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La caja de musica Number 0848
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #848 octubre 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* ISILDURS BANE 1984
* el 1ro. de Isildurs Bane
* CYNIC: "Traced in Air" (Otra opinion)
* Mi_música_se_escucha_muy_fuerte
* Neal Morse - Lifeline (2008)
* RE: Mi Musica Se Escucha Muy Fuerte!
* Arabiand Rock
* NOTICIAS GALADRIEL
* Concierto CosesNostres 2008 con ATILA
* Mar de Robles "MdR"
* MURPLE: "Quadri di un' Esposizione" (2008)
* Vuelve_SUPERSISTER 21
* Conciertos de Ahleuchatistas en España
* Automata
* Las Guerras del Ruido
* GOVEA
* PULSAR 1981
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ISILDURS BANE 1984
ISILDURS BANE: Sagan Om Den Irländska Älgen (1984)
Temas
1. Overtyr (5:10)
2. Saga Eller Verklighet (4:45)
3. Ove P. (3:55)
4. Sex Minuter (4:05)
5. En Vilja Att Leva (5:30)
6. Evighetens Visdom (5:00)
7. Marlboro Blues (4:20)
8. Fredrik (4:10)
Integrantes
- Mats Johansson: teclados, voz
- Mats Nilsson: guitarras, voz
- Jan Severinsson: flautas, vibráfono, glockenspiel, sintetizador
- Kjell Severinsson: batería, percusión, vibráfono, xilófono
- Bengt Johansson: saxo, percusión
- Ingvar Johansson: bajo
Colaboradora Anneli Nilsson (coros)
Sagan Om Den Irlåndska Ålgen es el Segundo trabajo fonográfico de Isildurs
Bane y el primero en ser editado en vinilo, pues la primera grabación formal de
la banda, Sagan Om Ringen, solo se benefició originalmente del formato de
cassette en 1981 (reeditado después en 1988, ahora sí en vinilo). ?Qué hallamos
en este segundo álbum? mayormente, una continuación del sinfonismo
definidamente melódico alternado con piezas pastorales que ya se había
trabajado en el debut, pero esta vez con una sonoridad más llena y más fuerte.
Ello se debe en no poca medida a la mayor presencia de teclados a lo largo del
disco, lo cual a su vez es resultado de la mayor responsabilidad que asume Mats
Johansson en los aportes compositivos.
El hermoso tema de apertura Overtyr comienza con un solemne (aunque demasiado
breve) preludio etéreo, el cual al poco rato deja paso al cuerpo central, el
mismo que proyecta una deliciosa amalgama entre la vibración melódica de Camel
y el dinamismo de Atlas, además de algunos adornos efectivos a lo Gentle Giant.
Los ágiles fraseos de Nilsson y la robustez de la dupla rítmica son los dos
factores que más sobresalen. Saga Eller Verklinger es una serenata bucólica
que comienza girando en torno al dueto de guitarra acústica y flauta (a lo
Anthony Phillips con Mike Oldfield), para luego sacar a colación unos aires
folclóricos que van instalando el cuerpo principal. Ove P. instala un retorno
al ámbito sinfónico, sonando como un combo de músicos de Camel y Craft,
acompañados de Wakeman. Sex Minuter brinda una vía intermedia entre el
jazz-prog melódico a lo Maneige y el sinfonismo más típicamente cálido,
anticipándonos así un tercio de los elementos sonoros que se harán
predominantes en los siguientes dos discos. Con En Vilja Art Leva, la banda
nos devuelve al sendero bucólico del cual tanto gusta el guitarrista Nilsson a
la hora de componer: hay un aire de trovador imperante en la primera mitad de
esta pieza (combinando el estándar del folk-pop con ambientes renacentistas),
mientras que la segunda vira hacia un desarrollo sinfónico con matices
jazzeados suaves. El final se conecta directamente con Evighetens Visdom, el
cual recapitula ambientes y atmósferas de los temas 3 y 4. Marlboro Blues no
es literalmente un blues, sino un tema de corte jazz melódico a medio camino
entre el prototipo de Spyro Gyra y el Weather Report de los primeros 80s. Si
Sex Minuter había anticipado algunos elementos a ser explorados con mayor
furición en Sea Reflections y Eight Moments of Eternity, Marlboro Blues
ya es casi una declaración de los principios que habrán de ser instaurados a la
vuelta de la esquina, por así decirlo. La presencia destacada del saxofonista
Bengst Johansson resulta innegablemente vital para el ambiente general de la
pieza. Una mención especial debe ir para el solo de sintetizador a cargo de
Matt, tal vez demasiado corto, pero no me cabe duda en lo personal de que se
trata de su mejor solo en todo el disco. El tema de cierre Fredrik también
tiene un sabor jazzero, pero su ritmo lento permite al ensamble elaborar
cálidas atmósferas en las cuales se desarrolla un rol importante para lo
sinfónico.
En líneas generales, Sagan Om Den Irlåndska Ålgen es un sólido trabajo de
rock sinfónico de los 80s. Claro que estamos aún lejos del despliegue de
riqueza sonora que se plasmará en Cheval años más tarde, así como de la
apoteosis primera del grupo que es The Voyage, pero definitivamente este
disco cuenta con méritos propios como para ser valorado de manera positiva
dentro del gran repertorio que Isildurs Bane ha creado desde hace ya más de un
cuarto de siglo.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de Isildurs Bane
ISILDURS BANE: Saga Om Ringen (1981)
Temas
1. Overtyr (2:40)
2. Vandring (5:00)
3. Gamla Skogen (3:40)
4. Tom Bombadill (4:23)
5. Vidstige (3:03)
6. De Svarta Ryttarna (3:20)
7. Vattnadal (1:25)
8. Moria (1:55)
9. Sällskapets Upplösning (4:00)
10. Ringarnas Härskare I (2:35)
11. Ringarnas Härskare II (1:50)
Integrantes
- Mats Johansson: teclados, voz
- Mats Nilsson: guitarras, voz
- Jan Severinsson: flautas, percusión tonal, sintetizador
- Kjell Severinsson: batería, percusión, voz en 8
- Fredrik Janacek: bajo (3, 6, 11)
- Ingvar Johansson: bajo (2, 4, 5, 9), sintetizador (1)
Colaboradores Bengt Johansson (percusión en 8), Johann Holmberg (cucú en 3)
Originalmente editado solamente en cassette en 1981, Saga Om Ringen es el
disco debut de Isildurs Bane, banda sueca que con el paso de los años se ha ido
afianzando a paso firme y con una convicción férrea como una de las presencias
escandinavas más majestuosas de los últimos 16 años. Mientras tanto, lo que
tenemos aquí es un álbum interesante donde predomina un sinfonismo de peso
ligero, alternado a veces con piezas de corte bucólico, y alimentado
ocasionalmente con vibraciones y cadencias de inspiración jazzera. Primeros
pasos de una banda que ya se hace sospechar como genial. Esta ópera prima logró
en 1988 el beneficio de su primera edición en vinilo, siendo así que más de la
mitad del material estuvo grabado de nuevo.
