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La caja de musica Number 0887
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #887 julio 2009 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* entrevista a Eduardo Garcia Saluena (SENOGUL)
* Varias noticias
* HELDON - "Stand By"
* LCDM: ALGARAVIA Breve e Interminavel
* Dos nuevas canciones de Radiohead
* el 2do. de UPSILON ACRUX
* el 1ro. de THINKING PLAGUE
* Mew - No More Stories are Told Today... (2009)
* Rockcore website que toca mucho prog
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: entrevista a Eduardo Garcia Saluena (SENOGUL)
ENTREVISTA A EDUARDO GARC CDA SALUEÑA, TECLISTA DE SENOGUL
SENOGUL es una de las bandas más creativas y sorprendentes que han surgido en
el espectro rockero progresivo durante los últimos años. En 2007, después de
editar un par de demos, SENOGUL debutó con un excelente disco titulado al igual
que la banda, y que supuso una impresionante muestra de eclecticismo
progresivo. Ahora en 2009, demostrando tener una visión musical tan amplia como
concienzuda, SENOGUL nos vuelve a impresionar con su segunda obra fonográfica
"Concierto de Evocación Sonora para Conjunto Instrumental", un catálogo de
exploraciones musicales que implica un notable giro de tuerca respecto a lo que
la banda nos había estado ofreciendo anteriormente.
Para hablarnos de esto y otras cosas tenemos ahora, en una entrevista exclusiva
para La Caja de Música, al teclista de SENOGUL, Eduardo García Salueña.
César: Antes que nada, te doy las gracias por brindar tu atención a LCDM.
Empecemos. Ahora que Senogul tiene editado un nuevo disco desde hace unos
meses, echa una mirada atrás hacia el disco debut de 2007 y cuéntanos cómo lo
valoras desde tu renovada sensibilidad artística actual.
Eduardo: El placer es mío, César. Realmente, como parte del engranaje tengo muy
presente la continuidad evolutiva que existe en nuestro discurso. Es cierto que
hace dos años no teníamos la misma experiencia ni tanta música asumida como en
la actualidad, pero todo lo veo fruto de su tiempo, teniendo en cuenta además
que en cada momento buscamos siempre dialogar entre todos los miembros con
todas los recursos que están a nuestro alcance y profundizar en los resultados
para darle un barniz colectivo. Hay muchos aspectos de nuestro primer disco que
aún hoy permanecen vigentes en nuestro lenguaje. En el lado más sensible, me
siento muy orgulloso de haber formado parte en todo el proceso de creación e
interpretación de nuestro álbum debut y escucharlo siempre me resulta muy
especial y personal.
César: ?Cómo le ha ido a Senogul con las actuaciones en vivo en los últimos dos
años? ?Con cuáles otros grupos habéis establecido amistad? ?Qué anécdotas
simpáticas nos puedes contar respecto a los grupos con los cuales habéis
compartido cartel?
Eduardo: Nos resulta bastante difícil hacer que Senogul se mueva fuera de
España, aunque lo estamos intentando por todos los medios. Aquí ha tenido buena
acogida en las pocas ocasiones en las que hemos salido del territorio asturiano
(Valladolid, Madrid o Santander). Con las actuaciones hemos crecido mucho como
grupo y nos lo hemos tomado, además, como un proceso de re-creación al intentar
ofrecer una nueva visión de nuestra música con respecto al fonograma. Jugamos
mucho con la improvisación y hay mucha más energía. Tenemos muy buena amistad
con muchos grupos nacionales de nuestro perfil aunque inevitablemente se ha
incrementado con aquellas con las que hemos compartido escenario, caso de
Neverness, Insigne, y sobre todo Kotebel, con quienes nos unen varios lazos
personales. Anécdotas simpáticas... recuerdo que nos sorprendió mucho un
concierto con Insigne en el que a mitad de su show incitaron a que el público
jugase a las sillas !!Y Pedro quedó subcampeón!! Fue muy divertido.
César: Un juego de sillas, vaya, ?quién dijo que la música compleja y lo lúdico
no son comatibles?Senogul también se preocupa por otras esferas del arte y la
creatividad; por ejemplo, en junio, el grupo participó en la exposición de
fotografía estereoscópica "El viaje en tres dimensiones". ?Qué significación
tiene para Senogul el formar parte de este tipo de eventos?
Eduardo: Para nosotros es muy importante. Yo siempre he definido a Senogul como
un colectivo muy inquieto culturalmente. No sólo componemos e interpretamos,
sino que de alguna manera formamos parte de un contexto cultural de una forma
muy activa. En este caso, ver cómo nuestra música puede encajar en un proyecto
audiovisual con fotografías estereoscópicas de medios de transporte, algo "a
priori" ajeno a nuestras fuentes de inspiración originales, resulta algo
totalmente constructivo para nosotros (ya que utilizamos extractos de nuestros
dos discos para el montaje final). La universalidad de la música se manifiesta,
sobre todo, cuando existen mentes abiertas. Y está claro que para nosotros, eso
es muy importante.
César: Ahora vayamos al nuevo disco "Concierto de Evocación Sonora para
Conjunto Instrumental": comienzo felicitando a toda la banda y su amplia gama
de colaboradores por haber gestado una obra musical tan colorida y sugerente.
En el librito se menciona tres tipos de evocación: sensible, mundana y
contemplativa. ?Cómo se usó esta tipología a la hora de componer y arreglar el
repertorio del disco?
Eduardo: Celebro que valores esta obra, César. Esta división tripartita no deja
de ser una metáfora de la clásica trilogía emoción - instinto - inteligencia
como factores que determinan nuestra personalidad y nuestros actos. Cuando
hablamos de evocación nos referimos tanto a la recreación como a la recepción
sonora. Hay muchos fragmentos condicionados por parámetros más relacionados con
lo sensible, como "En permanente estado de vigilia"; otros hacen alusión a
tradiciones mundanas, a través de nuestros personales sincretismos religiosos y
estilísticos; finalmente, la evocación contemplativa es la más compleja de
apreciar, y también la más personal. Un buen ejemplo podría ser la pieza
"Lughnassad", donde se aprecia un último recorrido por otros espacios sonoros
evocados en otros momentos de la obra, con otros tonos.
César: También se expone la dinámica dual sostenida por el sonido y silencio
como algo que guió el proceso de grabación del disco. ?Qué nos puedes explicar
al respecto?
Eduardo: En este disco no sólo es importante aquello que suena sino también lo
que se percibe pero está callado; de ahí la evocación y esa relación con lo
inmaterial. Un ejemplo de este silencio se encuentra en la re-interpretación de
"Itamaracá", donde todo el grupo calla ante el acordeón. Esa intermitencia
instrumental está constante en todo el disco. Al final de "Lughnassad", el
piano pasa a cubrir todo el espectro sonoro obviando las densidades del
sintetizador y su último acorde se apaga de forma natural, apreciándose así el
proceso sonido-silencio en su totalidad, como en "A day in the life" de los
Beatles. Al inicio de "En permanente estado de vigilia" hay un diálogo entre la
expresividad del silencio (el que separa los gongs iniciales) y la vacuedad del
sonido pleno (con la utilización, seguidamente, de un clúster que incluye los
12 sonidos de la escala occidental y que acaba configurando un fondo ambiental
sobre el que se desarrolla la melodía). Por supuesto, la influencia de
pensadores como John Cage fue decisiva.
