Copy Link
Add to Bookmark
Report
La caja de musica Number 0841
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
============================================================================
LCDM: #841 agosto 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
----------------------------------------------------------------------------
* Kharmina Buranna "El Arte de Seguir Vivos"
* Decibel "El Poeta del Ruido"
* Manticornio actualizado - 3 de agosto
* MEDIABANDA + CODA en vivo, 23 de agosto
* Review Peralta 2008
* nuevo proyecto de Colossus "INFERNO"
* Caravan & the New Symphonia
* Yugen "Labirinto d'Acqua"
* KANSAS: Two for the Show
* Time's Forgotten "A Relative Moment Of Peace" 2006
* OCTOPUS "Coda"
----------------------------------------------------------------------------
Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Kharmina Buranna "El Arte de Seguir Vivos"
KHARMINA BURANNA: El Arte de Seguir Vivos (2008)
Temas
1. Bosque de Piedras
2. Del Parque
3. El Arte de Seguir Vivos
4. Sueños de Opio
5. Labra un Lugar (de Sonidos)
Integrantes
- Ángelo Pérez-Palma: voz, armónicas, guitarra acústica
- Daniel López: teclados, xilofón, glockenspiel
- Víctor Otárola; batería, percusión
- Mauricio Hooker: bajo, flauta, flauta dulce, coros
- Eduardo Valcárcel: guitarras eléctricas y acústica
Colaboradores: Octavio Castillo (flauta en 4), Pauchi Sasaki (violines en 4),
Lalo Williams (arreglos de cuerdas en 4)
Para los que hemos estado pendientes de lo que iba sucediendo en la escena
art-rock limeña de los últimos 5 años, este disco debut del quinteto Kharmina
Buranna era una cuestión de larga espera: ahora, en agosto de 2008, por vía del
sello chileno Mylodon Records, El Arte de Seguir Vivos es una realidad
fáctica, y de hecho, una realidad de buena factura dentro del esquema rockero
progresivo. Kharmina Buranna inició su trayectoria a mediados de los 90s
haciendo covers de rock clásicos y blues-rock (Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Ten
Years After, Stevie Ray Vaughn, etc.), y luego, al entrar al nuevo milenio, el
grupo decidió dedicarse más a fondo a cultivar el género progresivo que siempre
fue santo de peculiar devoción. Grupos como Yes, Jethro Tull, Genesis, King
Crimson, Focus, PFM,
eran ítems de cabecera (incluso el teclista Daniel López
formó parte de un proyecto tributo a Jethro) que finalmente influyeron en el
repertorio creado por Kharmina Buranna en su proceso de maduración estilística.
El Arte de Seguir Vivos es el pleno testimonio de estas inquietudes que
llevaron a tres de los cinco temas a acaparar espacios de más de 10 minutos. De
todas formas, algunos resabios del blues-rock permanecen en la rica amalgama
gestada por la banda, siendo el más patente el uso de la armónica a cargo del
cantante Ángelo Pérez-Palma se nota que él se siente bastante cómodo en este
registro. Por otro lado, los aportes de flautas traversa y dulce por el bajista
Mauricio Hooker emergen para imprimir un especial colorido a los pasajes más
abiertamente pastorales y bucólicos del disco.
El disco comienza con Bosque de Piedras comienza con pletóricas armonías y
cortinas de sintetizador, muy a lo Wakeman; una vez que el ensamble en conjunto
de asienta, las cosas pasan frontalmente a un plano bombástico muy dinámico,
con un ambiente general que suena a una híbrido de Yes, PFM y el Jethro Tull de
Songs from the Wood. Algunos pasajes disonantes en los cuales el órgano, la
guitarra solista y la dupla rítmica empiezan a ponerse machacantes, las cosas
pasan a un plano más psicodélico por la parte dura (coincidiendo con el King
Crimson setentero, o con Areknamés). Con todo lo efectivo y hermoso que ha sido
este estupenda tema de apertura, yo hubiera preferido que el segundo tema
hubiese sido en realidad el primero. En efecto, Del Parque cuenta desde el
mismísimo punto de partida con un empuje agresivo que encarna muy bien la
faceta más muscular de la banda. Imaginemos una confluencia entre VdGG y la
hornada sinfónica pesada italiana (Museo Rosenbach, Ossana), sazonada
ocasionalmente con adornos gentlegiantianos. El uso de percusiones tonales
realza las bases de teclado en algunas secciones, mientras que los solos de
armónica y guitarra eléctrica emiten impresionantes sensaciones electrizantes.
La pieza homónima es la más enraizada en la historia lejana de Kharmina
Buranna: un blues-rock a toda regla, con un compás bien marcado y una cadencia
fácil de distinguir. Eso sí, el asunto va más bien por el lado estilizado el
grupo decide dejarse influir más por la mágica majestad de Led Zeppelin y el
esplendor del Jethro Tull de Stand Up/Benefit que por la crudeza arraigada
de un Mayall o un Vaughn. No caben dudas sobre los méritos específicos
referidos a los sucesivos solos de armónica, guitarra y órgano, los cuales
ensalzan muy bien el jam elaborado en el interludio: es por eso que, no siendo
la pieza más compleja del disco, sería muy engañoso tildarlo de simplista. En
fin, las dos últimas piezas nos vuelven a enfilar hacia el horizonte progresivo
sin tapujos. Sueños de Opio comienza con un variado preludio que durante 4
minutos nos muestra el dinamismo propio del estilo KB; al aterrizar en la
sección cantada, la pieza nos muestra su faceta más etérea, algo que se
enfatiza más cuando los arreglos de cuerdas entran a tallar para realzar el
lirismo ensoñador del momento. Los últimos 13 minutos del disco están ocupados
por Labra un Lugar (de Sonidos), el cual recapitula y capitaliza las virtudes
más netamente progresivas del repertorio precedente con Yes y PFM como
referencias importantes, el uso de sonoridades pesadamente psicodélicas y
ciertos adornos tullianos, se hace notar la introducción de aires emersonianos
en varios registros del órgano. El interludio pastoral (donde destacan las
gráciles líneas de la flauta dulce) y el suavemente refinado boato de la coda
brindan una efectiva conclusión tanto a esta pieza como al disco.
