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La caja de musica Number 0881
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #881 junio 2009 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* FLOR DE LOTO - 22 de julio
* ya se viene el RIO Festival 2009 en Francia
* Rialzu
* Abarax - "Crying of the whales" (2005)
* Nuevo_álbumn_de_Porcupine_Tree
* DJAM KARET Still No Commercial Potential
* el 1ro. de FERMATA
* LCDM: Akenathon, progresivo, La Plata, Argentina.
* FERMATA: "Piesen Z Hol" (1976)
* JARDIN DE PIEDRA "Mapa Universo"
* CABEZAS DE CERA en el NEARfest 2009... y mas
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FLOR DE LOTO - 22 de julio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Siguiendo con su campaña de presentación y promoción de su flamante tercera
placa fonográfica Mundos Bizarros, FLOR DE LOTO se presentará en El Cocodrilo
Verde, el día 22 de julio, a partir de las 10.30 PM
FLOR DE LOTO
EN VIVO, 22 DE JULIO
COCODRILO VERDE
10.30 PM
Francisco Paula y Camino, 226 Miraflores (Lima)
Precio de entradas: por confirmar
Contando con Tati Alcántara y Julio Caipo como músicos invitados, el evento
promete ser tan dinámico y colorido como suelen ser los conciertos de este
cuarteto peruano.
Más información y actualizaciones en el blog de Myspace
http://www.myspace.com/flordelotoprogre
También se puede escuchar material de Mundos Bizarros en el link
www.radiojean.com/musica/flor_de_loto
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ya se viene el RIO Festival 2009 en Francia
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Ya está lista toda la maquinaria para la realización del Rock In Opposition
Festival que tendrá lugar en Francia en septiembre de este año. Se trata de la
segunda edición del mismo: la primera tuvo lugar en 2007.
El cartel de tres días (18, 19 y 20 de septiembre) está integrado por las
siguientes bandas.-
Magma / Koenji Hyakkei / Present / Univers Zero / Charles Hayward / Combat
Astronomy / Aranis / The Muffins / Guapo / Yolk / Electric Epic / GMEA
El programa detallado aparece en el enlace
http://www.rocktime.org/rio/progrmme_english.htm (o
http://www.rocktime.org/rio/progrmme.htm para la versión francesa).
Viernes 18-sep
6 PM (Sala Segunda)
Inauguración, presentación y recepción de los profesionales/ GUAPO con GMEA
8.30 PM (Sala Principal)
ELECTRIC EPIC
10.30 PM (Sala Principal)
MAGMA
Sábado 19-sep
2 PM (Sala Principal)
CHARLES HAYWARD
4.30 PM (Sala Principal)
ARANIS
7.30 PM (Sala Principal)
COMBAT ASTRONOMY
10.30 PM (Sala Principal)
KOENJI HYAKKEI
Domingo 20-sep
1.00 PM (Sala Principal)
YOLK
4.00 PM (Sala Principal)
THE MUFFINS
7.00 PM (Sala Principal)
PRESENT
10.00 PM (Sala Principal)
UNIVERS ZERO
!!Qué gran cartel!! La presencia de MAGMA, PRESENT y UNIVERS ZERO como pioneros
indiscutibles de la vanguardia progresival radical vendrá poderosamente
repotenciada con los veteranos estadounidenses THE MUFFINS, los clásicos
modernos del zeuhl británico GUAPO, y la nueva maravilla avat-garde nipona
KOENJI HYAKKEI. CHARLES HAYWARD es otro visionario de trayectoria venerable.
Los nuevos vienen muy bien representados también: nombres como YOLK y ELECTRIC
EPIC tienen buena acogida entre los melómanos de placeres bizarros.
La locación de este tremendamente magno evento es la Maison de la Musique, en
la localidad francesa de Le Garric. Más información en la página web
http://www.rocktime.org/rio/english.htm (o
http://www.rocktime.org/rio/francais.htm).
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Rialzu
RIALZU: Rialzu (1978)
Temas
1. U rigiru (15:59)
2. I lagramanti (11:03)
3. A mubba (3:17)
4. U sterpamondu (bonus en vivo, 1977) (13:42)
5. A man di Diu (bonus, 1976) (5:05)
Integrantes
- Christophe Mac Daniel: órgano, piano Fender, sintetizadores, voz
- Dominique Gallet: violín, voz
- Gilles Rennes: guitarra
- Francois Mac Daniel: bajo, coros
- Olivier Renne: batería, percusión
- Jean-Philippe Gallet: coros
- Francoise Augé: coros
Proveniente de la isla de Córcega, Rialzu fue un ensamble musical tan
entusiasta como talentoso cuyas vertientes creativas se enfilaron decididamente
por las áreas convergentes del jazz con claros toques progresivos y el
estereotipo zeuhl de Magma. Desde su formación en 1976, la intención de Rialzu
de rendir homenaje cercano a su propio entorno cultural se evidencia en su uso
del idioma corso en las secciones cantadas (con letra, es decir, cuando el
ensamble vocal no está tatareando). De hecho, a pesar de su corta duración como
grupo, Rialzu logró, con sus eventos musicales realizados en un lapso de poco
más de un año y medio, alzarse como una voz importante dentro de la vida
cultural de Córcega dentro de sus vertientes nacionalistas.
El disco comienza con U rigiru, el cual se enmarca inicialmente dentro de
climas ceremoniosos que parecen indicar algo majestuoso en ciernes. Una vez
encuadrado el ensamble completo dentro de un esquema de trabajo reconocible, se
abre campo para un jam jazzero que tiene mucho que ver con Potemkine,
Mahavishnu Orchestra y Le Grand Nebuleux. En todo cas, los teclados sobresalen
por encima de los guitarreos, y también tenemos a la batería en un lugar muy
bien posicionado. Luego sigue un pasaje reposado, un tanto lírico pero más que
nada etéreo de este modo, con una pauta lenta se organiza un contexto para el
surgimiento de la parte cantada, la misma que termina erigiéndose en el cuerpo
central de la pieza. Los ornamentos de sintetizador van creando unos aires
sutilmente épicos, no excesivamente llamativos a fin de preservar
meticulosamente la etérea fineza del momento. Con el solo de batería se produce
una secuencia de forma improvisadamente libre, y de paso, se crea el camino
para la vibrante coda que reelabora el pasaje central con pura intensidad. I
lagramanti tiene una estructura inversa: comienza de manera tenue y flotante,
prontamente desparramándose en potentes corales grisáceas para finalmente
desarrollarse hacia pasajes más explícitos, bien armados sobre un swing
exquisito de patente tono fusionesco. En los pasajes más misteriosos, el órgano
ocupa un rol protagónico con sus cortinas góticas, ligeramente tétricas y bien
enmarcadas en atmósferas grisáceas. De todos modos, rápidamente estas cortinas
tornan hacia urgentes reapariciones de cadencias jazzeras que permite crear
variantes muy interesantes, especialmente en lo concerniente a los solos de
violín que se abren paso en tales momentos. A mubba cierra el disco con sus
aires fusionescos muy bien tirados hacia el estándar de Weather Report, aunque
también portando una cierta calidez que nos puede recordar a grupos italianos
como Il Baricentro y Perigeo. La presencia de algunos coros añade un adorno de
tensión y misterio, pero básicamente el swing es tan imponente que la agilidad
regula el status quo de la pieza. Este tema fue compuesto sobre el camino por
el guitarrista de la banda con miras a completar el lado B del vinilo. Este
disco fue en realidad grabado en un solo día y mezclado en dos o tres, lo cual
es una clara señal de las condiciones tan informales en las que Rialzu tuvo que
trabajar en esta única oportunidad de plasmar parte de su arte en un acetato.
