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La caja de musica Number 0853
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #853 diciembre 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Neal Morse - Lifeline (2008)
* Marillion - Happiness is the Road (2008)
* el 2do. de SECTA SONICA
* Shadow Gallery sigue adelante
* nuevos lanzamientos progresivos latinoamericanos
* Hexatonica, Abraxas y Dragon de Hierro - 13 de diciembre
* el 1ro. de EXMAGMA
* el 2do. de EXMAGMA
* Martin Orford - The Old Road (2008)
* Mahoujin "Babylonia Suite"
* STEVEN WILSON - INSURGENTES (2008)
* Canturbe-Argentina
* notas sobre Rick Wakeman en Chile
* GURU GURU
* próximo_disco_de_NATHAN_MAHL
* AUTOMATA + ABRETE GANDUL, 11 de diciembre
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Neal Morse - Lifeline (2008)
NEAL MORSE : LIFELINE (2008)
Discográfica: InsideOut/SPV/Mastertrax
Temas:
1. Lifeline (13:27)
2. The Way Home (4:20)
3. Leviathan (6:05)
4. God's Love (5:27)
5. Children Of The Chosen (4:57)
6. So Many Roads (28:42)
7. Fly High (6:30)
Músicos:
- Neal Morse / keyboards, guitars, vocals
- Mike Portnoy / drums
- Randy George / bass
Músicos invitados:
- Paul Bielatowicz / 2nd guitar solo (7)
- Carl Groves / background vocals (1, 2, 5 & 6)
- Jonathan Willis / strings (2, 7 V)
- Jim Hoke / saxophone (3 & 6 III)
- Ivory Leonard and Danielle Spencer / background vocals (6)
Ya lo avisábamos en su anterior entrega, Sola Scriptura. La carrera
discográfica del ex-líder de Spocks Beard corría serio peligro de no
arriesgar un poco más en su propuesta. Que de repetir una vez más los mismos
esquemas iba a perder buena parte de su credibilidad como músico, algo que,
por cierto, ya le ocurrió en sus últimos años con Spocks Beard.
Pues bien, con su nuevo trabajo Lifeline todos nuestros temores se hacen
realidad. No cabe duda que el nivel instrumental y la producción de este
álbum están a la altura de lo que cabía esperar, ahí están de nuevo sus
inseparables Mike Portnoy y Randy George a la batería y bajo
respectivamente. Pero por lo que respecta al contenido, lo mismo de siempre.
Repetición de las mismas pautas de lo que nos ha estado ofreciendo en los
últimos años.
Para empezar, el primer tema, Lifeline, ya es de juzgado de guardia. No
aporta absolutamente nada nuevo a lo ya conocido de sus anteriores obras.
Del resto, poco más podemos añadir, salvando quizás una mayor presencia de
canciones cortas, que tampoco destacan especialmente.
Veremos como se las arregla Neal Morse en el futuro, pero difícil lo tiene.
Valoración: 4/10
Ferran Lizana (rockomick@orange.es)
Noviembre 2008
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Marillion - Happiness is the Road (2008)
MARILLION : HAPPINESS IS THE ROAD (2008)
Discográfica: Intact
CD 1: Essence
1. Dreamy Street (1:59)
2. This Train Is My Life (4:47)
3. Essence (6:25)
4. Wrapped Up In Time (5:03)
5. Liquidity (2:09)
6. Nothing Fills The Hole (3:20)
7. Woke Up (3:37)
8. Trap The Spark (5:39)
9. A State Of Mind (4:30)
10. Happiness Is The Road (10:01)
CD 2: The Hard Shoulder
1. Thunder Fly (6:20)
2. The Man From Planet Marzipan (7:51)
3. Asylum Satellite #1 (9:28)
4. Older Than Me (3:08)
5. Throw Me Out (3:58)
6. Half The World (5:05)
7. Whatever Is Wrong With You (4:13)
8. Especially True (4:34)
9. Real Tears For Sale (7:32)
Músicos:
- Steve Hogarth / vocals
- Steve Rothery / guitars
- Mark Kelly / keyboards
- Peter Trewavas / bass
- Ian Mosley / drums & percussion
Tras el acierto de Marbles y el fiasco que suposo Somewhere Else, había
muchas dudas acerca de lo que podían ofrecernos H y los suyos.
Happiness is the Road es un doble álbum y una de las obras más ambiciosas
del quinteto en su larga carrera, y pese a no ser un entusiasta de su
carrera post-Fish, creo que esta vez han logrado uno de sus mejores
trabajos, desde mi punto de vista seguramente el mejor de la era Hogarth,
por encima de Marbles.
El sosiego y la calma siguen presidiendo esta obra, pero a diferencia de
Somewhere Else, en este nuevo álbum consiguen equilibrar la balanza entre
épica y elegancia, contando con algunos de los mejores temas que han
grabado, como Essence, The Man from Planet Marzipan, Asylum Satellite
#1 o Real Tears for Sale, o la sorpresa que supone el punto roquero y
pesado de Half Empty Jam o Especially True. Con todo, no faltará quien
tache la obra de somnolienta, en especial el primer CD. Vale, Happiness is
the Road no es precisamente una fiesta, pero hay que reconocer que rebosa
clase y sobriedad.
En definitiva, Marillion vienen a decirnos que, en el fondo, no han cambiado
tanto desde la marcha de Fish, y que su actual producción no deja de ser una
versión actualizada del rock progresivo añejo de los tiempos de Misplaced
Childhood.
Valoración: 7.5/10
Ferran Lizana (rockomick@orange.es)
Noviembre 2008
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 2do. de SECTA SONICA
SECTA SÓNICA: Astroferia (1977)
Temas
1. Castrelos
2. Mulatas de Fuego
3. Romaço de la Ribera
4. Al Bar Petxina la Basca Cuina un Ritme que És Cosa Fina
5. Astroferia
6. Malambo De Rafael Barreti
7. 84
8. Reggae de les Regates
9. El Tresor de Port Lligat
10. Matraca y Fuga
Integrantes
- Jordi Bonell: guitarra
- Víctor Cortina: guitarra
- Noel Mújica: percusión
- Xavier Pérez: bajo
- Dave Pybus: teclados y saxo
- Jordi Vilella: batería
- Rafael Zaragoza: guitarra
Astroferia es el segundo disco de Secta Sónica, una nutrida banda de
jazz-fusión que sabía crear cadencias y colores muy intensos dentro de su bien
armada propuesta sonora.