El Arte de Seguir Vivos queda como un nítido testimonio de un cierto cénit
creativo de la banda. En el concierto que KB dio el viernes 1 de agosto para
celebrar la presentación oficial del presente disco se concretó la partida del
vocalista Ángelo Pérez-Palma, quien seguirá adelante con proyectos personales
fuera del Perú. Se inicia por ahora una nueva fase en el sendero musical de KB
en busca de otros momentos nuevos.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Decibel "El Poeta del Ruido"
DECIBEL: El Poeta del Ruido (1978)
Temas
1. El Poeta del Ruido (7:38)
2. Orgon Patasísico - Part I (1:29)
3. Orgon Patasísico - Part II (6:38)
4. Fakma (3:32)
5. El Fin de los Dodos (3:53)
6. Terapia de Fakirato (6:42)
7. Manati (5:27)
8. El Titosco (1:52)
Integrantes
- Jaime Castañeda: batería, percusión, violín, voz
- Carlos Robledo: teclados, cintas, trompeta, guitarra, flauta, marimba,
percusión, voz
- Alejandro Sánchez: violín, clarinete, piano, bajo, trombón, percusión, voz
- Walter Schmidt: bajo, guitarra, órgano, flauta, saxofón, sintetizador, voz
Músicos adicionales Carlos Alvarado (teclados), Javier Baviera (clarinete,
saxofón), Víctor Robledo (violín, sintetizador), Jean Luis Romero (clarinete)
Decibel es la banda mexicana que gestó algunas de las páginas doradas de la
vanguardia mexicana su propuesta rock in opposition es sólida y osada,
transmitiendo un carácter y personalidad propiamente maduros a través de las
obvias influencias recibidas de Henry Cow, Faust, Univers Zero (recordemos que
ya había salido al mercado su disco debut 1313), además de las teorías
académicas de Cage y Stockhausen.
La pieza homónima abre el disco comienza con una serie burlona de efectos de
sonido que emulan una fauna de aves, un anuncio dadaísta del potente despliegue
de disonancias y tensiones que tiene lugar por más de 7 minutos los
imposibles quiebres rítmicos, repletos de síncopas varias, y los explosivos
efluvios del piano generan la serpenteante columna vertebral del tema hasta su
clímax final. He aquí lo que pasa cuando se mezclan Henry Cow y una versión
frenética de Magma. Los dos temas que siguen a continuación completan la dupla
de Orgon Patasísico. Ambas piezas se enfilan hacia lo misterioso y lo
atmosférico, por vía de una apuesta sórdidamente hermética por la musique
concrete y el ruidismo electrónico. Este paradigma deconstructivo,
primordialmente inspirado en Stockhausen, se perpetúa en Fakma y El Fin de
los Dodos. La primera de estas piezas introduce una dosis aumentada de
tenebrismo a la extrema inquietud inherente a este tipo de caos sónico; por su
parte, El Fin de los Dodos adquiere unas tonalidades cósmicas que incrementan
el clima de oscuridad, como retorciéndose mientras nos vamos adentrando más en
ella. Terapia de Fakirato comienza con un lánguido preludio de piano que se
extiende hasta los primeros 80 segundos; de inmediato, el ensamble integral
exhibe un viaje sonoro sólido, exquisito en su sombrío y controlado dinamismo.
El asunto desarrollado aquí muestra varias afinidades con el Univers Zero del
1313. Manati nos devuelve al caos aleatorio y flotante de temas anteriores:
la peculiaridad de esta pieza en particular es que se añaden ambientes tribales
que sirven para canalizar sonoridades de raíz étnica. El Titosco completa el
repertorio oficial con una breve reconsideración de la faceta más extrovertida
del grupo.
La edición digital incluye nada menos que 8 bonus tracks. Notas sin Dueño
explora lntereses zheul, mientras que Mucilago Binomial elabora un filtro
fusionesco para la esencia RIO de la banda. Ahora vienen los bonus en vivo.
Mensaje desde Fomalhault es un soundscape de consola que emula sonidos de
vientos torrenciales que finalmente aterriza en un delirio Faustiano con bases
de piano, platillos de batería y voces humanas bizarramente recicladas a través
de cintas magnetofónicas. Fragmento del Poeta del Ruido es lo que más o menos
dice el título, una reelaboración de uno de los motivos pulsacionales de El
Poeta del Ruido. En este caso, el frenesí rítmico es menos pronunciado,
optando el cuarteto base con su invitado de turno por establecer un esquema
sonoro crecientemente denso, incluso llegando a picos de intensidad
surrealista: la fuerte presencia del sintetizador añade un componente hipnótico
al asunto. !Algo! es un muestrario de ruidismo minimalista, mientras que
?Acaso Estoy en un Lecho de Rosas? es una poderosa dupla free-form de batería
y efectos cibernéticos de sintetizador. Improvisation en Blanco y Negro
establece un ahondamiento en las pautas RIO establecidas por Henry Cow en su
In Praise of Learning, mientras que Falso Jericó recupera el caos más
radical estilo Decibel.
Decibel es todo un fenómeno de experimentación musical llevada hasta extremos
desafiantes de abstracción y deconstrucción lejos de ser meros acólitos de
los grandes nombres del RIO provenientes de un exótico país latinoamericano,
Decibel construyó efectivamente una voz propia dentro de la vanguardia
progresiva. El Ruido del Poeta es un tesoro imperdible para cualquier
seguidor de la música vanguardista.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Manticornio actualizado - 3 de agosto
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Aquí va la lista de nuevas reseñas incorporadas a la página mexicana
Manticornio (www.manticornio.com) en su más reciente actualización. Visita
recomendada ampliamente para los fans progresivos.-
" agosto 3, 2008:
sección Artistas:
ANNEXUS QUAM: Beziehungen.
ASTRALIS.
AYREON: Actual Fantasy.
BACAMARTE: Depois do Fim.
BLACK BONZO: Black Bonzo.
CAAMORA: She.
ECHOLYN.
ESTIGMA: Retrato de un Sueño.
FLOR DE LOTO: Madre Tierra.
KANSAS: Kansas.
KAYAK.
LEPRECHAUN.
MAHESH.
MAR DE ROBLES: Indígena.
MINDFLOWERS: Nuances.
MR. BROWN: Mellan tre Ögon.
OCTOPUS.
PINK FLOYD: Obscured by Clouds.
POLLEN.
RUSH: Rush.
Jaime SCALPELLO.
SUPAY.
TRICANTROPUS.
actualización de entradas anteriores:
CRUCIS.
pendientes para incluir a partir de la próxima actualización (agosto 31,
2008):
BROTHER APE: III.
