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La caja de musica Number 0840
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #840 agosto 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Nazca 1985
* conciertos de SOMA PLANET
* Luciano Basso "Voci"
* Birdsongs of the Mesozoic 1992
* Emerick y el estado actual de la musica
* ira y proximo disco de DON CABALLERO
* NEW TROLLS / New Trolls 70
* Nave:_"Segredos_do_Chao"_ 2820300307 29
* rock andaluz para Agosto y Septiembre
* RPWL en concierto en Madrid
* Vytas Brenner "Hermanos"
* Birdsongs of the Mesozoic 1995
* Entrevista...
* UNIVERS ZERO "Implosion"
* Roger_Hodgson_en_Sant_Feliu_de_Guíxols
* Abbey Road + The Logical Group
* Web de Numen
* Asia / "Phoenix" (2008)
* AGOSTO en " El Retorno del GIgante - Radio Show"
* Canvas Solaris "Sublimation"
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Nazca 1985
NAZCA: Nazca (1985)
Temas
1. De Oír Le Duele la Boca
2. Sueño tras la Ventana
3. El Viaje de los Muertos
4. Lladotropogato
5. La Rebelión de los Colgados
6. Paguros del Día Gris
Integrantes
- Alejandro Sánchez: violín
- Carlos Ruiz: oboe, fagot
- Guauahtemoc Novelo: batería, percusión
- Jorge Gaitán: bajo, viola
- Carlo Nicolau: piano, cello
Nazca fue un grupo mexicano que tuvo la osadía de rescatar la vertiente del RIO
en su país en un medio que globalmente estaba concentrado en las apuestas
comerciales de llegada inmediata: el desprecio e indiferencia que recibió Nazca
de parte de la crítica y público son proporcionales al talento y exquisitez
desarrolladas en su material. Su disco debut fue el homónimo Nazca, salido al
mercado en 1985. Su sonido está claramente definido por el Univers Zero
1979-81, con algo del filo dinámico del Henry Cow del Western Culture.
De Oír Le Duele la Boca abre el disco con unas pulcras líneas de fagot que,
de entrada, anuncian el tétrico festín sonoro que se avecina. El carácter
oscuro de esta pieza (bueno, todas las piezas del disco brillan por su
oscuridad) a veces se focaliza en las pulsaciones de piano que emergen en el
intermedio, mientras que otras veces se centra en los vuelos torturados del
violín. La serenidad que surge en los últimos segundos se condice con la
languidez grisácea y engañosa de Sueño tras la Ventana, una pieza que, sin
dejar de ser juguetona, revela un esquema musical más relajado que el tema de
apertura. El Viaje de los Muertos explora ambientes fúnebres con una
solemnidad vivaz, elegantemente desplegada a través de los disonantes juegos
armónicos protagonizados por las cuerdas y el oboe; las percusiones adornan muy
bien los desafiantes dibujos melódicos esbozados por los demás instrumentos.
Los últimos 35 segundos establecen una procesión típicamente stravinskyana.
Lladotropogato suena a una obra compuesta para una clase de vanguardia
progresiva dictada por Daniel Denis: después de un breve solo de violín tan
cautivante como aterrador, su cuerpo central consta de un motivo básico
oportunamente ornamentado en una suerte de crescendo sostenido, para finalmente
llegar a una coda un tanto más sobria donde las pulsaciones de piano y bajo no
solo dirigen el asunto, sino que también protagonizan la amalgama sonora. La
Rebelión de los Colgados mantiene el espíritu y el ambiente del disco con una
mayor dosis de diversidad temática. Paguros del Día Gris ocupa los últimos 2
minutos del disco, elaborando una coda intensa en su tenebrismo.
Tenemos, pues, a Nazca como un excelente exponente de chamber-rock hecho en
latitudes latinoamericanas.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: conciertos de SOMA PLANET
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El alucinante grupo catalán SOMA PLANET desplegará su potente sonido progresivo
basado en una confluencia de jazz-rock, psicodelia, space-rock y heavy prog en
dos grandes eventos musicales de julio y agosto.-
31 de julio Xiringuito Callao
Canet de Mar
22:00
22 de agosto Festa Major
Tordera
22:00
Escuchemos parte de su material en http://www.myspace.com/somaplanet
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Luciano Basso "Voci"
LUCIANO BASSO: Voci (1976)
Temas
1. Preludio - 7:35
2. Promenade I - 4:45
3. Promenade II - 6:19
4. Voci - 10:52
5. Echo - 9:17
Luciano Basso: piano de cola, órgano, mellotron, clavicordio, piano eléctrico
Colaboradores Luigi Campalani (violín), Massimo Palma (cello), Mauro Pernotto
(bajo, contrabajo), Michele Zorzi (guitarras)
Oriundo de Venecia, el maestro teclista Luciano Basso que mayormente se mueve
en el ámbito de la música de cámara y crea música para documentales y
recitales, también tuvo su breve incursión en las arenas del rock progresivo,
una incursión que realmente ha significado mucho para la grandeza del
sinfonismo italiano de los 70s. Voci es una obra musical repleta de belleza
en su prestancia estilizada y magnetismo melódico. Se trata de una obra musical
muy orgánica, dueña de una estructura compositiva integrada y coherente, donde
el piano y el órgano suelen asumir el rol principal a la hora de desarrollar y
expandir los motivos y bases armónicas de turno. El tenor general de Voci nos
evoca a un cruce entre Latte e Miele y Le Orme de la etapa 72-73, con algunos
matices de BMS en su momento de mayor gloria progresiva.
La primera mitad del disco consiste en tres partes de una fastuosa idea musical
de base. El Preludio llena los primeros 7 ½ minutos del disco. Comienza con
exquisitos arpegios de piano complementados por líneas de violín y capas de
mellotron, asentándose así el esquema de una exploración melódica que pronto
quedará completa con la incorporación de la guitarra solista y la dupla
rítmica. La segunda sección del Preludio elabora una conclusión dinámica que
ojalá hubiese sido más larga a fin de completar debidamente el tono épico. Las
siguientes dos piezas, Promenade I y Promenade II, sí completan
decisivamente su potencial de colorido sonoro. Ambos temas tienen en común su
abúndate carga de cadencias manieristas y neo-clásicas, alternadas según el
pasaje del momento tire hacia lo grácil o se incline hacia l ocontemplativo.
Promenade I tiene una aureola de extroversión más concentrada debido a sus
confines de 4 ¾ minutos, mientras que Promenade II dosifica más
concienzudamente su expresividad, aprovechando su espacio de más de 6 minutos.
Debido a que este segundo Promenade reincorpora algo de la otoñal majestad
del Preludio, su ambiente general es más serio y, a ratos, más grisáceo
también. El añadido de tonalidades de inspiración jazzera en ciertos adornos
permite explotar su patente vivacidad con un peculiar ingenio.
