La caja de musica Number 0829

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La caja de musica

 · 3 years ago

  

 
                            LA CAJA DE MUSICA 
  
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO 
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     LCDM: #829    abril 2008    http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM 

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* Baja Prog 2008 (2a parte) 
* Trisector" - Requiem para VDGG 
* Potemkine "Triton" 
* Fermata "Huascaran" 
* Pazzo Fanfano di Musica 
* Jean Michel Jarre en Barcelona 
* Roger Hodgson y The Logical Group 
* Re 2Dedición_de_los_CD_de_Anglagard 
* KENSO 2002 
* 5uu's "Hunger's Teeth" 
* Caso cerrado (sobre autorias) 
* oticias interesantes de Sigur Ros 
* MAMFest 2008 
* MamFest 

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Autor:  Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com> 
Asunto: Baja Prog 2008 (2a parte) 

 

(Sin afanes de lucro y tan sólo por difundir algunos de los eventos de la 
música progresiva, aquí concluye la 2á parte de esta crónica.) 

  Baja Prog: una crónica progresiva (II Y ÚLTIMA) 

  Fue en el Teatro del estado de Mexicali, en uno de los recesos que entre 
banda y banda ocurrían durante el festival Baja Prog XII (26 a 30 de marzo 
pasado), cuando alguien nos presentó a Gilberto el Waca 
Monreal. No lo conocíamos ni de nombre. Seguramente usted, querido 
lector, si no es oriundo de Chicali, tampoco. Hablando con él, en pocos 
minutos nos dimos cuenta de que su memoria de casi ochenta años 
albergaba enormes tesoros por conocer. Se trataba, en suma, de uno de 
esos animales en extinción que se ganaron su estatus de leyenda en el 
rock cachanilla a base de justicia y amor a la música. 

  Experto 
en el bolero y el rock & roll, rápidamente dejó en claro que 
detestaba "la música de patada y ruido". Nos dijo que pudo haber sido 
millonario. Que le ofrecieron trabajos fuera del país, pero que a lo 
más lejos que llegó fue a Caborca y a Tijuana, lugares en donde las 
bandas competidoras se portaron siempre mal. Nos habló de cómo en lugar 
de contrabajo usaban una tina metálica tensada por un palo de escoba 
con una cuerda, de cómo se puso una bacinilla en la cabeza para cantar 
en una fiesta, de cuántas veces le propusieron grabar sin que nada lo 
convenciera de meterse a un estudio para fijar su voz en acetato. 

Además confesó: "Para qué componer canciones habiendo tantas tan 
buenas." 

  Notando nuestra felicidad por su conversación, don Waca 
dijo con gravedad: "Me gustaría que me fueran a escuchar con la 
Caravana de Estrellas Cachanillas, allá en el bar del Sanborns." Le 
dijimos que sí. Por la noche, luego de ir al teatro para ver a los New 
Trolls (buena banda aunque demasiado apoyada por secuencias, incluso 
con la orquesta que la acompañaba), salimos directo hacia ese popular y 
extraño lugar en donde artistas como el Waca no reciben ni dinero ni un 
refresco por lo mucho que dan. En fin.  

  Situación extremadamente "progresiva", la de escuchar a don Gilberto 
nos conmovió. Esmerado y con emoción dedicó "A mi manera" a sus 
"amigos de la bonita caravana de la música progresiva", e incluso se 
dio tiempo para bailar e improvisar algunas bromas: "!Ya no me acuerdo 
ni de mi vejez!" Experiencia inolvidable, a esa se agregarían algunas 
más, com= o la de conocer a Octopus, ese cuarteto chileno que, en el otro 
extremo de la vida y la estética, supo restregarnos en la cara un metal 
progresivo como no habíamos conocido en América Latina. 

          Alfonso Vidales, 

          tecladista de Cast 

          Foto: myspace.com 

 
  Herederos 
de Meshuggah, Atheist, Voivod, Watchtower, Machine Head, Cynic, Fear 
Factory, Spastic Ink y otras aplanadoras animadas por matemáticas 
febriles, sus integrantes mostraron el contenido de dos álbumes muy 
recomendables: Bonsai y Coda. Comandados por 
Cristóbal, su baterista, gracias a ellos pudimos enterarnos de la 
situación que vive la industria de aquel país donde la gente no paga 
por ver conciertos ni gasta en comprar un disco. (Quede de consuelo 
que, tras las limitantes, explota siempre la creatividad. Octopus es 
prueba de ello.) 

  Otros 
que echaron luz sobre los nuevos caminos de la música experimental 
fueron los japoneses de Djamra, un quinteto f renético en el que 
sobresalieron los discursos del bajo y del saxofón, además de unos 
curiosos disfraces de cocinero. Mezcla del Naked City, de John Zorn y 
del Mr. Bungle, de Mike Patton, en su presentación cupieron las 
sonrisas y el virtuosismo, lo que contribuyó a aligerar la densidad que 
normalmente flota en estos eventos. Finalmente queda hablar sobre el 
organizador y fundador del Baja Prog: Alfonso Vidales. 

  Personaje 
mítico de Mexicali, su profesión es la de notario, aunque acaricia el 
teclado desde niño gracias a que sus padres fueron pianistas clásicos. 

Líder del grupo Cast  96que este año contará con tres décadas y trece 
discos 96, lo que el compositor ha logrado en el desierto merece una 
investigación profunda. No se anda exhibiendo. No usufructúa. No 
manipula. Apenas conversa. Carga cajas. Dirige. Y aunque alguien diga 
que no lo conocemos bien, nos defenderemos como testigos que fuimos de 
su intensa personalidad, ésa que parece haber aprendido de las acciones 
y no de las palabras. 

  Para 
conocer a estos y otros personajes, vaya usted al Baja Prog del próximo 
año. Eso sí: cuando llegue, en favor de su seguridad, no le diga a 
nadie que le gusta el Genesis más fresa ni que King Crimson parecer 
haber llegado a su final, no mencione a Dream Theater ni se le ocurra 
cargar un iPOD que delate su ecléctico gusto por 
el pop de los noventa. Créanos: es cuestión de vida o muerte (mentira, 
no se preocupe=85 aunque=85).  

Alonso Arreola  

alarreo@yahoo.com  

 
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Autor:  Marcelo V <marceplus@hotmail.com> 
Asunto: Trisector" - Requiem para VDGG 

 
Van der Graaf Generator: "Trisector" (2008) 

Despues de leer por aqui un par de reseñas muy elogiosas para con "Trisector", 
tengo la sensacion de haber escuchado otro disco. Coincido en que es un trabajo 
directo, sin demasiadas vueltas, pero me parece que dista demasiado de las 
grandes obras de VDGG, particularmente de su segunda epoca: la de Godbluff, 
Still Life y World Record. Y aclaro que he escuchado estos albumes hasta el 
cansancio, y -aun hoy- con cada nueva audicion me siguen poniendo los pelos de 
punta. 