CAMEL: Camel.
ENID: In the Region of the Summer Stars.
HARMONIUM: Si on Avait Besoin d'une Cinquième Saison.
KAIPA: Inget Nytt Under Solen.
PÄR LINDH PROJECT: Mundus Incompertus.
SUPERTRAMP: Indelibly Stamped.
TRIUMVIRAT: Mediterranean Tales.
Rick WAKEMAN: Journey to the Centre of the Earth.
YES: Yes.
----------------------------------------------------------------------------
Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MEDIABANDA + CODA en vivo, 23 de agosto
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo un mensaje de parte de la banda chilena MEDIABANDA
sobre su actuación en vivo para el 23 de agosto próximo. El citado grupo
compartirá cartel con el ensamble percusivo CODE para dicha ocasión.-
" Interacción con el público, experimentación, juego, su desprejuiciada fusión
y versatilidad musical característica traerá la galardonada agrupación nacional
MediaBanda, que presentará un show de carácter especial y único este sábado 23
de agosto en el Teatro Oriente (Av. Pedro de Valdivia 099, Providencia). El
colectivo de 10 músicos, liderado por los ex Fulano Cristián Crisosto y Arlette
Jequier, propone para la ocasión una experiencia multidisciplinaria e
interactiva para este evento, donde compartirá cartel el dúo de percusión
experimental Code.
"Se trata de un concierto propositivo, donde sin duda queremos dejar algo
valioso en la mente y el alma de los espectadores", dice Christian Hirth al
respecto. El baterista de MediaBanda tendrá doble participación en el
espectáculo, puesto que es una de las dos mitades de Code, dupla que se enfoca
en la búsqueda de nuevas sonoridades mediante la percusión, mezclando
instrumentos percutivos propiamente tales con objetos diseñados para otros
fines, como discos de arado, pelotas y estructuras metálicas, además de
instrumentos creados por los propios músicos.
Toda esta presentación irá acompañada de proyecciones visuales complementarias
con la música, para el dúo este concierto es la antesala para el lanzamiento de
su documental de música experimental en el mes de Noviembre de este año, que
además es el primero que se realiza en Chile.
A exactos 8 años de su formación, con dos discos de estudio y una unánime
aclamación de la crítica especializada, MediaBanda se ha posicionado como uno
de los ensambles más importantes en la pequeña pero cumplidora escena de
vanguardia nacional. Este show del 23 de agosto se vislumbra como una excelente
oportunidad para toparse de frente con una experiencia sonora y visual única de
presenciar en vivo.
Las entradas ya están a la venta por el sistema Ticketmaster y sin cargo en la
boleteria del Teatro Oriente.
Mayor Info sobre la banda en: http://www.mediabanda.cl/ y
http://www.myspace.com/mediabanda
Video Promocional: http://www.potemkin.cl/clientes/mediabanda%2Bcode.html
Coordenadas:
Sábado 23 de Agosto
20:30 Horas
Teatro Oriente
Av. Pedro de Valdivia 099. Providencia.Santiago
Valor: $7.000 Platea Baja/$5.000 Platea Alta "
----------------------------------------------------------------------------
Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda <>
Asunto: Review Peralta 2008
Festival de Peralta (Navarra), julio 2008
Hola a todos...
El pasado día 19 de julio tuvo lugar la quinta edición del
Festival de Peralta, con un cartel que me parecía bastante interesante,
por ser la única posibilidad de ver en España la gira del Script
for a Jester's Tear que se ha montado el Mick Pointer y unos colegas
(entre los cuales, nada menos que Nick Barrett a la guitarra). Además,
como cabezas de cartel los Threshold que vuelven a tener el
grand Damian Wilson a la cabeza.
Yo ya había ido al Festival de Peralta en la primera edición (Onza,
RPWL y Mostly Autumn). Así que ya sabía que el festival era al aire libre,
en la plaza de toros del pueblo... cosa que siempre es un riesgo
por eso de la lluvia. En la primera edición ya cayó un chubasco antes
de empezar que atrasó todo el programa, pero sin más
consecuencias. Ya es casualidad, a finales de julio no suele llover
demasiado...
El caso es que todo el viaje en Navarra el tiempo se preveía de pleno
verano, sin una nube. El festival empezó bastante puntualmente, con
unos Zaguán que hicieron una muy buena interpretación de los clásicos
de Triana. Acostumbrado a oír estas canciones tal y como fueron
grabadas originalmente, la interpretación de Zaguán puso énfasis
en los aspectos más sinfo-progresivos y me sorprendieron muy
agradablemente.
Claro que a medida que se iba tirando a la noche y la actuación de los
Zaguan avanzaba parecía evidente que se acercaba un cambio de tiempo.
Efectivamente, fue acabar y caer un diluvio acompañado de rayos y truenos
que nos tuvo a todos refugiados a la parte cubierta de la plaza durante una
buena media hora, justo cuando estábamos a punto de llegar a "la substancia"
del Festival.
El problema fue que aun cuando la tormenta fue corta, el equipo de sonido
había quedado mojado hasta el extremo que no era posible conectarlo
sin exponerse a un serio riesgo de accidente, que además
el seguro no cubría... Total, una parada de dos horas a lo largo de la
cual los organizadores llegaron a plantear la posibilidad
de cancelarlo todo y volver el dinero de las entradas al público. Un
público no muy numeroso pero que estaba dando claras muestras
de impaciéncia. Eso se hizo muy largo... finalmente, los músicos
se ofrecen a hacer algo en plan acústico. Entonces, a última hora,
deciden que no, que tocarán enchufados pero sin el equipo de sonido del
escenario, que los de la empresa que lo habían alquilado se negaban en
redondo a ponerlo en marcha. Es decir, que el sonido que oiríamos sería
sólo el de los amplis que traen los músicos. Sin mesa de sonido, ni
monitores...
Evidentemente eso no podía sonar perfecto pero si tenemos en cuenta las
limitaciones el resultado fue bastante digno. Esto si, la guitarra de Nick
Barrett casi no se oía y en los típicos diálogos guitarra-teclado se debía
girar para que Mike Varty (el teclista) lo viera y así supiera qué notas
estaba tocando. Mención aparte para el cantante, que hace una interpretación
muy convincente de Fish hacia el 1983; Ian Salmon al bajo hizo una muy
buena trabajo teniendo en cuenta que en aquellas condiciones el bajo era
casi lo que más se oía. Al final hicieron el repertorio habitual de la
gira casi
entero: todo el Script, más el Grendel y el Market Square Heroes; no
tuvo lugar por el Margaret, porque ya se hacía muy tarde (cerca de las
2) y todavía faltaba la cabeza de cartel!
