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La caja de musica Number 0834
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #834 mayo 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* el 2d. de Honduras Libregrupo
* POSEIDOTICA: La Distancia (2008)
* HYACINTUS "Sinkronos"
* TANGER: Mundos Paralelos (2008)
* Thrice - The Alchemy Index vols III & IV, Air & Earth (2008)
* próximos_conciertos_de_MANGALA_VALLIS
* FUTBOL: Mas Bambino que Nunca (2005)
* Ciclo Vanguardia 2008 en la HOUSE ROCK & BLUES (Santiago)
* The last Tiana
* Entrevista a Phideaux
* Coincidencias clasica progresivo"
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 2d. de Honduras Libregrupo
HONDURAS LIBREGRUPO: La Única Posición es la Oposición (2008)
Temas
1. Tomando Conciencia del Baile
2. Botox
3. Canción para Osvaldo Bayer
4. Los Deportes
5. Segunda Mitad del Día
6. Monocromático para Flora
Integrantes
- Alex Kodric: guitarras
- Alejandro Leonelli: bajo
- Nicolás Kodric: órgano, piano eléctrico, sintetizador
- Gabriel Falciola: batería
- Ignacio Domínguez: saxo
Con el desafiante título de La Única Posición es la Oposición, el ahora
quinteto Honduras Libregrupo da un paso adelante en su evolución estilística
para abordar una estrategia canterburizada en su esencia
progresivo-psicodélica. Evidentemente retro en cuanto al germen de las ideas
compositivas, Honduras Libregrupo sabe hacerse sentir moderno en sus viajes
instrumentales, dándole un ingrediente de je ne sais quoi al esquema sonoro
global. Claro está que el grupo sabe con qué tiene que habérselas a la hora de
dejarse llevar por esos aires Canterbury que siempre rondaban por sus cabezas
pero que no llegaron a plasmarse en su obra debut Volumen 1: sin dejar de
lado el jam y la experimentación vanguardista, las ideas musicales enarbolan un
sentido más explícito de la estructura. La densa oscilación cósmica comparte el
protagonismo con la vivacidad de raíz jazzera heredada de Soft Machine,
Matching Mole y Gong (curiosamente, me parece que este grupo recibe más la
huella jazzera que la cósmica de Gong).
Tomando Conciencia del Baile ocupa los primeros 6 ½ minutos del disco,
recreando las peculiares vibraciones del Gong pre-You y el Henry Cow etapa
Leg End, para fusionarlas en un esquema psicodélico explayado en un colorido
muy controlado, mas no por ello exento de vivacidad y punche. De esta manera,
la pieza adquiere un cariz muy distinto al que se había plasmado en la versión
aparecida en Volumen 1. Botox es una pieza más concisa, y de paso, más
realzada por el factor jazzero: el solo de guitarra es casi un tributo a
Hillage. Canción para Osvaldo Bayer refleja a las mil maravillas ese delicado
equilibrio entre la densidad flotante del space-rock que había conformado los
mejores momentos del Volumen 1 y el dinamismo Canterbury que ahora está
gozando de tanto impacto (esta vez la referencia que se me ocurre es Matching
Mole). Hay ciertas cadencias rítmicas que tributan, entre jovial y
descaradamente, a los ágiles juegos de síncopas que Soft Machine desarrolló
en su segundo disco, aunque también nos pueden recordar al Gong machacón de
Camembert Electrique. Los efluvios de sintetizador y platillos que anteceden
a la coda nos recuerdan al PF barrettiano. Con un título tan patentemente
lúdico como Los Deportes, no nos debe extrañar que tengamos aquí una pieza
muy saltarina que maneja con calidez sus complejas estructuras rítmicas: el
factor gongiano sale a relucir una vez más como una crucial fuente de
influencia. La sección free-form se enraíza en la vertiente más abstracta de la
vanguardia jazzera de los 60s, especialmente en lo que se refiere a las
intervenciones del saxo y la batería más bien, el teclista se pone a elaborar
cortinas de sintetizador oníricas, más a lo krautrock que a lo Canterbury.
Segunda Mitad del Día comienza con una sección compleja que es sobrellevada
de manera dinámica y juguetona, de manera parecida al núcleo de la pieza
precedente: luego sigue una sección cantada más melancólica, más a lo Robert
Wyatt, antes de llegar a la coda que reitera brevemente el primer motivo con
una dosis extra de fuerza. Los últimos 12 ¼ minutos del disco están ocupados
por Monocromático para Flora. Este espacio le permite a la banda explorar con
más intensidad que en las piezas anteriores su faceta atmosférica de
inspiración space-rock: imaginemos un jam perdido de las sesiones del
Ummagumma o el More de PF, pero con una soltura más refinada en la fluidez
rítmica. Hay una sección muy trippy consistente en una serie de espasmos
psicodélicos muy a lo kraut (Amon Duul II de la etapa 69-71) que anticipa la
coda de una manera bizarramente efectista. La sensación dadaísta que se queda
impresa en la mente del oyente sirve como un cierre muy conveniente para el
disco.
?Qué significa para Honduras Libregrupo ésta, su segunda obra discográfica?
Ante todo, un enriquecimiento relevante para su paleta sonora y una ampliación
de sus estrategias compositivas: no noto aquí una metamorfosis desde la cual se
rompe con el disco debut, sino un replanteamiento que apunta hacia el ascenso a
una nueva escala de la vida musical del grupo. En sí misma, más allá de sus
peculiaridades estilísticas, La Única Posición es la Oposición resulta una de
las obras más esplendorosas de la vanguardia sudamericana para este año 2008:
para mí, no hay oposición que valga a la hora de darle a este disco una
posición en el Top 10 de este año.
Cesar Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: POSEIDOTICA: La Distancia (2008)
POSEIDÓTICA: La Distancia (2008)
Temas
1. La Distancia
2. Sueño Narcótico
3. Tiempo y Espacio
4. Campo Magnético
5. Maldita
6. Equinoccio
7. Anfibio
8. Las Magnitudes
Integrantes:
- Federico Bramanti: batería
- Hernán Miceli: guitarra
- Martín Rodríguez: bajo
- Santiago Rúa: guitarra
Colaborador Juan Rodríguez (Theremin en 1, piano eléctrico en 2,
sintetizadores en 3 y 8)
El talentoso y potente ensamble argentino Poseidótica vuelve al ruedo con otro
nuevo trabajo discográfico que derrocha vigor e ingenio: La Distancia es un
perfecto sucesor de Intramundo, y al igual que éste, se trata de un disco
conceptual. Volviendo a la temática de la reflexión introspectiva del yo, esta
vez el yo no se concentra en su entorno esencial sino en las múltiples
dimensiones que lo conforman. El relato del bajista Martín Rodríguez que sirve
de inspiración al repertorio se basa en una cita de Aldous Huxley sobre los
diversos universos en los cuales habitamos los hombres simultáneamente: dicho
relato aborda esta noción al modo de un viaje que la mente hace como en un
sueño de múltiples instancias.