César: Siguiendo con el librito, allí se afirma que el segundo disco es "el
resultado de casi dos años de trabajo, fruto de la evolución de Senogul y del
colectivo Hábitat". Comenzando con lo primero, ?eso de la evolución de Senogul
quiere decir que entre los discos primero y segundo hay un cierto tipo de
continuidad y no realmente una ruptura?
Eduardo: Yo no lo veo como una ruptura, porque conscientemente nunca se
planteó. Me gusta la máxima de "Lo único que permanece es el cambio", ya que lo
único que siento es que vamos tomando caminos y utilizando diferentes
estrategias cada vez para expresarnos mejor. También tenemos la mentalidad de
aprender en todo momento, por lo que todo eso se refleja en nuestra actitud.
Además, hubo fragmentos del CESCI que se llegaron incluso a grabar antes de
nuestro primer disco, por lo que las retroalimentaciones están presentes desde
el principio. Baste ver pasajes de "Dr. Gull II", "Microcosmos Blues" o "Tango
Mango", para encontrar elementos desarrollados en nuestro siguiente disco.
Igualmente, en "Las almas inmóviles" o "De Nooijer" se perciben ecos de
nuestros primeros días.
César: Pasando ahora a lo segundo, ?qué nos puedes informar sobre el colectivo
Hábitat, su propósito, sus actividades=85?
Eduardo: Hábitat fue una agrupación interdisciplinar en la que estuvimos
involucrados Pablo, Pedro y yo junto a más músicos, como Guzmán Argello, Laura
Pire, David Menéndez, Vanesa Moreno o Borja Ferrer. Interactuaban danza,
sonido, imagen e improvisación en pos de la recreación de diferentes hábitats.
Era una agrupación muy abierta e inclasificable en la que convivieron algunas
secciones embrionarias del CESCI con versiones de Miles Davis (época "In a
silent way") o Milton Nascimento y piezas de nueva creación. Fue fundamental
para nuestro desarrollo creativo y muy decisivo para la maleabilidad artística
plasmada en nuestro nuevo disco.
César: Realmente hay un énfasis claro en sonoridades étnicas y ambientales en
"Concierto de Evocación Sonora", especialmente en lo que se refiere a la
miríada de instrumentos de percusión que toca Pablo Canalís. ?Fue él un
director musical o algo así para el grupo durante la creación del disco?
Eduardo: Es muy complicado hablar de directores musicales, ya que depende mucho
de cada movimiento. Con esta obra, Pablo amplió su lenguaje musical con el
estudio de diferentes tradiciones musicales y su interés por otros timbres, lo
que enriqueció en gran parte el Concierto y nuestro propio discurso, pasando
así a ser un bastión fundamental.
César: Repasemos ahora algunas piezas específicas de "Concierto de Evocación
Sonora". "En Permanente Estado de Vigilia" tiene un rasgo ensoñador basado en
ambientes etéreos y un tanto minimalistas - ?cuál fue su idea inspiradora?
Eduardo: Hay mucho espacio para la libre interpretación en movimientos como,
precisamente, "En permanente estado de vigilia". Sí ha habido motivaciones
concretas, como por ejemplo, la pesadilla torturadora de la tercera sección que
incluye gemidos, crujidos de huesos y sonidos que te sitúan en un escenario
concreto (pasos en escaleras, timbre de bicicleta...). Para su confección nos
fijamos mucho en músicos como Airto Moreira, Hermeto Pascoal o el Miles Davis
de "Feio". En las secciones anteriores teníamos en mente ambientes espaciales y
melancólicos, incluyendo una lluvia tras la ventana (con efectos de percusión
corporal). La música de Lyle Mays, Lito Vitale, Angelo Badalamenti o Tangerine
Dream revolotea por encima.
César: "Mae Floresta" es todo un viaje musical, repleto de atmósferas étnicas
por doquier: ?cuál es su concepto?
Eduardo: "Mae Floresta" fue el segundo movimiento concebido (el primero fue
"Lughnassad", dando lugar a varios motivos que se repiten en la obra) y es una
especie de suite multiseccional central en la estructura del Concierto. Hay un
trasfondo implícito muy relacionado con la "Madre Naturaleza", lo que se
refleja con el uso colorista de la percusión (con alusión a cantos animales) y
elementos naturales (agua o viento). También hay referencias a paisajes sonoros
africanos, sudamericanos y orientales. Por otro lado, "Las almas inmóviles" es
una composición previa incluso a la grabación de nuestro primer álbum que aquí
se filtra como cántico de los sabios de las montañas. Una pieza introspectiva
que encuentra ecos de Pink Floyd, Magma o el Ralph Towner de "Silence of a
candle". Podríamos resumir que "Mae Floresta" pretende ser una oda a la
naturaleza.
César: "Terra-Terreiro" da espacio preferencial a cánticos en varios pasajes,
como si fuese todo un ritual: ?qué tipo de celebración se tenía en mente para
este tema?
Eduardo: Otra de las piedras angulares del disco. Efectivamente,
"Terra-terreiro" refleja un lugar de culto donde tienen cabida todo tipo de
expresiones vocales: cantos aborígenes australianos, cánticos antifonales
afro-cubanos, poesía fonética, zehl o beat-box. Más referentes interesantes
que pueden tener cierta cercanía podrían ser Nightnoise, Santana, Mongo
Santamaría, Magma, Flatus Vocis Trio o Paul Winter. Ya ves que en esta obra es
fundamental el uso de la voz como un engranaje más de nuestro particular
"conjunto instrumental".
César: Hasta ahora, he mencionado varios elementos musicales que me han llamado
particularmente la atención de "Concierto de Evocación Sonora", pero déjame
decirte que la sección eléctrica de "Swaranjali (Sangama Mantra)" puede muy
bien ser mi pasaje favorito de todo el disco - su mezcla de energía contenida y
textura me deja flipado cada vez que escucho el tema. Me imagino que componerlo
tuvo sus dificultades: ?acierto?
Eduardo: Su grabación fue toda una epopeya. Yo tenía muy clara la
direccionalidad y el ambiente que teníamos que conseguir: una especie de
delirio psicodélico que partiera de la calmada base proporcionada por el sitar
y la tampura y que volviera al mismo punto. Había que empezar esa sección ya
desde muy arriba en intensidad. Hicimos varias tomas de guitarra, batería,
saxos, sintetizador... hasta aparecen grallas catalanas. El resto fue cuestión
de elaborar el collage y mezclarlo con mucho cuidado, para que fuesen
apareciendo y desapareciendo eventos de forma fluida. A mí también me gusta
mucho esa parte, y le da mucha versatilidad al Concierto.
