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La caja de musica Number 0863
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #863 febrero 2009 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* LCDM: Concierto de Yes en la Ciudad de Mexico
* CITIZEN CAIN "Ghost Dance"
* KANSAS - gira 2009
* Jorge Reyes, descanse en paz
* L'UOVO_DI COLOMBO
* Lo mejor del 2008
* más_noticias_de_FLOR_DE_LOTO
* mi lista mejores 2008 rectificada
* el disco de POLLEN
* Philip Glass - Discografia Recomendada
* Alain Eckert Quartet
* Art Zoyd 1980
* Entrevista a Marillion en Ruta 66
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Autor: Mario Riva Palacio <mariorivapalacio@yahoo.com>
Asunto: LCDM: Concierto de Yes en la Ciudad de Mexico
Concierto de Yes en Mexico, febrero 2009
Envio un cordial saludo a la comunidad progresiva.
El pasado 5 de febrero tuve la oportunidad de presenciar el arranque de la
segunda parte de la gira norteamericana de Yes con su transformada alineacion,
con el objeto de poder seguir dando conciertos a pesar de la enfermedad de Jon
Anderson.
El recital tuvo lugar en el bonito Teatro Metropolitan, el cual tiene un aforo
un poco superior a las 3 mil gentes y donde habÃan tocado precisamente la
ultima vez que vinieron a Mexico. El lugar estaba lleno a reventar.
Ademas de los sospechosos comunes Steve Howe, Chris Squire y Alan White, se les
unieron el hijo de Rick Wakeman, Oliver y el cantante originario de Montreal,
Benoit David, quien fue reclutado a traves de un video de Youtube donde
aparecia con su banda tributo a Yes.
La realidad es que se nota las ganas de los veteranos de seguir tocando en
vivo, ya que lo hicieron de manera fenomenal. La edad no hace mella en ellos y
las interpretaciones de sus grandes clasicos fueron magistrales.
Benoit David se convierte en un clon de Anderson, inclusive en la vestimenta y
los bailes y gesticulaciones. Sus registros son muy similares y amen de una
pifia que cometio al olvidar una estrofa de Close to the Edge, hizo un papel
muy digno.
Oliver Wakeman cubrio dignamente a su padre, aunque en algunas interpretaciones
se notaba que el alumno todavia no alcanza al maestro.
Mencion aparte la eleccion de temas que normalmente no se hubieran tocado con
Jon Anderson en escena, como las dos piezas de Drama, Onward y Astral
traveller. Me senti muy afortunado de poder presenciar estas gemas en vivo y a
todo color.
Como escenografia llevaban unas nubes colgantes diseñadas por Roger Dean, las
cuales a pesar de su sencillez, en combinacion con los juegos de luces daban un
efecto alucinante.
A la banda se le notaba a gusto con la calida recepcion del publico y tanto
White como Howe y Squire nos deleitaron con sus acostumbrados solos.
A continuacion viene el setlist, el cual probablemente tenga algun error en el
orden:
â¢Â Siberian Khatru
â¢Â Your move/All good people
â¢Â Tempus fugit
â¢Â Onward
â¢Â Close to the edge
â¢Â And you and I
â¢Â Solo Steve Howe
â¢Â Long distance runaround/The fish
â¢Â Astral traveller
â¢Â Machine messiah
â¢Â Starship trooper
â¢Â Owner of a lonely Heart
â¢Â Roundabout
Saludos
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: CITIZEN CAIN "Ghost Dance"
CITIZEN CAIN: Ghost Dance (1996)
Temas
1. Plaeatea (1:38)
2. End of All Songs (8:17)
3. Question of Sport (6:37)
4. State of Confusion (4:22)
5. Missionary Position (7:12)
6. Ghost Dance (4:39)
7. Tabernacle of Hands (8:03)
8. Unspoken Words (5:39)
Integrantes
- Cyrus: bajo, voz
- Gordon Feenie: batería, teclados, flauta, guitarra, coros
- Tim Taylor: guitarras, teclados
Cuando Citizen Cain ya tenía dos CDs en el mercado, siendo así que el teclista
Andy Bell había surgido como el cómplice ideal de Cyrus para Serpents in
Camouflage y Somewhere but Yesterday, Cyrus tuvo la idea de sacar a la luz
material de la primera época de Citizen Cain, cuando el grupo tenía a una
formación totalmente diferente: Cyrus era, además de letrista y cantante, el
bajista; el trío de guitarra/bajo/batería pugnaba infructuosamente por
convertirse en un cuarteto con teclista; otra lucha infructuosa fue la de
conseguir un contrato de grabación. Eran los 80s y ya el sueño del primer disco
(además de EPs y discos posteriores) se había hecho realidad para Marillion,
IQ, Pallas, Abel Ganz, Pendragon y otros ilustres miembros de la nueva ola del
rock progresivo británico. Eran tiempos de lucha y esperanzas tercas, con un
baterista que aportaba el aspecto visual luciendo su maquillaje de payaso
gótico tras sus tambores y platillos. Estos tiempos llegaban a su fin al
terminar la década de los 80s cuando el trío decidió disolverse
antes de que
Andy Bell llegara a la vida de Cyrus (un poco tarde) para rescatar
efectivamente al grupo. Ghost Dance es el testimonio de esa época. Una rápida
(y tal vez injusta) descripción general del disco es la imaginar a un híbrido
de The Police y The Cure tocar temas inéditos de Genesis que no entraron en sus
discos de estudio entre 1970 y 1973. Procuremos ahora concentrarnos en una
descripción más detallada.