Los años pasan. No se si no se extrañan los estiletazos del saxo de Jackson, 
pero esta muy claro que Banton jamas fue un virtuoso de los teclados, a pesar 
del mayor protagonismo que tiene ahora. A su vez, me encontre con un Hammill 
mucho menos expresivo, mas apagado y menos emotivo. 

Las composiciones? Un instrumental agradable, simple y sencillito (Hurlyburly), 
un lindo tema algo hipnotico (Lifetime) y -tal vez lo mejor- un intento por 
emular las canciones apabullantes y complejas de antaño (Over the Hill), pero 
sin brillo. El resto me parecio material de relleno, mas digno de un disco de 
Hammill (que en calidad de solista no se ha destacado justamente por crear 
obras maestras) que de una de las bandas mas fantasticas del progresivo. 

Ya me habia llevado una buena decepcion con "Present", asi que no esperaba 
demasiado, pero "Trisector" me parecio muy flojito y este Van Der Graaf un 
grupo poco inspirado, sin gracia, que le hace un flaco favor a su fama muy bien 
ganada en los 70.  

Y me quede pensando que en el futbol, a medida que avanza el tiempo, los 
grandes jugadores corren cada vez mas despacio y participan menos en el juego, 
por mas que mantengan su calidad intacta. Claro que el sentido comun les indica 
que siempre hay un momento para retirarse y dejar para la posteridad la imagen 
de sus mejores jugadas...  

marceplus@hotmail.com                              

 
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Autor:  César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com> 
Asunto: Potemkine "Triton" 

 

POTEMKINE: “Triton”   (1977) 

Temas 
1. Asyle  7:25   
2. Crepuscula  4:57   
3. Loolit II  8:29   
4. Liberserim Urb et Chant de Viamor  3:59   
5. Eiram  13:34   
6. Loolit  3:05  (bonus track)  
7. Zed  5:14  (bonus track)  
8. Rictus  4:46  (bonus track)  
9. Mystere  5:47  (bonus track)  

Integrantes 
- Charles Goubin: guitarras, piano, vocz  
- Philippe Goubin: batería, percusión (1 - 7)  
- Doudou Dubuisson: bajo (1 - 7)  
- Michel Goubin: piano, voz (4, 6 - 9)  
- Xavier Vidal: violín (6 - 9)  
- Gilles Goubin: bajo (8, 9)  
- Maurice Bataille: batería (8, 9) 

 
Segundo disco de Potemkine, banda francesa que encarnó una de las expresiones 
más entusiastas de la primera generación post-Magma. A diferencia de lo que 
encontraremos después en su tercera y última obra “Nicolas II”, en "Triton" el 
grupo todavía no está concentradamente enfilado por el sendero del jazz fusión, 
sino que mantiene su esencia bien insertada en un equilibrio entre los climas 
tensos del zheul y las cadencias brumosas del jazz-rock. Siendo tan importante 
como es el factor jazzero, éste parece cumplir principalmente el rol de 
revestir los climas insinuados en las ideas compositivas e imprimir un groove 
peculiarmente dinámico que no es tan común en el zheul. El título del disco 
evoca a la música diabólica prohibida, mas el disco en sí resulta muy pero que 
muy poco siniestro. 

‘Asyle’ da inicio al disco con un fulgor contenido, sostenido tanto en los 
colores dibujados por el piano como en la manera en que el bajo se impone sobre 
la guitarra en el sonido grupal. Los quiebres de motivos que van emergiendo a 
partir del tercer minuto tienen un fuerte aire de familia en conexión con la 
naciente escena chamber rock francófona – en fin, la pieza termina con una 
retoma del motivo inicial. ‘Crepuscula’ guarda un aire más ceremonioso, 
arropado en un misterio que en buena parte brota desde los silencios engarzados 
entre los espartanos toques de piano. Cuando el ensamble entero entra en acción 
nos hallamos con una bella sección posiblemente inspirada en Weather Report: el 
rocío de piano en la coda completa pertinentemente el aire meditativo de la 
pieza. ‘Loolit II’ sigue con esta tendencia, apuntando también hacia climas 
nebulosos pero yendo más allá de lo meditativo: hay un momento especialmente 
interesante donde la guitarra emite un torturado solo a lo Frith (!qué pena que 
tenga que ser tan breve!). Para los últimos 2 ½ minutos, las cosas van 
adquiriendo matices un tanto más extrovertidos, lo cual ayuda a elaborar un 
clímax envolvente. ‘Liberserim Urb et Chant de Viamor’ suena a un híbrido entre 
el Soft Machine de los discos “4” y “5” y el primer Univers Zero: ágil y pleno 
en desarrollos melódicos bizarros, este tema abre con notorio esplendor la 
segunda mita del disco. ‘Eiram’ es el cierre épico del repertorio original de 
“Triton”: sus colores jazzeros que beben por igual de Weather Report como del 
Canterbury más elaborado se desarrollan de manera fastuosa merced al uso de 
elementos chamber rock.   

El CD incluye cuatro bonus tracks. Los dos primeros proceden de su disco debut 
“Foetus”, mientras que los dos últimos provienen de un single de 1974, en 
tiempos en los cuales el grupo dejó de hacer covers de Rolling Stones y Deep 
Purple para dedicarse a gestar y desarrollar lo que luego habría de ser su 
jazz-prog particular. Los dos primeros bonus se centran en colores dinámicos 
que muestran una sana influencia de parte de Return to Forever, siendo así que 
‘Loolit’ es más ágil mientras que ‘Zed’ tiene una tendencia hacia lo 
claroscuro, incluyendo unos cuidadosamente suministrados adornos de corte 
vanguardista. Los dos últimos tienen un sonido más opaco, correspondiendo a la 
antigüedad y mediana producción de sonido del single que supuso el debut 
fonográfico de Potemkin: ambos temas tienen una cobertura jazz-rock un tanto 
más “purista”, semejante a lo que se puede encontrar en discos de Moving 
Gelatine Plates o… volvamos a mencionarlo, Mahavishnu. De este modo concluye 
este CD, un fabuloso ítem totalmente recomendable para los coleccionistas de 
las vertientes más escondidas del progresivo antiguo.    

César Mendoza 

 
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Autor:  C 9A9sar_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com> 
Asunto: Fermata "Huascaran" 

 

FERMATA: “Huascaran”   (1977) 

Temas 
1. Huascaran I  (13:41)  
2. 80,000  (7:30)  
3. Solidarity  (6:34)  
4. Huascaran II  (11:13) 

Integrantes 
- TomÃ!Å! Berka: pianos, sintetizadores 
- FrantiÅ!ek GriglÃ!k: guitarra, sintetizador, piano 
- Ladislav Lučenič: bajo 
- Karol OlÃ!h: batería, percusión 

Colaboradores – Peter OlÃ!h (voz), Dezider Pito (violoncello)  

 
“Huascaran” es el tercer disco de Fermata, veterana y estupenda banda 
eslovaca cuyos discos estÃ!n entre los ítems mÃ!s cotizados de los 
coleccionistas de progresivo y jazz-rock: se trata de un disco conceptual 
inspirado en los horrores y desgracias originados por el terremoto que tuvo 
lugar en la sierra del Perú en 1970. Fermata tiene como referentes principales 
a Mahavihnu Orchestra y Return to Forever. 