César. ?Hay otros aspectos específicos del repertorio del disco que quisieras
comentar o explicar?
Eduardo: Habría muchas cosas que comentar, pero tampoco es cuestión de
eternizarse. Mejor que cada uno descubra poco a poco ese mundo sugerente que le
proponemos. Particularmente, uno de mis momentos favoritos es el final de
"Siete lunas", con el sonido superpuesto de varios cuencos tibetanos que
desembocan en el acorde de Re Mayor que da inicio a "De Nooijer".
César: ?Ya estáis trabajando en nuevas composiciones? ?Quedaron piezas
pendientes de los discos anteriores para que el grupo pueda utilizar en
próximas grabaciones?
Eduardo: Sí, ahora mismo es un momento creativo importante. Hemos estado
involucrados en el proyecto "Orfeo: a ba-rock opera", un arreglo de la ópera
Orfeo de Claudio Monteverdi realizado por el clavecinista italiano Massimiliano
Toni y al que, junto a la instrumentación convecional, se le han incorporado
arreglos de rock progresivo muy bien integrados, los cuales interpretamos
nosotros. Es muy curioso e interesante ver a un grupo de rock realizando
recitativos bajo la dirección de un maestro clásico. La obra la hemos estrenado
ya en el XII Festival de Música Antigua de Gijón y está en proyecto poder
llevarla de gira y editarla en disco. Por otro lado, ya tenemos grabadas tres
piezas de lo que será nuestro nuevo álbum, y estamos componiendo otras nuevas.
Va a ser también muy heterogéneo. Una de las piezas, "Pijamas", la hemos
empezado a concebir con la grabación del primer disco aunque no es un descarte.
Te puedo decir que esa pieza es lo más "RIO-Canterbury" que hemos hecho nunca.
Creo que el nuevo disco va a ser una bomba, combinando todo lo aprendido en
ambos discos y algunas de nuestras nuevas inquietudes. Además, habrá
colaboraciones de lujo con importantes músicos dentro del contexto progresivo.
César: ?Alguno de los componentes de Senogul tiene otros proyectos musicales
aparte de la banda misma?
Eduardo: Realmente todos. Te lo resumo . Los que nos dedicamos más al mundo
musical/musicológico somos Eva y yo. Ambos participamos como músicos tanto de
estudio como de directo acompañando a diversas formaciones de muy variados
estilos, como Pauline en la Playa, Fran Gayo, Edwin Moses, Chus Pedro o Xabel
Vegas & Las Uvas de la Ira. También compartimos un trío de jazz junto al
saxofonista Juan Antonio Martínez; Pablo tiene un proyecto instrumental junto a
Alejandro Martínez Ares (el acordeonista que graba con nosotros) llamado
Melange, donde plantean su particular visión sobre repertorios de lo más
variopinto. En su primer álbum, a punto de ser editado, hemos participado casi
todos los miembros de Senogul (entre otros); Pedro tiene un trío de
improvisación libre con el flautista/saxofonista Guzmán Argello y el pianista
Larry Derdyen llamado "Colmena", además de ser miembro del combo eléctrico
Cuac! en el que también colaboro yo y cuyo álbum debut verá la luz en unos
meses (y hay muchos detalles progresivos). Por último, Israel colabora
activamente con Israel Fernández Villajos en el proyecto grupal Sinapsis que
contará, en su inminente primer trabajo, con varios colaboradores procedentes
de otras agrupaciones progresivas nacionales. Además, tanto él como Eva y yo
solemos participar en una big band llamada Gigia Sax Band !!Ya ves que no nos
aburrimos!! Para nosotros, cultivar estas facetas es muy importante ya que
también se refleja en nuestro trabajo con Senogul.
César: Sé que, además de dedicarte a esto del rock progresivo y experimental,
también tienes un vasto conocimiento del género. Pasaré a preguntarte cuáles
son, en tu opinión, las características más saltantes de algunos músicos
progresivos que nos han dejado en los últimos años. Comencemos con Pete
Bardens, el teclista histórico de Camel.
Eduardo: Gracias por tus palabras. Peter Bardens siempre me ha resultado muy
elegante a la par que sobrio. Sabe muy bien qué decir con su instrumento y lo
hace con gran limpieza. Su perspectiva era esencial en el sonido característico
de Camel. Aún me emociona escuchar la delicadeza del órgano de "Mystic Queen".
Me gusta su preocupación por los aspectos más tímbricos del instrumento.
César: Pasemos ahora a Richard Wright, el teclista de Pink Floyd.
Eduardo: Palabras mayores, y uno de mis teclistas fetiche junto a Tony Banks,
Dave Stewart o Joe Zawinul. Todos estos teclistas tenían una visión armónica
muy acentuada. En el caso de Rick Wright su composición de texturas fue
inigualable, al igual que sus aportaciones con el VCS3. Otro pilar fundamental
que supo sumar en el colectivo creativo de Pink Floyd.
César: Joe Zawinul, otro genio que ha pasado al más allá. Sírvete explayarte
un poco en él ahora.
Siempre me ha gustado mucho papel de Zawinul en la banda de Miles Davis. "In a
silent way" tiene ciertos aires impresionistas que me parecen muy interesantes
y novedosos, muy acorde con la búsqueda llevada a cabo por Miles. En Weather
Report pudo dar rienda suelta a muchísima creatividad, con pasajes muy
intrincados, mucha preocupación por el carácter armónico (estoy pensando, por
ejemplo, en la progresión inicial de "Havona") o su original paleta tímbrica.
Estas aptitudes me resultan, en muchos casos, más interesantes a valorar en los
instrumentistas que la rapidez en su fraseo o su capacidad técnica
César: Lars Hollmer, teclista de Samla Mammas Manna.
Eduardo: Aún recuerdo la primera vez que escuché Maltid. Fue un gran
descubrimiento, llamándome mucho la atención esa mezcla de folk tan alegre con
un rock tan matemático. Me parece un músico de un enorme talento y creatividad,
a la par que muy versátil (lo que ha demostrado con su sólida trayectoria). Y
dotado de una impresionante carga de sentido del humor, algo que se respira en
sus ejecuciones.
César: Florian Fricke, el gurú de Popol Vuh.
Eduardo: Popol Vuh es una de mis muchas asignaturas pendientes, por lo que no
te puedo contar mucho sobre él. Indagar en un universo tan amplio como el del
kraut-rock alemán me parece algo apasionante. Algunos combos como Annexus Quam,
Faust o Can me atraen muchísimo.
César: Ya que mencionas a Can, vayamos a los músicos no teclistas comenzando
con Michael Karoli, el guitarrista de dicho grupo.
Eduardo: un guitarrista muy adelantado e inquieto, alejado de los cánones de su
momento y buscador de otras sonoridades con respecto a las comúnmente asociadas
a su instrumento. Además, creo que es un referente para muchos músicos
contemporáneos y no necesariamente ligados al ámbito progresivo setentero.
Discos como Tago Mago o Future days los sigo disfrutando como el primer día.
