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La caja de musica Number 0847
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #847 octubre 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* King_Crimson:_Park_West
* GREENSLADE "Large Afternoon"
* Latte e Miele "Passio Secundum Mattheum"
* Franklin
* Varias noticias
* Unifaun: "Unifaun" (2008)
* Araxes II: "Singles" (1978)
* Nichelodeon: "Cinemanemico" (2008)
* Tangerine Dream "Tangram"
*
* Radiografía_del_Rock_Experimental_
* Xystus - Equilibrio
* Cynic - Traced in Air
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Autor: Eduardo Norris <laleynorris@yahoo.com.ar>
Asunto: King_Crimson:_Park_West
King Crimson: "Park West" (Chicago, Illinois August 7, 2008)
Temas:
- Introductory Soundscape
- Drum Duet
- The ConstruKction of Light
- Red
- Frame by Frame
- Neurotica
- Three of a Perfect Pair
- The Talking Drum
- Larks Tongues in Aspic, Part Two
- One Time
- B'Boom
- Dinosaur
- Level Five
- Sleepless
- VROOOM
- Coda Marine 475
- Drum Duet 2
- Thela Hun Ginjeet
- Elephant Talk
- Indiscipline
Personal:
- Robert Fripp: guitar, soundscapes.
- Adrian Belew: guitar, vocals.
- Tony Levin: bass, stick & vocals.
- Pat Mastelotto & Gavin Harrison: drums, percussion.
La maquinaria de King Crimson, una vez mas, se ha puesto en marcha. Con
presencias y ausencias notables. No se si al resto de los cajeros les pasa,
pero cada vez que Fripp arranca con una nueva formacion la expectativa que
genera suele ser tan grande que puede llevar a una frustracion un tanto
premeditada si no se ejercita la paciencia, aunque tambien uno termina por
aceptar que KC, con aciertos muchos- y desaciertos por suerte, muy pocos-,
sigue siendo uno de los grupos de rock mas potentes de la actualidad,
renovandose en cada nueva aparicion que se precie.
Vale mencionar la vuelta del gran Tony Levin, cuyo nombre habla por si solo,
como asi tampoco hace falta decir como es su trabajo. Hace poco edito su
notable disco solista Stick Man, con Pat Mastelotto acompanandolo en gran
parte del repertorio. Dicha grabacion genero mayor expectativa hacia el
retorno de KC. Gente grossa, realmente. Sus bajos y stick, mas el
acompanamiento en las voces, hacen que su laburo no se limite a ser una
bisagra en el grupo, sino un autentico artista con peso propio.
El nuevo elemento del grupo, el baterista del momento Gavin Harrison, venido
de Porcupine Tree, fue el que genero en Fripp la idea de volver a tener dos
bateristas/percusionistas en su grupo. Ningun pavo Robert. Si en el grupo de
Steven Wilson el hombre hace de las suyas, aqui Harrison prolonga su
tentacular trabajo sin disimulos. Y sin opacar en lo mas minimo a su colega
Pat Mastelotto.
El resto del elenco, por supuesto, notable. Fripp, como siempre, la descose
con sus soundscapes y sus fraseos, entre disimulados y filosos. Belew, con
su voz un tanto opacada los anos pesan-, sigue siendo el buen complemento de
Fripp en la guitarra. Mastelotto, con sus percusiones electronicas, no deja
de sorprender con sus innovaciones, demostrando ademas que los anos lo han
amoldado mucho mas al estilo que KC exige.
El repertorio de este registro de coleccion: no muy original que digamos,
pero vale la pena para iniciados a la musica de Fripp y compania. Tomenlo
como un repaso, algo asi como Otra Guia King Crimson para el joven moderno.
Muchos temas de Discipline y Thrak. Clasicos como Larks Tongues in Aspic,
Part Two, The Talking Drum y Red estan presentes. Algo de la epoca 1999
2003 tambien, como The ConstruKction of Light y Level Five, y en estos es en
donde se nota una gran ausencia: Trey Gunn. Sus warr guitar y baritone
guitar se hechan de menos, mas alla de que Levin haga un trabajo respetable.
!Pero no es lo mismo! De todas formas, como dije mas arriba, es cuestion de
paciencia hasta que nos acostumbremos al nuevo sonido crimsoniano. ?O acaso
no nos paso que, al salir Levin luego de la epoca de Thrak, nos chocaba
tremendamente el sonido aspero de los graves de Gunn? Esa es la filosofia de
Fripp, de KC y de todo oyente que este grupo merezca: el desafiar
preconceptos. Y eso puede caer mal o desprevenido a cualquier cajero progre
clasico que no se acostumbre a los cambios, o que prefiera quedarse en el
tiempo.
Lo que sorprende de los temas elegidos es que, salvos los duetos de los
bateristas (Notables; prestar mucha atencion al segundo), no hayan
incorporado alguna nueva composicion o improvisacion, tal como solia ser la
costumbre de Fripp cada vez que largaba con una nueva formacion. Tal vez mas
adelante. De todas formas, ni duden de que los van a disfrutar con creces
(Indiscipline, por ejemplo, insuperable), demostrando que la banda esta en
gran forma, con muchos arreglos innovadores. Los mayores puntos se los
llevan Mastelotto/Harrison, dado que Fripp permitio que los dos muchachos
tengan sus buenos espacios solistas en gran parte del concierto. Si algun
cajero sigue extranando a Bruford, tenga la plena seguridad de que esta
dupla lo suplanta enormemente.
Por supuesto que, a medida que uno escucha este concierto, por ahi se
pregunta: ?Y si tal fulano estuviera aca de vuelta? ?Como tocaria? ?Como
cantaria? ?Fripp se la aguantaria? ?O lo disfrutaria? ?Hay una posibilidad
de que se arme otro doble trio? ?Y el proximo disco como sera? ?Y para
cuando? Mas alla de estos cuestionamientos, queda claro que KC sigue siendo
eso: una agrupacion notable, con musicos notables, musica notable y,
principalmente, un gran lider y mentor llamado Robert Fripp con ideas
excelentemente notables.
Calificacion: 10 (Aunque, repito, no me convence el repertorio elegido.
Pero, para el caso, es lo de menos).
Un consejo: chequear la pagina del sello DGM, donde el bueno de Robert
incorporo fotos del presente concierto.
Saludos a todos.
Eduardo Norris
Rafaela, Santa Fe, Argentina
10 Oct 2008
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: GREENSLADE "Large Afternoon"
GREENSLADE: Large Afternoon (2000)
Temas
1. Cakewalk (4:56)
2. Hallelujah Anyway (6:46)
3. Large Afternoon (4:34)
4. No Room But a View (3:38)
5. Anthems (6:09)
6. On the Night (5:19)
7. On Suite (6:46)
8. Lazy Days (4:18)
9. May Fair (4:13)
Integrantes
- Dave Greenslade / teclados
- John Young / teclados, voz
- Tony Reeves / bajo
- Chris Cozens / batería
El disco de retorno de Greenslade marcó un nuevo paso dentro de las repartidas
empresas de reactivación de viejos ítems en los cuales se había embarcado Dave
Greenslade desde mitad de los 90s. Teniendo a un renacido Colosseum con un
disco en vivo y otro de estudio, Greenslade tuvo a bien devolvernos también a
Greenslade en este disco titulado Large Afternoon, con su usual formato de
cuarteto con dos teclistas, uno de ellos a cargo de la voz solista: puesto que
el tocayo de Greenslade Lawson no estaba disponible (o dispuesto), llegó a
bordo John Young, teclista estilizado y experto en colaboraciones varias (Uli
John Roth, John Wetton, Bonnie Tyler), y dicho sea de paso también, con un
registro de voz más acorde a los estándares del AOR. La vuelta del bajista Tony
Reeves es siempre una buena noticia, habida cuenta del despliegue de energía
que siempre aportó a los discos de Colosseum y Greenslade, pero en esta ocasión
sus aportes tienen que medirse según el swing y groove del baterista de turno,
que no es Andy McCullough, sino Chris Cozens. Realmente se trata de un
baterista preciso, pero desafortunadamente no dispone de esos bríos
particulares e ingenio para matices jazzeados que sí tenía McCullough, lo cual
hace que el sonido grupal se muestre más cuadriculado de lo que algunos
podíamos esperar, y claro está, eso influye en las mayores restricciones con
las cuales debe operar Reeves. El imperio de sonoridades patentemente
digitalizadas también repercute en este proceso de revaloración del estilo
Greenslade no son apabullantes ni gratuitos, es cierto, pero teniendo en
cuenta el funcionamiento del esquema rítmico tal como se mencionó, la
ambientación general del disco parece caer varias veces en una suerte de
modernización forzada.