Al igual que con el segundo disco, Overtyr es el título tan explícito del
tema de entrada esta obertura contiene una ambientación amable muy a lo
Camel, elaborando un crescendo bien sostenido, nunca llegando a un desborde ni
nada parecido. Vandring sigue a continuación con aires bucólicos altamente
folclóricos, asumidos con una estilización refinada y una agilidad efectiva:
suena a una cruza entre Mike Oldfield, Fruupp y Ragnarök, siendo así que hay un
pasaje intermedio donde aumenta el aire festivo al modo de un Jethro Tull de la
etapa 77-79. El siguiente tema persiste en lo bucólico, aunque esta vez con un
tenor contemplativo que remite a una serenidad envolvente, al menos hasta que
entran los retazos sostenidos de guitarra eléctrica y las cortinas de
sintetizadores, con los cuales la pieza adquiere momentáneos matices
cuasi-espaciales. También cabe mencionar el fabuloso solo de bajo que emerge
cerca del final. Tom Bombadill tiene un colorido juguetón que suena a un
híbrido entre el mejor Camel de los últimos 70s y la alegría sofisticada de un
Maneige. El ritmo veloz de la base rítmica ayuda a conservar la frescura de
manera persistente. Vidstige coquetea con el jazz-pop aunque sin salirse
realmente del patrón sinfónico. De Svarta Ryttarna emana un colorido vigoroso
que nos puede evocar a una mezcla del Wakeman y el Hackett solistas, con cierta
cadencia insólitamente confluente con Dixie Dregs. Vattnadal nos ofrece un
registro muy distinto de corte pastoral, conformando un hermoso dueto de
guitarras acústicas, antes de que Moria exhiba un duelo percusivo intenso y
fuertemente sincopado, al modo de una celebración ritual. Sällskapets
Upplösning ofrece los que tal vez sean los momentos más contundentemente
líricos del álbum volviendo a la usanza cameliana con cadencias extra de
raigambre jazzera, la pieza fluye cómodamente a través de los ligeros
desarrollos por los que pasa el motivo central. Es una pena que no dure más de
4 minutos, pues me parece que el atractivo inherente al esquema compositivo
daba para un desarrollo más expansivo. El penúltimo tema tiene un aire
ceremonioso, como si estuviese ambientado en un momento particularmente solemne
en una fiesta palaciega, aterrizando en el último tema, un epílogo lento de
típico sabor sinfónico. Me pregunto por qué se dividen en partes I y II si la
ilación es tan compacta.
En fin, Sagan Om Ringen es un digno debut de Isildurs Bane: a pesar de que su
estilo está a años luz de la actitud osadamente clasicista y ecléctica que el
grupo cultivará con fruición desde inicios de los 90s, esta obra tiene
cualidades musicales atractivas. Vale como un momento prehistórico que no da
motivo alguno de vergüenza, por así decirlo.
César Mendoza
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Autor: Marcelo V <marceplus@hotmail.com>
Asunto: CYNIC: "Traced in Air" (Otra opinion)
CYNIC: "Traced in Air"
A pesar de que no simpatizo con la musica metalica (salvo contadisimas y muy
puntuales excepciones), me decidi a escuchar el disco de Cynic entusiasmado por
los multiples elogios de Jose Luis Garcia en el numero 847.
Bueno, gustos son gustos y me permito disentir: me parece que no estaria mal de
mi parte advertir a buena parte de la audiencia progresiva que -desde este
particular punto de vista- "Traced in Air" es musica metalera, estridente,
ruidosa, con poquisima (casi ninguna) conexion con lo que tradicionalmente
conocemos como rock progresivo. No se si este sea un album de death metal,
trash metal, black metal o vaya uno a saber cuantas otras variantes haya, pero
que de progresivo tiene poco y nada, seguro (cambios de tiempo abruptos, si,
pero en cuantos otros generos tambien los hay?). Por ahi el primer tema y el
ultimo estan algo mas cercanos al RPS moderno, y algunos pasajes (infimos por
cierto) deleitan con alguna guitarra clara y melodica, pero en general se trata
de un compendio de metal extremo, a veces hasta rayano en lo brutal. Ah, eso
si, los musicos son muy competentes y el baterista parece tener una energia
ilimitada.
Esta bien, yo soy un tradicionalista que no acepta que todos los caminos del
progresivo actual conduzcan a Dream Theater o a Porcupine Tree, pero insisto
con mi trillado concepto de siempre: no es justo llamar "progresiva" a toda
expresion que se aparte un poquito de lo convencional (si hay cambios de ritmo,
si abunda el mid-tempo, si la tecnica de los musicos es brillante, si
interviene una orquesta, etc etc), porque entonces, por el absurdo,
terminaremos englobando dentro del genero a una gama amplisima que podria
incluir tanto a Metallica como al gran Nano Serrat.
En fin, perdoname, Jose Luis, pero la unica inusitada delicia que esconde para
mi el metal extremo es el alivio que sienten mis pobres oidos cuando acaba el
disco. Y lo de Cynic no fue la excepcion.
marceplus@hotmail.com
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Autor: "Gerardo Cubos" <geceomx@gmail.com>
Asunto: Mi_música_se_escucha_muy_fuerte
Es realmente interesante el artículo que reproduce Jorge Padilla, ya que
toca uno de los aspectos destacados de la actual música producida por medios
electrónicos: el exceso de trabajo de estudio, llámese remasterización,
digitalización, compresión o como quiera decírsele, está matando la
naturalidad de la música. Y este fenómeno no es verdaderamente novedoso, ya
que, como bien sabemos, a lo largo de la historia del rock muchos grupos han
transigido en modificar su sonido en aras de lo que los productores
"sugieren" para que los discos se vendan.
En la actualidad, como bien lo menciona el artículo de referencia, se ha
llegado a un abuso exagerado que nos ha orillado a muchos a pensar dos veces
si compramos un disco compacto. A mí me pasó con el "Magic" de Springsteen,
el cual verdaderamente se me hizo ruidoso para los parámetros musicales a
los que nos tiene acostumbrados el Jefe. El multicitado artículo tiene
razón: la homogenización sonora de la música se traduce en pérdida de los
matices, de los acordes e incluso del volumen adecuado en que debe sonar una
nota para generar un estado de ánimo en quien la escucha.