Un suceso más triste fue que el bajista Francois Mac Daniel se dañó un dedo con
una lata de conserva, por lo que algunas partes de bajo tuvieron que ser
grabadas por el guitarrista. Mala suerte
El CD contiene dos bonus tracks U sterpamondu y A man di Diu. U
sterpamondu tiene una majestuosidad grisácea muy semejante a la de I
lagramanti. De hecho que esta pieza tiene más polenta y extravagancia que
cualquiera de los dos temas largos de estudio, lo cual incluye una mayor
relevancia de la sección vocal: es una pena que no haya sido parte del
repertorio oficial del disco. A man di Diu, por su parte, contiene una
prestancia más contemplativa, en no poca medida inspirada en el progresivo
germinal que se gestaba en manos de Pink Floyd y King Crimson antes de la
plenitud de los 70s. Las cortinas de órgano y violín portan una candidez
contemplativa bastante efectiva, siendo así que los arreglos vocales se hacen
debido eco de esta atmósfera. De este modo termina este disco en el que Rialzu
justifica con creces su status de tesoro raro del zeuhl clásico: a pesar de que
evidentemente el grupo no alcanza la consistencia sonora ni la grandilocuencia
musical de os grandes líderes eternos de este subgénero progresivo, sin duda
que resulta un ítem sumamente importante para que los coleccionistas adquieran
y valoren.
César Mendoza
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Autor: Eduardo_García_Salueña <edugarsalu@gmail.com>
Asunto: Abarax - "Crying of the whales" (2005)
Rev: abarax_cryingofthewhales; abarax; crying of the whales
ABARAX: "Crying of the whales" (2005)
01. Crying of the whales Part I (10:09)
02. Journeys end (07:33)
03. Whale massacre (12:34)
04. Part of evolution (03:09)
05. Natures voice (05:47)
06. Point of no return (06:21)
07. All these walls (08:38)
08. Crying of the whales Part II (07:20)
- ANDRE BLAEUTE: vocals, acoustic guitar, e-bow
- DENNIS GRASEKAMP: lead guitar, drums, bass
- HOWARD HANKS: guitar, spoken words, lyrics
- UDO GRASEKAMP: keyboards, synthesizer, programming
- ANDRE GRASEKAMP: bass (1,8)
- BERND EENHUIS: additional guitar (1,8)
All songs written and performed by Abarax
Abarax es una formación de rock alemana nacida alrededor de 2003, siendo
descendiente directa de la agrupación Time of Timeless (capitaneada también
por la familia Grasekamp). En ambas bandas, siendo muy notorio en el caso de
Abarax, los músicos muestran una especial afinidad por la música de Pink
Floyd, sobre todo sus discos de los 70 (factor al que aluden, incluso, en el
libreto de este disco). Se pueden encontrar, además, guiños directos al
grupo (como el inicio de "Wish you were here" en "All these walls" o el
sonido submarino de "Echoes" al final del disco). Por ello podemos definir
la propuesta del grupo como rock sinfónico de carácter melódico (muy patente
en los registros de la guitarra solista y los teclados), con tendencia a los
pasajes atmosféricos y con ciertas connotaciones del espíritu hard-rock más
clásico.
"Crying of the whales" es un álbum que presenta una temática de fondo
relacionada con el mundo de las ballenas como hilo conductor de todo el
material musical. En las propias palabras de los autores, se trata de una
"fantasía de música rock que describe la imaginativa verdad sobre las
ballenas y las razones acerca de su existencia". Tras casi dos años para
tratar debidamente la temática y construir correctamente sus ideas, Abarax
nos presenta aquí un alegato ecologista que analiza las relaciones entre la
especie humana y la animal, reivindando un mayor cuidado hacia las ballenas.
El disco se abre y se cierra con las dos partes de la pieza que da título
al álbum, donde de alguna forma se sintetiza el mensaje central del concepto
del disco ("without the whale there be no man to prosper and preserve all
live, we must live together like a man and wife"). Sonidos marinos, pasajes
de densidad sonora a través de las capas de sintetizadores, fuerte sustento
de las armonías vocales y expresivos solos de guitarra cercanos al estilo de
David Gilmour podrían ser las señas de identidad más aparentes de la
propuesta del grupo, muy bien reflejada en ambos temas. "Journeys end"
desprende cierta nostalgia a través de la progresión melódica y la dramática
línea vocal, recordándome por momentos a grupos como Uriah Heep en sus
momentos de mayor fuerza. Es una de las reflexiones más pesimistas del
disco, hecha desde la mentalidad de las ballenas que se entregan a su
posible fatalista destino.
"Whale massacre" es, fácilmente, la pieza más compleja (estructuralmente)
del álbum, con diversas secciones en contraste, en su mayoría instrumentales
(también contiene los textos más violentos y visuales del disco). La parte
inicial es una de mis favoritas, con un juego de guitarras muy en la línea
de Mike Oldfield; "Part of evolution" es una breve y envolvente composición
con gran presencia del elemento electrónico y un único mensaje: "You're not
the final solution, you're part of evolution"; "Point of no return" y
"Nature voice" son los cortes más cercanos al rock clásico, con ligeros
devaneos hacia el heavy metal, mientras que "All these walls" presenta un
carácter mayoritariamente acústico con un fuerte sustento de los
sintetizadores y las armonías vocales.
"Crying of the whales", álbum debut (y único hasta la fecha) de los
germanos Abarax puede interesar a los amantes del Neo-Progresivo más fiel al
rock de esencia clásica y a aquellos interesados en rastrear a bandas
influenciadas por la época setentera de Pink Floyd.