La segunda mitad del disco comienza con la pieza homónima, que es también la
más larga con sus casi 11 minutos de duración. Teniendo un abrumador
protagonismo del piano de cola, la función central de este instrumento es la de
crear un constante preludio de ondeantes arpegios que se explayan en atmósferas
flotantes. Más que en ninguna otra pieza del álbum, los fraseos de guitarra y
los dibujos del violín están sujetos a los caminos surcados por el piano. Las
alternancias entre momentos gráciles y relajados es bastante fluida, y el hecho
de que los contrastes entre ambas instancias no sean tan pronunciados ayuda
bastante a ello. Es como si las voces aludidas en el título se vieran
reflejadas en la visión musical de Basso cuales ondas y brisas que ocupan y
definen un espacio definido dentro del cosmos. En comparación, el tema de
cierre Echo ofrece una dinámica más elaborada, en especial por el modo en que
se van desarrollando los motivos y la magnificencia sonora generada por el
ensamble. Los motivos están perfectamente distinguidos, armonizados en sus
sucesiones y ulteriores retomas. La entrada de cadencias jazzeras en ciertas
ocasiones y la predominante solemnidad manifestada en el esquema general de la
pieza la convierte en el perfecto cierre para un hermoso disco. Voci es, en
resumen, un manifiesto de belleza y estilización que se las apaña muy bien para
llamar la atención dentro de la peculiarmente genial tradición progresiva
generada en el País Itálico. Luciano Basso estudió algunos de los trucos
esenciales del sinfonismo y supo imprimirle su propio corazón y mente.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Birdsongs of the Mesozoic 1992
Pyroclastics
BIRDSONGS OF THE MESOZOIC: Pyroclastics (1992)
Temas
1. Shortwave Longride (2:59)
2. Pleasure Island (6:06)
3. I'm a Pterodactyl (2:58)
4. Why Not Circulate (3:55)
5. Sled (4:50)
6. The Simpsons (1:57)
7. Tyronglaea II (5:20)
8. Papercutstone (4:52)
9. Sombre Reptiles (3:59)
10. Nothing But Trouble (1:59)
11. Tomorrow Never Came (4:04)
12. Our Prayer (2:34)
Integrantes
- Ken Field: saxos alto y soprano, sintetizador, percusión
- Erik Lindgren: piano, samplers, caja de ritmos, percusión
- Rick Scott: sintetizadores, percusión
- Martin Swope: guitarra, percusión
Invitados: Willie Alexander (percusión en 4 y 7), Ken Winokur (percusión en 4 y
6)
Primer disco de los 90s para Birdsongs of the Mesozoic y segundo con el
vientista Ken Field como miembro de la banda. Se trata también del segundo
disco de Birdsongs con un músico vientista; menciono este detalle pues el
abandono de Roger Miller (uno de los tres teclistas de la formación original)
supuso un tránsito hacia cadencias sonoras más elaboradas, aunque por otra
parte, ello fue muy gradual. Aquí, en Pyroclastics, hallamos aún una fuerte
preeminencia de pulsaciones y ambientes sombríos a partir de los cuales el
cuarteto elabora sus ricas articulaciones sonoras. De todas maneras, nos
hallamos ante un grupo que está ya metido en una segunda fase de su creatividad
compositiva, sacando provecho de sus sensibilidades jazz-rock y echando mano
ocasionalmente de elegantes juegos musicales de corte fusión.
Vayamos al repertorio mismo del disco. Shortwave Longride ocupa los primeros
3 minutos, estableciendo un dinamismo mecánico al modo de un Art Zoyd
aligerado. Pleasure Island nos brinda un paisaje musical más espartano y
tétrico, estableciendo una mezcla de Univers Zero y Henry Cow de la etapa
Western Culture. I'm a Pterodactyl también se conduce por estas
coordenadas, aunque esta vez explotando una extroversión densa y urgentemente
machacona. Por el uso de caja de ritmos, tambores electrónicos y la presencia
frontal de sonidos sintetizados digitales, está claro que se trata de un
chamber-rock modernizado, pero ciertamente conectado con las raíces del género.
Why Not Circulate es un ejercicio de Latin-jazz de vieja escuela, articulando
correctamente ritmos tropicales con adornos medidamente perturbadores. Sled
muestra un esquema de bizarro lirismo, oportuno para el estilo de la banda: hay
una magia intensa en la amalgama gestada por el saxo y el sintetizador. El
cover del popular tema musical de The Simpsons realizado por Birdsongs hace
más zappiana que de costumbre la composición original de Danny Elfman.
Tyronglaea II establece otro ejercicio de capas sombrías típicas del RIO,
asentado sobre un patrón rítmico Latin-jazz. Hay un gancho retorcido
funcionando a través del llamativo desarrollo de la pieza, un gancho perpetuado
en los dos temas que siguen a continuación. Primero viene Papercutstone
este tema ofrece un ejercicio de jazz-fusión, envuelto en una melancolía
brumosa más cercana al misterio de los temas más intrigantes de A Triggering
Myth que a los tétricos ensueños de UZ. Luego sigue Sombre Reptiles, cover de
un tema original de Brian Eno (del disco Another Green World), asumiendo
atmósferas envolventes y encapsulándolas dinámicamente en un compás semi-tribal
a medio tiempo. Nothing but Trouble es un ejercicio de RIO pulsacional
enrumbado hacia cierto sentido del caos. Tomorrow Never Came es una
reconstrucción masiva del himno psicodélico de The Beatles Tomorrow Neves
Nows hasta reformarlo como una pieza fusionesca: de manera semejante a
Papercutstone, Tomorrow nos ofrece la faceta más etérea de la banda. El
disco concluye con Our Prayer, un hermoso réquiem de saxo soprano envuelto en
flotantes y sobrias cortinas de sintetizador. Pyroclastics es ciertamente un
disco variado dentro de la firme ideología musical de Birdsongs of the Mesozoic
se trata de una obra valiosa dentro del prog vanguardista de los 90s.
César Mendoza
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Autor: Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Emerick y el estado actual de la musica
Hola a todos!
La siguiente es una entrevista que se reproduce
sólo para fines de difusión de su contenido. Espero sea de interés para los
lectores de LCDM.
29 de Abril de 2008
La tecnología atrofió el lado artístico de la música:
Emerick
TANIA MOLINA RAM CDREZ
Geoff Emerick, quien fue ingeniero de
sonido de Los Beatles, opinó en entrevista que en vez de ganar, con la
tecnología hemos perdido en lo referente a la música. Y también en otros rubros
de nuestras vidas.
"El problema es que hay tantas personas que
sólo escuchan música a través de audífonos o de bocinas de computadora, que no
saben que hay algo mejor", dijo Howard Massey, periodista, ingeniero de sonido
y coautor, con Emerick, del libro sobre los Beatles Here, there and everywhere.
"Por eso deberían ir a conciertos clásicos
o pop", respondió Emerick.
Y Massey apuntó: "Normalmente el sonido en
los conciertos pop es bastante malo: muchos bajos, pero no hay un sonido de
alta fidelidad".
Emerick prefiere seguir trabajando en
análogo. Recientemente grabó así el disco Get away from me, de Nellie McKay.
"ProTools es más rápido y barato, pero
demerita el lado artístico. Y las personas de las disqueras son contadores, así
que prefieren grabar lo más barato posible, porque no son gente conectada al
arte. Antes sí lo eran", siguió Emerick.
El ingeniero dijo que el fácil acceso a la
tecnología ha "inundado el mercado de lo mismo. El enfoque es erróneo. Cuando
todo suena igual, debe haber algo mal. El enfoque tendría que ser sobre la
estructura de una canción y sobre qué instrumentos verdaderos vas a usar. El
otro día, alguien no podía entender el concepto de trabajar en vivo con una
banda en un estudio. No podía entender el corazón, el alma, el sentimiento que
emana de ahí. Pensaban que era más barato y mejor hacerlo instrumento por
instrumento y procesarlo con ProTools. Pierden de vista lo más importante.
Pueden escuchar la voz más conmovedora y no les dice nada".
No se crea nada orgánico
96Así que el progreso tecnológico atrofió la
imaginación?
96Atrofió el lado artístico, porque no estás
creando nada orgánico desde tu propia menteB3B todo está frente a ti, puedes
hacer lo que sea. Puedes poner todos los efectos, pero deberías estar
preguntándote, para empezar, para qué le quiero poner ese efecto. Por qué
quiero hacer eso. Pero ellos piensan que lo que hacen es maravilloso.
