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La caja de musica Number 0801
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #801 octubre 2007 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Pulsar: "Memory Ashes" (2007)
* APPLE PIE: "Crossroad" (2007)
* Enzo Capuano: "Storia mai Scritta" (1975)
* re-ediciones de SPOCK'S BEARD
* iX "Ora Pro Nobis"
* noticias de Theo Travis
* Porcupine Tree en México
* Unas Palabras Con... Kerry Minnear
* EVOLUCIONA_MÚSICA_2 30 307
* traduccion_del_booklet_del_PLAYING_THE_FOOL
* Nace supergrupo: UKZ !. -
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Autor: Juan Mellado <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Pulsar: "Memory Ashes" (2007)
Pulsar: "Memory Ashes" (2007)
Discograficas: MUSEA
Temas:
1. Memory Ashes / Part I (7:52)
2. Memory Ashes / Part II (7:58)
3. Memory Ashes / Part III (4:50)
4. Memory Ashes / Part IV (5:24)
5. Monks (10:45)
6. Respire (8:54)
Musicos:
- Gilbert Gandil / guitar, lead vocals
- Jacques Roman / keyboards
- Victor Bosch / drums
- Roland Richard / sax, flutes, clarinet, whistle
Invitados:
- Louis Paralis / bass, accordina
- Aurélia Dury / vocals
- Edith Chaffard / cello
- Eric Dupré / noise
PULSAR, los mismos autores de aquel destacado álbum titulado "HALLOWEN" d
e 1977 encuadrado en el prog frances, vuelven 30 años después con un nu
evo álbum titulado "MEMORY ASHES".. que me ha causado desde la primera es
cucha una magnifica impresión, pleno de temas intimistas y como no, Pink
floyd'ianos y Cameli'anos pero sin llegar en ningún momento al clonismo.
El disco comienza con el tema que da nombre al disco, dividido en 4 partes,
la primera de ellas comienza con un toque onírico y tribal, la guitarra
de Gilbert Gandil suena muy a David Gilmour, aunque el toque cameliano se h
ace patente con los suaves interludios de piano y guitarra y los vocales, e
stos en francés.
Continua el tema con la inicialmente instrumental Part II, esta muy emocion
al y meditativa, temas lánguidos, parece como el canto de un delfín, pu
nteos de guitarra que continua de modo enérgico y cameliano, erigiéndos
e la voz de Gilbert Gandil como verdadero protagonista, acaba este MEMORY A
SHES con un largo pasaje instrumental que da paso a unos 2 minutos finales
muy de tono pastoral y acústico con solos de flauta y guitarra, muy en la
línea de CAMEL.
MONKS abre fuego en esta recta final del disco, unos samplers de cantos gre
gorianos dan paso a un instrumental a lo CAMEL para pasar a continuación
a recordarme a ENIGMA, acaba el tema con un solo de guitarra a lo Pink Floy
d. El ultimo tema RESPIRE, es de tono emocional y meditativo, aquí Auré
lia Dury canta a dúo con Gilbert Gandil.
En definitiva PULSAR vuelven con este MEMORY ASHES con la misma apuesta mus
ical de los 70's... pero sonando mas modernos y actuales....
Puntuación: 7/10
Salu2 sinforetrovados
9A9 Juan Mellado
Progjuan@hotmail.com
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Autor: Juan Mellado <progjuan@hotmail.com>
Asunto: APPLE PIE: "Crossroad" (2007)
APPLE PIE: "Crossroad" (2007)
Discografica: MALS
Web: www.applepie-mus.narod.ru
Temas:
1. The Begining (7:52)
a. Once Upon A Time
b. Overture
2. Sunrise (9:25)
3. Crosroad (8:19)
4. Nothing (3:47)
5. Temptation (4:46)
6. Escape (10:28)
7. Still Got My Faith In You (4:07)
8. Solution (7:32)
9. Nothing Comes Everything (8:13)
10. Final (12:22)
Musicos:
- Vartan Mkhitaryan: Lead vocals, background vocals, electric, acoustic, 12
-string & nylon guitars, percussion, keyboards (a little).
- Alexey Bildin: Bass, fretless bass, lead vocal in "Temptation", backgroun
d vocals, saxophones, percussion, keyboards (less than Vartan).
- Oleg Sergeev: Keyboards (more then all together), background vocals.
- Andrey Golodukhin: Drums (of course he plays keyboards & singing but we d
idn't let him do that!)
Invitados:
- Alexander Mamontov: Trumpet.
- Peter Sychev: Background vocals.
- Anna Sidorenko: All Female vocals.
- Brass section in "Temptation" arranged by Constantine Markelov.
- Drums programming in "Nothing" by Egor Yurkevich.
APPLE PIE es una banda "Christian prog rock band" procedente de RUSIA que l
leva ya 7 años de existencia. CROSSROAD es su álbum debut y siendo sinc
eros a quién le guste SPOCK'S BEARD y especialmente la carrera en solitar
io de NEAL MORSE, no debería dejar de escuchar este disco conceptual que
nos habla de la elección entre el bien y el mal.
Onze temas componen este disco que dura casi 80' minutos. El comienzo no po
dría ser mejor, para mi lo mejor del disco, THE BEGINING dividida en dos
partes "OVERTURE" + "ONCE UPON A TIME" que nos muestra una balada semi ac
ústica con momentos muy enérgicos, me recuerda a temas como THE LIGHT d
e Spock's Beard o el Testimony de NEAL MORSE.
SUNRISE comienza como los dos temas precedentes, pero con mayor énfasis e
n los teclados, y donde oímos los primeros destellos metal progresivos. V
uelven las referencias a Spock's Beard con CROSSROAD que ponen de nuevo est
e disco por las nubes, tema frenético y enérgico con un final electriza
nte.
Sigue el disco con la semi balada que incluye vientos "NOTHING", el blues r
ock con cierta teatralidad (me recuerda a Gary Moore) de "TEMPTATION", de h
echo se trata de una conversación entre el bien (Vartan Mkhitaryan) y el
mal (Alexey (Bildin). En "ESCAPE" vuelven los tonos metálicos progresivos
a lo DREAM THEATER... o quizás a lo mas metálico de NEAL MORSE como hi
zo en "IN THE FIRE", el corto lento "STILL GOT MY FAITH IN YOU", la alegre
y pomposa SOLUTION, la instrumental "NOTHING COMES EVERYTHING" y acaba el d
isco con FINAL con un tono optimista.
En definitiva NEAL MORSE parece ser que ha creado escuela y estos rusos de
APPLE PIE de verdad que no lo hacen nada mal... CROSSROAD es un trabajo é
pico, sinfónico con grandes pasajes vocales e instrumentales.
Puntuación: 7/10
Salu2 cristianossinfoprogresivos
9A9 Juan Mellado
Progjuan@hotmail.com
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Autor: Juan Mellado <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Enzo Capuano: "Storia mai Scritta" (1975)
Enzo Capuano: "Storia mai Scritta" (1975)
Discografica: Divergo ; CD Mellow Records 1996
Temas:
1. Parte I : In Forma Di Vita
2. Parte II : La Nuova Stagione
3. Parte III : Volo Nella Notte
4. Parte IV : Risveglio
5. Parte V : Dal Tempo Vissuto
6. Parte VI : La Natura Dentro
7. Parte VII : Memoria
8. Parte VIII : Il Buio
Musicos:
- Enzo Capuano: Guitarra y voz
- Mario Panseri: Teclados y bajo
- Giovanni D'Aquila: Bateria y percusiones
- Mario De Luigi Jr: Letras
ENZO CAPUANO, maestro de escuela, compositor y cantautor italiano calabrese
nacido en 1947 residente en Milán compuso y edito un único disco objet
o de esta reseña "STORIA MAI SCRITTA", que consta de un largo tema de tan
solo 38:11 minutos y dividida en 8 partes.