‘Huascaran I’ comienza con unas cortinas cósmicas de sintetizador 
sazonadas con flotantes destellos de piano eléctrico: cuando el ensamble entra 
en pleno, las cosas se ponen muy a tono con el estÃ!ndar del jazz-fusión sobre 
una cadencia funky. Hay que ver cuÃ!ntos paralelos se pueden hacer con Iceberg 
a pesar de que es muy dudoso que ambas bandas se conocieran mutuamente. Al 
llegar al quinto minuto se produce un breve momento de fastuosidad casi 
sinfónica que abre una brecha, la misma que se llena con un solemne dueto de 
piano y violoncello, el mismo que parece reflejar el duelo de los 
sobrevivientes y el reposo de las víctimas. Las cosas siguen siendo solemnes 
en la siguiente sección, enmarcada dentro del sinfonismo espacial de 
inspiración floydiana, con ciertos resabios clasicistas. La última sección 
retoma el frenesí del jazz-rock con tenues colores añadidos de corte Latin en 
algunas ocasiones. ’80,000’, la horrible cifra redondeada de los 
damnificados, da título a la segunda pieza del disco. Éste guarda un tenor 
mÃ!s notablemente dramÃ!tico que la colorida pieza de entrada, centrÃ!ndose en 
sonoridades de corte psicodélico (a veces casi pesado) sobre un esquema 
rítmico híbrido entre lo jazzero y lo blues-rock. Las irradiaciones 
hendrixianas de la primera guitarra y los efluvios zawinulienses del piano 
eléctrico comulgan de una manera misteriosa. La coda Latin-jazz saca lustre al 
perenne fuego desplegado a lo largo de la pieza. Como la idea de solidaridad 
apunta a las ideas de resurgimiento y hermandad, no es de extrañar que 
‘Solidarity’ tenga un acento tan cÃ!ndido en su composición bÃ!sica y en 
su ejecución a cargo de la banda: ahora el referente principal parece ser el 
Santana clÃ!sico, aunque siempre con su dosis extra de polenta muy a lo 
McLaughlin. A pesar de su monotonía estructural, su vivacidad impide que sea 
un número aburrido… todo lo contrario. Engarzado con el final de 
‘Solidarity’ surge ‘Huascaran II’, cuya primera sección nos hace 
evocar una vez mÃ!s l 
as bizarras coincidencias con Iceberg. Los jams desarrollados en la diversas 
secciones portan un aura tan optimista que solo me queda especular que en esta 
pieza se celebra el reencuentro con la calma de la Madre Naturaleza tras el 
terrible tormento telúrico. Aparte de los siempre increíbles solos de 
guitarra de GriglÃ!k, también tenemos los mejores solos de Moog del disco. Los 
últimos 100 segundos estÃ!n ocupados por efectos de sintetizador que emulan 
cantos y aleteos de aves. 

El CD contiene tres bonus tracks: ‘“15”’, bien tirado al lado 
funky-jazz de Return to Forever; ‘Valparaíso’, un tanto mÃ!s denso e 
impetuoso, sin recurrir a sonoridades latinas a pesar de titularse como un 
puerto chileno; y finalmente, ‘Perpetuum 1’, el cual ofrece la propuesta 
mÃ!s compleja de los tres bonus. No me queda mÃ!s que recomendar este disco de 
Fermata a todos los coleccionistas progresivos que sientan particular 
sensibilidad por la vertiente jazzera del género: parece mentira cuÃ!nta 
calidad, energía e inventiva ha inspirado a tantos grupos desde rincones tan 
dispares del mundo. 

 
César Mendoza 

 
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Autor:  César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com> 
Asunto: Pazzo Fanfano di Musica 

 

Musica 
PAZZO FANFANO DI MUSICA: “Pazzo Fanfano di Musica”   (1989) 

Temas 
1. Preludio (0:50)  
2. Fiori per Algernon (7:58)  
3. Sospiri del fiore (3:32)  
4. La dolce follia (5:11)  
5. Agilmente (1:37)  
6. Intermezzo I (1:32)  
7. Affettuoso (5:54)  
8. Fragoroso (4:34)  
9. Intermezzo II (1:20)  
10. Onde (6:12)  
11. Anniversario (10:35) 

Integrantes 
- Takashi Aramaki: guitarras  
- Katsuhiko Hayashi: órgano, mellotron, clavicémbalo  
- Takashi Kawaguchi: violín  
- Kazuhiro Miyatake: flauta  
- Motoi Sakuraba: piano  
- Nobuyuki Sakurai: batería  
- Kyoko Sugimoto: piano, clavicémbalo  
- Tadashi Sugimoto: bajo, cello, contrabajo 
- Megumi Tokuhisa: cantos  
- Tomoki Ueno: órgano, mellotron 

 
Pazzo Fanfano di Musica es el nombre de un poblado proyecto progresivo japonés 
gestado para rendir homenaje al rock sinfónico y darle una especie de vuelta de 
tuerca para acercarla al esquema tenso del chamber-rock, cuando no 
estableciendo puentes con sonoridades acústicas de raíz bucólica. Más que un 
súper-grupo se trató de un súper-proyecto, pues la intención de Pazzo Fanfano 
di Musica (las iniciales PFM ahondan simpáticamente en la idea de homenaje, 
aunque a la hora de la verdad resulte una referencia confusa) nunca fue 
embarcarse seriamente en una trayectoria discográfica. Gente de Mr. Sirius, 
Pageant, Magdalena, Vienna, Teru’s Symphonia (incluso el bajista-cellista 
Tadashi Sugimoto es actualmente miembro de Outer Limits) se congregó en torno a 
esta curiosa idea. ?Y qué hay sobre los resultados artísticos? Pues a quien 
esto escribe le parecen muy satisfactorios, pues este copioso ensamble logra 
crear un ambiente retro bastante colorido, utilizando ideas compositivas 
atractivas y efectivas, desarrolladas con inteligencia, combinadas 
elegantemente en sus mutuos contrastes. 

