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La caja de musica Number 0825
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #825 abril 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Anuncios / Noticias
* Gavin Harrison & 05Ric "Drop" y los nuevos King Crimson
* XV BIENAL DE FLAMENCO 2008
* TÁNGER_ 2D_1312_de_abril
* Comentarios a 824
* TEMPANO: Selective Memory
* Birdsongs of the Mesozoic "Sonic Geology"
* Una_noticia_y_una_reflexión.
* Hannah - A Life in Rock Minor (2008)
* SINCOPAO y ZYCLOPE
* MEDINA AZAHARA 1980
* Van der Graaf Generator "Trisector"
* FINNEUS GAUGE 1999
* VERSUS X 2008
* AMAROK 1995
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Anuncios / Noticias
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
FLOR DE LOTO - 14 de mayo
Aquí va el anuncio del próximo evento musical de FLOR DE LOTO.
Teatro La Plaza ISIL
14 de mayo de 2008, 20:00
Larcomar, Lima
Coste: S/ 30
Se trata del mismo local donde a fines de mayo de 2007 el grupo estrenó el que
entonces era su reciente segundo disco de estudio "Madre Tierra". En esta nueva
actuación el grupo aprovechará para presentar nuevo material (según me cuentan,
ya tienen muchas ideas nuevas para lo que habrá de ser su tercer disco de
estudio) junto a varios temas favoritos de siempre entre los fans y seguidores
de esta banda limeña. Todos los conciertos que se programen para la primera
mitad de este año servirán como oportuno calentamiento para su pronta gira
europea (actuación en el festival Crescendo incluida).
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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SUPAY en Youtube
Hay vídeos de Supay en Youtube, de su etapa de sexteto:
Avanzando (http://www.youtube.com/watch?v=6ZCvhD_FPjA)
En el Viento (http://www.youtube.com/watch?v=eF3Tu1UPzk8)
Imperio (http://www.youtube.com/watch?v=ptjcb8Rb9HI)
Vientos (http://www.youtube.com/watch?v=6Pzd8x6vm0w)
Supay es un grupo peruano que de manera muy escondida ha creado una enérgica
propuesta progfolk de raigambre andina. Estos documentos provienen de su época
de difusión de su disco debut Confusión, editado en formato independiente y
casero en 2004 y re-editado por el sello chileno Mylodon dos años después. Este
evento tuvo lugar en el Centro Cultural de España (Lima), siendo el primer
concierto de presentación oficial de "Confusión".
Es una pena que el grupo no haya podido cosechar un mayor renombre dentro del
circuito rock-fusión peruano, pues realmente su repertorio está lleno de magia
y riqueza melódica. Queda como alivio el hecho de que este disco haya podido
ser difundido a través de Europa y Latinoamérica, cosechando varios elogios en
la red.
!!Disfruten de los vídeos!
___________
Noticias de IQ
El concierto que IQ tenía programado para el 9 de abril en el local The Met (en
la ciudad de Bury) se ha tenido que posponer dada la neumonía que afecta
actualmente al vocalista Pere Nicholls desde el domingo 16 de marzo. Él se está
recuperando bien, pero dada la naturaleza de esta enfermedad, requerirá de una
temporada de descanso y recuperación. Todas las actividades de la banda en el
futuro próximo se han cancelado. Mientras tanto, el grupo está discutiendo con
la administració n de The Met la posibilidad de reprogramar el concierto: en
tal caso, las entradas ya vendidas para este evento serían válidas para la
nueva fecha, o como alternativa, se aceptaría solicitudes de devoluciones de
importes por las entradas.
Más información en el enlace www.gep.co.uk/ iq/index. html
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Mas sobre el retorno de Return to Forever
La gente de RETURN TO FOREVER ya está dando debida forma a su retorno del 2008.
Por lo pronto, ya hay programada toda una serie de presentaciones en una gira
mundial, de mayo a agosto Europa está en la agenda de julio, con varias
fechas en ciudades españolas.
Aquí va la lista de conciertos programados:
Mayo.-
29.05 US Austin TX - Paramount Theatre.
30.05 US Austin TX - Paramount Theatre.
31.05 US Houston TX - Verizon Wireless Arena.
Junio.-
01.06 US Dallas TX - Nokia Theatre at Grand Prairie.
03.06 US Denver CO - Paramount Theatre Denver.
04.06 US Salt Lake City UT - Kingsbury Hall.
06.06 US Portland OR - Schnitzer Concert Hall.
07.06 US Medford OR - Britt Music Festival.
08.06 US Seattle WA - The Paramount Seattle.
09.06 CA Vancouver BC - The Centre in Vancouver For Performing Arts.
11.06 US San Francisco CA - The Grand at the Regency Center.
12.06 US San Francisco CA - The Grand at the Regency Center.
13.06 US Los Angeles CA - Gibson Amphitheatre at Universal CityWalk.
14.06 US Phoenix AZ - Dodge Theatre.
17.06 US St. Louis MO - Fox Theatre.
18.06 US Omaha NE - Holland Performing Arts Center.
19.06 US Minneapolis MN - Orpheum Theatre.
20.06 US Chicago IL - The Chicago Theatre.
21.06 US Detroit MI - Freedom Hill Amphitheatre.
22.06 US Indianápolis IN - Murat Theatre.
24.06 US Cleveland OH - The Plain Dealer Pavilion.
25.06 CA Toronto ON - Sony Centre.
26.06 CA Ottawa ON - Ottawa Jazz Festival/Confederation Park.
27.06 CA Montreal QC - Place des Arts - Pelletier Hall.
28.06 US Saratoga Springs NY - Saratoga PAC - Freihofers's Jazz.
Julio.-
02.07 LT Vilnius - Utenos Arena.
04.07 PL Varsovia - Congress Hall.
05.07 HU Budapest - Budapest Arena.
06.07 RS Belgrado - Belgrade Arena.
08.07 FR París - L'Olympia.
09.07 FR Viena - Vienne Jazz Festival.
10.07 ES Madrid - Via Jazz Festival.
11.07 ES Girona - Cap Roig Festival.
12.07 ES Lorca - Lorca Festival.
13.07 ES Valencia - Local a confirmar.
16.07 DE Neuhardenberg - Neu Hardenburg Festival.
18.07 CH Montreux - Montreux Jazz Festival.
19.07 DE Essen - Grugahalle.
21.07 UK Londres (Londres) - Indigo2.
23.07 FR Nice (Niza) - Nice Jazz Festival.
25.07 ES San Sebastián - San Sebastián Festival.
30.07 US Miami FL - The Fillmore Miami Beach at Jackie Gleason Theatre.
31.07 US Clearwater FL - Ruth Eckerd Hall.
Augusto.-
01.08 US Orlando FL - House of Blues.
02.08 US Atlanta GA - Cobb Energy Performing Arts Center.
04.08 US Columbia MD - Merriweather Post Pavilion.
05.08 US Filadelfia PA - Mann Center for Performing Arts.
Con el grupo The Flecktones como telonero:
06.08 US Boston MA - Bank of America Pavilion.
07.08 US New York NY - United Palace.
En este vídeo de Youtube (http://youtube.com/watch?v 2r123KZbXUs) se puede ver
al grupo reformado ensayando.