Comienza esta primera parte con el canto angustiado e irónico con un mell
otron de fondo, acompañados de meritorios arreglos instrumentales donde d
estaca la sección rítmica... la parte vocal deja paso a temas instrumen
tales semi acústicos y minimalistas, siempre acompañados de atmósfera
s ensoñadoras creadas por los teclados de Mario Panseri, LA NATURA DENTRO
recuerda algo a los mas psicodelicos Pink Floyd, destaca también la mini
malista pero quizás la mas progresiva y sinfónica MEMORIA. Acaba el dis
co con la voz de Enzo cantando en IL BUIO.
En resumen un disco que podríamos encasillar una obra de cantautor, (a pe
sar de que las partes cantadas no llegan ni a una tercera parte del conteni
do, donde destacan los cuidados arreglos progresivos y las atmósferas cre
adas por los sintetizadores (string-synth, órgano, moog y piano) de Mario
Panseri
Un trabajo digno de estar en la estantería de cualquier apreciada discote
ca del prog italiano de los 70's junto a Angelo BRANDUARDI Alan SORRENTI, F
ranco Maria GIANNINI, Gianni D'ERRICO, Claudio FUCCI, Ivano FOSSATI, Lucio
BATTISTI, Mauro PELOSI, eso si cada uno conservando su estilo personal.
Puntuación: 6,5/10
Salu2 cautautorprogresivoitaliano
9A9 Juan Mellado
Progjuan@hotmail.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: re-ediciones de SPOCK'S BEARD
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo norteamericano SPOCK'S BEARD, muy de capa caída en lo que se
refiere a creatividad progresiva desde la partida de Neal Morse hace ya un
buen puñado de años, revisa su catálogo antiguo y prepara las reecidiones de
sus discos de estudio cuarto, quinto y sexto, con empaque deluge y bonus
tracks cada uno.
SNOW - Incluyendo demos originales de "Overture" y Wind at my Back.
V - Incluyendo el demo original de At The End Of The Day.
DAY FOR NIGHT - Incluyendo demos originales de Gibberish y Day For
Night.
La fecha de salida al mercado de estos ítems es el 30 de octubre próximo.
Más información en www.myspace.com/spocksbeard
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: iX "Ora Pro Nobis"
iX: Ora Pro Nobis (2007)
Temas
1. Ore Pro Nobis
2. The Expert
3. Seven Pillars of Wisdom
4. Keyla
5. Ocaso
6. Hombres Honorables
7. Radiante
8. Warriors
9. The Promised Mind
10.Invocando a la Luz
Giuglio Cesare Della Noce: teclados, arreglos
Colaboradores Sandor Bassi (percusión), Miguel Ángel Echevarreneta (bajo,
guitarra española, guitarra eléctrica), Julio dHers (batería), Pedro
Castillo (guitarras eléctricas, voz), Gerardo Ubieda (batería), Leonardo
Córdova (batería), Nayin Paiva (trompeta), Isabel Roch (trombones), Ricardo
Parra (batería), Johann Mena (bajo, guitarras eléctricas), Franklin Holland
(guitarra eléctrica), Eduardo de Abreu (guitarra eléctrica), Damián Mejicano
(guitarra eléctrica), Ramón Perruelo (armónica), Kreils (guitarra acústica),
Edith Salazar y María Lucía Carrizo de Della Noce (corales), José Vicente
Ziegler (voz), Carola Landaeta (voz)
iX es el nombre de otro proyecto lateral a Témpano, gestado y dirigido por
Giuglio Cesare Della Noce: con esto se une a su compañero Gerardo Ubieda,
quien hace un par de años lanzó al mercado su muy interesante álbum Gods
Garden bajo el seudónimo de Odrareg. iX ofrece una propuesta más
variopinta, la misma que se encarna en este disco Ora Pro Nobis sin ningún
tipo de timidez. Sin querer para nada aminorar o relativizar la valía
artística individual de Della Noce, me atrevo a diagnosticar que este
teclista es una de las principales fuentes de osadía estilística en el
desenvolvimiento de la bizarra visión progresiva de Témpano. Aquí
encontramos recursos, alternados o yuxtapuestos, de la academia tradicional,
la vanguardista, el rock melódico, el jazz, lo ambiental, lo electrónico,
sampleos de narraciones y palabras sueltas, matices minimalistas, y
orquestaciones multicolores propias de la fastuosidad rock-sinfónica. El
precio que paga Della Noce es el de arriesgarse a generar un cuadro musical
no totalmente cohesivo en el espectro integral, pero sin duda la escucha de
este disco supone un viaje supremamente interesante para el oyente
verdaderamente aventurero.
La introducción homónima consiste en un rezo latín al que pronto se le unen
tambores marciales y perturbadores sonidos semejantes a los de un tétrico
aquelarre absorto en un momento peculiar de histeria. Lo tétrico deja paso a
lo majestuoso con The Expert, una pieza articulada sobre una base de
jazz-prog donde la pomposidad exhibida por los teclados aborda un esquema
donde confluyen lo sinfónico y la fusión (incluyendo mágicos fraseos de
guitarra española): en muchos sentidos, esta pieza tiene una sonoridad
emparentada con la que plasmó Témpano en su magnífico concept-disc The
Agony & the Ecstasy, aunque esta pieza resalta los contrastes a través de
las variantes. Seven Pillars of Wisdom va por un camino parecido, aunque
esta vez el énfasis está en la psicodelia electrónica, con claros tintes de
inquietud extravagante. Este tema es algo que podría componer la gente de
Ozric Tentacles después de pasar una tarde escuchando discos de Art Zoyd y
Univers Zero. Con el final de Seven Pillars of Wisdom llegamos a un clímax
particular del disco, por lo que la breve sonata de piano titulada Keyla
supone todo un cambio de dirección hacia la melancolía encapsulada en su
propia contemplación distante. Esta dirección se completa con la estilizada
balada rock Ocaso. La voz de Edith Salazar le da un aire adicional en
clave soul al tema a través de su bien definido desarrollo.
Hombres Honorables y Radiante conforman sendos picos del disco, y como
vienen seguidos, conforman otro clímax del disco. Hombres Honorables es
todo un viaje musical intenso y exquisito, articulado en torno a texturas
tan sombrías e imponentes a la vez, que me recuerda muchas veces al Alter
Crying del De Profundis el énfasis en lo ceremonioso inteligentemente
evita que la pieza caiga en la saturación. La tendencia chamber-rock
expuesta por ahora concluye con ruidos de lluvia tormentosa, los cuales
abren la puerta a Radiante, una pieza con una estructura aun más bizarra
que la precedente. Su dinámica esencial consiste en una serie aleatoria de
adornos y capas de sintetizadores, corales y efectos, en un ejercicio de
vanguardia visceral. Hay momentos en los que parece que el paisaje sonoro se
hunde gradualmente en el silencio, mientras que en otros se producen
erupciones opresivas puramente opresivas. Warriors y The Promised Mind
regresan al sendero del sinfonismo empapado en aromas jazz-rock y fusión: el
primero contiene aires arabescos-aflamencados en medio de sus solemnes
desarrollos melódicos, mientras que el segundo está prioritariamente
concentrado en ambientaciones alegres. Ambos temas tienen un aire de familia
inconfundible con la música de Témpano. Invocando a la Luz es una canción
semi-lenta que cierra el disco, con una sencilla estructura melódica pero lo
suficientemente ornamentada como para resultar llamativa a los oídos del
melómano típicamente progresivo. Tal vez los ornamentos de esta pieza de
cierre sean producto del arrastre que lleva de los dos temas precedentes
en todo caso, se trata de una secuencia bien hilada que se corresponde con
la diversidad focalizada de Ora Pro Nobis. iX es una prueba definitiva del
genio y talante productivo de la gente de Témpano para la vigencia del
progresivo, ya sea en conjunto o por separado.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: noticias de Theo Travis
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Theo Travis, vientista de The Tangent y prolífico sesionista que ha
colaborado con Hatfield and the North, David Sylvian, Gong y otros, va a
lanzar un álbum solista este próximo 1 de noviembre, el mismo que se
titulará "Double Talk".
