... pero en los 90.
Eso no me hacía muy popular en el colegio, época de Guns n'roses, Nirvana,
Oasis o Alice in Chains... Pero en fin. Disfrutaba mucho escuchándolos en
vinilo y mi curiosidad me hizo investigar mucho para seguir disfrutando de
"nuevo" material del género.
Dado que la consigna es "los álbumes que nos han marcado", mencionaré
aquellos discos con los que me introduje al prog siendo una criatura... en
los 90.
Tormato, Yes (mi primer disco de Yes. Me pareció asombroso... lo más
divertido es que comencé por el menos impresionante de su época clásica, así
que imaginen mi sorpresa porterior ante el resto del material)
Tales of Mystery and imagination, Alan Parsons Project (ávido lector de Poe
desde niño, caí rendido ante cómo los ingleses plasmaron la obra de Poe
musicalmente. Aún uno de mis absolutos favoritos del género).
Dark Side of The Moon, Pink Floyd (jeje ?qué hay que decir? Cuando escuché el
resto de la obra de Floyd me frustraba porque no habían registradoras ni
relojes ni risas de locos...)
The very best, Supertramp. (me lo prestó un amiguito tan loco como yo y me
asombré de que tantos clásicos que tanto conocía de oído desde niño
pertenecieran a la misma banda)
Wind and Wuthering, Genesis (la introducción gigante, los arreglos y melodías
de cuentos de hadas, el virtuosismo... Amé ese disco, uno de los más
infravalorados del Genesis clásico).
A night at the opera, Queen (me lo prestó una amiga, y era de su hermano
mayor. En casete. Cinta muy defectuosa. ?Eso que importa cuando la música es
increíble? Recuerdo que perdía el sueño calculando dónde terminaba "The
prophet's song" y dónde comenzaba "Love of my life")
Esos son los discos que me marcaron... Nombrar más sería salir de mi
adolescencia, y es donde quiero quedarme para esta reseña. Después investigué
y conocí casi todo lo que ustedes ya conocen, muchos de su época. Pero eso es
otra historia...
Alejandro.
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