César: Pierre Moerlen, baterista histórico de Gong (y de paso, mi favorito
entre todos los bateristas de la línea Canterbury).
Eduardo: Pensar en Pierre Moerlen, además de llevarme a varios de los mundos de
Gong, siempre me hace recordar una de las épocas doradas de Mike Oldfield.
Muchísimo gusto y estilo tanto con el vibráfono como tras los parches, aunque
para mi gusto no supera a mi favorito en esta línea (y también, por desgracia,
desaparecido hace poco): Pip Pyle.
César: Pues fíjate, no coincido contigo en esta última comparación, pero
ciertamente Pip Pyle fue otro monstruo canterburiano de la batería. Explícame
por qué es tu favorito.
Hatfield & The North y National Health me parecen dos de las mejores
agrupaciones en esta línea, y la labor en ellas de Pyle es muy intensa. Me
resulta versátil, hábil y con muy buen gusto, sin alardes, y con mucha
personalidad musical. También me llama mucho la atención su espléndido papel en
Camembert Electrique de Gong. Tengo mucha curiosidad por escuchar su legado con
Equip' Out!, algo que nunca he hecho pero que espero remediar pronto.
César: Otro mago supremo del Canterbury que no podemos dejar en el tintero: el
bajista Hugh Hopper, recientemente fallecido.
Eduardo: Otro de esos músicos que tenía un lenguaje muy personal. Third, más
que un disco, es una experiencia de creación colectiva casi a la manera de
Miles. Uno de mis registros predilectos es el álbum Freedom is frightening
junto a la banda East Wind liderada por Stomu Yamash'ta. Una perla en la que
podemos ver el inconfundible sello de Hopper.
César: En fin, ?tienes algo más que añadir? ?Tal vez la respuesta a alguna
pregunta que hubieses querido que se formulara en esta entrevista?
Eduardo: Pues nada más, simplemente agradecerte tu tiempo y tu interés. Es un
placer hablar contigo y compartir estas experiencias. Un abrazo.
Bueno, esto ha sido todo por ahora. Me despido de Eduardo volviendo a
agradecerle que nos dedicara parte de su tiempo, y por supuesto, deseando al
grupo SENOGUL toda la suerte del mundo en sus próximos proyectos y actividades.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Varias noticias
HOLA CAJEROS, LES SALUDA C C9SAR MENDOZA.
En Argentina se va a celebrar pronto un festival progresivo de dos días
denominado ProgreRock 2009. El evento ya tiene su blog en Myspace -
http://www.myspace.com/progrerock . El festival en cuestión tendrá lugar en
Rosario los días 29 y 30 de agosto del presente; la dirección exacta es la Sala
Teatro Laverne (Sarmiento y Mendoza, Rosario, Santa Fe 2000). Ambas sesiones
comenzarán a las 21.00
A priori, el atractivo principal de evento es a presencia de Pablo "El
Enterrador", legendario grupo progresivo que es un verdadero emblema de la
ciudad en relación con el género. Pero además, hay bandas emergentes dentro de
lo progresivo y lo experimental dentro de ámbito rosarino que este festival
servirá como una vitrina adecuada para que todos los asistentes se pongan al
día sobre nuevas ideas y creaciones: los demás grupos son Láquesis, La Gota,
Skatos, La Barca y Dánae.
El cronograma es como sigue.-
29 de agosto - La Gota // Dánae // Pablo "El Enterrador"
30 de agosto - Láquesis // La Barca // Skatos
A continuación, transcribo los enlaces Myspace de los grupos partícipes para
que nos vayamos familiarizando con sus respectivas propuestas.-
PABLO "EL ENTERRADOR": http://www.myspace.com/pabloelenterrador
DÁNAE: http://www.myspace.com/danaerock
LA GOTA: http://www.myspace.com/lagotarock
SKATOS: http://www.myspace.com/skatosprog
LÁQUESIS: http://www.myspace.com/laquesisrockprogresivo
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Avantgarde Festival en Alemania, 28 - 30 de agosto
No paran estos festivales progresivos, y por mí muy bien que sea así,
especialmente si tienen un cartel tan impresionante como el del Avantgarde
Festival que tendrá lugar en la ciudad alemana de Schiphorst, entre los días 28
y 30 del presente agosto.
El programa es intenso, diverso y un tanto sofisticado, pero basta con entender
que hay una sección Main Stage donde los cronogramas de las actuaciones están
bien definidas, y otra sección Annexe donde las bandas tienen carta blanca para
actuar a la hora que sea y, eventualmente, contar con los colaboradores que
sean.
Transcribo las listas de actuaciones en el MAIN STAGE.-
-- Viernes, 28 de agosto
16:00 Conferencia de prensa para periodistas y representantes de selos
discográficos
18:00 Assif Tsahar (Israel)
19:00 Philippe Petit (Francia) y James Johnston (Reino Unido)
20:00 Peter Blegvad (EE.UU.) con John Greaves (Reino Unido) y Chris Cutler
(Reino Unido)
21:00 Dagmar Krause (Alemania)
22:00 Gutspie Earshot (Alemania )
23:00 "Kraut fr Ewig ": Jutta Weinhold (Alemania), Geraldine Swayne
(Irlanda), Eberhart Kranemann (Alemania), Werner Diermaier ( Austria), jhp
(Francia), Uwe Bastiansen (Alemania)
00:00 DJ-set Philippe Petit
-- Sábado, 29 de agosto
14:00 Triologue (Alemania)
15:00 Onde (Bélgica)
16:00 Rocket No.9 (EE.UU. / Alemania)
17:00 Daniel Sarid y Ariel Armoni (Israel)
18:00 Debate: "Artistas y Público: ?cuáles son las reglas?", un foro abierto
entre los músicos y el auditorio
20:00 ::OT:: (Alemania)
21:00 S/T (Alemania)
22:30 Nathalie Forget (Francia)
23:30 Nurse With Wound (Reino Unido y EE.UU.)
-- Domingo, 30 de agosto
14:00 Geoff Leigh (Reino Unido) y Yumi Hara (Japón)
15:00 Station 17 (Alemania)
16:00 Weltausstellung (Alemania)
17:00 Priscilla (Alemania)
18:00 Nu & Apa Neagra (Rusia)
19:00 Post Abortion Stress (EE.UU. / Reino Unido)
20:00 Faust meets Heart Chor (Alemani,a Francia, Austria, Irlanda, Reino
Unido)
Se trata de una vorágine vanguardista irrefrenable, donde conviven campeones
del RIO, krautrock, ruidismo, electrónica, free-form, etc.
Más información en http://www.avantgardefestival.de/ y
http://www.krautrockseite.de/ewig/
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SAENA en vivo, 29 de agosto
Aquí transcribo información sobre el próximo evento musical a cargo de la banda
mexicana SAENA, justamente en México D.F.
" Lugar: UNIVERSIDAD DE LA COMUNICACIÓN (en el D.F.)