Travis se encargará de los saxos tenor, soprano y eléctrico, flautas y
clarinetes, contando con el apoyo de Pete whittaker (teclados), Mike Outram
(guitarras), Roy Dodds (batería y percusión), entre otros. Y justamente uno
de estos otros es el legendario Robert Fripp, quien colabora en tres temas
del disco, siendo además co-autor de uno.
Además, Travis se acaba de unir a la banda de David Sylvian, que actualmente
está de gira mundial. Ya ha estado en el escenario con esta función en
varios conciertos de Escandinavia, Gran Bretaña, Bélgica y París.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: ignacio.velazquez
Asunto: Porcupine Tree en México
Porcupine Tree en Mexico DF, octubre de 2007
A LA SOMBRA DE UN FRONDOSO ÁRBOL
La aventura Porcupine Tree dio inicio el 19 de julio, fecha en que Leo, mi
hermano David y yo compramos los boletos para lo que se esperaba fuera un
esplendido concierto del grupo inglés de rock progresivo, en la mañana, muy
temprano checando la pagina Internet de ticketmaster, descubrimos que se
abría la venta de las entradas, ese mismo día, en la tarde, las adquirimos,
se oficializaba la cita con la gran expectativa de vivir un espectáculo
digno de ser contado.
Había tiempo suficiente para familiarizarse con el disco "Fear of a Blank
Planet", la más reciente producción de nuestros invitados y futuros
anfitriones en el teatro Metropolitan, recinto que nos iba a congregar a
todos y cada uno de los seguidores y fans de esta agrupación tan
representativa del genero en cuestión, en este CD intervienen; Steven
Wilson, líder, voz y guitarras, Richard Barbieri en teclados, Colin Edwin en
el bajo y Gavin Harrison en la batería, como invitados especiales aparecían;
Alex Lifeson, del grupo canadiense Rush, en un solo de guitarra durante el
track número 3, Robert Fripp, maestro de Kimg Crimson en los soundscapes,
hacia su aparición en la rola número 5 y por último, John Wesley, en voz y
coros.
Así pues, me di a la tarea de involucrarme con su contenido, en la casa y en
el carro, no perdía oportunidad de escucharlo, además, desempolve un DVD que
contenía su participación en una de las ediciones del Nearfest (2001), lo
anterior, para tomar nota de los rostros que habríamos de ver en nuestro
país.
Poco a poco, la memoria fue registrando uno a uno los tracks de este
material, una rola que lleva por nombre "Anesthetize", desde un principio
era llamada a convertirse en mi favorita, 17 minutos que incluyen una
incursión por el metal rock, con un final melódico, pero no por ello menos
explosivo, salpicado por acompañamientos corales y acordes de guitarra que
mueven a profundas y variadas emociones.
Por fin, el 6 de octubre con puntualidad abordamos el autobús a las 8 en
punto de la mañana, de Aguascalientes hacia la capital del país, la
adrenalina corría salvajemente por las venas, estábamos a unas horas del
ansiado encuentro con el rock del grupo revelación del momento. El viaje
transcurrió sin contratiempos, arribamos al DF a las 14;15 horas, saliendo
de la estación de autobuses nos montamos al trolebús que nos llevó, a través
del eje central, hasta el Museo de Bellas Artes, el apetito estaba
despierto, por tanto, nos dirigimos al zócalo por la calle 5 de Mayo,
conforme avanzamos, empezaron a desfilar ante mis ojos, edificios y
establecimientos que en una época llegaron a ser muy familiares y cotidianos
para mi, tenía años que no pisaba el Distrito Federal. "Los Azulejos", fue
de los primeros inmuebles con los que se topo mi mirada, la primera calle
que cruzamos en nuestra ruta fue Filomeno Mata, ahí estaba el viejo
restaurante vegetariano, que en los años 70's me esperaba a comer varias
veces por semana, más adelante, con sorpresa descubrí el inamovible y eterno
negocio de los tacos de canasta, cuyo visitante más asiduo era mi hermano
Arturo, después siguió el "Espartaco", aún recuerdo como se me hacía "agua
la boca" en vísperas de saborear los guisados, con los que las tortillas
eran enroscadas para convertirse en sus siempre ricos y "engordadores"
tacos, tocó el turno al café "La Blanca", en aquellos años se desayunaba
delicioso, ahí servían un yogurt con miel digno del paladar más exigente,
por fin llegamos a Isabel La Católica, mis ojos buscaron el viejo Edificio
donde trabaje tantos años y oh sorpresa !!!! ahí estaba, precioso como
siempre fue, intacto como un monumento, con su extraordinaria arquitectura
del siglo XVIII, digna de admiración, en el número 24 de la Chabela y con su
majestuoso reloj dando la cara hacia la calle de Madero, que tiempos
aquellos en que se podía disfrutar de la ciudad capital, cruzamos por el
café de chinos y la antiquísima Librería Porrua, donde llegue a comprar uno
que otro de mis libros de secundaría, uuuuhhhhh ya llovió. Finalmente (ya
para no aburrirlos), llegamos al Hotel Hollyday Inn del centro, tomamos el
elevador que nos condujo al último piso, ubicamos una mesa vacía y nos
instalamos, la comida consistió en un buffete rico en variedad y en sabor,
compuesto por varias ensaladas, sopas, cremas y elaborados guisos bien
sazonados, además de una parrillada surtida en carnes de puerco, res y pollo
acompañadas de cebollas y nopales asados, para rematar, una buena variedad
de postres, el lugar estaba ubicado en una terraza con vista panorámica al
centro histórico, intercalábamos nuestras visitas hacia donde se encontraban
los manjares y nos permitíamos disfrutar de la vista aérea que dicha terraza
nos ofrecía, ahí estaba en todo su esplendor parte del terruño que me oyó
llorar por primera vez.
Más que satisfechos, salimos del lugar a eso de las 6 PM, el trayecto al
teatro nos llevo justo una hora, debido a que nos detuvimos a observar
aparadores o visitábamos alguna que otra tienda, a las 7 de la noche
llegamos a las afueras del recinto que minutos más tarde se vería invadido
por las notas progresivas de nuestros ídolos. Había una banca de concreto y
acero sobre la acera, nos sentamos y tuvimos la suerte de saludar a
camaradas que no imaginamos encontrar y que comparten nuestros gustos por la
música, gente de Monterrey, del DF, de Guadalajara y de Aguascalientes,
todos con un objetivo en común; el rock de los Porcupine.
Cuando dieron las siete y media, ya había vendimia de playeras y Cd's, fue
en ese momento en que decidimos entrar, cada vez llegaba más gente, en el
umbral del teatro, personal del mismo nos pidió los tickets y nos condujo a
la sección "B", segunda en importancia y en precio, ocupamos las localidades
correspondientes y esperamos el arribo al escenario de los dueños de la
noche, estaba todo dispuesto para vivir un espectáculo inolvidable, una
página más a la historia de conciertos presenciados por nuestros sentidos,
siempre alertas a nuevas emociones.