Más información en su web oficial (http://www.abarax.de/) y en su myspace (
http://www.myspace.com/abaraxmusic)
Un saludo para tod@s.
Eduardo García Salueña
http://www.senogul.com
http://www.myspace.com/senogul
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Autor: Rafael Augusto Lara Palmeros <ralp666@yahoo.com.mx>
Asunto: Nuevo_álbumn_de_Porcupine_Tree
Final y felizmente, S. Wilson ha anunciado la salida de su disco doble para el
próximo 21 de septiembre titulado 'The incidente', el cual contendrá una suite
de aprox. 55 minutos así como un EP adjunto conteniendo las siguientes
melodías: 'Flicker', 'Bonnie the cat','Black Dalhia' y 'Remember me lover'.
Según palabras del mismo Wilson: ".....la música te dejará boquiabierto, dando
la impresión de que después de escucharla ya no será lo mismo....".
Me pregunto nuevamente: que impacto tendrá éste trabajo de casi una hora para
los "puristas" del Progresivo?.
La respuesta, a la vuelta de la esquina.
Saludos Afectuosos
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DJAM KARET Still No Commercial Potential
Potential
DJAM KARET: Still No Commercial Potential (1998)
Temas
1- No Vacancy At The Hotel Of Noise (7:04)
2- Twilight In Lonely Lands (7:10)
3- Room 24, Around Noon (8:41)
4- The Black Line (10:01)
5- Night, But No Darkness (8:09)
6- Strange Wine From A Twisted Fruit (28:51)
Integrantes
- Gayle Ellett: guitarras eléctricas y e-bow, órgano, percusión
- Mike Henderson: guitarras eléctricas y e-bow
- Chuck Oken Jr.: batería, percusión, teclados
- Henry J. Osborne: bajo, didgeridoo, percusión
Still No Commercial Potential es una obra muy peculiar dentro del repertorio
de Djam Karet, una de las bandas más longevas dentro de la multívoca vertiente
progresiv que se ha venido forjando en los EE.UU. tras la década de los 70s. Es
refrescante y raro a la vez que un grupo tan cuidadoso en la planificación y
producción de cada álbum de estudio, rompa esta regla y se lance con estos 6
temas grabados en un ambiente de ensayo en los días 13 de junio y 1 de agosto
de 1998. de hecho, es así como trabaja DK cuando compone se arrojan ideas
mientras se ejecutan en jams, y luego las más mágicas se reelaboran en
composiciones más cuajadas donde el control y el refinamient regulan las
improvisaciones iniciales. Este disco es un testimonio de uno de stos procesos
sin la fase ulterior de reelaboración. Grabados a través de un único micrófono
en estéreo por Henderson sin contar con mayores sobremezclas, los 6 temas de
Still No Commercial Potential nos revelan a un ensamble en el que las piezas
individuales saben escucharse mutuamente con sigilo a la par que dan rienda a
sus respectivas ideas surgidas sin estructuras predeterminadas. Tal como se
señala en los créditos del disco, nosotros simplemente afinamos nuestros
instrumentos y nos pusimos a tocar. Este disco no es para todos los humores:
hay que estar en disposición de escuchar jams expandidos que no son tan veloces
como los de Hawkwind ni tan demenciales como los del Crimson con Belew. Pero
bueno, se trata de una obra efectiva en lo que se refiere a climas sonoros
ambiciosos según el estándar progresivo.
No Vacancy At The Hotel Of Noise abre el disco con un ejercicio de ágil
space-rock que ostenta en buena medida la influencia de Ozric Tentacles: de
todos modos, por la carencia de flautas y el uso muy secundario del teclado,
los tipos de Djam karet dan rienda suelta su propio ser en base a la manera tan
afilada de realizar las sonoridades de las guitarras duales en sus fraseos y
texturas. Twilight In Lonely Lands tiene una duración similar y una vibración
más etérea. Las cadencias explícitamente étnicas de los aportes percusivos
marcan el tenor principal de la pieza, la misma que se halla pertinentemente
arropada por cortinas sonoras cuya densa delicadeza sirve para escenificar la
imagen crepuscular y solitaria del título. El aire de misterio aumenta más aún,
en proporciones geométricas, con Room 24, Around Noon, pieza alevosamente
lánguida cuya largo motivo introductorio se solaza en atmósferas minimalistas
repletas de sensaciones grisáceas, a medio camino entre lo inescrutable y lo
sutilmente amenazador. Una vez que el ensamble se instala por completo, el
grupo se desempeña en un esquema de jazz-rock lento en el que la espiritualidad
relajada del post-rock y el groove de la fusión se hermanan con completa
naturalidad. Una cosa muy característica de los mejores momentos de DK es su
capacidad de enrollarse consistentemente en unas pocas ideas básicas que portan
un atractivo bien sostenido. A medida que avanza la pieza, se aligera un poco
más el asunto, y así permanece hasta el arribo del fade-out. The Black Line
ya es arena de otro costal un viaje lisérgico absoluto, signado por la sobria
articulación de los flotantes efectos de guitarra y teclado a través de las
emisiones del didgeridoo (a cargo de Henry Osborne) y en medio de los casi
ritualísticos ornamentos percusivos. Krautrock minimalista y musique concrete
son dos ingredientes adecuadamente concluyentes en esta pieza. La cadencia
pulsátil de los tambores de mano (no muy ruidosos dentro de bloque sonoro
general) aporta una intensidad bastante interesante, bien integrada dentro del
aura ensoñadora de la pieza y, a la vez, aportando una dosis controlada de
bizarría. Night, But No Darkness porta una polenta que hasta ahora no se
percibía claramente en el disco. El nervio y la garra de lo guitarreos y la
batería se engarzan muy bien con el swing cautivante que esta última elabora en
consonancia con las ondulantes líneas de bajo. La presencia del órgano, a pesar
de no ser totalmente protagónica, ayuda bastante en la edificación y constancia
de una garra que siempre es bienvenida en manos de DK. El ritmo nunca llega a
ser trepidante: este tema se focaliza más en la resonancia de algunas
atmósferas cautas y bien definidas que en generar vigor intrépido (como sí
sucede en varios temas de Burning the Hard City y A Night for Baku, por
ejemplo).