El instrumental de entrada Cakewalk abre el disco con una fastuosidad
alimentada por un esquema rítmico ágil, algo así como un replanteamiento
semi-wakemaniano de la atmósfera típica de un tema de detectives como Peter
Gunn. El interludio lento le da al asunto un aire ceremonioso bastante cálido
antes de la previsible retoma del motivo inicial en la coda. Hallelujah
Anyway tiene un ambiente amable, bien llevado por una serie de arreglos que
introducen algo de complejidad con una actitud bastante moderada: esta pieza
puede sonar a una mezcla de Hackett contemporáneo y Procol Harum 72-74. La
pieza homónima es otro instrumental llamativo, incorporando un elegante manejo
de los solos de teclado, y miren ustedes por dónde, algunas florituras de
Reeves elaboradas con suficiente buen gusto como para no romper con el groove
de la pieza. No Room But a View suena a Camel sin guitarra (un irreal buen
tema de Stationary Traveler, más bien): creo que un arreglo más expansivo con
algunos elementos jazzeros hubiera podido sacar más provecho de esta idea
musical, que se queda en pegadiza nada más. Anthems es un instrumental de
tenor atmosférico, donde Greenslade reitera ciertas cercanías al estándar de
Wakeman. In the Night persiste en esta tendencia atmosférica, aunque esta vez
se aleja del esquema progresivo y se aproxima al esquema de balada AOR tipo
Chris Rea. Los elegantes efluvios de piano eléctrico ayudan a brindarle al tema
algo de magia dentro de su estereotipo. On Suite pora un vigor bastante
cálido, instalado en una posición intermedia entre el AOR y el sinfonismo. En
las partes cantadas, la balanza se inclina más hacia lo primero en base a un
arreglo rítmico bastante ligero; los pasajes instrumentales lentos, por su
parte, cargan muy bien con la aureola de majestuosidad aludida en el motivo de
turno. También tenemos un espectacular solo de sintetizador y un vivaz solo de
bajo después de la última parte cantada: ambos ítems le dan una prestancia
adicional al momento. Lazy Days emplea una secuencia percusiva programada
bajo el toque de la batería real de Cozens: la ambientación cándida de la
composición, ampliamente basada en cortinas armónicas de sintetizador,
solidifica la tendencia cuasi-fusión de la línea compositiva. May Fair
concluye el disco con un aire de esplendor, no llevado hasta niveles fabulosos,
pero sin duda bien armado alrededor de la idea musical de base. Esta pieza es
la que más me recuerda al Greenslade clásico (más específicamente, Spyglass
Guest), en una cierta cruza con Craft.
Large Afternoon es, a grandes rasgos, un disco bonito y bastante digno en
cuanto al despliegue de ingenio compositivo en las melodías y los estilizados
arreglos derivados a partir de allí. Pero, por un lado menos positivo, se trata
de un retorno no tan glorioso de Dave Greenslade y co. a la arena progresiva.
Comparado con retornos más explosivos como los de Témpano, Happy the Man o Van
der Graaf Generator, este retorno de Greenslade no muestra una recuperación
inmensa de vieja magia ni un despliegue de vigor que amerite grandes elogios:
Large Afternoon es cumplidamente bueno, recomendable particularmente para
completar la colección de Greenslade.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Latte e Miele "Passio Secundum Mattheum"
Mattheum
LATTE E MIELE: Passio Secundum Mattheum (1972)
Temas
1. Introduzione 2:18
2. Il Giorno degli Azzimi 2:18
3. Ultima Cena 1:48
4. Getzemani 4:14
5. Il Processo 1:29
6. I Testimoni (1a parte) 6:02
7. I Testimoni (2a parte) 1:48
8. Il Pianto 1:48
9. Giuda 0:43
10. Il Re dei Giudei 1:40
11. Il Calvario 7:04
12. Il Dono della Vita 3:43
13. Mese di Maggio (Bonus track) 4:24
Integrantes
- Marcello Gaincarlo Dellasca: guitarras clásica, acústica y eléctrica, bajo,
violín, voz
- Alfio Vitanza: batería, percusión, flauta, coros
- Oliviero Lacagnina: piano, órgano Hammond, mellotron, celesta, sintetizadores
Moog y Solina, clavicémbalo, órgano de fuelles, coros
He aquí el disco debut de Latte e Miele, un entusiasta y creativo trío de
progresivo sinfónico que ofreció algunos de los momentos más brillantes de esta
vertiente dentro de la escena italiana de los 70s. Con un bloque sonoro afín a
las propuestas que por entonces ya ofrecían simultáneamente Le Orme y PFM,
Latte e Miele ponía ciertamente un énfasis más notable en el aspecto clasicista
del género. En los pasajes acústicos, el estilo parece un adelanto de lo que
luego harán Celeste y Pierrot Lunaire (primer disco). Passio Secundum Matheum
es un disco conceptual basado en el susodicho dramático pasaje de la vida del
Mesías en el citado evangelio, y por ello, es casi natural que el clasicismo
sea el facto definitorio en esta obra de Latte e Miele, pues se ajusta
estructuralmente al esquema narrativo en cuestión. Ya un año más tarde, el
grupo logrará gestar un disco más muscular y más armónicamente ecléctico con
Papillon, pero ése es un asunto de otra reseña (además, ya existe en LCDM)
por ahora, nos concentramos en Passio Secundum Mattheum.