Castrelos da inicio al disco con un fulgor percusivo intenso que marca
sólidamente el marchoso compás de 6/8 sobre el que se suceden los fraseos de
guitarra y los cálidos adornos de piano eléctrico. Mulatas de Fuego tiene una
cadencia de rumba tropical, con una base de guitarra acústica que le
proporciona un dejo aflamencado al asunto. Romaço de la Ribera tiene una
calidez lírica bastante amable, dueña de un romanticismo evocativo; algunos
suaves adornos tipo bossanova que emergen cerca del final ayudan a motivar un
anticipo del muy marchoso Al Bar Petxina la Basca Cuina un Ritme que És Cosa
Fina, un muy pulido ejercicio de Latin jazz. La pieza homónima tiene un título
de connotaciones cósmicas, y como para ahondar en el estereotipo, la pieza
resulta lánguida y misteriosa, con un falsete que parece emular un Theremin (?o
realmente será un sintetizador de verdad?). Malambo De Rafael Barreti
reinstaura la onda positiva con un desarrollo melódico claramente definido
sobre un compás criollo (un malambo, precisamente): 84 se engarza trayendo un
contraste de introspección serena, bien transmitida por los súper-controlados
fraseos de las guitarras solistas duales, y con un fondo de efectos percusivos
que realzan la aureola ensoñadora. Reggae de les Regates no es precisamente
un reggae, sino un cálido tema de jazz-fusión a medio tiempo que recoge muy
bien el ambiente de un atardecer agradable y jovial en la playa. Siendo el tema
más largo del disco con sus más de 6 minutos de duración, El Tresor de Port
Lligat puede muy bien definirse como una retoma conjunta de los ambientes
trazados en los dos temas precedentes: incluye un fabuloso solo de piano
eléctrico
ojalá hubieran habido más a lo largo del disco. En fin, el disco
concluye con Matraca y Fuga, estableciendo un cálido compás funky para una
idea musical marcada por el Latin jazz.
Astroferia es un muy buen segundo disco que supone un digno sucesor de Fred
Pedralbes. Es una pena que se trate del último registro fonográfico de esta
estupenda banda de jazz-fusión Secta Sónica, pero queda como una reliquia del
buen jazz de vanguardia que se hizo en Cataluña en los 70s.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Shadow Gallery sigue adelante
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La gente del grupo estadounidense SHADOW GALLERY seguirá adelante en la
escena musical después de la partida de Mike Baker a fines de octubre
pasado. Me imagino que eso es lo que él hubiera querido.
Aquí transcribo las palabras del guitarrista-teclista Gary Wehrkamp al
respecto.-
" Shadow Gallery continuará. Terminaremos este disco y resultará todo lo
potente que pueda ser.
Aún quedan algunas preguntas por responder, pero tenemos confianza en que
lograremos las respuestas.
La banda ha leído tantos comentarios tan emotivos y ha recibido mensajes de
parte de tanta gente en las últimas dos semanas, y estamos ansiosos por
darle a todos los fans de Shadow Gallery lo mejor de nosotros a fin de
honrarlos a ellos, así como a Mike. "
Más claro, el agua...
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: nuevos lanzamientos progresivos latinoamericanos
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo los anuncios referidos a nuevos lanzamientos
discográficos latinoamericanos: uno de parte del sello argentino Viajero
Inmóvil y otro de parte del sello mexicano Luna Negra, uno consiste en material
inédito de un clásico argentino setentero, otro es un trabajo reciente de un
nuevo grupo mexicano de progresivo vanguardista.-
MIA
Archivos MIA (1974-1985)
(1974-1985) - VIAJERO INMOVIL Records
Este CD doble contiene temas inéditos realizados en estudio y en vivo, otras
composiciones nunca editadas en CD y las únicas imágenes fílmicas que existen
hasta ahora de los integrantes de MIA. Este rescate llevó varios años de
esfuerzo y el material encontrado de diferentes épocas refleja las distintas
opciones musicales que ofrecía este gran grupo de músicos con sus distintas
formaciones. Presentado en un digi-pack doble especial.
VIAJERO INMOVIL Records
L. de la Torre 758 Dº 2
Quilmes O. (1879)
ARGENTINA
Phone/Fax - + 54 11 4250 5100
www.viajeroinmovil.com
www.myspace.com/viajeroinmovilrecords
info@viajeroinmovil.com
1870
Mitos de una Resurrección
(México)
Luna Negra Records
Gustavo Albarrán: corno francés, voz, percusión
Alfonso Cosme: corno francés procesado, percusión, teclado
Karel Gómez: oboe, corno inglés, theremin
Hugo Luque: ambientes electrónicos, procesamiento de datos en tiempo real
Fundad oen la ciudasd de Querétaro en 2006, el ensamble mexicano 1870 ofrece su
peculiar visión musical donde la cámara vanguardista y la improvisación se
enlazan, desarrollando así un sonido artísticamente rico, complejo y poco
convencional.
Los componentes de 1870 son músicos reconocidos en diferentes orquestas y
grupos de cámara de México, y actualmente forman parte de la Orquesta Sinfónica
de Querétaro.
Todas las composiciones son de Gustavo Albarrán, inspiradas en el trabajo de
Isidore Lucie Ducasse (Conde de Lautreamont): más que un poema sinfónico, la
música de 1870 describe el estado de conciencia del poeta que lleva a la
creación de atmósferas oscuras y airadas. Univers Zero y Art Zoyd soman como
principales influencias en 1870.
Juan José @ Luna Negra [lunanegr@prodigy. net.mx]
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Hexatonica, Abraxas y Dragon de Hierro - 13 de diciembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo el anuncio de un evento musical que tendrá lugar en
Argentina y cuyo anfitrión es el grupo Hexatónica:
" HEXATÓNICA / ABRAXAS / DRAGÓN DE HIERRO
EN PLAZA SAN MARTÍN
Evento musical organizado por Hexatónica
Fecha y hora de inicio: Sábado, 13 de diciembre a las 17:00
En Plaza San Martin
La Plata
Argentina "
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de EXMAGMA
EXMAGMA: Exmagma (1973)
Temas
1. The First Tune (7:37)
2. Tönjés Dream Interruption (4:17)
3. Interessante Olé (2:50)
4. Two Times (2:25)
5. Trippin with Birds / Kudu / Horny (18:48)
Integrantes
- Thomas Balluff: órgano, piano eléctrico, clavinet, efectos
- Fred Braceful: batería Sonor, percusión
- Andy Goldner: bajo, guitarra, saxo, efectos
Primer disco de Exmagma, banda formada en Stuttgart por dos alemanes
provenientes de sendas bandas de RnB (Thomas Balluff y Andy Goldner) y un
afroamericano llamado Fred Braceful que llegó a Alemania en los 50s como
miembro de las fuerzas aéreas de su país y terminó siendo uno de los bateristas
de sesión mejor pagados de la entonces Alemania Occidental. Con la solvencia,
enegía e inventiva Braceful, el espíritu exploratorio de Balluff y el
refinamiento vigoroso de Goldner, Exmagma solo tenía que armar una unidad
sólida a través de sus componentes individuales para funcionar con creatividad
y vaya si lo lograron. Como anécdota, esta banda se llamaba inicialmente Magma,
pero al enterarse después de la existencia de una banda francesa llamada igual
que era liderada por un tal Christian Vander y que ya empezaba a gozar de
prestigio en la escena underground europea, el trío decidió humorísticamente
llamarse de una manera tal que evidenciara s renuncia al nombre original.