Además, el fenómeno de la "fatiga auditiva" es real. ?Acaso alguien había
oído hablar de ella en la era de los discos de vinilo o de los cassettes? A
principios de los 90 yo tenía un excelente equipo de sonido marca Sony, con
una buena tornamesa, que disfrutaba mucho. Cuando me compré un reproductor
de discos compactos, con los CD's inexplicablemente comencé a "aguantar"
menos tiempo en mis sesiones de escucha musicales, ya que me comenzaba a
invadir una sensación de desasosiego e incomodidad que nunca había sentido.
Era la famosa "fatiga auditiva", de la que todavía no se hablaba.
Ciertamente en esta época de increíbles avances tecnológicos todos podemos
tener acceso a nuestra música preferida en cualquier lugar y momento, pero
el precio ha sido quizá demasiado alto: se está perdiendo la calidad de la
reproducción y, con ello, la capacidad "auditiva" de las personas. Recuerdo
que en los inicios del MP3 la calidad de compresión era restringida y la
música se oía como metida dentro de una caja, retumbante y sin matices.
Ahora el MP3 también ha avanzado y ya nos ofrece diversos rangos de
compresión que hacen sonar un poco mejor la música, algunos dicen que
incluso con calidad de CD.
Es verdaderamente preocupante que a la compresión musical se conjugue ahora
una producción que también sacrifica el rango dinámico de la música en aras
de lograr discos "espectacularmente" sonoros.Volviendo a Springsteen, por
ejemplo, yo tengo el vinilo de "Born in the USA" y luego adquirí el CD de
este disco, y nunca ha podido escuchar el CD completo porque me parece
excesivamente "brillante", metálico y hasta ruidoso, lo que no me pasa con
el LP.
En fin, yo también uso iPod, pero en cuanto puedo trato de escuchar mi
estéreo doméstico con LP'S, o ya de pérdida con CD's, lo cual me proporciona
mayor satisfacción como escucha.
Supongo, finalmente, que todo esto constituye un fenómeno social
irreversible, que la música digital reproducida en miniaparatos será el
formato dominante para escuchar música, que los productores seguirán
dictando las pautas sobre cómo hacer música (de acuerdo a las nece$$idade$$
del mercado, claro) y que muchos grupos preferirán ser famosos y ricos en
vez de generar una propuesta musical original y creativa. Qué bueno que yo
tengo una buena provisión de LP's y que, como sea, todavía se siguen
fabricando tornamesas de excelente calidad para escuchar los vinilos. Lo
único trágico es cada vez que se reproducen, los vinilos pierden un poco más
de vida.
Saludos a todos los cajeros y perdón por estas disquisiciones de un
cincuentón -amante del rock y del progresivo- preocupado porque cada vez es
más difícil escuchar la música con buena calidad sonora, pese a que muchos
opinen que los medios digitales son el non plus ultra para escucharla.
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Autor: Portal Esquizofrenia <portalesquizofrenia@yahoo.es>
Asunto: Neal Morse - Lifeline (2008)
Neal Morse - Lifeline (1 octubre 2008)
Radiant Records/SPV
1. Lifeline
2. The Way Home
3. Leviathan
4. God's Love
5. Children of the Chosen
6. So Many Roads
I. So Many Roads
II. Star for a Day
III. The Humdrum Life
IV. All the Way to the Grave
V. The Eyes of the Saviour
VI. So Many Roads Reprise
7. Fly High
Duracion total: 69'35
Musicos:
- Neal Morse: Teclados, guitarras y voz
- Mike Portnoy: Bateria
- Randy George: Bajo
Invitados:
- Paul Gilbert: Guitarra en 'Crazy Horses', del CD Bonus
- Paul Bielatowicz: Guitarra en 'Fly High' y en 'Lemons Never Forget' (CD
Bonus)
- Collin Leijenaar: Bateria en 'Set the Kingdom' (CD Bonus)
- Carl Groves: Coros en 'Lifeline', 'The Way Home', 'Children of the Chosen'
y 'So Many Roads'
- Jonathan Willis: Cuerda en 'The Way Home', 'Eyes of the Saviour' y 'Fly
High'
- Jim Hoke: Saxo en 'Leviathan'y 'The Humdrum Life'
- Ivory Leonard y Danielle Spencer: Coros en 'So Many Roads'
No han pasado todavia ni cuatro meses desde que presentaba su flamante nuevo
DVD, cuando Neal Morse regresa a la actualidad discografica con una nueva
obra bajo el brazo, y en esta ocasion, de nuevo con Mike Portnoy y Randy
George como companeros. Parece ser que la cabeza de este hombre es un volcan
de ideas, en constante erupcion, y que no puede reprimir.
Podeis leer la critica en nuestro http://www.portalesquizofrenia.com, un
saludo
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Autor: "Raul Bonilla" <RBonilla@hutchingsap.com>
Asunto: RE: Mi Musica Se Escucha Muy Fuerte!
Estimados Cajeras y Cajeros
Interesante artículo de Jorge Padilla acerca de la "guerra del ruido" en la que
parece que las compañías disqueras se han enfrascado desde hace unos años para
acá. Aunque no he tenido la oportunidad de oír el nuevo CD de Metallica no
puedo evitar recordar lo que se dijo (y se sigue diciendo) del Vapor Trails de
Rush lanzado hace 6 años.
La calidad sonora del mismo es tan pobre y tan estridente que nunca he podido
escucharlo de corrido...y créanme que es una lástima, porque cuando le pones
atención y tratas de atravesar todo el ruido se encuentra lo que es un buen
trabajo arruinado por el pésimo sonido.
Tampoco puedo evitar recordar en estos momentos a unos de los pocos artistas
que no se han sumado a esta tendencia y cuyos álbumes suenan frescos,
nítidos...Steven Wilson. Las remasterizaciones de los discos de Porcupine Tree
son una bienvenida excepción dentro de los cánones modernos. Y los últimos
trabajos del grupo se pueden escuchar sin sufrir del cansancio auditivo de
otros trabajos.
Ya por ahí leí que en el 2009 se va a re-editar el catálogo de los Beatles para
reemplazar la "pobre calidad de sonido" de las ediciones de 1987.
No se si será que no tengo oído ni para tocar a la puerta...pero no le veo nada
de malo a esos CD. En todo caso ya estoy consiguiendo los que me hacen falta.
No sea que la guerra del ruido enliste a los Cuatro Grandes.
Saludos desde Costa Rica,
Raúl Bonilla
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Autor: Rafael_Tardío_Zuasti <rafatardio@hotmail.com>
Asunto: Arabiand Rock
Queridos amigos de la Caja de Música.