Un hermoso y sutil preludio de guitarra clásica da inicio a un repertorio que 
pronto se devela pintoresco. ‘Fiori per Algernon’ establece un casamiento entre 
el New Trolls sinfónico, Luciano Basso y, sorpresa, sorpresa, Univers Zero/Opus 
Avantra en los pasajes que irrumpen insertando cadencias tensas y tenebrosas. 
El tercer tema es una delicia pastoral donde la guitarra y la flauta reflejan 
los colores propios de una alegre mañana primaveral. ‘La Dolce Follia’ comienza 
con sonidos de flauta, pero éstos tienen resabios más neuróticos, especialmente 
cuando están acompañados de unos perturbadores arpegios de guitarra eléctrica: 
este preludio viene seguido de una sección de cuerdas que abre la puerta a otro 
estupendo ejercicio de chamber-rock, no ajeno a ciertos adornos ocasionales de 
influencia barroca – la sección final es puro rock sinfónico. Las dos 
siguientes piezas nos transportan al barroco palaciego y a la juglaresca 
renacentista, respectivamente; ‘Affettuoso’ retorna a las delicias barrocas, 
siendo así que la entonación típicamente nipona de Megumi Tokuhisa añade un 
raro pero efectivo exotismo al asunto. ‘Flagoroso’ nos trae de vuelta el 
sentido de homenaje al rock sinfónico, teniendo como principal punto de 
referencia a Luciano Basso: los ornamentos de corte chamber-rock ahora son 
anecdóticos. El segundo ‘Intermezzo’ nos devuelve las evocaciones del añejo 
laúd en la guitarra clásica. ‘Onde’ se hace eco directo de la espiritualidad 
contemplativa del tema anterior y lo lleva hacia las esferas más entrañables 
del romanticismo: el violín y el cello se alternan en dibujar colores 
conmovedores sobre los sobrios trayectos dibujados por el piano, cumpliendo así 
con el cenit clasicista del disco. La pieza de cierre retoma parcialmente el 
esplendor que tanto impacto habían causado en ‘Fiori per Algernon’. Comenzando 
con una serena balada bucólica, las cosas poco a poco se van tornando más 
fastuosas y etéreas con la inserción de una sección orquestada donde las 
cuerdas y el mellotron crean una capa etérea. El retorno frontal a los 
ambientes bucólicos prepara el terreno para la insospechada irrupción de un 
pasaje moderadamente oscuro a pocos segundos del séptimo minuto: dicho pasaje 
es tan solo un puente hacia el clímax sinfónico cuya con una tenue coda 
pastoral.   

Tenemos, pues, un disco portador de una belleza rara aunque no desprovista de 
estándares tradicionales propios del esquematismo clásico y suavidad pastoral. 
Pazzo Fanfano di Musica nos ha ofrecido una obra estupenda, original a través 
del uso de sonoridades de origen reconocible.   

 
César Mendoza 

 
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Autor:  javih@ya.com 
Asunto: Jean Michel Jarre en Barcelona 

 

Jean Michel Jarre en Barcelona, abril 2008 

Pues ayer fui (pr primera vez, lo confieso) al Liceo por ver al "brujo del 
arpa láser", el ínclito Jean Michel Jarre, desde un modesto quinto piso (50 
euros del ala anyway), donde el sonido cuando menos era muy bueno y la 
prespectiva permitía ver trastear los veintipico teclados que trae  
(bueno, él y tres teclistes más). 

Con algo de retardo, JM empezó saludando al respetable desde el bello medio 
de la platea y nos largó un discurso de diez minutos (con traducción 
simultánea incluida, bastante lamentable por cierto) dando las gracias y 
diciendo una y otra vez lo emocinado que se sentía por tocar en Barcelona. 

El caso era hacer minutos, supongo. Presentó los músicos y explicó que los 
teclados que lo acomañaban. Eran como viejas señoras a las cuales hacía 
falta tratar con mucho cuidado, y que vendrían a ser al mundo de la música 
electrónica aquello que los Stradivarius son por el mundo clásico: ARPs, 
mellotrones, VSC3s, Moogs, Prophets, Oberheims, un Theremin... bien, si 
habéis visto el DVD ya sabéis de qué hablo. 

Nos dedicó unos 50-55 miuntos de fiel recreación de su clásico Oxygene (no 
en vano, lo que tenían delante eran los cacharros majaretas originales con 
los cuales lo grabó) con algún pasaje nuevo, y finalizó con la primera parte 
del Oxygene 7-13. Más parlamentos y un bis con él solo en frente con tres 
teclados tocando algo que no identifiqué pero que sonaba mucho a él. Eso es 
todo amigos. 

Vi un JM que, en vez de concentrarse en su faceta de sintetista, no se 
desprendió de su ex-papel de estrella de espectáculo de masas, saliendo de 
su sitio y alentando al público a hacer palmas y tocando con posturitas. Un 
papel para mí fuera de lugar en aquellas circunstancias. Pero bien, él 
sabrá. 

Veamos, tengo la sensación de que francamente no hay pora tanto con este 
hombre (arsenal de teclados aparte, la verdad es que sólo por sentir y ver 
aquello valía la pena ir). No es precisamente el mejor teclista del mundo 
(más bien lo contrario), y tampoco hizo nada destacable con el Theremin. 

Pero mira, en su día supo aprovechar la oportunidad por convertirse en un 
fenómeno de masas y ahora puede ir a tocar al Liceo a 109 euros la platea 
(que era casi llena, por cierto). El Oxygen es un disco muy agradable de oír 
(para mí el primero), pero tampoco nada más. Total, tuve algo de sensación 
de obredimensión de todo. Pero pasé un buen rato. 

javi Herrera 

 
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Autor:  "Josep M. Badia" <josepmbadia2003@yahoo.es> 
Asunto: Roger Hodgson y The Logical Group 

 
Hola! 
    
  El 24 de julio tendré la oportunidad de ver una vez más a mi ídolo, Roger 
Hodgson, en Sant Feliu de Guíxols. Más fechas actualizadas en:  
    
  www.rogerhodgson.com 
    
  Y para quien se conforme con los clónicos, The Logical Group actúan en 
Sabadell el 3 de mayo. 
    
  www.thelogicalgroup.com 
    
  Salu2! 
  Josep M. Supertrempat 

 
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Autor:  "Raul Bonilla" <RBonilla@hutchingsap.com> 
Asunto: Re 2Dedición_de_los_CD_de_Anglagard 

 
Saludos a todos los Cajeros y Cajeras 

Me imagino soy portador de buenas nuevas...a principios de los años noventa 
Suecia fue noticia con la salida al mercado de los grupos Anglagard, Anekdoten 
y Landberk. Los primeros lanzaron dos de los mas importantes discos de la 
década: Hybris y Epilog.  

Como todos saben ambos ya no se editan y conseguirlos ha sido toda una búsqueda 
del santo grial y ni que decir de los precios a los que se pueden conseguir en 
páginas de subastas en Internet. Sin embargo, parece que la espera por nuevas 
re-ediciones está pronta a acabar ya que el ex-Anglagard Mattias Olsson ha 
confirmado en su blog en MySpace que se ha reunido con sus excompañeros el día 
19/20 de Abril para discutir como re-editaran los discos del grupo. Los mismos 
se han puesto la meta de decidir como hacerlo en una semana, es decir, para el 
26/27 de Abril debería de anunciarse la forma en que Hybris y Epilog volverán a 
ser editados. 