Zacatecas 120 Col. Roma
Fecha: 29 de Agosto de 2009
Hora: 20:00
ENTRADA LIBRE "
------------------------------
Cronograma del Crescendo 2009
Con la presente transcribo el cartel definitivo que conformará la lista de
actuaciones para la edición 2009 de Crescendo Festival, evento multi-grupal
progresivo que todos los años se realiza en la localidad francesa de
Saint-palace sur Mer.
Esta lista de grupos partícipes en el Crescendo 2009 viene con sus respectivos
enlaces de Myspace para que los mel{ómanos vayan disfrutando de sus diversas
propuestas musicales.-
Jueves, 20 de agosto
17h00 AISLES (Chile): http://ww.myspace.com/aislesproject
19h00 SUNCHILD (Ucrania): http://www.myspace.com/sunchildrock
21h30 IL BACIO DELLA MEDUSA (Italia): http://www.myspace.com/ilbaciodellamedusa
Viernes, 21 de agosto
17h00 Simon L'Esperance Band (Canadá): http://www.myspace.com/simonlesperance
19h00 MORGLBL (Francia): http://www.myspace.com/morglbl
21h30 ELECTRIC SWAN (Italia): http://www.myspace.com/electricswan
Sábado, 22 de agosto
17h00 AFTER (Polonia): http://www.myspace.com/afterpl
19h00 BARAKA (Japón): http://www.myspace.com/barakarock
21h30 DJAM KARET (EE.UU.): http://www.myspace.com/djamkaret
Como se ve, el plato final va de la mano de un grupo tan veterano como es el
ensamble estadounidense Djam Karet. Por su parte, Simo L'Esperance regresa por
su cuenta después de haber participado como miembro de Karcius el año
precedente. La presencia sudamericana se garantiza con la banda chilena Aisles,
abridora del primer día.
Más información en los enlaces http://www.festival-crescendo.com/fr/ y
http://www.myspace.com/festivalcrescendo
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Ya se viene el nuevo disco de DOCTOR NERVE
!Ya se viene el nuevo disco de DOCTOR NERVE! Este estupendo ensamble
estadounidense de rock progresivo radicalmente experimental, dirigido por el
guitarrista Nick Didkovsky, sacará a la venta su disco "The Monekt Farm" este
26 de agosto. Mientras tanto, se puede ya adquirir en iTtunes bajándolo. "The
Monkey Farm" es un disco conceptual basado en la narrativa de Charles Cecil
O"Meara.
La formación del grupo actualmente es - Greg Anderson (bajo), Leo Ciesa
(batería), Nick Didkovsky (guitarra, dirección), Yves Duboin (saxo soprano),
Rob Henke (trompeta), Michael Lytle (clarinete bajo) y Kathleen Supove
(laptop).
Más información en el enlace http://www.punosmusic.com/monkeyfarm/index.html
Punos Music es el sello fundado por Nick Didkovsky para editar discos de sus
varios proyectos.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: HELDON - "Stand By"
HELDON: "Stand By" (1979)
Temas
1. Stand By 97 14:04
2. Une Drole de Journee 97 3:59
3. Bolero 97 21:44
Integrantes
- Richard Pinhas: guitarra, sintetizadores Moog y Polymoog, vocoder, efectos
electrónicos
- Patrick Gauthier: sintetizadores Mini-Moog y Polymoog, piano, otros teclados
- Francois Auger: batería, percusión (Kolossal Percussive)
- Didier Batard: bajo
Colaboradores - Klaus Blasquiz (voces), Didier Badez (secuenciador)
Séptima obra fonográfica de Heldon, "Stand By" elabora una profundización en la
estrategia sonora encarnada en "Interface", logrando exitosamente completar un
esquema sonoro con mayor cohesión, comparativamente. Teniendo dos temas
extensos dentro de un repertorio de tres, resulta obvio que Richard Pinhas y
sus secuaces tienen la directa pretensión de nutrir su oferta cibernética
dentro del rockl experimental con expansiones y ribetes épicos. Cabe mencionar
a un colaborador de lujo como Klaus Blasquiz (insigne miembro del mundo
magmiano, así como de Weidorje), quien luce parte de su peculiar estilo vocal
en el segundo tema del disco, compuesto por otro colega magmiano (también leal
colaborador de Pinhas), Patrick Gauthier.
"Stand By" es un frenético ejercicio de aguerrida psicodelia rockera cuya
duración de casi BC de hora le permite elaborar expansiones poderosas para los
diversos riffs que se van sucediendo a la base de una instrumentación
tremendamente sólida. La dupla rítmica se comporta como todos los dioses mandan
a la hora de cimentar el tránsito a través de las diversas secciones, mientras
que el brutal bajo eléctrico va ornamentando el viaje musical. El rol de lo
sintetizadores es más ambiental que otra cosa, no ocupando un rol notorio como
en otras piezas del disco, pero sí logran infiltrar sus adornos cósmicos en
medio de los muy avezados fraseos que Pïnhas enarbola sobre el camino. Esta
pieza es tremendamente crimsoniana (sin valerse de recursos clónicos), con
claros ribetes a lo "Red", añadiendo esa sequedad muscular propia de la faceta
más heavy del krautrock y, tal vez, también algunas cadencias pulsátiles a lo
zeuhl. En uno de los pasajes creo reconocer el anticipo de algún motivo que un
par de años más tarde habrá de reaparecer en el disco solista de Pinhas
"L"Ethique". La pieza culmina con un motivo lánguido que apela a sutilezas
tétricas, curiosamente emparentadas con el estándar de Black Sabbath. "Une
Drole de Journee" es un peculiar viaje musical donde confluyen la electrónica
de raigambre germánica, el jazz-rock y la faceta más candorosa del zeuhl. A
pesar de que dura poco menos de 4 minutos, porta una majestosa complejidad
estructural muy a tono con lo que comúnmente se concibe como lo
"auténticamente" progresivo=85 pero, ojalá hubiera durado un poco más. La
segunda mitad del disco está ocupada por el ambiciosos tema "Bolero", todo un
emblema del giro cibernético que Heldon siempre ha propuesto proveer al rock
experimental desde su particular postura. Ahora sí que los sintetizadores se
afianzan en una posición frontal dentro del esquema instrumental que Pinhas y
sus compinches crean, desarrollan y refuerzan. El pasaje introductorio es
bastante solemne, combinando percusiones marciales con calculados golpes
tenebrosos (a lo zeuhl) y destacados factores sintetizados (más o menos a lo
Tangerine Dream). La expansión de largo plazo que sigue a continuación se
articula siguiendo prioritariamente el molde de TD ("Rubycon", "Ricochet") y
Schulze ("Mirage"). Más adelante, el frenesí rítmico baja un poco para pasar a
compases un poco más fusionescos, pero ciertamente lo cibernético y lo
modernista siguen imperando en la arquitectura sónica. También sale a colación
la guitarra de Pinhas, enraizada al frente con una exhibición de texturas
neuróticas, retorcidas sin excesiva distorsión a fin de armonizarse con
razonable naturalidad con los fondos diseñados por los sintetizadores. Esta
tónica espacial se expandirá de forma consistente hasta el final, donde el
grupo logra elaborar un medido ejercicio de calma gradual.