Es un placer ponernos en contacto con vosotros para informaros que ha surgido
una Asociación Cultural llamada ARABIAND ROCK. Se trata un colectivo formado
por personas de distintos puntos de Andalucía, todos amantes de nuestra música
y coleccionistas de toda la vida.
En nuestro afán de investigar en las músicas de Andalucía y fomentar el
movimiento, hemos aunado fuerzas con la intención de apoyar a los grupos de
rock andaluz y progresivo en general, tanto a los legendario que siguen o han
vuelto a reunirse ahora, como a los que surgen nuevos y con mucha ilusión.
Nuestra intención es hacer homenajes a los que han hecho algo por la música en
Andalucía, conciertos, ediciones de libros, compactos, exposiciones y un sin
fin de actividades que puedan enriquecer el panorama.
ARABIAND ROCK lleva ya varios meses visitando a esos músicos consagrados,
algunos de los cuales desaparecieron hace mucho tiempo. Estamos desempolvando
de las cenizas trabajos inéditos y muchas cosas que no llegaron a ver la luz.
El trabajo es duro, pero ilusionante y apasionante a la vez. Nos gustaría
contar con el apoyo de todos vosotros. Estamos naciendo ahora, pero creceremos
y nuestra actividad cogerá rítmo y repercusión. De hecho el nuevo disco de
Alameda "Calle Arriba" lleva nuestra colaboración con fotos y promoción.
Si queréis contactar con nosotros nos tenéis en www.myspace.com/arabiand o en
el correo arabiand_rock_live@hotmail.com Será estupendo contar con vuestra
amistad y apoyo. Seguro que, entre todos, animamos el ambiente musical de
nuestro país. Muchas gracias por vuestro interes.Un fuerte abrazo en nombre de
todos los Arabiand.
Rafa Tardío.-
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Autor:
Asunto: NOTICIAS GALADRIEL
Hola a todos.
Os adjunto un mensaje acerca del largamente esperado nuevo disco de la
banda española Galadriel.
Un saludo
Jose Manuel
------------------
Estimados amigos,
Queremos anunciaros que el próximo mes de diciembre el sello MUSEA,
especializado en Rock Progresivo, pondrÃ! a la venta nuestro nuevo
trabajo âCalibrated Collision Courseâ. Adjuntamos flyer promocional de
este Ã!lbum y aprovechamos la ocasión para retomar el contacto con todos
vosotros.
Os mantendremos informados acerca de las fechas de las actuaciones en
directo del grupo Galadriel para la promoción de este disco durante el
año 2009.
Recibid un cordial saludo,
GALADRIEL.
www.galadrielmusic.com
myspace : http://www.myspace.com/galadrielband
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Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda
Asunto: Concierto CosesNostres 2008 con ATILA
VI Festa de CosesNostres 2008
Sábado 8 de Noviembre 2008 en la sala LA NAU
Carrer d'Àlaba 30 de Poble Nou (cerquita de la salida 22 de Marina de
Ronda Litoral y del metro Bogatell)
Entrada 15 (incluye consumición)
Precio especial para las parejas de CosesNostres:
25 incluye consumición pero debeis informarme via email
progjuan@hotmail.com para poneros en la lista en taquilla. (Este año
libramos...)
Horarios
20:00H Discurso comico Festivo
20:30H L'Herba d'Hamelí
21:30H Entrega de premios
22:00H ATILA
ATILA
Por donde pasa no vuelve a crecer la hierba... una banda icono del rock
català que en 1975 fue declarado mejor grupo en directo y Eduardo Niebla
como séptimo mejor guitarrista español, ese mismo año actuaron en el
Festival Canet Rock siendo declarados 'Atila lo mejor del Canet Festival'
http://www.myspace.com/atilaprog
Un vídeo reciente de ellos
http://es.youtube.com/watch?v=I4BVfGoF6VM
Antes de Atila actuaran a las 20:30h los jóvenes barceloneses L'Herba
d'Hameli, grupo de rock progresivo que tiene como principales
influencias a Jethro Tull, King Crimson, Camel o Frank Zappa.
www.myspace.com/herbahameli
?Os lo vais a perder?
Mas información:
http://tot-catalunya.com/cosesnostres.htm
Gracias
salu2
juan
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Mar de Robles "MdR"
MAR DE ROBLES: MdR (2003)
Temas
1. Introducción al Universo Conocido (1:02)
2. Involución (7:35)
3. Nómades (8:38)
4. Tantic (7:34)
5. Milodón (6:10)
6. Aire Chileno (8:58)
7. El Flecha (5:12)
8. V/S (7:16)
Integrantes
- Cristian Larrondo: bajos, coros
- Ignacio Larrondo: percusión
- Rodrigo Moris: guitarras, coros
- Víctor Muñoz: batería
- Julio Tobar: voz, flauta, saxo tenor
Mar de Robles es ciertamente una de las bandas más notables surgidas dentro de
la escena progresiva chilena actual. En estos tiempos, la banda está celebrando
su décimo aniversario de formación, y parece un buen momento para revisar el
legado de su disco debut MdR, lanzado al mercado en 2003. Su estilo se funda
en un rico y pulcro contraste entre la agresividad rockera crimsonianamente
demencial por un lado, y las finas y sensuales texturas del jazz-fusión y el
folklore acústico (herencias de Ergo Sum y Congreso), por el otro: ello se
refleja en un contraste que es manejado con impecable solvencia y genuina
sensibilidad por los cinco miembros del ensamble instrumental. Los niveles de
destreza y naturalidad con que pasan de los registros potentes a otros más
serenos son sencillamente increíbles, amén de sumamente efectivos a la hora de
realzar la fuerza expresiva de los temas. El hecho de que se trata de un disco
conceptual ayuda a transmitir al oyente esa fuerza emotiva de manera
coherente. El concepto en cuestión es la historia de Tantic, un ser que busca
trascender a las limitaciones de su entorno urbano hasta llegar al
descubrimiento de la fortaleza de nuestras tradiciones y lo grandioso de
nuestra Naturaleza. Este esfuerzo por trascender encuentra en el repertorio un
correlato perfecto, debido a que la confluencia de lo agresivo y lo sutil es la
marca musical de Mar de Robles. Remarco lo de confluencia, pues anteriormente
mencioné lo del contraste, lo cual no se ajusta exactamente a la pauta
mayoritaria de MdR. En realidad, la confluencia es lo que más se da en el
repertorio de este disco, especialmente en los numerosos pasajes donde se da
cabida una comunión literalmente tribal entre los cinco músicos: secuencias
rítmicas marcadas al alimón por el baterista y el percusionista, para así
alcanzar climas sonoros exaltados, pletóricos de contacto telúrico y pura
potencia rockera. La fusión entre la furia urbana del rock y las ricas
cadencias de sabor étnico es la esencia del estilo de Mar de Robles. La
guitarra eléctrica muestra en sus riffs, rasgueos y solos una vibración
crimsoniana inocultable, mientras que la acústica es aprovechada para manejar
climas más intimistas. Ciertamente, el guitarrista cuenta con el bajista como
cómplice perfecto, pues éste no se limita a completar la tríada rítmica, sino
que además usa florituras y ocasionales fraseos para enfatizar exitosamente el
lado eléctrico de la banda. Por su parte, el vientista se adueña del
protagonismo en cada una de sus intervenciones gracias a su hábil versatilidad,
sabiendo manejarse con igual soltura en los pasajes rockeros, étnicos y
jazzeros.