Introduzione abre el disco con un tono patentemente majestuoso, desarrollado
en un ambiente envolvente y ensoñador; los dos siguientes temas alternan
pasajes pastorales y enérgicos (un poco a lo ELP) bajo el esquema sinfónico que
desde ya está férreamente instalado. En el caso de Ultima Cena, no me hubiese
molestado que se hubiese dado un desarrollo más expansivo, pues me parece que
el potencial de fuerza rockera hubiese aportado un clímax realmente interesante
y no simplemente una viñeta entre otras que arman una secuencia. Getzemani
tiene un swing ágil y sencillo en su esquema rítmico, siendo así que las capas
de sintetizador y mellotron aportan un predominante color onírico al asunto:
con el ingreso del clavicémbalo y un robustecimiento ligeramente mayor del
esquema rítmico, las cosas pasan a una clave un poco más pomposa, no ajena al
estilo de Ekseption. Il Proceso tiene un aire declarado a lo ópera-rock,
sirviendo como un preludio a I Testimoni. Éste comienza con un tenor
sinfónico ceremonioso conservado por las cortinas flotantes de teclado, siendo
así que finalmente el trío pasa a un jam de raigambre jazzera cuyo esquema
rítmico tiene cierto aura Latin merced a la presencia de bongoes junto a la
batería: el jam, marcado por el piano en primer lugar, pasa luego a compartir
la primera línea con la guitarra eléctrica. I Testimoni (Parte 2), que abría
el lado B del LP en formato vinilo, es una continuación del jam. Il Pianto
tiene un hermoso color pastoral, donde el mellotron proporciona una densidad
amable y otoñal; nada de esto nos hace prever el despliegue de fuerza y
contraste entre psicodelia pesada y jazz a la antigua en el breve pero
efectista Giuda. Il Re dei Giudei toma las líneas finales de mellotron de
Giuda para desarrollar una elegante coda sinfónica. Il Calvario, con su
espacio de 7 minutos, es el tema más extenso del disco. Comenzando con un breve
arreglo coral dramático, a continuación el órgano de fuelles asume el
protagonismo con su alternancia de colores barrocos y góticos. Una vez que se
arma una sección con el trío entero, la cosa pasa a una ambientación tan
majestuosa como sombría sobre un compás lento y funerario: la guitarra
eléctrica refleja un aire triste, el cual realza el aire de réquiem al que
alude la pieza. Una vez que se detiene la batería, emerge un estilizado pasaje
de guitarra clásica sobre la cual se enuncian las 7 palabras de Cristo en la
cruz. Il Dono Della Vita concluye el panorama de solemnidad bajando el tono
de lo sombrío en beneficio de una cadencia más etérea, marcada por
acentuaciones barrocas (incluyendo algunas citas de alguna fuga de Bach).
La edición digital contiene un bonus track, la balada Mese di Maggio, típica
del espíritu de San Remo. Nada especial ni brillante en verdad, aunque
ciertamente se trata de una canción bien construida, con cierta cualidad
hímnica muy a lo Delirium que, claro está, dadas sus pretensiones de balada
pop, quedan sin explotarse debidamente. Passio Secundum Mattheum es buen
punto de inicio artístico para Latte e Miele: no tratándose de su trabajo más
inspirado, con todo resulta un referente de buena factura artística dentro de
la prolífica escena sinfónica italiana.
César Mendoza
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Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda <>
Asunto: Franklin
Hola a todos
Aun hoy sigo descubriendo bandas que hicieron progresivo en los 70s en
Espana y que no conocia. Es el caso de Franklin. Acaba de editarse un disco
de ellos que no pudo salir al mercado en su momento. A cotinuacion les envio
la informacion.
ttp://www.waysidemusic.com/ProductInfo.aspx?productid505/COCODRILO%20HMPE%20401
Un saludo a todos
Jose Manuel
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Varias noticias
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
MAR DE ROBLES en Santiago - 25 de octubre
El quinteto chileno MAR DE ROBLES, cuyos discos "MdR" e "Indígena" son de las
obras más excitantes y enérgicas del último progresivo de su país, tocarán en
la capital chilena el 25 de octubre. Aquí transcribo el anuncio oficial de
dicho evento.-
" Por fin la espera ha concluido, Mar de Robles se presentará en Santiago.
El Quinteto Rancagüino Mar de Robles se prepara para celebrar sus 10 años de
trayectoria musical, recopilando para sus amigos y seguidores una historia que
nació a comienzo del año 1998, cuyos primeros pasos se debieron a una
inmensidad de energía sustentada sobre una sólida hermandad, que logró
transformar a la música en un estilo de vida y que poco a poco los fue
envolviendo en un mar de creatividad. Fue así como a comienzos del año 2000,
el ambiente musical de la vanguardia nacional comenzó a escuchar de una
particular banda proveniente de la Región de O'higgins con un estilo que
propone un rico y pulcro contraste entre la agresividad rockera
crimsonianamente demencial por un lado, y las finas y sensuales texturas del
jazz fusión y el folklore acústico, por el otro. Con estos antecedentes se
inician los primeros pasos de un largo camino, que les ha permitido estampar
su rubrica en importantes escenarios nacionales e internacionales, logrando
grandes elogios en renombrados festivales internacionales de Rock Progresivo
como el de Baja-Prog en Mexicali, México.
La invitación queda extendida a todos los amantes de la música nacional para
acompañar este Sábado 25 de Octubre desde las 21:00 hrs. en la sala SCD de
Bellavista, a una banda que promete hacernos disfrutar de un show audio-visual
que recorrerá gran parte de su trabajo musical más nuevas composiciones no
incluídas en su discografía, invitándonos a llegar con los sentidos sensibles a
un estilo de rock rico en variedades rítmicas y armónicas, enmarcados en
conceptos líricos y visuales que rescatan nuestras tradiciones y pretenden
aportar a la diversidad cultural en el escenario de la música chilena.
Las entradas ya se encuentran disponibles por el sistema FeriaTicket en las
tiendas adheridas y en http://www.feriaticket.cl
Mayor Info en: http://www.marderobles.cl/
Facebook: http://www.facebook.com/group.php?gid=12639163173
Myspace: http://www.myspace.com/marderobles
Coordenadas:
Sábado 25 de Octubre
21:00 Horas
Sala SCD Bellavista
Santa Filomena 110, Barrio Bellavista, Santiago - Chile
Valor: 2.500 "
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YES y su inminente controvertida gira "In the Present"
En medio de gran expectativa, y sobre todo, una gran controversia que brota
tanto del sentimiento de confusión de los fans como la sensación de
decepción de Jon Anderson, el grupo YES hará la gira In the Present bajo
la batuta de Steve Howe, Chris Squire y Alan White, aumentados por el
teclista Oliver Wakeman (hijo de Rick) y el vocalista Benoit David (cantante
de un grupo quebequense... tributo a YES, precisamente).
La lista de presentaciones pautadas hasta ahora en Canadá y los EE.UU. es como
sigue.-
4 Nov - Hamilton, ON Hamilton Place Theatre
5 Nov - Toronto, ON Massey Hall
7 Nov - Hampton Beach, NH Hampton Beach Casino Ballroom
8 Nov - Williamsport, PA Community Arts Center
9 Nov - Uncasville, CT Mohegan Sun Arena
11 Nov - Hershey, PA Hershey Theater
12 Nov - Columbia, OH LC Pavilion
14 Nov - Nueva York, NY Hammerstein Ballroom
15 Nov - Asbury Park, NJ Paramount Theater
16 Nov - Baltimore, MD Rams Head
18 Nov - Reading, PA Soverign PAC
19 Nov - Richmond, VA The National
21 Nov - Atlantic City, NJ Borgata Casino Event Center
22 Nov - Westbury, NY Theatre at Westbury
23 Nov - Albany, NY Times Union Center
25 Nov - Cleveland, OH House of Blues
26 Nov - Detroit, MI The Fillmore Detroit
28 Nov - Cincinnati, OH Taft Theatre
29 Nov - Milwaukee, WI Riverside Theatre
30 Nov - Bloomington, IL US Cellular Coliseum
2 Dic - St. Louis, MO The Pageant
3 Dic - Chicago, IL The Chicago Theatre
6 Dic - Myrtle Beach, SC House of Blues
7 Dic - Atlanta, GA The Tabernacle
9 Dic - Louisville, KY Palace Theatre
10 Dic - Nashville, TN Ryman Auditorium
14 Dic - Orlando, FL Hard Rock Live
16 Dic - Clearwater, FL Ruth Eckerd Hall
17 Dic - Miami, FL Seminole Hard Rock Casino
Todas estas fechas aparecen anunciadas en el enlace
http://yesworld.com/tour.html. Habrán otras más que se programarán para la
última quincena de diciembre y primeros meses de 2009.
En fin, con controversia y todo, YES (que ahora es Steve + Alan + Chris +
quienes estén disponibles para los otros dos puestos) está decidido a realizar
uan serie extensa de conciertos.