Saludos desde Costa Rica, 

Raúl Bonilla 

 
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Autor:  César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com> 
Asunto: KENSO 2002 

 

Scriptis 
KENSO: “Fabulis Mirabilibus De Bombycosi Scriptis”   (2002) 

Temas 
1. Fist of Fury (5:10)  
2. The Cunning Madrigal (4:20)  
3. Prelude to Concealment (2:23)  
4. Wooden Horse Pathos (3:57)  
5. The Split Gate (6:57)  
6. Rebellion (4:04)  
7. The Stairs for Dreaming (2:27)  
8. Echoes From Romano (5:27)  
9. The Daughter of a Recluse (2:10)  
10. A Way of Living as Taro (2:40)  
11. Doppelganger in the Night (1:14)  
12. Isolated Jiro (4:14)  
13. The Understanding (1:01)  
14. A Grim Diary (5:53)  
15. Amalgamation of Self and Others (1:36) 

Integrantes 
- Yoshihisa Shimizu; guitarras, sintetizador, bouzuki, otros instrumentos 
étnicos 
- Kenichi Oguchi: órganos, sintetizadores 
- Kenichi Mitsuda: piano, acordeón, sintetizadores 
- Shunji Saegusa: bajos 
- Masayki Muraishi: batería, batería electrónica 

Colaboradora – Keiko Kawashima (canto) 

 
Hace muy poco tiempo que he adquirido este disco de Kenso: con un título tan 
largo como “Fabulis Mirabilibus De Bombycosi Scriptis”, porta una sonoridad tan 
densa y agresiva como la que unos pocos años después el mismo grupo 
desarrollará en su disco de 2006 “Utsuroi Yuku Mono”. El hecho de conocer ambos 
discos en orden cronológicamente inverso no afecta el hecho de haberlos 
disfrutado con entusiasmo – Kenso definitivamente ha sabido reformular 
creativamente su ya afianzado sendero musical con el brote de sonidos más 
patentemente enérgicos sin renunciar al esencial refinamiento de este ensamble 
japonés. 

Los guitarreos zeppelinianos con que se inicia el primer tema hayan apropiados 
eco y expansión en la vibrante dupla rítmica: con la entrada de los dobles 
teclados las cosas adquieren una dosis extra de psicodelia, incluso llegando a 
tantear el terreno del prog-jazz-metal de un LTE. Con este puñetazo furioso nos 
podemos asustar pensando que nos han empaquetado el CD equivocado. Con las 
líricas ambientaciones de ‘The Cunning Madrigal’ las cosas vuelven a la 
situación normal dentro del mundo musical de Kenso, aunque cabe señalar que los 
fraseos jazzeros de la guitarra portan una rara densidad en ciertos pasajes. 
Las sonoridades power no tardan en emerger en los momentos más vivaces de la 
pieza. ‘Prelude to Concealment’ ofrece una bizarra combinación de Gentle Giant 
y jazz-rock pesado: a pesar de no durar mucho, este tema deja huella en la 
memoria del oyente, sobre todo por la sorpresiva inclusión de una coda 
fusionesca de corte arábigo. La energía es recogida en el muy estilizado y 
melódico ‘Wooden Horse Pathos’, así como en el dinámico ‘Rebellion’ (muy a lo 
Return to Forever). Entre ambos temas, el lirismo exótico de ‘The Split Gate’ 
es simplemente arrebatador, un oasis de la tradicional magia kensoniana que 
permite a la banda mantener la conciencia sobre sus raíces más allá de sus 
inquietas aventuras sonoras. Es una pieza muy bella y también muy entrañable, y 
eso que no se trata de una pieza que calificaríamos como tremendamente 
comercial. ‘The Stairs for Dreaming’ es una breve pieza con base en el bouzuki 
(siempre hallamos cosas como ésta en los discos de Yoshihisa Shimizu y co.). 
Los aires del Asia Menor están “a la orden del día”, lo cual ayuda mucho en la 
transición a ‘Echoes from Romano’, pieza cuyo preludio tiene una evocativa 
raigambre exótica: la sección principal torna hacia un jazz-rock con acentos 
sinfónicos: en algunos momentos, un acordeón que se las apaña muy bien para 
ocupar un rol importante en medio de los ágiles fraseos de guitarra y las ricas 
capas y orquestaciones de teclados.   

‘The Daughter of a Recluse’ es una pieza serena que maneja de manera 
magistralmente delicada una serie de fugas y contramelodías, casi haciendo un 
replanteamiento “dulcificado” del chamber-rock. De esta manera se abre el 
camino para un tema cándido como ‘A Way of Living as Taro’, que más parece de 
Ain Soph que de Kenso. El undécimo tema es básicamente un solo de guitarra a lo 
Hendrix (menos ruidoso) que escala hacia un clímax disonante a modo de prólogo 
para el duodécimo tema, un ejercicio de jazz-rock controladamente tenso, no 
precisamente frenético, con guiños disonantes a la música vanguardista mas sin 
apelar a artilugios siniestros. El décimo tercer tema nos devuelve a ambientes 
evocativos, atravesados por una dulce nostalgia… una sensación que no dura 
mucho pues ‘A Grim Diary’ trae un vigor jazz-funky inspirado por Holdsworth, 
Brand-X y Happy the Man. El disco concluye con un epílogo etéreo, armado a 
partir de una experimentación desencajada cuya sonoridad distante le impide ser 
chocante – un final extraño, y a la vez pertinente para un disco especial 
dentro de la trayectoria de Kenso.     

 
César Mendoza 

 
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Autor:  César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com> 
Asunto: 5uu's "Hunger's Teeth" 

 

5 UU’S: “Hunger’s Teeth”   (1994) 

Temas 
1. Well... Not Chickenshit (6:35)  
2. Roan (3:03)  
3. Mangate (2:55)  
4. Geronimo (4:51)  
5. Glue (2:41)  
6. Opportunity Bangs (5:18)  
7. The Shears (1:25)  
8. Bachelor Needle (2:16)  
9. Truth, Justice, and the American Way (5:35)  
10. Equus (5:06)  
11. Traveler Waits for No One (3:27) 

Integrantes 
- Sanjay Kumar: teclados  
- David Kerman: batería, guitarras, teclados  
- Bob Drake: voz, bajos, guitarras, violines 

Colaboradores – Thomas Dimuzio (sintetizadores), Susanne Lewis (voz), James 
Grigsby (guitarra, vibráfono, bajo), Michelle Bos (percusiones concretas, 
ocarinas) 

 
Tras su paso por Cartoon, banda pionera del RIO estadounidense, David Kerman 
decidió seguir adelante con su misión de crear y difundir rock vanguardista sin 
concesiones ni miramientos (pero el público de MTV no estaba escuchando). 5uu’s 
es el grupo que formó en 1984, y “Hunger’s Teeth”, mi primera aproximación a 
esta banda, es su tercer trabajo discográfico. Yendo a la par que sus colegas 
de Thinking Plague y Birdsongs of the Mesozoic, 5uu’s recoge con entusiasmo y 
fruición las herencias de Univers Zero, el Zappa más bizarro y Art Bears a fin 
de crear un rock cuyo filo experimental se enriquezca con sonoridades potentes 
que capitalicen los perturbadores motivos y texturas contenidos en cada pieza. 