96Todo está fragmentado: se graba un
instrumento y luego otro.
96Está por todas partes. La mente está
inactiva porque todo el día vemos pantallas de computadoras o de celulares. Ya
no tienes que pensar. Y la gente a veces no puede hacer ni las tareas más
simples. No sé qué va a pasar dentro de un par de generaciones, va a ser
bastante aterrador.
Eso sí, los jóvenes creen que están
creando. Pero Emerick se remite al tiempo en que los pintores elaboraban sus
pinturas: "Machacaban una bellota para obtener cierto color. Lo puedo obtener
con una computadora, pero no es lo mismo que obtener los elementos orgánicos de
un color". Lo mismo ocurre con la música: "Escuchan un sonido hecho por
ProTools, pero, si escuchas el sonido verdadero, hay mucho ahí".
Pero, cuando intenta explicarle a las
personas, Emerick dice que no le entienden: "Ya no hay receptores en sus
cuerpos, para el corazón y el alma, porque sus vidas, debido a las pantallas de
computadoras, están muy punteadasB3B nada fluye, sus vidas están en cachitos,
hablan a cachitos, las palabras no fluyen, hablan en staccato, muy lineal y en
un mismo tono. Asusta verlo, parecen alienígenas. La gente ya no puede poner
una pluma sobre el papel y sumar dos más dos. Sus vidas están fragmentadas,
nada de lo que hacen está conectado entre sí. Tocan música terrible y creen que
es maravilloso. No tiene sentido".
96Cómo se puede corregir?
96No sé. Con la educación, pero no va a
pasar. En todos lados recortan el presupuesto para el arte.
"Cuando tenía siete años, proyectaron en la
escuela una película junto con una orquesta que me encantó. Por eso me
involucré en la música."
Cuando Norman Smith (ingeniero de sonido de
los Beatles hasta 1966) dejó el puesto, se lo ofrecieron a Emerick, de 19 años.
El primer disco que hizo como ingeniero de
sonido del Cuarteto de Liverpool fue Revolver. Antes había sido asistente de
los Beatles: "Estaba ahí cuando hicieron el disco Love me do, fue dos días
después de que entré a EMI. Luego fui asistente en She loves you.
"Cuando grabaron Misery, estuve en la
remezcla. George Martin tuvo la idea de hacer un piano a la mitad de la
velocidad, lo que significaba correr la cinta a la mitad de la velocidad y
poner el piano sobre la guitarra para crear cierto sonido. Ahí me di cuenta de
que las cosas se podían hacer de modo diferente."
Y qué diferente, como lo mostró en Sgt.
Pepper 92s Lonely Hearts Club Band, The White Album y Abbey Road, entre otras
joyas.
Fuente: La Jornada Online.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: gira y proximo disco de DON CABALLERO
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo norteamericano DON CABALLERO, que actualmente opera como trío
(usualmente es un cuarteto pero ya fue un trío en una ocasión, y ahora lo
vuelve a hacer), está ad portas de una gira. La banda telonera recurrente será
PONYTAIL. Los grupos adicionales serán ombrados en las fechas correspondientes.
19.ago US Arlington VA - IOTA Club & Café.
20.ago US Baltimore MD - Talking Head Club (Sonar).
21.ago US Virginia Beach VA - Steppin Out.
22.ago US Philadelphia PA - Johnny Brenda's. Con An Albatross.
23.ago US New York NY - Knitting Factory. Con An Albatross.
24.ago US Allston MA - Harper's Ferry.
25.ago CA Montreal QC - Club Lambi.
26.ago CA Toronto ON - Lee's Place.
27.ago CA Hamilton ON - Casbah.
28.ago CA London ON - Call the Office.
29.ago US Pontiac MI - Pike Room.
30.ago US Chicago IL - Subterranean.
31.ago US St. Paul MN - Turf Club.
2.sep US Dekalb IL - The House Café. Con Loose Lips Sink Ships.
3.sep US St. Louis MO - Bluebird.
4.sep US Cincinnati OH - Northside Tavern. Concierto gratuito.
5.sep US Columbus OH - Café Bourbon Street.
6.sep US Pittsburgh PA - Mr. Small's Theater. Con Centipede E'est Grand Buffet
Broughton Rules
DON CABALLERO ya terminó la grabación de su nuevo trabajo Punkgasm. Los
lanzamientos al mercado están programados para el 19 (US), 22 (Alemania) y 25
de agosto (resto del mundo). En el blog http://www.myspace.com/doncaballeropgh
se puede escuchar algún que otro tema de este próximo disco.
Gracias a mariano Bugarín y La Otra Música
(http://la-otra-musica.blogspot.com/) por facilitarme esta información.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com>
Asunto: NEW TROLLS / New Trolls 70
NEW TROLLS : "New Trolls '70" (1970)
(Warner-Fonit)
Lista de Temas:
1. Una miniera
2. Cosa pensiamo dell'amore
3. Lei mi diceva
4. Quella musica
5. Corro da te
6. Sensazioni
7. Una nuvola bianca
8. Annalisa
9. Un'ora
10. Io che ho te
11. Visioni
12. Davanti agli occhi miei
Músicos:
- Vittorio De Scalzi - guitarra, vocales
- Nico Di Palo - guitarra, vocales
- Mauro Chiarugi - teclados
- Giorgio D'Adamo - bajo, vocales
- Gianni Belleno - batería, vocales
New Trolls 9270 es principalmente una colección de sencillos de la primera
época de la banda, lanzados entre 1967 y 1970.
Escuchando estos temas es posible entender el porqué New Trolls era una de
las bandas más populares de Italia en aquellos años. La creatividad de la
banda parecía encontrarse en su punto más alto, y esto se ve reflejado en la
calidad de las composiciones y en la madurez de su interpretación.
Entre las canciones que despiertan mayor interés se encuentra "Una miniera",
un tema escrito por New Trolls que en su letra cuenta la tragedia en la mina
Marcinelle. Nico Di Palo destaca por su manera sensible y emotiva de
cantarla. "Io che ho te" es un tema melódico cantado también por Nico Di
Palo y que fuese escrito para el Festival de San Remo. En otros temas del
disco se aprecian rasgos de sicodelia en las guitarras, como en el caso de
"Sensazioni", "Corro da te", "Lei mi diceva", "Davanti agli occhi miei".
Inevitablemente también aparecen canciones no bien producidas y de menor
interésB3B es el caso de "Una nubola bianca", "Quella musica" y "Un 92ora".
Estas dos últimas no escritas por la banda.
Dada la importancia histórica de New Trolls como banda de Rock Progresivo,
vale la pena escuchar este disco recopilatorio casi como si se tratase de su
álbum debut. En general un buen álbum con temas de escucha agradable, aunque
todavía un poco lejos del sinfonismo y la progresividad de álbums como
"Concerto Grosso". Recomendable para fans de New Trolls y coleccionistas.
JPL/2008
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Autor: "Progjuan Progjuan" <progjuan@gmail.com>
Asunto: Nave:_"Segredos_do_Chao"
Nave: "Segredos do Chao" (2007)
Discografica: Independent
Temas:
1. Arcabuzes
2. A Seu Tempo
3. Águas Claras
4. Paralelas Marginais
5. Sobrev=F4o
6. D'Alma
7. Segredos do Chao
8. Vertigens
9. Longe Daqui
10. Céu de Cachoeira
11. De Uma Vez
Musicos:
- Roger Troyjo: Vocals
- Estevao Kalaany: Acoustic (6/12) & electric guitars
- Benigno Sobral Jr.: Bass & vocals
- Ricardo Stuani: Drums & percussion
- Marcos Vita: Keyboards & vocals
NAVE es un grupo brasileño cuyos comienzos datan de 1993 y que después de 10
años de la edición de su primer disco homónimo en 1997 regresan en el 2007
con su segundo disco titulado "SEGREDOS DO CH O". Su música se basa
principalmente en la música brasileña elaborada entorno al rock sinfónico y
ciertos toques de Jazz rock, con el añadido que esta cantado en portugués.