La pieza introductoria del disco consiste en samplers de secuencias
informativas sobre los acontecimientos bélicos que tuvieron lugar en el Asia
Central en tiempos recientes. Esto da pie a la explosión inicial de
Involución, que a golpe de potencia engancha al oyente de inmediato. Pero es
recién a partir de Nómades donde el estilo variopinto de Mar de Robles se
muestra desnuda y claramente: los pasajes acústicos portan un cierto predominio
de lo etéreo, mientras que las secciones más potentes se abordan con una
administración bien focalizada de la polenta. Tantic sigue a continuación,
reflejando la faceta más frontalmente frenética de la banda con una parcial
reiteración de su faceta más envolvente: el grupo logra plasmar una excitante
confluencia de progresivo psicodélico heavy y fusión, con una flauta que se
siente increíblemente cómoda enarbolando sus bucólicas florituras entre los
constantes retazos y solos de guitarra, mientras que los demás instrumentos
asientan fehacientemente los complejos desarrollos rítmicos. Milodón y Aire
Chileno siguen por la línea común del repertorio, aunque se nota un incremento
del factor jazz especialmente, en el segundo de los temas mencionados. Aire
Chileno tiene como letra una cantata humanista que primero se emite durante la
sección eléctrica inicial, para más tarde reiterarse en la coda, conmovedora en
su alegría lúdica. Los dos instrumentales El Flecha y V/S completan el
esquema sonoro del disco: El Flecha tiene un flujo psicodélico llamativo y
juguetón, emparentado con Ergo Sum y tal vez también con Akinetón Retard; V/S
nos devuelve a la faceta más explícitamente electrizante de la banda, semejante
en muchos sentidos a Tantic, con juegos de variantes semejantes a los de
Nómades. El nivel del CD es bastante parejo, pero puestos a elegir favoritos
personales, me quedo con Nómades, Tantic, Milodón y Aire Chileno.
MdR es, en conclusión, una muestra estupenda de rock progresivo ingenioso,
rico en colorido, y rebosante de fuerza: no es de extrañar que un grupo
pletórico de creatividad y punche como Mar de Robles fuera capaz unos años más
tarde de crear una obra tan magistral como Indígena, pero ése es asunto de
otra reseña. Aquí nos conformaremos con señalar a MdR como
Cesar Mendoza
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Autor: Marcelo V <marceplus@hotmail.com>
Asunto: MURPLE: "Quadri di un' Esposizione" (2008)
MURPLE: "Quadri di un' Esposizione" (2008)
Y despues de 34 años regreso el pinguinito Murple.
La musica de "Quadri di un 92 Esposizione", si bien inspirada en la monumental
obra de Mussorgsky, nada tiene que ver con aquel disco de ELP. Se trata de rock
progresivo al mas puro estilo italiano, con muchos toques clasicos, bellisimas
melodias y sorpresas por aqui y por alla.
Me gustaron mucho los teclados y los momentos epicos y corales, sobre todo
cuando aparecen inesperadamente. No me parecio buena la bateria, que suena un
poco plana y sin emocion y -en algun que otro momento- hasta algo pop.
El disco es corto (dura poco mas de media hora) y en su mayor parte
instrumental. Es dificil destacar un corte en particular porque todos son
realmente buenos, sin rellenos (como deberia ser norma), pero una mencion
aparte para el "flamenco soft" de "Tuilleries" y el simpatico "Baba Yoga".
Creo que no es valido comparar este trabajo con el fabuloso "Io Sono Murple" de
1974: no todos los miembros originales estan presentes y el tiempo no pasa
porque si, pero -a lo largo de todos los temas- Murple ha tratado de mantener
el espiritu de su album debut y por momentos lo ha logrado, si bien las
composiciones son mas sencillas y directas.
En suma, "Quadri..." no sera una obra maestra pero si es un lindisimo disco que
marca el digno retorno de una banda que guarda en su historial el haber
compuesto una de las obras cumbre del prog italiano. Dentro del panorama de
mediocridad general en el que esta sumergido el RPS desde hace tiempo, una
vitamina y -para mi gusto- el gran candidato a mejor album del año.
marceplus@hotmail.com
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Vuelve_SUPERSISTER 21
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
SUPERSISTER, una de las indiscutibles bandas pioneras del movimiento progresivo
holandés, volverá a los escenarios so pretexto de su participación en el
NEARfest 2009.
Justamente en este evento el grupo piensa realizar su concierto de reunión para
celebrar el 40mo. Aniversario de su fundación. Habiendo comenzado en 1968 bajo
el nombre de Sweet Ok Sister, el grupo pronto cambió de nombre a Supersister
tras la partida del miembro que se encargaba de la voz solista. Con un sonido
muy influido por el Canterbury (especialmente Soft Machine) y la psicodelia
primigenia reinante por aquel entonces en la vanguardia rockera, incorporando
además un sarcasmo juguetón a lo Zappa y elementos frívolos del pop, el grupo
gestó obras musicales geniales tales como "Present from Nancy", "To the Highest
Bidder", "Pudding En Gisteren" e "Iskander". La formación clásica incluyó a
Robert Jan Stips (teclados, vibráfono, voz), Ron van Eck (bajo, guitarra,
coros), Marco Vrolijk (batería, percusión) y el ya fallecido Sacha van Geest
(flautas, coros). Los tres primeros mencionados contarán con un nuevo flautista
para completar el cuadro sonoro básico de Supersister. Recientemente, el
clásico single de Supersister "She Was Naked" apareció en le biopic sobre el
grupo Joy Division "Control". Imaginemos este cuadro: un grupo progresivo
aparece en una película sobre un grupo pionero de la onda post-punk.
Bueno, !!que todo vaya bien para SUPERSISTER en su presentación en el NEARfest
'09!!