El disco comienza con ‘Well… Not Chickenshit’, vital y complejo manifiesto del 
tipo de viaje sonoro al cual 5uu’s invita al oyente poco temeroso de los 
desafíos estéticos. Las imposibles progresiones de acordes y contrastes portan 
una aureola de rebeldía afín a los delineamientos clásicos de Frith, Cutler y 
compañía. ‘Roan’ ofrece un ambiente marcial tenebroso e irreal, como si se 
tratara de la cabalgata de un ejército de seres espectrales, similar a los 
momentos más épicos del Henry Cow con Dagmar Krause. ?Y qué tenemos en 
‘Mangate’, ‘Geronimo’ y ‘Glue’? Sucesivamente: efectos de malas transmisiones e 
interferencias de radio que hubiesen llenado de orgullo al Faust de “Faust 
Tapes”; cadencias exóticas aleatoriamente recicladas a través de una minuciosa 
deconstrucción multicolor; un homenaje directo para el Art Bears más lúdico. 
Esta peculiar trilogía refleja muy bien el núcleo mismo de las inquietudes 
implacablemente desafiantes encapsuladas en el ideario de 5uu’s. ‘Opportunity 
Bangs’ prosigue con la explotación de la huella de Art Bears, aunque con una 
dosis extra de entusiasmo surrealista que bien puede indicar una herencia de 
los mismísimos Cartoon. Y esos torturados fraseos de guitarra donde confluyen 
lo más loco de Fripp y lo más inescrutable de Frith… una intensidad 
verdaderamente indescriptible. ‘The Shears’ es una breve coral retorcida, 
inspirada en (o parodiando a) las comedias musicales de Broadway que se 
desarrolla entre puertas que se abren y cierran, personas murmurando de manera 
parsimoniosa... en fin, un extravagante preparativo para el menos raro pero 
igualmente disonante ‘Bachelor Needle’. ‘Truth, Justice and the American Way’ 
es una descarada parodia (no hay lugar a confusiones) de las canciones 
patrióticas, ceremoniosas y épicas – el grupo da rienda suelta a su 
inconformismo político con una cursilería sentimentalona tan patente que queda 
convertida en una experimentación en sí misma. ‘Equus’ nos devuelve a los 
negocios habituales de 5uu’s, creando pura perturbación sonora, esta vez con un 
ropaje más etéreo que de costumbre, como si fuese una frágil cubierta de falsa 
calma que no logra contener totalmente la ebullición visceral en el trasfondo. 
‘Traveler Waits for No One’ retoma una vez más el dadaísmo relativamente parco 
de Art Bears y el colorido surrealista de Cartoon, cerrando así el disco con un 
espíritu lúdico. 

Ésta mi primera experiencia con 5uu’s ha sido gratificante, lo cual me ha 
resultado posible porque estaba en disposición de ser desafiado, estar sujeto a 
la lógica de la sorpresa y la aventura. De eso se trata cuando uno aborda un 
disco de 5uu’s, ponerse en una predisposición cerebral que te permita empezar a 
crear una empatía con la banda en cuestión de manera gradual y productiva. 
“Hunger’s Teeth” queda como una obra vitalizadota dentro del RIO hecho fuera de 
los círculos europeos (usualmente, los más difundidos).  

 
César Mendoza 

 
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Autor:  "Marcelo Rey" <marcelor@adinet.com.uy> 
Asunto: Caso cerrado (sobre autorias) 

 
Queridos Cajeros, 

Mis opiniones son siempre un tanto generales (esencialmente informativas), pero 
con descuartizadas indagaciones en lo previo y hasta una locuacidad un poco 
puntillosa demas. Por ende, en las ultimas Cajas me exprese con la mesura que 
me acostumbra, sin buscar directamente la polemica (como siempre), intentando 
cicatrizar por todos los costados la quimerica contingencia de algun ataque 
precipitado a mis expresiones estudiadas, inocuas e integrales, sobre la 
supuesta falta de citas a musicos clasicos, por parte de otros artistas 
modernos, cuando estos se convirtieron muy temporalmente en usurpadores de 
otras obras. El tema era interesante, pero quizas fui imprudente al dar el 
nombre especifico de un cajero en particular y extender mis entregas en 
demasia, obteniendo unas determinadas reacciones juiciosas y sensatas, pero no 
siempre precisas con el tenor de mis escritos, usualmente ajenos a 
especulaciones ideologicas en profundidad. Y si bien coexisten errores de 
interpretacion (es lo estetico que yo veo como algo puntilloso o casi frivolo, 
nunca lo etico; la longitud, el caracter inconcluso y un incierto efecto 
comercial no deberian ser una disculpa para apropiarse de una pieza original, 
por supuesto, son algunas alusiones que arranque a vuelo de pajaro de un 
estudio oficial sobre los derechos de autor, realizado en la Universidad de 
Indiana por el Profesor Kenneth Crews en tiempos recientes; etc.). 

Estimado Hector, aprecio sinceramente que analizaras lo que escribi, pero no 
era para tanto y pienso que este caso esta definitivamente cerrado por ahora, 
asi no hacemos sufrir mas a los otros miembros del foro, con derivaciones 
circunstanciales. 

Marcelo Rey (Uruguay) 

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Autor:  Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com> 
Asunto: Noticias interesantes de Sigur Ros 

 
Hola a todos! 

Hay noticias interesantes de Sigur Ros. 

sigur ros en los estudios abbey road 
24 Abril 2008 
sigur ros actualmente se encuentra grabando en el estudio uno de abbey road 
un corte con un coro juvenil y una orquesta de 67 musicos. en una reciente 
entrevista dada al periodico morgunblaTHiTH, orri revelo que el sonido del 
album es notablemente diferente al de los albumes previos, y que las letras 
de este album seran mas comprensibles para el publico que los otros albumes. 

el album esta casi terminado y se espera que sea lanzado este verano. 

dan a conocer fechas de gira mexicana 
18 Abril 2008 
sigur ros visitara mexico por vez primera en junio. la banda tocara en 
guadalajara, tepoztlan (cercano a la ciudad de mexico) y tijuana los dias 5, 
7 y 8 de junio respectivamente. 

fechas de la gira: 
mexico 

    * junio 05  teatro degollado, guadalajara 
    * junio 07  festival la colmena, tepoztlan, morelos 
    * junio 08  multiculti, tijuana, baja california  

Takk! :) 

 
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Autor:  "Javi Herrera" <javih@ya.com> 
Asunto: MAMFest 2008 

 
FESTIVAL MAMFest 2008; en Madrid, mayo 2008  

El pasado sábado 26 de abril tuve ocasión de asistir a la Primera Edición (y 
esperemos que inicio de una larga vida) del Madrid Art Music Festival, 
MAMFest para los amigos, que se celebró en el Centro Cultural Nicolás 
Salmerón de la capital. Quiero por cierto agradecer a la gente de 
Sinfomusic, y también a los compis "cosesnostreros" Antonio (y compañía) e 
Isabel, su amabilidad y su simpatía, pasé la verdad un rato magnífico tanto 
durante como después del festival, en la cena-charla que mantuvimos 
posteriormente, aunque la situación durante la cena fue realmente 
surrealista, ya que en el mismo salón en donde estaba nuestra mesa (y éramos 
más de 20 personas) se estaba celebrando una especie de mitin de un partido 
de la República Dominicana. Surrealista, como digo, porque ellos nos 
molestaban a nosotros y obviamente nosotros a ellos también. 