Un tema a destacar seria el que abre el disco "Arcabuzes" donde se dan cita
todos estos elementos ya comentados, amen de un toque minimalista. Sobrev=F4o
combina el toque alegre con la música brasileña destacando algún cambio
rítmico en su sección final. El resto de temas a mi personalmente no me han
llegado y en especial los temas "Segredos do Chao", "Longie Daqui" y
"Vertigens"
En definitiva esta apuesta musical que se basa en la música popular de cada
país elaborada con el buen sabor que da el rock sinfónico y el jazz rock
puede resultar para aquellos que gusten de la World Music pero dudo que a
los aficionados al rock progresivo tanto clasico como moderno les llegue a
convencer. En su myspace apuntan como influencias de música brasileña a
grupos como Clube da Esquina, A Cor do Som y 14 Bis, de los cuales
desconozco su música.
Salu2
(c) Juan Mellado
Progjuan@gmail.com
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Autor: "Progjuan Progjuan" <progjuan@gmail.com>
Asunto: rock andaluz para Agosto y Septiembre
Hola
Dentro de los actos de la Feria de ECIJA (SEVILLA) se ha anunciado este
cartel:
*Ecija 15 Agosto*e:msg&action:showdiscussion&parent:1&item:3864>
*Medina Azahara, Cai, Alameda, Iman y Guadalquivir*
Al hilo de los conciertos de Rock andaluz informaros de:
*ElBicho* + *Imán* Califato Independiente en Conil (*Cádiz)* *....* el 12 de
agosto 2008
y tambien recordaros LA PROGRAMACIÓN OFICIAL DE LA XV BIENAL DE FLAMENCO
2008
... El ciclo finalizará con una noche dedicada al Rock andaluz y su relación
con el Flamenco. La noche contará con las actuaciones de grupos de leyenda:
Cai, Imán Califato Independiente, Tabletom, Pata Negra, Alameda o
Guadalquivir, entre otros.
http://www.bienal-flamenco.org/
Esto anuncia la Organización Oficialmente...
Día 20 de Septiembre de 2008
Lugar: Auditorio Rocío Jurado
Hora: 23,00 h.
Título: "ROCK Y FLAMENCO"
Caí, Imán Califato Independiente, Guadalquivir, Tabletom, Alameda, Pata
Negra=85
El rock andaluz parece recobrarse como Aver Fenix ;-)))
salu2
Juan
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Autor: "Los recuerdos del Unicornio" <losrecuerdosdelunicornio@gmail.com>
Asunto: RPWL en concierto en Madrid
Los Recuerdos del Unicornio y LCP presentan
*RPWL en concierto*
*+ Thay Khay**
**The RPWL experience*
*Domingo, 28 de septiembre 2008, 21:00 h
Madrid, Sala RITMO Y COMPÁS **(c/Conde de Vilches, 22 Avenida de
América)*
Entradas a la venta en
*www.ticktackticket.com* *
o reserva tus entradas
en el correo **losrecuerdosdelunicornio@gmail.com
o en el teléfono 687929079*
Venta anticipada *23 =80*
taquilla *25 =80*
Comenzaron en el 97 haciendo versiones de *Pink Floyd*, pero, a pesar de su
tremenda calidad, no se atrevieron a editar su primer trabajo con sus
propios temas hasta el 2000 *(God has failed)*. Es lo mejor que pudieron
hacer, porque *RPWL* es, sin duda, la mismísima reencarnación de *Pink Floyd
*. Si éstos hubiesen seguido haciendo música, seguramente sería como la de *
RPWL*. A partir de las atmósferas floydianas, de los sonidos psicodélicos de
los maestros, *RPWL* han conseguido crear como nadie un sonido propio, tan
evocador como el original, pero más moderno y actual, y ahí radica su
principal mérito.
Pues bien, los alemanes cuyo extraño nombre viene de las iniciales de sus
componentes originales, *R**isettio Postl Wallner Lang*, vuelven por tercera
vez a España a presentarnos su nuevo trabajo *The RPWL Experience, *el
séptimo en su carrera. Si ya les has visto en alguna de las dos ocasiones en
que han visitado nuestro país, no hace falta que sigas leyendo: te vemos el
próximo *28 de septiembre *en* Ritmo y Compás* porque repites seguro. Y si
no, que algún "repetidor" te cuente momentos tan increíbles como la
interpretación del tema *Cymbaline*, una versión de un clásico de *Pink
Floyd * 96siempre sorprenden con alguno- o la atmósfera mágica que se creó la
última vez con la puesta en directo de su *World Through my eyes*. No en
vano, a la obsesión por un sonido impecable, se une la intensidad de las
interpretaciones. Realmente digno de verse, y de oírse. Ver a estos
auténticos magos de la música subidos a un escenario es, realmente, vivir *"la
RPWL experience"*.
Y si aún no os hemos convencido añadimos a la noche un aliciente muy
especial: la presentación en directo de la banda madrileña *THAY KHAY*, que
nos mostrará temas de su sorprendente trabajo *TAN CERCA DEL SOL*, en el
que, con una música contundente y unas melodías brillantes, tratan de
concienciarnos de los problemas de subsistencia de nuestro frágil Planeta
Azul, y con el elemento común con RPWL de cuidar el sonido y la imagen en
sus puestas en escena.
+ info sobre la banda *www.rpwl.de*
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Vytas Brenner "Hermanos"
VYTAS BRENNER: Humanos (1974)
Temas
1- Agua Clara (4:07)
2- Madrugada (1:41)
3- Amanecer (1:43)
4- Danzas de los Pájaros (1:41)
5- Gavilán (5:24)
6- Pastos (2:10)
7- Ganado (3:25)
8- Estampida (1:31)
9- Ana Karina Rote (4:51)
10- Sentado en Una Piedra (3:52)
Vytas Brenner: pianos, sintetizadores, guitarra acústica, tímpanos, voz
Colaboradores Pablo Manavello (guitarras), Jairo (guitarras), Carlos Acosta
(bajo), Pupi (bajo), Frank Rojas (batería), Eleazar Yáñez (batería), Iván
Velázquez (batería), Rolando Briceño (saxo), Óscar (percusión), Yolanda Moreno
(percusión)
Tras instaurar una brillante novedad dentro de la escena musical venezolana con
La Ofrenda de Vytas Brenner (1973), disco pionero del ingreso del género
progresivo en Venezuela, el maestro Vytas Brenner se vio asumiendo la tarea de
seguir adelante tras tan magnífica obra. El primer resultado de su continuación
fur hermanos, disco grabado y editado al año siguiente. Lejos de ser un clon
de La Ofrenda, ahora la puta musical de Brenner es más ecléctica, ahondando
en su investigación de los estándares del rock sinfónico e introduciendo
novedades sonoras inspiradas en el space-rock (Clearlight, Gong) y el krautrock
electrónico (Klaus Schulze, Tangerine Dream). Esto implica una atenuación de la
faceta fusionesca en la visión musical de Brenner, la cual, sin embargo, se
hace fuertemente presente en varios de los pasajes más intensamente coloridos
del disco.