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda <>
Asunto: Conciertos de Ahleuchatistas en España
Hola a todos
Según cosnta en la información oficial de su discográfica, los
norteamericanos Ahleuchatistas estarán tocando en España en el mes de
noviembre los siguientes conciertos:
27/11: C.S.A. Arrebato - Zaragoza
28/11: Sirocco Club - Madrid
29/11: The Rincon Pio Sound - Don Benito (Badajoz)
Saludos!
Jose Manuel
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Automata
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente anuncio el próximo evento musical del grupo chileno de prog
metal AUTÓMATA.
Jueves 11 de diciembre
House Rock & Blues
c/ República de Israel, 960
Santiago (Chile)
Palabras de Santiago Lekanda, uno de los guitarristas del grupo:
!!Hola!!
Los invitamos a acompañarnos el jueves 11 de diciembre. Adelantaremos varios
temas de nuestro nuevo disco, junto con presentarles la nueva formación de la
banda luego de la inclusión de nada menos que
!!Jaime Acuña en los teclados!!
Mientras tanto, aquí está el enlace de un vídeo de la banda (aún con su formato
de power trío): http://www.youtube.com/watch?v=eSQABi9UvE0
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Las Guerras del Ruido
Continuando con el tema de la compresión sonora de
la amplitud de onda en las grabaciones musicales actuales (Por cierto, gracias
a José Manuel por la aclaración, el caso es que no se trata de la compresión
digital de un archivo de música sino de la compresión de la forma de onda de la
música misma.), en el siguiente texto integrado se suman las opiniones de
varios melómanos progresivos, algunos de ellos músicos. Lo cual resulta de
mucha utilidad de una u otra manera para formar, mejorar o ampliar nuestra
propia opinión al respecto.
El tema
de la masterización alta y compresión excesiva lleva ya 4 años discutiéndose, y
en algunos sitios es un asunto recurrente semana tras semana. Muchas personas
creen que se podría convertir en un problema que puede hacer que la música
suene horrible. Otros piensan que quienes mencionan este tema sólo lo hacen
para darse importancia, parecer interesantes o pasar como un sabelotodo muy
"cool", lo cual puede sonar ridículo.
Como sea, a los seguidores del Prog no parece
importarles mucho el tema, a pesar de su gusto por la dinámica y la complejidad
del género, algo que sería muy útil para detectar CDs con este problema.
Sorprendentemente la reacción de algunos seguidores llega hasta el grado de
sentirse ofendidos y defienden a capa y espada sus CDs remasterizados que han
sido cuestionados en cuanto a la calidad sonora y compresión excesiva. Los fans
con buen oído y verdaderamente apasionados, odian lo que se le está haciendo a
la música con el software de compresión y arguyen que es perjudicial en un 95%
(lo cual podría parecer muy exagerado a los oídos de cualquier aficionado
promedio), haciéndola sonar forzada, como el sonido de un viejo teclado Yamaha
DX7 de hace 25 años.
A condición de corroborarlo con una encuesta, se podría decir que sólo a un
25% de los seguidores progresivos les interesa este asunto, a un 25% les
interesa pero está tan acostumbrados a digerir cualquier cosa etiquetada como
"remasterizado"que no sabe qué hacer o como dejar de comprar lo que le revenden
como "mejor"y optar por investigar o informarseB3B a otro 25% no le importa en
absoluto y al 25% restante de hecho le gusta el sonido de la música que escucha
dentro la compresión.
Del fenómeno de la 91remasterización digital 92, la
compresión ahora ha pasado a ser de uso común en la masterización (o al
remezclado de discos) para hacer que los discos suenen fuerte a bajo volumen.
A todo esto, no se trata de aplicar una condena general a la compresión
musical sino al abuso de ella. Para decirlo con los términos apropiados, es
la masterización alta y la compresión excesiva hacia donde apunta el
problema.
En realidad a nadie debería gustarle la música
sobrecomprimida (o extralimitada). No obstante, siempre existe el riesgo o la
posibilidad de que alguien pueda arruinar fácilmente la música, ya sea con la
compresión digital o la analógica (que también existe). Las herramientas son
eso, herramientas, y la compresión (digital o analógica) es una muy útil. El
abuso de ella es la que lleva a la música a estar limitada en exceso.
Coma ya se dijo, no es la compresión en sí misma la culpable sin el uso de
compresores los discos no sonarían como discos sino como grabaciones de
prueba. Es el uso indiscriminado del confinamiento digital, y la cada vez
más baja sensibilidad a la distorsión de los artefactos de los ingenieros de
masterización como resultado de ese confinamiento. Ese es el problema.
Primero, se pierde dinámica, y segundo, la distorsión digital nunca suena
bien. El recorte digital siempre sonará mal.
Una vez más, el meollo del asunto es la cuantiosa
limitación digital utilizada en la etapa de masterización, no el uso de la
compresión digital como herramienta en cantidades moderadas.
Para otros sería suficiente con que el sonido
grabado en el disco se acercara lo más posible a como sonaba probablemente la
cinta original. Con frecuencia resulta que la nueva versión suena más fuerte,
se elimina el siseo y alguien decide que se necesitan más agudos. No todo
necesita que alguien trate de mejorarlo con la tecnología moderna, a menos que
se este intentando revender música que los seguidores ya tienen. En ese caso,
se hace imprescindible hacerles creer que han "mejorado" el producto.
Graciosamente alguien menciona que, llegado a un
punto de acuerdo, ahora se podrían fabricar CDs "demasterizados" y
volver a vendernos de nuevo la música que ya tenemos por triplicado.
Es útil y práctico estar al tanto de la compresión
pero sin necesidad de obsesionarse o volverse un fanático de la misma. Para
quien tan sólo cuenta con un equipo de audio básico, detalles como la
masterización/compresión se perciben únicamente cuando son claramente patentes.
Claro que si se tienen invertidos 10,000 euros en equipo de punta de alta
fidelidad es lógico que haya protestas al respecto.
En las remasterizaciones Prog modernas existen
casos donde la compresión salta al oído 96uno de ellos es la réplica japonesa
del álbum Chocolate Kings de PFM, la cual resulta espantosa. 'Coheed and
Cambria, por Ej., utiliza la compresión, pero su música se deja escuchar sin
cansar demasiado.
El uso cuantioso de la compresión en la actualidad
refleja la ignorancia del consumidor en relación a la música. Se escucha decir
que el nuevo disco de Metallica posiblemente sea el más comprimido y el peor
masterizado de todos los tiempos, pese a las excelentes críticas que esta
recibiendo, incluso de críticos profesionales de las grandes publicaciones que
ni siquiera mencionan el hecho. En realidad ese es el verdadero problema, los
valores de la producción no se analizan lo suficiente en la prensa musical,
mucho menos en los canales de música. La música simplemente es tocada a todo
volumen y reducida a mero producto promocional.