Los últimos 29 minutos (o casi) del álbum están ocupados por Strange Wine From
A Twisted Fruit, el jam más obviamente ambicioso de Still No Commercial
Potential. El motivo introductorio guarda una cautela engañosa que no tarda en
revelar un motivo en 5/4 movido por un groove moderadamente extrovertido. En
dicha mesura colabora bastante la cadencia tribal que Oken sólidamente
proporciona a su batería. El asunto con las guitarras cobra un aire sobriamente
crimsoniano (al estilo de The Sheltering Sky) mezclado con la faceta más
contemplativa de un Gordian Knot. El desarrollo instrumental avanza lento pero
seguro, asumiendo posteriormente un clímax de fuerza rockera a la par que
conserva el compás. En este momento, la ambientación parece un krautrock
guitarrero transplantado a un esquema de jazz-rock. La cosa se mantiene así por
varios minutos hasta que e aura psicodélica pasa a un fabuloso crescendo que
fluye naturalmente sobre un medido incremento de la extroversión rítmica
inmaculadamente creada por Oken y Osborne. La polenta es efectiva y ardiente,
aún sin llegar a extremos metaleros. De esta manera termina el álbum de Djam
Karet que nos traemos en esta ocasión no se trata de una obra excelsa al modo
de Burning, Baku, The Devouring o Recollection Harvest, y de hecho la
banda ha concebido este disco como una aventura no demasiado planificada, pero
sin duda es una muestra más del ingenio y la garra que este grupo ha venido
patentando a su propia manera desde los años 80. Si bien no es justamente
recomendable comenzar a conocer a DK a partir de Still No Commercial
Potential, es una joya musical fácilmente apreciable por quienes sienten
respeto y admiración por este vértice del progresivo estadounidense.
César Mendoza
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Autor: C 9A9sar_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de FERMATA
FERMÃTA: "FermÃ!ta" (1975)
Temas
1. RumunskÃ! rapsódia (5:52)
2. Perpetuum II (10:27)
3. PostavÃm si vodu na Äaj (4:20)
4. ValÄÃk pre krstnú mamu (7:03)
5. Perpetuum III (11:46)
Integrantes
- TomÃ!s Berka: teclados
- Frantisek GriglÃ!k: guitarras
- Anton Jaro: bajo, percusión
- Peter Szapu: baterÃa, percusión
En un tiempo en que decir checo significaba checoslovaco, el ensamble eslovaco
FermÃ!ta encarnó una cumbre mÃ!xima dentro de la vanguardia musical fermentada
y desarrollada en el underground de la aludida ex-república europea oriental.
Con una propuesta progresiva que capturaba con potencia los parÃ!metros
centrales del jazz-rock por entonces desarrollado por Mahavishnu Orchestra y
Return to Forever, el virtuoso guitarrista Frantisek GriglÃ!k y sus compinches
iniciaron en 1973 una trayectoria que hoy por hoy es infaltable en cualquier
buena discoteca progresiva. El disco debut homónimo de 1975 muestra a una
banda con una oferta artÃstica ya madurada, portadora de genuino ingenio
musical y creadora de una fuerza sonora muy vitalista. Contando con un
protagonismo compartido equilibradamente por GriglÃ!k y el teclista TomÃ!s
Berka, la dupla rÃtmica de Jaro y Szapu exhibe una manera fluida y precisa de
cimentar el suelo para la arquitectura sónica que tiene lugar de principio a
fin.
âRumunskÃ! rapsódiaâ comienza con unos aires un tanto a lo Deep Purple con
retazos de The Nice, desarrollando una aureola tremendamente estilizada en el
modo en que se articulan lo fraseos de guitarra y las escalas de órgano. No
tardarÃ! mucho el ensamble para elaborar una Ã!gil e incendiaria alternancia de
fusión eléctrica y prog pesado, aterrizando en el adecuado cénit que es el
reprise del motivo de entrada con arreglos extra. Con este tema de entrada no
fallan las posibilidades de enganchar la atención del oyente mÃ!s despistado
â se trata de una apertura tan intrigante como exultante. El impacto inicial
tiene un adecuado contrapelo en âPerpetuum IIâ, que comienza con
lÃ!nguidamente tenues flujos emitidos por el piano eléctrico, con los vacÃos
sutilmente llenados por un bajo también bastante tenue. Una vez que Szapu hace
entrar poco a poco a su baterÃa, el tema desarrolla un crescendo parcial que
sirve para catapultar un breve solo de baterÃa, el cual, a su vez, abre las
puertas para la emergencia del cuerpo central. Dicho cuerpo central
inicialmente se despliega sobre un compÃ!s blues-rock, para luego explayarse
sobre un cÃ!lido swing jazzero sazonado con vibraciones de color funky â muy
a lo Mahavishnu, en verdad, aunque el guitarreo tiene mÃ!s de Akkerman que de
McLaughlin. âPostavÃm si vodu na Äajâ concluye la primera mitad del disco
con un tono juguetón, incluso desarrollando un lirismo bastante efectivo de la
mano del piano eléctrico de un siempre magistral Berka. âValÄÃk pre
krstnú mamuâ me suena a un cruce entre Finch y el Return to Forever con Bill
Connors. âPerpetuum IIIâ es el tema que cierra el disco: tiene un
frenético inicio con una retoma de un motivo central de âPerpetuum IIâ a
partir de un esquema mÃ!s marcadamente psicodélico, para luego pasar a una
atmósfera mÃ!s relajada basada en un swing flotante que coquetea con el molde
de Weather Report. La fineza de Szapu es lo suficientemente abundante como para
trabajar impolutamente los matices nece
sarios para elaborar una base rÃtmica donde se conjuguen la sensibilidad con
la sofisticación técnica. También se pude argüir que esta pieza contiene
los solos de guitarra mÃ!s impresionantes de todo el Ã!lbum: cabe añadir el
efecto tan bizarro que producen los ornamentos de sintetizador que emulan una
corneta robótica en medio de los tormentosos fraseos emanados por los dedos de
GriglÃ!k. Y bueno, el tema termina con unos efectos de tormenta bien enroscados
alrededor de los últimos efluvios del ensamble
âFermÃ!taâ es todo un deleite para todo amante del jazz-rock y el rock
progresivo de tendencias jazzeras â los coleccionistas tenemos muchas cosas
por descubrir del legado que la zona europea oriental ha dejado para el
enriquecimiento del jazz y el rock artÃsticos de los 70s. Una banda como
FermÃ!ta tuvo la sensibilidad necesaria como para recibir galantemente la
influencia de sus grandes predilectos para, a partir de ahÃ, generar una
oferta musical de valÃa propia.
César Mendoza
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Autor: Akenathon <akenathon.rock@yahoo.com.ar>
Asunto: LCDM: Akenathon, progresivo, La Plata, Argentina.
Ante todo gracias por este espacio que tanta falta le hace a nuestra música
y a la música en general!!!!
ww.purevolume.com/Akenathon
http://Akenathon.sonico.com
A k e n a t h o n
L a m í s t i c a d e l r o c k
Pedro Militello Batería
Carlos Faloco Teclados, guitarra, flauta y voz
Aníbal Acuaro Guitarra y voz
Carlos Burré Bajo, voz, guitarra y citar
Contacto: Akenathon.rock@yahoo.com.ar
www.Akenathon.com.ar
A k e n a t h o n, la mística del rock.
