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La caja de musica Number 0830
LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #830 abril 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Breve historia de Los Byrds.
* iX "Ora Pro Nobis"
* King's X - XV (2008)
* concluyo_también
* Roger Waters
* Sobre Banton y Trisektor
* Algunas noticias
* Uriah_Hee
* MONTEFELTRO - "IL TEMPO DI FAR LA FANTASIA" (1992)
* Sobre autorias
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Autor: Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Breve historia de Los Byrds.
The Byrds (Estados Unidos)
Hola a todos!
The Byrds no tienen mucho que ver con el RPS, no obstante este breve repaso de
su historia resulta interesante, al menos en parte.
Los Byrds, el folk-rock,
el éxito instantáneo, el moog, las regalías y las descargas de música.
The Byrds
Uno de los grupos de rock de EE.UU. más influyente de todos los tiempos,
los Byrds comenzaron en 1964 como un trío folk de Los Angeles llamado Jet
Set, compuesto por Jim McGui= nn (quien más tarde cambió su nombre a
Roger) junto con David Crosby en la guitarra y Gene Clark acompañándolos
en la pandereta; los tres compartían deberes en las vocales. McGuinn
había sido acompañante de los Limeliters, el Trío de Chad Mitchell,
Bobby Darin y director musical de Judy Collins. Gene Clark había sido
integrante de los New Christy Minstrels (junto con Barry McGuire y Kenny
Rogers).
Nota aparte, es
interesante saber que John Phillips de The Mamas And The Papas escribiera la
canción "Creeque Alley" basada en sus experiencias de aquella época, con
la línea "McGuinn & McGuire still gettin' higher". Phillips y
McGuinn vivían ambos en el Earl Hotel de Greenwich Village, donde con
frecuencia tenían largas sesiones con otros músicos folk de la escena. Barry
McGuire se les uniría de vez en cuando. McGuire tuvo más tarde un éxito número
uno con "Eve of Destruction," mientras que Phillips seguía en Nueva York,
luchando por reunir The Mama's And The Papa's.
Luego de cambiar su nombre a los Beefeaters, McGuinn, Clark y Crosby
grabaron un sencillo en Elektra llamado "Please Let Me Love You," el cual no
fue bien recibido. Para 1964 el grupo sumó al bajista Chris Hillman (quien
también tocaba la mandolina), y estaban en busca de un baterista. Crosby y
McGuinn estaban parados frente al Troubadour cuando avistaron a un hombre
que venía hacia ellos que se veía como una combinación de dos de los
integrantes de los Rolling Stones. Michael Clarke fue contratado en el acto
sólo por darla pinta. Clarke no sabía tocar los tambores, pero eso no
importaba.
Un amigo de Crosby, Jim Dickson, era productor en los World Pacific Studios.
Dickson permitiría al trío grabar tarde cada noche en alguna vieja cinta
que no fuera suficientemente buena como para usarla en un disco pero que
estuviera bien para ensayar. Chris Hillman tocaba un bajo japonés barato y
Michael Clarke ni siquiera tenía una batería, de manera que aprendió a
tocar en un conjunto de cajas de cartón con una pandereta pegada en la
parte de arriba. Las primeras grabaciones de ensayo que hicieron sonaban muy
primitivas. Dickson decidió conseguir un prést= amo de $5000 para que la
banda pudiera conseguirse instrumentos de verdad.
La banda tenía una cena de Acción de Gracias cuando trataron de
plantearse el hacerse de un nuevo nombre para la banda. Gene Clark propuso
"The Birdsies." A nadie le gustó ese nombre y Dickson dijo, "?Qué tal
los Birds"? "Birds" se le decía a las chicas en jerga inglesa y la banda
no quería ser llamada "las Girls." Entonces McGuinn propuso los B-Y-R-D-S,
y pegó.
La primera gran oportunidad para el grupo llegó cuando la leyenda del jazz
Miles Davis los escuchó y les consiguió un contrato con Columbia
Records, dependiendo del éxito de un sencillo. Su segundo golpe de suerte
fue cuando Jim Dickson recordó una canción de Bob Dylan que Dylan no iba
a usar en su siguiente disco porque alguien cantaba desentonado en la pista.
La canción era una melodía estilo folk a compás de 2 por 4 con cuatro
versos. Duraba alrededor de cinco minutos. Dickson puso a los Byrds frente
al monitor del estudio y escucharon a "Mr. Tambourine Man."
Crosby dijo, "!No me gusta nada! Es demasiado rústica con ese compás
de 2/4 y todos esos versos. !La radio nunca va a tocar una canción como
esa!" David tenía razón. La radio quería canciones que sonaran como
los Beatles y que tuvieran un límite de tiempo riguroso de dos minutos y
treinta segundos para el disco de un sencillo. McGuinn tuvo una idea para un
nuevo arreglo. Le añadió una intro al estilo Bach con su guitarra
Rickenbacker de 12 cuerdas y cambió el compás a 4 por 4, como una
canción de los Beatles. Luego audicionaron todos para la parte vocal
principal. Primero la cantó Gene, después David y finalmente McGuinn.
A Dickson le gustó la manera en que sonaba McGuinn y le dio la parte
vocal. McGuinn también sugirió que utilizaran sólo un verso para
reducir el tiempo total de la canción. Eligieron el verso de "Boot heels
wandering" porque les recordaba al "poeta Beat," Jack Kerouac.
La primera sesión para "Mr. Tambourine Man" era demasiado importante como
para dejarla a las destrezas musicales de esta banda en ciernes. Terry
Melcher, el productor (hijo de Doris Day) contrató a músicos de estudio
para tocar las pistas instrumentalesde la canción... Hal Blaine en la
batería, Larry Knechtel al bajo, Jerry Cole, y Bill Pitman en la guitarra
eléctrica y Leon Russell en el piano eléctrico. Jim McGuinn fue el
único Byrd al que se le permitió tocar en la sesión con su
Rickenbacker eléctrica de 12 cuerdas.
"Mr. Tambourine Man" fue grabada en el verano de 1965 en el estudio "A"
de Columbia", en Hollywood. La grabación sonaba bien, pero Columbia no
estaba segura de cuando debía ser lanzada y la cinta fue guardada por lo
que pareció ser una eternidad. Luego el 5 de Junio de 1965, "Mr. Tambourine
Man" fue lanzado. Para el 26 de Junio de 1965 había escalado hasta el
sitio número uno de las 100 canciones más populares de la lista de
Billboard.