Porque estaba por verse si en aquellas precarias condiciones
acústicas los Threshold se podrían defender. Y sí, también lo hicieron
bastante bien, aun cuando la complejidad y sobre todo la contundencia
de esta banda lo hacía todavía más difícil. hicieron un amplio
recorrido por las diferentes épocas del grupo en el cual el Damian
Wilson demostró por qué es uno de los cantantes más reputados de todo
el género (además, ha mejorado bastante su carácter desde su
visita a Mephisto, de aciaga memoria). A destacar aquí el papel del
batería, con un kit sorprendentemente pequeño para una banda de
prog metal y que no paraba de hacer malabarismos con las baquetas
cuando tenía las manos libres. Ah sí, y el rebuscado posturismo plan
guitar hero de Karl Groom. No, hablando seriamente esta gente se
merecerían un nivel de reconocimiento muy superior al que tienen;
quizás si se pudieran colocar de teloneros de Dream Theater a más de
uno se le abrirían las orejas.
En fin, que al final se pudo salvar la noche, aun cuando me quedé con
las ganas de poder oír las actuaciones del Script y Threshold
en mejores condiciones.
Por cierto, en el stand de merchandising que trajeron la gente de la Script
(el único que había) y dónde traían CDs de las bandas
relacionadas con los integrantes de esta formación (Pendragon, Arena,
Credo...) se anunciaban las fechas de la próxima gira de Pendragon y se
comentaba que en principio el nuevo CD estará disponible sólo a través
de la web de Pendragon y en los conciertos.
José Javier Delmás
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Progjuan Progjuan" <progjuan@gmail.com>
Asunto: nuevo proyecto de Colossus "INFERNO"
Hola
Colossus prepara un triple album conceptual basado en los 34 cantos del
INFERNO de la Divina Comedia.
Las bandas son las siguientes (por orden alfabetico)
Advent
Armalite
Ars Nova
Atlantis1001
Brighteye Brison
CAP
Colossus Project
Combination Head
Contrappunto Project
Corte Aulica
Court
De Rossi e Bordini
Entrance
Garmond
Greenwall
Groovector
Il Castello Di Atlante
Lady Lake
Little Tragedies
Matthijs Herder
Nathan Mahl
Nemo
Nexus
NotaBene
Ozone Player
Raimundo Rodulfo
Simon Says
Sinkadus
Tempano
Trion + Flamborough Head
Viima
Wicked Minds
Willowglass
Yesterdays
Mas información en:
http://www.colossus.fi/125/index.php?id:59,80,0,0,1,0
salu2
Juan
----------------------------------------------------------------------------
Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Caravan & the New Symphonia
CARAVAN: Caravan & the New Symphonia (1974)
Temas
1. Introduction by Alan Black / Memory Lain, Hugh / Headloss (11:00)
2. The Dog, the Dog, He's at It Again (6:36)
3. Hoedown (3:54)
4. Introduction (6:49)
5. The Love in Your Eye (12:49)
6. Mirror for the Day (4:29)
7. Virgin on the Ridiculous (7:57)
8. For Richard (14:18)
9. A Hunting We Shall Go (10:23)
Integrantes
- Pye Hastings: guitarra, voz
- John G. Perry: bajo, coros
- Richard Coughlan: batería
- Geoff Richardson: viola eléctrica
- Dave Sinclair: órgano, sintetizador, piano eléctrico
Músicos adicionales John Hastings (flauta y saxo alto); Morris Pert
(percusión); New Symphonia Orchestra, dirigida por Martyn Ford; Liza Strike,
Vicky Brown, Margot Newman, Helen Chappelle, Tony Burrows, Robert Lindop y
Danny Street (coros)
Entusiasmados y alucinados por el modo en que los arreglos orquestales
funcionaron en varios temas de su disco For Girls Who Grow Plump in the
Night, los miembros de Caravan quisieron ir a todo con esta idea y hacer un
concierto (o al menos, una gran parte de él) con una orquesta sinfónica. La
orquesta en cuestión fue la New Symphonia Orchestra; la ocasión registrada en
este disco fue el primer concierto, realizado en el Theatre Royal de Drury
Lane, el 28 de octubre de 1973. se trata realmente de un documento intenso y
muy rico en elementos progresivos, aunque el trasfondo de la cuestión es que la
idea de unir Caravan y orquesta fue una pesadilla tanto logística como
conceptual hasta minutos antes del concierto se dieron ciertas tensiones
entre el quinteto y los arreglistas académicos. De hecho, los ensayos solo
tuvieron 6 horas de duración, pero bueno, la cosa salió muy bien: no se debe
esperar una magia igual a la de la versión en vivo del Snow Goose de Camel
que aparece en A Live Record, ni tampoco una fastuosidad imponente a la de
Procol Harum en Edmonton o de Renaissance, pero sí se trata de una bella y
energética obra progresiva alimentada de la pomposidad sinfónica que sale a
colación en ocasiones como ésta. Esta edición digital ofrece una expansión muy
interesante: los temas 2-4 y 10 no aparecieron en el vinilo original, por lo
que este CD nos muestra una experiencia más completa, y por ende, más
gratificante.
El concierto arranca con el quinteto solo, dándose buen abasto con Memory
Lain, Hugh y Headloss, la dupla que abría For Girls Who Grow
y que aquí
genera una excelente vibración. Otros dos temas del disco mencionado siguen
The Dog, the Dog, Hes at It Again es una muestra típica del lirismo ligero
que penetra la visión musical de Hastings, mientras que Surprise, Surprise es
un ameno rock cuasi-country en 7/8. Ni qué decir que el violista Geoff
Richardson es la nueva estrella de la banda: a pesar de la fuerte personalidad
que tiene el retornado teclista Dave Sinclair y el ímpetu rockero que John
Perry insufla a su bajo dentro del firme aparato rítmico de la banda,
Richardson es quien carga sobre sus hombros (de manera ágil y dinámica) la
mayor cantidad de melodías y matices a ser desarrollados en cada pieza. En
realidad, el bajo de Perry no resalta tanto en la mezcla como debiera, pero se
hace notar. Esto da ventaja a la batería de Coughlan, cuya estupenda labor no
siempre es tan advertida por los melómanos (yo me incluyo): ahora no hay manera
de no notar su precisión y bien administrada fuerza.