Más información en la página web www.return2forever.com
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Noticias sobre VdGG y Peter Hammill
Ahora que estamos en la temporada del lanzamiento al mercado de "Trisector",
nuevo disco de VAN DER GRAAF GENERATOR con la formación Hammill-Banton-Evans,
la maquinaria se ha puesto a funcionar para la programación de conciertos de
promoción para el susodicho disco.
Aquí va la lista de eventos en agenda.-
27 de marzo - RNCM, MANCHESTER, Gran Bretaña
29 de marzo - Rosignano, LIVORNO, Italia
31 de marzo - Melkweg, AMSTERDAM, Holanda
2 de abril - Wulfrun Hall, WOLVERHAMPTON, Gran Bretaña
3 de abril - Queen Elizabeth Hall, LONDRES
6 de abril - GOUVEIA festival, Portugal
20 de abril - B1, MOSCÚ, Russia
27, 28 y 29 de junio - O-West, Shibuya, TOKYO, Japan
Por su parte, Peter Hammill ya tenía una agenda de actuaciones solistas para
este año, la misma que se ha ampliado en el transcurso de los dos últimos
meses. Todas son fechas españolas exceptuando la presentación en el NEARFEST
2008.-
22 de mayo - Gasteszena SAN SEBASTIÁN, España
23 de mayo - Jardins de Can Puguet, Manlleu BARCELONA, España
25 de mayo - Palacio Euskalduna, BILBAO, España
(Tal vez un concierto en Zaragoza o Madrid entre el anterior y el
siguiente)
29 de mayo - Teatro El Albeitar, LEÓN, España
30 de mayo - Auditorio Caes, Torre Pacheco, MURCIA, España
21 de junio - NEARFEST festival, Bethlehem, PA, EE.UU. (sujeto a la obtención
de visa de trabajo)
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: Alex <demencial@mundo-r.com>
Asunto: Gavin Harrison & 05Ric "Drop" y los nuevos King Crimson
Gavin Harrison & 05Ric "Drop" y los nuevos King Crimson
Hola a todos,
Me extraña muchísimo que nadie haya hablado aún del disco Drop (2007) del que
para mí es el mejor batería de rock progresivo en la escena actual después de
la vuelta de Bill Bruford a sus origenes en el jazz.
El album surge como colaboración con 05Ric un guitarrista y bajista que conoció
en MySpace en la línea de Tony Levin y Trey Gunn (ver foto de su instrumento en
la web). Gavin decidió ponerse en contacto con él tras ver un directo donde dos
grupos tocaban de forma simultanea con tempos y armonías diferentes, una
especie de doble-trío a lo King Crimson. Ric le pidió a Gavin grabaciones con
ritmos de batería que hubiese desechado en proyectos anteriores, así que le
mando unas grabaciones recientes que no había utilizado en el último disco con
Porcupine Tree por parecerle demasiado complejas a Steven Wilson y no encajar
del todo en el proyecto. Esta fue la base sobre la que trabajaron pare crear
las 9 canciones que componen el CD donde colaboran además Gary Sanctuary, Dave
Stewart y el mismísimo Robert Fripp. El disco comienza con una intro demoledora
a la batería seguida por un ostinato de bajo que nos recuerda a Thela Hun
Ginjeet y es que todo el album gira en torno a la música del King Crimson de
los 80. Líneas melódicas de voz acompañadas por polirrítmias, compases
compuestos y de amalgama junto con los ostinatos y contrapuntos entre guitarras
y bajo típicos de la era Discipline. La voz de Ric es una mezcla entre la de
David Bowie y la de John Wetton pero no os dejéis engañar por las líneas más
poperas de su voz y la duración más bien corta de los temas, ya que el album
rezuma rock progresivo por los cuatro costados. Solo el tema Where Are You
Going? es puramente instrumental con Gary Sanctuary al piano.
Abstenerse los que no os guste el King Crimson de los 80 y más que recomendable
para el resto y sobre todo para los que toquen la batería o les guste este
instrumento porque me atrevo a decir sin dudarlo que es el mejor album de Gavin
Harrison. Y ya es decir mucho.
Los Nuevos King Crimson
Segun parece King Crimson van a dar una serie de conciertos por EE.UU. con la
siguiente formación: Robert Fripp, Adrian Belew, Tony Levin, Pat Mastelotto en
la batería electrónica y ?quién va a sustituir a Bill Bruford en la
acústica?... pues ni más ni menos que el Sr. Gavin Harrison. Sabe poco Robert
Fripp.
Las fechas de la gira todavía por confirmar son:
6, 7 y 8 de Agosto: Park West (Chicago)
11 y 12 de Agosto: Keswick Theater (Philadelphia)
14, 15 y 16 de Agosto: Nokia Theater (New York)
Me despido recomendando además el material didáctico editado por Gavin
Harrison, tanto los 2 libro/CD, con introducción de Bill Bruford, como los 2
DVDs. Una auténtica joya.
Links donde podréis además escuchar algunos temas del album:
http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=265314514
http://www.myspace.com/gavharrison
http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=185739813
http://www.myspace.com/officialkingcrimson
Un saludo a todos los cajeros.
Alex
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Autor: "Progjuan Progjuan" <progjuan@gmail.com>
Asunto: XV BIENAL DE FLAMENCO 2008
Hola
Caí, Imán Califato Independiente, Guadalquivir, Tabletom, Alameda...
en LA PROGRAMACIÓN OFICIAL DE LA XV BIENAL DE FLAMENCO 2008
... El ciclo finalizará con una noche dedicada al Rock andaluz y su relación
con el Flamenco. La noche contará con las actuaciones de grupos de leyenda:
Cai, Imán Califato Independiente, Tabletom, Pata Negra, Alameda o
Guadalquivir, entre otros.
http://www.bienal-flamenco.org/
Día 20 de Septiembre de 2008
Lugar: Auditorio Rocío Jurado
Hora: 23,00 h.
Título: "ROCK Y FLAMENCO"
Caí, Imán Califato Independiente, Guadalquivir, Tabletom, Alameda, Pata
Negra=85
salu2
juan
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TÁNGER_ 2D_1312_de_abril
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo el anuncio del próximo evento del cuarteto
instrumental TÁNGER... con un invitado especial.-
" TANGER en concierto, anticipando material de su nuevo CD "Mundos Paralelos" y
presentando, en carácter
de invitado, a Ignacio Lois, antiguo miembro de la banda.
SÁBADO 12 DE ABRIL 23:30
CENTRO CULTURAL TERESA ISRAEL
Acuña de Figueroa y Humahuaca
Entrada: $8
Se agradecerá la difusión.
www.myspace. com/tangerspace
www.purevolume. com/tanger "
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Autor: Héctor_Mario_Gómora_Morales<hgmorales50@hotmail.com>
Asunto:
Saludos a los contertulios de LCDM.
Aquí de nuevo para comentar brevemente algo del número 824. Se trata, otra vez,
del asunto de la piratería. Creo que ya se está emepzando a dar vueltas sobre
lo mismo, así que no repetiré y sólo trataré de puntualizar.
Me referiré brevemente a dos artícuos de dos contertulios llamados Marcelo. Si
entiendo bien son dos, así que los distinguiré con su pseudónimo de correo; con
el debido respeto, por supuesto.
Marcelo "marceplus" hace algunos comentarios que no sé si entendí bien, y lo
digo porque si los interpreté correctamente entonces me preocupo un poco. Al
parecer Marcelo nos dice que si los músicos del rock progresivo decidieron
dedicarse a algo que no les va dejar mucho dinero, entonces no deberían
preocuparse tanto (ni nosotros tampoco) por la piratería. Me permitiré usar la
técnica de "reducción al absurdo" con la cual se lleva el razonamiento al
extremo, se le fuerza, para mostrar su problema.