Después de "Mr. Tambourine Man", a los otros integrantes de los Byrds se
les permitió grabar y el grupo lanzó un disco de larga duración con el
mismo nombre, que contenía una mezcla de canciones originales y más
versiones de Dylan. El álbum se convirtió en un clásico instantáneo
con su tintineante guitarra de12 cuerdas, inventando prácticamente el
folk-rock. Mientras tanto, los críticos los proclamaban como "la respuesta
estadounidense a los Beatles" y comenzaron a publicitar al grupo sin
límite. El segundo sencillo No. 1 de The Byrds,una versión del tema
"Turn! Turn! Turn! de Pete Seeger", también se convirtió en un álbum
del mismo nombre en 1966, y cimentaron su estatus de banda exitosa
artística y musicalmente.
El siguiente sencillo de los Byrds, "Eight Miles High," exploraba un sonido
sicodélico, y se disparó hasta el lugar No. 14 a pesar de ser prohibida
por la mayoría de las estaciones de radio debido asu presunta referencia a
las drogas. "Eight Miles High" es en realidad la altitud que está
reservada para la aviación militar. Después de grabar el innovador
"Fifth Dimension" en 1966, el compositor Gene Clark dejó la banda, en gran
parte debido a su temor a volar impidiendo al grupo salir de gira. C9l
había presenciado un accidente aéreo fatal en su juventud y nunca pudo
superarlo. Tuvo un ataque de pánico al abordar un avión en L.A. con
rumbo a Nueva York y tuvo que bajarse. McGuinn le dijo, "No puedes ser un
Byrd, Gene, si no puedes volar."
Crosby y Hillman escribieron la mayoría de las canciones para el álbum
"Younger Than Yesterday" de 1967, que cambió su base de fans adolescentes
de la banda a fans de culto de mayor edad, y más radicales. Mientras
grababan "The Notorious Byrd Brothers" en 1968, David Crosby renunció para
unirse a Crosby, Stills y Nash. Un nuevo álbum de los Byrds ofrecía
más efectos de estudio creados por McGuinn y hasta un sintetizador Moog,
el primer uso de los sintetizadores en la música rock. Poco después de
su lanzamiento, el baterista Mike Clarke abandonóla banda, dejando
únicamente a McGuinn y Hillman. Jim McGuinn comenzó a interesarse cada
vez más en religiones orientales, y cambió su nombre a Roger a
instancias de un gurú indonesio, quien le dijo que un nombre que comenzara
con "R" "resonaría mejor con el universo."
El cantautor de música country Gram Parsons se unió al grupo y le dio a
la banda un nuevo perfil campirano. Con el nuevo baterista Kevin Kelly, los
Byrds lanzaron el que es considerado el primer álbum de rock-country,
"Sweetheart of the Rodeo" de 1968. El grupo inició una gira por
Sudáfrica para apoyar el álbum, pero Parsons dimitió, rehusándose a
tocar en el país debido a su política racial. Aunque al grupo se le
prometió que tocaría ante públicos sin separación racial, fueron
programados en salas exclusivas para blancos, obligando a Hillman a
renunciar indignadoy unirse a Parsons para formar la banda pionera de
rock-country, los Flying Burrito Brothers.
El único integrante original que quedaba en el grupo, McGuinn siguió
adelante, trayendo al guitarrista Clarence White y al bajista John York para
grabar "Dr. Byrds and Mr. Hyde" y "Ballad of an Easy Rider", ambos lanzados
en 1969. El sencillo "Jesus Is Just Alright" dio lugar a que la banda
continuara con su nueva alineación, y McGuinn llevó de vuelta a la banda
al estudio en 1970 para grabar canciones para un nuevo álbum llamado
"Untitled", que también presentaba material en vivo. Tras dos álbumes
fallidos, "Byrdmaniax" de 1971 y "Farther Along" de 1972, CBS rompió con
la banda y los Byrds oficialmente se disolvieron.
En 1973, David Crosby, habiendo alcanzado gran éxito con Crosby Stills y
Nash, quiso hacer un álbum de reunión con los Byrds y convenció a los
integrantes originales para integrarse con él a un proyecto con Asylum
Records. Crosby estaba molesto porque McGuinn aún estaba usando el nombre
"Byrds", y David hizo a McGuinn prometer que no usaría el nombre "Byrds"
sin él.
Los críticos vapulearon el álbum tachándolos de ser una pobre
imitación de la banda original, y el grupo se separó otra vez antes de
una gira de reunión programada. Roger McGuinn inició una exitosa carrera
como solista, incluso colaborando con Gene Clark y Chris Hillman en dos
álbumes a finales de los '70s. Hillman también, se convirtió en un
músico acústico solista, además de colaborar con el grupo country The
Desert Rose Band. Habiendo superado un serio problema de drogas, Crosby
continuó haciendo giras con Crosby, Stills y Nash.
Los Byrds se reunieron brevemente para grabar cuatro nuevas canciones para
una caja de discos en 1990, e ingresaron al Salón de la Fama del Rock and
Roll al año siguiente. Tristemente, Gene Clark murió en 1991 y el
baterista Michael Clarke falleció en 1993. Chris Hillman continuó
trabajando como artista acústico y lanzó dos CDs a mediados de los 90's.
David Crosby se re-unió con Stills, Nash y Young a principios del 2000 y
Roger McGuinn lanzó un álbum llamado "Live From Mars". McGuinn
actualmente hace giras como solista.
Roger McGuinn ha utilizado la WWW para seguir con la tradición folk desde
Noviembre de 1995, grabando una canción folk diferente cada mes en su
sitio Folk Den. Las canciones están disponibles en su página
electrónica y una selección (con vocalistas invitados) de temas fue
lanzado en CD con el título 91Treasures from the Folk Den". En
Noviembre de 2005, McGuinn lanzó una caja de cuatro CDs que contiene cien
de sus canciones favoritas del Folk Den.
En Julio 11 del año 2000, McGuinn testificó ante el Comité del Poder
Judicial del Senado sobre el porqué con las descargas de música desde la
Red los artistas no siempr= e reciben las regalías que (sin base en la
Red) las compañías discográficas exponen en los contratos, y que hasta
la fecha Los Byrds no han recibido regalías por sus más grandes
éxitos, "Mr. Tambourine Man" y "Turn, Turn, Turn" 97únicamente
recibieron anticipos, los cuales fueron repartidos por cinco y que equivalen
tan sólo a "unos cuantos miles de dólares" por integrante de la banda.
También declaró que estaba recibiendo 50 por ciento de regalías de
MP3.com.
Fuentes:
- www.classicbands.com,
- wikipedia.