A eso de las ocho diez, de pronto, hicieron su aparición los músicos
ingleses, como impulsados por un resorte, saltamos de nuestros asientos a
vitorear su aparición, así daba inicio la excursión mágica por del rock del
güero Wilson, se armaron con sus instrumentos y el espin mayor, se acerco al
micrófono para decir; "Gracias México", esforzando su español, la respuesta
no se hizo esperar, con aplausos, silbidos y aullares les dimos la
bienvenida.
AAAArrrraaaaannnnnnnqqqqqquuuuueeeennnnnsssseeeee mis chavos y dio inicio el
recital, como yo había imaginado, las notas del "Fear of a Blank Planet"
invadieron los espacios, de manera pausada pero intensa, fueron desfilando
todas y cada una de las seis canciones incluidas en este album; "My Ashes",
"Anesthetize", "Sentimental", "Way Out Of Here", y "Sleep Together" y la que
da nombre al CD. Conforme las rolas fueron desfilando, los asistentes nos
manifestámos de maneras diferentes, todos de pie, me di cuenta como unos
alzaban los brazos y con los dedos simulaban unos cuernos, como aprobando
que se ejecutara la melodía esperada, otros bailaban, moviendo brazos,
piernas, y cabezas, otros simulaban tocar una guitarra, como yo, algunos un
tambor, siguiendo el ritmo de la música que paulatinamente nos condujo al
frenesí, delante de nosotros, había un grupito de 4 o 5 chavos, que en la
penumbra no se veían mayores de 25 años, se abrazaban y en sincronía
iniciaban un balanceo de izquierda a derecha y de regreso, de acuerdo al
ritmo de las melodías, aquello pronto se convirtió en una verdadera
apoteosis, los que traían celular con cámara fotográfica, aprovecharon para
capturar el momento y dejarlo para la posteridad, pronto el ambiente se vio
invadido por una cantidad exagerada de flashazos, mientras tanto, al término
de cada corte, gritábamos, aplaudíamos, chiflábamos, y aullabamos como lobos
en una noche de luna llena, en fin, vertíamos cualquier clase de expresiones
por medio de las cuales exteriorizamos el jubilo de estar ahí, creo que poco
a poco los músicos sintieron nuestra euforia y en una especie de
retroalimentación, se dio una interactividad muy efectiva, ellos haciendo lo
que saben hacer y nosotros celebrando el escucharlos, tal vez no esperaban
ese recibimiento, mucho menos ese festejo que brindábamos a cada una de sus
canciones, al fondo del escenario, en relieve, una pantalla de buen tamaño,
emitía una especie de videoclip para la composición que estuviera
ejecutándose en ese momento, en otras ocasiones solo proyectaba figuras
geométricas llenas de colores psicodélicos asociándose a los inicios
musicales del grupo, pero ahí no paro la cosa, de pronto un juego de luces
inicio su desfile a lo largo y ancho del teatro, en sentido contrario a las
manecillas del reloj, las paredes se iban alumbrando con figuras caprichosas
que cambiaban continuamente, según su forma y la superficie que ocuparan en
su trayecto. Por un instante me imagine que hubiera sido de este recital en
un lugar como el Auditorio Nacional, seguramente hubiese estado más acorde a
la ocasión, pero no era el momento para meditaciones estériles, así que me
ubique y seguí gozando. Volteaba a mi alrededor y veía a mis congéneres
situados en la misma frecuencia que yo, todos hermanados por el rock, en ese
momento nos vimos convertidos en una gran comunidad deseosa de que aquello
fuera interminable.
La guitarra Wilsoniana rugía sin cesar, invadiendo todos los espacios,
sonaba salvaje, sin dejar de ser tierna en donde tenía que serlo, era una
guitarra explosiva y feroz, de atrás de la figura de Wilson, había una
lámpara de luz blanca, que proyectaba una interminable cantidad de chispazos
que llegaban a cegar nuestras pupilas, Gavin Harrison le tupia duro y bonito
a los tambores que retumbaban con un poderoso y especial estruendo, las
percusiones se sumaban en complicidad a las notas de las cuerdas, el resto
del grupo, se agregaba al fabuloso viaje rockero, Colin Edwin y Richard
Barbieri, bajista y tecladista respectivamente, jugando un papel más
discreto, pero no menos importante, conformaban un excelente engranaje de
una maquina de hacer rock, para entonces ya habían desfilado una serie de
magnificas rolas como la bella y sensacional "Lazarus", "Open Car" y
"Shemovedon" del Deadwing, y "Blackest Eyes" del In Absentia, y si no mal
recuerdo, "Lightbulb Sun" y "Last Chance to Evacuate", estas dos últimas de
su etapa psicoldélica, los minutos avanzaban en el inexorable andar del
tiempo, eran casi las diez de la noche cuando el grupo creyó que era momento
de despedirse, dejaron los instrumentos y desaparecieron por la lateral del
escenario, enardecidos, redoblamos la escandalera, al igual que en el
transcurso del concierto, aplaudimos, chiflamos, gritamos; "otra, otra,
otra", no nos resignamos a que aquello quedará ahí, no tuvimos que esperar
mucho para ver reaparecer a los "arboreos", la algarabía hizo explosión y
felices de la vida disfrutamos de dos canciones más que deleitaron nuestros
oídos, el cuerpo no paraba de erizarse, la piel se "enchinaba" y los
corazones latían tan locos que se volvían taquicardicos, yo sentía una grata
y eufórica emoción, el rock para mi es un amigo especial, cuando lo invoco
se vuelve mi fiel compañero, el rock es capaz de unir multitudes en una sola
voz, en un solo alarido, rompe fronteras y enarbola a todas las banderas, no
distingue color de piel ni discrimina a raza alguna, con él, todos nos
sentimos jóvenes en cuerpo y alma, por eso es tan vital en mi existir.
Porcupine volvió a retirarse, confiados pensaron que no los haríamos
regresar por segunda ocasión, que equivocados estaban, a base de prolongadas
palmas y vitoreos reaparecieron, no iba a haber más, así que nos dispusimos
a cerrar con broche de oro, al término de la primera rola de regalo, Steve
Wilson, el líder y prolífico compositor del grupo, el inquieto productor
musical, el hiperactivo rockero, también miembro y fundador del grupo
Blackfield y otros proyectos importantes dentro de la escena de la música,
tomó el micro e inició la despedida, había estado en comunión con todos
nosotros por espacio de poco más de dos horas, esta vez hablo en inglés, era
casi imposible entenderle, la efervescencia era tal que apenas distinguí que
la rola de despedida iba a ser "Trains", el inmueble volvió a estallar y
siguiendo el compás de las notas hasta el final, por fin los despedimos
agradecidos de tan especial espectáculo, fueron los últimos instantes que
estuvimos de pie, tomamos asiento esperando que saliera la audiencia para
evitar las aglomeraciones, empezaron los comentarios;
-- Qué tal eh?
-- Qué chingón tocan en vivo
-- Valió la pena, qué ni qué.
Nos retiramos con un muy buen sabor de boca, satisfechos, contentos de haber
invertido en tan singular noche.
Eran las 10;20 cuando salimos del Teatro, afuera nos recibió una pertinaz
lluvia, fuimos a una tienda de abarrotes a recoger las mochilas que no nos
dejaron ingresar, las playeras se habían agotado, lo cual provoco
lamentaciones, entre ellas la mía, nos juntamos para acordar el regreso, yo
decidí quedarme, para mi apenas empezaba la noche, una noche larga y
hermosa, quienes la compartimos, nos enfilamos al "Metro" y tomamos rumbo al
sur.