Akenathon es una banda platense que tiene su origen en el año
2001.
Ese año Aníbal Acuaro, procedente de ?Entremuros (hard-rock)?, y
Carlos Faloco, por entonces músico solista, cruzan sus caminos y deciden
generar un proyecto en común.
Tomando como punto de partida algunas composiciones de Acuaro,
comienzan los ensayos; Carlos Faloco se hace cargo de los teclados,
guitarra, flauta y voz mientras que Acuaro ejecuta la guitarra y se encarga
de la voz principal.
En esta etapa se dibuja ya el perfil de la banda que, aunque
deja ver muy variadas influencias, muestra un corte netamente
sinfónico-progresivo.
Desde los comienzos en 2001 hasta el 2005 fueron muchos los
músicos que en batería y bajo transitaron las filas de Akenathon, pero es en
marzo de 2005 donde se incorpora Pedro Militello como baterista. Desde esa
fecha asume el mando de los parches poniéndoles su sello distintivo.
La trayectoria de este reconocido baterista platense incluye
destacadas participaciones en agrupaciones de nuestra ciudad; podemos
mencionar a ?Salkaro? así como ?Destructor? y ?Athela?.
Mauricio Valenzuela, bajista, se incorpora a la banda en el año
2006 (marzo) y es quien con su particular estilo y su bagaje de
conocimientos termina por dar la impronta final a lo que hoy es Akenathon.
Entre sus antecedentes debemos mencionar que integró las bandas
platenses ?Bajos instintos?, ?Amaruka? y ?Violín en bolsa?.
Tanto Pedro Militello con su influencia heavy-sinfónica como
Mauricio Valenzuela con sus raíces de tango y blues enriquecieron
enormemente el universo creativo de esta banda.
En Julio de 2008 Mauricio deja la banda que ya tiene para esa
fecha grabado gran parte del material de su primer disco.
En estudio se hace cargo de las partes del bajo Matías González
de estudios Argot de La Plata.
Matías es un multiinstrumentista y cesionista que, como técnico
de grabación, conoce perfectamente los requerimientos de Akenathon.
Es así que, en Akenathon, podemos encontrar colores
característicos del jazz o del blues, tanto como matices heavies,
progresivos o sinfónicos, sin depreciar pasajes folklóricos como en
?Malambo? o baladas como en ?Balada para un final?, todo interpretado con la
marca inconfundible de esta banda.
En Marzo de 2009 Akenathon tiene la suerte de incorporar como
bajista al multiinstrumentista Carlos Burré.
Burré cuenta entre sus influencias musicales a grandes cultores
del genero sinfónico progresivo como Génesis, pero también reconoce la marca
de bandas como The Beatles o George Harrison.
Precisamente la magia del Beatle místico lo inspiró en gran
parte de su obra discográfica más reciente que como solista está finalizando
en estos días.
Akenathon se caracterizó desde sus comienzos por el hecho de
sumar en sus conciertos diferentes disciplinas artísticas.
Han acompañado a Akenathon muchos artistas de nuestra ciudad.
Podemos contar entre ellos a los artistas plásticos Cecilia
Varrone, María Inés Lascano, Leslie y Rosana Mayeyoshimoto.
Se presentaron también junto a Akenathon; el actor y director
platense César Palumbo, el escritor Oscar Luciani, las actrices María Rosa
Zucarini y Juliana Gallardo, la fotógrafa Marisa Raso, y la compañía
Títeres del bosque. , Leslie (humor y conducción), Sebastián Vallejos y
Aníbal Galeano (Clown), entre otros.
Akenathon compartió escenario además con muchas bandas
platenses a lo largo de los últimos años: Club, Doppler, Elvin Blues, La
vieja bis, Argos Boa, Pablo Vidal, El cono del silencio, Sebastián Martínez
(tango), Fugitivos del rey, Poker, Omar Riberas (tango) y Ünder Linden entre
otras.
Es difícil pensar en Akenathon como una banda conformada sólo
por los músicos.
Integran el ?staff? de ?La mística del rock? los diseñadores;
Alejandro García y Graciela Ahumada, el ingeniero de sonido y amigo de la
banda Carlos Capucio, el técnico de iluminación Marcelo Canistra, y los
diseñadores web; María Paula Ponce y Germán Rodríguez.
Los plomos de la banda quienes integran a su vez la banda
platense ?Todos Menos Dos? son: Luis ?Bebu? Jiménez, Franco Jiménez y
Leonardo Tapia.
Amigo de la banda, Leslie, Humorista, conductor y artista
plástico platense, acompaña a La Mística del Rock con su arte.
La Plataforma Cultural, revista de difusión de cultura y arte
de La Plata, dijo en su numero de octubre de 2006: ?Akenathon invitó al
público a disfrutar de una noche de domingo, combinando climas barrocos con
temas definitivamente heavy-sinfónicos.?.
A k e n a t h o n:
Últimas presentaciones:
· 29 de octubre de 2005: La mulata, 55 entre 13 y 14, La
Plata.
· 4 de noviembre de 2005: Centro Cultural Favero, 117 y
40, La Plata.
Invitados La vieja Bis (rock).
· 9 de diciembre de 2005: Centro Cultural Favero, 117 y
40, La Plata.
Invitados: Fugitivos del rey (rock).
· 16 de julio de 2006: Centro Cultural Favero, 117 y 40,
La Plata.
Invitados: Títeres del Bosque, María Inés Lascano y Cecilia
Varrone (muestra pictórica).
· 8 de setiembre de 2006: Ramos Generales, 26 y 60, La
Plata.
Invitados: El cono del Silencio.
· 27 de octubre de 2006: Kalma Bar, 14 y 57, La Plata.
Invitados: Elvin blues y César Palumbo (poesías).
· 1 de diciembre de 2006: Centro Cultural Favero, 117 y
40, La Plata.
Invitados: Elvin Blues, Sebastián Martínez (tango) y Rosana
Mayeyoshimoto (pinturas).
· 13 de julio de 2007: Buda Bar, 47 entre 11 y 12, La
Plata.
Invitados: Argos Boa.
· 21 de setiembre de 2007: Bobi?s Bar, 1 entre 49 y 50, La
Plata.
Invitados: La máquina misteriosa y Réquiem.
16 de noviembre de 2007: Café de los Poetas, 7 entre 39 y 40, La
Plata.
Invitados: Oscar Luciani, poesía y Pablo Matías Vidal,
cantautor.
15 de diciembre de 2007: ?Maldito Circo? en Centro Cultural
Favero, 117 y 40, La Plata.