[Trad.: JPL/2008]
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: iX "Ora Pro Nobis"
iX: Ora Pro Nobis (2007)
Temas
1. Ora Pro Nobis
2. The Expert
3. Seven Pillars of Wisdom
4. Keyla
5. Ocaso
6. Hombres Honorables
7. Radiante
8. Warriors
9. The Promised Mind
10. Invocando a la Luz
Giuglio Cesare Della Noce: teclados y procesos
Colaboradores Miguel Ángel Echevarreneta (bajo, guitarras española y
eléctrica), Pedro Castillo (guitarras eléctricas, voz), Demian Mejicano
(guitarras eléctricas), Eduardo de Abreu (guitarra eléctricas), Franklin
Holland (guitarra eléctrica), Kreils (guitarras acústicas), Johann Mena (bajo),
Gerardo Ubieda (batería), Julio dHers (batería), Leonardo Córdova (batería),
Ricardo Parra (batería), Nayin Paiva (trompeta), Isabel Roch (trombones),
Islam, Shadzilíes y Hayy Sidi Said ben Aÿiba al Andalusí (fuente), Sandro Bassi
(percusión), Edith Salazar (voz), Ramón Perruolo (armónic, voz), Banda Militar
del Colegio san Agustín (tambores), María Lucía Carrizo de Della Noce, Aura
Marina Franceschi, Aurelia Pérez, Teresa Damato, Victoria Yllas, Estela Araujo,
Nadja Prophete, Mael Santiago y Sandro Bassi (Los Fieles)
iX es el nombre de otro proyecto lateral a Témpano, gestado y dirigido por
Giuglio Cesare Della Noce: con esto se une a su compañero Gerardo Ubieda, quien
hace un par de años lanzó al mercado su muy interesante álbum Gods Garden
bajo el seudónimo de Odrareg. iX ofrece una propuesta más variopinta, la misma
que se encarna en este disco Ora Pro Nobis sin ningún tipo de timidez. No
queriendo para nada aminorar o relativizar la valía artística individual de
Della Noce, me atrevo a diagnosticar que este teclista es una de las
principales fuentes de osadía estilística en el desenvolvimiento de la bizarra
visión progresiva de Témpano. Aquí encontramos recursos, alternados o
yuxtapuestos, de la academia tradicional, la vanguardista, el rock melódico, el
jazz, lo ambiental, lo electrónico, sampleos de narraciones y palabras sueltas,
matices minimalistas, y orquestaciones multicolores propias de la fastuosidad
rock-sinfónica. El precio que paga Della Noce es el de arriesgarse a generar un
cuadro musical no totalmente cohesivo en el espectro integral, pero sin duda la
escucha de este disco supone un viaje supremamente interesante para el oyente
verdaderamente aventurero.
La introducción homónima consiste en un rezo latín-español al que pronto se le
unen tambores marciales y perturbadores sonidos semejantes a los de un tétrico
aquelarre absorto en un momento peculiar de histeria. Lo tétrico deja paso a lo
majestuoso con The Expert, una pieza articulada sobre una base de jazz-prog
donde la pomposidad exhibida por los teclados aborda un esquema donde confluyen
lo sinfónico y la fusión (incluyendo mágicos fraseos de guitarra española): en
muchos sentidos, esta pieza tiene una sonoridad emparentada con la que plasmó
Témpano en su magnífico concept-disc The Agony & the Ecstasy, aunque esta
pieza resalta los contrastes a través de las variantes. Seven Pillars of
Wisdom va por un camino parecido, aunque esta vez el énfasis está en la
psicodelia electrónica, con claros tintes de inquietud extravagante. Este tema
es algo que podría componer la gente de Ozric Tentacles después de pasar una
tarde escuchando discos de Art Zoyd y Univers Zero. Con el final de Seven
Pillars of Wisdom llegamos a un clímax particular del disco, por lo que la
breve sonata de piano titulada Keyla supone todo un cambio de dirección hacia
la melancolía encapsulada en su propia contemplación distante. Esta dirección
se completa con la estilizada balada rock Ocaso. La voz de Edith Salazar le
da un aire adicional en clave soul al tema a través de su bien definido
desarrollo. Hombres Honorables y Radiante conforman sendos picos del disco,
y como vienen seguidos, conforman otro clímax del disco. Hombres Honorables
es todo un
viaje musical intenso y exquisito, articulado en torno a texturas tan sombrías
e imponentes a la vez, que me recuerda muchas veces al After Crying del De
Profundis el énfasis en lo ceremonioso inteligentemente evita que la pieza
caiga en la saturación. La tendencia chamber-rock expuesta por ahora concluye
con ruidos de lluvia tormentosa, los cuales abren la puerta a Radiante, una
pieza con una estructura aun más bizarra que la precedente. Su dinámica
esencial consiste en una serie aleatoria de adornos y capas de sintetizadores,
corales y efectos, en un ejercicio de vanguardia visceral. Hay momentos en los
que parece que el paisaje sonoro se hunde gradualmente en el silencio, mientras
que en otros se producen erupciones opresivas puramente opresivas.
Warriors y The Promised Mind regresan al sendero del sinfonismo empapado en
aromas jazz-rock y fusión: el primero contiene aires arabescos-aflamencados en
medio de sus solemnes desarrollos melódicos, mientras que el segundo está
prioritariamente concentrado en ambientaciones alegres. Ambos temas tienen un
aire de familia inconfundible con la música de Témpano. Invocando a la Luz es
una canción semi-lenta que cierra el disco, con una sencilla estructura
melódica pero lo suficientemente ornamentada como para resultar llamativa a los
oídos del melómano típicamente progresivo. Tal vez los ornamentos de esta pieza
de cierre sean producto del arrastre que lleva de los dos temas precedentes
en todo caso, se trata de una secuencia bien hilada que se corresponde con la
diversidad focalizada de Ora Pro Nobis. iX es una prueba definitiva del genio
y talante productivo de la gente de Témpano para la vigencia del progresivo, ya
sea en conjunto o por separado.
César Mendoza
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: King's X - XV (2008)
KINGS X : XV (2008)
Discográfica: InsideOut/SPV/Mastertrax
Temas:
1. Pray
2. Blue
3. Repeating Myself
4. Rocket Ship
5. Julie
6. Alright
7. Broke
8. I Just Want To Live
9. Move
10. I Don't Know
11. Stuck
12. Go Tell Somebody
13. (bonus track) Love And Rockets (Hell's Screaming)
14. (bonus track) No Lie
Músicos:
- Doug Pinnick vocals, bass
- Ty Tabor vocals, guitar
- Jerry Gaskill vocals, drums
Lejos quedan ya los tiempos en que Kings X sorprendieron al mundo con una
especial y original forma de roquear. Desde aquellos magníficos tres
primeros álbumes, el trío americano se ha dedicado a explorar dentro de su
propio estilo sin ofrecer novedades, desviándose cada vez más hacia el hard
rock clásico y asentando su cohesión instrumental.
Hoy, Kings X es eso, una buena banda de hard rock, muy sólida
instrumentalmente y creativamente un tanto acomodada. Su nuevo trabajo XV
no cambia las cosas, un buen trabajo cuyo máximo atractivo está en la
solidez instrumental como banda de rock.
Así, nos encontramos con algunos temas que se me antojan algo más
destacables en la segunda mitad de álbum, especialmente Broke, Move, I
Dont Know, y Stuck por su gancho.