Un día después, a las 9 de la noche, emprendí mi regreso, llegue a
Aguascalientes, a las tres en punto de la mañana, era lunes 8 de octubre,
las calles estaban encharcadas prueba de haberse bañado con una abundante
lluvia, para entonces, el cielo lucía despejado, adornado con un precioso
color azul medianoche y salpicado de estrellas que centelleaban.
Creo que si hubiera llovido en ese momento, la lluvia no hubiese mojado mi
cuerpo porque yo seguía inmerso en mi embeleso, protegido por la frondosa y
siempre viva sombra del Árbol del Puercoespín.
ignacio.velazquez
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Unas Palabras Con... Kerry Minnear
UNAS PALABRAS CON... KERRY MINNEAR
De las cenizas de Simon Dupree & The Big Sound, Derek, Ray & Phil Shulman
formaron Gentle Giant y cambiaron el rostro de la música progresiva para
siempre. Un elemento clave de su sonido fue el tecladista/compositor Kerry
Minnear. Su manera de tocar instantáneamente reconocible era el sello del
sonido distintivo de la banda. Coincidiendo con una serie de
remasterizaciones de Gentle Giant en el sello discográfico DRT de Derek
Shulman, Kerry Minnear generosamente concedió a ProgSheet una breve pero
reveladora entrevista
PS: ?Cuál fue el primer instrumento que tuviste?
KM: Una batería de segunda mano que mis padres compraron para mí cuando
tenía 10 años de edad. La armé inmediatamente de manera incorrecta y aprendí
a tocar el bombo con el pie izquierdo, lo cual demostró ser una ligera
desventaja en los años por venir.
PS: ?Qué instrumentos, si es que hay alguno, tocas actualmente?
KM: Toco el piano, la batería y la guitarra para ideas de composición y los
teclados y el bajo cuando tocamos con amigos.
PS: ?Cómo conociste por primera vez a los Shulmans?
KM: Un amigo mío de mi ciudad natal en Dorset iba de aquí para allá con Phil
en la época en que los hermanos estaban terminando Simon Dupree. A Phil le
dijeron que yo recién había terminado de graduarme en composición musical y
me telefonearon. Audicioné y fui invitado a unirme con la nueva banda. Yo no
tenía otros planes y fue una gran oportunidad para mí.
PS: La canción Interview incluye la frase: "After the 4th one, realization."
?Qué era la realización?
KM: No lo sé realmente. Esas eran (como de costumbre) letras de Derek y yo
no estoy seguro de lo que significan. Fue después del 4º álbum que Phil se
fue y cambiamos de administración así que ahí puede haber una conexión.
PS: ?Qué sientes que Derek y Ray trajeron a la banda como escritores?
KM: Ray y yo desarrollábamos ideas y las hacíamos despegar musicalmente.
Podíamos pasar un tiempo cada quien por su cuenta buscando partecitas de
las cuales partir y luego tocarlas para las otros y alentarnos y ayudarnos
unos a otros a desarrollar más las partes, en ocasiones contribuyendo al
trabajo de todos.
Derek con frecuencia se involucraba en dar dirección y líneas vocales y
siempre fue su labor buscar el contenido lírico.
PS: ?De qué manera la partida de Phil cambió la dinámica de Gentle Giant?
KM: Phil es creativo y culto y era el primer responsable de allegar
inspiración de la literatura para los primeros álbumes. Después de que se
fue, Derek se hizo cargo de las letras en una dirección más personal.
PS: ?Después de Civilian, qué disgregó a la banda?
KM: Uno o dos de nosotros decidieron que querían hacer cosas distintas y que
esos diez años habían sido buenos pero que era tiempo de algo nuevo. En lo
personal yo estaba iniciando una familia y fue bueno no estar atado a un
itinerario de viaje.
PS: ?Qué es lo mejor de ya no tocar en una banda?
KM: No estar atado a un itinerario de viaje!
PS: 25 años después de Civilian, ningún integrante de Gentle Giant ha
lanzado un álbum solista o grabado regularmente con una banda, con excepción
del trabajo de John Weathers con Man. ?En ese cuarto de siglo no existió
ningún deseo?
KM: Yo solo puedo hablar por mi mismo y pienso que la energía creativa
combinada de GG era bastante fuerte y muy difícil de seguir individualmente.
He intentado escribir material y parte está disponible en algunos de
nuestros discos de material inédito, disponible en nuestro sitio en la red.
PS: ?Qué es lo que ha ocupado la mayoría de tu tiempo desde Gentle Giant?
KM: Criar tres hijos, allegarme recursos como compositor de medios, maestro
de música y músico de iglesia.
PS: La actual serie de remasters no incluye los primeros cuatro álbumes o
Civilian. ?Podrá hacer algo la banda para adquirir los derechos de estos?
KM: No estoy seguro de la situación legal de esos álbumes.
PS: ?Aparte de los remasters actuales, qué otros proyectos relacionados a
Gentle Giant se están preparando?
KM: Estamos planeando el lanzamiento de nuestro segundo DVD que contiene
secuencias de TV y otras video grabaciones de la banda recién descubiertas.
PS: ?Hay planes de grabar un álbum solista con material nuevo?
KM: No en un futuro cercano, pero vivo con la constante esperanza de
participar en algo nuevo, fresco y emocionante!
PS: ?Algunas bandas recientes que te impresionen?
KM: Me gusta mucho lo que ha hecho Peter Gabriel y cantidad de aportaciones
individuales de varios artistas contemporáneos que me dan alegrías
pasajeras.
PS: Por favor dime 6 CDs que no te cansas de escuchar nunca.
KM: Eso es difícil de contestar porque si amas la manera en que una pieza de
música o canción te conmueve, no quieres adormecer tus emociones
sobreexponiéndote tú mismo a ella. Sin embargo toda mi vida he disfrutado
Fantasia on a Theme by Thomas Tallis de Ralph Vaughan Williams y aunque
trato de guardarla para ocasiones especiales de verdad hace algo por mí.
-©John A. Wilcox
ProgSheet
http://www.progsheet.com/
(Trad. para fines didácticos y de entretenimiento y sin afanes de lucro:
JPL/2007)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: EVOLUCIONA_MÚSICA_2 30 307
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
En Burgos se celebrará EVOLUCIONA MÚSICA 2007, el cual ocupará los cuatro
domingos de noviembre y el primer domingo de diciembre.
Es intención de este ciclo presentar músicas novedosas, arriesgadas,
innovadoras, instrumentales. Se acercan a la ciudad de Burgos 5 grupos que
solo participaran en este encuentro en estas fechas aumentando el atractivo
del festival. Este festival, nace con la idea de convertirse en punto de
referencia nacional e internacional de las nuevas tendencias de la música
instrumental contemporánea de la música arriesgada de vanguardia de calidad
actual. Con este festival, también queremos ayudar a promocionar el museo de
la Evolución humana que será una realidad en al año 2.009 y dar contenido al
auditorio que se construirá en este complejo de la ciudad de Burgos como una
manera más de atraer visitantes.
VENTA DE ENTRADAS:
A partir del día 25 de octubre
Taquillas del Teatro Principal de Burgos: Venta anticipada
Taquillas del Teatro Principal y Clunia: el mismo día del concierto.
Reserva de entradas: TeleEntrada: 947 043 043
Reserva de entradas: enclavedemusica@yahoo.es
INFORMACION Y CONTACTO
ASOCIACIÓN EnClave de Música
Tf contacto 609714253
e-mail: enclavedemusica@yahoo.es
4 DE NOVIEMBRE - TRANSTANGO
20:00
TEATRO CLUNIA
Proyecto conjunto que será presentado pro primera vez al mundo en Londres,
dos días antes del evento de Burgos. Transtango es un concierto multimedia
que reúne al aclamado violinista y compositor Alexander Balanescu y Pablo
Mainetti, uno de los más talentosos compositores argentinos de esta
generación.