Plaeatea es un preludio suave basado en un canto solitario y tenues arpegios
de guitarra, después del cual los dos temas que siguen a continuación
establecen la pauta estilística de la banda. Citizen Cain asume una posición
genuinamente enérgica en End of All Songs, logrando darle un desarrollo
intrincado a sus efluvios sonoros tan fuertemente instalados en la new wave a
través del sólido empleo de compases inusuales y cambios de ritmo. Hay un
interludio lánguido que asume un real tributo a esos momentos en los que Pink
Floyd, Camel y Genesis se hacían tremendamente solemnes. Question of Sport
prosigue por esta tendencia de solemnidad progresiva, ahondándola en su primera
sección. Luego, la pieza se enrumba hacia un esquema más explícito, con una
estructura armónica muy semejante a la de la pieza precedente: aquí se destaca
un excelente solo de guitarra. State of Confusion profundiza en la mezcla de
new wave y rock sinfónico: imaginemos algo en la línea de Punch & Judy
(Marillion) y Awake and Nervous (IQ), con unas ambiciones rítmicas más
complejas pero con un boato menos elaborado en lo melódico. El estribillo tiene
su gancho a pesar de no estar en el compás de 4/4. Esta canción y Ghost Dance
reflejan muy bien los recursos e intereses de Citizen Cain por madurar su voz
progresiva, así como las limitaciones logísticas de sus inicios esta música
realmente exigía la presencia de un teclista especializado. Ahora que
mencionamos a la canción homónima, este tema tiene un frenesí rockero más
pronunciado, lo cual no contradice su complejidad estructural. En todo caso,
dicha complejidad es manejada con menos refinamiento que en State of
Confusion. En medio de ambas canciones se ubica Missionary Position, el cual
me recuerda mucho al Twelfth Night de los inicios pero con una mayor dosis de
The Cure: las secciones visceralmente potentes tienen más que ver con el punk
que con el rock duro o el heavy metal. En este detalle se distingue CC de
Pallas, otra banda escocesa que tuvo un enfoque frontalmente rockero al nuevo
sinfonismo. Tabernacle of Hands tiene una mayor afinidad con los temas 2 y 3,
mostrando un esquema compositivo muy similar al de varios temas del Serpents
in Camouflage. Unspoken Words ocupa los últimos 5 ¾ minutos del álbum: se
trata del tema menos complicado del disco, cerrándolo con un llamativo ambiente
de urgencia rockera.
En fin, Ghost Dance es un producto ingenioso de una época en la que Citizen
Cain estaba haciendo unos muy interesantes pininos en el mundo del rock
progresivo dentro de unas condiciones logísticas muy poco ideales. El punche
del baterista y la garra del guitarrista hicieron que Cyrus se exigiera
competentemente en su rol de bajista a la par que cantaba con su estilo tan
gabrielesco esas letras tan llenas de poesía apocalíptica. Sí, realmente Ghost
Dance tiene indicios claros de los mejores rasgos de la música de Citizen Cain
tal como se habrá de desarrollar desde Serpents in Camouflage en adelante
pero suena mucho a proyecto abordado. Su mayor interés es el de completar
nuestra comprensión del rol de Citizen Cain en el neo-prog y despertar la
imaginación del oyente con ideas de cómo hubiera sondado de tener un teclista
fijo.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: KANSAS - gira 2009
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Ahora que ya pasó el evento musical con la Washburn University Orchestra de
para registrar un DVD con orquesta sinfónica, KANSAS se prepara para seguir
adelante con su gira 2009 en conmemoración del 35to. aniversario de su álbum
debut.
En la sección Tour de su página web (http://www.kansasband.com/home.html),
están expuestas las fechas programadas hasta el momento. Casi todos los meses
del año tienen al menos un par de actuaciones pautadas, siendo así que el mes
de octubre está enfocado en un periplo europeo, más específicamente, Alemania:
ciudades como Berlín, Stuttgart, Leipzig y Dusseldorf se beneficiarán de la
música en vivo a cargo de esta leyenda viviente del rock estadounidense.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Jorge Reyes, descanse en paz
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Otra lamentable pérdida se ha dado en el ámbito del rock progresivo y
experimental proveniente de América latina. A poco menos de un mes del
trágico suicido del genial baterista uruguayo Gonzalo Farrugia (Psiglo,
Crucis) se nos viene la noticia del fallecimiento del vientista mexicano
Jorge Reyes (Al Universo, Nuevo México, Chac Mool), verdadero pionero de la
reelaboración de sonidos telúricos dentro del rock vanguardista y la fusión
de su país. Él nació a la inmortalidad al nacer el mes de febrero.
A continuación transcribo una nota publicada en el diario La Jornada.-
En un sueño terminó la vida del etnomúsico Jorge Reyes
Por.- Jorge Caballero
Fuente: La Jornada [Espectáculos] .
La madrugada del sábado murió el etnomúsico Jorge Reyes a causa de un paro
cardiaco. Se quedó dormido en su estudio y ya no despertó. Sus restos serán
cremados hoy. Le sobreviven sus hijos Citlalli, Ridwan y Eréndira, y Ariane
Pellicer, su mujer.
Sus amigos encendieron velas y formaron con los instrumentos musicales del
artista un altar adornado con dos fotografías en blanco y negro de Reyes, así
como una alfombra de pétalos alrededor del féretro. Cuatro grandes ramos
custodiaron el ataúd, mientras algunas personas hicieron sonar las flautas de
barro y los tambores que Jorge Reyes utilizó en alguna parte del mundo o en el
país que lo vio nacer hace 57 años.
Ariane Pellicer definió a su compañero: "Fue un ser que jugó con la música
antigua y la moderna, que iba muy adelante de su época, por eso todo mundo lo
va a recordar, por creativo y buena persona, que amaba a sus hijos y familia".
Autodefinido como etnomúsico, Jorge Reyes es considerado uno de los artistas
más reconocidos en la escena musical contemporánea mexicana, su obra abarca un
amplio rango de experimentació n sonora, incorporó instrumentos prehispánicos a
la música rock, jazz y electrónica y creó su propio género musical, el cual
definió como tloque nahuaque (música corporal con canto armónico).
Reyes nació en 1952 en Uruapan, Michoacán, estudió flauta transversa en la
Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) antes de optar por un estilo
propio. En la década de los años 60 hizo un viaje a Europa en una aventura de
aprendizaje musical que le llevó a Alemania, donde estudió música clásica,
electrónica y jazz. También viajó a India donde estudió la música tradicional
hindú y tibetana. A su regreso a México formó los grupos Al Universo y Nuevo
México, hizo sus primeras fusiones mezclando rock con instrumentos
mesoamericanos como el teponaztle, caparazones de tortuga y caracol. En 1980
fundó con Armando Suárez el grupo Chac Mool. Fue flautista y guitarrista de la
agrupación e imprimió sus conocimientos musicales en cuatro discos y le dio al
grupo su característica esencial: la creación de atmósferas con letras
profundas que trasladaban al escucha a un mundo fantástico. La aparición de
Chac Mool coincidió con el boom del rock mexicano; la instrumentación del
conjunto fue pionera al incorporar violoncello, mandolina, timbales,
sintetizadores, flauta e instrumentos prehispánicos.
En 1985, Chac Mool se disolvió y Jorge comenzó una prolífica carrera de solista
que le llevó a ser uno de los músicos mexicanos más reconocidos del mundo.