Otros temas como Pray, Blue o Repeating Myself son buena muestra de
los típicos ingredientes del grupo en cuanto a riffs pesados y guitarras
melancólicas, así como el toque de distinción que otorga la alternancia de
los tres vocalistas, siempre predominando la especial voz soulera de Doug
Pinnick.
En definitiva, un buen disco sin más.
Valoración: 5.5/10
Ferran Lizana (rockomick@orange.es)
Abril 2008
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Autor: Héctor_Mario_Gómora_Morales<hgmorales50@hotmail.com>
Asunto: concluyo_también
Saludos a todos.
Con su amable permiso, envío este mensaje breve a Marcelo Rey.
Acepto tus comentarios finales y gracias por ellos. El tema en cuestión
siempre me pareció importante, y si le di atención fue precisamente por
= ello. Sobre si era para tanto o no, respeto desde luego la postura de cada
quien. A mi me pareció que valía la pena extenderse, exprimirlo. Es
tod=5o.
También quisiera comentar que a mí en lo personal me parece valiosa
aquella enseñanza de Bertrand Russell, quien decía que es posible
acompañar de la mayor corrección incluso las críticas duras. Me parece
un principio sano. Tengo entendido que hay lugares (países incluso) donde
es = ya un elemento cultural la discusión: la discusión fuerte, intensa,
dura, pero respetuosa. Creo que siempre se vale polemizar; creo que la
discusión es sana porque así todos podemos enriquecernos. Nos ayuda a
vernos anosotros mismos. Aun el asunto más aparentemente simple puede ser
intere= sante y servir a tal propósito. Es ése uno de los valores que a
mí me parece bonito cultivar y procuro cumplir con sus principios. Ojalá
lo esté logrando, pero no soy yo quie= n puede decirlo. Sobre mi postura
en la discusión, ahí quedó ya y ojalá haya sido cl= aro. Resta a
cada quien valorarla (si le interesa, claro).
Nada más que d= ecir.
Saludos a todos y pásenla bien.
Héctor Gómora
Aguascalientes, México
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Autor: Jorge Padilla L <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Roger Waters
Otra mirada al 'Lado Oscuro'
Por Mark Brown
Viernes, Abril
25, 2008
Es una feliz casualidad que el co-fundador de Pink Floyd, Roger Waters,
toque en el Pepsi Center. Waters no tenía planeada una gira por los EEUU
pero aceptó ofrecer una función benéfica en Argentina para Mayo. Tocar
en el festival Coachellade California era como hacer un buen
precalentamiento, y eso significa tiempo para algunas presentaciones en
Colorado y Texas. Luego la función benéfica en Argentina fue cancelada.
Así que Waters mismo se vio en una mini-gira quenunca pensó. Aún
más, le informó al escritor de música pop Mark Brown con una sonrisa
durante una rara entrevista, que va a cantar la canción anti-George W.
Bush
"Leaving Beirut" en su estado natal.
Al principio
fuiste abucheado por "Leaving Beirut", pero muchos estadounidenses te han dado
la razón. ?Qué piensas?
Recuerdo que el primer concierto que hicimos en la primera parte de la gira
(en 2006) fue en Camden, N.J. Había montones de bases militares por ahí.
Me señalaban, y existía un cierto grado de malestar. En el transcurso de
los años ese malestar se ha vuelto una voz más y más silenciosa. La
gente ha aceptado la idea de que sólo porque eres un árabe o un
musulmán no significa que seas uno de los " malhechores". Todos somos
personas, y necesitamos entendernos mejor el uno con el otro.
?Revisitar "Dark
Side of the Moon" en su totalidad (en concierto) conlleva un nuevo
significado?
Es extraño que el lado político parezca actualizarse ahora.
Lo que más me impresiona es la adhesión de una audiencia cada vez más
joven a las ideas que contiene, y a canciones como "Us and Them", que
desarrolla las ideas de las que tú y yo hemos estado hablando aquí. Nunca se
fue nada de eso.
Mucha de la música de tu época clásica suena intemporal, como "Dark
Side" o las canciones antibelicistas de John Fogerty. Pero también hay
música de aquella época que suena anticuada y absurda. Tú te las
arreglaste para evitar eso con "Dark Side" y "The Wall". ?Cómo es
eso?
Porque son veraces y saltan de un apego vehemente a ideales filosóficos y
políticos que están basados en la experiencia de otros. Si hubieras
nombrado algo que tú ahora consideras ridículo... no es que yo quiera
hablar mal de otros artistas, pero probablemente encontrarías que el
contenido estaba destinado a morir de alguna manera.
Estaba pensando
en música como la de Emerson, Lake & Palmer.
Bueno, eso no trataba de nada=85 fue algo que se construyó para vender
discos. No tuvo sus raíces en la creencia inquebrantable de alguien en la
vida humana. Tuvo sus raíces en querer tener éxito en la música pop de
los "70s.
?Es difícil poner
en escena "Dark Side" y encontrar músicos que puedan manejar las partes?
No. Uno siempre tiene que quitarse el sombrero ante Dave (Gilmour) y Rick
(Wright), quienes crearon las partes originales. Pero lo manejo como una
pieza clásica. Hay montones de músicos que son capaces de aprenderse las
partes como si fuese una pieza de música clásica. El guitarrista que
toca la mayor parte del material de Gilmour, Dave Kilminster, lo hace
perfectamente. Le pone algo de su estilo, pero básicamente son las notas
de los solos de Dave. No vacilo en permane= cer fiel a las partes originales
porque creo que son bellas.
Leí que estás grabando un álbum llamado "Heartland". ?Hay algo de cierto?
Bien pudiera ser.
Se podría llamar "Heartland", o podría llamarse de alguna otra manera. Tengo
montones de canciones que he escrito. Tengo el propósito de juntarnos para
ir al estudio.
?Es más divertido grabar con la tecnología actual?
Estaba recordando que en aquellos días cuando hacíamos la mezcla de
algo, todos nosotros nos sentaríamos a la consola de mezclas.
Empezaríamos con la cinta de 24 canales. Cada uno tendría tres o cuatro
"faders" que serían su responsabilidad y cacharros y ecualizadores y
efectos y demás. La correrías de arriba hasta abajo, y sería una
interpretación. Esa sería la mezcla uno. Entonces dirías,
"Yo no hice este movimiento del todo bien", y lo volverías a hacer.
Escucharías todas esa mezclas y harías un juicio de valor sobre cual te
conmueve más. Ahora, por supuesto, todo es digital y recuerda todo lo que
haces y puedes cambiar detalles minuciosos sin tener que hacer todo de
nuevo. Ha suprimido la idea de la representación desde la mezcla de la
canción.
Hay músicos que se paralizan con tantas opciones.