Tal razonamiento implica que yo podría quitarle su dinero a alguien pobre
argumentando que de todos modos ya está jodido. Por el contrario, yo opino que
el despojo es despojo, independientemente de cualquier otra cosa.
Sólo esos músicos pueden decir si les indigna o no el file sharing; no podemos
hablar por ellos. Pero por encima de ello está otra cosa: el que algunos
decidan renunciar VOLUNTARIAMENTE a cierto derecho no significa que todos los
demás lo pierdan y que ya nadie está obligado a respetarlo. Ninguna sociedad
podría sostenerse así. Los derechos sociales son tales precisamente porque
están garantizados por principios jurídicos de convivencia, no por la rutina.
También me parece muy especulativo suponer que al acabar el file sharing se
caerían las ventas de artículos y hasta se afectarían fuentes de trabajo. Mucho
podría decir al respecto, pero prefiero centrarme en una sola cosa, de nuevo
con una reducción al absurdo: no creo que ninguno de nosotros estuviese de
acuerdo en que le quiten constantemente el producto de su trabajo con el
argumento de que lo hacen para que otros no se queden sin el suyo. La
solidaridad es hermosa y muchos podríamos estar de acuerdo en ciertas
circunstancias, pero de entrada debería ser con nuestro consentimiento. Sin
embargo, el file sharing y la piratería no tienen, en mi opinión, ningún asomo
de empresa solidaria.
Y otro argumento que quizá menos aceptaríamos es que nos dijeran que a fin de
cuentas siempre hay alguien perjudicado. Esto último nos sonará bien siempre
que no seamos nosotros los perjudicados.
Algunas cosas no se pueden resolver sólo por el amor al arte o cosas de las que
normalmente se hablan en foros como éste, sino que se deben analizar con una
perspectiva cívica, de cultura política. No todo es elucubración artística. El
músico es también un ente político. Es falso que él esté por encima de esas
cosas. Como el mismo Jorge Alveláis dijo una vez, también al músico le apestan
las patas.
Como el mismo Marcelo dice al principio de su texto: ya sea que se haga arte o
basura se tiene derecho de cobrar por el trabajo. Todo lo que sigue no invalida
esa fórmula.
Sin embargo reitero que no hay verdades absolutas, sino que cada una tiene su
aspecto relativo y por ello coincido con Marcelo en el sentido de que la
piratería a enormes empresas o artistas millonarios no me quita el sueño.
Sólo deseo reiterar que no debemos perder de vista que eso no es aplicable a
quienes no son ricos. Ellos son artistas, no "mercaderes". El artista no pasa a
esa categoría simplemente porque deba cobrar por su trabajo. Precisamente el
hecho de que hayan escogido dedicarse a algo que no los volverá millonarios
hace que peleen cada peso que se les quita, porque cada uno les pesa. Eso me
parece completamente lógico.
Por otro lado, Marcelo "marcelor" reitera su postura desde una perspectiva
legal. Yo también insistiré -sólo una vez más- en que si bien la ley es
importante, debemos incorporar a nuestra visión social la cuestión de la
legitimidad. Aun cuando hubiera lagunas legales respecto a los casos comentados
de Wakeman y Renaissance (habría que hacer una buena investigación) la
legitmidad -que viene de la ética- nos obliga a admitir cuando tomamos algo
prestado. Es una cuestión de respeto. La ley no nos obliga a ser respetuosos,
pero la ética sí. Ahí está el mérito.
Gracias a todos y pásenla bien.
Héctor GómoraAguascalientes, México
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TEMPANO: Selective Memory
TÉMPANO: Selective Memory (2008)
Temas
1. Victoria Pírrica
2. Falling Senses
3. Argos
4. Despair, Shout
5. A Farewell to the Seasons
6. Irus
7. The Blind Crow
8. Path
9. Embestida
10. Cristalizado
11. Aguas Redondas
Integrantes
- Pedro Castillo: guitarras, violín, mellotron, voz
- Giuglio Cesare Della Noce: piano, pianos eléctricos Rhodes y Wurlitzer,
órganos Hammond B3 y Farfisa, Minimoog, Polymoog, Elka string, clavinet, Roland
Space Echo RE 201
- Miguel Angel Echevarreneta: bajo, guitarras acústicas
- Gerardo Ubieda: batería, percusión, teclados en 10
Difundid la palabra, la estrofa, la nota, la melodía,
Las canciones son
vuestras así reza el cierre de los créditos de Selective Memory (Memoria
Selectiva para el público hispano-hablante), el nuevo disco del veterano
cuarteto progresivo venezolano Témpano. Mientras están iniciando los procesos
de grabación y producción de lo que será su próxima placa, Témpano saca al
mercado esta selección de viejas composiciones: las piezas 28 y 10 son
antiguas ideas musicales que fueron a parar a las suites que Témpano publicó
para los proyectos multigrupales Odyssey y The 7 Samurai; el tema 9 tuvo su
origen durante las sesiones de grabación del The Agony el último tema es el
más antiguo, pues data de la época de Atabal-Yemal, incluso convirtiéndose en
uno de los temas más requeridos por sus fans en los conciertos, pero nunca
dispuso de una versión oficial de estudio hasta ahora. Aunque el grupo
manifiesta que se utilizaron técnicas de grabación afines a las de los años
70s, noto que la producción de sonido tiene un innegable elemento moderno. Noto
también que hay un parentesco entre varias de las ideas aquí vertidas y las
líneas de trabajo plasmadas en los proyectos iX y Odrareg, lo cual es un
indicio de la manera tan exquisitamente fluida en que comulgan la ideología
grupal y las inquietudes individuales de los miembros de Témpano. Giuglio
Cesare Della Noce tiene todo un arsenal de teclados a su disposición:
definitivamente los teclados ocupan el rol central en la instrumentación, pero
esto no llega al punto de hacer que los demás instrumentos giren en torno a
ellos. El grupo funciona de una manera muy bien afiatada, perpetuando la magia
que suelen crear los músicos en comunión.