Con este disco, Heldon cerró una fructífera obra de vanguardia progresiva:
"Stand By" exhibe una muestra esencial de la ideología progresiva de Richard
Pinhas, y no son muchos los que sinceramente recomiendan que ésta sea la vía de
entrada para el neófito. Para todos los melómanos progresivos de insaciable sed
experimental... !incondicionalmente recomendado!
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: LCDM: ALGARAVIA Breve e Interminavel
ALGARAVIA: "Breve e Interminável" (1996)
Temas
1. Crimsoniana (5:10)
2. Lamento (11:20)
3. Variacoes Sobre Tema Nenhum (9:00)
4. Cellula Mater (9:07)
5. Crisalida (5:25)
6. Mosaico (6:20)
7. Quimera (9:47)
8. Bebop Blues (8:40)
9. Iluminancia (10:30)
Integrantes
- Fred Herbaud: guitarra, teclados, voz
- Sidney Jaires: guitarras eléctrica y acústica
- Jean-Jacques Herbaud: bajo
- Albert Pimenta: batería
- Vladimir Ricardo: percusión
Algaravia es un nombre que debe estar bien presente en las mentes de aquellos
coleccionistas progresivos interesados en los aportes al género que se han
venido cocinando en América Latina desde la década de los 90s en adelante: este
grupo brasileño ha logrado cuajar una efectiva cruza entre el rock-fusión, el
jazz y una modalidad "domesticada" de psicodelia crimsoniana en el repertorio
que conforma su disco debut "Breve e Interminável". A pesar de que el aire
fusionesco es en cierta medida dominante en el sonido global que crea y maneja
Algaravia, es la presencia de las dobles guitarras la que se hace notar más que
la de la dupla de batería y percusión, y aún así, este grupo nunca apela a lo
pesado, ni siquiera coquetea con ello. Este detalle, según me parece, ilustra a
la perfección la mucha atención que pone el grupo en elaborar un bloque sonoro
basado en armazones de sonido consistentemente mesuradas, sin renegar de su
interés por explayarse en aires optimistas y cálidos.
La pieza de entrada tiene un título tan inequívoco como "Crimsoniana": tiene
ese juego de guitarras duales tan propio del Crimson 80ero, pero básicamente
sirve como adecuada vía de entrada hacia su peculiar propuesta progresiva
empapada en perfumes fusionescos, coincidente con bandas como Mar de Robles o
Gurth, con un poco de Difícil Equilibrio. "Lamento" y "Variacoes Sobre Tema
Nenhum", que juntos completan un espacio de poco más de 20 minutos, aprovechan
sus respectivos campos de expansión para desarrollar más concienzudamente los
cimas inherentes a los motivos que entran en juego. Lucimientos especiales se
da la guitarra solista, siendo así que para el primero de estos temas el tenor
es plenamente rockero, mientras que para el segundo, el asunto está más
enfilado hacia el jazz-fusión de leves toques funky. "Cellula Mater", por su
parte, combina ambos factores en aras de hilar un esquema musical un tanto más
sofisticado, y, de paso, se manda con una proyección de 9 minutos. "Crisalida"
pasa a otro tipo de ambiente, cálido y nostálgico, fusión brasileña alimentada
con algunos guitarreos a lo Akkerman, con una atmósfera apaciblemente grisácea
que se muestra conmovedora. "Mosaico" comienza de manera tenue, engarzándose
muy bien con el tema precedente, pero una vez que se exhibe el cuerpo central
de la pieza, volvemos al territorio ya conocido del progresivo fusionesco con
medida actitud aguerrida. Otra vez se me viene a la mente el paralelo con los
chilenos de Mar de Robles. "Quimera" tiene una primera sección relajante y
calmada, con un espíritu romántico convenientemente atenuado por ligeras
paráfrasis del "Fracture" de KC; luego, pasamos a una segunda sección más
extrovertida, bien instalada en las aristas más rockeras de la banda. "Bebop
Blues" tiene una introducción muy a tono con lo que sucede en el respectivo
desarrollo musical - un compás be-bop marcado por un guitarreo bluesero. De
todas maneras, el cuerpo central va hacia un lado diferente, el más recurrente
sendero de la fusión progresiva de tintes crimsonianos: debido al balance de
rock psicodélico refinado y jazz de vieja escuela, esta pieza se emparienta
cercanamente con "Cellula Mater". El cuadro de "Breve e Interminável" completa
su espectro con "Iluminancia", pieza que en sus primeros minutos refleja una
ambientación más etérea que las que han sido más recurrentes en el repertorio
precedente. Luego, la cosa se pone un poco más intensa, pero sin abandonar ese
espíritu contemplativo, llegando a hacerse bastante emotivo: la coda del pasaje
elaborado por esa tenue guitarra clásica completa el aire romántico que ha
penetrado a toda la canción.
Con 1 BC hora de duración, "Breve e Interminável" no es precisamente un disco
muy breve, pero sí es proveedor de un interminable placer melómano a partir de
su manera tan peculiar de reciclar los estándares sonoros que tan patentemente
influencian a Algaravia. C9sta es una banda brasileña a la cual los
coleccionistas progresivos deberían, en mi opinión, prestar atención.
César Mendoza
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Autor: Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Dos nuevas canciones de Radiohead
Radiohead lanza dos nuevas canciones desde su Página Oficial
(http://www.radiohead.com/deadairspace/)
He aquí dos de sus más recientes mensajes:
Lunes, 17 de Agosto
Estas Son Mis Retorcidas Palabras
Aquí está una nueva canción, llamada 'These Are My Twisted Words'.
Hemos estado grabando durante algún tiempo, y esta fue una de las
primeras que terminamos. Estamos muy orgullosos de ella.
Tenemos otro material en diferentes etapas de terminación, pero esta esuna que
hemos estado ensayando, la cual es muy probable que tocaremos enlos conciertos
de verano. Esperamos que te guste.
Descargar el audio de aquí:
http://www.waste.uk.com/Store/waste-radiohead-twisted+words.html
o de aquí:
http://www.mininova.org/get/2846416
Jonny
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Miércoles, 5 de Agosto
Harry Patch (In Memory Of)
"Soy el único que sobrevivió
los otros murieron donde cayeron
fue una emboscada
salieron por todos lados
dale a cada uno de tus líderes un arma y luego deja que ellos sean los que
combatan
he visto diablos salir del suelo
he visto el infierno sobre esta tierra
la próxima será química pero ellos nunca aprenderán"
Recientemente el último veterano inglés de la 1a. guerra mundial HarryPatch
murió a la edad de 111 años. Hace unos años escuché una entrevista
muy emotiva con él en el programa Today de Radio4. El modo en que hablóde la
guerra me afectó profundamente.
Se convirtió en la inspiración para una canción que da la casualidadgrabamos
unas semanas antes de su muerte. Se hizo en vivo en una abadía.
Las cuerdas fueron arregladas por Jonny.
Tengo esperanza en que la canción haga justicia a su memoria como el
último sobreviviente.