El tema homónimo ocupa los primeros casi cinco minutos del disco, comenzando
con una actitud etérea para luego proceder hacia unos ambientes más relajados,
de corte jazzero: el puente entre ambas secciones es un efluvio de pesadez
cósmica pertinentemente adornada por el Theremin, y justamente este mismo
puente vuelve reciclado para la coda. Esta llamativa entrada es sucedida por el
muy potente Sueño Narcótico, tema poseidotizado a la n potencia. Con ello
me refiero a que se trata de un ejercicio contundente de rock complejo, con una
notoria raigambre stoner en los guitarreos, y un esquema compositivo empapado
de suficientes matices de psicodelia heavy y ornamentos progresivos como para
traducirse en un todo majestuoso a través de sus variantes de ambientes y
compases. Aquí tenemos el primer gran pico del disco. El tercer tema porta una
languidez introspectiva emparentada con el estándar del post-rock, aunque
Poseidótica incorpora su punche personal al asunto. Pasado el tercer minuto y
medio, las cosas pasan a un esquema más extrovertido, centrado en las muy
distintas sonoridades del progresivo hard en clave space-rock. Me parece otro
tema a destacar por razones peculiares. Con la pieza Campo Magnético, el
cuarteto se concentra más en la transmisión de fuerza con una inmediatez más
precisa y un gancho más directo, sin por ello hacerse chabacano ni mucho menos:
los riffs entrecortados que emergen ocasionalmente son muy atractivos, apelando
al rockero implacable que hay en cada uno de nosotros, progheads sin remedio.
Maldita ocupa un espacio menor de 2 minutos, alo que aprovecha Poseidótica
para aumentar el punche heavy que ya se había instalado en el tema anterior.
Equinoccio cambia radicalmente de registro, llevándonos a una psicodelia
cósmica trabajada con particular ahínco reconstructivo, con una inquietud que
nunca se desborda y una siniestra oscuridad que solo se muestra a chispazos:
Guru Guru o Ash Ra Tempel hubieran estado orgullosos de haber maquinado este
lisérgico viaje sonoro para cualquiera de sus primerísimos discos, pero no, el
destino quiso que se tratara de una composición del nuevo milenio a cargo de
una banda sudamericana como ésta. En fin, las ondas finales de Equinoccio se
engarzan con el inicio de Anfibio, tema que reemplaza la precedente inquietud
innombrable por una actitud reflexiva marcada por la sabia confluencia de
sonoridades stoner y heavy en un juego progresivo de contrastes y variantes. La
dupla de estos dos temas instala una expectativa para lo que se viene en los
últimos 14 ¾ minutos del disco, ocupados por Las Magnitudes. La entrada épica
marcada por los casi marciales golpes de la batería y los monocromáticos
retazos dibujados por una de las guitarras asientan una tensión
inteligentemente calculada, llegando a crear una atmósfera sólida. El impacto
de este pasaje inicial se complementa con una sección más dinámica y un poco
menos tensa: algunos fraseos de guitarra metidos en medio de los aguerridos
riffs resultan levemente crimsonianos, algo que particularmente me agrada. Bien
pronto la dupla rítmica vuelve a crear ambientes marciales, como re-evocando la
aureola de tensión con la que se había iniciado el tema. Cuando el vendaval
termina, nuestros oídos se enfrentan al oscuro vacío reflejado en las
minimalistas cortinas spacey de sintetizador, las mismas que anuncian el arribo
de un nuevo motivo marcado por una definición melódica dentro de un esquema
psicodélico. Luego sigue una sección lenta y meditativa, con sutiles climas
jazzeros que luego se manifiestan más abiertamente en un interludio funk-rock
que finalmente aterriza en el pasaje de cierre, un reprise del imponente
vendaval inicial.
Vigor sin compasión y eclecticismo llamativo, dos cualidades que Poseidótica
encarna muy bien en su oferta de rock complejo. El grupo conoce muy bien el
potencial de su esquema sonoro, explotándolo de manera muy ingeniosa esto
funcionó en Intramundo y vuelve a funcionar ahora en La Distancia, un
trabajo donde refinan sus ideales de complejidad y reformulan su gusto por lo
potente.
Cesar Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: HYACINTUS "Sinkronos"
HYACINTUS: Sinkronos (2007)
Temas
1. Mission Dadá
2. Hipno Délfico
3. Ritual Lunar (El Fraude)
4-6. Sueño 1 [Shakespeare! (Ethical) / Explore (Plan SEA) / Implacable Kronos]
7-9. Sueño 2 [Asoma (SErA) / Heart Place / Mission Recordada]
10. Vesenevi
Jacinto Miguel Corral: guitarras eléctrica, clásica y acústica, teclados, bajo,
voz, instrumentos acústicos
Colaboradores - José Luis Hernández (batería), Daniel Sánchez (Stick, bajo),
Víctor Sánchez (percusión), Ada Guitart (voz), Ana Tirigall (voz), Ed Martínez
(batería)
Sinkronos es la tercera obra discográfica de Hyacintus, el talentoso
multi-instrumentista argentino del cual no sabíamos mucho desde los días de
Fantasia en Concierto, su excelente segundo disco que supuso un pico dentro
del rock sinfónico latinoamericano en el nuevo milenio. La línea de trabajo
aquí plasmada se aparta un poco de los climas preferentemente épicos a los
cuales el mencionado segundo disco había dedicado un importante espacio, pero
recoge del mismo un gusto por ambientes sonoros modernos dentro del estándar
del rock progresivo. Como siempre, Sinkronos es un disco conceptual centrado
en la misión que recibe un individuo, la misma que solo puede cumplir si deja
que la dicha sea su guía: tenemos aquí una estructura narrativa subyacente de
manera similar a como operaba el repertorio del disco debut Elydian.