Bueno, pasemos al tema estrictamente musical. Quiero agradecer a Carlos 
Plaza y a su señora, artífices de este Festival, su esfuerzo por organizar 
este evento presumo que con poca o prácticamente ninguna ayuda 
(naturalmente, bandas aparte, que desgraciadamente debieron tocar 
prácticamente por amor al arte, y no porque no haya que tenerle amor al arte 
si no porque me parece tristísimo que los artistas no puedan comer de lo que 
hacen). En líneas generales fue un magnífico festival, con cuatro bandas de 
un gran nivel más la miniactuación de Guillermo Cides y Jerry Marotta. 

Curiosamente, a nivel estilístico me atrevería a dividir las cuatro bandas 
en dos bloques muy diferenciados y a la vez muy homogéneos en sí mismos, por 
un lado el sinfónico-clásico-progresivo-avantgarde de Senogul y Kotebel, y 
por otro el hard progresivo de Baraka y Trettioariga Kriget). 

El Centro Nicolás Salmerón es un espacio bastante adecuado para la ocasión, 
aunque supongo que si en el futuro el festival crece y atrae a más gente 
será necesario buscar un nuevo emplazamiento un poco más grande. Sonido 
correcto (aunque con manifiestos problemas a la que la presión sonora 
apretaba, como pasó durante toda la última actuación). 

  

SENOGUL 

Abrió el festival esta banda asturiana de jóvenes pero grandes músicos, un 
quinteto (teclados, batería, dos guitarras y bajo) en donde destaca el hecho 
de que la baterista fuese "la" baterista (y aunque era menuda tenía, por 
cierto, una gran pegada) y, sobre todo, bajo mi punto de vista, la enorme 
musicalidad del teclista Eduardo García Salueña, auque los otros tres 
componentes no le andan a la zaga, ciertamente. Una música en ocasiones 
arriesgada y que yo creo que cuando se desprenda definitivamente de ciertos 
clichés sinfónicos (no por sinfónicos sino por clichés) subirán como la 
espuma, también (dicho sea de paso) si logran, como espero dado su enorme 
potencial, afianzar la nueva dirección musical hacia donde apuntan sin caer 
en el esnobismo de hacer algo nuevo por el hecho de que sea nuevo. Desde 
luego, un grupo a seguir y recomendable 100%, y que demuestra que en España 
seguimos haciendo buena música. 

  

BARAKA 

Les tocaba el turno a estos japoneses, una especie de versión manga de los 
Rush del Hemispheres intentando acercarse a King Crimson (dicho sea con la 
brocha gorda y no como crítica, porque me parecieron ciertamente 
interesantes a ratos, auque quizás sólo (o sobre todo, al menos) como una 
banda de directo, no sé si escucharía su música en casa. Hacia el final de 
la actuación se me empezaron a hacer un poco pesados, sobre todo por la 
repetitividad tímbrica (aunque el guitarrista llevaba ciertos efectos de 
pedal que a veces colaban algún sonido de teclado por ahí). En algunas 
ocasiones había algunas languncillas en su música, temas más lánguidos que 
me resultaron poco interesantes. Pero en líneas generales me gustaron 
bastante. 

  

KOTEBEL 

Los anfitriones salían a escena para regalarnos un concierto de su compleja 
música de digestión poco fácil, con aristas y en ocasiones de una gran 
belleza. Llama inmediatamente la atención la presencia de la muy atractiva y 
jovencísima Adriana Plaza (cuántos años tiene esta criatura? 17? 18?) a los 
teclados, junto a su padre, pero en contra de lo que inicialmente uno 
pudiera pensar, asumiendo, con una magnífica técnica clásica, partes de 
teclado y piano clásico tan complicadas o más que su propio padre y líder 
del grupo. Me pregunto con qué ojos la verán sus compañeros/as de clase... 
;-) En fin, felicidades a la familia Plaza. No obstante (o además de) lo 
dicho, el que me pareció absolutamente formidable fue el bajista, que junto 
con el baterista formaban una sólida y compenetrada base (aunque en alguno 
los temas del que será su próximo trabajo se notó que aún falta ajustarlo un 
poco). La labor del guitarrista, aunque buena y a la atura de las 
circunstancias, me pasó un poco más desapercibida. 

La música de Kotebel como digo es sinfónica, oscura, en ocasiones cercana al 
RIO, pero no exenta de lirismo y belleza. Como crítica se me ocurre que, 
quizás debido a la complejidad de su música, que requiere más escuchas, las 
estructuras de los temas parecen más sucesiones de temas asilados que fruto 
de una composición basada en el desarrollo, aunque este posible defecto lo 
suplen con un notorio talento. Cierto también es que la mayoría de las 
grandes suites del prog de los 70 se hicieron de esta manera. En fin, 
prometen disco para finales de este año, habrá que esta muy atentos. 

  

CIDES&MAROTTA 

El stickista Guillermo Cides y el célebre baterista Jerry Marotta (músico, 
entre otros, en los primeros discos de Peter Gabriel) se presentaron como 
"artistas invitados"; en realidad para promocionar el concierto que al día 
siguiente iban a dar "en algún lugar" (palabras textuales de Marotta) de 
Madrid (que resultó ser una sala de Getafe). Veinte minutos de música 
compuesta por cuatro temas, dos firmados por el propio Guillermo (y de largo 
los más interesantes) y dos versiones, la primera de "Back in NYC" 
fenomenalmente interpretada por Cides pero destrozada vocalmente por un 
Jerry Marotta que sólo tardó unos segundos en quedarse sin voz en tras un 
sorprendente alarido inicial, y además al tener que cantar el tema, 
prácticamente acompañaba con la batería sin hacer nada resalta. Y es que 
este tema es realmente exigente a nivel vocal y está fuera del alcance de 
muchos cantantes, con lo que no os digo nada para alguien que sólo cante. El 
propio Gabriel (y también su excelente clon en The Musical Box, Denis Gagné) 
empleaban en directo el falsete para las partes más agudas porque si no, ni 
con escalera. Me decepcionó también el hecho de que se limitaran a tocar el 
tema tal cual (a pesar de la brillante interpretación de Cides, que lo hacía 
todo) ya que he oído cosas realmente creativas de este músico a nivel 
arreglista (recuerdo especialmente la excelente versión del bolero "Historia 
de un amor"). El segundo tema versionado fue Elephant talk, y cabe decir 
algo similar. Llamaron a escena a la stickista Linda Cusman, una rubia ya 
madurita pero muy atractiva que "cantó" el tema quedando lejos de Belew y 
que con el stick francamente no me atrevería a asegurar que llegara a dar 
una sola nota. Aparte de su simpatía y sus amplias sonrisas al respetable, 
francamente no entendí muy bien el por qué de su aparición en escena, porque 
nuevamente el peso del tema lo llevaba 100% Guillermo Cides. 

En fin, un esfuerzo de agradecer en ambos casos (me refiero a las 
versiones), pero un tanto fallido. Por cierto, bastante chocante que ante 
una audiencia castellanohablante, el que hablara todo el rato (en inglés, 
claro) fuese Marotta y Cides no dijera ni pío. Sus razones habría, 
supongo... 