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Novedades de THIEVES' KITCHEN
El grupo THIEVES' KITCHEN se apresta a realizar algunos conciertos para
promocionar su más reciente grabación, el fabuloso disco "The Water Road".
Serán los primeros conciertos que el grupo da desde julio de 2004, y los
primeros con el nuevo miembro Thomas Johnson, quien fuera teclista de
Anglagard.
MIércoles, 22 de octubre de 2008
Riff's Bar, Swindon
9 PM
Viernes, 24 de octubre de 2008
Chipping Warden Village Hall, Chipping Warden, Northants
Compartiendo cartel con Whimwise, liderado por el ex-The Enid Nick May
7:30 PM
Sábado, 1 de noviembre de 2008
Freakparade Festival, Bockshorn Theatre, Veitshoechheimerstrasse, Alemania
Compartiendo el cronograma para ese día con Faun, Art Zentral... !!y Magma!!
La seguidilla comenzará a las 2 PM
Más información en
http://artrock-festival.de/2008/09/07/freakparade-festival-2008-english-information
Domingo, 2 de noviembre de 2008
Spirit of '66, Verviers, Bélgica
Compartiendo cartel con Sphere3
6:30 PM
Ver más información en
http://www.spiritof66.be/agendouble.php?dateaffichage=1226098800
Lunes, 3 de noviembre de 2008
L'Olympia Bruno Coquatrix, París, Francia
Abriendo para el grupo canadiense tributo a Genesis The Musical Box
Más información se puede encontrar en el enlace
http://www.thieveskitchen.co.uk/
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Disco en vivo de Renaissance
El 21 de octubre se lanzará un CD en vivo del RENAISSANCE clásico, el mismo que
recoge parte de su actuación en el Tower Theatre de Filadelfia, en 1978. Se
tratará de una edición remasterizada.
El repertorio es como sigue.-
1 - Can You Hear Me
2 - Carpet Of The Sun
3 - Day Of The Dreamer
4 - Midas Man
5 - Northern Lights
6 - Things I Dont Understand
La misma Annia Haslam, dedicada desde hace años a la pintura, se ha encargado
del arte gráfica de la portada.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: "Progjuan Progjuan" <progjuan@gmail.com>
Asunto: Unifaun: "Unifaun" (2008)
UNIFAUN: "idem" (2008)
Discografica: CD Prog Rock
Temas:
1. Birth of a Biggie (7:37)
2. To the Green Faerie (6:16)
3. Mr. Marmaduke and the Minister (7:59)
4. Swingers Party (5:48)
5. Rehacksis (7:41)
6. Quest for the Last Virtue (13:57)
7. A Way Out (6:18)
8. Finistere (2:36)
9. Welcome to the Farm (4:30)
10. Maudlin Matter (4:09)
11. Bon Apart (1:28)
12. End-or-Fin (7:36)
Musicos:
- Nad Sylvan - Voice, Guitar, Bass, Keyboards, Drums
- Bonamici - Keyboards, Bass, Additional Drum & Percussion and Vintage Sound
Design
Colaboraciones:
- Rolf BAB Hat BB Holstr=F6m : Bateria en "Maudlin Matter" y bateria adicional
en
"Marmaduke".
UNIFAUN (nombre de la criatura legendaria en la literatura británica medio
humano medio cabra) es un proyecto de la pareja musical formada por los
suecos Nad Sylvan y Bonamici que recrean la música de Genesis época de
salida de Peter Gabriel y sustitución de Phil Collins como cantante. UNIFAUN
están mas cerca de The Watch en lo comercial que de Citizen Cain en la
ausencia de complejidad.
Se conocieron en el foro de Genesis en el 2003, Nad Sylvan lee que Bonamici
ha escrito un tema tributo a Genesis y una vez en contacto deciden trabajar
en esa línea, naciendo el tema Maudlin Matter. Nad aportaria un tema escrito
nada mas ni nada menos que en 1979 "Marmaduke" que se transformaría en el
tercer tema del disco "Mr. Marmaduke and the Minister".
Comienza el disco con "Birth of a Biggie" un tema pegadizo cercano a "Wind
and Wuthering" con unos vocales con un mas que parecido razonables a Phill
Collins. Curioso como Nad Sylvan remeda ambas voces, cuestión que tampoco
debería extrañara a nadie ya que dicen que el mejor imitador de Peter
Gabriel no fue Fish sino el propio Phill Collins, aunque es cierto que en
los matices y dramatismo encontramos diferencias notables.
Seguimos con "To the Green Faerie" la cual nos acerca mas a la época Genesis
Phill Collins, y llegamos a uno de los temas que mas me han gustado "Mr
Marmaduke and the Minister" entrada a lo Tony Banks y la voz de Nad a lo
Peter Gabriel que parece que vaya a salir con lo de "Can you tell me where
my country lies.. un tema cambiante con cierta complejidad y regusto claro
esta al mejor Genesis.
Continuamos con "Swingers Party" tema lento con vocales a Phill collins,
"Rehacksis" es un instrumental escrito por Bonamici, un homenaje a Steve
Hackett que a mi personalmente no me llega a convencer. "Quest for the Last
Virtue" es un tema misterioso que recuerda a los temas donde Peter Gabriel
ponia mas enfasis teatral y donde se disfrazaba. Seguimos con "A Way Out" un
tema teatral que da pie a pensar en Peter gabriel disfrazado encima del
escenario. la semibalada "Finistere" escrita por Bonamici, "Welcome to the
Farm" nos trae a los Genesis de los ochenta, "Maudlin Matter" es el tema que
grabo Bonamici para el tributo a Genesis con letras de Nad, "Bon Apart" es
un corte tema de piano y acaba el disco con "End-or-Fin" de nuevos los
sonidos comerciales de los Genesis de los ochenta vuelven.
En algún lado he leído que UNIFAUN se hacen llamar soundscape Genesis,
efectivamente este calificativo sea mas acertado que Cover band y como tal
debería ser oído por los fans de Genesis de la época entre 1973 y 1980 y por
aquellos curiosos que adquieran este trabajo.
Puntuacion: 6,5/10
Salu2 Genesisoundcapes
(c) Juan Mellado
Progjuan@gmail.com
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Autor: "Progjuan Progjuan" <progjuan@gmail.com>
Asunto: Araxes II: "Singles" (1978)
Araxes II: "Singles" (1978)
Discografia: Reedición BMG-Zafiro (2002)
Temas:
- El rastro (2:45)
- Si (La historia se oscurece cada dia) (4:47)
Musicos:
- Javier Esteve: Guitarra
- Jose Neri: Guitarra acústica
- Pepe Sanchez: Bateria
- Joaquin Hernández: Bajo
- Curro Millán: teclados
- Pedro Dieguez: cantante
- J.L. Ajenjo: Bajo
Araxes II fue uno de los pioneros del rock progresivo en Madrid, grabaron
una maqueta y un single "Something to say parte I y II" en 1973, para
posteriormente aparecer en el recopilatorio "Viva el Rollo II, Rock del
manzanares". recientemente reeditado en CD. "El rastro" (2:45) y "Si (La
historia se oscurece cada día) (4:47). El primero me recuerda a Granada,
Iman y Bloque, este ultimo por los duelos de guitarra. El segundo es un tema
planeador y cambiante, con un trasfondo jazzy, destaca la combinación de
guitarra acústica y Eléctrica... acaba con un chotis !!!
Una música de Araxes se basaba principalmente en los teclados como
protagonista, pero también en las guitarras de sonido setentero y ciertos
toques a lo Pink Floyd con alguna permisividad a la improvisación.