The First Tune da inicio al disco como lo que dice su título, la primera
pieza grabada en un estudio por la banda. La base está formada por el órgano,
batería y bajo, comenzando con unos primeros 3 minutos de compás lento en un
ambiente psicodélico. La breve segunda sección establece un aura más densa, con
sonoridades distorsionadas de bajo y clavinet (muy a lo Soft Machine en sus
viajes más ruidosos), y un baterista que complejiza inteligentemente el soporte
rítmico, el cual ya ha virado hacia cadencias de tendencia funk. La tercera y
última sección baja un poco la densidad sin renunciar a un ápice de su
aguerrida soltura, manteniendo el factor funky en la base rítmica. Tönjès
Dream Interruption realza el aire de familia con el Soft Machine del Third y
el Four pero con una robustez Sonora un tanto más intensa, mientras que
Interessante Olè se focaliza en el swing y atmósferas propias del free-jazz
de raíz estadounidense, sostenidas por los libres flujos de órgano y bajo
mientras que la batería de Braceful parece simplemente flotar como una
envolvente nube gris. !Qué lástima que el fade-out llegue tan pronto! Two
Times tiene dos partes: una primera en clave soul, marcada por el bajo, y la
segunda vira hacia un extrovertido clímax muy a lo Soft Machine (etapa Four).
La segunda mitad del disco está ocupada por el tema tripartito Trippin With
Birds / Kudu / Horny, un auténtico manifiesto de las más explosivas
pretensiones musicales que Exmagma se traza como objetivo artístico. La sección
de Trippin with Birds es puro krautrock free form que rivaliza seriamente
con el dadaísmo combativo de los dos Amon Düül y el filo electrificante de Guru
Guru
si es que no los supera. Los híper-espaciales efectos de órgano y de
consola, las torturadas improvisaciones al saxo y las calibradas intervenciones
de tambores y otros recursos percusivos varios logran crear una deconstrucción
desafiante de ambientes selváticos. Para cuando llega la sección Kudu, se
produce un tránsito gradual hacia un jam jazzero no totalmente estructurado
pero sí con un enfoque más reconocible en medio del etéreo flujo free form, y
con sazones del rock hendrixiano: el swing de Braceful es espectacular, así
como el dinamismo del bajo de Goldner, y qué decir de la agresividad del órgano
de Balluff, muy a tono con los estándares de Dave Stewart y Mike Ratledge. Otra
banda compatriota como Dzyan s me viene a la mente al escuchar esta sección.
Finalmente, Horny revela una magia oscura marcada por los disonantes fraseos
de guitarra a cargo de Goldner, quien se empapa de la misma sensibilidad
lisérgica que hallamos en varios guitarreos incluidos en discos de Guru Guru.
Por su parte, la batería y el piano eléctrico generan sus propios mundos
privados caóticos en una hiperbólica realización deconstructiva. A pesar de que
la pieza total dura casi 19 minutos, me parece que la excitación cósmica de
Horny debió beneficiarse de una expansión más acorde con su potencial aún
así, no cabe duda de que se trata de un final apoteósico para una de las joyas
más abrasivas del krautrock.
Exmagma es un indiscutible ítem de colección para quienes gustan de explorar
por todos los rincones de las vertientes jazzera y psicodélica del género
progresivo histórico: la banda Exmagma debe ser anotada en la lista de
proyectos melómanos de todo melómano que todavía no la conozca.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 2do. de EXMAGMA
EXMAGMA: Goldball (1974)
Temas
1. Marilyn F. Kennedy (2.30)
2. Da Da (3.36)
3. Adventures with Long S. Tea 25 Two Seconds Before Sunrise (2.53)
4. Groove (4.53)
5. Tango Wolperaiso (2.35)
6. Jam Factory (For People Insane) (4.04)
7. Habits (5.57)
8. Dance of the Crabs (0.53)
9. Greetings to the Maroccan Farmers (6.36)
10. Last but One Train to Amsterdam (0.56)
Integrantes
- Thomas Balluff: órgano, piano, piano eléctrico, clavinet, flauta, trompeta,
efectos
- Fred Braceful: batería Sonor, percusión extraordinaria
- Andy Goldner: bajo, guitarra, saxo alto, efectos
Segundo disco de Exmagma, Goldball muestra a una banda menos dispuesta a
mostrar frontalmente su manejo filudo del jazz-rock experimental para
concentrarse en sonoridades más dosificadas en su energía. Eso sí, el talento y
el dinamismo propio de un ensamble bien afiatado siguen funcionando a tope. En
todo caso, a veces lamento que las piezas no sean más extensas: por ejemplo,
los temas segundo y tercero, que están entre los más explosivos de todo el
disco, no cuentan con espacio suficiente para explayarse en desarrollos que
posiblemente hubiesen llevado a clímax estupendos (al estilo de Dzyan, Embryo o
Agitation Free, por ejemplo). Por otra parte, miembros del grupo han confesado
en fuentes de Internet que Exmagma no solía ser una banda que gustara mucho de
sonar excesivamente complicada, por lo que teniendo en cuenta esto, las
restricciones de tiempo tienen sentido.