Jorge Reyes se caracterizó por presentar música popular mexicana y por concebir
sus conciertos como ceremonias rituales prehispánicas, en las cuales sintetizó
sus investigaciones musicales y viajes para formular lo que es la columna
vertebral de su propuesta sonora: la mezcla de sonidos autóctonos y
prehispánicos con la tecnología musical avanzada de los procesadores de sonido,
armonizadores, ecos y sonidos guturales. Ejemplo de ello fueron los
tradicionales conciertos que ofrecía el Día de Muertos en el Espacio
Escultórico de la UNAM, una reivindicación de los principios sagrados de las
culturas mesoamericanas, donde el músico aparecía como jaguar.
El cubano Piro, fundador del grupo Ritmo Peligroso, dijo: "La muerte del gran
Jorge Reyes es una gran pérdida para la música mexicana; conviví con él muchas
veces a través de los años, nuestra amistad se remonta a finales de la década
de los 70 cuando todavía colaboraba con Nuevo México. Dejó un legado musical
muy importante".
Jorge Reyes grabó 26 álbumes, destacan: A la Izquierda del Colibrí (1985),
Comala (1986), Ek Tunkul (1987), Viento de Navajas (1988) y la obra fundamental
Bajo el Sol Jaguar (1991). Además de Nierika (1989) y El costumbre (1993),
entre muchos otros.
Gracias por la música, Maestro Jorge Reyes.
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Autor: Rafael Augusto Lara Palmeros <ralp666@yahoo.com.mx>
Asunto: L'UOVO_DI
L'Uovo di Colombo : "L'Uovo di Colombo" (1973)
Discográfica: Mellow Records (Italia)
Temas:
1. L'indecisione (4:54)
2. Io (3:32)
3. Anja (4:37)
4. Vox Dei (4:57)
5. Turba (4:09)
6. Consiglio (4:49)
7. Visione della morte (6:41)
8. Scherzo (0:22)
Músicos:
- Toni Gionta. Voz principal
- Enzo Volpini. Piano eléctrico, acústico, sintetizador Moog, ARP, órgano
Hammond, guitarra acústica y vocales adicionales
- Elio Volpini. Guitarra eléctrica, bajo eléctrico y vocales adicionales
- Ruggero Stefani. Batería, percusiones y vocales adicionales
Tiempo Total: 34:11
Nos encontramos ante una de las más bellas propuestas consagradas al Progresivo
Italiano de los setentas, una Obra de fuerte temperamento, apasionante,
bellamente interpretada por un cuarteto de magistrales músicos romanos, una
Obra, que por desgracia, es la única referencia del grupo de los hermanos
Volpini, quizas olvidada en ésta epoca pero que marco un hito importantísimo en
el desarrollo ulterior de nuevas agrupaciones progresivas.
L'Uovo di Colombo, como muy pocos grupos italianos, nos dejo como recuerdo un
disco de extraordinaria calidad - en todos los sentidos- el cual conjuntó
magistralmente momentos reflexivos, alegres e intimistas, llevandonos de la
mano desde el contrapunteo armónico, lleno de elegancia hasta la amplitud
melódica, sónica, llena de riqueza lírico-musical, pasando, como es de
esperarse en multifacéticos ejecutantes, por melodías flexibles pero de marcado
dinamismo así como de intenso sentimiento interpretativo.
Su música es una clara combinación de incipiente canto tradicional italiano,
espléndido juego de escalas jazzísticas, influencias marcadas de ELP y Le Orme
principalmente en el manejo de teclados y batería, y sobre todo, la magistral
influencia del más progresivo de los Clásicos: Juan Sebastián Bach, combinación
de factores que nos otorgan un concepto único plasmado, desafortunadamente, en
un solo trabajo.
'L'indeciziones', es una elocuente muestra de dinamismo vital, una energética
propuesta a la influencia ELP / Le Orme ("Collage"), los teclados, básicamente
el Hammond, es soberbiamente manejado por Enzo Volpini, así como la sección
rítmica, en la cual destaca sobremanera la directriz Carl Palmer en la
ejecución por parte de Stefani. La voz de Toni Gionta se continúa con la línea
trazada por los acordes de los teclados y el rítmo de la batería, a los 1:41,
escuchamos un silencio de 2 segundos el cual se continúa con el Hammond y el
exacto juego percusivo, arpegios de mellotrón así como del órgano y a los 2:49
cambio y paso a un interludio jazzístico que nos lleva inmediatamente a J. S.
Bach (Toccata en F y Preludio VI) en el que el bajo de Elio Volpini luce un
magistral, elegante y pristino contrapunteo, a continuación un breve solo de
batería, acordes de Hammond y final enmarcado por el silbante sonido del
mellotrón. Esta melodía
es la que más enraiza la influencia del "power trío" britànico.
'Io', remarca magníficamente la estética, el estilismo y sobre todo la
elegancia del fraseo jazzístico, incorporando en su momento la voz de Gionta en
puentes que al final se acompañan de coros. La batería, por su técnica, nos
recuerda a Jimmy Cob y Elvin Jones, dada esa serie de variaciones rítmicas
ricas en creatividad, a los 2:15 un puente entre el bombo, los acordes de bajo
y un fondo en el que se escucha la sutileza sonora del sintetizador Moog que
preludian una nueva entrada del bajo, la batería y el Hammond para obsequiarnos
la base melódica inicial.
'Anja', para mi gusto es la melodía más emblemática del álbumn. La clásica
muestra del Progresivo Italiano setentero, paso del teclado que se acompaña del
sonido distante, en cierta medida melancólico del mellotrón, la voz de Gionta
remarca la influencia de la canción tradicional italiana dando ese toque de
energía, intensidad y tragedia, el bajo y la batería se van incorporando lenta
y pausadamente hasta constituirse en un todo, dando robustez a la
interpretación grupal, a los 2:58 los teclados nos regalan acordes exquisitos
que dan paso a grandes líneas musicales así como una sorprendente flexibilidad
armónica, característica ésta de los prog-rock italianos. Al final un reprise
del inicio. Magnífico track, que aleja al cuarteto de las notorias influencias
ELP.
'Vox Dei', parte de un breve preludio Hard-Rock que a los 0:37 nos deja
escuchar un magnífico puente barroco en el que se destaca el claro trazo del
bajo de Elio con arpegios sobresaliente incorporandose la voz de Gionta, llama
la atención a los 3:22 una entrada de la batería con un extraño toque latino el
cual para mi gusto no debió de haber existido, acompañamiento del Moog y nuevo
reprise del inicio.