Sería muy fácil para nuestra generación olvidar el verdadero horror de la
guerra, de no haber personas como Harry para recordarnos. Espero que no
olvidemos.
Como el mismo Harry dijo:
"Sin importar los uniformes que vistamos, todos somos víctimas".
Esta mañana el programa Today tocó la canción por primera vez y ahoraestá
disponible para su descarga desde nuestro sitio web.
http://download.waste.uk.com/
Lo recaudado por esta canción irá a un fondo de ayuda de la Legión
Británica.
Por la paz y el entendimiento
Thom
Saludos!
JPL
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 2do. de UPSILON ACRUX
UPSILON ACRUX: "The Last Pirates of Upsilon" (1999)
Temas
1. Numbquon (2:19)
2. 45 Seconds (0:48)
3. Descension (12:32)
4. Swabin' the Deck (3:20)
5. Random Denouncement (5:19)
6. Modulation 4 (6:01)
7. Evening No Star (4:16)
8. Attention, Applause, Silence (1:07)
9. Dark Rainbow (11:11)
10. Metal Tweek (Desert Hesh/The Days Of Meth) (2:12)
11. 2-Pin Connection (7:13)
12. Tortuga (5:11)
13. Nails Wine Dio (8:43)
Integrantes
- Paul Lai: guitarras, sintetizador Moog, metales
- Cameron Presley: guitarras, sintetizador Moog, metales
- Jesse Klecker: batería, percusión
Colaboradores - Devin Samo (bajo), Bobb Bruno (bajo), The Mike Flowers Pops
(corneta con sordina)
Segundo disco de Upsilon Acrux, banda que por lo visto tenía un amplio
repertorio para empezar (o estaba en una increíble vena creativa... o ambos),
pues "The Last Pirates of Upsilon" a solo meses de disco debut "In the Acrux of
the Upsilon King", y eso que estamos hablando de dos discos que superan la
barrera de los 70 minutos. A medida que el grupo va afianzando sus eclécticas
maneras de modernizar lo progresivo dentro de su propuesta musical, también se
va encontrando con algunas inconsancias en su formación: me refiero
específicamente al rol del bajista, que no cuenta con un sitial fijo en este
momento de la carrera de Upsilon Acrux. Un factor fácilmente palpable a
escuchar este disco es que UA está más decidido a llevar su espíritu
experimental hacia límites más ambiciosos, especialmente en lo que se refiere a
explorar sonoridades caóticas: esto conlleva la exigencia de desarrollar
esuqmeas sonoros aún más agresivos que los que efectivamente se expusieron en
el disco debut.
"Numbquon" abre con cuatro golpes traviesos antes de explayarse en una sección
radiantemente esquizofrénica donde el dadaísmo y la neurosis se destilan a
raudales: mucho poder progresivo en menos de 2 BD minutos de duración. Después
de los 45 segundos de frenético "zappanismo" que conforman "45 Seconds" (un
título genial, vamos), llega algo más alucinado aún, "Descension". Su
tremendamente caótico prólogo se hace digerible debido a que está engarzado con
la pieza precedente; luego, mientras podemos empezar a notar cierta estructura
en los arreglos de metales, el baterista se compromete en un entusiasta solo
que reitera los aires zappianos que e grupo se está tomando muy a pecho.
Después sigue un pastiche desafiante donde se suceden un solo cósmico de bajo y
otro pasaje aleatorio marcado por el solo de batería. Luego, la ilación
transita por una suerte de satirización del free-jazz, una deconstrucción
catártica y otro más influido por los jams lisérgicos del krautrock - todos
estos pasajes mencionados dan espacio preferente a los aportes del saxo y a
trompeta. De todas maneras, se ve venir que el caos furioso ha de imponerse en
la coda, y en efecto, eso es lo que sucede. No esperemos algo más estructurado
en la apertura de "Swabin' the Deck", pero poco a poco la dupla rítmica va
instalando un enclave que crea un adecuado contrapelo a los inescrutables
efectos de guitarra y sintetizador. La ambientación tan grisáceamente retorcida
que se ha venido gestando en lo que va del disco se resuelve con las
extrovertidas travesuras progresivas de "Random Denouncement", plasmadas con
pletóricas dosis de energía y habilidad. "Modulation 4" apunta a la muy
distinta esfera del ruidismo de base industrial, en base a un motivo cacofónico
y minimalista elaborado con efectos de ingeniería que cortan y articulan riffs
de guitarra y efectos de sintetizador. "Evening No Star" comienza apostando por
un giro radical hacia atmósferas lánguidas a lo post-rock, antes de que entre
por asalto una nueva exhibición de caos tormentoso, el mismo que completa de
manera inesperada el espíritu nocturno de la pieza en cuestión hasta la breve
coda.
"Attention, Applause, Silence" es un ágil ejercicio de math-rock que aporta un
aura de gracilidad por un pequeño rato, antes de que "Dark Rainbow" llegue para
explayarse en atmósferas cósmicas abiertamente misteriosas, expuestas sobre un
sólido crescendo minimalista al estilo post-rock (pensando en GYBE! mezclado
con Tortoise) - 11 minutos de gloriosa densidad. Después de esta pieza tan
abiertamente etérea, "Metal Tweek (Desert Hesh/The Days Of Meth)" retoma el
colorido travieso que había marcado temas breves precedente, completando
convenientemente el cuadro expresivo plasmado en la secuencia de estos tres
temas. "2-Pin Connection" restablece la faceta industrial de la banda,
registrando una robusta utilización de sucesivas atmósferas mecanizadas que
mucho tienen que ver con la esencia del krautrock, y por qué no, también con la
filuda psicodelia propia del estándar más bizarro del noise-rock. "Tortuga" es
un jam frontal y directo, muy en la onda de Sonic Youth en su faceta más
"pretenciosa", mientras que "Nails Wine Dio" se retrotrae hacia estrategias
caóticas de forma libre, anticipando que el oyente podría olvidar cuán
relevante había sido este esquema de trabajo en previas secciones del disco.