Yo siempre pienso que tiene su desventaja, en términos de escritura, si
eres un guitarrista virtuoso o tecladista o alguna otra cosa, de verdad. Se
tiene la tendencia a improvisar sobre el instrumento de una manera informal
o poco metódica. Brillante como pueda ser, no es escribir. Siempre pienso
en el hecho de que como yo no puedo tocar los instrumentos realmente bien,
ha sido en cierto modo una ventaja. Significa que tengo que pensar las cosas
- ?cuál es la impresión que intento dar aquí?
Que eres un músico asqueroso.
Exactamente! (risas) Es curioso que dijeras eso. Sólo porque no eres un
guitarrista virtuoso no significa que no seas un buen músico. Es una
especie de falacia que ha sido blandida por mis enemigos de vez en cuando.
La música en realidad se trata de comunicar sentimientos a los seres
humanos. Si tú haces eso dentro del género, no importa si no puedes
tocar los preludios de Chopin en el piano. Sigues siendo un músico.
La reunión especial
de Pink Floyd en el concierto de Live 8 se ha analizado a morir. ?Pero erestú
mismo un fan de las reuniones?
No creo que puedas generalizar al respecto. Es difícil para las bandas;
con frecuencia la mitad de ellas ha muerto. No soy tan entusiasta de la
reunión cuando sólo queda un tipo en pie. Sin embargo, si todos están
vivos y entusiasmados de hacerlo, pienso que son magníficas. Lo de Live 8
fue totalmente extraordinario. Aún a nuestra avanzada edad, dio la
impresión que todavía somos capaces de tocar y cantar un poco. Esas
canciones que tocamos creo que sonaron magníficas. Fue muy conmovedor para
mí en lo personal, escuchar aquellas cuatro voces musicales juntas de
nuevo sobre un escenario. Y muy emotivo igualmente experimentar las enormes
olas de amor que llegaban del campo hacia nosotros. Fue fantástico. Me
encantó.
?Piensas lanzar
música de Floyd enlatada, como la del programa de la BBC de 1973?
Toda está en
grabaciones piratas. No estoy interesado en ello.
Fuente: www.rockymountainnews.com
[Trad.: JPL/2008]
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Autor: "Javi Herrera" <javih@ya.com>
Asunto: Sobre Banton y Trisektor
>Los años pasan. No se si no se extrañan los estiletazos del saxo de
Jackson, pero esta muy claro que Banton jamas fue un virtuoso de los
teclados, a pesar
>del mayor protagonismo que tiene ahora. A su vez, me encontre con un
Hammill mucho menos expresivo, mas apagado y menos emotivo.
Yo creo que eso que afirmas no está tan claro como dices, depende de lo
que entiendas por un "virtuoso" de los teclados; si se trata de lanzar
solos digitados a la velocidad de la luz, está claro que no, pero Hugh
Banton tiene un sentido y un gusto por la armonía que para sí lo
quisieran muchos "virtuosos", por no hablar de su dominio del pedalier
del órgano. Desde luego, lo que está claro que sí es, es un musicazo y
un organista como la copa de un pino. Cualidades que, por cierto, no han
disminuido con los años (ni mucho menos han desaparecido ;-) ).
Y en cuanto al Trisektor, pues tienes razón en que queda lejos de los
clásicos de la época dorada (y la ausencia de Jackson no le favorece
precisamente), pero yo creo que es un trabajo más que digno, y además es
un material que, en directo, en su mayoría no desmerece en absoluto, y
no sólo eso, sino que crece.
Y de Hammill te puedo decir que hombre, el tío tiene ya una edad, es
normal que vaya perdiendo algo de brillo; pero en directo su entrega
sigue siendo no sólo envidiable, sino casi inigualable. Y desde luego
impagable.
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Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Algunas noticias
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
* Murió_Rick_Rodenbaugh
La desgracia toca ahora a las puertas de la leyenda progresiva
estadounidense YEZDA URFA: quien fuera el vocalista de la banda en sus
discos "Boris" y "Sacred Babboon", Rick Rodenbaugh, falleció el pasado 5 de
marzo a la edad de 54 años. Su peculiar registro contratenor y su agilidad
para manejar contrapuntos vocales con otros miembros del grupo fue uno de
los factores que signaron la manera de refundir las herencias de YES y
GENTLE GIANT dentro del espcetro sonoro de YEZDA URFA.
Rick, descansa en paz y gracias por la música.
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Danza y musica con LOS JAIVAS
Con la presente aviso sobre el próximo espectáculo musical del legendario grupo
chileno LOS JAIVAS.-
Teatro Universidad De Chile (Santiago):
PARIS SANTIAGO
Viaje coreográfico bajo el doble signo del amor y el humor.
Coreografía: Gigi Caciuleanu
Música: Los Jaivas (en vivo) e insertos de temas musicales franceses (Edith
Piaf, Jacques Brel, Barbara, Juliette Greco, Josephine Baker, etc.).
Pre-estreno: 7 de mayo
Funciones: 8, 9, 10, 14, 15,16 y 17 de mayo 19:30 hrs.
Gigi Caciuleanu se refirió así al nacimiento de París Santiago, Premio APES
2003, año de su exitoso estreno. La música de Los Jaivas me impactó, yo
conocía al conjunto como elemento dinámico y después conocí su música en CD,
entonces hay dos imágenes para mí: por una parte la energía fantástica que
ellos emanan en el escenario y por otra, su música inspiradora.
El espectáculo da vida a una idea gestada entre conversaciones, recuerdos y
sueños de Gigi con los integrantes de Los Jaivas el año 2002, cuando todavía
estaba con nosotros el Gato Alquinta. Le pasé a Gigi toda nuestra
discografía y cuando volvió de Francia ya traía una coreografía, afirmó
Claudio Parra.
Gigi manifiesta que los bailarines de El BANCH sienten muy cercana esta música
y la bailan con gran intensidad y emoción. Temas como Mira Niñita, La
Conquistada, Palomita Blanca, Canción del Sur, Hijos de la Tierra, Nubecita
Blanca y Tren a Paysandú dan vida al viaje coreográfico entre París y Santiago.
Mario Mutis afirmó que la unión de la danza y la música contribuye a que ambas
expresiones se potencien, resultando un espectáculo original, entretenido e
impactante. No existe en el escenario una competencia entre danza y música, al
contrario se produce una unión, una interacción interesante.
Juanita Parra, percusionista del grupo, manifestó: Me quedaron grabados
algunos pasajes de la coreografía y cuando escucho la música se me vienen
siempre a la mente. Para nosotros fue una experiencia fuerte, marcadora que
será maravilloso revivir, agregó.
París-Santiago es una de las instalaciones coreográficas más exitosas de
Caciuleanu, y ahora se adapta a un retrospectiva de LOS JAIVAS.