Lista completa de los temas que forman este "Viva el Rollo II, Rock del
manzanares"
1. No nos Dan Satisfacción (Mariskal Romero)
2. Este Madrid (Leño)
3. Social Peligrosidad (Cucharada)
4. Escapada (Union Pacific)
5. El Rastro (Araxes II)
6. A tu Marcha (Union Pacific)
7. Aprendiendo a Escuchar (Leño)
8. Libertad Para Mirar Escaparates (Cucharada)
9. Sí (Araxes II)
10. Ya Está Bien (Asfalto)
En el grupo estaba el guitarrista Javier Esteve (Trespass, Cerebrum y
Conexion).
Puntuacion: 6,5/10
Salu2 araxesprogresivos
(c) Juan Mellado
Progjuan@gmail.com
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Autor: "Progjuan Progjuan" <progjuan@gmail.com>
Asunto: Nichelodeon: "Cinemanemico" (2008)
Nichelodeon: "Cinemanemico" (2008)
Discografica: Self released
Temas:
1. Fame
2. La mosca stregata
3. Lascia ch'io pianga
4. Malamore e la Luna
5. Amanti in guerra
6. La torre pi=F9 alta
7. Ció che rimane
8. Flower Of Innocence
9. Disegnando cattedrali di cellule Pt.II
10. Il ladro di giochi
Musicos:
- Claudio Milano / vocals
- Francesco Zago / electric guitar
- Maurizio Fasoli / piano
- Riccardo Di Paola / synth
Con el nombre de NICHELODEON nos encontramos a un cuarteto formado por el
vocalista Claudio Milano, el guitarrista Francesco Zago y el pianista
Maurizio Fasoli, ambos del grupo Yugen y finalmente Riccardo Di Paola en los
sintetizadores.
NICHELODEON experimenta lo instrumental que acompaña a la voz protagonista,
muy a los Demetrio Stratos, de su cantante Claudio Milano. resultado final
una musica tenebrosa, melodramática, seductora, incitante, oscura,
deprimente, hechizadora y asfixiante.
CINEMANEMICO esta grabada en directo de dos representaciones de la obra
teatral "La stanza suona ció che non vedo", una de elllas realizada el 25 de
Octubre del 2007 y la otra en Villa Litta el 9 de Noviembre del 2007 ambas
en MILAN, no habiendo sufrido ningún recorte o arreglo de lo que se pudo ver
sobre el escenario. Excepto tres temas, las letras y la música esta escrita
por Claudio Milano.
A mi personalmente me recuerda esta apuesta a la realizada por Scott Walker
y ese estilo llamado "Crooner avant-garde", aquí quizás el componente
operístico no exista y a cambio nos encontramos con un tono mas cercano a
Demetrio Stratos. Una locura musical y psicopata acompaña a la voz en todo
momento de Claudio. Avant-garde, tribalismo, BSO de terror, todos estos
ingredientes hacen que esta obra pueda llegar a resultar inaguantable como
al contrario puede ser cautivadora.
Destaca el tema "Lascia ch'io pianga" que esta inspirado en Haendel quizás
por este motivo se haga mas digerible su escucha, delicioso comienzo, aunque
en su recta final se transforma en delirante y extrañamente encantadora. Le
sigue "Malamore e la Luna" donde podemos descubrir, agudizando la oreja,
algún que otro pasaje progresivo, siendo el piano el verdadero protagonista
no tan solo de este tema sino del album.
"Amanti in guerra" suena algo gótica con un piano que desprende notas muy
tristes para dar paso a "La torre pi=F9 alta" un tema verdaderamente homenaje
a Demetrio Stratos que me trae a la mente ese vídeo de "Cometa Rossa". en
este tema podemos oír la lectura de "La scienza in cucina e l'arte di mangia
bene" obra de Pellegrino Artusi (1820). Otro tema y en concreto algun
pasaje, me recuerda a Demetrios Stratos es en "Disegnando cattedrali di
cellule Pt.II" y donde hay una nueva y ultima lectura de la obra de
Pellegrino Artusi (http://www.pellegrinoartusi.it)
En definitiva un trabajo que yo enmarcaría en la experimentación, la
vanguardia o avant-garde, ingredientes como lo tribal, lo gótico, lo
misterioso y la fuerte expresividad en la forma de cantar de Claudio Milano
que hace que CINEMANEMICO sea seguramente un trabajo que pueda interesar a
la parroquia progresiva, lo que esta claro es que este trabajo menos
indiferencia todo lo que queráis.
Salu2 experimentalesvanguardisticos
(c) Juan Mellado
Progjuan@gmail.com
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Tangerine Dream "Tangram"
TANGERINE DREAM: Tangram (1980)
Temas
1. Tangram Set 1 (19:47)
2. Tangram Set 2 (20:27)
Integrantes
- Edgar Froese: teclados, guitarras, bajo
- Chris Franke: teclados, percusión
- Johannes Schmoelling: teclados
Tras la exquisita aventura de Force Majeure, los socios Edgar Froese y Chris
Franke decidieron retomar el formato de trío para TD, y el músico Johannes
Schmoelling (pianista y organista de amplia formación académica y con un
interesante historial de actividades musicales). El primer trabajo registrado
por esta formación fue Tangram, disco conceptual basado en el juego de
estrategia chino del mismo nombre. La estructuración del repertorio en dos
suites (o sets) da cuenta de las ambiciones compositivas que Froese y Franke
seguían trazándose desde antes del ingreso de Schmoelling estructuración de
ideas clave sobre una base arquitectónica, manejo de ambientes variados,
ilación entre motivos diversos. Tangram bien puede describirse como un
intento exitoso de casar el sinfonismo dinámico de Force Majeure con las
texturas claroscuras y misteriosas que el grupo gestó en Rubycon, Ricochet
y Stratosfear. En todo caso, se nota que Schmoelling fue una baza fundamental
para que TD articulara un sonido más ordenado y un manejo más ágil de texturas
en comparación con Force Majeure (que en sí ya era un disco brillante). A
propósito, ambos discos también tienen en común el hecho de que el grupo sacara
de ellos buena parte de la banda sonora grabada para la sátira estudiantil
Negocios Riesgosos (Risky Business, con Tom Cruise y una impresionante
Rebecca DeMornay).
La primera parte comienza con una secuencia etérea de sintetizador en 7/8 que
suena a algo así como una flauta de bambú robótica. Los acompañamientos
minimalistas de sintetizadores extra y rasgueos de guitarra acústica se
empiezan a asentar de manera gradualmente más llamativa tras el paso a una
nueva secuencia de base. Poco antes de llegar al tercer minuto y medio, ya
contamos con una atmósfera llena e hipnótica, muy fiel a la esencia progresiva
electrónica que el grupo había cultivado y madurado desde los días de Phaedra
hasta Stratosfear. Hay un momento climático en el cual se produce un pasaje
orquestal portador de un colorido bastante eficaz, pero en realidad se trata de
un breve interludio en tránsito hacia otro pasaje extrovertido más robusto. Me
hubiera gustado que dicho interludio se hubiese convertido en un pasaje más
extenso con cierto tenor autónomo, pues ofrecía una interesante relación con lo
que Oldfield hacía por aquel entonces en QE2 y Five Miles Out, pero bueno,
las cosas como son. En el minuto 8 pasamos a una sección introspectiva
principalmente marcada por los efluvios sutiles del piano, los mismos que luego
se articulan bajo la tutela de las envolventes líneas de sintetizador. Tras un
efecto de máquina a vapor generado por una secuencia rítmica programada, llega
una sección de capas flotantes de sintetizadores antes de regresar a otro
pasaje arquitectónico propio del estándar TD: es un guiño a esos aires cósmicos
estilizados que tan bien se perfeccionaron en Rybycon y Ricochet. El
esquema operante en este momento permite también al trío elaborar un crescendo
que finalmente desemboca en un reprise lento y ensoñador de una de las melodías
expuestas en la sección meridiana de la pieza.