Al mencionarse el término "compresión" no se debe denotar o inferir que se
está hablando de una compresión excesiva. Son muy pocas las grabaciones que
se han visto favorecidas por la compresión (es decir, no están excesivamente
comprimidas) por lo que la tendencia a la hora de comprar música debería ser
la de buscar la versión original no comprimida.
Es entendible que a la gente no le interese el tema de la compresión. Sin
embargo, no deja de sorprender un poco leer que las personas no escuchan
ninguna diferencia en la música que consumen, y/o atribuyen las quejas
simplemente a un esnobismo audiófilo.
Todas las grabaciones hacen uso de algún tipo de compresión desde las
grabaciones clásicas vía el jazz hasta el rock. Sólo existe un margen
infinitesimal de cultores y puristas audiófilos que hacen grabaciones por
completo sin compresión, pero ello no infiere necesariamente que sonarán
agradables al oído. Incluso en los pasados 50's los "amplificadores de
nivelación" (como se llamaban entonces) eran una parte indispensable de
cualquier sistema de grabación. No está demás enterarse por cuántos niveles
de compresión pasa una grabación típica. En la fase de grabación, la mayoría
de los estudios profesionales pasarán todas las señales a través de un
pre-amplificador y un compresor ligero, para evitar que los picos
distorsionen la señal mientras pasa al disco duro o a la cinta. Luego,
durante la fase de edición, retoque y mezclado, la señal por lo general
pasará a través de por lo menos uno, y con frecuencia dos o tres,
compresores más, donde el propósito puede ser "domar" una señal demasiado
dinámica (una toma vocal de un cantante entusiasta), para hacer que la pista
"se ubique" mejor en la mezcla, hacer que una señal débil venga más "al
frente" y finalmente pueda ser utilizada pura y creativamente para esculpir
un sonido particular, por ejemplo disparando el compresor hasta el punto de
saturar o distorsionar. Después, el ingeniero de mezcla por lo general
estará mezclando a través de un compresor ligero, y posiblemente un
limitador, en la fase de implementación del master.
Esto pega la mezcla durante las sesiones de escucha y da una ligera
aproximación del resultado final. Por último, la mezcla va para el ingeniero
de masterización (el blanco habitual del odio en los debates de compresión)
que hará pasar la mezcla estereofónica a través de una combinación de
tratamientos de compresión y limitación, para más adelante unir la mezcla,
nivelando los picos no deseados y por supuesto maximizar el volumen para
hacer que el disco "suene como un disco".
A diferentes grados, todo equipo o instrumento musical actúa como un
compresor. La cinta magnética, los amplificadores de guitarra, los
micrófonos actúan como compresores, hasta el equipo estereofónico casero
comprime en cierto grado. Además los iPods y el reproductor iTunes comprimen
el sonido de manera importante y lo arruinan con sus 91mejoras 92
psicoacústicas. La clave está en utilizar las herramientas musicalmente y no
para agredir a la gente con excesos.
Es bueno considerar no utilizar audífonos de botón, un buen par de audífonos
supresores de ruido es una mejor opción. La calidad de tu música depende de
la calidad de los audífonos con los que escuchas.
A fin de cuentas, no se necesita un equipo de 10,000 euros para advertir una
compresión excesiva. Pero es un hecho que con los CDs sobrecomprimidos todo
detalle se pierde porque parece como si la música gritara en todo momento.
De manera que la compresión no es algo de lo que podamos escapar, o algo que
sólo exista en los discos "malos".
P.D.: Como suele decirse, una imagen habla por sí sola. Una manera sencilla
y accesible de observar este fenómeno es utilizando cualquier editor de onda
de los programas para grabar CDs (por Ej., el WaveEditor de Nero).
Simplemente se elige una canción del disco en cuestión y el programa muestra
la forma de onda del tema. Compárese una canción de los 80s o 90s con el
tema de un álbum recién lanzado, -por Ej., Death Magnetic de Metallica
o Systematic Chaos de Dream Theater y a simple vista se notará la
diferencia. Mientras que en las primeras hay espacio suficiente para las
notas altas y bajas, las partes tranquilas y las partes fuertes en las
actuales prácticamente ya no hay espacio para sutilezas dentro de un
espectro uniforme copado por la intensidad del sonido.
Un ejemplo ilustrativo de una canción que ha sido masterizada
en CD hasta en cuatro ocasiones distintas puede verse en:
http://en.wikipedia.org/wiki/Loudness_war
Una muestra gráfica del audio de cinco
diferentes CDs de Rush:
http://www.prorec.com/Articles/tabid/109/EntryId/247/Over-the-Limit.aspx
Sitio en línea para firmar la petición de
remezclar o remasterizar el álbum Death Magnetic de Metallica:
http://www.gopetition.com/petitions/re-mix-or-remaster-death-magnetic.html
Trad., adapt. y notas: JPL/2008.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: GOVEA
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Ya hay un nuevo grupo progresivo mexicano en el ruedo: se trata de GOVEA,
power-trío con base de teclados donde se incluyen dos ex-miembros de
Iconoclasta. Para verlos en acción a través de Youtube, hay que visitar el
enlace http://www.youtube.com/watch?v=qRw2atW8NHk
Hoy por hoy, el grupo está audicionando bajistas, tal como se anuncia en el
blog de Myspace http://www.myspace.com/govearock - dentro del poco material que
tienen por ahora a disposición, se incluye un cover de Triumvirat (un
instrumental del disco Old Loves Die Hard). Esperemos que este grupo pronto
logre asentarse de manera fija y cree material para un buen disco progresivo.
Por lo que se puede escuchar hasta ahora, me parece que promete mucho.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: PULSAR 1981
PULSAR: Bienvenue au Conseil dAdministration (1981)
Temas
1. Il fait froid, ici... (4:13)
2. a) La femme au bout du couloir (2:08) / b) La tempête, encore (2:20) / c)
Accident-vision (2:05) / d) Cri (3:10)
3. Epreuve No. 2 (2:00)
4. Mirage de neige (1:30)
5. Sous le ciel où courait la tempête (3:19)
6. Précautions oratoires (2:30)
7. La luge et la limousine (2:20)
8. a) Energie-saga (1:35) / b) Chanson populaire de la neige (2:30) / c)
Dernier avertissement (0:30)
9. Futurs intérieurs (6:15)
Integrantes
- Victor Bosch: batería, percusión
- Gilbert Gandil: guitarras, bajo, canto
- Roland Richard: flauta, saxo, clarinete, piano
- Jacques Roman: teclados, sintetizadores
Colaborador Claude Lesko (narraciones)
Bienvenue au Conseil dAdministration es la cuarta oferta discográfica de
Pulsar, cuatro años después de la apoteósica obra Halloween, uno de los ítems
más fabulosos de la historia del rock vanguardista francés. Bienvenue au
Conseil dAdministration también es el título de una producción teatral
multimedia realizada por La Compagnie Du Theatre De La Satire. El aporte del
narrador Claude Lesko es fundamental para la obra, y realmente puede ser un
punto de referencia para la reacción del oyente: es un importante punto en
contra o es algo con lo que el oyente puede lidiar. El hecho es que las
exploraciones instrumentales a cargo del quinteto estén sujetas a un programa
teatral, y no a un concepto básicamente musical como en Halloween, obliga al
grupo a ponerse a trabajara solamente atmósferas y juegos básicos de acordes.