Más detalles en http://teatro.uchile.cl/noticias/2007/noti150408.html
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Proximas actuaciones de PILFAKA
Con la presente transcribo la lista de próximas actuaciones de la joven
banda de prog-metal técnico PILFAKA, la misma que aún anda perfilando la
forma fina lde su disco debut oficial.
3 de mayo de 2008, 20:00 08:00 PM - Paz-ON ll, "Espiritu, Mente, Ambiente".
Bar Mon, Hidalgo No. 27, Centro Histórico de Metepec, Metepec, México 00000 -
Entrada Libre
*Cromática (Electronica *Pilfaka (Rock Progresivo) *Underground Communication
Centre (Rock Progresivo)*Delta Red (Math Rock) *Los Otros (Performance)
*Telpoch Cuicani (Folk Experimental) *Estación Escalón (Rock Fusión) *Jamming
Session *Bom Axé (Ensamble de Percusiones) *OLDS (Teatro) presenta la obra
Pedro y el capitán de Mario Benedetti *Fetus (Rock Grunge) *Soda Pop Religion
(Rock Experimental) *Keyser Soze (Crust Punk) *Plastic Guns (Rock Pop
Alternativo) *Presentación de Flamenco
19 de julio de 2008, 20:00 08:00 PM - Nuvó, Pilfaka, Simplifires, Devaneo
BENDITO, BAR & MUSIC. Allende no. 130 esquina con Hidalgo, Metepec, Centro.,
Metepec, México 00000 - $ 80.00
16 de agosto de 2008, 20:00 08:00 PM - Nuvó, Pilfaka, Negatives, Cero Absoluto
Área Chica. Bar & músic. Villada esquina con Gómez Farías, Col. Centro.,
Toluca, México 00000 - $ 80.00
Su música se puede escuchar en http://www.myspace.com/pilfaka
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Defórmica,_31_de_mayo
El ensamble instrumental argentino DEFÓRMICA tocará en el Salón Pueyrredón
(Palermo, Buenos Aires) el próximo 31 de mayo. El concierto comenzará a las
11.00 PM.
Más información en www.myspace.com/deformica - y de paso, a escuchar buena
música.
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Novedades de KAYO DOT
El grupo estadounidense de rock vanguardista KAYO DOT está ad portas de lanzar
al mercado su nuevo disco Blue Lambency Downward, llamado a suceder al
excelente Dowsing Anemone with Copping Tongue. Tras hacer una gira de
promoción de este disco que fue tan celebrado por los fans del rock más
aventurero, el otrora copioso grupo sufrió una serie escalonada de deserciones
hasta quedar reducido al dúo básico de Toby Driver (guitarras, cello, teclados,
percusión) y Mia Matsumiya (violín, percusión).
Las pre-órdenes de pueden solicitar al enlace
http://www.bluecollardistro.com/hydrahead/product_info.php?products_id
2356&cPath=4_135&store%0%20 (del sello Hydra Head Records).
Se pueden escuchar adelantos del material del nuevo disco a través del enlace
http://www.bluelambencydownward.com
Además, KAYO DOT, que deberá equiparse con músicos de apoyo para los
escenarios, ya tiene pautada una serie de conciertos en los EE.UU. y en
Europa.-
Mayo:
4 - Washington DC, Rock and Roll Hotel (con EARTH)
5 - Filadelfia PA, Johnny Brenda's (con EARTH)
6 - Nueva York NY, Knitting Factory (con EARTH)
25 - Brugges, Bégcica, Cactus (con Gregor Samsa)
26 - París, Francia, Main d'Oeuvres (con Gregor Samsa)
27 - Amiens, Francia, Le Grand Wazoo (con Gregor Samsa)
28 - Lucerna, Suiza, Treibhaus (con Gregor Samsa)
29 - Namur, Bélgica, Belvedere (como músicos invitados dentro de la formación
de Gregor Samsa)
30 - Luxemburgo, Luxemburgo, Dqliq (con Gregor Samsa)
31 - Munster, Alemania, Gleis 22 (con Gregor Samsa)
Junio:
2 - Berlín, Alemania, Cassiopeia
3 - Copenague, Dinamarca, Lades Kaelder
4 - Dresden, Alemania, Az Conni
5 - Praga, República Checa, Chateau Rouge
6 - Munich, Alemania, Feierwerk
7 - Frankfurt, Alemania, Elfer
8 - Rotterdam, Holanda, Worm
Más información en el blog de la exóticamente bella Mia Matsumiya:
http://www.myspace.com/_Mia_
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: Rafael Augusto Lara Palmeros <ralp666@yahoo.com.mx>
Asunto: Uriah_Heep
Uriah Heep: "The Magician's Birthday" (1972)
Discográfica: Bronze Records (UK) / Mercury Records (USA)
Temas:
1. Sunrise (4:04)
2. Spider woman (2:25)
3. Blind eye (3:33)
4. Echoes in the dark (4:48)
5. Rain (3:59)
6. Sweet Lorraine (4:13)
7. Tales (4:09)
8. The magician's birthday (10:23)
Músicos:
- David Byron: vocales principales
- Ken Hensley: piano acústico, piano eléctrico, òrgano Hammond, guitarra
acústica, eléctrica y sintetizador Moog
- Mick Box: guitarra acústica, eléctrica y coros
- Gary Thain: bajo y coros
- Lee Kerslake: batería y percusiones
Músico invitado:
- Brian Cole: guitarra de pedal de acero
Tiempo total: 37:55
Considerando éste trabajo en su contexto total, muy bien pudiese haber sido
integrado como un segundo disco de "Demons and Wizards", dando pauta a un
soberbio álbumn doble que se hubiese constituido en todo un acontecimiento en
los tempranos 70's; sin embargo creo que el proceso evolutivo del grupo no dio
pauta a eso puesto que Ken Hensley concibió los temas a partir de un cuento
corto escrito a mediados de 1972 y en sí la música es una excelsa combinación
de un extraordinario Hard-Rock, matices progresivos y sobre todo, momentos
íntimos, propios, muy bien manejados tanto por Byron como por el tecladista,
aspectos estos que no se hicieron presentes en el trabajo previo.