El disco comienza abriendo las puertas de la extroversión con un pegadizo ritmo
de rock blueseado, sobre el cual se explayan los guitarreos y las
orquestaciones de teclado con un claro acento estilizado: Mission Dadá está
diseñado para llamar la atención de manera directa sin apelar a lo pomposo.
Hipno Délfico torna hacia un aura ensoñadora y evocativa, marcada
principalmente por las elegantes bases de piano y guitarra acústica en
triangulación con las coloridas texturas de teclado: aquí hallamos un híbrido
entre Wakeman y el Vangelis contemporáneo. Ritual Lunar (El Fraude) retoma el
ambiente solemne de la pieza precedente y lo lleva a una dimensión más
marchosa, similar a la faceta más fastuosa de Alan Parsons Project.
Personalmente, hubiese preferido que la producción de sonido y los arreglos
instrumentales hubiesen creado una sonoridad global más llena, pero
definitivamente no cabe duda de que se trata de una composición bien lograda:
el uso de una guitarra acústica a lo bosanova en la coda es un simpático adorno
inesperado. Después siguen dos series de tres temas cada una, Sueño 1 y
Sueño 2. La primera de estas trilogías comienza con un ejercicio de rock
sinfónico más sólido en comparación con Ritual Lunar: en Shakespeare!
(Ethical) hay una bien lograda integración de compases étnicos en la sección
rítmica. Explore (Plan SEA) tiene una solemnidad conmovedora a pesar de su
sobriedad: los evocativos fraseos de piano y las dinámicas cortinas de teclado
apelan, me parece, a una sensación de soledad. Implacable Kronos se explaya
en el dinamismo rockero, instaurando un ambiente de rock duro melódico con
varios ornamentos de raigambre orquestal. A medida que nos acercamos al final
de los 6 ½ minutos que dura esta pieza, las cosas se ponen gradualmente más
pomposas, antes de que llegue una hermosa coda de guitarra clásica de
tonalidades barrocas.
Sueño 2 comienza con un Asoma (SErA) que recoge mucho de las cadencias y
ambientes ya plasmados en el tema de entrada y Shakespeare, aunque se
reconoce un tenor sinfónico más pronunciado. Heart Place establece una
envoltura pomposa para los retazos melancólicos dibujados por la guitarra
clásica y las diversas capas armónicas de teclado. La naturaleza envolvente de
la pieza la hace sobresalir dentro del repertorio. También sobresale Mission
Recordada, primeramente por ser la pieza más extensa con sus 10 minutos de
duración, pero también por su inteligente armazón de motivos y ambientes
sinfónicos. El despliegue de lucidez creativa no tiene ningún altibajo en el
largo espacio destinado a esta pieza. La serenidad etérea de los últimos
momentos se condice perfectamente con Vesenevi, la cósmica cantata de menos
de tres minutos con que se cierra el disco.
Aunque en comparación Sinkronos no me llega a impresionar tanto como en su
momento lo hizo Fantasia en Concierto, aprecio sus cualidades artísticas con
suficiente convicción para advertir que confirma a Hyacintus como un importante
creador de rock sinfónico para nuestros tiempos. Los temas 2, 4, 8 y 9 son mis
favoritos de Sinkronos.
Cesar Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TANGER: Mundos Paralelos (2008)
TÁNGER: Mundos Paralelos (2008)
Temas
1. Ansiedad
2. Círculos Concéntricos
3. Mundos Paralelos
4. Siete Pulsos
5. El Castillo
6. Metamorfosis
7. Dos Dimensiones
8. Insomnia
9. Marquesinas
10. Nova Lisboa [nueva versión]
Integrantes
- Luis Colucci: bajos, sintetizadores
- Eduardo Ferreira: guitarras eléctricas y acústicas
- Damián Lois: flauta, teclados y bongó en 6
- Ignacio Martínez: batería, percusión
Colaboradora Florencia Genera (cello en 10)
El cuarteto instrumental argentino Tánger sigue en su punto. A dos años de
lanzado su álbum precedente Ciudad, ahora en la antesala de la mitad del año
2008 nos ofrece Mundos Paralelos. Siempre de la mano de la creatividad
compositiva de Luis Colucci y los aportes del ensamble en los arreglos, Tánger
sigue estableciendo una evolución sostenida en la generación de mayores niveles
de robustez expresiva y colorido musical a la par que conserva intacto su
esquema esencial, un esquema sólidamente instaurado desde su disco debut (hace
ya casi una década de eso). Esto de la robustez puede no ser tan evidente con
las primeras escuchas debido a que los pasajes relajados y/o meditativos son
más numerosos en este repertorio que en los que conformaban los álbumes
precedentes, pero las interacciones entre los músicos y la amalgama general sí
muestran una cohesión más completa que nunca antes, y ello es un indicio
particular de energía sonora.
Unas cortinas de teclado, acompañadas por adornos percusivos a través de sus
climas sobriamente sombríos, dan inicio al impresionante tema de entrada
Ansiedad. Por el guitarreo, los colores saltarines de la flauta y el
dinamismo específicamente definido de la dupla rítmica, no cabe duda que
tenemos aquí una muestra de la esencia tópica de Tánger: pero también se nota
una dosis de explícito candor en el desarrollo instrumental que tiene lugar, un
indicio patente de la robustez incrementada que se mencionó en el primer
párrafo. El solo de guitarra desarrollado a lo largo de todo el cuarto minuto
es simplemente estupendo. Círculos Concéntricos se enfoca en la faceta más
juguetona de la banda, manifestando vivacidad en su más pura expresión en un
espacio un poco menor de 4 minutos: la base melódica está bien aprovechada,
pero en lo personal no me hubiese importado que esta pieza en particular
hubiese gozado de un poco más de tiempo, pues la magia grácil de los coquetos
dibujos trazados por la flauta y las ocasionales alusiones al Crimson ochentero
vertidas por la guitarra hacen que el tiempo de la pieza pasen como volando.
Mundos Paralelos cambia de registro hacia ambientes más solemnes, basados
principalmente en los sobrios fraseos de flauta y la bien estructurada base
rítmica: el tenor general de la pieza tiene un acento inconfundiblemente
criollo, lo cual, mezclado con la garra controlada de algunas partes de
guitarra, crea un ambiente especial. El aura ensoñadora de esta pieza me hace
desear, una vez más, que fuese un poco más larga que lo registrado en el disco.