Ambos combinarán sus composiciones que serán interpretadas por el Balanescu
Quartet y Pablo Mainetti en bandoneón. La música está integrada en una
proyección cinemática que cuenta la historia de la ciudad, la inmigración y
la constante mutación cultural que generan las ciudades. Transtango habla de
encuentros urbanos evocando la filosofía del tango en el marco visual
londinense
y su población cosmopolita.
Si bien hoy el tango es reconocido internacionalmente por su danza y su
inconfundible estilo musical, para quienes lo crearon fue su cultura, fue el
medio por el cual la nueva comunidad inmigratoria en Buenos Aires buscó una
identidad común en la ciudad emergente y vertiginosa. La evolución de este
fenómeno urbano revela una expresión artística que ha cruzado todo tipo de
barreras a través del tiempo: étnicas, sociales, políticas y hasta
nacionales. La cultura de tango entonces reducida a los márgenes de la
Buenos Aires de fines de siglo XIX, ha tomado luego un espacio central en la
identidad cultural de una nación entera.
Transtango invita a su público a celebrar esta transformación cultural que
el arte hace posible.
CUARTETO
Alexander Balanescu: violín
James Sentón: violín
Katie Wilkinson: Viola
Nick Holland: violonchelo
Pablo Mainetti: bandoneón
FILMACIÓN
Adam Finch Productor y editor
William Hicklin Director
Brendan McGinly Fotografía
Alexander Balanescu nació en Rumania en 1954, hijo de un seminarista
universitario que migró con su familia a Israel en 1969
para escapar al régimen opresivo del dictador comunista Nicolae Ceaucescu.
En consecuencia, Alexander vivió una vida nómada.
Alex Balanescu estudió violín en Londres y en la Escuela Julliard en Nueva
York. Cuando regresó al Reino Unido se unió al Cuarteto Arditti que luego
dejaría en 1987 para formar su propio conjunto, el Balanescu Quartet, el que
adquiriría reputación mundial como uno de los grupos más innovadores de
música contemporánea.
Con este conjunto han colaborado Michael Nyman, Gavin Bryars, Ornette
Coleman, Meter Greenaway, David Byrne, The Pet Shop
Boys, Spiritualized, Kate Bush y Kraftwerk.
Pablo Mainetti nació en Buenos Aires en 1971, y desde los 14 años comenzó a
tocar el bandoneón, tras quedar fascinado con la música del tango. Estudió
composición en el Conservatorio Profesional de Badalona. Y como
bandoneonista ha tocado junto a grandes maestros del tango, como Atilio
Stampone y Osvaldo Berglieri. En su carrera de solista, Mainetti ha
interpretado el Concierto de Piazzola para bandoneón y orquesta con diversas
orquestas europeas.
En su condición de compositor, ha escrito dos ballets: Diario de unas
horas y Gestos del Camino, para la compañía de danzas Lanonima Imperial,
en España. Él también ha compuesto Milonga for Miles, en tributo a Miles
Davis, para trompeta, bandoneón y cuerdas; Tres Rincones, música en tres
movimientos para bandoneón y cuerdas y Fuga Parisina para bandoneón y
orquesta de
cámara. Pablo lidera su propio Cuarteto de Tango. Juntos han grabado Gran
Hotel Victoria y Tres Rincones, que ha sido nominado para el premio
Grammy en 2004.
11 DE NOVIEMBRE - THE BESTER QUARTET
20:00
TEATRO CLUNIA
Hasta el pasado mes de enero el grupo fue conocido como Cracow Klezmer Band
y tocaba únicamente música klezmer tradicional. Fue después de un tiempo,
inspirados por la auténtica música folk que mezclaba elementos
tradicionales de la música judía, el jazz contemporáneo y la música
balcánica, cuando el grupo creó su propio y original estilo único. Se formó
en el año 1997 como iniciativa del acordeonista y arreglista Jaroslaw
Bester; está formado por cuatro músicos con una formación clásica.
A consecuencia del desarrollo de un original y atrevido repertorio, basado
principalmente en composiciones propias o arreglos diseñados específicamente
para la colocación instrumental, el cuarteto consiguió el reconocimiento
entre críticos musicales y audiencia de todo el mundo al ser uno de los
grupos más interesantes de la escena de vanguardia.
The Bester Quartet cuenta en su haber con dinámicas composiciones y
reveladores arreglos. Y es que el conjunto no se limita a las influencias
judías, sino que asimila elementos de las tradiciones balcánica, árabe,
gitana y eslava. El primer trabajo del grupo, titulado De profundis, se
publicó en septiembre de 2000 bajo el afamado sello neoyorquino Tzadik, del
músico norteamericano John Zorn. Se trata de un trabajo que situó a la
Cracow Klezmer Band como uno de los más fascinantes y radiradicales
fenómenos dentro del movimiento de la música judía contemporánea. Un hecho
que motivó a Zorn a repetir con esta formación, ya que en noviembre de 2001
produjo el segundo álbum de la banda, The warriors.
La formación se ha presentado con éxito sobre el escenario al lado de
celebridades como Brave Old World, Anthony Coleman & Sephardic Tinge, The
Klezmatics o David Krakauer, Klezmer Madness. La marca registrada del
cuarteto es el desempeño de la música de una gama estilística vasta que
asimila algunos elementos escogidos pedidos prestados de clásico, la música
del jazz y la vanguardia, inclusive el mejor de logros de la música de
cámara contemporánea en donde la improvisación constituye una base para
construir algunas formas instrumentales extraordinarias.
Discografía:
Remembrance 2007
Balan: Book Of Angels Vol.5 2006
Sanatorium Under The Sign Of The Hourglass.
Toca John Zorn 2005
Bereshit 2003
The Warriors 2001
De Profundis 2000
Formación:
Jaroslaw Bester acordeón
Jaroslaw Tyrala violín
Oleg Dyyak acordeón, clarinete, percusión
Wojciech Front contrabajo
18 DE NOVIEMBRE - LATTIRAIL
20.00
TEATRO CLUNIA
Lattirail inicia su andadura como dúo (Xavier Demerliac y Jean-Stéphane
Brosse). Su universo musical comienza con la creación de un folklore
imaginario y sin fronteras. Componen libremente sin enraizarse en una
cultura precisa. Mezclan todo tipo de sonoridades acústicas y sienten una
gran atracción por crear música para bandas sonoras y espectáculos
coreográficos. En 1996 ve la luz su primer álbum que es como un manifiesto
post-tradicional y en el cual evidencian sus múltiples influencias: ritmos
balcánicos, orientales, músicas circenses y cantos cuasi étnicos.
Han participado en diversas bandas sonoras : Mon meilleur ami (Mi mejor
amigo) de Patrice Leconte, Peau neuve (Piel nueva) de Emilie Deleuze y
Charmants voisins (Vecinos encantadores) de Claudio Tonelli. Han publicado
seis álbumes discográficos. El último Kara Deniz (Mar Negro en turco). Cada
pieza, jugando con varias sonoridades diferentes, permite al oyente ver
desfilar numerosas imágenes y crear una road-movie musical. El Mar Negro lo
atraviesan desembarcando en diversos lugares míticos en los confines de
Europa y Asia. Mezclan sutilmente las culturas y las sonoridades sin
enraizarse en ninguna. En este universo onírico oímos y sentimos la
nostalgia del imperio otomano antes de la República de Kemal Ataturk, el
dolor del delta del Danubio y la actividad nocturna de los grandes puertos.
La crítica musical ha dicho de ellos : Su música es una mezcla instrumental
ecléctica. Mezclan fronteras y geografía con un propósito lúdico. Vemos
desfilar imágenes de películas de Fellini delante de nuestros ojos o
aquellos fotogramas que nos sugiere la música.