El jam medio funky que conforma Marilyn F. Kennedy da inicio al disco con una
vibración positiva y juguetona, antes que las exhibiciones de improvisación
controlada, cambios de ambiente y juegos polirrítmicos de los dos siguientes
temas, Da Da y Adventures with Long S. Tea 25 Two Seconds Before Sunrise
inserten climas más densos y estructuralmente desafiantes dentro de esta
experiencia estética. Si el tema 1 mostraba a Exmagma en una actitud afín a la
vertiente más psicodélica del Canterbury (entre Egg y el Soft Machine pre-Elton
Dean), Da Da y Adventures with Long S. Tea 25 Two Seconds Before Sunrise
exhiben una mayor cercanía a las tendencias de jazz vanguardista manejadas por
nombres tales como Return to Forever y Weather Report, siempre con sus adornos
tipo free form que no eran poco comunes en el ámbito krautrock. A propósito,
el extravagante nombre del ítem Long S. Tea 25 era un sobrenombre para el LSD:
cosas como ésta no deben extrañarnos en relación con la música experimental de
los 70s, especialmente en una escena musical tan combativamente lisérgica como
la alemana. Groove, aunque tiene un esquema más simple, se hace debido eco de
la densidad que ya se ha instalado en el ambiente: se trata de un jam jazzero
en clave de soul, semi-lento, con una guitarra rítmica constante que sostiene
el peso de los efluvios del piano eléctrico, el órgano y la guitarra solista,
mientras que la batería y múltiples percusiones de Braceful aportan intensidad
contenida y retazos de color. Tango Wolperaiso es una pieza bastante curiosa:
muestra a los tres miembros de la banda alternando posiciones con la guitarra,
el piano eléctrico y la batería sucesivamente, sin juntarse en un trío
debidamente puesto. La gracia es que con cada nuevo turno se incrementan las
mezclas (guitarras superpuestas, efectos psicodélicamente raros de órgano,
percusiones extra), terminando con cánticos farsescos emanados por los tres. Un
simpático juego progresivo. Jam Factory (For People Insane) nos devuelve al
juego de complejidades que ya había funcionado tan entusiastamente en los temas
2 y 3, solo que esta vez el énfasis está en la pura psicodelia (entre Syd
Barrett y el primer Gong), y realmente funciona para darle una genuina
intensidad a la pieza a pesar de no contar con un compás muy veloz que digamos.
Si en algún lugar debía Braceful mostrar su maestría percusiva sin ninguna
clase de tapujos, ésta es la ocasión.
Habits es más parecida al delirio musical propio del krautrock: tiene mucho
parentesco con el Amon Düül II de Yeti/ Tanz der Lemminge y Agitation Free.
Dance of the Crabs nos devuelve a la soltura propia del jazz-rock
estadounidense
!pero solo se trata de un interludio de 50 segundos! En fin, si
Habits nos remitía de lleno a la psicodelia krautrock, Greetings to the
Maroccan Farmers ahonda en esta vertiente con su penetrante exploración en
improvisaciones de formas libres. Aunque el título hace alusión a cosas
exóticas, la verdad que esta pieza es pura improvisación que inventa sus
coyunturas a lo largo del camino sin apoyarse en estructura ni definición
alguna otro referente de cercanía con Amon Düül II. La fineza de Balluff al
piano de cola es magistral, como magistrales también son los golpes percusivos
que crea Braceful, entre tribales y cósmicos. Last but One Train to Amsterdam
es otra breve pieza jazzera de msnos de 1 minuto que cierra el disco, esta vez
con una agilidad ingenua a lo Canterbury: no hubiera estorbado en un disco de
Hatfield o Caravan. Simpático cierre, pero con una duración frustrantemente
efímera.
En fin, tenemos aquí un disco excelente que hará las delicias especialmente de
los aficionados al krautrock de línea jazzera así como de aquellos aficionados
al jazz de vanguardia en general. Exmagma es todo un grupazo de los 70s cuyo
legado debería, en verdad, ser más apreciado en todo caso, para eso están
(estamos) los coleccionistas
César Mendoza
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Martin Orford - The Old Road (2008)
MARTIN ORFORD : THE OLD ROAD (2008)
Discográfica: Giant Electric Pea/SPV/Mastertrax
Temas:
1. Grand Designs (9:58)
2. Power And Speed (5:58)
3. Ray Of Hope (3:53)
4. Take It To The Sun (5:26)
5. Prelude (1:36)
6. The Old Road (8:37)
7. Out In The Darkness (6:27)
8. The Time And The Season (10:46)
9. Endgame (5:20)
Músicos:
- Martin Orford Vocals, keyboards, guitar, flute
- John Wetton bass, vocals
- Dave Meros - bass
- David Longdon - vocals
- Steve Thorne vocals, guitars
- Dave Oberlé - vocals
- John Mitchell guitars
- Gary Chandler guitars
- Nick DVirgilio drums
- Andy Edwards drums
- Colm Murphy irish fiddle
- Mike Holmes - guitars
Tras largos años de trabajo por fin tenemos el esperado álbum solista de
Martin Orford, por el cual incluso abandonó a su banda de toda la vida, IQ.
Martin cuenta con colaboradores de lujo para esta obra, tal como era de
esperar dada la cantidad de amistades que ha ido haciendo durante todos
estos años. Así, tenemos la participación de estrellas del firmamento
progresivo como John Wetton, Dave Meros, Steve Thorne, John Mitchell, Gary
Chandler, Nick DVirgilio, Andy Edwards y Mike Holmes.
Que nos ofrece el señor Orford en su aventura solista? Pues no demasiadas
sorpresas. Un álbum que refleja por entero su personalidad como músico, ya
conocida de sobras, y en definitiva un álbum en una línea similar a lo ya
realizado con IQ y Jadis.
The Old Road es una colección de canciones de rock progresivo en la
vertiente más melódica y no tan épica de IQ, tal vez más cercana a Jadis.
Algo que refleja perfectamente el tema inicial Grand Designs que podría
ser uno de esos temas de IQ con regusto más pop, The Old Road también en
una onda melódica aunque con un inédito aire celta o el tema más extenso
The Time and the Season posiblemente uno de los más destacados del álbum.
Pero el mejor momento del trabajo desde mi punto de vista debemos
encontrarlo en el trepidante instrumental Power and Speed, a la altura de
lo mejor que haya hecho Martin con sus bandas. También destaca la más oscura
Out in the Darkness, así como Take it to the Sun, tema melódico que
parece hecho a drede para su vocalista, John Wetton. Precisamente uno de los
puntos más discutibles sería el nivel de Martin Orford como vocalista que,
si bien no lo hace mal, creo que debería ceder más protagonismo en este
campo a alguno de sus famosos amigos.
En resumen, pese a las pocas sorpresas, Martin Orford creo que ha sabido
cuadrar un muy buen álbum, muy bien trabajado y producido, que sin duda
disfrutarán los incondicionales de IQ y Jadis. Está claro que tiempo ha
tenido de sobras. Veremos si IQ logran igualarle.
Valoración: 6.5/10
Ferran Lizana (rockomick@orange.es)
Diciembre 2008
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Mahoujin "Babylonia Suite"
MAHOUJIN: Babylonia Suite (1978)
Temas
1. Babylonia Suite [a) Introduction ; b) New Babylonia 1 ; c) New Babylonia 2
; d) Last City b. c. 538 ; e) epilogue]
2. Cariot
3. Tower of Babel
4. Festival
Integrantes
- Shiga Atsushi: órgano, piano, sintetizadores, mellotron
- Okada Yasushi: bajo
- Sugano Shiro: batería, percusión
Mahoujin fue un power trío progresivo japonés que supuso una voz pionera del
sinfonismo dentro de su país. Aunque una lectura de los créditos de los músicos
invita fácilmente a imaginar que Mahoujin ejecuta una proyección del esquema
sonoro de un ELP, en realidad el tipo de cadencia melódica que predomina en sus
composiciones nos recuerda más al sinfonismo espacial de Novalis, la calidez
estilizada de un Wakeman y la vibración cándida de un Greenslade.