Invitados: Leslie (muestra pictórica, conducción y animación),
Marisa Raso; fotografías, Sebastián Martínez (tango), María Rosa Zuccarini y
Juliana Gallardo, presentando ?La que sigue? de Griselda Gambaro con
dirección de César Palumbo.
11 de Abril de 2008: ?Akenathon Intimo? en Café de Los Poetas, 7
entre 39 y 40, La Plata.
Con Oscar Luciani, Poesía.
12 de Julio de 2008: ?Maldito Circo II? en Centro Cultural
Favero, 117 y 40, La Plata.
Invitados: Leslie (muestra pictórica, conducción y animación),
Omar Riberas (tango), Sebastián Vallejos y Aníbal Galeano (Clown).
19 de Julio de 2008: En el Pasaje Dardo Rocha 50 entre 6 y 7 de
La Plata con el auspicio de la Municipalidad de La Plata (dirección de
cultura) junto a la emblemática banda platense Ünder Linden.
A k e n a t h o n
Integrantes:
Carlos Antonio Faloco.
Teclados, Flauta, Guitarra y voz.
Carlos nació el 3 de junio de 1957 en Aguaray, Salta.
Actualmente reside en Berisso, lugar en donde Akenathon debutó
en 2002 en un bar llamado Superchango.
Es el tecladista y uno de los principales responsables de que
Akenathon sea hoy una banda de rock sinfónico-progresiva.
Su contribución armónica y compositiva desde el estratégico
lugar de las teclas lo define como un pilar fundamental de la banda, además
de ser un ?histórico?.
Utiliza teclados Alesis y Roland, y amplificador Peavey; así
como una guitarra criolla Gracia.
Sus influencias son amplias con gran raigambre en el jazz,
música clásica y rock sinfónico: Spinetta, Jethro Tull, Aquelarre, King
Crimson, Hermeto Pascoal, Charly García, The Beatles, son algunos de sus
músicos y bandas preferidas.
Aníbal Rubén Acuaro.
Guitarra y voz.
Aníbal nació el 26 de Abril de 1969 en La Plata.
Guitarrista y cofundador de la agrupación con Faloco. Es quien
se ha encargado de la totalidad de las letras, hasta el momento, en
Akenathon.
Obtiene su personal tono de guitarra con su Yamaha Pacífica '92
y un equipo Fender Deluxe 112; además cuenta con un pedal de volumen Boss,
Flanger Boss, Delay ?Marshal?, Wah-wah ?Cry Baby? de Dunlop, y Compresor
Pick Boy.
Reconoce muchas influencias entre las que destacan: Deep
Purple, Eric Clapton, Led Zeppelin, King Crimson, Serú Giran, The Beatles,
Santana y Aquelarre.
Pedro Militello.
Batería.
Pedro nació el 30 de Octubre de 1957 en La Plata.
Integra Akenathon desde el año 2005.
Su estilo influye notablemente en el producto final de
Akenathon ya que su sonido aguerrido y poderoso combinado con delicados
matices colorea la paleta de esta banda.
Su batería; una Pearl Custom Edición Limitada, platos Zildjian
y Paiste, acompañada de diversos elementos de percusión como Rototones Remo
y una campana de bronce.
Sus influencias; Nightwish, Aquelarre, Yes, Asia, Serú Giran,
King Crimson, Dream Theatre, Rata Blanca y por supuesto Emerson, Lake and
Palmer. Así como clásicos del rock pesado como Deep Purple y Zeppelin o
Black Sabbath.
Carlos Burré
Bajo y voz.
Nació en La Plata, el 1 de Septiembre de 1959.
Se unió a Akenathon en Marzo de 2009.
Estudió guitarra desde 1970 con distintos maestros (Carlos
Juárez y Néstor Gómez, entre otros), violín con el maestro Aarón Kemelmajer
(concertino de la Orquesta Municipal de Mar del Plata) y también tomó clases
de sitar indio con Ariel Chab Tarab, de la Escuela SARGAM de Buenos Aires.
Pasó por la Carrera de Música de la Facultad de Bellas Artes de
la UNLP, la Escuela de Arte de Berisso y distintos Conservatorios privados.
Esencialmente compositor, tiene en su haber repertorios de
blues, música rioplatense, fusión jazz-música oriental y música progresiva.
Desde 1978 integró bandas (Antares, Edificio, Ajax, Dr. Dominó, Vieja Ropa
Colorida, La Tina, Puede Ser y Los Gancedos, entre otras) y desde 1983 se
presentó tanto como solista (Festivales de la India en el Teatro Argentino y
el Coliseo Podestá, 1990 y 1991) como acompañando otros artistas (Mónica
Núñez Cortés, Patricia Valcarce).
Actualmente comparte su integración a Akenathon con su
actividad de escritor, la grabación de su primer disco solista y su
participación en la banda de jazz Quinteto de Proa.
Su reciente incorporación no se contradice con su perfecta
fusión a la banda tanto musical como espiritualmente.
Dueño de un particular estilo de ejecución en su instrumento,
ha otorgado una contundencia armónica y rítmica que se complementa sin
grietas con el resto de la agrupación.
Sus mayores influencias son Genesis, Yes, George Harrison, King
Crimson, Eric Clapton, John McLaughlin, Ravi Shankar, Erik Satie, Pink Floyd
y Camel, entre muchos otros.
A k e n a t h o n.
Proyectos:
Actualmente Akenathon se encuentra mezclando su primer trabajo
de estudio en las instalaciones de Argot en nuestra ciudad.
El disco estará integrado por gran parte de los temas que los
músicos vienen mostrando en las últimas presentaciones.
En este año la banda encara además la composición de nuevos
contenidos con una visión más grupal, acorde con la etapa que se encuentra
transitando, donde cada miembro hace su aporte y es parte esencial del
mensaje de ?La mística del rock?.
Los temas del disco y las nuevas obras se presentarán durante
el año en conciertos que ya se están siendo confirmados en la agenda 2009.