Discografía:
Kara Deniz 2007
La Bonne Aventure 2004
La Bolchevita 2002
Cinèma Ambulant 1999
Dancings des bouts des mondes 1997
Musiques des prefectures autonomes 1996
Formación:
Gilles Berthenet trompeta, corneta, trompetilla, tuba, teclado, voz
Alexandre Michel clarinete, clarinete bajo, monocordio, teclado, voz
Xavier Demerliac guitarras, trombón, teclados, piano de juguete, voz, bandas
sonoras
Xavier Milhou contrabajo, percusiones, voz
Eric Laboulle batería, percusiones
25 DE NOVIEMBRE - CHANGO SPASIUK
20:00
TEATRO PRINCIPAL
Chango Spasiuk nació en septiembre de 1968 en Apóstoles, pequeña localidad
de Misiones, una provincia que limita con el sur de Brasil y Paraguay. En
ella conviven y se fusionan en un complejo tejido étnico y cultural, las
comunidades nativas originales (mbya-guaraní), la población criolla y las
colectividades extranjeras llegadas al país a principios del siglo XX, entre
ellas la ucraniana, a la cual Chango está estrechamente relacionado, ya que
sus abuelos eran inmigrantes. La infancia en la carpintería de Lucas, su
papá violinista y de Marcos, su tío cantor; los patios musicales de tierra
colorada, el clima subtropical, la selva, los ríos anchos; los agricultores
de azadas y machetes, las plantaciones de yerba mate, los dúos de cantores.
Todo esto es parte del mundo que hay detrás de la textura poderosa y mística
de su música y su acordeón. Desde un lugar sin prejuicios y absoluta
libertad, hace una mixtura de ricas sonoridades donde también hay schotis,
polcas rurales, rancheras y rasguidos dobles.
En estos festivales se genera un gran interés internacional por el trabajo
de Chango, que deriva en sucesivas giras en los circuitos de la World Music
y también en Festivales de Jazz, lugares donde nunca antes fue tocada la
música del noreste argentino o en los cuales no se conocía nada de este
país. El chamamé es según Chango, de las músicas con más swing que existe
en Argentina, una música que es el resultado de un paisaje, de una forma de
vida en relación con la naturaleza, que expresa la constante lucha de la
alegría con la melancolía.
Chango Spasiuk es compositor de la música que interpreta aunque también toca
clásicos de chamamé, y muchas veces los reelabora incorporando influencias
contemporáneas. La música heredada de los inmigrantes en el Nordeste
argentino, es considerada por Chango como parte del folclore argentino,
parte del patrimonio cultural de todos. Actualmente Spasiuk ha regresado
hacia el sonido acústico, con una formación que incluye percusión,
contrabajo, bandoneón, guitarra y violín, y sus presentaciones en público
incluyen el repertorio de sus tres últimas obras, actualmente reeditadas,
más nuevos temas que forman parte de una nueva etapa que está comenzando.
Ganó el premio al mejor Artista Revelación entregado por la BBC en el marco
de los World Music Awards, premio que recibió en Newcastle, Inglaterra en
marzo de 2005.
Página web: www.changospasniuk.com.ar
Discografía:
The charme of chamamé 2003
Chamamé crudo 2001
Polcas de mi tierra 1999
La ponzoña 1996
Bailemos y
1992
Contrastes 1990
Chango Spasiuk 1989
Spasniuk toca acompañado del guitarrista Sebastián Villalba, el violinista
Víctor Renaudeau y el percusinoista-guitarrista Martín Villalba.
2 DE NOVIEMBRE - KARL SEGLEM
20:00
TEATRO PRINCIPAL
Karl Seglem es considerado uno de los saxofonistas (tenor) y compositores
contemporáneos noruegos más interesantes del momento. Ha ido más allá de las
convenciones establecidas con su perspectiva original y su estilo
improvisatorio. Combinando la riqueza de las tradiciones folclóricas
noruegas con su expresividad personal crea un universo sonoro en el que la
improvisación y la composición se mantienen en equilibrio. Su saxo suena
distinto a lo conocido, gracias a su innovador uso de la respiración, la
resonancia y la sincopización. Seglem también toca los cuernos de cabra
típicos del folclore noruego. Su música abarca un amplio espectro desde la
música folk hasta la libre improvisación y encuentra su inspiración en la
música de cualquier parte del mundo, y naturalmente en los paisajes nórdicos
que lo rodean. Al margen de sus numerosas grabaciones con varios proyectos y
ensambles, ha compuesto obras de encargo y producido discos para artistas
suecos y noruegos, y ha girado por toda Escandinavia, Alemania, Gran
Bretaña, Irlanda, Japón, Bulgaria, Italia, Islandia o Estados Unidos.
En Urbs elabora modernos paisajes sonoros donde la improvisación, la
tradición y la composición tienen la misma importancia. El disco ofrece una
gran variedad de sonidos y ambientes, basándose en la música folk noruega,
para adentrarse en el terreno del jazz. El compositor y arreglista Karl
Seglem ha sacado a la luz numerosos discos y ha participado en giras,
festivales y conciertos como saxofonista tenor y como intérprete del cuerno
de cabra. Se ha servido de la música folk noruega y del violín Hardanger
(instrumento nacional de Noruega) para generar nuevos espacios musicales.
Los críticos musicales le aplican los adjetivos único e innovador. Se le
considera uno de los saxofonistas tenores más vanguardistas de Noruega con
un sonido muy original y una capacidad inigualable de renovarse a sí mismo.
Nunca sigue el camino fácil y esta es una de las cualidades por la que es
altamente respetado. Su extraordinario trabajo y el hecho de tocar el cuerno
de cabra de diferentes formas le han situado al frente de los innovadores
músicos noruegos, debido a su exploración de nuevos territorios sonoros y su
interpretación de los instrumentos tradicionales.
Karl Seglem recrea en el escenario paisajes emocionantes que eliminan
fronteras entre los géneros musicales. Seglem y su banda tocan su propio
jazz étnico con raíces en la música tradicional noruega junto con
improvisaciones y músicas del mundo. Sus actuaciones recrean en la audiencia
nuevas experiencias del norte de Europa: un sonido moderno con tintes de
decorados futuristas electrónicos. En definitiva, buena música con corazón
acústico. Sus álbumes han sido acogidos con entusiasmo por la crítica
especializada en toda Europa.
Discografía:
Urbs 2007
Reik 2005
Femstein 2004
New North 2004
Utla song 2003
Isglem, Fire 2003
Nye Nord 2002
Henriksen, Seglem, Isungset, Daa 2000
Utla, Dans 1999
Spir 1998
Struggle for life 1998
Karl Seglem and Reidar Skår, film music Tya 1997
Jon Fosse and Karl Seglem, 1996
Isglem, Null g 1996
Utla Brodd 1995
Rit 1994
Utla Juv 1993
Utla 1992
Isglem, To Steg 1992
Isglem, Rom 1991
Song a Song 1991
Poems for trio 1988
Karl Seglem, quien además del saxo toca cuerno de cabra y sintetizador, toca
acompañado de Håkon Høgemo (violín de hardanger), Gjermund Silset (bajo
eléctrico y acústico, guitarra eléctrica),
Olav Torget (guitarra acústica y eléctrica), Helge Norbakken (batería,
percusión).
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Autor: alberto benitez <albertogg_prog@yahoo.com.mx>
Asunto: traduccion_del_booklet_del_PLAYING_THE_FOOL
Saludos a todos los cajeros del mundo sean Gentlegiantianos o no.