El disco comienza con los casi 6 minutos que dura Victoria Pírrica, el único
tema estrictamente nuevo, compuesto y grabado expresamente para el álbum: se
trata de una pieza muy efectiva, pues tiene un punche llamativo y un manejo
diestro de las sofisticaciones que ocurren en su desarrollo. las cadencias
predominantes de Victoria Pírrica ostentan un colorido cuyas influencias
concluyentes beben de Gentle Giant, el chamber-rock clásico y el sinfonismo de
tendencias space-rock. Falling Senses contiene una mayor dosis de agresividad
en sus pasajes más fuertes, lo cual permite crear un contraste muy interesante
con los momentos más ceremoniosos: la ideología experimental de Témpano les
hace permanecer bajo la influencia del chamber-rock y space-rock, aunque en
esta ocasión la dosis de cadencias jazzeras permite que las secciones más
extrovertidas dispongan de un swing especial. La sección final lenta tiene una
solemnidad patentemente marcada por el solo de guitarra, entre hackettiano y
floydiano. Argos es una relajada balada acústica relevantemente sazonada con
hipnóticos solos de sintetizador; de esta manera se anticipan las atmósferas
evocativas de Despair, Shout, basadas en la alternancia entre el sobrio
manejo de disonancias y el explayamiento de ambientes amables, todo ello sobre
un compás semi-lento de corte jazz-rock. A Farewell to the Seasons se
encamina más directamente hacia el estándar del rock sinfónico, haciendo
básicamente una conjunción de Pink Floyd, Gentle Giant y Yes. Irus tiene un
aura ceremoniosa de cariz cinematográfico, casi combinando los espíritus de los
dos temas precedentes aunque sin llegar a picos expresivos de a Farewell to
the Seasons. El alucinado solo de guitarra que emerge a partir del minuto 4,
lejos de crear una ruptura con el ambiente general del tema, lo complementa al
modo de un color añadido. The Blind Crow es un tema menos denso, más sereno
en realidad, pero todavía empapado de complejidad progresiva a pesar de tener
una estructura más simple que cualquiera de las piezas precedentes. Path es
fiel a la onda retro, mostrando un espíritu afín al sonido de bandas como The
Tangent o The Flower Kings: es muy corto, e incluso tiene un bizarro final de
palmas y arengas sincopadas. Embestida tiene un aire muy a lo de Happy the
Man, algo que no es nuevo en un disco de Témpano: los motivos básicos son
juguetones y líricos, pero no falta algún breve interludio que marca una
ruptura a modo de contraste. Tampoco falta algún giro hacia áreas sonoras de
vertiente jazz-rock cuando nos aproximamos a lo que será el clímax conclusivo.
Cristalizado recupera la prestancia ensoñadora de los pasajes más solemnes
del disco: incluye un estupendo (aunque efímero) dueto de guitarras clásicas
que sirve como preludio al último solo de guitarra. !Hay que ver qué gran
maestro es Pedro Castillo! sus solos de guitarra eléctrica son excelentes
ejemplos de cómo combinar texturas envolventes, fraseos estilizados y
pirotecnias arquitectónicas con ingenio y feeling. El tema final Aguas
Redondas establece un explayamiento en las atmósferas ensoñadoras y
sofisticación controlada que habían signado a Cristalizado: de este modo,
Aguas Redondas ofrece al oyente un momento de contemplación reflexiva
construido con suma elegancia y genuina fuerza expresiva.
Este disco está disponible para descarga desde la página oficial del grupo
(sección Enlaces): quienes se apresuren en bajárselo para que este ítem engrose
su discoteca particular, sabrán valorar a Selective Memory como lo que es, un
nuevo manifiesto de la originalidad y creatividad que Témpano sabe ofrecer al
mundo del rock progresivo.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Birdsongs of the Mesozoic "Sonic Geology"
Geology
BIRDSONGS OF THE MESOZOIC: Sonic Geology (1988)
Temas
1. Shiny Golden Snakes
2. Ptoccata
3. Waterwheel
4. Pulse Piece
5. The Rite of Spring (excerpts)
6. The Orange Ocean
7. The Tyger
8. Scenes From A ...
9. The Beat of the Mesozoic, Part 1
10. International Tours
11. Drift
12. Final Motiff
13. Theme from Rocky and Bullwinkle
14. The Fundamental
15. Sound Valentine
16. The Common Sparrow
17. Lost in the B-Zone
18. Triassic, Jurassic, Cretaceous
Integrantes
- Roger Miller: piano, percusión
- Erik Lindgren: sintetizadores, cajas de ritmo, percusión
- Rick Scott: Farfisa, percusión, piano
- Martin Swope: guitarra, percusión
Colaboradores Steve Adams (saxo, flauta), Allan Chase (saxo), Tom Hall
(saxo), "Taki" (dono), Michael Cohen (rototoms, platillos, tarola), Leon
Janikian (clarinete), Karen Kaderavek (cello), Peter Prescott (tomtom), Steve
Stain (cadena de metal)
Este CD es el debut discográfico digital de Birdsongs of the Mesozoic: Sonic
Geology recoge la mayoría del material que apareció originalmente en un LP y
dos EPs. Este ensamble estadounidense se vuelca decididamente hacia la
vertiente experimental del rock artístico, creando una sonoridad peculiar
inspirada en el chamber-rock, el minimalismo y la música free-form con
sensibilidades electrónicas. La tendencia general de las composiciones y sus
subsiguientes arreglos es de trabajar cadencias y atmósferas en vez de generar
climas épicos y ostentosos: de esta manera Birdsongs of the Mesozoic establece
un camino muy distinto a los de grupos vanguardistas como Art Zoyd o Present, a
pesar de que se puede notar claramente las afinidades respecto a la cámara
vanguardista que los inspira. Más bien el grupo está principalmente cercano a
Art Bears, y en cierta medida también a Thinking Plague, pero sin utilizar el
mismo colorido exquisito de éstos; adicionalmente se puede advertir la huella
del krautrock en su vertiente más ácida como referente estilístico para
Birdsongs.
Shiny Golden Snakes combina una pauta rítmica robótica con buenas
vibraciones, mientras que Ptoccata asume un aire un poco más ceremonioso,
reciclando la onda de Philip Glass en simultáneo con la de Stravinsky, aunque
sin llegar a hacerse siniestro merced a los efluvios armónicos tan ágilmente
marcados por los teclados. Donde sí hallamos algo sombrío (que no inquietante)
es en el tema 4, donde confluyen contrapuntos y retazos sobre un trasfondo de
densidad. En medio se ubica Whaterwheel que combina este tipo de atmósferas
con capas de esencia minimalista. The Rites of Spring es una deconstrucción
de uno de los pasajes climáticos de la famosa obra de Stravinsky, transformada
en un puro homenaje simultáneo a Art Bears y al primer Univers Zero, una
explosión progresiva que saca todo el jugo a su espacio de 6 ¾ minutos una
de las gemas absolutas del disco, no me cabe duda. El lirismo envolvente de
The Orange Ocean ayuda a establecer un equilibrio dentro del repertorio antes
de que The Tyger explore ambientes tan exóticos como amenazadores en su
elegantemente construida cacofonía. Scenes From A
tiene la rara virtud de
ser aterrador sin ser aparatoso, ni siquiera en los pasajes más explícitos:
ciertos toques de piano contienen cadencias de inspiración jazzera. The Beat
of the Mesozoic, Part 1 recalca especialmente la parte percusiva (programada y
humana) en una especie de danza celebratoria telúrica.
International Tours brinda un momento de suave contemplación antes de que el
excelso caos de Drift y la arquitectura ensoñadora de Final Motiff ofrezcan
pasajes un tanto más explícitos. Theme from Rocky and Bullwinkle muestra
cuánta afinidad hay entre la lúdica locura de la música de dibujos animados con
la solemnidad desafiante del chamber-rock, mientras que The Fundamental nos
trae más del tenso juego de cacofonías que tan bien se le da a la banda.