La introducción compuesta por Simon Jeffes comienza con un despliegue orquestal
que gira en torno a texturas bien encuadradas, dejando luego espacio para que
Caravan se luzca en un jam de tenor jazzero, dueño de un swing llamativo que
muy pronto queda enriquecido por el retorno de los masivos instrumentos
orquestales (especialmente, las cuerdas). La versión de The Love in Your Eye
exhibida aquí es definitiva, poseedora de un colorido que no llegó a ser del
todo explotada en Waterloo Lily. Incluso Pye Hastings, quien nunca fue tan
afecto a mostrar y expandir sus habilidades como guitarrista, aprieta el
acelerador ofreciendo poderosos riffs y solventes fraseos durante los últimos
minutos. Los dos temas siguientes, Mirror for the Day y Virgin on the
Ridiculous, fueron compuestos para la ocasión, y en palabras del mismo
Hastings cuando se dirige al público, sus respectivas letras fueron completadas
durante las últimas horas antes del evento. Mirror
exhibe un sello muy a lo
Caravan, afín al lirismo recurrente en For Girls y el clásico In the Land of
Grey and Pink (un momento
aquí no parece ningún tema de este disco
), tal vez
con una mayor cercanía al RnB estadounidense que de costumbre. Más bien,
Virgin
ofrece un puente de momentáneo regreso al esplendor de If I Could Do
It All Again, alternando climas evocativos con un giro hacia un dinamismo
calculadamente complejo y más notoriamente muscular durante el interludio
instrumental. Lo mejor está por llegar
y llegó por fin: For Richard y A
Hunting We Shall Go, dos piezas épicas que encarnan la faceta más excelsa de
Caravan completan el repertorio con pura explosividad sonora. For Richard
ofrece un creativo duelo entre grupo y orquesta durante los últimos 4 minutos,
y eso que los arreglos están dispuestos de manera que se dé una amalgama
melódica firme. La contundencia plasmada en este usual tema de cierre solo
puede ser sucedida por A Hunting We Shall Go, coda que casi no tiene lugar
(según tengo entendido) por motivos de restricciones sindicales. En fin, la
orquesta se portó como paladín de Caravan una vez más, logrando recrear la
magia de la versión de estudio: la sólida precisión durante los pasajes
enérgicos y la envolvente elegancia durante los pasajes etéreos generan un
impresionante segundo clímax. Si esta pieza fue la que motivó la inquietud de
Caravan por realizar este proyecto, entonces la idea era muy buena y el
resultado fue plenamente satisfactorio. !Tal vez se trate de la última gran
obra de Caravan!
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Yugen "Labirinto d'Acqua"
YUGEN: Labirinto dAcqua (2006)
Temas
1. Sévére Réprimande (0:50)
2. Catacresi (6:35)
3. Omelette Norvegese (1:07)
4. Corale Metallurgico (7:33)
5. Danse Cuirassée (Periode Grecque) (1:03)
6. Brachiologia (3:11)
7. La Mosca Stregata (0:56)
8. Quando la Morte Mi Colse nel Sonno (9:23)
9. Skellotron 003 (1:23)
10. Le Rovine Circolari (6:53)
11. Anastomosi (1:28)
12. Danze Corazzate (3:49)
13. Labirinto d'Acqua (1:21)
14. Incubi Concentrici (4:42)
Integrantes
- Paolo Botta: piano eléctrico, mellotron, órgano, Moog
- Stephan Brunner: bajo
- Maurizio Fasoli: piano
- Dave Kerman: batería en 4
- Tommaso Leddi: mandolina, flauta
- Massimo Mazza: vibráfono, marimba, glockenspiel
- Elia Mariani: violín
- Guiseppe A. Olivini: percusión, shakuhachi, Theremin
- Peter Schmid: clarinete, tubax, saxo subcontrabajo, flauta bajo, taragot
- Mattia Signo: batería
- Marco Sorge: clarinetes
- Markus Stauss: saxo
- Francesco Zago: guitarras, teclados
- Diego Donadio: arreglos percusivos
Nadie vio venir esto de Yugen como una propuesta radical de chamber-rock en el
progresivo, y con esto me refiero a las raíces neo que su fundador, el
guitarrista Francesco Zago, tenía como miembro fundamental de The Night Watch
(luego The Watch). Lo que tenemos aquí en Labirinto dAcqua es un festín
musical de gran calibre y elevado espíritu aventurero que ensalza los senderos
de delirio, caos, cerebralismo surrealista, terror, turbulencia y mentalidad
enigmática que son tan propios de las vertientes experimentales progresivas con
fuerte raigambre en la academia contemporánea y la musique concrete. Este grupo
es un ensamble en el sentido más estricto de la palabra la copiosa cantidad
de músicos involucrados cuenta con un espacio de expresión claramente delineado
dentro de la compleja organicidad a ser ejecutada en cada pieza. Zago es el
compositor, pero eso no significa que su guitarra ocupe un rol central dentro
de la instrumentación: más bien, él concentra el empleo de la guitarra a modo
de texturas y retazos complementarios a las líneas dibujadas por otros
instrumentos, y ciertamente su participación en los teclados adicionales
(teniendo en cuenta que el ensamble tiene ya a dos teclistas permanentes) sirve
para realzar la densidad propia de las orquestaciones dibujadas por la masa de
metales, maderas y violín que emerge en cada momento.