La suite homónima ocupa la primera mitad del disco, exactamente un espacio de
21 ¼ minutos. El tipo de dinámica sinfónica del grupo se hace patente desde el
primer momento con ese liderazgo de capas amables y solos estilizadamente
juguetones que exhibe Atsushi, mientras que la dupla rítmica de Yasushi y Shiro
se explaya en un swing entusiasta y refinado. Así va el ambiente predominante
en la primera sección, hasta que la segunda sección nos muestra al grupo
pasando a un ambiente más lento y ceremonioso, con un talante más aproximado al
sinfonismo espacial de raigambre germánica (Novalis, Eloy). La tercera sección
regresa a la dinámica inicial, la misma que se refuerza con la siguiente,
siendo así que Mahoujin parece recrear al mejor Triumvirat pero con una mayor
dosis de polenta y una dupla rítmica más explícitamente elaborada. De todas
maneras, los solos de sintetizador son más fieles al molde de Wakeman que a los
de Emerson o Fritz. El epílogo de la suite consiste en un breve pasaje de
piano, melancólico y medianamente parco. Cariot da inicio a la segunda mitad
del disco con una mezcla efectiva de Wakeman (etapa World Record) y el
Greenslade más jazzeado. Tower of Babel ofrece un mayor ahondamiento en el
factor jazzero, siendo así que la dupla rítmica se explaya en una bien hecha
emulación del swing de Weather Report, mientras que Atsushi desarrolla capas de
teclado que nos pueden muy recordar a Novalis y, por qué no, al Bardens de
Moon Madness. Se trata de una idea muy interesante pero que se queda a medio
desarrollar con sus 3 ½ minutos de espacio: con una mayor extensión y una
explicitación más decidida de los teclados (adición de solos y una orquestación
más afanosa), podríamos haber tenido aquí a la gema absoluta del disco. En
fina, las cosas son como son y con Festival llegamos al final de esta
experiencia melómana: se trata de lo más cercano a ELP que el grupo ha creado
en este álbum, debido principalmente al manejo pomposo de los fraseos y bases
armónica del órgano Hammond, pero el ensamble principalmente sigue
coherentemente la línea sinfónica que ya ha marcado el tránsito de todo el
repertorio hasta ahora.
Babylonia Suite es un buen ítem progresivo sinfónico proveniente de la escena
japonesa de los 70s sin tratarse de una obra genial, tiene suficiente
atractivo melódico como para ser debidamente apreciado por el coleccionista. A
fin y al cabo, aquí hay un interesante anticipo del tipo de calidez melódica
que 10 años después más o menos hallaremos en discos de Midas, Mugen y Gerard
(etapa de cuarteto).
César Mendoza
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Autor: ISRAEL FERNANDEZ VILLAJOS <sinapsis_thedreamsoforpheus@hotmail.com>
Asunto: STEVEN WILSON - INSURGENTES (2008)
STEVEN WILSON
INSURGENTES (2008)
Es muy común hablar de Steven Wilson cayendo en el mito, el ídolo. Pero también
es cierto que hay una gran comunidad que ha hecho un "duro" esfuerzo escuchando
sus proyectos y acabando aborreciendo el producto.
En mi caso, de los primeros, he intentado escudriñar cada tema de su nuevo
disco, en una primera escucha sin ninguna imagen, prejuicio o despiste, y una
segunda estudiada con un concienzudo análisis de sus evocaciones sonoras.
Creo que nos enfrentamos a un trabajo de una madurez veraz, a caballo entre
rugidos y explosiones sicodélicas, pasajes íntimos y rock sinfónico como nunca
había proyectado, recordando en temas como VENENO PARA LAS HADAS a los
mismísimos U2 o en el propio INSURGENTES supera lo "conseguido" con LAZARUS.
Mi primera escucha vino de la mano de una descarga ilegal a 160 kbps, imaginaos
el dolor auditivo, pero en segundo lugar, con la copia original en las manos,
admirando el arte del libreto (ese niño me da miedo), la estética del texto y
las neutras imágenes, entendí porqué hay gente que dice que Steven es el mejor
productor del momento, y hay quienes pagarían una fortuna por que el señor
Wilson se interesase por el.
Su avaricia feroz de productor limpio y guitarrista sucio, dj de estar por
casa, cantante tímido pero con muchas cosas por decir... melómano nato, y su
alma insurgente, ya sea frente a la telebasura, la publicidad masiva, la
Loudness War, el concepto post-moderno del arte, el libre albedrío... este
disco da cabida a todas y cada una de sus facetas, y en 10 temas perfectos lo
yuxtapone con duraciones de entre 3 y casi 9 minutos (No Twilight Within The
Courts Of The Sun).
Canciones como SIGNIFICANT OTHER (tema 6 del disco), esa balada de los tiempos
actuales, con letras que siempre me dejan un rato pensando y que me recuerda a
los tiempos buenos de Transatlantic por su estética "progresiva"... o el caso
de ONLY CHILD, con unas notas evaporadas a lo Trevor Rabin. Incluso en el
segundo CD hay más de ese estilo oscuro de BASS COMMUNION, propio de bandas
como OSI, excepto el tema COLLECTING SPACE y su koto oriental, que... bueno, en
fin, es una maravilla.
La edición especial (la que sale a primeros de febrero) acompaña un DVD
documental rodado y editado por Lasse Hoile donde muestra sus momentos de
grabación y composición en un viaje casi espiritual en la búsqueda de su Tótem,
y sobre todo la musa que le ayude, aunque poca falta le hace. De hecho,
Insurgentes es la eterna avenida de 28.8 kilómetros situada en Ciudad de México
y parte del material fue elaborado en esa localización.
Además comenta, que sacará al mercado una segunda edición deluxe debido a la
gran cantidad de ediciones de la primera tirada de 400 ejemplares que están
subastándose en eBay a precios de escándalo abusando entre usuarios en un
mercado no regularizado, y dicha edición doble vendrá masterizada a 5.1 (que
era de esperar).
El tracklist de la edición mail pre-order:
1. Harmony Korine
2. Abandoner
3. Salvaging
4. Veneno Para Las Hadas
5. No Twilight Within The Courts Of The Sun
6. Significant Other
7. Only Child
8. Twilight Coda
9. Get All You Deserve
10. Insurgentes
Segundo CD (MINI limitado):
1. Port Rubicon
2. Puncture Wound
3. Collecting Space
4. Insurgentes (Mexico)
5. Untitled
En conclusión, a mi parecer, estoy en un nueve de diez, un disco para llevar al
salón y no al coche, para ponerlo en auriculares de gran rango dinámico y una
amplitud de frecuencias completa si es posible y no en los altavoces del móvil
o del PC portátil.