La segunda parte se hace eco del carácter ensoñador con que acaba la primera
parte, aunque esta vez la amalgama de capas de sintetizadores refuerza la
potencial pomposidad del momento al establecer una sonoridad más abundante.
Ello permite una fluidez completa en la transición hacia la sección
arquitectónica que sigue a continuación, la más aguerrida de todo el disco en
cuanto a las pronunciadas insinuaciones psicodélicas emanadas por los dos
sintetizadores secuenciados. Las intervenciones a la guitarra eléctrica de
Froese (tal vez es sintetizada) son las mejores de este disco en cuanto a
manejo de texturas y complementación con la energía desplegada en los teclados.
Poco antes de llegar al minuto 11, las cosas pasan a un contexto etéreo y
moderadamente sombrío: lo que suena es una especie de cruza entre Force
Majeure y Stratosfear, rescatando la estilización sonora del primero y el
aire misterioso del segundo. Me hubiese gustado que este pasaje hubiese durado
un poco más, pero desde ya se va anunciando un nuevo pasaje, el cual es
enérgico y llamativo, semejante en espíritu a los pasajes más fastuosos de la
primera parte. Cuatro minutos después, al detenerse la secuencia rítmica
programada, entramos a un área más grisácea, indudablemente vinculada a la
psicodelia lánguida de corte free-form que había signado las raíces del
krautrock electrónico. Hay un aire de perturbación flotando en el aire, pero la
sonoridad moderna aportada por la producción de sonido mantiene a dicha
perturbación en un nivel moderado. Un breve pasaje melódico emerge para
instalar una coda evocativa, dueña de una calidez melódica muy serena. Así
concluye la que tal vez sea la última obra que TD realizó manteniendo una
conexión con su faceta más creativa de los 70s: Tangram enfila sus baterías
hacia los sonidos de los 80s mientras que las inquietudes compositivas siguen
bien encuadradas dentro del progresivo electrónico del cual TD es una banda
señera y campeona.
César Mendoza
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Autor: Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Mi Musica Se Escucha Muy Fuerte!
Hola a todos. En este nuevo artículo se trata el tema del abuso de la
compresión digital en la música y, al parecer, Metallica es la banda que ha
llevado este asunto al extremo con su nuevo álbum. Más sobre el tema
próximamente.------
[Nota del cajero: Disculpa, Jorge, por la puntualizacion. Este articulo no
se refiere a la compresion que permite que un fichero digital de
musica ocupe menos espacio sino a la compresion de la amplitud como
tratamiento de la onda que se hace en un estudio de grabacion para
que las diferencias entre las partes mas y menos sonoras sean
menores. Creo que merece la pena esta aclaracion para que todos los
cajeros sepan de que se esta hablando.]
Septiembre 25, 2008
Mi Música Se Escucha Muy Fuerte!
Artículo de WSJ sobre la compresión
Hasta Los Fans del Heavy-Metal se Quejan de que la Música Actual es Demasiado
Fuerte!!
No Pueden Escuchar con Detalle, Dicen los Partidarios de MetallicaB3B Culpan a
los iPods
Por ETHAN SMITH
Puede un álbum de Metallica sonar demasiado fuerte?
El solo pensarlo pudiera parecer una herejía para los fans de la legendaria
banda metálica, la cual ha estado rompiendo tímpanos con fuerza sin par desde
principios de los 1980s.
Pero aunque el noveno lanzamiento de estudio de Metallica, "Death Magnetic,"
es No. 1 en la lista de álbumes exitosos, con 827,000 copias vendidas en dos
semanas, algunos fans están terriblemente decepcionados: no por las
canciones o la interpretación, sino por el volumen. Es tan fuerte, dicen,
que no puedes escuchar detalladamente la música.
"Death Magnetic" es un punto crítico en una larga batalla de la
industria musical. Durante años, artistas del rock y el pop han estado
solicitando cada vez más que sus grabaciones suenen más fuerte para sobresalir
en la radio, en las rockolas y, en especial, los iPods.
Aumentando el Volumen
Pero los audiófilos, profesionales de grabación y varios fans dicen que el
golpazo sónico excepcional tiene un costo muy alto. Para hacer que la música
grabada parezca más fuerte, los ingenieros deben reducir el "registro
dinámico," minimizando la diferencia entre las partes suaves y fuertes, creando
un maremoto de insipidez auditiva.
"Cuando no hay silencio, no puede haber estrépito," dice Matt Mayfield, un
maestro de música electrónica de Minnesota, en un video de YouTube que
bosqueja la batalla de la guerra del ruido
(http://www.youtube.com/watch?v=3Gmex_4hreQ).
El registro dinámico de una grabación puede medirse calculando la variación
entre su nivel de sonido promedio y su máximo, y puede expresarse visualmente
por medio de formas de onda. Las grabaciones más altas, con niveles de sonido
promedio elevados, dejan menos espacio para tal variación que las más bajas.
Algunos fans se quejan de que "Death Magnetic" tiene un sonido
pobre, quebradizo, que es el resultado de los intentos en el estudio de la
banda para hacerlo sonar tan fuerte como sea posible. "Sónicamente es
apenas audible," se lee en la crítica de un fan en línea. Miles de ellos han
firmado una petición en línea instando a la banda a remezclar el álbum y
volverlo a lanzar.
Rick Rubin
Metallica y el productor del álbum, Rick Rubin, se negaron a comentar.
Cliff Burnstein, co-representante de Metallica, dice que los demandantes son
apenas
una minoría. Dice que el 98% de los escuchas son "abrumadoramente positivos,"
agregando: "Hay algo emocionante en el sonido de este disco al que la
gente está reaccionando."
Testigo Clave
Pero los críticos han reclutado sin querer a un testigo clave: Ted Jensen,
el "ingeniero de masterización" del álbum, la persona responsable de los
pequeños retoques sónicos que traduce la música hecha en un estudio en un
producto para la duplicación y reproducción masiva por los consumidores. En
respuesta al correo electrónico de un fan de Metallica sobre la intensidad,
Mr. Jensen envió una comprensiva respuesta que termina: "Créeme, no estoy
orgulloso de estar relacionado con esto." Este fan envió el mensaje a un
boletín de noticias de Metallica y enseguida captó la atención.
Mr. Jensen lamenta las palabras que usó pero no lo que piensa. "No
estoy seguro de que habría dicho exactamente lo mismo si lo hubiera enviado al
boletín de noticias," declara. Pero "sin ninguna duda es como me
siento al respecto."
La batalla tiene raíces en la época anterior a los discos compactos. Con los
discos de vinilo, "era imposible hacer que lo alto pasara más allá de cierto
punto," dice Bob Ludwig, un veterano ingeniero de masterización. Pero la
tecnología digital hizo posible comprimir todo el sonido dentro de un
reducido registro de alto volumen. Además, ahora la música con frecuencia se
optimiza para tocarla en los audífonos de relativamente baja fidelidad de
los iPods, reduciendo los estímulos para ofrecer un registro dinámico
amplio.
La guerra de la intensidad comenzó a calentarse aproximadamente en el
tiempo en que los CDs ganaron popularidad, a principios de los 1980s. "Appetite
for Destruction" de Guns N' Roses elevó las demandas en 1987, como lo hizo
en 1991 el "Black Album" de Metallica y después "Californication"de
los Red Hot Chili Peppers en 1999.