El inicio y el cierre de Hermanos consisten en sendas baladas: Agua Clara
tiene una estructura de trova con base de dos guitarras acústicas, centrada en
el factor evocativo del folk bucólico; Sentado en Una Piedra tiene más de
cliché, basada en las armonías de piano y los sobrios arreglos instrumentales
que trabajan un moderado preciosismo. Ambos temas me parecen lo menos
destacable de un disco que de por sí es muy atractivo y da buena cuenta de la
genuina creatividad de Brenner. Tenemos la dupla de Madrugada y Amanecer,
dos ejercicio de elaboración de ambientaciones electrónicas: la primera
contiene capas grisáceas de sintetizador expandida sobre oleajes de piano,
mientras que la segunda se focaliza exclusivamente en marejadas cósmicas
sintetizadas. Ambas piezas adolecen de una insuficiente expansión, pues las que
pudieron ser piezas climáticas por derecho propio quedaron registradas
simplemente como retazos ubicados a modo de intermedios sucesivos. Esto no
ocurre afortunadamente con el sexto tema Pastos, cuyo esquema sonoro sí
exhibe un aura de completitud pertinentemente desarrollada: sus climas
flotantes y etéreos están sabiamente manejados en una amalgama envolvente al
más puro estilo Schulze. Para completar el lado experimental del disco, el
octavo tema Estampida es un ejercicio en musique concrete basado en
reconstructivos efluvios de batería, tímpanos y sintetizador: el caos de una
manada huyendo en una situación de grave peligro está muy bien transmitido
aquí.
Danza con Pájaros asienta un cándido paisaje de jazz-fusión, encuadrado entre
las percusiones y los líricos vuelos de la guitarra eléctrica solista, mientras
que los rasgueos de la guitarra acústica alimentan apropiadamente la cadencia
rítmica de la pieza. El empleo de ciertos aires exóticos orientales resulta
bastante simpático y efectivo
y una vez más hay que lamentar que una buena
idea musical no haya recibido un mayor espacio de desarrollo. Gavilán sí
dispone de ello, y vaya si no lo aprovecha bien: se trata de una efectiva
muestra de ka faceta más exuberante de Brenner, mezclando fusión (con base
funky), estilización sinfónica y climas espaciales. Los climas elaborados por
los sintetizadores a lo largo de la pieza son vitales para aumentar la
vitalidad ya dada por las percusiones, y también para adornar los excelentes
fraseos de la guitarra solista; para el último minuto surge un alucinado solo
de sintetizador que parece estar hecho de fuego y éter. Este tema condensa la
faceta fusionesca de La Ofrenda con el dinamismo lisérgico de Clearlight.
Ganado es puro sinfonismo al estilo Brenner, sostenido sobre un compás
recurrente a través del cual suceden varias progresiones interesantes de
acordes: tal vez podamos notar ciertas coincidencias con PFM y la faceta
pastoral de Yes. Ana Karina Rote (el histórico slogan aborigen que significa
solo nosotros somos gente, grito de rebeldía del pueblo caribe ante los
invasores europeos) es el tema fusionesco más poderoso del disco: elaborado
sobre un compás basado en el joropo, Brenner y sus músicos de apoyo establecen
un grandioso cosmos sonoro donde la grandiosidad de una big band, la magia de
un Weather Report y el esplendor prototípico del progresivo se congregan en un
solo núcleo para explotar la renovación de lo folklórico.
Hermanos pudo ser un disco excelente, quién sabe si incluso hubiese podido
superar la grandeza musical del ya genial La Ofrenda. Sin embargo, la
relativa inconsistencia del repertorio en tanto un todo y el incompleto
desarrollo de algunas piezas dueñas de un innegable atractivo lo limitan a ser
simplemente un muy buen disco. Dentro de una buena discoteca progresiva,
Hermanos es menos imprescindible que el disco debut de Vytas Brenner
pero
imprescindible, de todos modos.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Birdsongs of the Mesozoic 1995
BIRDSONGS OF THE MESOZOIC: Dancing on AA (1995)
Temas
1. A Band of Deborahs (Not Debbies) (4:24)
2. Dancing on A'A (4:48)
3. Ptinct (4:20)
4. Readymen (6:14)
5. Birdgam (4:17)
6. Electric Altamira (4:47)
7. Swamp (7:09)
8. Peter Gunn (1:53)
9. Ray (4:34)
10. Sirius the Scorching (5:28)
11. The Pearly Eyed March (4:02)
Integrantes
- Michael Bierylo: guitarra, programaciones MIDI, percusión
- Ken Field: saxos alto y soprano, flauta, percusión, sintetizador, King
Cleveland Slide Saxoprano
- Erik Lindgren: piano, sintetizador, órgano Farfisa, samplers, caja de ritmos,
percusión
- Rick Scott: sintetizadores, percusión acústica y electrónica, clarinete
abreviado
Con el vientista Ken Field bien asentado dentro del esquema estructural de la
banda y estrenando un nuevo guitarrista que parece dispuesto a demostrar su
valía a punta de una energía explícita que le hace sobresalir en la mezcla,
Birdsongs of the Mesozoic llega a la mitad de los 90s con esta estupenda obra
Dancing on AA, el cual es unánimemente señalado como el disco que afirmó a
la tendencia renovada de la banda. Esta tendencia habrá luego de alcanzar su
más excelsa expresión con el disco Petrophonics, pero no nos adelantemos a
los hechos por ahora y concentrémonos en este disco. Dancing on AA ofrece
una dosis mayor de robustez sónica a la que habitualmente hallamos en los
discos mesozoicos; también expone un lirismo (retorcido, como cabe esperar de
un grupo dedicado a preservar la herencia del RIO en la escena progresiva
actual) que queda debidamente desarrollado en la mayor parte de las piezas que
conforman el repertorio.
A Band of Deborahs (Not Debbies) da inicio al disco con una pauta hard rock,
ágil y llamativa, creando un gancho poco usual dentro de la estética habitual
de Birdsongs: eso sí, se hacen presentes ciertos recursos sonoros tenebrosos,
así como algunos adornos de corte Latin-jazz y rock de garaje. La pieza
homónima sigue a continuación, estableciendo una pauta muy a lo Univers Zero,
con una dosis extra de cadenciosa agilidad que acerca un poco a Thinking
Plague. Ptinct ofrece un desarrollo más etéreo, sostenido firmemente por las
cadencias pulsacionales de piano, mientras que el saxo soprano dibuja ensueños
flotantes y la guitarra completa los colores arrojados por las capas de
sintetizador es como un sueño relajante
en el limbo. Readymen, a pesar de
ser un tanto menos fastuosa que cualquiera de las tres piezas precedentes,
tiene una estructura muy inquietante en no poco grado apoyada en su esquema
afín a lo tribal: hay algo de crimsoniano en sus coqueteos principales con Art
Bears y Magma. Birdgam también contiene un alto índice de vibraciones
tribales-étnicas, pero esta vez el asunto se enrumba por senderos más
estilizados, patentemente obedientes a la cámara vanguardista. Es una pieza muy
lírica en verdad: la predominancia de los vientos en el desarrollo melódico de
la pieza permite al grupo explorar su sentido orquestal de manera muy
efectiva... bueno, vaya sorpresa con unos músicos con tanta pericia como éstos.
Electric Altamira prosigue por un sendero de lirismo muy semejante al de la
pieza precedente, y el oyente que se despista un poco puede sentir que se trata
del mismo tema que sigue sonando. En todo caso, Electric Altamira tiene un
ambiente que atenúa un poco lo tribal a fin de realzar los retazos de los
teclados y las líneas repartidas entre el saxo y la guitarra: esto es más
fusión que chamber-rock, a decir verdad. Se puede decir que la secuencia de los
temas 4-6 explora la dimensión jazzera del RIO y la explota con una agilidad
efectiva.