?Queremos tensión sin cacofonías? allí está The Common Sparrow, una pieza
que destila un misterio oscuro a partir de climas cinematográficos que a veces
puede sonar a una versión etérea del crimsonismo como fondo de una escena
particularmente rara de una película de David Lynch. Sin renunciar a lo
bizarro, Birdsongs nos devuelve a los climas calmos y ensoñadores con Sound
Valentine (una vez más sale a flote la influencia de Glass). Lost in the
B-Zone es otro de los puntos álgidos del disco, un prodigio de tensión
construido con clase y pulso a partir de unas mínimas ideas musicales
articuladas sobre un esquema entusiasta, incluso casi marcial (hay un
vídeo-clip de este tema en Youtube:
http://www.youtube.com/watch?v=e2amhuRK5Lc). Los últimos 8 minutos del disco
están ocupados por Triassic, Jurassic, Cretaceous. Se trata de una sucesión
de colores disonantes fluidamente desplegados sobre una permanente secuencia
rítmica: unos segundos después del último sonido instrumental surge la coda,
una minúscula sátira de canto gregoriano. Un final pertinentemente humorístico
para un disco como éste, apoyado en su continua capacidad de sorpresa la obra
discográfica de Birdsongs of the Mesozoic es un punto de referencia necesario
para entender el estado del progresivo vanguardista después de la desaparición
de Henry Cow y Art Bears y la edad dorada de Univers Zero.
César Mendoza
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Autor: Rafael Augusto Lara Palmeros <ralp666@yahoo.com.mx>
Asunto: Una_noticia_y_una_reflexión.
Estimados amigos:
El día 2 de abril de este año, www.yahoo.com.mx, publicó en su portal la
siguiente información: "......Carlos Lazo, Presidente del Consejo de Estudios
Cinematográficos de México ha dicho en una reciente convención sobre el
fenómeno de la piratería en el paìs, que 9 de cada 10 DVDS que se comercializan
en la República Mexicana son piratas, por otra parte 4,800 videoclubes bien
establecidos ( legalmente hablando ) compiten con cerca de 50,000 puestos
ambulantes que de dedican a este negocio, así mismo señalo que el el pasado
2007, el 71% de los discos que se vendieron en el país fueron piratas (
Asociacion de protectores de Derechos y Música de México ).
Estaremos hablando de casualidad o coincidencia ?
Por otra parte, Marcelo, en su reciente artículo, ha mencionado un punto álgido
referente al Rock Progresivo: éste se encuentra en un nicho, agregaría yo,
rodeado y cubierto de finísimas e impercderas gemas que constituyen las grandes
obras de los maestros de este genero. Toca un punto medular, que és obvio que
se sobreentiende:
El Rock Progresivo es ELITISTA, punto que no se menciona debido que puede
parecer fanfarrón o en su caso- como decímos en México- "payaso". Pero esa es
la gran realidad. Desafortunadamente, no todas las personas amantes de la
música pueden comprender el gran significado, que en su mayoría, concierne a
éste género. A principios del siglo pasado, un gran neurofisiólogo británico,
Sir Charles Sherrington, hablaba del cerebro, específicamente la materia gris,
como un "telar mágico" en el que confluían neuronas, dendritas ,axones
neuronales, sinapsis y sobre todo, neurotransmisores, otorgando infinitas
posibilidades funcionales a éste importante órgano. Lo mismo sucede con el Rock
Progresivo, producto de la mente humana, es infinito, pero para ésto es
necesario tener EDUCACION Y CULTURA, situaciónes infames en países
latinoamericanos. Sin tratar de entrar en polémica, éste genero musical con
lleva algo muy significativo en su quehacer: la conceptualidad como fenómeno
socio-cultutal, es de todos sabido que las grandes obras progresivas se
desarrollan a partir de conceptos bien definidos y / o establecidos, Creo, sin
temor a equivocarme, que el Progresivo creado en Latinoamérica- en éste caso-
le falta muchísimo para ser comparado en calidad lírico-musical al italiano, al
francés y sobre todo al británico aunque incorporen en su música patrones
propios de la música tradicional autóctona. Desafortunada o afortunadamente, el
mejor Progresivo de cualquier género o subgénero nos llega de Europa como
encomiable muesta de lo que representa aún en esta época tan tecnificada, la
verdadera Cultura Occidental
Mil Parabienes.
Desde Xalapa, Equz, Capital del Estado de Veracruz en México
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Hannah - A Life in Rock Minor (2008)
HANNAH : A LIFE IN ROCK MINOR (2008)
Discográfica: Musea Parallele/Musea
Temas:
1. My Soul is Gone
2. Dead Sea
3. A Thousand Realities
4. A Life in Rock Minor
5. The Road of Loneliness
6. Big Ear
7. Wrong
8. My Soul is Back
Músicos:
- Roberto Aguilera keyboards, programming
- Jesús Gancedo drums, percussion, samples, additional keyboards
- Marcos Garrote (Blackie) bass
- Javier Lostal vocals, rhythm guitar
- José Antonio Serrano lead and rhythm guitars, additional keyboards
Hannah es un grupo cántabro que, tras unos años funcionando, editan al fin
su primer álbum, A Life in Rock Minor, con el sello Musea. El estilo que
practican se enmarca dentro del rock progresivo con sabor americano.
Así, sus influencias, además del inevitable componente inglés herencia en
este caso de de grupos como podrían ser los Yes de Drama, Marillion o
Genesis, vendrían más por la parte americana. Por un lado seguramente el
progresivo de los 90 de Echolyn o Spocks Beard, y por otro los grupos
derivados del AOR y el progresivo como Enchant y Dream Theater, o
directamente de bandas madre como Boston o Kansas o incluso los Rush de los
80.
En ésta su primera aventura discográfica, Hannah se dejan de complejidades y
virtuosismos y optan por un progresivo más directo. A destacar el gancho y
contundencia de My Soul is Gone, Wrong y A Life in Rock Minor, la
instrumental Big Ear o el preciosismo melancólico de la pieza final My
Soul is Back, en un álbum globalmente bastante regular en el que no
sobresale ninguna pieza ni por encima ni por debajo.
Un grupo que, pese a no hacer nada nuevo, se muestra ciertamente cohesionado
y con posibilidades de cara a un futuro próximo. Quizás el punto a mejorar
sea por parte del vocalista, que en algún momento pierde el control de su
voz, así como una mejora en el trabajo compositivo que los lleve a mayores
cotas de relevancia. De momento, la primera piedra está bien situada.
Valoración: 5/10
Ferran Lizana (rockomick@orange.es)
Abril 2008
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Autor: "juan" <jolmos@juanolmos.net>
Asunto: SINCOPAO y ZYCLOPE
Los Recuerdos del Unicornio
30 may 2008, 21:00
sala SIROCO, Madrid 28100
El programa LOS RECUERDOS DEL UNICORNIO cumple 10 años -bueno, 11 incluso-
y queremos celebrar ese recorrido con una fiesta-concierto especial en la
sala SIROCO con las actuaciones de SINCOPAO y ZYCLOPE. Tras el doble
concierto la fiesta continuará para todo el que aguante, con la música que
nos ha acompañado durante todos estos años ... la ocasión perfecta para
reunir a todos los que, de una u otra forma, habéis hecho que esto
funcione ... ZYCLOPE : La banda madrileña nos presentará en primicia su
reciente trabajo TRES. Si os quedásteis con ganas de más cuando los
vísteis teloneando a RPWL, esta es la ocasión de desquitaros ... SINCOPAO
: Tras el genial VALS DE LOS DUENDES, los andaluces OMNI sufrieron un
profundo proceso interior que les llevó a segregarse en dos. SINCOPAO es
el nuevo ser surgido del torbellino, y vienen para encandilarnos con sus
inequívocos aires andaluces. Además presentarán por primera vez la versión
definitiva de su entrañable tema LOS RECUERDOS DEL UNICORNIO ... vamos,
para no perdérselo ...