Esto significa que no hay espacio para el desarrollo de variantes en ritmos,
clímax y ambientes al típico estilo progresivo, ni tampoco para esquemas
melódicos elaborados con esa magia especial que suelen proveer Gandil, Roman y
Richard. En todo caso, Pulsar tiene bien en claro que quiere seguir siendo una
banda comprometida con el art-rock, y es con esa mentalidad que abordan una
modernización de su sonido dentro del esquema teatral propuesto. Con la
incidencia en el space-rock y el uso de las facetas más fibrosas del estándar
rockero ochentero, Pulsar evita sabiamente la tentación de hacer un Abacab
(desastre de Genesis), un Single Factor (gestación un tanto desabrida de un
desencajado Camel) o un Turn of the Tide (culminación del deterioro popero de
Barclay James Harvest). Todavía hay en Pulsar un manejo inspirado de las ideas
musicales y una fibra fácil de notar en las ejecuciones. Claro está, dadas las
circunstancias en que este disco fue elaborado y arreglado, dicha fibra solo
halla espacios muy marcados para su despliegue; además, el baterista Victor
Bosch deja atrás mucha de su polenta sutilmente compleja, incorporando una
vibración más frontal (e.d., más afín al new wave) en su base rítmica. Una
peculiar conclusión que ahora anticipo sobre este disco es que Pulsar logra
hacer una mezcla muy curiosa entre una modernización casi popera de su esencial
sinfonismo espacial y una anticipación involuntaria de las sonoridades que
pocos años después serán explotadas por bandas ulteriores propulsoras del
revival noventero.
Il fait froid, ici... comienza con un color exótico medio arábigo,
desarrollado finalmente en una mezcla de tecno y space-rock (una
ultravoxización del Hawkwind post-Warrior on the Edge of Time) con retazos
pinkfloydianos arrojados como polvos de canela para adornar un postre. Comienza
bien este disco, como si retornásemos a la etapa de Pollen pero con una
caligrafía ochentera. El segundo tema consta de cuatro secciones: la primera es
hipnótica e intimista, calma como en los momentos más relajados de Vangelis; la
segunda se desvía hacia un sendero neurótico con una fuerza controlada (o
abortada, si es que nos sentimos frustrados por la breve duración de este
pasaje); la tercera sección recoge la neurosis y la lleva hacia un corto
esquema sonoro que oscila entre lo heavy y lo post-punk, antes de desembocar en
un pasaje lírico guiado por el piano; la cuarta y última sección es la más
emparentada con las sonoridades cósmicas sombrías propias del sonido típico de
Pulsar, aunque con la novedad de que Roland Richard se despacha en el saxo y no
en su habitual flauta. Epreuve No. 2 tiene un típico sonido de los 80s, al
modo de un new wave (Ultravox con The Police) amable con ciertos ropajes
spacey, algo que Sous le ciel où courait la tempête tiende a reiterar
parcialmente, aunque con un acento más claro en lo cósmico y algunas cadencias
jazz-rock; en medio de ambas piezas, Mirage de neige se basa en relajados
arpegios de piano acompañados por etéreas cortinas de sintetizador.
Précautions oratoires establece un híbrido entre los temas 1 y 5, aunque
ciertamente con una soltura experimental más desarrollada dentro de un espíritu
cósmico: en otro disco, juntando estos tres temas se hubiese logrado una
composición de alto vuelo muy semejante a la tensión grisácea y zúrrela de The
Strands of the Future (la otra gran obra maestra de Pulsar). La luge et la
limousine sí es space-rock puro con un ropaje moderno una anticipación del
tipo de jams que habremos de esperara de Ozric Tentacles poco después. El tema
ocho recoge en sus tres secciones el aspecto más lírico del sonido trabajado en
este álbum, anticipando lo que Edhels y Eclat harán en sus pininos de fines de
los 80s ad portas del revival progresivo. Futurs intérieurs ocupa los últimos
6 ¼ minutos del disco con un viaje cósmico lleno de gancho, como una cruza
entre el Alan Parsons del Pyramid y la magia colorida de Camel, con algo de
la ingenua vibración melódica del primer Edhels.
La edición de Musea trae un bonus espectacular: la mayor parte del trabajo
solista del teclista Jacques Roman, titulado Melodie Boreale y editado
originalmente en 1986 solamente en cassette. Son cuatro piezas en total, siendo
la última la que lleva el mismo título y que dura casi 17 minutos. Roman
practica una mezcla de new age y electrónica, al modo de un Vangelis (etapa
Opera Sauvage) mezclado con el Klaus Schulze y el Tangerine Dream de fines de
los 70s. Las piezas transitan calmadamente entre pasajes melódicos suaves y
cortinas abundantes a la par que etéreas: Croisiere tiene una cadencia
céltica, provista en buena parte por el invitado Pierre Imbert al hurdy-gurdy,
mientras que Perte de vue hace un uso minimalista de ambientes chinescos (un
poco a lo Jade Warrior). En fin, Melodie Boreale es un viaje musical flotante
que pasa por envolventes y muy serenas capas de teclado hasta otros parajes más
misteriosos arropados por sonidos de la naturaleza. Uno puede muy bien escuchar
y comprender estas composiciones de Roman como anticipaciones tempranas de
buena parte del bloque sonoro que Pulsar habrá de elaborar en su disco de 2007
Memory Ashes, pero esto va más allá de los intereses de esta reseña.
Bienvenue au Conseil dAdministration es, a fin de cuentas, una manifestación
del interesante camino de modernización seguido por Pulsar al iniciarse la
década de los 80s, y con el bonus tenemos un recordatorio profundo del lado más
etéreo de la banda en clave de obra solista de Jacques Roman. Se trata de un
ítem muy pertinente en cualquier buena discoteca progresiva.
César Mendoza
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