Swamp nos devuelve a los terrenos más áridos del mundo musical de Birdsongs.
Las pulsaciones que oscilan entre lo neurótico y lo marcial, los climas densos
que abren las puertas a lo tétrico y las sombrías orquestaciones que enarbolan
los momentos más articulados de la pieza se conjugan en una serie intensa e
inteligentemente evolutiva de motivos. Swamp es en muchos sentidos un ideal
cumplido del chamber-rock para el tiempo progresivo presente de hecho, se
trata de la columna vertebral del disco. Después de este ejercicio de violencia
musical controlada llega un cover de Peter Gunn, coqueto y colorido, bastante
fiel al original pues el empleo de extravagancias no es realmente chocante ni
desafiante. Ray sigue a continuación, devolviéndonos a la candidez fusionesca
que se había hecho cálidamente presente en un par de piezas anteriores: en esta
ocasión particular notamos un cierto incremento del factor tensión, muy a tono
con el Univers Zero actual (en realidad, anticipándolo por algunos años
).
Sirius the Scorching rescata la oscuridad de Dancing in AA y la reactiva
con el esplendor tanático de Swamp, empapándolo con cadencias fusionescas ya
conocidas en el contexto del presente disco. Tal vez podamos resumir su
descripción como un compendio de los ambientes más saltantes del disco. Los
últimos 4 minutos están ocupados por The Pearly Eyed March, una suerte de
ritual marcial etéreo, con algo de nebuloso, arropado bajo una obvia aureola
funeraria, aunque bizarramente el saxo emite ciertas líneas que apelan a lo
sensual en vez de a lo tanático. Así concluye este disco que confirma una vez
más a Birdsongs of the Mesozoic como un nombre muy valioso dentro de una buena
colección progresiva con afinidades experimentales.
César Mendoza
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Autor: JAIME MOROLDO <jaimemoroldo@yahoo.com>
Asunto: Entrevista...
Hola Cajeros!
Sera para el proximo mes de Octubre y no para el de Septiembre como lo
dijimos en Venezuela Progresiva, cuando se publique en la revista Colossus
numero 35, la entrevista de Equilibrio Vital. Para entonces tambien
colgaremos en nuestro www.myspace.com/equilibriovital la informacion en
espanol/ingles, de dicha entrevista, ya que sera publicado en finlandes.
www.myspace.com/colossusprojects
www.colossus.fi
Jaime Moroldo/Equilibrio Vital
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: UNIVERS ZERO "Implosion"
UNIVERS ZERO: Implosion (2004)
Temas
1. Suintement (Oozing) 1:13
2. Falling Rain Dance 4:12
3. Partch's X-Ray 5:21
4. Rapt d'Abdallah 3:01
5. Miroirs 1:18
6. La Mort de Sophocle 3:11
7. Ectoplasme 1:07
8. Temps Neufs 4:56
9. Mellotronic 4:04
10. Bacteria 1:28
11. Out of Space 4 2:52
12. First Short Dance 0:42
13. Second Short Dance 0:41
14. Variations on Mellotronic's Theme 3:04
15. À Rebours 1:56
16. Méandres 9:38
Integrantes
- Michael Berckmans / oboe, corno inglés, fagot
- Serge Bertocchi / saxos alto, soprano y sopranissimo, tubax
- Aurelia Boven / cello
- Daniel Denis / batería, percusión, todos los teclados y samplers
- Dirk Descheemaeker / clarinete, clarinete bajo
- Bart Maris / trompeta, corno flugal
- Eric Platain / bajo
- Christophe Pons / guitarra acústica
- Bart Quartier / marimba, glockenspiel
- Igor Semenoff / violín
Implosion fue un disco formalmente concebido para que Daniel Denis y sus
compinches musicales del momento celebraran el 30mo. Aniversario de Univers
Zero: es toda una hazaña, realmente, el bregar por tres décadas por la creación
de desafíos reconstructivos y exquisiteces bizarras dentro de la faceta más
abierta y experimental del rock. En cuanto al fondo, Implosion prosigue por
la senda de renovada estilización que supuso The Hard Quest, siendo así que
el manejo de elementos fusionescos asume un lugar más destacado en la mayoría
de los arreglos plasmados en este disco.
El tema de inicio consiste en una serie de ruidos industriales que parecen ser
los de unas grandes compuertas que se abren. O al menos, así me parece.
Falling Rain Dance inicia los primeros sonidos netamente musicales del disco:
sobre una base rítmica de 5/4, inmediatamente reelaborada por contrapuntos y
polirritmos, el copioso ensamble desarrolla unos exóticos dibujos sonoros de
inspiración arábiga, creando así un ambiente fusionesco atractivo, no exento de
algunos momentos de controlada tensión. Partch's X-Ray es un ejercicio de
musique concrete basado en el motivo futurista de celebrar el esplendor
percusivo de artefactos y efectos electrónicos varios pura abstracción sónica
a una elevada potencia, no ajena a parentescos con Art Zoyd, especialmente en
los pasajes finales donde intervienen las maderas. Rapt d'Abdallah nos
devuelve de lleno al estereotipo orquestado del chamber-rock, el cual regresa a
la magia arábiga pero esta vez sometida a un dinámico retorcimiento que le debe
mucho a Varese. De este modo, el potencial juguetón de los motivos se explota
fehacientemente. Miroirs nos ofrece un ambiente oscuro, mínimo, como un limbo
arropado por una densa niebla, antes de que La Mort de Sophocle nos envuelva
en un sombrío clima de duelo sosegado y contenido. Ectoplasme es un juego de
ambientes casi idéntico al de Miroirs, dando paso a Temps Neufs, una de las
piezas más emparentadas con el jazz-rock que Univers Zero haya compuesto jamás:
incluso hay unos inauditos quiebres a lo funky en las cadencias vertidas por el
teclado, las mismas que sostienen un foco para las capas creadas por el violín
y los vientos. El breve solo de trompeta que emerge al final es muy a lo Miles
Davis.
Mellotronic nos trae un recuerdo de los ambientes predominantes en Uzed,
orientada hacia el lirismo ya trabajado a fondo en The Hard Quest. Además,
tiene la gracia de incluir sonidos de mellotron de cuerdas (un sampler de
sintetizador digital) dentro de su masivo despliegue de contrapuntos.
Bacteria es otro soundscape de tendencia atemorizante, antes de que Out of
Space 4 nos devuelva el salero arábigo reconstruido arquitectónicamente, como
herencia del tema 2 incluso tiene el mismo compás de 5/4. Las dos danzas
breves que ocupan las pistas 12 y 13 transcurren de lo ceremonioso a lo sensual
desde el recurrente esquema exótico, anticipando la reconstrucción fusionesca a
la que Univers Zero somete al tema 9 con Variations on Mellotronics Theme.
Ya en este punto nos sentimos listos para establecer que Univers Zero ha
hallado en la fusión relacionada con la World music un modo efectivo de dar
renovados bríos a su propio arquetipo chamber-rock. À Rebours es un
soundscape industrial que parece evocar una máquina ferroviaria que empieza a
moverse sobre sus raíles, anunciando así la última pieza Méandres. Este tema,
que ocupa los últimos 9 ½ minutos del disco, revela el desenvolvimiento de la
faceta más netamente fastuosa del ensamble. No por cierto la faceta más
colorida, pues el desarrollo de los motivos se inclina más hacia lo árido que
hacia el cromatismo efectivo y efectista que Univers Zero había generado en las
composiciones más exóticas del presente disco, pero no cabe duda que Méandres
sirve al grupo para actualizar su habilidad para funcionar orquestadamente a
través del diestro manejo de climas y matices. Es en los pasajes más otoñales,
atravesados por delicadas brisas de grisácea sutileza, donde podemos apreciar
más claramente esta cualidad portada con intocable maestría por Denis y co. De
esta forma concluye Implosion, una más de las obras progresivamente
imprescindibles de Univers Zero.