El aire fusionesco criollo que ya se había redondeado bien en el tema homónimo
se reitera en Siete Pulsos, aunque esta vez la cosa se pone un poco más
extrovertida y sofisticada merced a las variaciones de ambiente y motivo que
tienen lugar en el interludio: las alusiones a Jethro Tull y Focus no se harán
esperar en la mente del oyente atento, pero a estas alturas ya nos damos cuenta
de lo que es Tánger en sí mismo en tanto ensamble. El Castillo, construido
sobre un tempo de 9/8, añade una delicada tensión a la atmósfera general del
disco con sus extrañas (aunque delicadamente armadas) progresiones de acordes -
las capas sobregrabadas de flauta ayudan a preservar el lirismo en algunos
momentos en los cuales prevalece una mayor sutileza general de parte del
ensamble. Metamorfosis es un medio tiempo jazz-rock donde la guitarra se
despacha a su gusto en un solo texturial y rico en evocaciones emotivas: Damián
Lois se encarga de los teclados y el bongó en este tema. La base Latin-jazz de
la pieza es evidente, con algo de las atmósferas del Weather Report más
intimista como fuente de influencia. El ambiente criollo vuelve a imponerse en
Dos Dimensiones, esta vez con un espíritu más ligero y una arquitectura más
férreamente definida. Insomnia es un rock muy a lo Tánger en su faceta
tulliana: la dosis conveniente de sofisticación progresiva y un cuidado
especial permiten generar agilidad y mantenerla en una constante equilibrada,
más algunos toques de jazz que dan polenta a ciertos adornos. Marquesinas
también permanece en la prioridad de los linderos más rockeros del grupo:
compás de 5/4, florituras impresionantes a cargo del flautista, un solo casi
frippiano de guitarra, cortinas de teclado que añaden sutileza al bloque sonoro
general,
todo un paraíso para el melómano progresivo. Una nueva versión de
Nova Lisboa (original del disco debut), con una mayor acentuación crimsoniana
y un arreglo más pulido, cierra el disco con una muy oportuna calidez.
Tánger ofrece una propuesta musical abierta a la expresión de ideas y emociones
de manera muy lúcida a través del arte del ruido: con cada nuevo disco, el
grupo ha logrado incorporar ideas nuevas para reforzar las que han estado
madurándose durante toda su trayectoria. Este camino de ascenso hacia un
creciente vigor sonoro se sigue cumpliendo con Mundos Perdidos, uno de los
discos más hermosos de la vanguardia progresiva latinoamericana para este 2008.
César Mendoza
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Thrice - The Alchemy Index vols III & IV, Air & Earth (2008)
THRICE : THE ALCHEMY INDEX VOLS III &IV: AIR & EARTH (2008)
Discográfica: Vagrant
CD 1. Air:
1.: Broken Lungs. 4:16
2.: Sky Is Falling. 4:22
3.: Song For Milly Michaelson. 5:08
4.: Daedalus. 6:01
5.: As The Crow Flies. 2:23
6.: Silver Wings. 2:11
CD 2. Earth:
1.: Moving Mountains. 2:56
2.: Digging My Own Grave. 3:05
3.: Earth Isn't Humming. 5:00
4.: Lion And The Wolf. 2:43
5.: Come All You Weary. 4:09
6.: Child Of Dust. 3:10
Músicos:
- Dustin Kensrue - lead vocals, guitar
- Teppei Teranishi - guitar, keyboards, vocals
- Eddie Breckenridge - bass, vocals
- Riley Breckenridge - drums
Thrice cierran su obra más ambiciosa con la segunda y última entrega de la
obra conceptual The Alchemy Index, que incluye los volúmenes Air y Earth.
Los ex-post-hardcore (aquí, de hardcore 0%) vuelven a sorprender con esta
nueva entrega, especialmente por el eclecticismo y alto nivel de las
composiciones.
Pasando a comentar los dos volúmenes de este álbum, mientras Fire mostraba
la parte más agresiva y hardcoriana de la banda y Water se decantaba por
temas más etéreos y ambientales, tenemos que Air muestra la cara más
ecléctica del grupo, con temas de diverso calado entre pop melancólico y
atmosférico, mientras que Earth parte de la música de raíces.
Así, en Air destacan composiciones tan redondas y emotivas como Broken
Lungs, Song for Milly Michaelson y Daedalus, mientras que otros como
Sky is Falling siguen parámetros más pop. En Earth, instrumentado casi
todo con instrumentos acústicos, las influencias del folk, blues i country
se hacen notar en temas del calibre de Moving Mountains, Digging my Own
Grave que casi parece un tema de jazz de taberna de Tom Waits, Earth isnt
Humming, Lion and the Wolf una especie de nana y Come all you Weary.
Completísima y ambiciosa obra The Alchemy Index, que ha conseguido cuadrar
este grupo que podríamos situar en una onda cercana a Radiohead, por nombrar
una banda de referencia, porque en realidad Thrice siguen su propio camino.
Por lo que respecta a esta segunda entrega en particular, del mimo nivel que
la primera, aunque la obra hay que entenderla como los cuatro volúmenes
juntos.
Valoración: 8/10
Ferran Lizana (rockomick@orange.es)
Mayo 2008
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: próximos_conciertos_de_MANGALA_VALLIS
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo italiano MANGALA VALLIS, cultor de un macizo prog sinfónico retro, ya
tiene confirmadas algunas fechas para mantenerse activo sobre los escenarios de
su país. comenzando con el Verona Prog Festival, el cual tendrá lugar el 5 de
junio en Lugagnano (Verona).