Os deseo que vuestra escucha sea igual de plena y ante mi humilde y
personalísima opinión, a aquellos que no les guste a partir del segundo tema,
les pido que quiten el disco y no se esfuercen. Además, está más enfocado a los
usuarios de No-MAN que a los del árbol del erizo.
Ed Smith Andersson
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Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda <>
Asunto: Canturbe-Argentina
Hola a todos
Les envío el siguiente mensaje que he recibido
Saludos
Jose Manuel
-------- Mensaje original --------
/YEITE Producciones y Viajero Inmóvil Discos/. Diciembre de 2008
*/_EL REGRESO DE CANTURBE_/*
Una de las bandas más recordadas de rock urbano de los ochenta está de
regreso. Aquella que cubrió Buenos Aires y los alrededores con stickers
publicitando su nombre para luego mostrar canciones que fusionaban, a la
perfección, el rock inglés, el nativo y los aires tangueros de la
modernidad. Canturbe llegó al disco a fines de 1980 con su álbum ?El
vuelo de los olvidados?, que no pudo llamarse así (la homónima canción
planteaba poéticamente el tema de los detenidos-desaparecidos) debido a
la censura de la Dictadura Militar. En aquel recordado disco estaba como
invitado nada menos que Charly García, aún en su etapa
tanguera-sinfónica. Varios de esos temas sonaron en muchísimas radios en
plena Guerra de Malvinas, un verdadero contrasentido. En 2005 el sello
?Viajero Inmóvil? reeditó aquel disco en formato CD en varios países de
América, Europa y Japón y la iniciativa fue acompañada por un apoyo
inusitado de la prensa, sellos virtuales independientes y los medios de
rock progresivo. A raíz de esta sorpresiva repercusión Jorge Garacotche,
miembro fundador, decidió relanzar el proyecto, fue entonces que reunió
un grupo de amigos y volvió a los estudios, esta vez con el nombre
Canturbe bajo el brazo. Lo acompañan: Kike Gentile Pont, en batería;
Moroco, en bajo, y Daniel González, en percusión y coros. Como músicos
invitados participan: la exquisita cantante Liliana Herrero, el
stickista Guillermo Cides, Francisco Huici, en saxo; Eugenio Soria, en
bandoneón y Bruno Cecconi en flautas. El nuevo material consta de trece
canciones nuevas compuestas por Jorge. Por supuesto que el clima es de
neto corte progresivo urbano, retomando aquel viejo estilo, pero
enfocado desde la actualidad, sobre todo en lo concerniente a la lírica.
La producción artística es del propio Jorge Garacotche y la grabación
estuvo a cargo de Fernando Bellini. La producción ejecutiva es de Víctor
Hugo Angio. El arte de tapa es de Felipe Surkan y Daniel Oronó. El nuevo
disco ?Sociedad secreta de melancólicos? estará en las bateas los
primeros días de diciembre. La edición está a cargo del sello
independiente de rock progresivo Viajero Inmóvil. Recientemente se han
incorporado al grupo Federico Rescigno (Batería) y Gabriel Herrera
(teclados) con vistas a las presentaciones en vivo.__
_Recordamos la discografía de Canturbe:_
*El vuelo de los olvidados* (Polygram 1980) músico invitado Charly García.
*Bonpland* (BMG 1983) participan Norberto Minichilo, José Ogivieki,
Rubén Rada.
*Clandestino* (Yeite 1986)
*Del mágico mundo* (Yeite 1989)
*En venta* (Che Discos 1991) participaron Litto Nebbia y María José Cantilo.
_Contacto:
_ www.myspace.com/canturbe
mail: trivium@ciudad.com.ar
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: notas sobre Rick Wakeman en Chile
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Gran revuelo ha causado la reciente presentación en Chile, de Rick Wakeman,
leyenda viviente del rock progresivo, acompañado de un soporte de orquesta y
coro.
Aquí hay algunas notas referentes a este magnífico evento progresivo.-
Beethoven FM
RICK WAKEMAN CAUTIVÓ CON SU CALIDAD Y EXPERIENCIA EN VIBRANTE CONCIERTO EN
VIÑA DEL MAR
El músico inglés deleitó con una bien escogida selección de su música en
arreglos para piano, orquesta y coro. El punto alto sin duda fue la suite de
Viaje al Centro de la Tierra.
La tercera presentación de Rick Wakeman en Viña del Mar fue todo un
acontecimiento. Chile fue el único país sudamericano que pudo disfrutar de este
espectáculo titulado Obras Sinfónicas En Vivo, que consistió en arreglos para
piano, orquesta y coro de selecciones de los trabajos más reconocidos del
músico. El gran problema del concierto fue el sonido. Siempre es complicado
realizar conciertos orquestales en lugares amplios y abiertos, y en las
primeras interpretaciones, las cuerdas sonaron saturadas, y el balance entre
piano y orquesta no logró el punto deseado.
El programa comenzó con la suite de El Rey Arturo y los Caballeros de la Mesa
Redonda, que sufrió de las deficiencias de amplificación, lo que fue
ajustándose ya en los últimos minutos de la ejecución. Siguió la elegíaca Gone
But Not Forgotten, del disco Cost of Living de 1983. Original para piano
solo, aquí la adición de cuerdas, maderas y coro, realzaron las cualidades de
una de las piezas más bellas de todo el catálogo wakemaniano. Luego vino
Catherine Howard de Las Seis Esposas de Enrique VIII, uno de los más
celebrados trabajos del tecladista. El ágil segmento central fue vibrante,
aunque a veces los músicos de la orquesta tendían a atropellarse.
En 1997, Rick Wakeman grabó un disco homenaje a The Beatles, llamado Tribute,
realizando personales versiones de canciones del cuarteto de Liverpool. Las
conocidas Help! y Eleanor Rigby cautivaron en estas versiones sinfónicas de
tan inmortales melodías. El virtuosismo que adquiere el piano en la
interpretación de la segunda amenazaba con desarmar el balance, lo que se
demostraba en la flauta que parecía quedarse atrás.
After The Ball trajo nuevamente la emotividad, consiguiendo una atmósfera de
paz, gracias a un sutil trabajo con las cuerdas. Continuó lo más esperado de
la noche, la suite de concierto de Viaje al Centro de la Tierra. Repasando
los pasajes más conocidos de la famosa cantata, se sintió una versión renovada
sin la presencia de los sintetizadores ni el grupo rock. Gran labor pianística
de Wakeman en esta interpretación, que incluyó mucha improvisación sobre las
líneas melódicas de los segmentos originalmente cantados. Fue lo más aplaudido
de la noche.