Los temas impares son preludios que anticipan las atmósferas principales del
tema inmediatamente posterior o interludios que engarzan ambientes entre dos
temas de expansivo desarrollo. Sévére Réprimande es un ágil y misterioso
étude de piano que anticipa el tenor ceremonioso desarrollado en Catacresi,
pieza en la cual el ensamble pone toda la carne en el asador en cuento al
desenvolvimiento de contrapuntos y el saltante contraste entre los diversos
motivos. Omelette Norvegese es un ejercicio de disonancia académica a través
del influyente filtro de Opus Avantra, el mismo que anuncia e lretorcido
frenesí de Corale Metallurgico, una de las piezas más decididamente
llamativas del disco. Con sus inclinaciones paralelas hacia el Univers Zero
77-81, el Henry Cow del Western Cuture y Dr. Nerve, esta pieza le sirve a
Yugen para rendir homenaje a la tradición del RIO y, a la vez, impulsar ésta
hacia nuevos horizontes en la escena contemporánea. Danse Cuirassée (Periode
Grecque) tiene un aire de danza palaciega distorsionada a fin de encajar
dentro de un circo tétrico; Brachiologia sigue adelante con la pomposa vena
heterodoxa de las piezas extensas precedentes, aunque sin duda los sonidos de
mellotron ayudan a darle un cariz etéreo adicional al asunto. La Mosca
Stregata es un preludio intrigante a la pieza más extensa del disco, Quando
la Morte Mi Colse nel Sonno. El tema comienza con un acento bastante lírico,
otoñal y melancólico a despecho del robusto tempo creado por la batería. El
ambiente fastuoso no tarda en asentarse de manera clara (asemejándose un poco
al mejor Isildurs Bane), pero en ningún momento se introduce Yugen en terreno
sinfónico: de hecho, los momentos más formalmente relajados son los que en el
fondo transmiten un aire de quietud amenazante e inescrutable, un misterio
grisáceo que seguramente oculta algo siniestro tras su espumosa bruma. Los
pasajes de mellotron surgen como una imagen del limbo que traspasa las barreras
de la realidad y la trastoca sin violentarla
pero sí hay violencia en el
abrupto ingreso de un minúsculo motif potente en el sexto minuto y cuarto. De
este modo, el terreno está preparado para el pasaje final, basado en un compás
de 15/8 que expone un dinamismo especial para el estándar del chamber-rock.
Todo el esplendor al cual nos condujo la pieza 8 se contrapone con el ejercicio
de minimalismo mellotrónico que supone Skellotron 003, el mismo que a su vez
haya su contrapeso en Le Rovine Circolari, toda una espiral neurótica que nos
brinda un matrimonio intenso entre el King Crimson 73-75 y Univers Zero,
ampliamente sazonado con intromisiones caóticas semejantes a las que hallamos
en los temas 2 y 4. Algo de esta onda muscular dentro del RIO también puede
hallarse en los discos de 5uus y Thinking Plague. Las amplias cadencias
lánguidas exploradas en esta pieza se extienden en cierto grado en el
interludio Anastomosi. La ruda y opulenta extravagancia de Danze Corazzate
nos brinda un nuevo vendaval, el cual da la apariencia de disolverse en el
fade-out demasiado pronto. El último interludio, precisamente el tema homónimo,
es un étude de piano que me recuerda mucho al que había dado inicio al disco;
la última pieza, Incubi Concentrici, se explaya con ágil reiteración en
motivos y ambientes de predominancia lírica, tal vez afines a lo que solía
hacer Miriodor en los 80s y 90s. Así concluye este estupendo disco de Yugen,
banda italiana dispuesta a generar talento y fuerza suficientes para
revitalizar en proporciones geométricas la desafiante herencia del RIO en la
presente escena progresiva.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: KANSAS: Two for the Show
KANSAS: Two for the Show (reedición de 2008)
Temas del CD1
1. Song for America 7:31
2. Point of Know Return 3:07
3. Paradox 4:09
4. Icarus - Borne on Wings of Steel 5:58
5. Portrait (He Knew) 5:19
6. Carry On Wayward Son 4:38
7. Journey from Mariabronn 8:55
8. Dust in the Wind / Acoustic guitar solo 6:19
9. Piano solo / Lonely Wind 4:29
10. Mysteries and Mayhem 4:01
11. Excerpt from Lamplight Symphony 2:39
12. The Wall 4:54
13. Magnum Opus 11:18
Temas del CD2
1. Hopelessly Human - 8:44
2. Child of Innocence - 7:47
3. Belexes - 4:34
4. Cheyenne Anthem - 6:55
5. Lonely Street - 8:20
6. Miracles Out of Nowhere - 7:59
7. Drum solo / The Spider - 7:41
8. Closet Chronicles - 6:55
9. Down the Road - 3:44
10. Sparks of the Tempest - 5:19
11. Bringing It Back - 7:07
Integrantes
- Phil Ehart: batería, percusión
- Dave Hope: bajo, coros
- Kerry Livgren: guitarras, piano, sintetizadores, clavinet, coros
- Robby Steinhardt: violín, percusión, voz, coros
- Steve Walsh: órgano, sintetizador, vibráfono, congas, voz, coros
- Rich Williams: guitarras
Tenemos ahora en nuestras manos una de las maravillas más grandes de la
industria musical digital para el género progresivo en este año 2008: la
reedición remasterizada y notablemente ampliada de Two for the Show, el
electrizante disco en vivo que hace 30 años dio probada constancia de la
robustez, energía y calidad preformativa de Kansas. Este disco fue editado
en el momento cumbre de la banda tanto a nivel artístico como comercial, con
dos discos de estudio precedentes (Leftoverture y Point of Know Return)
que la habían puesto en las grandes ligas del negocio y con una fanaticada
que parecía ampliarse hasta el infinito. El tocar en campos polideportivos,
estadios y grandes teatros desde inicios de 1977 les llevó finalmente en
1978 a dar mega-conciertos que duraban 2 ½ horas y más. Este disco recoge
temas de varios conciertos de su gira tripartita desarrollada desde 1977
hasta 1978, pero se nota un sentimiento bastante fluido en la escucha. El
vinilo doble original de Two for the Show daba constancia de una banda en
plena forma, pero ahora con esta reedición de Sony nos podemos dar cuenta de
toda la dimensión de esta magnificencia sonora. Kansas muestra aquí todas
las facetas de su oferta musical con total brillo igualmente repartido en
todas ellas: la predominante pomposidad sinfónica, los momentos pesados
llenos de sofisticación, los elementos blues-country-bluegrass que llaman a
la tierra natal, los momentos peculiares donde emergen solos de guitarra
acústica, piano o batería,
todo está allí plasmado con vigor. El librito
contiene copiosas fotos (incluyendo a un Walsh bailando a lo Jim Morrison
para enamorar salvajemente a las chicas del público, y también a un
Steinhardt mirando a la nada mientras se interna mentalmente en sus línea de
violín... !imágenes impredibles!) y comentarios históricos, aparte de la
transcripción de la dedicatoria al joven fan que perdió la vista en un serio
accidente de tráfico tras un concierto de esta gira.