Las otras actuaciones serán.-
21 de junio - La Casa di Alex, Milán (Milán)
22 de junio - Ex Polveriera, Reggio Emilia, Reggio Emilia
26 de julio - GONG Prog Festival, Carpineti, Reggio Emilia
Más información en el blog de Myspace www.myspace.com/mangalavallis
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FUTBOL: Mas Bambino que Nunca (2005)
FÚTBOL: Más Bambino que Nunca (2005)
Temas
1. Baz Brown
2. Madre
3. Astronautas I & II Abalos
4. Look the Disco
5. Elio Rossi
6. Aldo Pastur
7. El Corto Morzillo
8. Bud Spencer
9. Alumniestrella
10. El Abominable
11. M. Coch
12. Metalero
13. Nil Roque Chagas
14. Jorge Montes
15. Móvil al Móvil
16. Isaac Bigote Scliar (El Hombre Signado por el Infortunio)
Integrantes
- Juan Pablo Gambarini: guitarra, sintetizador
- Federico Terranova: bajo, violín
- Santiago Douton: batería, voz
Colaboradores Maximiliano Wille (percusión), Federico Landaburu (clarinete
bajo), Nili Grieco (flauta), Cecilio Martínez (cello), Primo Zanazzi (viola)
Ingeniosos, impetuosos y atrevidos, así son los miembros del trío argentino
Fútbol, un grupo dedicado a crear un rock ingenioso y colorido: partiendo del
punk y la psicodelia clásica como fuentes primitivas de inspiración, Fútbol
tiene las suficientes agallas como para enfocarse hacia terrenos más
experimentales de manera muy recurrente sin renunciar a la fuerza directa de su
sonido básico. Su segundo disco Más Bambino que Nunca tomó de sorpresa a
público y prensa de la escena underground de su país por reflejar intereses
genuinamente progresivos. Dadas las predisposiciones artísticas más inmediatas
de Fútbol, no es de extrañar que a la hora de crear esta aventura progresiva
definiera su estrategia a partir de las vertientes más ácidas del género: la
vivacidad crimsoniana setentera, la psicodelia estrambótica del Gong primitivo,
el RIO filudo al estilo de Höyry Kone/Alamaailman Vasarat y la robustez
punzante del krautrock a lo Neu! La presencia de músicos invitados en maderas y
cuerdas ayuda a cristalizar una paleta sonora acorde con las pretensiones de
este repertorio.
La secuencia armada por el abundante repertorio no llega a completar los 37
minutos de duración, pero ciertamente puede dejar complacido al oyente amante
de sonoridades complejas y dinámicas. Baz Brown establece un interesante
juego de contrapelo entre el trío rockero y la dupla de clarinete bajo-violín:
de esta manera se nos introduce a la cadencia extravagante de Madre, pieza
que combina psicodelia cañera, jazz-rock y chamber-rock en alternancias bien
armadas. Astronautas I & II Abalos comienza con un ambiente de psicodelia
lánguida para luego pasar a un coqueteo con el Latin-jazz, y de allí a una
sección más pesada que incluye un interludio tipo space-rock. Loop the Disco,
a pesar de lo que podría evocar el título, es una pieza lenta que opera como
preludio a Elio Rossi, tema que prosigue en la exploración de un motivo que
antes ocupó la parte final del tema 3. La secuencia de Aldo Pastur y El
Corto Morzillo exhibe experimentaciones de corte chamber-rock antes de que el
trío rockero vuelva al centro de la escena para Bud Spencer, que suena a una
pieza perdida del KC de la etapa con Wetton apropiada por un grupo de
surf-rock. Alumniestrella es un interludio que ofrece una bella amalgama de
sintetizador cósmico y violín ensoñador. El Abominable ofrece el que tal vez
sea momento rockero más bizarro del disco, explotando los ideales de
eclecticismo y variabilidad que el grupo se propuso. M. Coch exhibe un
híbrido entre psicodelia lánguida y chamber-rock, derivando finalmente en unos
últimos 20 segundos de desvaríos reconstructivos, los mismos que despejan el
camino para Metalero, un buen ejercicio en rock duro psicodélico. Nil Roque
Chagas reelabora extractos orquestales de ideas previas en un continuum de 1 ½
minuto antes de que Jorge Montes nos devuelva al área de la psicodelia
descoyuntada (espeluznante la sección cósmica). Móvil al Móvil es grácil,
sarcásticamente apoyada en ambientes fingidamente ingenuos de raigambre surf.
La pieza que ocupa los últimos 3 ½ minutos del disco es básicamente otro
reprise de motivos que estuvieron presentes en un par de temas anteriores: el
rol protagónico de la flauta en los últimos momentos le da un acento
notablemente lírico a esta conclusión.
Este disco es casi como un pequeño clásico de la movida underground
argentina: a mí no me cabe duda de que se trata de una obra muy interesante.
Fútbol aporta en Más Bambino que Nunca un enfoque fresco al rock progresivo,
un enfoque que cuenta con el beneficio inherente del visitante que tiene
suficiente lucidez y talante para entender los trucos esenciales y aplicarlos
de manera convincente.
Cesar Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Ciclo Vanguardia 2008 en la HOUSE ROCK & BLUES (Santiago
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente les comunico la organización de un gran evento rockero que
tendrá lugar próximamente en Chile, un evento de varias jornadas donde se
congrega un cartel con varias de las figuras más prominentes de la movida
progresiva del país sudamericano. Se trata del Ciclo Vanguardia 2008, el mismo
que tendrá lugar en el House Rock & Blues de Santiago.
El cartel de todos los miércoles de junio es como sigue:
4 de junio - ENTRANCE y OPUS 3
11 de junio - EVOLUCIÓN y GUSANO
18 de junio: EFECTO y ÁBRETE GANDUL
25 de junio: LEPRECHAUN y OCTOPUS
Transcribo ahora las palabras de anuncio dep arte de los organizadores de este
multi-evento.-
Bienvenidos a "Vanguardia 2008" web del que esperamos sea el primero de
numerosos ciclos de rock progresivo y vanguardia a cargo de las mejores
agrupaciones chilenas. El primer ciclo tendrá lugar en Junio 2008, en el pub
House Rock, ubicado en República de Israel 960, Ñuñoa, Santiago.
8 bandas de primerísimo nivel del ambiente progresivo y vanguardia de nuestro
país, se estarán presentando cada miércoles de junio en la House Rock, por la
módica suma de $2.500.- c/cover incluido.
Preventa exclusiva en:
House Rock & Blues
Tiendas The Knife (Local 0125, Eurocentro)
ó a través de http://www.rock-progresivo.org/vanguardia/
Mayor Info sobre el ciclo en: http://www.rock-progresivo.org/vanguardia/
Coordenadas:
Todos los miércoles de Junio
22:00 Horas
House Rock & Blues
República de Israel 960 Ñuñoa, Santiago - Chile
Valor: $2.500. C/Cover
Información adicional en http://vangchile.blogspot.com/
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Autor: "jaumealer" <alertubella@hotmail.com>
Asunto: The last Tiana
Festival de Tiana, Barcelona, mayo 2008
Bueno, espero que el título, que no pretende hacer referencia más que
al nombre que le han dado los organizadores, no se cumpla, pero por
lo que se dijo ayer parece que si hay festivales de RSP no serán en
Tiana. Una lástima...