Menos que Escuchar
La música que se lanza hoy en día generalmente tiene un registro dinámico
de solamente un cuarto a un octavo de ancho del que tiene la música de los
1990s. Eso significa que si tocas un CD recién lanzado justo después de uno con
15 años de antig=FCedad, dejando el control de volumen en la misma posición, el
nuevo probablemente sonará de cuatro a ocho veces más fuerte. Muchos de los que
han seguido la controversia dicen que "Death Magnetic" tiene uno de
los registros dinámicos más limitados que haya habido en un álbum.
Los ingenieros de sonido dicen que los artistas que insisten en la
intensidad paradójicamente le dan a la gente menos que escuchar, porque
terminan borrando los matices y los detalles. Todo desde una guitarra rasgueada
suavemente hasta un tambor retumbante está igual de fuerte, llevando a lo que
alguien llama "fatiga auditiva." Si el escucha baja el volumen, la
música pierde todavía más empuje.
Pero muchos músicos, productores y ejecutivos de casas discográficas
"piensan que al tener un disco más ruidoso se va a traducir en mayores
ventas," dice Chris Athens, socio de negocios de Jensen y también ingeniero.
"Nadie en realidad quiere tener un disco que no suene tan fuerte como el de
todos los demás" en una lista de canciones de iTunes, añade.
Los ingenieros de sonido están atrapados en el fuego cruzado. "He
tenido montones de gente 96 quiero decir montones y montones de gente 96 que
tratan de llevar un disco a un lugar que creo no le corresponde," dice Athens.
"Tratamos de entregar algo que mitigue el daño que el cliente quiere. Doy
largas al asunto y les doy algo un poco más fuerte y un poco más fuerte."
Albumes de algunos de los nombres más grandes del rock, incluyendo al más
reciente de U2, Bruce Springsteen y Paul McCartney, han provocado críticas. El
año pasado los blogueros eligieron a Ludwig, el veterano ingeniero, por el
sonido de "Magic de Bruce Springsteen," del que algunos creen que suena
metálico y ruidoso.
Ludwig no discutiría las instrucciones que le han dado, pero dijo, "Bruce no
deja salir nada a menos que sea exactamente como él lo quiere." Springsteen
y su representante, Jon Landau, se negaron a comentar a través de un vocero.
En cuanto al ensordecedor "Death Magnetic," prendió en un fan como el
indicado para estos tiempos tumultuosos, gracias a canciones como "Broken,
Beat and Scarred" ("Quebrado, Molido y Cicatrizado") y "All Nightmare Long"
("Larga Pesadilla"), declara el co-representante de Metallica, Burnstein.
Dice que un banquero inversionista le envió un correo electrónico para
decirle que "el álbum y los títulos de las canciones se han convertido justo
en la banda sonora de Wall Street para el otoño del 2008."
Ethan Smith
(ethan.smith@wsj.com)
http://online.wsj.com/
Trad.: JPL/2008
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Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda <>
Asunto: Radiografía_del_Rock_Experimental_
Hola a todos
Les adjunto información sobre un nuevo libro que se va a publicar
próximamente.
Jose Manuel
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Sobre la publicación del libro "Radiografía del Rock Experimental 2. Del
underground artístico al progresivo innovador"
Muy buenas:
Os escribo pues el próximo día 30 de octubre, si no hay ningún retraso,
se editará finalmente el libro *?Radiografía del Rock Experimental 2.
Del underground artístico al progresivo innovador?*. Por ello me pongo
en contacto con vosotros para actualizar vuestras direcciones de correo
postal a las que queráis que os mandemos la copia promocional de la obra
para un futuro análisis o reseña en vuestros medios. A modo de ejercicio
de fidelización, nos estamos poniendo en contacto con todos aquellos que
apoyaron la primera parte y que publicaron algún texto referente a la
misma durante los últimos dos años. Si queréis más información sobre el
lanzamiento ya se puede encontrar en
http://www.castellarte.es/rock2.html. Nada más, un saludo y seguimos en
contacto.
Sergio Guillén Barrantes
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Autor: "Jose Luis Garcia Garcia" <GarGarJs@jcyl.es>
Asunto: Xystus - Equilibrio
XYSTUS: "Equilibrio" (2008)
Temas:
1. Ouverture (3:02)
2. My Song Of Creation (3:40)
3. Traveller's Theme (4:50)
4. Last Breath-Death Enters (4:57)
5. We Stand Divide (4:30)
6. The Conlict (6:33)
7. Questions Answered (5:27)
8. My Time Of Need (4:11)
9. Forever Bound (3:47)
10. The Message (6:15)
11. The Balance Restored (3:08)
12. God Of Symmetry (6:39)
Formación:
- Bas Dolmans / voces, guitarra
- Ivo van Dijk / batería
- Bob Wijtsma / guitarra
- Mark Brekelmans / bajo
- Joris van de Kerkhof / teclados
Músicos invitados:
- Orquesta Utrechtsch Studenten Concert
- Bas Dolmans (Diego)
- Simone Simons (Lady Sophia)
- Michelle Splietelhof (Aveline)
- John Vooijs (Primos)
- George Oosthoek (Death)
Xystus es una banda neerlandesa de metal progresivo a la que hasta la fecha
debíamos dos álbumes en estudio, Receiving Tomorrow (2004) y Surreal (2007) que
no me habían llamado especialmente la atención. Su último trabajo,
"Equilibrio", es bien diferente y sí merece una reseña.
Se trata de una ópera rock en el más pleno sentido del término, donde el
protagonismo absoluto lo acapara la joven orquesta holandesa Utrechtsch
Studenten Concert, sobre la cual -más un coro de 30 personas- se apoya
constantemente el grupo.
A destacar también las voces de los cantantes invitados, en especial la de la
vocalista de Epica, Simone Simons. La muy cuidada producción mezcla episodios
de metal progresivo con temas que no desentonarían en la banda sonora de alguna
superproducción americana.
"Equilibrio", disponible en CD, será dentro de unos meses también un DVD,
puesto que el espectáculo cuenta con su propia puesta en escena con vestuario,
efectos especiales y demás.
Tal es, en mi opinión, la mayor virtud de este trabajo: la efectividad teatral
de las sucesivas escenas y el despliegue de sentimientos y de épica que jalonan
la obra hasta su desenlace final.
"Equilibrio" (?por qué el título en español?) es, podríamos decir, la ópera
rock más interesante desde The Human Equation. Una muestra de cómo el Prog
Metal admite una interesante mezcla con el musical y con las bandas sonoras, y
una magnífica oportunidad para que incluso las personas más ajenas al género
puedan acercarse satisfactoriamente al mundo del metal progresivo.
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Autor: "Jose Luis Garcia Garcia" <GarGarJs@jcyl.es>
Asunto: Cynic - Traced in Air
CYNIC: "Traced in Air" (2008)
Temas:
1. Nunc Fluens (2:56)
2. The Space For This (5:46)
3. Evolutionary Sleeper (3:35)
4. Integral Birth (3:53)
5. The Unknown Guest (4:13)
6. Adam's Murmur (3:29)
7. King Of Those Who Know (6:09)
8. Nunc Stans (4:13)
Músicos:
- Paul Masvidal / Guitarra y voces
- Sean Reinert / Batería
- Sean Malone / Bajo, Chapman Stick
- Tymon Kruidenier / Guitarra, guturales
?Es posible capturar la eternidad en apenas media hora? Pues estos señores de
Cynic lo han conseguido, ensamblando para ello la más intensa experiencia
musical de los últimos tiempos.