'Turba', por primera vez, los acordes y arpegios de la guitarra eléctrica se
dejan escuchar, discreto Hard-Rock seguido del mellotrón y el Hammond, a los
1:31, una excelente textura Jazz- Rock, entretejida por el soberbio fraseo del
bajo, a los 2:04 una sólida y soberbia interpretación del mellotrón teniendo
como fondo el Hammond, conjunción propuesta hacia una clara orientación barróca
(Bach), finaliza con la incorporación del cuarteto al plano melódico original.
'Consiglio', Hammond neteamente "emersoniano", rockero con la subsecuente
incorporación del bajo y la batería, a los 0:36, entrada de la voz de Gionta
que se hace acompañar de arpegios de mellotrón y de guitarra eléctrica,
mminutos después, ruptura con voces, seguida de un interludio jazzeado en donde
destaca - como siempre - el bajo de Elio, arpegios de guitarra eléctrica y
después de 3 minutos, la melodía con toda la carga de ELP, reincorporando la
voz asi como coros.
'Vissione della morte', es la magnificencia hecha música. Un mosaico
deslumbrante, resplandeciente, nítido de soberbios momentos musicales, inicia
con los acordes de la guitarra acústica - que nos trae a la memoria el primer
trabajo de Jumbo - y la voz de Gionta transportandonos hacia atmósferas
atemporales, por momentos etéreas, recordandonos al Yes de los años 71-72, un
inicio que nos muestra la clara influencia mediterránea en la música del grupo,
a los 1:42 cambio hacia un Jazz- Rock vital, dinámico con excelso riff de bajo
de Elio, mellotrón de fondo, momento que preludia a un magnífico solo de
batería en que Stefani se destaca por su precisión y técnica en el manejo de
los redobles y sobre todo del contratiempo y los platillos sin caer en
exageraciones, estridentismo, ni simplismos, un acertado manejo de las
síncopas, a los 3:31 cambio y entrada del mellotrón que nos conduce hacia un
piano de gran influencia barroca - nuevamente
Bach hace acto de presencia -, el cual robustece enormemente la pieza, casi
al final !sorpresa! el sintetizador semejando una flauta dulce. Esta melodía
es una enorme muestra de la gran capacidad y talento de estos músicos.
'Scherzo', son simplemente segundos de un experimento disonante que se hace
acompañar por acordes de Hammond y sección rítmica.
Esta muestra de enorme talento y creatividad es única dentro del género
Progresivo Italiano ya que reune múltiples matices estéticos-musicales
perfectamente integrados en un todo,'L Uovo di Colombo', es, sin lugar a dudas,
una referencia por demás obligada para cualquier interesado en el Rock
Progresivo en términos generales.
Excelente.
(Estas modestas líneas están dedicadas a los buenos amigos progre Marco Antonio
Alvarado del Estado de Durango y a Jorge Cruz del Edo. de México, !!! Saludos
Afectuosos !!!)
A 8 de Febrero del 2009
Desde Xalapa, capital del Edo. de Veracruz en México.
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Autor: Manuel_Losada_González <mlosadag@gmail.com>
Asunto: Lo mejor del 2008
Hola a todos, esta es mi lista de lo mejor que he escuchado este 2008:
1.KARMAKANIC - Who's the boss in the factory
2.RC2 - Future Awaits
3.FROMUZ - Overlook
4.IT BITES - The tall ships
5.BIRDS AND BUILDINGS - Bentam to behemoth
6.EPHRAT - No one words
7.KARCIUS - Episode
8.IL BACIO DELLA MEDUSA - Discesa agl'inferi d'un giovane amante
9.THE TANGENT - Not as a good as a book
10.TEMPANO - Selective memory
11.UNITOPIA - The garden
12.CANVAS SOLARIS - The atomize dream
13.GUAPO - Elixir
14.BLACK MOUNTAIN - In the future
15.PENDRAGON - Pure
16.THE D PROJECT - The Sagarmatha Dilemma
17.MARTIN ORFORD - The old road
18.MATTHEW PARMENTER - Horror express
19.HAMMERS OF MISFORTUNE - Fields/Church of broken glass
20.RICH CASEY - Shadowblack
21.LOONYPARK - Egoist
22.SHAMALL - Questions of life
Un saludo a todos los cajeros!
Manuel
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: más_noticias_de_FLOR_DE_LOTO
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Aquí transcribo el mensaje más reciente que me ha llegado de parte de mis
amigos de FLOR DE LOTO respecto a su próximo tercer trabajo de estudio.-
" Teniendo casi terminado nuestro nuevo disco les lanzamos un primer adelanto
en nuestro myspace. Son dos temas "Habitante de un mundo imaginario", y nuestro
primer single "Amnesia", para el cual tuvimos la suerte de contar con la
participación de Gisela Ponce de León, excelente cantante, actríz y una linda
persona (U rock!).
Entren a esta dirección y play loud!!!! http://www.myspace.com/flordelotoprogre
"
Añado que también se puede escuchar desde hace un tiempo una versión en vivo de
'Nubes Oscuras', tema que también será parte del tercer disco.
Seguimos en contacto.
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Autor: Progjuan Progjuan <progjuan@gmail.com>
Asunto: mi lista mejores 2008 rectificada
Hola
Rectifico mi lista delos mejores del 2008, ya que por lo visto el disco de
Il Castello Di Atlante - Capitolo 7, Tra Le Antiche Mura y Varios: Dante's
Inferno (The Divine Comedy 96 part I) deben ser considerados del 2009.
Ahi van de nuevo mis 25 mejores discos del 2008:
1. Beardfish - Sleeping In Traffic: Part Two
2. Van der Graaf Generator - Trisector
3. Thieves' Kitchen - The Water Road
4. Karmakanic - Who's The Boss In The Factory
5. Black Mountain - In The Future
6. Unitopia - The Garden
7. Versus X - Primordial Ocean
8. The Tangent - Not As Good As The Book
9. Moth Vellum - Moth Vellum
10. Magenta - Metamorphosis
11. Neal Morse - Homeland
12. Jelly Fiche - Tout ce que j'ai rêvé
13. Willowglass - Book Of Hours
14. Brighteye Brison - Believers & Deceivers
15. Birds and Buildings - Bantom To Behemoth
16. Ephrat - No Ones Words
17. Matthew Parmenter - Horror Express
18. PPRY: Raising the Skeletons of Fire by Hand
19. Unifaun - Genesis soundscape project - Sylvan & Bonamici
20. Dark Suns - Grave Human Genuine
21. Gurth - Tormentes
22. Bigelf - Cheat The Gallows
23. Planeta Imaginario - Biomasa
24. Galadriel - Calibrated Collision Course
25. J'accuse - Abbandono del tempo e delle forme
He incluido en el n BA 20 el que para mi es el mejor disco de metal prog del
2008 Dark Suns - Grave Human Genuine y en el n BA 18 uno que recientemente he
descubierto y que me esta gustando bastante, el de los finlandeses PPRY -
Raising the Skeletons of Fire by Hand.