Un par de previas antes de la crónica de los grupos:
- muy floja entrada, unas 200 personas, lo cual es un lujo para
disfrutar de los conciertos, pero que seguro no anima mucho de cara
al futuro.
- muy poco tiempo entre las actuaciones, que casi no nos dejó cenar!!
- un discurso de Dudu que, seguro que llevado por la emoción, se
equivocó: no era momento de repartir culpas, y menos al público que
no vino. Ya está demostrado que llenar Tiana es posible, y el mérito
es todo de la organización; si este año ha quedado muy lejos del
lleno por algo debe ser...
- sí recojo del discurso su disposición para ayudar a quien quiera
animarse a montar un festival
- por otra parte, también corren rumores sobre la organización de
algún festival por ex-organizadores de Tiana
- una felicitación a los redatores del Fanzine, que es ya un clásico
del festival
- relativamente pocos CNeros, pero me pareció ver por ahí a un tal
Joel
The Knife
Tercera vez que los veo en directo, y siempre me provocan lo mismo.
Impecables, con momentos tremendos, pero tanta similitud a VDGG cansa
un poco, y se agradecería de vez en cuando un cambio de registro. De
todos modos es una lástima que se separen, porque son de lo mejorcito
que tenemos hoy.
Silver Lining
Eran los grandes desconocidos. Tuvieron algunos momentos
instrumentales brillantes, con un bonito aporte del violín, pero en
general los encontré repetitivos. Eso sí, el frontman (que no
cantante) conseguía llamar la atención, sobre todo por salir en bata
al escenario y ponerse a bailar de una manera muy original (los
presentes seguro que me entienden!). En muchas ocasiones me
recordaron, a mucha distancia, a los Nemo.
Difícil Equilibrio
Ahí no hubieron sorpresas ni, sobre todo concesiones. Empezaron a
tocar y se marcaron un tema de 45 minutos brutal. Potentísimos en la
base rítmica (esta vez sonaron muy bien) y sin concesiones melódicas
en ningun momento, provocaron alguna visita de descanso a la terraza
de Tiana... que fue interrumpida en cuanto sonaron los primeros
acordes de Easy Money!!
CAP
Tocaba ahora el toque de progresivo italiano, que los CAP representan
a la perfección. Básicamente ejecutaron temas de su nuevo disco
(Odissea), pero traían preparada su sorpresa, que eran dos temas de
Banco, que fueron lo mejor de la actuación. Estuvieron bien, supongo
que para disfrute de los entusiastas del italprog, aunque a mí
llegaron a cansarme. Curioso que unos italianos que habían venido a
ver a Twelfth Night se pasaron el concierto de CAP en la terraza...
Galahad
Bueno, pues tocaba dar paso al neo-prog, por mucho que algun ilustre
cosanostrero se empeñe a decir, incluso por escrito, que Galahad son
metalprog. Nos ofrecieron un concierto típicamente neo, divertido,
con melodías y refranes que se podían cantar a coro, y con muchas
tablas en el escenario, en particular de su cantante, que recuerda a
menudo al Fish de las mejores épocas. Hoy son seguramente de lo
mejorcito que queda en el neo. A mí particularmente me gustaron mucho
más en directo que en disco.
Twelfth Night
El plato fuerte de la noche, y sin duda la gran aportación de esta
edición del festival. al poder ver a los TN nuevamente reunidos y en
directo. Un Andy Sears que estuvo sencillamente genial, sin parar ni
un momento, con mucha teatralidad en su actuación, y que supo manejar
al público. Set List (robado al final!):
- The Ceiling Speaks
- Kings and Queens
- Blondon Fair
- Blue Powder Monkey
- First New Day
- Fact and Fiction entero (7 temas)
Encore 1:
- Sequences
- Art and Illusion
Encore 2:
- Love Song
Lo mejor fue claramente el Fact & Fiction entero, con disfraces de
A.Sears incluidos, bastante participación del público y muchas ganas.
Pues eso es todo por ahora.
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Autor: PEDRO CAMPILLO <pedrocampillo@yahoo.com>
Asunto: Entrevista a Phideaux
Entrevista a Xavier Phideaux, mayo 2008
Holaatodos:
He tenido el placer de entrevistar a Xavier Phideaux o Phideaux Xavier (no
es que tanto monte, monte tanto, es que nunca sabré cuál es el nombre y cual
es el apellido) el creador, compositor y lider del grupo Phideaux ya que su
trabajo del 2007 Doomsday afternoon ha sido una de las grandes sorpresas en
todas las votaciones de cd's, y la nuestra no ha sido una excepción.
Me gustaría destacar que en la confección de las preguntas han intervenido
destacados cajeros como Alberto Albas o Juan Mellado.
Hola Xavier, gracias por atendernos, es muy amable por su parte.
P: El motivo por el que queremos entrevistarle es su fantástico álbum
Doomsday Afternoon, que ha sido una de las grandes sorpresas del 2007.
Sabemos que es su sexto álbum como Phideaux pero no habíamos escuchado la
mayor parte de ellos hasta ahora. ?Ha habido alguna razón por la que su
música no había acabado de explotar hasta ahora?
R: Primero de todo, gracias. Hemos optado por la aproximación lenta a
nuestra música, que también puede denominarse la aproximación perezosa.
Honestamente, cuando comencé a hacer álbumes, que eran más como un artista
solitario que con un proyecto de banda. Yo quería hacer música que yo
personalmente disfrutase. No quería hacer todos los aspectos de
negocio/marketing/estrategia. Esta es una de las razones por las que dejé de
hacer música. Creí que lo más importante era más importante desarrollar un
cuerpo de trabajo antes que anunciarme a mí mismo. Por supuesto, hay
centenares de trabajos fantásticos cada año así que tendemos a quedarnos
perdidos entre la vorágine.
P: Habéis editado vuestros discos con vuestro propio sello ?os gustaría
acceder a una multinacional o preferís continuar de esta manera?
R: En el punto en el que estoy, creo que ya soy un caballo viejo. Tengo
otros trabajos que me permiten producir los álbumes de Phideaux. Los
publicamos nosotros porque podemos y porque es parte de nuestra ética ? el
método ?hazlo tu mismo?. Nos encantaría fichar por un sello o una
distribuidora que amase nuestra música y quisiera promocionar nuestro
manifiesto musical, pero eso no ha pasado? aún. Mantengamos los dedos
cruzados?