Hace ya 15 años que Cynic sacaron al mercado su primer, y hasta Traced in Air
único, trabajo en estudio. Focus, se llamó. Tuvieron en él la osadía de
fusionar lo aparentemente infusionable: el death metal y el trash metal con el
jazz y la música electrónica. Ahí es nada. El resultado fue un álbum
oximorónico, de corte indudablemente progresivo, aunque en la rama más extrema
del abanico musical al que esta Caja de Música se abre. Bien hacía Juan
Mellado, en la reseña que en su día hizo de Focus, tanto en calificarlo como
"el más complejo álbum jamás realizado de fusión extrema del Metal Progresivo"
como en recomendar "abstenerse a los puristas". Focus era, en efecto, una
revolución en cuanto a concepto musical, pero no disimulaba su esencia de metal
extremo, con predominio de vocalizaciones guturales (si bien alternadas con
otra voz sintetizada) y una innegable base, aunque experimental, de death/trash
metal.
Pues bien: 15 años más tarde, Traced in Air se nos presenta como un esfuerzo al
menos tan complejo como Focus, pero mucho más disfrutable para los aficionados
menos acostumbrados al borde del precipicio musical. Este brevísimo conjunto de
canciones -menos de 35 minutos- solo puede ser calificado de genial. Y si hay
algún disco este año capaz de superarlo, a fe que la cosecha de este 2008 va a
ser recordada durante mucho, mucho tiempo.
El primero de los cambios introducidos por Cynic en este largo paréntesis de 15
años tiene que ver con la concepción de las voces. Los guturales, protagonistas
en Focus, pasan ahora, aunque frecuentes, a un segundo plano, utilizándose
fundamentalmente para acentuar los constantes cambios de intensidad e intención
que van produciéndose en el álbum. Por otro lado, aquella voz sintetizada de
entonces, que ante todo era extraña, ha pasado a convertirse en una voz
tratada, sí, pero limpia, bella y cargada, en infinidad de momentos, de
dulzura. Este nuevo estilo vocal es todo un acierto, cuya intención parece ser
ayudar a comprender la calidad de las composiciones de metal extremo, que
tantas veces resulta opacada por el rechazo que a mucha gente le provoca un
estilo vocal brutal y percusivo.
El segundo cambio fundamental radica en la arquitectura musical que Cynic nos
presenta. La fusión de estilos aparentemente opuestos en que consistía Focus se
ha convertido, en Traced in Air, en suntuosa integración dentro de un rock
progresivo moderno de enorme personalidad. Por dar una imagen absolutamente
subjetiva de a qué suena esto, es como si los Pain of Salvation de los primeros
discos se hubieran metido en el pellejo de los Porcupine Tree de los últimos y,
desde el cielo, los hubieran espolvoreado con dosis de metal extremo. Ahora
bien: el metal extremo más melódico que jamás haya sido grabado. Y es que
Traced in Air tiene estribillos increíblemente pegadizos.
Entre los muchos elementos que dan personalidad a este trabajo acaso merezca la
pena destacar la sabiduría de Cynic a la hora de insertar innumerables cambios
de tempo e instrumentación. Esto sitúa al escuchante ante un cuadro abigarrado,
lleno de contrastes, donde el aumento de intensidad en los momentos fuertes no
hace sino resaltar todavía más la belleza de las partes suaves (con su
correspondiente viceversa). Acaso sea este el secreto fundamental de la
genialidad que este álbum atesora, además, claro, de que todos los músicos
están a un nivel estratosférico (el batería, absolutamente increíble).
Imprescindible ver a estos monstruos en su gira con Opeth, que por cierto
recala en España entre el 29 de noviembre y el 2 de diciembre (en Bilbao,
Madrid y Barcelona).
-Nunc Fluens, "el ahora que fluye", el tiempo en su condición de plena
mutabilidad, abre este disco con un in crescendo de ritmos tribales y sonidos
extraños, cortándose en seco para recibir al primer temazo del álbum.
-Space For This comienza con una guitarra limpia y lenta, de aire
introspectivo, a la que enseguida se acoge, entre repiques de plato, el
dulcísimo canto de Masvidal. Luego la música cobra vigor, empiezan los
guturales, aunque más como adorno o acento que como verdadera voz cantante. Un
punteo muy painofsalvationiano, sobre un entramado complejo, da paso al mismo
motivo esbozado primero sobre sonidos bruscos (casi como mugidos de vaca) y
luego sobre guitarras limpias, consiguiendo así un efecto de gran expresividad.
A lo largo del tema se van sucediendo los picos emocionales, utilizando el
recurso de combinar, barajándolas entre sí, la voz gutural y la dulce.
Insuperable y deleitoso el trabajo del batería, Reinert.
-Si el segundo tema era bueno, el tercero, Evolutionary Sleeper, es una joya
comprimida en tres inolvidables minutos y medio de orgasmo auditivo. A él
contribuyen todos los ingredientes antedichos: sucesión constante de partes
suaves y fuertes, cautivadora melodía, virtuosismo instrumental... El último
eco del final te deja seco, con ganas de tres horas más. En este punto del
disco ya no hay retorno posible, estás capturado, rendido.
-Integral Birth repite aproximadamente la fórmula, destacando -por decir algo-
el punteo de guitarra y el brusco cambio, a la Opeth, hacia un motivo lentísimo
y extraordinariamente bello, para enseguida recuperar mordiente al máximo e
irse a un final en fade out.
-The Unknown Guest comienza, precisamente, con el fade in de una repetitiva
frase instrumental. Un ritmo profusamente entrecortado acompaña a entonaciones
melódicas, cualidad que se ve resaltada por el cambio a una instrumentación más
suave. El final se refuerza con coros y el apoyo de voces guturales, manejando
a su antojo los músicos la intensidad del tema. Tras un corte de sonidos
extraños llega un punteo compacto y tremendamente efectivo, y luego coros
hindúes repetidos en ciclos de guitarra. La progresiva mezcla de los diversos
motivos ya expuestos nos conduce hasta un desbordante final.
-Adam's Murmur es otro temazo de los de caerse de espaldas. De nuevo la mezcla
de tiempos medios y guitarras claras, con resultados muy melódicos; de nuevo
explosiones de intensidad acentuadas con voces guturales; un punteo bastante
jazzístico; momentos de infinita suavidad contrastados con repuntes metálicos
en una sucesiva y magistral superposición de ideas musicales.
-King Of Those Who Know es otro de los puntos culminantes del álbum. Aquí un
principio casi a lo Abba, con voces femeninas, muta en potentes guitarras y
breves interludios acústicos sobre una melodía pegadiza y crecientes detalles
al fondo. Los cambios de intensidad y acento son legión, se suceden sin dar
tiempo a contarlos, hasta arribar a un punteo jazzístico de tono optimista.
Tras el clímax van desapareciendo instrumentos poco a poco hasta quedar dos
guitarras acústicas, una, ninguna. Es el tema más largo del álbum (6:09), !pero
se hace tan corto!
-Nunc Stans. Si "el ahora que fluye" daba comienzo a este disco, su final es
"el ahora que permanece", la eternidad que subyace a los cambios. Después de
todo lo que llevamos escuchado (en tan poco tiempo), sorprende la audacia de
concluir este disco con un corte lento, casi ceremonial, un tema muy en la onda
del progresivo moderno y, eso sí, extraordinariamente acertado: a pesar del
bajón en el metrónomo, el disco no pierde en estas sus postrimerías ni un ápice
de intensidad. La melodía, la instrumentación y el misterio que desprende este
último track, de enorme fuerza contenida, se encargan de ello. Tras un final
jugando con el ritmo viene un golpe de gong y una última, única nota que se
estira en nuestros oídos hasta desaparecer, dejándonos con ganas de más,
colgados en esa eternidad conseguida en apenas media hora.
?Qué más decir? Traced in Air es abrumadoramente bueno (9'5/10). Y una vía de
acceso excelente para que los amantes del rock progresivo menos arriesgado
puedan saborear, aunque solo sea por una vez, las inusitadas delicias que
esconde el metal extremo.
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