salu2
Juan
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el disco de POLLEN
POLLEN: Pollen (1976)
Temas
1. Vieux corps de vie dange (7:11)
2. Létoile (6:24)
3. Lindien (4:50)
4. Tout ltemps (3:26)
5. Vivre la Mort (5:28)
6. La Femme Ailée (10:30)
Integrantes
- Jacques Tom Rivest: voz, bajo, guitarra acústica, teclados
- Sylvain Coutu: batería, vibráfono, percusión
- Claude Lemay: teclados, flauta, vibráfono, voz
- Richard Lemoyne: guitarras eléctrica y acústica, teclados, bajo
Único disco y única obra maestra de Pollen, una de las bandas progresivas
sementeras provenientes de la Canadá francófona que más aprecio despierta entre
los coleccionistas. En efecto, este cuarteto quebequense practica un sinfonismo
preciosista y razonablemente complejo, versátil en su manejo de diversos
ambientes y matices, con una labor pulcra en la instrumentación y una
sensibilidad genuina manifestada en las composiciones. Si nos da la impresión
de que hay conexiones estilísticas con sus compatriotas de Et Cetera, Sloche y
Harmonium, es porque Pollen encarna en sí muchas de las facetas creativas que
marcaron ciertas pautas reconocibles en la escena progresiva de esta específica
provincia canadiense. Pollen es un disco bellísimo, muy bien hecho y repleto
de atractivas ideas melódicas: es uno de esos discos que, sin mayores
atenuantes, supone el sueño melómano ideal de todo fan progresivo.
Vieux corps de vie dange con aires solemnes repletos de elegancia sinfónica,
a medio camino entre la peculiarmente estilizada extravagancia de Gentle Giant
(a través del filtro de Et Cetera) y la majestuosidad del Genesis clásico. La
manera en que los sintetizadores arman el bloque sonoro en conjunción con el
piano y el órgano es sencillamente magistral: también hay un solo de vibráfono
que nos puede recordar un poco a aquél que protagonizaba el etéreo interludio
de Pantagruels Nativity de Gentle Giant. Létoile cambia de registro hacia
otro menos magnificente, trasladándonos hacia una actitud contemplativa de base
pastoral: desde su inicio de guitarras acústicas y flauta, con medidos
ornamentos de guitarra eléctrica, parece que la gente de Harmonium ha invadido
el estudio y expulsado a la gente de Pollen de la sala de grabación. Las partes
de sintetizador y clavinet nos pueden recordar mucho a esas cadencias
mediterráneas que bandas como Le Orme, PFM, Atoll 8su primer disco) o Gotic
sabían reflejar tan bien en sus respectivas propuestas sinfónicas. Lindien
ahonda en lo pastoral llevándolo a un área más intimista (algo paralelo a un
Anthony Phillips o un Rägnarok, y por qué no, nuevamente a Harmonium). La
segunda mitad del disco comienza con Tout ltemps, pieza tremendamente vivaz
en la que el grupo aprovecha muy bien el espacio de 3 ½ minutos sobre un ágil
compás predominante en 5/4 las amalgamas de sintetizador y órgano dibujan
cautivantes líneas juguetonas, en no poca medida influidas por el estándar de
Kerry Minnear. Vivre la Mort recoge esta vitalidad y la encuadra en un
esquema más patentemente rockero, un poco emparentado con el Yes del Yes
Album y el primer BMS, tampoco exento de sus suavizados resabios tipo Gentle
Giant.
Los últimos 10 ½ minutos del álbum están ocupados por La Femme Ailée. Este
tema comienza muy pastoral, desde una perspectiva lánguida muy a tono con el
tema 3. Con unos efectos de viento que emergen antes de llegar al tercer
minuto, pasamos a un nuevo motivo que poco a poco nos lleva hacia una sección
más dinámica que a mí me suena como una mezcla de Camel (etapa Moon Madness)
y la faceta sinfónica de Sloche. El esquema compositivo es en realidad bastante
simple, pero ciertamente los arreglos y giros armónicos explotan el asunto con
la debida destreza. Cuando llegamos a un pasaje de órgano que extrañamente
emula las alusiones terroríficas de lo gótico, nos preguntamos qué se nos viene
después, y lo que se viene después es una coda sinfónica exquisita donde se
retoman motivos inmediatamente precedentes, combinando lo intenso con lo
grácil. Se trata de un gran final para un gran disco. Los nombres de este grupo
y su único disco homónimo Pollen deben estar bien ubicados en las listas de
mejores bandas one-shoot de la historia del género progresivo, o en su defecto,
en un lugar preferencial de futuras compras progresivas. Personalmente, no me
parece justa cualquier otra cosa para con este talentoso ensamble quebequense.
César Mendoza
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Autor: "Roberto I. Quesada" <saytra@racsa.co.cr>
Asunto: Philip Glass - Discografia Recomendada
Que tal amig@s,
Hacía tiempo que no escribía algo por acá...
Esta vez me decidí a escribir algo sobre Philip Glass, uno de los músicos de
vanguardia más prolíficos de estos tiempos. Mucho se le ha acusado de
repetirse a sí mismo en casi todas las obras de su autoría, puede que eso
sea cierto en esencia, pero cuando uno escucha con detenimiento la mayoría
de sus composiciones se da cuenta de que tienen un sello propio. Llevo un
par de años escuchando música minimalista y la de Philip Glass es mi
preferida.
En esta escogencia personal traté de recopilar la que es para mí su
discografía más "básica" y "conocida" con el fin de acercar un poco a los
que no estén enterados de que va la música de este compositor de estructuras
repetitivas o bien, para aquellos que hayan escuchado algo del mismo, porque
no, vuelvan a escucharlas.
Seleccioné los discos que a mi parecer guardan diferencias uno del otro, es
decir, no tienen la misma instrumentación y su tejido musical es disímil
entre uno y otro.
THE MUSIC OF CANDYMAN
Banda Sonora Original de las películas "Candyman" y "Candyman II: Farewell
to the Flesh" respectivamente, ambas basadas en historias cortas de Clive
Barker.
Quizá son estas las obras más oscuras y tenebrosas de Glass donde se exaltan
en su máxima expresión un Organo misal, un piano de cola y un "terrorífico"
ensamble de voces, todo ello se confabula para que se nos pongan los pelos
de punta. Es precisamente el coro que da esa sensación sombría y del "más
allá", yo diría que es una mezcla entre Magma y Jacula (ese raro grupo
italiano de los 70's!!)