  

TRETTIOARIGA KRIGET (vaya usted a saber si lo he escrito bien) 

Cerraban el festival esta banda de por lo visto leyendas del prog sueco de 
los 70 (francamente, he de confesar mi ignorancia al respecto). Un quinteto 
de abuelos rockeros básicamente con ganas de pasárselo bien el el escenario 
(bien, el teclista era algo más joven, y a todas luces ajeno al "núcleo 
duro" de la banda). Cuando te esperas un concierto de algo parecido a hard 
blues con algún toque prog, los abueletes se descerrajaron un buen set list 
de temas bien construidos, sencillos pero efectivos, bonitos y bien tocados, 
de una especie  de hard progresivo con mellotron (virtual, por supuesto) con 
algunos pasajes que por ejemplo no desentonarían en alguno de los primeros 
discos de Anekdoten. Me impresionó el batería, un abuelete con pinta frágil 
y de contar batallitas a los nietos que era un demonio con la batería (no 
veáis cómo le arreaba), y el cantante con su vena hinchada cuando tiraba 
para arriba con agudos a pulmón a lo Ian Gillan. Como anécdota contaros que 
se resistían a abandonar el escenario, tocando un tema detrás de otro ante 
el evidente cabreo de los organizadores (presentador y Carlos Plaza 
incluidos) y el personal del centro cultural ya que el horario era de 
estricto cumplimiento y se pasaron más de media hora. Espero que esto no 
afecte de cara a futuras ediciones del festival. 

  

En fin, nuevamente gracias y felicidades a todos los que lo han hecho 
posible, y espero que la cosa se mantenga y crezca para poder decir un día 
con orgullo "yo estuve en la primera edición" :-) 

Javi Herrera 
  
  
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Autor:  "Antonio Gil" <antonio_gil01@yahoo.es> 
Asunto: MamFest 

 
FESTIVAL MAMFest 2008; en Madrid, mayo 2008  

Hola 

Ayer llegamos mi chica y yo del viajecito que nos pegamos para  
asistir al Mamfest, primera edición de un festival que resultó ser  
variopinto musicalmente hablando y en general disfrutable tanto por  
los grupos que estuvieron como también el ambiente personal y extra- 
musical en presencia de algunas de las personas que alli estuvimos,  
servidor, Isabel, Javi Herrera, Fran (Discos Pat) y multitud de  
asiduos del foro Sinfomusic.  

En primer lugar comentar que llegamos  
tarde al teatro Nicolas Salmeron, Senogul ya habian empezado y nos  
adentramos como pudimos en las butacas de última fila (tras realizar  
la donación correspondiente nos dieron dos pases, nº 99 y 100), Edu - 
teclista del grupo asturiano, realizaba en ese mismo momento  
un "piano solo" de homenaje a Gentle Giant (ántes por lo visto  
habian tocado tres temas, dos nuevos del que será su segundo trabajo  
y otro primero homónimo del año pasado), y en términos generales  
para mi gusto los mejores de la noche ya que supieron demostrar la  
eficencia y el "equilibrio" que todo grupo debe tener, a parte de  
ser la muestra de que el progresivo en españa aún tiene mucho que  
decir (viendoles en directo se puede comprobar esa afirmación que  
para mi es erronea y que he leido en muchas reseñas de su disco de  
que el album Senogul tiende al mayor predominio de los teclados, y  
es que los seis cuerdas Isra y Pedro se hicieron notar mucho mas de  
lo que se esperaba y asi es la realidad -el bajo de Pablo con su  
independencia y hasta con su arsenal percusivo, la base ritmica  
jazzy de Eva...y como interactuaban todos!), cayeron en poco tiempo  
La verbena hermétiac, Gotas de Cristal..., Racionalidad, y se  
despidieron con La Mulata Eléctrica (y con sombrerillo por parte del  
bajista Pablo Canalís, en palabras de él: "por todos aquellos grupos  
de rock andaluz de los setenta") haciendose cortísimoo y tras ellos  
el descanso de 15 min; Nos encontramos caras conocidas, Isabel y  
Javi Herrera, "parlamos" todo el tiempo desde este primer encuentro,  
con buen cruce de conversaciones a lo largo de todos los descansos y  
del resto de la noche (cena en buffet de lujo a pesar de la presencia 
tan molsta de un discurso de la republica dominicana).  

Sobre el resto de grupos del Mamfest, Baraka excelentes musicos en una una 
onda hard setentera (Gran Funk), psicodelia (Jimi Hendrix), y progresivo 
oscuro (King Crimson con toques jazzeros) que tenia sus momentos y que ya 
comentaba con Javi, los que menos me gustaron -reiterativos en su estructura 
compositiva. 

Cides & Marotta estuvieron curiosos, con versiones de Back in NY de Genesis 
(destrozada vocalmente por el propio Marotta) y Elephant Talk de King 
Crimson (invitada al stick, Linda Cusman de Oxygene 8 que igualmente 
destrozó el tema a la voz y sin aportar demasiado con el instrumento, cosa 
que no podría decir de Guillermo Cides) y dos temas de la autoria del dúo 
que es lo único que salvo su corta actuación. 

Kotebel nos hicieron pasar un buen rato con musica sinfónica instrumental 
muy compleja, momentos épicos y otros oscuros que a mi me recordaron a 
Univers Zero; Carlos Plaza e hija con sus teclados no deleitaron y supieron 
dar un enfoque también merecedor para el sinfoprog-actual realizado en 
España. Tuvieron algun que otro problemilla de sonido (teclados muy altos) 
pero aún asi supieron ofrecer un buen show (el batería un portento y menos 
tengo que decir del guitarrista, "versatil" con un estilo rápido alternado 
con partes lentas siendo preciso en todo momento). A la salida me compré 
Omphalos. 

Y finalmente unos suecos que llegaban a la cincuentena de edad y de nombre 
inmpronunciable, en onda hard-rockera/rock clásico y progresivo oscuro 
(sonidos de Mellotron), que no cuajaron al principio hasta la mitad del set 
con temas que fueron resultantes en los vocales de idioma natal y unas 
guitarras de corte blusero y sínfónico que avivaron al personal (el batería 
que no dejaba de sonreir difrutaba como un niño, y es a lo que vinieron), 
tuviendoles que parar los pies porque el teatro exigia el cierre. 

Un fin de semana extraordinario en todos los sentidos en el cual disfruté no 
solalmente por el festival, sino por el Viernes que tuvimos romeria en 
Almendralejo. Todo un placer por ver a mi querida Isabel (ya tenia ganaas, y 
es que nos lo pasamos muy bien ;-)) y estar casi todo el tiempo charlando 
con JaviH de los grupos del Festival, el prog clásico en general (Yes, 
Genesis-TheMusicalBox, ELyP, Renaissance, KC, etc), prog-italiano (en 
compañia de Fran Zappamacias y Fernando (Sinfomusic), del Festival de Tiana, 
Festas de Coses Nostres, y un largo etc. 

Antonio 

 
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