Con toda ésta amalgama creativa, el álbumn abre con 'Sunrise', una magnífica
ejecución del Hammond que se manifiesta por un 'in crescendo' hasta llegar a
los coros y la voz de Byron, precisa ejecución del bajo y de la guitarra por
Box, a pesar de su fuerza expresiva, la melodía tiene un aire íntimo, bello en
su lírica que es magistralmente interpretada por el vocalista.'Spider woman',
es un rock ácido en el que el predominio de la guitarra es particularmente
gratificante con un excelente manejo de el efecto de la distorsión. 'Blind eye'
es un track comercial con predomino tanto de la guitarra acústica de Hensley
como la eléctrica de Byron, la sección rítmica es muy compacta, destacandose el
trabajo de Kerslake. 'Echoes in the dark', es una de las mejores piezas del
álbumn, el sintetizador juega un papel muy importante ya que con su sonido
silbante da entrada a una interpretación melancólica, triste, podría decirse
hasta lúgubre por parte del grupo. El dúo de piano
acústico- voz es extraordinario, sin dejar atrás el complemento del
sintetizador Moog, a los 2:40 escuchamos la soberbia entrada del grupo que nos
lleva de la mano a un bello final, cantado con suma sensibilidad por Byron,
esto da pauta a 'Rain', tal vez la pieza más bella que el dúo Byron-Hensley
interpretaron con el grupo, una melodía en que la enorme capacidad y
sensibilidad del vocalista hacen juego con el virtuosismo de Hensley en el
piano acústico, melodía íntima, hermosa, llena de estética. 'Sweet Lorraine',
es tal vez, la pieza más conocida del álbumn ya que en nuestro país salió en
disco "sencillo", un rock enfocado al uso del sintetizador, que da la base a la
melodía, su sonido chillante engloba a todo el grupo, destacandose Thain en el
bajeo, Kensley interpreta un breve solo de ese sintetizador lo que da un aire
nuevo a lo que habíamos conocido del grupo en trabajos anteriores, en su
momento, la sección rítmica interpreta fraseos jazzísticos magníficos que
parten hacia un final fantástico con una elocuente muestra del quehacer del
quinteto.'Tales', es otra maravillosa interpretación que acoge en su contexto
el sonido de la guitarra de pedal de acero, interpretada por Brian Cole, la
elocuente voz del cantante no se hace esperar y en sí, todo el grupo se
manifiesta muy compacto, ejecutando perfectamente sus instrumentos. Excelente
letra'.'The magician's birthday', la pieza más larga del álbumn nos habla de la
gran fiesta,con cantos y bailes a la luz de la luna, que se realizan en honor
del viejo mago, aquí luce la ejecución de Box con excelentes acordes y en su
momento, arpegios. Ejecución del teclado que imita a la voz humana y da paso al
solo de guitarra acompañandose de la sección rítmica en la que destaca la
batería. Una pieza llena de vitalidad y buena música en sus más de 10'de
duración.
Con su quinto disco, Uriah Heep fue un claro reflejo del extraordinario
desenvolvimiento del rock británico en los inicios de los 70's, un rock lleno
de ideas, creatividad y sobre todo, búsqueda incesante de nuevos sonidos y
formas musicales.
1 de mayo del 2008.
Desde Xalapa, Eqz, capital del Estado de Veracruz en
México.
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Autor: Rafael Augusto Lara Palmeros <ralp666@yahoo.com.mx>
Asunto: MONTEFELTRO - "IL TEMPO DI FAR LA FANTASIA" (1992)
MONTEFELTRO : "IL TEMPO DI FAR LA FANTASIA" (1992)
Discográfica: Musea Records (Francia)
Temas:
1. Canto (1. Musicis Instrumentis Sonanas Humanus Afectus 2. Sciarada Serale 3.
La corsa contra il tempo 4. Pioggia di stelle 5. La tua imagine 6. Il walzer
dei ricordi 7. Sciarada nocturna 8. Prendi la foglia 9. Il duello 10. In quel
sole interiore, la nave e l'artificio) 22:12
2. Il prescelto (1. Nella sala del trono 2. Dopo la pioggia 3.Con ilviso
conttrovento) 6:28
3. Cielo de carta 2:44
4. La collana refletene 5:24
5. Nel laberinto (1. La casa de Asterione 2. Un addio in silenzio) 8:23
Músicos:
- Attilio Virgilio: guitarra eléctrica, acústica y voz
- Piergiorgio Ambrosi: piano eléctrico, acústico, mellotrón.
sintetizador,clavecín y órgano
- Gianpiero D'Andria: bajo eléctrico
- Pierpaolo Farroni: batería y percusiones.
Tiempo Total: 46:08
Bien, pues estamos ante una de las obras más importantes del Progresivo
Italiano Sinfónico de todos los tiempos. Sin temor a equivocarme es la Opus
Magnum del resurgimiento italiano progresivo en la década de los 90's, un
trabajo fascinante, pulcro, extraordinario realizado por un cuarteto de
inspiradísimos músicos con gran capacidad creativa. El nombre del grupo está
tomado del insigne humanista de inicios del Renacimiento Federico III de
Montefeltro, condottieri y Duque de Urbinón, el cual tenía en su corte a
eminentes e ilustradísimos renacentistas que se dieron a la tarea de crear la
biblioteca más grande de Italia después de la del Vaticano y crear el Palacio
Dual de Urbino; ante esta perspectiva, la música entregada en este maravilloso
trabajo es un Progresivo Sinfónico clásico, a la mejor usanza italiana,
melódico y por momentos barróco con algunos toques medievales.'Canto', es una
extraordinaria suite dividida en 10 partes que se destaca por magníficos y
sobresalientes pasajes sinfónicos dados por los teclados a los que se incorpora
la guitarra de Virgilio y la espléndida técnica percusiva de Farroni,
escuchamos sobresalientes pasajes de piano acústico que robustecen a la suite
la cual conforme se desarrolla se hace más bella, más llena de vitalidad y de
magia renacentista, las ambientaciones también se hacen presentes en sonidos de
cisnes, lluvia, rayos, vínculos de la Naturaleza profunda y misteriosa, a los
12:24 escuchamos un brevísimo pero enormemente bello pasaje dado por cuerdas
que nos trae a la mente- en mi caso- aquellos momentos de incipiente lucidez
humanística del Renacimiento Italiano, la música cual vorágine impetuosa nos
otorga bellísimos momentos que vienen a culminar con la integración del
cuarteto casi al final de la suite, en donde se destacan tanto Ambrosi como
Farroni en sus respectivos instrumentos, encontramos la magia de los
sintetizadores y al final un breve pasaje jazzístico que otroga un final
fastuoso a esta suite. Magnificencia.'Il prescelto', en un inicio parece ser
continudad de la suite, sin embargo el pasaje de los sintetizadores le da un
aire propio, llaman la atención los exactos cambios de compás así como la
extraordinaria voz de Virgilio que da un aire hasta cierto punto teatral,
histriónico, semejando en su medida a Christian Decamps. El tema principal se
encuentra dividido en 3 partes.'Cielo di carta', no es una balada como algunos
"conocedores" se refieren a ella, no, ésta es una bellísima melodía conformada
por un balance perfecto entre la guitarra acústica, los teclados y la etérea,
sublime voz de Attilio Virgilio que precisamente, nos transporta al cielo, a
las reminisencias y ensoñaciones del ser humano, cualquiera que sea su credo y
raza.'La collana refletene', muestra un inicio de gran influencia Génesis /
ELP, así como de Le Orme, muy buen manejo de los arpegios de Virgilio así como
de Ambrosi, juego instrumental de alta calidad.'Nel
laberinto', constituida por 2 temas, al parecer está basada en la obra del
insigne Maestro Jorge Luis Borges (La casa de Asterione), al inicio se escuchan
lamentos como si del Minotauro se tratase, guitarra acústica así como voz
melancólica que dan pauta a la entrada del piano para otorgarnos un rock muy
bien interpretado y dar final a esta espléndida Obra.