Piezas a destacar:
- Candyman Suite (completa)
- Candyman II - All Falls Apart
AGUAS DE AMAZONIA (CON UAKTI)
Composición con claro acento latino e influencia sudamericana (e.g. marcados
matices del altiplano, ritmos brasileiros).
Lo primero que se me viene a la mente al escuchar esta pieza es la sensación
de ir en una balsa mientras se observa el paisaje alrededor del Amazonas;
definitivamente las notas eficazmente ejecutadas por el grupo brasileiro
Uakti son narcóticas, prácticamente uno se pierde entre marimbas y xilófonos
entrelazados, flautas de pan, teclados e instrumentación autóctona de
Brasil.
Piezas a destacar:
- Japura River
- Tapajos River
- Paru River
- Xingu River
MISHIMA
El Glass más rockero y progresivo está definitivamente en esta composición,
desde su obertura que recuerda a Mike Oldfield, pasando por cadencias épicas
de corte sinfónico, ritmos acelerados y tenues con finos arreglos de cuerdas
(ejecutados por el Kronos Quartet), una guitarra eléctrica muy al estilo del
rockabilly más bluesero hasta "marchas imperiales", en fin. Por cierto, si
no han visto el film (dirigido por Paul Schrader) háganlo.
Piezas a destacar:
- Mishima / Opening
- November 25: morning
- Osamu's theme: Kyoko's house
- Runaway Horses
EINSTEIN ON THE BEACH
Esta opera -la primera en la vasta discografía glassiana- resume el estilo
del compositor, es decir, es la obra glassiana por antonomasia y guarda
mucha relación sonora con Music in Twelve Parts; reiterativa, hipnótica,
extensa, somnífera, aditiva, substractiva, cíclica. Aquí podemos encontrar
sus reconocidos arpegios, ostinatos, obligatos, efectos resorte, repetición
cansina y por supuesto la violación de toda regla operística habida y por
haber...two eight two three four two three four five six seven...
Piezas a destacar:
- Train 1
- Building
- Knee 3
- Ensemble
POWAAQATSI
Obra no tan conocida como su Koyanisqatsi mas sin embargo considero que este
score es de más alto calibre. Se resalta una musicalidad más ecléctica con
claras influencias asiáticas, africanas y latinoamericanas dando como
resultado un crisol de notas más variado, encaminado siempre a lo tribal y
bajo una misma y repetitiva estructura musical. Podemos escuchar también
instrumentación más variada como trompetas, cornos, flautas de pan,
tanpuras, toda clase de percusión, etc.
1000 AIRPLANES ON THE ROOF
Drama musical con matices de ciencia ficción (Abducción extraterrestre
incluida) y una de las piezas de Glass mayormente criticadas por su falta de
"madurez" musical, uso de la misma tónica recurrente de obras anteriores y
por su exacerbado tono electrónico. Si hay algo destacable aparte de los
sintetizadores es la encantadora y perturbadora voz de Linda Ronstadt (sus
ohhhh's-ahhhh's-uhhhh's), es como estar en el espacio sideral...para mi
gusto es una obra galáctica y progresiva, si señor!!
Piezas a destacar:
- Girlfriend
- Screens of Memory
- Labyrinth
- The Encounter
LES INFANTS TERRIBLES
Composición basada en una obra del surrealista-poeta-cineasta-filosofo
francés Jean Cocteau y que forma parte de su trilogía cocteau-iana junto a
"Orfeo" y "La Bella y La Bestia". Básicamente es una especie de teatro
musical o dance-opera donde tres Pianos de Cola son la única instrumentación
y en donde su fina ejecución se armoniza casi perfectamente con la lírica (4
voces), sin embargo, hay partes donde uno se puede llegar a cansar. El
argumento de la obra guarda relación con las típicas tragedias griegas.
Piezas a destacar:
- Scene 1 Les Enfants Terribles Overture
- Scene 6 The Somnambulist
- Scene 14a,b Cocoon of Shawls
- Scene 17 Are You in Love, Agathe?
PASSAGES (CON RAVI SHANKAR)
Una de las mayores influencias de Glass (y de muchos otros) ha sido el gurú
y maestro Ravi Shankar. Imagínense escuchar Ragas (modos melódicos)
mezcladas con melodías glassianas. Un aspecto interesante de esta obra es
que no todas las composiciones son completamente hindúes ni occidentales
sino un hibrido, aunque claro, se resalta un poco más el claro estilo
glassiano en las repeticiones de notas y en los esquemas melódicos.
Piezas a destacar:
- Channels and Winds
- Ragas in Minor Scale
- Meetings Along the Edge
Saludos glassianos,
Roberto I. Quesada
SJ, Costa Rica
mail: saytra@racsa.co.cr
blog: http://ideasmecanicas.blogspot.com
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Alain Eckert Quartet
Eckert Quartet
ALAIN ECKERT QUARTET: Alain Eckert Quartet (1981)
Temas
1. First (6:43)
2. Valse et Suite (4:14)
3. Bonjour Jacky (2:20)
4. Promenade des Anglais (3:38)
5. La Danse des Abouts (9:37)
6. Duo (7:12)
7. Galère à Venise (3:33)
Integrantes
- Alain Eckert: guitarras
- Patricia Dallio: teclados
- Alain Lecointre: bajo
- Serge Bringolf: batería
Después de formar parte de Art Zoyd y dar cuenta de su talento creativo y
destreza en los primeros discos de la mencionada banda, el guitarrista Alain
Eckert decidió encaminarse hacia una trayectoria solista que dura hasta hoy en
día. Su primer disco en esta etapa de su vida está a nombre del Alain Eckert
Quartet, siendo así que el disco se llama igual. El vínculo con Art Zoyd
persiste debido a la presencia de la teclista Patricia Dallio en la formación,
pero ello no pasa al terreno de lo estilístico. Más bien, este cuarteto tiene
fuertes nexos estilísticos con Potemkine, añadiendo ciertos trazos de Univers
Zero, y en menor medida, retazos de la faceta concentradamente jazzera de Magma
y Dün.