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MEDINA AZAHARA 1980
MEDINA AZAHARA: Medina Azahara (1980)
Temas
1. Paseando por la Mezquita
2. En la Mañana
3. Hacia Ti
4. Si Supieras
5. Solo
6. Amiga
7. Sé
8. Recuerdos del Ayer
Integrantes
- Manuel Martínez: voz
- Miguel Galán: guitarra
- Pablo Rabadán: teclados
- Manuel S. Molina: bajo
- José A. Molina: batería
Colaborador Paco Cepero (guitarra española en 2 y 5)
Con su disco debut, el grupo cordobés Medina Azahara aportó un ítem bastante
interesante para el desenvolvimiento del movimiento rockero andaluz que generó
muchas obras progresivamente valiosas a través de fines de los 70s y principios
de los 80s. El estilo del grupo tenía, en su etapa inicial, bastantes aires de
familia con la línea de trabajo practicada por Mezquita, aunque sin igualar la
dosis de complejidad de éstos: de hecho, el sonido de esta banda tiene una
cercanía mayor a la fiereza de Deep Purple que a la vibración estilizada de un
Genesis o un Camel, por ejemplo, pero las ambiciones compositivas y el directo
homenaje a lo flamenco en las ideas melódicas ponen al grupo dentro de una
vertiente art-rock. Definitivamente, la guitarra de Miguel Galán es la
directriz de las expansiones instrumentales de los temas, mientras que el
canto, a la vez arrollador y melodioso, de Manuel Martínez opera como un pilar
para el realce de los motivos centrales. Los teclados no ocupan un lugar tan
destacado como en los dos siguientes discos del grupo, pero es cierto que crean
efectivos complementos para los guitarreos a través de sus cortinas, bases
armónicas y ocasionales solos. Para realzar el factor flamenco, el grupo contó
con la colaboración adicional de Paco Cepero en la guitarra española para
Busco y En la Mañana.
El disco comienza con el fabuloso tema Paseando por la Mezquita, cuya sección
instrumental de apertura supuso, y hasta ahora supone todo un emblema de la
movida rockera andaluza incluso se utilizó como sintonía para varios
programas televisivos y radiales por años y años. Su gancho y dinamismo, así
como las armonías arábigas de teclado, encajan como una efectiva vía de entrada
a la visión musical de Medina Azahara. La parte cantada ofrece un canto
apasionado de reivindicación de los oprimidos, los humillados y ofendidos cara
a cara frente a las injusticias de larga data. Los ya mencionados Busco y En
la Mañana también se centran en esta temática (el primero fue el segundo
simple del álbum). Si Supieras apunta hacia una protesta política que
denuncia el armamentismo, asumiendo un aura de teatralidad con la inclusión de
un soliloquio y un repentino ornamento típico del rock sinfónico durante la
sección intermedia. En mi humilde opinión, son Amiga y Sé las piezas mejor
logradas del disco: ellas contienen los arreglos más interesantes y las
expansiones instrumentales más sólidas, y como siempre, Martínez se adueña de
la escena cada vez que interviene con su canto rebosante de emotividad a flor
de piel. Hacia Ti tiene un carácter más jovial, y algo así puede decirse
también de Recuerdos del Ayer: en ambas canciones los teclados asumen un aire
más a lo Yes, mas es oportuno admitir que la guitarra solista nunca pierde el
protagonismo.
En líneas generales, el disco debut homónimo de Medina Azahara supone una obra
musical muy valiosa dentro de la historia del rock progresivo español en su
vertiente más dura: sin duda, es un referente importante para el progresivo
español y una joya para coleccionistas de otras regiones del mundo.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Van der Graaf Generator "Trisector"
VAN DER GRAAF GENERATOR: Trisector (2008)
Temas
1. The Hurlyburly (4:34)
2. Interference Patterns (3:49)
3. The Final Reel (5:47)
4. Lifetime (4:43)
5. Drop Dead (4:44)
6. Only in a Whisper (6:43)
7. All That Before (6:26)
8. Over the Hill (12:26)
9. (We Are) Not Here (4:04)
Integrantes
- Peter Hammill: voz, guitarras, pianos
- Hugo Banton: órganos, bajo, pedales bajos
- Guy Evans: batería, percusión
Van der Graaf Generador vuelve a la carga en la carrera discográfica que retomó
en el nuevo milenio. Al igual que Present, grabado por el cuarteto clásico de
Hammill-Banton-Jackson-Evans, Trisector asienta su esencia progresiva en el
tipo de sonido gestado por la banda en su etapa 1975-6, aunque dada la ausencia
de Jackson en esta ocasión (precisamente el músico que creaba la mayor
exuberancia sonora con sus aportes de saxo y flauta), el trío remanente se ve
obligado a dar más peso a Banton en cuanto a la creación de ambientes y
despliegue de las ideas compositivas, así como dar mayor presencia a la batería
de Evans y los guitarreos de Hammill a fin de preservar su patrón de energía y
neurosis. Otro factor importante es que solo una composición es de Hammill a
solas (el caso de Lifetime); el resto del repertorio está acreditado a los
tres músicos. El canto de Hammill ya muestra más indicios de desgaste que en
Present, pero definitivamente su talento para evocar ideas y su soltura para
jugar con su registro siguen intactos. El grupo se ha tomado su tiempo desde
julio del año pasado para llevar esta obra a su forma definitiva, y ciertamente
se nota una meticulosidad en los despliegues sonoros hechos por el trío en cada
pieza en términos de arreglos y producción de sonido, es un disco más pulido
que Present.
El disco comienza de una forma poco ortodoxamente vandergraffiana: The
Hurlyburly es un instrumental rockero con una fibra inmediata, algo así como
una cruza de Rolling Stones de fines de los 60s, la faceta rockera del David
Bowie berlinés y el Nadirs Big Chance hammilliano. Este inicio de disco
tiene mucha polenta, sin duda, pero toma de sorpresa al oyente mentalizado
sobre lo que se puede esperar del sonido VdGG. Las cosas se normalizan con
Interference Patterns, explorando el aspecto más dinámico de la cosmovisión
hammilliana la retroalimentación entre las cadencias rítmicas de la batería y
los juegos armónicos del órgano conforman un esquema efectivo, un recurso que
también habrá de resultar relevante más adelante en los temas All That Before
y (We Are) Not Here. El primero tiene una rabia contenida que permite a los
músicos integrar un sentido de elegancia a través de la latente agresividad del
motivo central, mientras que el segundo cierra el disco con ciertos aires a La
Rossa, aunque sin hacerse épico. Lo realmente épico está manifestado en Over
the Hill, la única composición grandiosamente ambiciosa del disco. Su espacio
de casi 12 ½ minutos está muy bien aprovechado con la manera tan bien
organizada con que se amalgaman los diversos motivos. Con su comienzo
misterioso, creando una expectativa, Over the Hill comienza con una aureola
contemplativa hipnótica. Poco antes de llegar al cuarto minuto se quiebra el
motivo inicial para dar inicio a una sección basada en una controladamente
compleja cacofonía, algo muy vandergraffiano. Este interludio no es muy largo:
pronto emerge una nueva sección cantada en un compás jazzero de tres cuartos,
la cual es seguida por otra estupenda cacofonía instrumental. Los adornos de
guitarra eléctrica reemplazan parcialmente el rol que normalmente hubiera
ocupado Jackson. Así, como quien no quiere la cosa, llegamos al minuto noveno
con un clímax típicamente progresivo, el cual fluidamente desemboca en una
reprise de la lánguida reflexión inicial. Over the Hill encarna un promedio
perfecto entre lo más dramático del Pawn Hearts y lo más majestuoso del
Still Life.