PRIMERA PRESENTACIÖN 2009:
Rucaché Bar calle 49 e/ 4 y 5 nº 490 La Plata
vier 5 de junio 23 hs. junto a QUINTETO DE PROA (JAZZ)
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Autor: Cesar_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FERMATA: "Piesen Z Hol" (1976)
FERMATA: "Piesen Z Hol" (1976)
Temas
1. PieseÅ z hÃ'ľ (11:07)
2. Svadba na medvedej lúke (4:15)
3. Posledný jarmok v Radvani (4:31)
4. Priadky (7:37)
5. Dolu VÃ!hom (2:20)
6. Vo Zvolene zvony zvonia (10:10)
Integrantes
- TomÃ!s Berka: teclados
- Frantisek GriglÃ!k: guitarras, voz, teclados
- Anton Jaro: bajo
- Cyril ZeleÅÃ!k: baterÃa, percusión
Invitado ocasional: Milan Tedla (violÃn, arpa judÃa)
âPieseÅ Z HÃ'ľ â es el tÃtulo de la segunda obra fonogrÃ!fica de la
maravila progresiva eslovaca FermÃ!ta. En este momento de su todavÃa reciente
carrera discogrÃ!fica, el ensamble eslovaco ya tenÃa un nuevo miembro en sus
filas, el baterista Cyril ZeleÅÃ!k. Su estilo no es muy distinto que el del
predecesor, pues en ambos se nota la fuerte influencia de Bily Cobham, pero sÃ
intuyo que ZeleÅÃ!k aporta una mayor dosis de agresividad a sus tambores y
platillos. Una caracterÃstica saltante de este disco en cuanto lo comparamos
con el debut es que tiene un despliegue menos explÃcito de polenta (lo cual es
muy distinto que decir que no tiene polenta, lo cual es falso de toda
falsedad), ademÃ!s de un trabajo melódico mÃ!s concienzudo. En cuanto a la
distribución de los Ãtems instrumentales, es de notar que el teclado se hace
mÃ!s presente, haciendo asà un dinÃ!mico contrapeso a la menos abrumadora
guitarra.
El tema homónimo abre el disco con 11 minutos invertidos en el despliegue de
energÃa e intensidad al mÃ!s tÃpico estilo de FermÃ!ta. Con esa apertura
diseñada por la lÃnea bÃ!sica de bajo se arma instantÃ!neamente el swing que
ha de articular sólida y recurrentemente el alucinante viaje musical que la
banda emprende a través de su jam. Hay un pasaje en el que el grupo utiliza un
tempo de 15/8, el mismo que incluye un fantÃ!stico solo de sintetizador â por
supuesto, en todo momento hay que contar con la inminente presencia de un solo,
sea breve o largo, a cargo de un siempre vigoroso Frantisek GriglÃ!k. âSvadba
na medvedej lúkeâ comienza con una introducción de baterÃa que destila
pura potencia, pero esta instancia puede dar una impresión engañosa, pues el
cuerpo central del tema consiste en un jam a medio tiempo que exhibe un cierto
acento contemplativo â el asunto se pone mÃ!s cercano a Weather Report. El
groove se pone mÃ!s entusiasta para âPosledný jarmok v Radvaniâ, pieza que
elabora una suave cadencia funky para reforzar el aura optimista brindada por
el motivo central. La duración moderada de ambos temas funciona muy bien como
contraparte del ambicioso despliegue musical de sonido y ritmo que habÃa
generado un impacto en el tema de apertura. La segunda mitad del disco comienza
con âPriadkyâ, número compuesto por Berka. Su piano eléctrico lleva el
desarrollo de la base, mientras que su sintetizador es usado eficazmente para
las armonÃas recurrentes y las texturas adicionales. El estilo del swing
guarda mucha afinidad con la del tema inmediatamente precedente, pero queda
claro que hay un trabajo lÃrico mÃ!s elaborado â el candor resultante tiene
mÃ!s ligazón con la lÃnea Canterbury de bandas como Gilgamesh e Isotope que
con los ensambles estadounidenses que usualmente les sirven como marco de
referencia. Este lirismo fresco y agradable continúa con el siguiente tema,
mÃ!s corto y compuesto por GriglÃ!k: âDolu VÃ!homâ porta un colorido Ã!gil
y sobrio a la vez, lo cua
l realza efectivamente su inherente amabilidad. Parece que a FermÃ!ta le gusta
iniciar y concluir sus discos con sendos temas largos: ya lo hizo en el disco
debut y lo vuelve a hacer en éste, siendo ahora el caso que âVo Zvolene
zvony zvoniaâ ocupa sus últimos 10 minutos. Con un ritmo a medio tiempo y la
presencia de un músico invitado al violÃn, FermÃ!ta elabora un jam repleto de
refinada elegancia, ostentando virtuosismo que no excesiva pirotecnia. Esta
pieza tiene una orientación bastante inclinada hacia el lado funky de
Mahavishnu.
De este modo termina âPieseÅ Z HÃ'ľ â, un disco que tetimonia claramente
que FermÃ!ta iba de una obra cumbre a otra con total naturalidad. Aunque no le
falta razón a quienes aseguran que el tercer disco de FermÃ!ta,
âHuascaranâ, es el mejor de su carrera, la verdad que ésta es muy sólida
en su regularidad de ecléctico ingenio y exultante energÃa. No hay pierde con
FermÃ!ta: los coleccionistas apuestan a seguro con sus discos.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: JARDIN DE PIEDRA "Mapa Universo"
JARDÍN DE PIEDRA: Mapa Universo (2009)
Temas
1- Nébula (6:53)
2- Hora Celeste (5:27)
3- Nimbos (6:54)
4- Piedras que Arrastra el Mar (7:21)
5- Canción de Cuna Para un Mundo Enfermo (3:01)
6- Ruidos Mecánicos en la Luna (9:04)
7- Mandala (10:41)
8- La Desaparición del Reino de la No Razón (13:26)
9- Mapa Universo (11:02)
Integrantes
- Luis Álvarez: guitarra, teclados y coros
- Daniel Límaco: batería y percusión
- Alex Garrido: voz, bajo y teclados
- Carlos Ramírez: guitarra
Jardín de Piedra es un ensamble peruano que ha tomado casi de sorpresa a la
crítica musical especializada de su país. Mucho se ha hablado en el circuito
underground limeño sobre sus presentaciones musicales, propensas a alimentarse
de recursos visuales y multimedia a fin de completar las ideas reflejadas en su
música, pero básicamente el grupo comenzó metido en sonoridades grunge y de
rock duro. El gusto por la psicodelia de base espacial y la experimentación
caló hondo en el ensamble, hasta el punto de aventurarse con creciente
confianza en desarrollos extensos y arreglos sofisticados, metiéndose de lleno
en aventuras sonoras inspiradas en el Pink Floyd arcaico, el krautrock, el
stoner y el post-rock. Según entiendo, el repertorio de este disco debut, Mapa
Universo, sigue una secuencia más o menos cronológica.