Fastuosa, extraordinaria, pristína, bella, magnífica, que más puedo decir ?,
esta Obra de Arte es una muestra de lo que la inteligencia y creatividad humana
puede realizar, por eso el Rock Progresivo, afortunada o desafortunadamente, es
UNICO y ELITISTA, nunca comparable a otro género o subgénero musical
Magnificencia hecha música.
1 de mayo del 2008
Desde Xalapa, Equz, capital del Estado de Veracruz en México.
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Autor: El Hombre Rockola <elhombrerockola@yahoo.com>
Asunto: Sobre autorias
Hola a todos los Cajeros:
La discusión sostenida en números recientes por Marcelo Rey y Héctor Gómora,
sobre las flagrantes omisiones en el reconocimiento de la autoría de las
obras que citan algunos músicos en sus propios trabajos, fue cerrada por
Marcelo sin dejar claro si aceptaba o rechazaba los argumentos de Héctor y
sin dar oportunidad para que éste aceptara cerrar también el debate.
De cualquier manera, aunque en ese momento los demás cajeros no estábamos
participando, la discusión como todas las que se dan en este foro era
pública y no debía cerrarse unilateralmente, ni bilateralmente con la
anuencia de Héctor.
Acaso lo que Marcelo quiso decir era que ya no le interesaba discutir más el
tema.
Antes de esto, la discusión se empantanó por la profusión de detalles
bibliográficos citados innecesariamente por Marcelo. Aun así, Héctor rebatió
uno por uno los argumentos de Marcelo, incluyendo la propensión de éste a
abundar en bibliografía. Por ello no me parece exagerada la minuciosidad con
que Héctor derribó los postulados de Marcelo, indispensable para no dejar
cabos sueltos.
Tampoco creo que los demás cajeros al menos no todos nos aburramos con
este tipo de discusiones, como sugiere Marcelo al intentar cerrar el debate,
así que me atrevo a intervenir para clarificar algunos puntos que pudieron
quedar nebulosos por el empantanamiento antes mencionado.
1.- Los músicos que citan obras ajenas dentro de sus propios trabajos tienen
la obligación de reconocerlo expresamente. En los casos ejemplificados de
Alan Parsons, Rick Wakeman y Renaissance, la obligación no sólo es ética,
sino también legal, porque así lo marcan desde hace mucho tiempo las leyes
de sus países y las de los países de los autores citados, independientemente
de las obligaciones de pago de regalías que hayan contraído por citar música
ajena.
2.- Al parecer, tanto Marcelo como Héctor coinciden en la obligación ética
del reconocimiento en cuestión aun cuando anteriormente el primero
pareciera haberse opuesto a ello, así que no ahondaré más en ello,
entendiendo que para ambos es éticamente obligatorio reconocer expresamente
la autoría de la música ajena que se cite.
Si no me equivoco, este fue el tema central de la discusión.
3.- En el debate no quedaron muy claras las diferencias entre autoría,
derechos de autor y regalías. Lo aclaro ahora a grandes rasgos:
a) Autoría. Es la adjudicación que se hace de una obra a su creador. La
autoría es permanente e inmutable, aunque hayan casos en los que la autoría se
adjudica erróneamente. La autoría no es transferible y para exigir su
reconocimiento debe quedar registrada con ciertos mecanismos legales que no
varían mucho de un país a otro.
Las obras citadas por Parsons, Wakeman y Renaissance están registradas en los
respectivos países de los autores y son reconocidas por los países firmantes de
los acuerdos internacionales, entre éstos Gran Bretaña y Estados Unidos.
La autoría origina los derechos de autor; pero no son sinónimos, ni se
reemplazan mutuamente.
b) Derechos de autor. Son las facultades legales de explotación de las obras,
incluyendo el permiso o la negación para usarlas o para alterarlas. Los
derechos de autor son transferibles. Las leyes locales de derechos de autor y
sus vigencias pueden ser diferentes en cada país; pero los acuerdos
internacionales unifican los criterios a seguir por los países firmantes.
La transferencia de los derechos de autor (también llamada "cesión de derechos
de autor") puede originar las regalías; pero unos y otras tampoco son
sinónimos, ni se reemplazan mutuamente.
c) Regalías. Es el pago a que tiene derecho el propietario de los derechos de
autor de una obra. Este concepto se confunde frecuentemente por la forma
coloquial de referirse a él: se dice "pagar los derechos de autor", cuando lo
correcto es decir "pagar las regalías por derechos de autor". La primera
expresion sólo se aplica al pago por la adquisición de los derechos de
explotación de las obras.
Un ejemplo de las diferencias entre estos tres conceptos es lo sucedido con
la música de John Lennon y Paul McCartney en los años ochentas. La música
fue registrada bajo la autoría de Lennon y McCartney.
En los años ochentas, los derechos de dicha música fueron adquiridos
temporalmente por Michael Jackson, gracias a ciertos mecanismos legales,
propios de Estados Unidos.
La autoría de la música siguió siendo de Lennon y McCartney, mientras que los
derechos de explotación de la parte correspondiente a McCartney fueron
transferidos a Jackson temporalmente por la adquisición.
La parte de Lennon no fue transferida a Jackson porque, de acuerdo con la leyes
vigentes en Estados Unidos, a la muerte del autor los derechos pasan a su viuda
definitivamente.
Entre los derechos que Jackson adquirió figuraba la facultad de autorizar el
uso y/o alteración de la música, así que el bailarín cedió temporalmente el uso
de "All You Need Is Love" para los anuncios de una cerveza mexicana.
Las regalías que la empresa cervecera pagó para usar la música fueron a dar al
bolsillo de Jackson, como propietario temporal de la mitad de los derechos, y a
Yoko Ono como propietaria de la otra mitad.
Michael Jackson pagó por los derechos de autor al adquirirlos, mientras que la
cervecera pagó las regalías por usar la música. Sin embargo, la autoría de la
pieza siguió siendo de Lennon y McCartney, al igual que toda la música de
dichos autores.
4.- Los cambios a las leyes de derecho de autor en los años setentas, que
Marcelo menciona en uno de sus textos, nunca se refirieron a la obligación de
reconocimiento de autoría de obras citadas, pues esta obligación ha permanecido
inmutable desde mucho antes de tales reformas. Lo que ha cambiado son la forma
y la vigencia de los derechos de autor, así como de las regalías derivadas, no
la obligación de reconocer la autoría de las obras.
Saludos
Jorge Alveláis
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