La conocida Merlin The Magician no rindió como pudo haberlo hecho. Una
interpretación un tanto insípida para una pieza tan querida por los admiradores
de Wakeman, la hicieron un punto bajo del concierto. The Jig, poco conocida
para el público general, sirvió para despedir de manera radiante el show,
aunque el público pediría el retorno de Wakeman para una interpretación en
solitario de Catherine of Aragon. Sería el adiós final del músico y de un
concierto que hechizó al público por la calidad de la música ejecutada, más que
por una interpretación acorde.
[http://www.beethovenfm.cl/index.php?option=com_content&task=view&id
2549&Itemid=1]
Rock Progresivo
RICK WAKEMAN POR TERCERA VEZ EN CHILE
Seis de diciembre de 2008, se creaba nuevamente una gran expectación dentro de
la comunidad progresiva chilena: la tercera visita a Chile de uno de los más
destacados e históricos músicos del progresivo y sinfónico de todos los
tiempos: el "mago de los teclados" Rick Wakeman.
Luego de sus anteriores visitas, la primera en 1993, en donde se hizo acompañar
por una banda compacta que solo incluía a su hijo Adam Wakeman, el bajista Alan
Thompson y el baterista Tony Fernandez; y la segunda, en el año 2000, en la que
nos visitó junto al "New English Rock Ensemble", que además de Adam Wakeman y
Tony Fernandez, incluía al guitarrista Anthony Glynne, el bajista Lee Pomeroy y
al gran cantante Damian Wilson. Esta tercera visita fue notoriamente distinta,
donde no se hacía acompañar por una banda, sino por la orquesta sinfónica y
coro de Santiago.
Rick Wakeman llegó a Chile a primera hora del día viernes 5, y dedicó gran
parte del día a ensayar el repertorio del concierto junto a la orquesta y coro,
bajo la conducción del director de orquesta Santiago Meza.
El show comenzó con unos 25 minutos de retraso. El escenario fue lentamente
poblándose con el ingreso de los músicos de la orquesta, y cerca de las 21:30
horas del sábado 6, y ante un excelente marco de público, que debe haber
oscilado entre unos 7000 u 8000 personas, el conocido locutor chileno Sergio
Campos ofició de presentador, contando brevemente algunos hitos importantes en
la dilatada trayectoria de Wakeman, para que luego el gran músico se
re-encontrara con el público chileno.
Luego de unas breves palabras en las que wakeman pidió excusas por su pobre
nivel de español, anunció que no hablaría, y que se dedicaría exclusivamente a
tocar para nosotros. Acto seguido, se dio inicio a una magnífica suite de
varias piezas del clásico disco de 1975 "The Myths and Legends of King Arthur
and the Knights of the Round Table", comenzando con Arthur, luego Guinevere,
Lancelot and the Black Knight y The Last Battle. luego de lo cual llegó la
primera ovación de la noche. Luego siguieron excelentes adaptaciones sinfónicas
para los temas Gone but not Forgotten, After the Ball, Catherine Howard, además
de dos temas de The Beatles, como fue en el caso de Help y Eleanor Rigby (este
último tema ha sido interpretado por Wakeman en sus 3 visitas) para finalizar
con un resumen de Journey to the Centre of the Earth. Luego de esto Wakeman y
el director Meza se retiran del escenario, y vuelven con los vítores, para
interpretar sendas versiones de Merlin the Magician y The Jig, pieza que
tradicionalmente Wakeman ha utilizado para cerrar sus conciertos en los últimos
años.
Luego de una segunda retirada del escenario, Wakeman y Meza volvieron, para
felicitar a 2 integrantes de la orquesta, un violinista y una cellista (si
quien escribe está en lo correcto) que contraerían matrimonio al día siguiente.
Wakeman bromeó diciendo "para ustedes es la primera... en mi caso son
cuatro!!!", haciendo alusión a sus matrimonios.
Finalmente, Wakeman solo al piano interpretó un regalo fuera de programa, se
trató del clasico tema que abre el primero de sus grandes discos solistas Six
Wives of Henry VIII, como fue Catherine of Aragon, lo que dio cierre a una
velada memorable e íntima, que sin duda quedará en la retina de quienes
estuvimos ahí. Ojalá se repita pronto, tal como lo anunció el mismo Wakeman al
terminar el concierto.
Claudio Momberg
También hay vídeos en Youtube del evento:
http://www.youtube.com/watch?v=LM5a21eE2zo /
http://www.youtube.com/watch?v=-0WK-pBuJ3o /
http://www.youtube.com/watch?v=UlKBUzQDeH0
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: GURU GURU
GURU GURU: KänGuru (1972)
Temas
1. Oxymoron - 10:33
2. Immer Lustig - 15:37
3. Baby Cake Walk - 10:57
4. Ooga Booga - 11:11
Integrantes
- Uli Trepte: bajo, canto
- Mani Neumeier: batería, percusión, canto, efectos especiales
- Ax Genrich: guitarra
Tercer disco de Guru Guru y último con la formación íntegra que grabó el disco
debut UFO, KänGuru muestra a un trío un poco menos denso y más interesado
en explorar diversas facetas y cadencias del rock desde su ópitca
innegociablemente experimental. En todo caso, vale advertir que en etse momento
específico de su trayectoria musical, Guru Guru ya estaba enfilado hacia una
estrategia más enfocada de su peculiar visión krautrock, y de hecho, el trío
empieza ya a equilibrar ciertas afinidades con otras bandas igualmente inmersas
en la lógica del jam como Agitation Free, Amon Düül II y Ash Ra Tempel.
Oxymoron tiene un sello irremediablemente bluesero en el jam básico marcado
por el riff recurrente. Durante el desarrollo de la pieza, los solos de
guitarra, los adornos de bajo y el entramado rítmico planteado y replanteado
continuamente por el incansable Mani Neumeier dan buena cuenta del núcleo
esencial de la banda, a medio camino entre el jazz-rock, la experimentación
lisérgica del Ummagumma floydiano y la psicodelia pesada hendrixiana, y
sensible a la ambientación opresivamente industrial de la gran urbe germana.