César Mendoza
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Autor: "Josep M. Badia" <josepmbadia2003@yahoo.es>
Asunto: Roger_Hodgson_en_Sant_Feliu_de_Guíxols
Hola!
Tuve el privilegio de ver a Roger Hodgson en el Festival Porta Ferrada.
Antes del concierto me dirigí al "punto de encuentro" fijado en la web de fans
de Supertramp, y curiosamente, no me encontré a ninguno de los "foreros" pero
sí a los gerundenses Alons y Lourdes, a quienes había conocido en el festival
de Tiana. Luego sí fui encontrando a los habituales: Núria, Antonio, Iñaki,
Marc, Juan Carlos, Jordi (y familia), Josep Caramés (y novia), Miguel Ángel,
Pedro de TLG... También estaba mi compañero aeroportuario Víctor, que creo que
fue la "voz en off" que presentó a Roger. No vi a mis amigos de "Coses
Nostres", pero luego me enteré de que estaban Javi, Pere Lluís, Ivan... Otros
"cosanostreros" estuvieron en Vigo (Gerard) y Alacant (Alfredo).
Hubo lleno absoluto (unas 1500 personas, creo), y hasta reventa. Una turista me
preguntó "Do you sell your ticket?" Yo le contesté: "Tomorrow". Y la tonta
dice: "Who plays tomorrow?" ;-)
El lugar era magnífico. A nuestra izquierda una foto de postal, con el puerto y
la bahía y sus correspondientes barcas y gaviotas, y a la derecha un acantilado
que la iluminación hacía aún más impresionante.
Hodgson estuvo muy simpático con el público y tuvo el agradable gesto de
presentar en catalán la mayoría de las canciones.
La voz de Hodgson sigue intacta. En Hide in your shell, p.ej., fue una pasada.
La anécdota de la noche se produjo cuando al empezar "The more I look" se
encalló un pedal del piano. Roger no se inmutó y la tocó con el teclado donde
tenía el "sonido Wulitzer" (no sin antes decirle al chico que se colocó bajo el
piano para intentar arreglarlo que se quedara ahí toda la noche si quería). Ahí
demostró sus tablas; lo malo fue que esto hizo que no tocara "Child of vision".
Sí tocó una inédita: Awakening, con la guitarra de 12 cuerdas, que va del tema
de perdonarse a uno mismo...
Roger dijo que tocó "las canciones que le han acompañado en el camino de la
vida". Como para mí significan exactamente lo mismo, siempre hay alguna que me
despierta la memoria vivísimamente. Esta vez, al silbar "Easy does it", me vi a
mí mismo como un esmirriado adolescente, encontrando un cassete de "Crisis?
What Crisis?" en una tienda del metro de Sagrera, y a los pocos días comprando
tras haber reunido no sé cómo el dinero...
En fin, no es el mejor concierto que le he visto a Mr Hodgson, pero disfruté
tanto como las veces anteriores. !Ya quisieran muchos poder ofrecer algo
remotamente similar a esto!
Set-list:
Take the long way home
Give a little bit
Hide in your shell
Lovers in the wind
Easy does it
Sister Moonshine
Rosie had everything planned
Breakfast in America
Along came Mary
The Logical Song
The more I look
Awakening
Don't leave me now
Dreamer
It's raining again
School
Two of us
Give a little bit
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Autor: "Josep M. Badia" <josepmbadia2003@yahoo.es>
Asunto: Abbey Road + The Logical Group
Hola!
El 15 de agosto, en Roda de Bará (Tarragona), doblete de clónicos
beatlemaníacos (Abbey Road) y supertramposos (The Logical Group).
Fins ara!
Josep M. Supertrempat
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Autor: Antonio Valiente <docentesindecentes@yahoo.es>
Asunto: Web de Numen
Saludos desde Alicante.
Este año la banda alicantina Numen, celebra el décimo aniversario de la edición
de Samsara. Por este y otros motivos, el grupo ha reactivado la página
web http://www.numenmusic.com0A0donde informará sobre noticias y
conciertos para celebrar tal evento.
En dicha web se puede adquirir el cd, además de poder comprar las canciones del
disco sueltas, por un precio simbólico.
El grupo quiere así, volver a retomar la actividad musical, que por diversos
motivos, se vió interrumpida, a pesar de la buena acogida que tuvo el disco.
La banda ya ha comenzado a componer nuevos temas que formarán parte de una
futura grabación. Además existe la intención de editar canciones de Numen que
no formaron parte de Samsara.
Espero que nos veamos pronto en los escenarios y que disfrutemos todos de una
noche de rock progresivo.
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Autor: Emiliano Acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: Asia / "Phoenix" (2008)
Asia : "Phoenix" (2008)
Asia regresa con su formacion original y edita su mejor disco en 25 anios.
Estribillos quedones, pop progresivo de primer nivel y canciones unicas
en este trabajo que le da nueva vida a este super grupo que parecia haberlo
dicho todo.
Este es un "real" retorno de las cenizas. Es imposible escuchar este
cd y no sentir que se esta otra vez en los `80. Porque Phoenix arranca en el
punto mismo en que nos habia dejado Alpha (el segundo album de la banda) en
1983.
Esta todo aqui, no falta nada. La voz de Wetton intacta, la sobriedad y buen
gusto de Downes (teclados) y el extrovertido Palmer en bateria. Pero si hay
alguien que se destaca y mucho en esta produccion es Steve Howe. Habiamos
extraniado tanto a Howe!!!! Cuanto hacia que no tocaba asi!!! Sus solos
vuelven a estar en el centro de la escena en esta perfomance inolvidable,
superior a las de sus ultimas participaciones en Yes.
El sonido ampuloso de pop espectacular que el grupo habia tenido en su primer
disco homonimo (1982) es apreciado de nuevo aqui con temas como "Never Again",
"Alibis" o "Shadow of the Doubt". Aunque tampoco faltan momentos de Rock
Progresivo real en temas elaborados como "Parallel Worlds" o el comienzo de
"No Way Back", ni tampoco bellas baladas progresivas como "Heroine" o "I Will
Remember You".
Por ejemplo, en "An Extraordinary Life", opus finale del disco, se hace
referencia al amor de Wetton por la vida, luego de la operacion de corazon
que este tuvo en 2007, posterior a un trance que lo puso al borde de la
muerte.
Momentos de hondo sentimiento no faltan como vemos.
Si bien la mayoria de los temas estan compuestos por Downes y Wetton (juntos
o por separado), se destacan y mucho las dos perlas escritas por Steve Howe:
"Wish I`d Known All Along" y "Over and Over". En especial esta ultima, una
hermosa y delicada cancion que podria haber formado parte de cualquier
trabajo de la otra banda de este guitarrista... Si, porque no es dificil
imaginarla cantada por Anderson en un disco de Yes. Quiza sea un consuelo
menor ante la posibilidad clara de que Yes no vuelva a sacar un disco con
canciones nuevas nunca mas. Aunque con estos muchachos nunca se sabe...
En resumen, recomiendo especialmente este album de Asia. Es uno de
los mejores cds editados en los ultimos tiempos y dificilmente existan en
el rock actual producciones mas deliciosas y disfrutables que esta para los
fanaticos del Rock Progresivo y Sinfonico.