El primer tema se llama precisamente First, y desde esos introductorios
fraseos de guitarra, piano y bajo al unísono se revela la intención de crear un
genuino colorido musical. Con el desarrollo del cuerpo central nos dejamos
llevar por un swing que le debe más a Bill Bruford y National Health que al
estándar del rock in opposition francófono. Hay una estupenda (aunque demasiado
breve para mi gusto) porción de piano que nos evoca una suerte de bizarra
mezcla entre Rachmaninov y Gershwin, antes de entrar en un ejercicio free-jazz
insertado en el neurótico pasaje grupal que completa los últimos 3 minutos de
la pieza. La coda porta un dinamismo contenido un tanto semejante al King
Crimson 73-75, pero una vez más debo reconocer que hubiese preferido que fuera
un poco más extensa. En todo caso, First es una excelente puerta de entrada
para el álbum, y ese derroche de ingenio halla una gran continuación en Valse
et Suite: este tema comienza con una secuencia disonante muy de corte cámara
para luego desembocar en un ejercicio de jazz-fusión con raigambre latina y
notables retazos de tenor zeuhl. Poco antes de llegar al minuto 3, Eckert se
explaya en alucinados fraseos de guitarra hasta llegar al fade-out. Bonjour
Jacky es un hermoso solo de guitarra acústica, evidentemente concentrado en
motivaciones cálidas pero con una mostración contenida de su potencial
colorido. Promenade des Anglais es un ejercicio de jazz-rock en un ritmo
semi-lento: hay cierta influencia de Holdsworth en el estilo de Eckert. La
Danse des Abouts (tema dedicado al excelso baterista Jacques Thollot) refuerza
la orientación jazz-fusión, muy a la medida de un Weather Report (aunque el
estilo del baterista me sigue recordando al de Bruford) este cuarteto se
asemeja cada vez más a Zao y Potemkine, con su núcleo sonoro jazzero
parcialmente sazonado con sabores propios del avant-prog. Los últimos 50
segundos se focalizan en sonoridades etéreas misteriosas, al modo de un breve
guiño a la música concreta aleatoria. De este modo se prepara el terreno para
Duo, tema bastante relajado basado en un extenso dúo de guitarra acústica y
piano clásico. Hay algo muy otoñal en el desarrollo de la pieza a través de sus
diversos motivos, incluso en aquellos momentos en los que ambos instrumentos se
concentran en motivos más alegres. Es una pieza deliciosa, en verdad. En fin,
el disco concluye con Galère à Venise, un tema basado en una recurrente
progresión disonante, muy en línea con la faceta más sutil de Univers Zero: de
hecho, este tema está dedicado a Univers Zero.
Este proyecto de Alain Eckert me complace muy gratamente: es un aporte muy
grande a la escena progresiva vanguardista de Francia, y ya con los años Eckert
irá ahondando en sus inquietudes de jazz experimental. Este disco queda como un
ítem tremendamente relevante para los ávidos coleccionistas de RIO, zeuhl y
demás propuestas de vanguardia radical dentro del género progresivo.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Art Zoyd 1980
ART ZOYD: Génération Sans Futur (1980)
Temas
1. La Ville (16:50)
2. Speedy Gonzalez (2:55)
3. Génération Sans Futur (9:40)
4. Divertissement (6:45)
5. Trois Miniatures (5:12)
Integrantes
- Patricia Dallio: piano, piano eléctrico
- Alain Eckert: guitarra
- Gérard Hourbette: violín, viola
- Gilles Renard: saxofones
- Jean-Pierre Soarez: trompeta
- Thierry Zaboitzeff: bajo, cello, voces
Colaborador Daniel Denis (percusión en 3)
Tercer disco de estudio de Art Zoyd y primero con Patricia Dallio en las filas
de este ensamble francés: Génération Sans Futur es un disco excelente, bien
encuadrado dentro de una primera etapa de Art Zoyd en la cual la
instrumentación de los instrumentos acústicos abarcaba todo el paisaje sonoro
de su música. Este disco está centrado en el concepto de una crítica contra el
consumismo que ha convertido a la sociedad moderna en la tumba del último
hombre, la instalación de la idea de que los pequeños placeres triviales que se
pueden comprar son el único aliciente para la libertad del hombre.
La Ville ocupa los primeros casi 17 minutos del disco. Comienza con registros
de murmullos, golpes de piano y efluvios nerviosos de cuerdas, con los vientos
elaborando un colorido que realiza una suerte de clímax delicadamente gradual.
Poco antes de llegar a los 2 ¾ minutos, el cuerpo central se arma sobre una
cadencia rítmica de violín y bajo, siendo así que la trompeta y el saxo logran
exponer coloridos envolventes mientras que la guitarra surge de manera
controlada. La neurosis se va elevando de manera evidente pero no por mucho
tiempo, pues se da un corte dramático que opera como activador de otra sección
un poco menos frenética. Eso sí, las pulsaciones disonantes de cuerdas y
metales, los cantos del bajista Zaboitzeff y las delirantes líneas de trompeta
preservan la locura surrealista propia de Art Zoyd. Poco antes de llegar al
décimo minuto surge un pasaje muy relajado, más misterioso que perturbador; su
talante minimalista sirve como un puente que naturalmente se extiende hacia lo
que será la última sección del tema, la cual retoma la neurosis frontal de la
primera sección y la elabora con mayor fastuosidad. Speedy Gonzalez toma su
nombre de un simpático ratón animado que era galán, fanfarrón, desfachatado y
siempre se salía con la suya: esta pieza compuesta por el saxofonista Renard
tiene una gracilidad muy juguetona, se nota la ambientación optimista a pesar
de que la estrategia compositiva tiene un pronunciado acento vanguardista. La
segunda parte del álbum comienza con el tema homónimo, el cual ofrece un
notorio contraste con el tema 2. Génération Sans Futur porta un tenor
ceremonioso y evocativo, dando espacio preferente a un lirismo otoñal hasta que
la tensión emerge de manera decidida, incluso introduciendo unos ágiles colores
jazzeros al asunto. La neurosis llega hasta extremos surrealistas a medida que
esta sección extrovertida se va desarrollando hacia linderos más oscuros. La
participación de Daniel Denis como baterista y percusionista resulta vital para
la instauración de los pasajes más extrovertidos. El último minuto y medio está
concentrado en un juego de síncopas de cuerdas y maderas que parecen tener
ciertos dejos crimsonianos. Divertissement tiene un mayor énfasis en lo
majestuoso que en lo perturbador: la prestancia con la que se arman los pasajes
de cuerdas conforma el colorido central de la pieza. Trois Miniatures cierra
el disco con su elaboración de climas jazzeros dentro del contexto de esta
mini-orquesta de RIO: Eckert se explaya en unos fraseos exquisitos, contando
con la complicidad de sus compañeros para que desarrollen matices sutiles en
las armonías básicas. Hay un momento particularmente vital en la mitad, donde
se desarrolla un clímax, pero básicamente mantiene un esquema afín a los
pasajes más serenos.