?Podrías explicarnos como empezaste en la música y cual ha sido tu
trayectoria hasta ahora?
Comencé con la música a los 6 años. Cuando escuché por primera vez el
Magical Mystery Tour de los Beatles y a la maravillosa Grace Slick cantando
?Lather?. Tenía una hermana mayor que me introdujo en la música más
maravillosa e interesante. En la escuela aprendí a tocar la guitarra, porque
era más fácil que la flauta o que el saxo (el cuál intenté tocar y fracasé).
No me gusta leer música. Tenía un amigo que era profesor de guitarra que me
enseñó a puntear con los dedos al estilo de Renaissance, Strawbs, Moody
Blues y Tull. Era un estudiante algo vago, pero empecé a escribir mis
propias canciones al instante. El primer concierto al que asistí fue de
Frank Zappa. Mi segundo concierto fue Jethro Tull tocando Thick As A Brick.
!Estaba enganchado! En el bachillerato formé varios grupos, primero de rock
progresivo, luego de ?new wave? y últimamente proyectos de post punk/art
rock. También hice un montón de cintas en las que tocó casi todas las partes
yo mismo. Pero era un productor/ingeniero terrible.
P: ?Cómo conociste a los otros miembros de la banda y que piensas de ellos?
R: Ahora somos diez miembros continuos en ?Phideaux?. Siete de nosotros
somos de una pequeña población, Hastings-on-Hudson, NY. Valerie Gracious es
probablemente mi amigo más antiguo, ya que la conocí en primer grado. Rich
Hutchins y yo nos conocimos en 1996 cuando estuve produciendo una canción
para otro artista. El era el batería de esa sesión. A Mat Kennedy y a Johnny
Unicorn los conocí vía myspace. Tengo una alta consideración de todos los
miembros. Son muy creativos y tienen mucho talento, además de ser unos duros
trabajadores. Además, todo el mundo tiene un gran sentido del humor. La
música de Phideaux debe ser divertida, además de intensa.
P: Una de mis primeras sorpresas fue descubrir que Phideaux no era el
nombre de la banda, sino su nombre, ?es Phideaux un proyecto en solitario?
R: Aunque he tocado en varias bandas diferentes con la mayoría de miembros
de Phideaux, este proyecto empezó como un álbum en solitario. Gradualmente,
se ha abierto a ser un grupo. Por supuesto, yo filtro las contribuciones del
resto de miembros en los que a la música de ?Phideaux? se refiere. Gabriel
Moffat tiene la última palabra en las sesiones como productor de los
álbumes.
P: Otra de las sorpresas es tu nombre, que tiene una ortografía Catalana o
Vasca ?tienes alguna relación con España?
R: No tengo relaciones con España (que yo sepa). Mi linaje es
Gales-Escocés. Soy un pelirrojo norteeuropeo. También tengo algo de judío
ruso por parte de mi abuelo materno.
(Nota del T. ?Será judío de Gerona?)
P: ?Cómo te interesaste por el rock progresivo?
R: Mi hermana me introdujo en Genesis, mi profesor de guitarra me habló de
Renaissance. Un monitor de campamento me convirtió en un fan del ?Killer?
de Alice Cooper que es un álbum de rock progresivo por excelencia. Crecí en
una época en la que esta música aún se hacía y se le consideraba creativa y
de primera fila.
P: En "Doomsday Afternoon", podemos escuchar influencias que no son solo del
prog clásico, sino de la música gótica y otros estilo modernos, ?Cuáles son
tus influencias reales y tus bandas favoritas?
R: Hay tantas bandas fenomenales, nuevas y viejas. Todo viene de los Beatles
y de la Invasión Británica. Luego también está la psicodelia de San
Francisco y de la Costa Oeste. Escucha a Love ?Forever Changes?, o a
Airplane ?Volunteers?. En estos álbumes hay una música realmente loca. La
música que se escuchaba cuando estaba en el instituto era the Cure, Siouxsie
& The Banshees, Cocteau Twins, Dead Can Dance. Todo esto es una influencia
muy importante. Recientemente me ha dado por redescubrir el pop/folk de los
60's de Buffy Sainte-Marie y Melanie. También me entusiasma la música
electrónica (Kraftwerk) y un poco de funk. No mucho Jazz, aunque mi madre
era una ávida oyente de los pianistas de jazz. En los últimos años he
disfrutado de cosas de Discipline, Ayreon, Marillion, Arena. Me he quedado
algo sobresaturado con los sonidos del prog-metal y el ?prog? MOR que me
llegan a molestar porque me recuerdan a los éxitos radiofónicos de los 80?s.
P: Bandas favoritas:
R: Van der Graaf Generator, Le Orme, Banco, Tull, Yes, Genesis, Bowie
P: Hoy en día todo el mundo tiene su propia definición de rock progresivo.
Para ti ?qué significa el rock progresivo?
R: Creo que en el rock progresivo como un género, como Heavy Metal o Smooth
Jazz. Para mí no es un manifiesto para ?progresar? continuamente, sino un
estilo de música con partes intrincadas, buenos músicos y que amplía los
límites de la creatividad.
P: ?Cuál es tu impresión sobre Doomsday Afternoon? ?Estás satisfecho con el
resultado?
R: Para nosotros "The Great Leap", era más fácil y directo que "Doomsday
Afternoon". Personalmente me gusta más el segundo.
P: ?Qué tipo de evolución podemos esperar en el futuro?.
R: Estamos todos muy satisfechos con Doomsday. Pero nunca estoy satisfecho
al 100%, Creo que Doom llega bien al 92%. Grabamos Doom y Leap al mismo
tiempo. Los dos fueron escritos y ensayados simultáneamente. Solo que
decidimos completar y sacar las canciones cortas primero. Esto nos dio un
tiempo extra para desarrollar Doomsday un poco más. Pero los dos salieron
de la misma sopa.
P: ?Crees que para una grupo es posible recrear el sonido prog de los 70?s y
seguir sonando nuevo?
R: Bueno, si un grupo está ?recreando? algo, no va a sonar nuevo. Creo que
las bandas pueden usar la instrumentación de los 70s y hacer música que
sonará nueva. Yo estoy haciendo música con los ingredientes que siempre he
disfrutado en la música que me ha gustado más desde que era niño. Porque mi
música favorita era el prog de los 70?s y hay muchos ecos en mi música de
ese periodo. De todos modos, también me gusta la música más minimalista. Me
gusta un poco de simplicidad y minimalismo?probablemente porque nunca me he
podido tragar la teoría.