(Esta resenia esta dedicada a todos los que aun creen en algo, a los fans
japoneses de la banda y a mi Heroina particular que me dio vida otra vez...)
Emiliano Acevedo
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Autor: "El Retorno del Gigante - Correo" <correo@elretornodelgigante.com.ar>
Asunto: AGOSTO en " El Retorno del GIgante - Radio Show"
EL RETORNO DEL GIGANTE - RADIO SHOW
95.5 Fm Patricios Lunes 22 Hs Buenos Aires www.fm955.com.ar
89.7 fm d-rock! Miercoles 8 y 23 Hs - Sábadp 08 hs Mar del Plata
www.http://www.d-rock.com.ar/
Las 24 hs en www.elretornodelgigante.com.ar
Programación de AGOSTO en El Retorno del Gigante - Radio Show.
* Entrevistamos a uno de los más grandes bajistas argentinos, el señor
Carlos Alberto "Machi" Rufino, en estudios hablando de sus nuevos proyectos,
como el power trío PWR3 y de las grandes bandas que integró, como Pappo's
Blues, Invisible, Tantor, y mucho mas
* Anticipamos en exclusiva mundial las nuevas ediciones de Viajero Inmóvil
Records: "M.I.A. Archivos", un digipack con disco doble con un track de
video y un libro de fotos y datos, del fantástico grupo progresivo
independiente argentino de los años setenta, que aglutinara a grandes
artistas como Lito y Liliana Vitale, Nono Belvis, Alberto Muñoz, Juan del
Barrio entre tantos otros, con material progesivo y sinfónico inédito como
"La Compañía del Circo Mágico", "La Cantata Saturno", "El Sexteto" y
muchísimo material mas "de lo mejor jamás editado antes de M. I. A."; el
nuevo disco del excelente músico compositor y cantante Andrés Ruiz, de línea
progresiva con sonidos clásicos del mejor rock argentino, titulado "Los
Deudos"; el segundo trabajo de la banda cordobesa "Antihéroe" en un estilo
que mixtura el rock progresivo, la fusión y lo experimental RIO, titulado
"Entretejido Cósmico"; antes de su inminente lanzamiento.
* Otro especial de "Oídos Sin Párpados" de Carlos Salatino, con rarezas y
curiosidades de la música: Esta vez a pedido de nuestros oyentes "Progresivo
Fusión"
* Compartimos el tema que "Jinetes Negros" versionó para el homenaje a la
banda "Nova" a editarse próximamente junto a otras versiones de grandes
bandas progresivas de todo el mundo.
* Un nuevo especial de "Selecionados progresivos", con dos o más músicos del
género tocando juntos
* Otro especial de "Nuevas Bandas Progresivas", presentamos el proyecto
"Woyzzeck" del novel músico argentino Lucas Di Giorno, titulado "En El
Cilindro", una excelente obra de rock progresivo, sinfónico con toques hard
de excelente nivel
* Pedidos de Nuestros Oyentes: Progresivo Fusión, Jonesy, La Biblia de Vox
Dei, Mike Oldfield QE2 y mucho más
* Mas relatos, historias, los clásicos, los nuevos y "La música que a todos
les gustaría... si pudieran escucharla"
Los esperamos
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Canvas Solaris "Sublimation"
CANVAS SOLARIS: Sublimation (2004)
Temas
1. Cosmopolysyndeton (3:22)
2. Spheres in Design (4:28)
3. When Solar Winds Collide (7:33)
4. Cyclotron Emission (3:50)
5. Syzygial Epiphany (6:21)
6. Ekstatik Parataxis (The New Measure) (5:00)
7. Sublimation (8:13)
Integrantes
- Nathan Sapp: guitarras eléctricas y acústicas, guitarra sintetizada,
sintetizadores, efectos
- Ben Simpkins: guitarras eléctricas y de 12 cuerdas, bajo, efectos
- Hunter Ginn: batería, percusión
Canvas Solaris es, hoy por hoy, una banda indiscutiblemente puntera del género
metalero técnico, una vertiente del prog metal que busca combinar la faceta más
dura del rock pesado con las demandas estructurales más rebuscadas (y hasta
retorcidas, a veces) del prog. Sublimation es su primer CD de larga duración
(aunque el repertorio no alcanza la frontera de los 39 minutos), después de un
EP titulado Spatial/Design que expuso sus intenciones progresivas, aunque
todavía con nexos muy fuertes ligados al thrash. Sublimation baja el tono de
la herencia thrash en beneficio de un desarrollo más fluido y filudo de las
inquietudes epxerimentales de Sapp, Simpkins y Ginn.
El primer tema, que porta el extravagante título de Cosmopolysyndeton, exhibe
una secuencia alucinada de motivos ostentosamente complejos dentro de un
esquema muy influido por Cynic y el Dream Theater antiguo. A través de la
potencia metalera sofisticada que se explaya aquí, se nota una exquisitez
performativa grandilocuente. También grandilocuentemente metalizado, pero con
una dosis mayor de complejidad y la adición de matices experimentales de corte
space-rock y jazz-rock, Spheres in Desgin termina por asentar el núcleo
estilístico de la banda. When Solar Winds Collide expone un nivel de garra
similar al del tema de entrada, pero ahonda en el punche experimental
anticipado en el segundo: la presencia de adornos percusivos, secciones de
corte fusión y cadencias épicas en algunos pasajes hacen que esta pieza navegue
sólidamente a través de su ecléctica musicalidad. Sus 7 ½ minutos de duración
se sienten un poco cortos, en verdad, después de haberlo disfrutado de un
tirón. Cyclotron Emission elabora una semejante intención de complejidad y
contraste, aunque esta vez en unos confines menos expansivos. Syzygial
Epiphany es la pieza más etérea del disco, aunque esto no quiere decir que
renuncie al filo metalero de las guitarras: en todo caso, las secciones
potentes exhiben una cadencia más contenida, permitiendo oque el interludio
lento y los otros interludios de base tribal se inserten con total naturalidad.
Ekstatik Parataxis (The New Measure) nos devuelve a la neurosis de
inspiración thrash e incluso la aumenta: la batería de Ginn se mueve firmemente
a través de los inauditos quiebres de compases, mientras que el interludio
jazz-crimsoniano nos muestra una insospechada delicadeza en los fraseos
solistas de parte de Snapp.
La pieza homónima cierra el disco, ocupando sus últimos 8 minutos.
Sublimation inaugura oficialmente lo que parece ser un doble dogma de CS
cerrar el disco con la pieza más extensa, y que además, tenga un acento cósmico
bastante pronunciado. Los primeros 3 minutos del viaje sonoro por el que se
explaya el trío ofrecen un híbrido de Ozric Tentacles y Gordian Knot: después,
la cosa deriva gradualmente hacia una excursión más agresiva, desarrollando una
polenta metalera cruda que nos remite (una vez más) a las raíces thrash de la
banda. Con el ingreso de una sección fusionesca exótica marcada por percusiones
ceremoniosas y contrapuntos guitarreros a lo Fripp-Belew, CS alcanza un cénit
de prestancia sonora, el mismo que se expande a través del clímax que se arma
en los poderosos últimos 60 segundos. Esta pieza sin duda ha sido un
experimento exitoso a la hora de definir una pauta de CS en su elaboración de
piezas más extensas para sus discos posteriores. De esta manera concluye este
disco que plasmó la madurez musical de uno de los grupos de metal experimental
más talentosos y osados en la actualidad: disfrutar este disco es también
comprender cómo Canvas Solaris llegó después a gestar obras tan contundentes
como Penumbra Diffuse y Cortical Tectonics.
César Mendoza
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