Mientras tanto, los momentáneos pasajes cantados le dan una impronta un poco
burlona al asunto. Se trata de un apertura bastante atractiva, pero en realidad
será más adelante cuando nos topemos más claramente con la intensidad propia de
Guru Guru en su periodo cumbre. Immer Lustig es la pieza más larga del disco,
con su cuarto de hora más medio minuto de duración. El tema comienza con un
discurso y una marcha militar, la misma que pronto deriva en un blues-rock
psicodélico bastante áspero. Su gancho hace que el abrupto paso a otra sección
se sienta un tanto apresurado, pero ciertamente la sección que sigue tiene una
vibración bastante magnética, con esa confluencia de swing a lo funk y
psicodelia pesada que logra gestar un jam tan atractivo como envolvente. La
guitarra de Genrich es el pilar decisivo para este jam, pues sus variantes de
garra (e incluso momentos de escondite) marcan el desarrollo del mismo. Luego
pasamos a una sección cósmica armada sobre guitarreos recortados (a lo
rockabilly) que terminan atravesados por capas de ecos lisérgicos. Lo cósmico
se perpetúa y ahonda en una nueva sección donde una nueva serie de efectos se
explaya sobre un sincopado esquema rítmico. El rock se hace presente con toda
su fuerza en el jam semi-zeppeliniano que emerge al minuto 12 ½, orquestando un
dinamismo muy efectivo que llena el ambiente con genuina polenta: el fabuloso
solo de guitarra supone una exquisita guinda en la cima del pastel. Baby Cake
Walk da inicio a la segunda mitad del disco recogiendo la vibración explosiva
con la que había concluido el tema precedente, comenzando con un filudo jam
pesado que fluye sólidamente a través de cadencias llamativas y un despliegue
de pura urgencia rockera. Por supuesto, Guru Guru no cae en el simplismo, sino
que aprovecha cada idea básica para expandirla en su respectivo clímax
consistente. A llegar el quinto minuto, el trío gira hacia torrentes más
etéreos, haciendo que la energía se recicle por otras vías de experimentación
rockera en un breve interludio. Terminado dicho interludio, el grupo elabora un
nuevo crescendo que comienza con una pauta rítmica marcadamente sincopada que
termina produciendo una escalada hacia un frenesí patentemente pesado y
sutilmente controlado, en camino hacia una coda entusiasta. Ooga Booga
comienza con un extrovertido manejo del compás en 5/4 en su prólogo, preparando
el camino para una sección fusionesca en 6/8 de inspiración arábiga (incluyendo
armazones de percusiones exóticas). El momentum rockero que sigue a
continuación recoge esta ambientación y la transforma en un viaje intenso de
múltiples solos de guitarra superpuestos en una exhibición de densa magia,
firmemente apoyada sobre la bien cimentada base rítmica de Tripte y Neumeier.
Me atrevería a jurar que esta sección es la hora cumbre de Guru Guru por
siempre jamás
en fin
La siguiente sección es menos sublime y más marchosa,
con una incendiaria psicodelia funky que nos recuerda al último Hendrix. Como
para experimentar con ambientes más decididamente misteriosos, el tema cierra
con un pasaje ceremonioso a medio tiempo que reitera la típica densidad
esencial de la banda, cerrado por una coda cacofónica que empieza
arquitectónicamente estructurada y concluye con un caos climático, y también un
poco perturbador.
!Vaya manera de cerrar una etapa musical! Para muchos, la serie de los tres
primeros discos de Guru Guru es la mejor y más consistente, y yo estoy con la
mayoría. KänGuru es una gema krautrock que EMHO no debería faltar en ninguna
buena colección progresiva.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: próximo_disco_de_NATHAN_MAHL
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo franco-canadiense NATHAN MAHL lanzará próximamente al mercado su disco
de estudio "Exodus", cinco años después de su última oferta fonográfica
"Heretik Vol. III". El lanzamiento tendrá lugar el 15 de diciembre (!!dentro de
poco!!) a través del sello Unicron Records (www.unicornrecords.com).
"Exodus" será nuevamente un disco conceptual (después de la ambiciosa creación
de "Heretik" en tres entregas) basado en el Segundo Libro del Antiguo
Testamento y en la Torah, enfocado en el tema de la pugna física y emocional
por romper con las cadenas de la esclavitud. Musicalmente hablando, el grupo ha
abordado la composición al modo de una ópera rock, contando con personajes
centrales como Moisés, el Faraón y al mismo Dios, con lo cual NATHAN MAHL se
propone expandir su vocabulario musical basado en una dinámica confluencia de
sinfónico, fusión y Canterbury. La alineación de la banda se ha esmerado por
aportar colectivamente ideas compositivas y arreglos vitales para el material.
Ekl repertorio del disco es como sigue.-
1. Burning Bush
2. Let My People Go
3. The Plagues
4. The Parting
5. Down from the Mountain
6. 40 Years (for Andy Latimer)
7. The Last Climb
8. Canaan
9. Zipporah's Farewell
10. The Price of Freedom
Ya vemos que se incluye un tema en homenaje a Andy Latimer, un recuerdo del
paso del teclista Guy LeBlanc por Camel.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: AUTOMATA + ABRETE GANDUL, 11 de diciembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo el anuncio de un próximo concierto progresivo en
Chile donde compartirán cartel dos grandes bandas del momento: AUTOMATA y
ÁBRETE GANDUL. La primer practica un prog metal empapado de elementos
crimsonianos, industriales y vanguardistas, mientras que los segundos se
enfilan hacia una cruza de fusión, crimsonismo y psicodelia dura.
" Por fin tenemos de nuevo en los escenarios a Automata y esta vez acompañado
de la destacada banda que esta cumpliendo 10 años AbreteGandul
Automata luego de un tiempo alejado de los escenarios, volverá a tocar en vivo
y en esta oportunidad lo hará presentando su nueva formación, donde incluyen al
tecladista Jaime Acuña (AbreteGandul). En el concierto mostraran temas de lo
que será su próximo disco y nuevos arreglos con teclado para los temas ya
conocidos: el anterior trío de batería y dos guitarras es ahora un cuarteto.
Por su parte, AbreteGandul que celebra sus 10 años de música, presentará
también temas de su nueva producción, además de los temas clásicos.
El evento se realizará el Jueves 11 de Diciembre a las 23:00 hrs. en el pub
House Rock & Blues, ubicado en Av. Republica de Israel 960.
Las entradas son limitadas y una vez vendidas las disponibles se cerraran las
puertas, el valor es de $3.000 con Cover y se pueden comprar anticipadamente en
el mail neuron@automata.cl o en el local el mismo día del evento.
Mayor Info sobre las agrupaciones en:
http://www.automata.cl/
http://www.myspace.com/abretegandul
http://www.myspace.com/automatachile
Coordenadas:
Jueves 11 de Diciembre
23:00 Horas
House Rock & Blues
Av. Republica de Israel 960, Santiago - Chile.
Valor: $3.000 c/Cover.
Más información, visitar el sitio de Grupo VangChile:
http://vangchile.blogspot.com/ "
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