Hay momentos de este tema en los cuales el grupo se solaza en manifestar su
potencial de agresividad sónica en sus retorcidas cacofonías. De este modo
concluye nuestra experiencia con "The Last Pirates of Upsilon", disco que
revela magníficamente las intenciones de Upsilon Acrux de expandir su osada
propuesta progresiva para nuestros tiempos.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de THINKING PLAGUE
THINKING PLAGUE: "... A Thinking Plague" (1984)
Temas
1. I Do Not Live 97 5:04
2. Possessed 97 8:19
3. How to Clean Squid 97 5:02
4. A Light Is On and Name the World 97 1:32
5. The Taste that Lingers On 97 2:12
6. Four Men In the Rain 97 2:33
7. Thorns of Blue and Red / The War 97 15:28
Integrantes
- Sharon Bradford: voz, ruidos, sintetizador Casio, efectos
- Bob Drake: bajo, batería, percusión, voz, guitarra, balalaika con arco,
piano, órgano, ruidos
- Harry Fleishman: piano, órgano, voz
- Mark Fuller: batería
- Mike Johnson: guitarras, sintetizadores, piano, tubos de metal, voz, ruidos
Colaborador: Mark Bradford (voz, ruidos)
Con un casi homónimo disco debut, el ensamble estadounidense Thinking Plague
dio unos importantes primeros pasos en la vertiente vanguardista del
plurivalente género progresivo. Siendo así que hoy por hoy, Thinking Plague es
todavía un activo punto de referencia inapelabe desde la consistente escena que
ha venido desarrollando y replanteando las herencias del R.I.O. y del
chamber-rock desde inicios de los 70s, resulta sumamente interesante percatarse
del despierto sentido de la aventura con el que el grupo creaba su repertorio
desde "... A Thinking Plague". Grabado un tanto artesanalmente y careciendo
todavía de un enfoque artístico 100% definido, Thinking Plague tiene
suficientes dosis de imaginación y solvencia técnica como para hacer buen uso
de sus influencias (Henry Cow, Art Bears, Art Zoyd, Zappa, la academia
vanguardista, algo de krautrock a lo Faust, básicamente) y generar una
propuesta musical artísticamente efectiva en medio de una escena comercial
dominada por el new wave, el tecno-pop y el rock duro.
"I Do Not Live" da inicio al disco sin mayor compasión: voces e instrumentos
empiezan al unísono su complejo viaje sonoro que ofrece ambientes finamente
contrastados donde el jolgorio zappiano y los climas oscuros a lo Art Zoyd se
hermanan en una ilación sugerente, robusta a través de su patente estructura
vanguardista. "Possessed", la segunda pieza, puede muy bien definirse como el
primer clásico de TP: en un espacio de poco menos de 8 BD minutos, TP se
explaya en sus influencias de Henry Cow (c/ Dagmar) y se anima a elaborar un
sólido tema semi-épico donde impera el uso refinadamente elegante de las
extravagantes estratagemas melódicas y armónicas que tienen lugar. Por su
parte, "How to Clean Squid" es un animal de otra fauna: se trata de una animada
travesía por las aguas del krautrock electrónico en conjunción con ornamentos
noise y alusiones tecno. Se puede describir como una hipotética partitura
perdida de Art Bears descubierta por un ensamble de músicos de Neu! y This Heat
tras haber pasado cuatro horas escuchando música de Can. El canto y las
recitaciones de Sharon Bradford (la letra parece sacada de un recetario)
incorporan un cierto vigor pop que hacen juego con el irresistiblemente
bailable ritmo robótico. "A Light Is On and Name the World" es un breve
interludio caótico y desestructurado, esencialmente post-moderno, el cual
anticipa la dadaísta gracia de "The Taste that Lingers On", pieza juguetona que
casi suena como una canción de juegos infantiles en un mundo imaginario
zappiano. "Four Men In the Rain" es un ejercicio de distorsiones improvisadas y
abiertamente atonales, ejecutado por lo que parece ser un cuarteto de cuerdas.
Parece funcionar principalmente como preludio a "Thorns of Blue and Red / The
War", tema que ocupa los últimos 15 minutos y pico del disco. Este tema no está
en la misma onda de fina majestuosidad que "Possessed", sino que más bien se
apoya en una arquitectura más sutil, comenzando con aires cálidos (predominando
un poco la guitarra acústica), para luego virar hacia un reposado pasaje
concreto, y de ahí impulsarse hacia un motivo más propiamente estructurado.
Este último encaja muy bien dentro del juego de atmósferas densas que el grupo
desarrollará concienzudamente en sus dos siguientes obras fonográficas.
A fin de cuentas, el balance de esta experiencia melómana con "... A Thinking
Plague" resulta positivo a pesar de que Thinking Plague todavía se revela como
una banda en camino de instaurar su propia voz musical. Tal como se señaló al
comienzo de esta reseña, el genio de TP ya está aflorando de manera innegable,
y eso hace que su disco debut resulte muy bueno en sí mismo.
César Mendoza
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Mew - No More Stories are Told Today... (2009)
MEW : "NO MORE STORIES, ARE TOLD TODAY, I"M SORRY, THEY WASHED AWAY, NO MORE
STORIES, THE WORLD IS GREY, I"M TIRED LET"S WASH AWAY" (2009)
Discográfica: Sony BMG
Temas:
1. New Terrain. 3:14
2. Introducing Palace Players. 4:46
3. Beach. 2:46
4. Repeater Beater. 2:33
5. Silas the Magic Car. 4:06
6. Cartoons and Macramé Wounds. 7:21
7. A Dream. 1:47
8. Hawaii. 5:01
9. Vaccine. 5:08
10. Tricks of the Trade. 4:28
11. Sometimes Life Isn"t Easy. 5:21
12. Reprise. 5:32
Músicos:
- Jonas Bjerre (vocals, guitar, keyboards)
- Bo Madsen (guitar, keyboards, bass)
- Silas Graae (drums)
Cuatro años han necesitado estos daneses, para materializar un sucesor de
aquel maravilloso "And the Glass Handed Kites". Tras un poético y
kilométrico título, se esconde este nuevo trabajo que difícil lo tenía tras
las excelencias de su precursor, hecho que, me temo, ha acabado pasando
factura.
Mew no han cambiado, si bien en las piezas iniciales, "New Terrain" e
"Introducing Palace Players" juegan con ritmos y armonías de manifiesta
dificultad, ciertamente inéditos en ellos. En el resto del álbum siguen
practicando un pop sofisticado con tintes progresivos, digamos, a medio
camino entre Dredg y los Sigur Rós más poppies, con reminiscencias del dream
pop de Cocteau Twins, que tiene en el trabajo melódico su máximo baluarte.
Piezas efectivas y bellas como "Repeater Beater", "Silas the Magic Car" cuyo
trabajo melódico me recuerda a Prefab Sprout o "Tricks of the Trade", no
pueden evitar palidecer al lado de las esplendorosas "Why are you Looking
Grave", "Special" o "The Zookeeper"s Boy", de su largo precedente. Tampoco
los temas más abiertamente sinfónicos "Cartoons and Macrame Wounds" o
"Reprise", pueden competir con aquellas exquisitas "White Lips Kissed" y
"Louise Louisa".
Está lejos de ser "And the Glass Handed Kites" o "Frengers" y por ello el
resultado final es un poco decepcionante. Pese a todo, el talento, aunque un
tanto adormecido, sigue estando ahí y todavía podemos calificar este "No
More Stories..." como un buen álbum.
Valoración: 6/10
Ferran Lizana (rockomic@gmail.com)
Agosto 2009
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Rockcore website que toca mucho prog
Hola a todos.
Os informo sobre esta website roquera, Rockcore, en cuyo contenido tocan
progresivo i estilos afines en un porcentaje muy elevado. Ahí se van
publicando también mis críticas, en las que se pueden dejar comentarios a
pie de crítica, quien lo desee. También se publican muchas notícias casi a
diario.
Esta es la dirección.
http://www.rockcore.com/
Saludos a todos.
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