El hecho de que las guitarras o teclados duales (dependiendo del rol de
Livgren en el momento dado) se repartan en diferentes canales de audio ayuda
a disfrutar de y entender la inteligencia vertida en las interacciones
instrumentales de la banda. Claro está, también ayuda a realzar la labor de
Steinhardt, protagonista en numerosas ocasiones desde su rol de violinista.
Cabe señalar que este disco ha recibido excelentes comentarios y también muy
buenas ventas, llegando incluso a ocupar el no. 1 de ventas en CD Universe
por una semana.
No hay mucho que añadir sobre el CD1 a que no se haya dicho ya sobre la
primera edición de Two for the Show. Contiene las versiones definitivas de
Icarus, Portrait (He Knew), Mysteries and Mayhem (más frenético de lo
usual), Journey from Mariabronn y Magnum Opus; versiones muy fieles a
las de estudio de Paradox y The Wall; una versión forzadamente recortada
de Song for America; y por último, la omisión de Closet Chronicles, una
de las piezas más impresionantes del Point of Know Return y uno de los
picos absolutos del Two for the Show en vinilo. Pero esta omisión
específica se resuelve gloriosamente en el CD2, el cual contiene en total 11
canciones extra. Pero no es con el recuperado Closet Chronicles que
comienza el CD2, sino con Hopelessly Human, el cual abría los conciertos
de la primera mitad de esta híper-gira. Esta versión expandida comienza con
un breve preludio etéreo, seguido por las primeras 16 barras de Incomudro,
para luego dejar paso a la canción misma. El grupo ya está entrado en calor,
con una sinergia impecable y una potencia muy bien administrada: cerca del
final, Steinhardt debe sacrificar sus últimas líneas de violín para ponerse
a tocar las siete escalas de las campanas tubulares. No, Kansas no usó un
playback, las campanas eran en vivo y en directo. Child of Innocence y
Belexes nos transportan a tiempos anteriores de la gloria comercial de
Kansas: Child viene precedido de un estupendo jam en clave RnB, mientras
que Belexes es ejecutado a mil por hora, siendo así que la velocidad
extra le resta dramatismo pero lo compensa con una mayor explosividad.
Cheyenne Anthem tiene la peculiaridad de que llena más los espacios de
violín y sintetizadores duales en el juguetón interludio.
Lonely Street, Down the Road y Bringing It Back nos muestran, sin
tapujos ni excusas, la faceta más netamente provinciana de Kansas. Solo
Down the Road sigue fiel al esquema de la versión en estudio, pues las
otras dos piezas se benefician de arreglos expansivos que seguramente
servían de contrapeso a la complejidad lírica de los temas más
progresivamente épicos del grupo: Lonely Street nos muestra a un Walsh
genialmente inmerso en el dolor tanático y destructivo del protagonista (un
cowboy de mala muerte que añora vengar con sus propias manos la muerte de su
novia prostituta), mientras que Bringing It Home mantiene a Steinhardt
dibujando mil y una siluetas con su violín, a veces acompañado de la potente
guitarra de Williams. Con esta versión me quedo definitivamente convencido
de que esta canción pertenece más al grupo que al autor original J. J. Cale
(como pasa con Hendrix y el All Along the Watchtower compuesto por Dylan).
Miracles Out of Nowhere es ciertamente una de las más bellas y envolventes
composiciones de Livgren: en esta versión se incluye un solo de órgano a
cargo de Walsh, donde se alternan estilizadas estratagemas barrocas y
retazos hard-blues rock de tipo Jon Lord. También demos mencionar los nuevos
arreglos de múltiples teclados que reactivan el colorido contrapuntístico
del interludio a fin de Scar provecho de los condicionamientos propios del
vivo. Y va otra sorpresa más para quienes solo conocían superficialmente a
Kansas que Phil Ehart es un baterista como la copa de un pino. El solo de
5 ½ minutos que elabora aquí muestra al desnudo las influencias recibidas de
Barriemore Barlow y Carl Palmer, a la par que su dinamismo particular: este
solo deriva en una versión electrizante de The Spider, una de las
composiciones más laberínticas que se hayan gestado jamás en el mundo de
Kansas. En todo caso, es una pena que el comienzo de Portrait se
desvanezca en el fade-out hubiese sido ideal que se hubiese publicado un
continuum entre Spider y Portrait, y de ahí a Carry On
. Ahora bien,
esto hubiese significado tal vez sacrificar otro tema del CD1, por lo que la
alternativa viable era editar el doble CD con una recuperación de los
repertorios originales de tales conciertos. En fin, son solo ideas que se me
ocurren. El penúltimo tema del CD2 es Sparks of the Tempest, tema que
cerraba algunos conciertos (cuando no lo hacía Magnum Opus): la principal
gracia de esta versión es que termina con un largo playback de la sección
final, lo cual mantiene al numeroso público dando palmas al ritmo de la
pieza cuando el grupo ya ha abandonado el escenario.
Bueno, no he podido ocultar mi entusiasmo personal a través de estas
minuciosas descripciones. Termino, pues, esta reseña reiterando que este
Two for the Show doble es tal vez el relanzamiento progresivo más
alucinante del año 2008, y ciertamente, un testimonio de la esencia musical
más pura de Kansas en la plenitud de su esplendor creativo. Citando a Robby
Steinhardt en la coda de Magnum Opus: Gracias por ser un público tan
grandioso
!y buenas noches de parte de Kansas!
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
Autor: "Raul Bonilla" <RBonilla@hutchingsap.com>
Asunto: Time's Forgotten "A Relative Moment Of Peace" 2006
Time's Forgotten : "A Relative Moment of Peace" (2006)
Discográfica: Independiente.
Temas:
1. Of Raindrops and Windowpanes.
2. Walking Towards the Sun.
3. This Troubled Heart of Mine part I.
4. This Troubled Heart of Mine part II-III.
5. Contemplation.
6. Never Away.
7. Tearing Me Apart.
8. Look at Me.
9. The Spectrum of Light.
10. This Troubled Heart of Mine part IV.
Músicos:
- Juan Pablo Calvo: teclados, programación, voces.
- Jorge Sobrado: batería, percusión, programación.
- Ari Lotringer: guitarras, coros.
- Francisco Longhi: voces.
- Carlos Pardo: bajo.
Disco debut de la banda costarricense Time's Forgotten editado a finales del
2006 pero que no fue sino hasta hace unas semanas (debo de admitir no sin
cierta verg=FCenza porque esperé demasiado) que lo adquirí, escuché pero
sobretodo disfruté.