The Final Reel es una balada de raigambre jazzera donde el piano y el órgano
conjuran juntos para crear una atmósfera suave, como creando un paisaje
grisáceo para que la melancolía se mantenga en una manifestación discreta. En
Lifetime hallamos una mayor tensión a pesar de contar también con una
instrumentación poco aparatosa: esta vez los ambientes oníricos creados por las
capas de órgano tienen más de perturbación acechante que de ensueño. Pero si
queremos algo aparatoso, no tenemos que esperar mucho: Drop Dead nos devuelve
una vez más al espíritu recuperado de Nadir, como un espacio intermedio entre
Nobodys Business y Two or Three Spectres. Only in a Whisper es un tema
en 5/4 cuyo clima predominatemente jazzeado lo emparenta con The Final Reel:
tal vez tengamos la mejor intervención de Evans, así como las mejores líneas de
bajo de Banton en este disco.
En fin, tenemos aquí una nueva muestra de la perenne grandeza creativa de este
grupo que volvió a las andadas dispuesto a dar todo de sí con cada ítem
fonográfico. Tanto como se puede extrañar a Jackson por razones históricas, la
verdad es que el grupo se las ha apañado muy bien para crear y arreglar este
nuevo material sin él. Cierto que uno puede fantasear sobre cómo Jackson pudo
haber ofrecido sonidos importantes en algunos importantes momentos
instrumentales o pasajes improvisacionales alrededor del canto de Hammill, pero
a mí me parece que el disco suena bien como está, sin él. Trisector no habrá
de decepcionar a los fieles seguidores y afanosos apreciadores de Van der Graaf
Generador.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FINNEUS GAUGE 1999
FINNEUS GAUGE: One Inch of the Fall (1999)
Temas
1. Open Up the Fog Lines
2. In a Different Hour
3. One Inch of the Fall
4. Blogees Lament
5. Unsinkable You
6. State of the Art
7. Early Sun
8. Golden Pretzel
Integrantes
- Christopher Buzby: teclados, coros
- John Buzby: batería, coros
- Chris Eike: bajo
- Laura Martin: voz, coros
- Scott McGill: guitarras
Finneus Gauge fue un proyecto efímero que el teclista Christopher Buzby fundó
junto a su hermano baterista John durante el hiato que tuvo lugar tras la
momentánea disolución de Echolyn. El disco que paso a reseñar ahora, One Inch
of the Fall, es el segundo y último de esta banda, la cual terminó sus días de
manera un tanto amarga cuando se creó un abismo entre los hermanos Buzby por un
lado y la dupla Eike-McGill por el otro (incluso hubo una carta pública enviada
por Christopher a los fans del grupo en la que era su página web donde acusaba
a estos dos de falta de compromiso real con Finneus Gauge). O sea, que el
título del disco fue totalmente premonitorio. El sonido del grupo no es para
nada sucedáneo de Echolyn, aunque se puede notar afinidades tales como el gusto
por incorporar ambientes ágiles y fusionar el jazz con lo sinfónico, pero hasta
allí llegan las coincidencias. En cuanto a las estrategias compositivas y
arreglos instrumentales, Finneus Gauge practica un progresivo muy peculiar
donde confluyen guitarreos cañeros, manejo cuidadoso de inusuales progresiones
de acordes y disonancias en las capas y armonías de teclado, una dupla rítmica
ocupada en dar una frescura jazz y/o funk al aguerrido sonido global de la
banda: todos estos elementos se conjugan en un esquema que controla la
complejidad latente en el material. El canto de Laura Martin tiene una calidez
muy particular, lo cual hace más interesante su aporte vocal a las ideas
melódicas que tienen lugar. Los puntos de referencia principales en el sonido
de Finneus Gauge son la escena Canterbury, el rock psicodélico estándar, Allan
Holdsworth, Gentle Giant, más unas cuantas onzas del RIO relativamente
accesible de Thinking Plague.
Open Up the Fog Lines abre el disco con pura fuerza mágica, capturando la
atención del oyente sin paliativos. Esta entrada es llamativa pero también
tramposa, pues cuando pasamos a los tres temas que vienen después (de lo
mejorcito del paquete) nos encontramos con sendas muestras de prog jazzeado
ejecutados con excelente dinamismo y contagiante frescura. Dado que los
espacios dados a los solos están férreamente calculados, lo más fácil de notar
en unas primeras escuchas es la excelente solvencia técnica del baterista a la
hora de manejarse a través de los cambios de ambiente y ritmo. Eso sí, cada vez
que emerge un solo de McGill, a prepararse a abrir la quijada hasta el suelo; y
por supuesto, Christopher Buzby, que tiene aquí un rol menos explícito que en
Echolyn, también hace gala de su pulcritud y técnica cuando tiene que solear.
De estos tres temas que he mencionado, el más impresionante y efectista es sin
duda el instrumental Blogees Lament, que es donde hallamos la mayor dosis
de pirotecnia y la mayor diversidad de motivos en el disco los solos de
McGill son, como diría Zappa, humanamente imposibles. Pero nada de esto es
fútil ni trivial, sino que mantiene un inteligente esquema compositivo.
Unsinkable You es un ejemplo de cómo mezclar jazz-rock y RIO en un esquema
progresivo que no resulta inescrutable. State of the Art tiene una atmósfera
similar a las de los temas 2 y 3, aunque tal vez la faceta melódica está
trabajada con mayor fruición: así se explica que Laura pueda trabajar con sus
matices más suaves durante los pasajes más cálidos de la pieza. ?Qué?, ?otro
solo de McGill? !Pues claro!... breve pero intenso. Y también hay un mágico
solo de sintetizador que me hace recordar a Kit Watkins, creando una suerte de
contrapunto con el intrincado juego de platillos que hace el baterista en ese
momento. Early Sun es la canción más relajante e intimista del disco, con
predominio de guitarra acústica en la base. Golden Pretzel cierra el
repertorio con un regreso a la faceta más agresiva de la banda. Incluso Laura
pone su voz áspera y asume un tono desafiante en su canto, mientras la
instrumentación apela a sonoridades duras. La idea compositiva es relativamente
sencilla, pero la labor de arreglos le da una complejidad efectiva que a mí me
resulta efectiva como cierre.