P: ?Como ves la escena actual del rock progresivo? ?Conoces algunas otras
bandas de prog?
R: Escucho muestras de las bandas de las que leo alguna cosa. La mayoría son
muy buenas. Me pasa que, cuando me pongo en el modo ?grabación? es muy
difícil consumir música como un fan. He estado en contacto con Matthew
Parmenter quien participó un montón en Doomsday. Guy Manning y yo hemos
hablado a menudo y disfruto con su música. Es un trobador moderno a lo Roy
Harper.
P: Frecuentemente se dice que hay dos formas de entender el progresivo: El
retro-prog (Flower Kings, Spock?s Beard) y el prog moderno (Porcupine Tree,
Opeth, Oceansize) ?estás de acuerdo? Para nosotros Phideaux estaría en medio
de los dos estilos, ?qué piensas de ello?
R: Entiendo lo que dices. De todos modos, nunca hemos pretendido ser ni uno
ni otro. Dado que amo el post punk de los 80?s (Joy Division, New Order,
Cure, Siouxsie) tanto como la música de los 70s esos elementos traspasan.
Mucha gente se debate sobre si realmente somos ?Rock Progresivo? ya que a
veces sonamos muy minimalistas y pop para los puristas.
P: ?Hay algún otro músico o grupo con el que te gustaría trabajar? ?Cuál es
tu sueño musical aún no realizado?
R: Me encanta la gente con la que trabajo, mi sueño musical es hacer un
álbum fantástico ? una joya que brillará para siempre ? tipo Thick As A
Brick o Dark Side Of The Moon o Close To The Edge. Espero lograr algo así
algún día.
P: ?Cómo crees que el rock progresivo puede llegar a una audiencia más
amplia sin sacrificar la calidad de la música?
R: No es algo que me preocupe. Como un joven consumidor de música, a mí me
gustaba ?ir a la caza? de los álbumes mas oscuros y únicos. Es una parte de
la emoción, conocer que me gusta algo de lo que nadie ha oído hablar. Nos
gustaría llegar al mayor público posible, pero nos interesa más hacer música
que nos guste escuchar.
P: ?Cómo ves el the futuro de la escena progresiva? ?Crees que las nuevas
bandas se limitarán a repetir esquemas de los monstruos de los 70's o va a
haber también un prog nuevo y original?
R: Creo que cultura y arte siempre están recurriendo al pasado y destruyendo
las reglas y buscando nuevas ideas. Se nos ha acusado de estar demasiado
cerca del estilo de los 70s? música retrogresiva, si quieres. POR supuesto,
la música funciona diferentemente para cada persona. A algunos les gustan
los sonidos melódicos y cómodos, y otros prefieren el exotismo y el riesgo.
Personalmente me gusta la música repetitiva y simple en clave menor con unos
pocos fragmentos complicados que hacen que mi serotonina se encienda.
P: Sé que eres también un director de series para la TV ?Cómo haces para
combinar estos dos aspectos? ?Se influyen mutuamente? Como te sientes más
cómodo: componiendo, dirigiendo o como músico?
R: Trabajo como un director de programas de TV lo que es fantástico. Adoro
trabajar con los actores y montar el show. Por supuesto, no tengo ninguna
influencia en el guión y, por tanto, habría que implementar aquí la visión
del autor. La música es mi propia expresión personal, así que la prefiero,
con mucho, a la TV.
P: Seguro que tendrás centenares de anécdotas sobre el negocio de la TV,
?podrías explicarnos alguna de tus favoritas?
R: Trabajar con un orangután fue muy divertido. Durante un año por lo menos,
tuve un personaje en nuestra serie (Passions) que era un orangután
adiestrado ?Nurse? (enfermera). Esta ?enfermera? tenía un apasionado amor
por uno de los actores y teníamos que representar fantasías en las que el
orangután imaginaba grandes escenas de amor. Mi trabajo, en un culebrón,
consiste siempre en presentar nuevos retos y divertimentos, pero nada es tan
excitante como hacer música.
P:Ahora algunas respuestas rápidas. Hemos visto similitudes entre estos
artista y su música ?las reconoces? ?Qué piensas de ellos?
R: - Arjen Lucassen?Me encanta este hombre y su música. Into The
Electric Castle fue parcialmente responsable de que retornará a la creación
de música. Compositor mayúsculo y tiene los mejores estribillos. Excelente
sensibilidad pop con una capa de armonías realmente inusuales
- Devil Doll-- Me encanta el dramatismo, el goticismo, la cualidad
de película de terror. Una música muy divertida. Me hubiese encantado
haberlo conocido de más joven.
- Gary Wherkamp (Shadow Gallery/Amaran?s Plight)?He oído mucho sobre
estas bandas, pero no les he escuchado. Tendré que hacerlo lo antes posible.
P: ?Algún comentario final?
R: Sí. Matthew Parmenter ha sacado un nuevo álbum llamado Horror Express.
Es muy bueno y muy interesante. Mucho piano y, aunque diga que son todo
canciones cortas, muchas enlazan entres sí así que la impresión general es
bastante conceptual. Estamos trabajando en un nuevo álbum llamado ?Number
Seven?. Estamos mezclando las grabaciones efectuadas en el Festival
Crescendo y supongo que editaremos algo de este material. También estoy
trabajando en un álbum en solitario de canciones que son demasiado cortas
para ?Phideaux? pero aún no ha visto la luz del día. Estoy encantado de ser
capaz de crear música. Gracias por vuestro apoyo y vuestro interés.
Phideaux Xavier
Pedro Campillo
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Autor: Elías_Parga <eparga@audelco.es>
Asunto: Coincidencias clasica progresivo"
Hola
Recientemente he comprado los conciertos para piano y orquesta de Bela
Bartok. Al escucharlos por primera vez, la verdad es que algunas partes me
sonaban como el concierto de piano y orquesta de Emerson o algunas partes
del Criminal Record de Wakeman. Me imagino que tambien habran bebido por
tanto en Bartok.
Con respecto a otras coincidencias, significativas o no, queria mencionar
aqui tambien una que siempre me ha gustado/sorprendido, y es el casi
identico final de Living Sin de ELP y de la primera cancion instrumental de
Camel Nude (no recuerdo el nombre)
Saludos
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