Lo de TF podría fácilmente ser encasillado dentro del prog metal. Craso error.
Yo los ubicaría mas en los terrenos de Porcupine Tree, no porque suenen
similares aunque las influencias están ahí, sino más bien por que ambos
amalgaman una serie de estilos para crear algo original y sin etiquetas. Es
este precisamente uno de los fuertes del ARMOP...TF ha logrado crear un sonido
propio en que se pueden adivinar sus influencias (que todos las bandas las
tienen) pero sobretodo suena a TF y eso no es fácil de conseguir.
La electrónica, el progresivo, el metal, el trip hop, jazz y hasta un poquito
de celta son los ingredientes de este magnifico disco que estos hábiles,
entusiastas y virtuosos músicos nos regalan.
Conceptual como debe de ser, ARMOP es un continuo ir y venir de emociones:
tristeza, soledad, angustia, alegría, desesperación, etc. que no solo lo vive
el protagonista de la historia, sino también quien lo escucha. Y cambiantes no
solo son las emociones, los increíbles paisajes musicales lo son también. Desde
el comienzo del disco con ese cello triste y profundo pasando por los agresivos
riffs, calmados pasajes en acústica y solos de guitarra interpretados con
técnica y sentimiento por Lotringer, los teclados de Calvo que no tienen nada
que envidiarle a Rudess, Wright o Kelly ya sea haciendo solos o creando
atmósferas, los pasajes casi jazzisticos hechos por la buena dupla rítmica de
Sobrado y Pardo, pero sobretodo esos efectos: la omnipresente lluvia agregando
nostalgia, los loops llenando el espectro sonoro y todo esto acompañado de la
gran voz de Longhi que le imprime una identidad diferente a cada canción, su
voz se acopla como guante a la mano a la música de TF.
Es difícil destacar una canción sobre otra en este impresionante disco. This
Trouble Heart of Mine es la pieza central con sus 36 minutos (casi la mitad del
álbum) y resume a la perfección el sentimiento general de la obra. Never Away
cuenta con la angelical voz de la invitada Betsy Murillo y Contemplation hace
ecos a Enigma aunque de una manera que haría sentirse celoso a Michael Cretu.
El disco cierra de manera magistral tras unos minutos de silencio con una coda
a guitarra acústica tan hermosa que estoy seguro es motivo de orgullo para
estos muchachos.
Podría concluir diciendo que este es el mejor disco de prog metal desde Scenes
From A Memory, pero no lo voy a hacer porque personalmente pienso que sería
encasillarlos injustamente.
Solo voy a decir que no me entusiasmaba tanto con un disco de música progresiva
desde el Signify y el Pawn Hearts.
Puntuación: 9/10
www.timesforgotten.com
www.myspace.com/timesforgottenband.com
Raúl Bonilla,
San Pedro, Costa Rica
----------------------------------------------------------------------------
Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: OCTOPUS "Coda"
OCTOPUS: Coda (2008)
Temas
1. Slussen
2. Zeitgeist
3. VI I VII
4. Momentum Kriget
Integrantes
- Cristóbal Orozco: baterías
- Jorge Benavides: guitarras
- Braulio Aspé: bajo
- Fernando Daza: guitarras
Colaborador Pepe Lastarria (gritos guturales en 2)
El ensamble prog-metal técnico chileno Octopus vuelve al ruedo con un mini-CD
de menos de 24 minutos de duración: duración concisa para un repertorio
dispuesto a no dejar heridos ni tomar prisioneros. El oyente está cordial y
enérgicamente invitado a retirarse antes de tiempo o a seguir adelante para
dejarse envolver en esta ágil y electrizante capa de sofisticado acero.
Empaquetado en un fastuoso digi-pack que incluye en sus créditos una
transcripción de las partituras correspondientes a cada uno de los cuatro temas
del repertorio, Coda nos expone otro manifiesto de la fuerza avasalladora y
explosivamente metalera de la banda dentro de un contexto progresivo alimentado
por el thrash, el math-rock y la psicodelia de talante frontalmente heavy.
Las metrallas de pulsaciones afiladas con las que comienza Slussen nos
anuncian sin tapujo alguno que la fuerza de Octopus no ha perdido un ápice de
su contundencia en el periodo de letargo entre el fin de las grabaciones de
Bonsái y el inicio de las de Coda. La maquinaria armada entre los riffs
guitarreos y la dupla rítmica establece un encuadre adecuado para los
neuróticos fraseos de la guitarra solista. Continuando con la misma tendencia
de aplanadora metálica, Zeigeist tiene una vibración más sombría, algo que se
puede notar desde los riffs de entrada. La inclusión de gritos guturales
alimenta la tensión creada a través de la pieza, mientras que los samplers de
reflexiones filosóficas que cuestionan la validez de las creencias cristianas
completan el cuadro de inquietud desde un plano intelectual. Se nota que
Octopus quiere hacer de su música (también) un vehículo para que el mundo real
se manifieste ante sí mismo, pues en el disco Bonsái habían varios samplers
de discursos de presidentes y primeros ministros varios que versaban sobre la
guerra y la violencia. VI I VII tiene un arrebato menos frenético que los
dos temas precedentes, pero tal vez una densidad un poco mayor, y
definitivamente, un desarrollo más versátil. Los compases que marcan los
momentos sincopados son más pronunciados; la inserción de secciones
emparentadas con el space-rock añaden matices inesperados (ojalá hubiesen
tenido una mayor expansión). El motivo que emerge pasados los 3 ½ minutos
deriva en una mayor agilidad, la misma que se sostiene básicamente en la
metralla propia del prog-metal técnico con raíces thrash, creando así los
cimientos para el clímax final. Los últimos 5 ½ minutos de Coda están
ocupados por Momentum Kriget, un sólido ejercicio de prog metal sazonado con
pasajes de corte jazz-rock y ocasionales fraseos solistas de ribetes
crimsonianos. El riff mecánicamente machacón con el que el grupo se enfila
hacia el largo fade-out arrastra eficazmente la adrenalina desplegada en esta
pieza en particular y en todo el disco en general. Coda es una obra que no
defraudará en lo absoluto a los conocedores/apreciadores de Octopus: en todo
caso
ojalá hubiera sido un poco más larga.
César Mendoza
----------------------------------------------------------------------------