Aunque para ser más exactos, éste no es el cierre definitivo. El disco contiene
tres bonus tracks, sendas versiones en vivo de temas de su primer disco. Par
todos los fans del prog jazzeado, y particularmente a todos los amantes de
Echolyn y todo lo relacionado con ellos, digo lo siguiente: no pasen por alto
el One Inch of the Fall de Finneus Gauge.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: VERSUS X 2008
VERSUS X: Primordial Ocean (2008)
Temas
1. The Pulse of Earth (15:45)
2. From a Distance (1:50)
3. Essentially Human (16:16)
4. Fingerprints (15:22)
5. Into the Vast Unknown (23:41)
Integrantes
- Arne Schäfer: voz, guitarras eléctricas y acústicas
- Ekkehard Nahm: piano, órgano, sintetizadores, pedales bajos
- Thomas Keller: bajo
- Uwe Völlmar: batería, percusión
Primordial Ocean es el disco en el cual la banda alemana Versus X manifiesta
el refuerzo de su onda retro, siendo así que en sus inicios su sonido estaba
orientado hacia el neo-sinfonismo con ciertos coqueteos con el prog-metal (su
disco Disturbance es un adecuado testimonio de esta línea de trabajo). El
teclista Ekkehard Nahm es el centro neurálgico de los desarrollos
instrumentales. Par citar referencias, Versus X toma la posta del Flower Kings
de los 90s: también noto cierto parentesco con el Kaipa resucitado, Fruitcake
(aunque con más garra que este grupo escandinavo), High Wheel, y por qué no,
The Tangent de hecho, el registro vocal del guitarrista Arne Schäfer me suena
a una mezcla de Frank Bornemann y Andy Tillison. El grupo se siente a gusto
componiendo y arreglando piezas de largo aliento: son cuatro los que se
incluyen en el repertorio de Primordial Ocean.
The Pulse of Earth da inicio al disco con un tono ceremonioso marcado por los
sonidos de órgano y mellotron, manteniendo un compás lento pero transmitido con
precisa fuerza. Los pasajes se van sucediendo de manera fluida, siendo así que
los momentos donde aumenta la intensidad no se genera un contraste dramático,
sino más bien una acentuación bien controlada. Entre los minutos 8 y 15
encontramos el momento magnífico de esta pieza, creando atmósferas melancólicas
poderosas donde los retazos de sintetizador, cortinas de mellotron y fraseos de
guitarra crean una magia sonora típicamente sinfónica con matices casi
cósmicos. From a Distance es un breve solo de piano que no llega a los 2
minutos de duración: su tenor meditabundo es un adecuado preludio al impetuoso
motivo introductorio de Essentially Human. Esta suite despliega acentos más
extrovertidos que la primera, e incluso incorpora trucos compositivos más
sofisticados (algún que otro guiño a Gentle Giant o Van der Graaf Generator en
algunas bien orquestadas amalgamas instrumentales). Los sonidos de mellotron
son muy recurrentes aquí, tanto en los momentos espaciales como en los épicos.
La guitarra se amolda bien al teclado de turno, ya sean las secuencias de
acordes al órgano, las cortinas de mellotron o las estilizadas escalas de piano
de hecho, la guitarra es crucial para marcar el sendero melódico de cada
pasaje, exceptuando los casos en los que el sintetizador pasa a primer plano.
El emotivo clímax de esta suite llena totalmente la atmósfera creada en torno
al oyente. Fingerprints comienza con una vibración etérea iniciada por
cósmicas capas de sintetizador y continuada por el piano. Poco después del
tercer minuto es que se afianza el ensamble en bloque para desarrollar una
serie de pasajes con variados matices y niveles de intensidad. La segunda mitad
se centra en un pasaje muy entusiasta, lleno de gancho y con una razonable
dosis de complejidad en su esquema rítmico: los últimos minutos están ocupados
por una sección reflexiva y lánguida. La suite más larga del disco (dura casi
23 ¾ minutos) es la que cierra el álbum: Into the Vast Unknown sigue la senda
de ambiciones épicas seguida por las dos suites precedentes, contando con más
espacios para los pasajes instrumentales. De hecho, Thomas Keller halla más
espacios de lucimiento a la hora de desarrollar complejas líneas de bajo en
ciertos momentos. En esto de la complejidad él no está solo, pues la
parafernalia controlada que se desarrolla entre los minutos 10 y 13 es toda una
delicia. En realidad, los temas 3 5 se pueden apreciar como un constante
cenit del álbum.
En fin, Versus X ha logrado con este disco Primordial Ocean plasmar su
madurez estilística en el terreno del progresivo conservador que siempre
había estado tanteando. Por lo pronto, anticipo que no serán pocos los que
consideren a esta obra como su mejor aporte hasta la fecha para el género
progresivo yo estoy de acuerdo.
César Mendoza
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: AMAROK 1995
Perdidos
AMAROK: Canciones de los Mundos Perdidos (1995)
Temas
1. Prólogo
2. Canto Celta
3. El Vuelo del Pelícano
4. Cuevas Submarinas
5. Islas
6. Els Darrers Caçadors
7. Nàufrags
8. Danza y Lamento
9. Bolero
10. Homenaje a J.R.R. Tolkien
11. El Viejo Lugar Prohibido [Niebla Sobre los Prados Máscaras El Bosque
Mítico Melodías Secretas Tótems Invierno Lavondyss]
Integrantes
- Robert Santamaría: piano, sintetizadores, guitarra de 12 cuerdas,
glockenspiel, percusión
- Lidia Cerón: voz
- Manel Sesé: percusión
- Asy Guerrero: guitarra española
Colaboradores Alfredo Arcusa (batería), Kerstin Kokocinski (oboe), Juan
Morera (violín)
He aquí el segundo disco de Amarok, durante la etapa con Lidia Cerón. Aunque
aún le faltaba a este ensamble dirigido por la versátil visión musical de
Robert Santamaría llegar a los picos de exuberancia y complejidad que se hacen
patentes desde Mujer Luna en adelante, de todos modos se nota en este
repertorio un impresionante derroche de magia musical. Los primeros siete temas
conforman la serie denominada igual que el disco, Canciones de los Mundos
Perdidos; los restantes conforman la serie Danzas de los Mundos Perdidos.
El disco comienza con una pieza tan cándida y plácida como Prólogo, colocando
así una impresión de buenas vibraciones en el corazón del oyente: la
confluencia de ambientes bucólicos y bases percusivas exóticas es manejada con
relevante delicadeza. Canto Celta refleja muy bien el tenor aludido en el
título, aunque tengamos en cuenta que esta pieza se concentra en la dimensión
más reflexiva del folklore celta: con ello se ahonda en la esencia bucólica
iniciada por el primer tema, enriquecida oportunamente con matices mozárabes
efectivos y llamativos. El Vuelo del Pelícano es un ágil instrumental que nos
puede evocar al Mike Oldfield de la era QE2, mientras que Cuevas Submarinas
nos acerca más a las sonoridades new-age etéreas al estilo del Vangelis de
Anctartica. Islas es un viaje ambiental sereno, protagonizado por un
bellísimo solo de oboe; Nàufrags ofrece algo muy similar, pero esta vez con
el añadido canto de Lidia en medio de ambos temas se sitúa Els Darrers
Caçadors, que nos devuelve a las sonoridades de fuerte raigambre folklórica.
Danza y Lamento da inicio a la segunda serie del disco, exhibiendo una
excelente combinación de prog-folk y sinfonismo, siendo importante para este
segundo factor el manejo estilizado de las escalas de piano. Bolero exhibe un
colorido hipnótico que lamento no se desarrolle en un espacio mayor, pues
realmente crea una atmósfera estupenda. Los dos últimos temas se centran en la
ilación de varios motivos a través de ambientaciones contemplativas armadas con
sabia estilización. Los tonos clásicos marcados por el piano y las atmósferas
oníricas creadas al unísono por los teclados, canto, violín y madera se mezclan
muy bien en Homenaje a J.R.R. Tolkien, mientras que El Viejo Lugar
Prohibido refuerza la investigación en sonoridades arábigas. De este modo
concluye un disco lleno de belleza y exquisitez Amarok forja su identidad
musical de manera sólida frente a nuestros lúcidos oídos.
César Mendoza
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