Génération Sans Futur es una obra sumamente importante para la carrera de Art
Zoyd, pues nos muestra a una banda cada vez más robustecida y con un repertorio
democráticamente repartido entre varios miembros en cuanto a la autoría.
También se trató, junto a la nueva grabación del primer disco que se realizó
inmediatamente después, del último trabajo de Art Zoyd con el guitarrista Alain
Eckert en sus filas. Art Zoyd es un nombre infaltable en la cima del RIO.
César Mendoza
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Autor: Jordi Planas Gonzalez <jplanas2@hotmail.com>
Asunto: Entrevista a Marillion en Ruta 66
MARILLION
A VER SI SOMOS FELICES
Marillion llevan ya treinta años de carrera y veinte con su "nuevo" cantante,
el magnífico Steve Hogarth. "Happiness is the Road" ("La felicidad es el
camino") es su disco n BA 15, y encima lo sacan doble, todo un riesgo en los
tiempos que corren. Si eres de los que todavía sueña con que regrese su primer
cantante, el gigante escocés Fish, este nuevo disco te dejará indiferente. Si,
en cambio, eres de los que piensa que con Hogarth el grupo se hizo mayor de
edad, "Happiness is the Road" está lleno de buenos momentos. No llega al nivel
del antepenúltimo, "Marbles" (uno de sus tres o cuatro mejores trabajos), pero
supera de largo al penúltimo, "Somewhere Else".
El primer CD es una obra conceptual, "Essence", con temas magnéticos como el
propio "Essence", "Trap The Spark", "A State of Mind" o la canción que da
título al doble disco. El segundo es una bonita colección de canciones
(destacan "The Man From The Planet Marzipan", la pinkfloydiana "Asylum
Satellite 1" y "Real Tears For Sale"). Por cierto, mención especial para el
gallego Antonio Seijas (www.antonioseijas.com), encargado de las ilustraciones
del disco.
Marillion hace ya mucho que no es una banda progresiva al uso, pero tampoco se
han vendido a la radiofórmula, como muchos denuncian. Ofrecen un pop tallado
con mimo, melodías etéreas y pasajes melancólicos que quizás los sitúen en
tierra de nadie, pero un buen melómano siempre encontrará algo valioso en esa
exploración. Steve Hogarth nos da más detalles.
"Happiness is the Road" es el título de vuestro nuevo disco. ?Hay que vivir el
presente y dejar de pensar en el pasado y en el futuro?
"Sí, ése es el camino. Durante la gira de "Somewhere Else" tuve que visitar un
médico en Holanda y su prescripción fue que leyera "The Power of Now", de
Eckhart Tolle. Esa lectura me marcó muchísimo y me ayudó a solucionar algunos
de los problemas que me acechaban en ese momento sobre el sentido de la vida.
Me enseñó que sólo somos una existencia y que en ese aspecto no somos tan
diferentes de los árboles, de la hierba o de los animales como imaginamos.
Nuestro problema es que somos esclavos de nuestra mente, somos adictos a
preocuparnos por el futuro y por el pasado. La gente suele olvidar el momento
en el que vive y a obsesionarse con el pensamiento. Hay que saber separar la
mente del cuerpo".
?Fueron esos procesos mentales los que inspiraron las canciones de este álbum?
"Sí, sobre todo las del primer disco, "Essence", en las que quería transmitir
la idea de que hay que disfrutar de la vida. !Tenemos todo lo que queremos y
todo lo que necesitamos y aún así no la disfrutamos!"
?Y el segundo disco, titulado "The Hard Shoulder"?
"Al finalizar las grabaciones solíamos improvisar y cada día salía algo nuevo e
interesante. Al terminar el disco nos dimos cuenta de que teníamos material
extra de alta calidad. Todo lo que no encajaba con la idea global de "Essence"
fue a parar a un segundo disco".
Con el difícil panorama musical que nos rodea, ?no era un poco arriesgado
lanzar un doble cd?
"En 1997 ya vimos que nuestro futuro musical no estaba en la calle, que
nuestros singles no serían grandes éxitos. Nunca hemos escrito canciones para
el mercado musical, simplemente nos metemos en el estudio y lo pasamos bien. De
hecho, cuando hago alguna entrevista para un medio de comunicación como la BBC,
me siento un poco sucio, casi vendido=85"
De ahí que seáis la primera banda que lanza su nuevo disco usando el peer to
peer, una manera legal de compartir archivos a través de Internet.
"Empezamos a reinventar el negocio musical hace años 96!creamos nuestra web en
1997!- y ahora lo intentamos de nuevo haciendo que nuestra música sea pública.
Pero queremos que la gente se dé cuenta de su acción: cuando el usuario intenta
descargarse nuestras canciones, aparece un video que dice: "!Hola! Somos la
banda que ha grabado esta música. Esperamos que la disfrutes y que recuerdes
que grabar un disco cuesta muchísimo dinero y esfuerzo. Por eso, si te gusta,
quizás quieras comprar alguna camiseta o asistir a un concierto"".
Cuando la banda empezó, vuestra música era catalogada como rock progresivo. Sin
embargo, Marillion ha hecho discos de estilos dispares. ?Se trata de
reinventarse o morir?
"Exacto. Yo diría que los fans nunca han sabido realmente cómo sería el
siguiente álbum de Marillion. Cada disco que hemos grabado ha sido fruto de la
reacción del álbum anterior, de pensar: "!Que no tenga nada que ver con éste!"
(Risas)".
Vuestro penúltimo álbum, "Somewhere Else", no tuvo muy buenas críticas. ?Qué
pasó?
"Que no gustó a los periodistas (risas). Ahora en serio: creo que Internet tuvo
parte de culpa. Si a uno no le gusta y es de los primeros en colgar una mala
crítica en la red, en pocos minutos hay cientos de personas opinando lo mismo.
No creo que este álbum sea el mejor que hemos hecho, pero tiene excelentes
temas, de los que estoy realmente orgulloso. De todas formas, no me importan
demasiado las críticas=85 (Risas)".
Para terminar, ?qué música escuchas actualmente y cuál es el último disco que
has comprado?
"Me encantan Radiohead, Interpol, Massive Attack, grupos de rock de los 80=85
Me resulta muy interesante la música árabe y la hindú, porque al ser
desconocidas me llaman mucho la atención. Respecto al último disco que compré,
!creo que fue sobre 1973! (Risas). No=85 Creo que fue el último de Massive
Attack".
Texto: Angi González y Jordi Planas
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