El disco abre con un cósmico efecto de sintetizador que asienta la atmósfera
para el envolvente jam de Nébula cuyas alusiones oníricas reciben un giro muy
interesante con el manejo de riffs pesados y las constantemente punzantes
líneas de bajo. El canto de Garrido, emparentado con el parámetro airado del
grunge y el fuego expresivo del bues-rock clásico, es un fuerte aliciente para
la preservación de ese dinamismo potente que siempre acompaña al material de
esta banda. Hay una aureola de torturado ensueño que reaparece cada vez que el
ensamble baja los decibeles, y es justamente este tipo de espíritu el que se
realza particularmente en Hora Celeste: la complementación entre polenta
languidecida y compás lento ayuda enormemente a la hora de transmitir el
furioso existencialismo encapsulado en la letra. Nimbos se desarrolla como
una semi-balada en clave de (así llamado) rock alternativo, cuya fuerza
inherente recibe un impulso mayor con la inclusión de ornamentos stoner y
pesadamente psicodélicos durante el desarrollo de sus interludios, o cual
repercute favorablemente en a maquinación de una intensa emotividad climática.
Piedras que Arrastra el Mar, por su parte, parece extraerse a partir de una
confluencia de ambientes de los dos temas precedentes, resultando así una pieza
diseñada para completar un cuadro sonoro cuyos colores conocidos hasta este
momento están bien definidos.
Canción de Cuna Para un Mundo Enfermo es un dueto de guitarras que entreteje
un juego de sutiles texturas que tira bastante hacia lo onírico, pero más bien
parece un viaje lúcido hacia ciertos rincones misteriosos de las partes más
intimistas de la psique: al menos, yo siento que esta excursión musical es más
reflexiva que surrealista. Este breve instrumental está instalado en medio del
repertorio para indicar un giro estilístico de la banda hacia una acentuación
más decidida de sus intereses sonoros más sofisticados: o sea, el resto del
repertorio trasciende al esquema de rock alternativo revestido de pretensiones
artísticas y pasa a instalarse en un formato progresivo de extensivos vuelos
instrumentales, poderosas amalgamas inspiradas férreamente en el space-rock y
el krautrock heavy, y tendencias a crear ambientes majestosos sin tapujos ni
disimulos. Ruidos Mecánicos en la Luna es el primero de estos viajes
musicales, comenzando con cadencias psicodélicas que evocan un poco a una cruza
del Pink Floyd de Ummagumma y los primeros años de Amon Düül II, y
ciertamente tenemos aquí un motivo que reaparecerá un par de veces entre las
más medidas secciones cantadas. Los fraseos de la guitarra solista evocan
simultáneamente a Dave Gilmour, Steve Hillage y Kim Thayil. Mandala comienza
con aires exóticos manifestados a través de tonalidades filudas donde convergen
la pesadez patente de las guitarras duales y los vuelos lisérgicos establecidos
por el esquema rítmico. Tras la barrera de los 4 ½ minutos, atestiguamos el
tránsito desde un breve pasaje agresivo de corte stoner hasta otro más medido
que coquetea con el post-rock de tendencia filuda. La manera tan inteligente
con la que el grupo sostiene sus pasajes instrumentales le permite afianzar su
camino hacia el final. La Desaparición del Reino de la No Razón tiene desde
sus instantes iniciales una huella clara de tensión contenida. La flotante
densidad emanada por su cósmico preludio se extiende en un crescendo efectivo,
que no exagerado. Poco antes de llegar al minuto 4, el grupo vuelve a comenzar
con un nuevo ejercicio de atmósferas flotantes, el mismo que termina por
aterrizar en una parte cantada, lenta y aguerrida en su lánguido compás de 3/4.
L que sigue después hasta el final redondea la idea con más pasajes densamente
melancólico antes de llegar a una coda relajante y ensoñadora, algo que a mí me
tomó un poco de sorpresa. El disco cierra con Mapa Universo, el tema homónimo
que se hace debido eco de la aureola melancólica del tema precedente y la
reelabora con un despliegue más explícito de energía rockera. El empleo
ocasional de algunos adornos jazz-rock ayuda a crear efectivas variantes en el
complejo swing que emplea el grupo a fin de mantener un atractivo dinamismo por
un espacio de 11 minutos.
En fin, Mapa Universo es un disco muy interesante, un trabajo musical que de
la mano de Jardín de Piedra abre nuevos horizontes para las ofertas rockeras
peruanas embebidas de genuinas pretensiones trascendentales. Este grupo merece,
no me cabe duda, recibir la atención del público rockero de su país pues desde
ya suena como una promesa cumplida.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: CABEZAS DE CERA en el NEARfest 2009... y mas
HOLA CAJEROS, LES SAUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo mexicano CABEZAS DE CERA se erigirá prontamente en la gran baza
latinoamerciana en la próxima edición del festivial estadounidense NEARfest.
Más detalles en la siguiente transcripción de parte de la misma banda.-
" El grupo de rock contemporáneo Cabezas de Cera se presentará el próximo 20
de junio en el North East Art Rock Festival en la ciudad de Bethlehem, Estados
Unidos. En este festival, considerado el más importante a nivel mundial en lo
que música progresiva y art rock se refiere, compartirá escenario con grupos
legendarios como Van Der Graff Generator, Gong y Premiata Forneria Marconi.
Asimismo, esta será la primera ocasión en que una agrupación mexicana se
presenta en tan prestigiado foro.
Tomando como punta de lanza su presencia en el NEARFEST, el grupo hará una gira
por el noreste de Estados Unidos, en escenarios como The Kennedy Center en
Washington DC y los Orion Sound Studios en Baltimore.
La gira terminará en la Ciudad de México con la participación de la banda en el
Festival Vive Latino el domingo 28 de junio.
La ficha completa de conciertos es:
- Sábado 20 de junio.- North East Art Rock Festival, Zoellner Arts Center,
Bethlehem, PA, www.nearfest.com
- Lunes 22 de junio.- The Art of Prog VII Series, The North Star Bar,
Filadelfia, www.northstarbar.com
- Martes 23 de junio.- Mojo 13, Wilmington, Delaware,
www.myspace.com/mojothirteen
- Miércoles 24 de junio.- The Kennedy Center, Millenium Stage, Washington DC,
http://www.kennedy-center.org/programs/millennium/schedule.html
* Esta presentación podrá verse totalmente en vivo a través de la página web
del KC a las 6 p.m. hora de Estados Unidos (4 p.m., hora de la Ciudad de
México).
- Jueves 25 de junio.- Artomatic 10th Anniversary, Washington DC,
www.artomatic.org
- Sábado 27 de junio.- The Baltimore Progressive Rock Showcases, Orion Sound
Studios, Baltimore, MD, www.orionsound.com
- Domingo 28 de junio.- Festival Vive Latino, Foro Sol, Ciudad de Mexico,
www.vivelatino.com.mx "
Para mayor información sobre esta gira visitar los emlaces
www.myspace.com/cabezasdecera y
www.cabezasdecera.com.mx
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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