Alan Kinsman escribió un texto para el PLAYING THE FOOL de los Gigantes
Gentiles del cual me permito traducirlo. Obviamente no pude evitar hacer mis
notas gentlepersonales.
Por años numerosas bandas habían sido etiquetadas como innovadoras,
sorprendentes o estimulantes, pero pocas bandas pueden ser merecedoras de
tales alabanzas como Gentle Giant. Fundado en 1970, produjo música que fue
notablemente original, llena de inverosímiles cambios de atmósferas y de
cambios en los tiempos de los compases y caracterizada por una instrumentación
casi perversa, pero a la vez cohesiva y melódica.
Gentle Giant obtuvo inspiración de abundantes idiomas musicales o formas
musicales, fusionando formas Inglesas clásicas y tradicionales con la inventiva
del jazz y la exuberancia del rock. Sobre todo, su meticulosa técnica en el
estudio produjo un sonido de calidad sin rival y en el escenario lo afloraron
con igual precisión.
Durante los 90 minutos de ejecución, del Playing the Fool, la banda tocaría
casi 30 instrumentos diferentes, cello, violín, vibráfono y flautas dulces
aumentando el arsenal convencional que utiliza cualquier banda (1). Ellos
switchearían desde poderosos y enfatizantes riffs a complejos pasajes
tranquilos con increíble destreza, y su habilidad para reproducir en vivo las
magníficas armonías vocales (2) y arreglos realizados en el estudio que tenían
que ser vistas y oídas para ser creídas. Sus rolas On Reflection y Knots,
de la última parte de la secuencia Excerpts from Octopus, son particularmente
ejemplos claros de su destreza en esta área.
Tristemente, solamente un lamentable y pequeño número seguidores en el Reino
Unido se tomó la molestia de escuchar, desanimados sin duda por la imagen de
intelectuales infumables de Gentle Giant (3).
Lanzado en 1977, el Playing The Fool - su único álbum en vivo en sus diez
años de carrera (4) pudo haber hecho mucho para liberarlos de su inmerecida
reputación de no haber sido por el simultáneo nacimiento del New Wave. Algunos
años antes la excelente técnica llegó a ser aceptable.. pero ya no eran los
tiempos de Gentle Giant. Aquí, por fin, sin embargo, tenemos un exitoso y gran
intento de capturar la energía, inventiva y espontaneidad vivas de Gentle
Giant, probablemente, en su punto más alto de su carrera. A diferencia de
muchas grabaciones llamadas en vivo no hay montajes de pistas en Playing The
Fool (5), fue grabado en la gira europea de la banda entre septiembre y
octubre de 1976.
Gentle Giant nunca se durmió en sus laureles, continuamente desarrollaban sus
ideas de tal forma que muchos de sus números presentados en Playing The Fool
difieren notablemente de su contraparte en estudio. Esta política alcanzó el
cenit en la rola So Sincere (6), la cual evoluciona de su arreglo original en
un extravagante quinteto de percusiones.
En la mayor parte de su tiempo o de su vida, Gentle Gentle estuvo restringido
a un pequeño, pero leal, culto de seguidores en su propia casa, a pesar de ser
grandemente apreciados tanto en Europa como en América. Playing The Fool es
la evidencia que ellos fueron maljuzgados y fueron, quizá, la banda mas
infravalorada de los setentas (7).
Alan Kinsman
AQUÍ VAN MIS NOTAS:
(1) entre las percusiones que ejecutan Kerry y Gary está una especie de
glockenspiel pero más pequeño, en miniatura, minúsculo, y obviamente es más
agudo su sonido. Suena como campanitas, pero no son campanitas.
·a/()!!??+¨-
(2) Yo lo hubiera escrito así: y su habilidad para reproducir en vivo las
magníficas armonías Y CONTRAPUNTOS vocales. Alan Kinsman, quién elaboró el
texto, seguramente no quizo complicar el texto. Lo que predomina en THE
BEATLES, por ejemplo, son armonías vocales. En Gentle Giant lo que predomina es
el contrapunto vocal. Hablando en términos lógico-matemáticos sería como decir:
The Beatles es a Armonía Vocal como Gentle Giant es a Contrapunto Vocal.
÷`ç'>;:%×`Ç'
(3) Yo eliminaría este párrafo en esta parte del texto y lo reubicaría más
adelante de acuerdo con mi nota (7).
\|@#¼½¬_#§\*[]{}
(4) esto da idea de que el texto de Alan Kinsman fue escrito en 1980.
Respecto a su único álbum en vivo en sus diez años de carrera, yo hubiera
escrito el único álbum OFICIAL en vivo en sus diez años de carrera. Por algo
el apellido del Playing The Fool es: THE OFFICIAL LIVE.
(5) Alan Kinsman me inspira en pensar que existen discos y DVDs en vivo de
otros grupos (y de GG) en que los tracks grabados se regraban, se retocan, se
editan algunas partes o se doblan voces o instrumentos y un largo etcetera. Yo
le creo.
(6) Otros arreglos (no improvisaciones) ejecutados por Gentle Giant en vivo
que no aparecen en la versión correspondiente en estudio son: el arreglo del
inicio y final de On Reflection; el dueto de guitarras españolas de Gary y
Ray en The Boys in the Band, los arreglos para Knots, el cuarteto de
recorders de Advent of Panurge, el solo de vibráfono en Funny Ways y el
Organ Bridge que solían ejecutar para unir Knots y Advent of Panurge. En
Gentle Giant, los casos que mencioné no son improvisaciones sino arreglos en
toda forma.
(7) Yo lo hubiera escrito así:
DICE EL TEXTO
En la mayor parte de su tiempo o de su vida, Gentle Gentle estuvo restringido
a un pequeño, pero leal, culto de seguidores en su propia casa, a pesar de ser
grandemente apreciados tanto en Europa como en América. Playing The Fool es
la evidencia que ellos fueron maljuzgados y fueron, quizá, la banda mas
infravalorada de los setentas.
DEBERIA DECIR EL TEXTO (ver mi nota número 3)
En la mayor parte de su tiempo o de su vida, Gentle Gentle estuvo restringido
a un pequeño, pero leal, culto de seguidores en su propia casa, a pesar de ser
grandemente apreciados tanto en Europa como en América. Tristemente, solamente
un lamentable y pequeño número seguidores en el Reino Unido se tomó la molestia
de escuchar, desanimados sin duda por la imagen de intelectuales infumables de
Gentle Giant. Playing The Fool es la evidencia que ellos fueron maljuzgados y
fueron, quizá, la banda mas infravalorada de los setentas en su propia casa.
Para mí creo que así tiene más contexto y sentido. Por supuesto que Alan
Kinsman tuvo sus motivos para escribirlo como lo escribió.
Saludos de un sincero GentleFan desde México, DF
Alberto Benítez Baena
Octubre 25, 2007
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Autor: Tomas Casanova <tfcc2003@yahoo.com>
Asunto: Nace supergrupo: UKZ !. -
Saludos de fin de semana !!.
Expectativa...grande !!.
http://www.ukzband.com./
Announcing "UKZ" -- the definitive musicians' band, formed by keyboard
and electric-violin legend Eddie Jobson. Returning from a self-imposed
27-year retirement from band and touring activity, the reclusive
progressive-music pioneer and 'UK' co-founder set out to find the same
caliber of next-generation musicians for the new UKZ project that
would equal or surpass the talents of his previous colleagues and
collaborators--an impressive list that includes Frank Zappa, Robert
Fripp, Bill Bruford, Phil Collins, John Entwistle, Ian Anderson, Simon
Phillips, Terry Bozzio, Allan Holdsworth, and Tony Levin.
Jobson -- who was born and raised in the Durham area of England -- has
hand-selected a truly international dream-band of virtuosos from
around the world:
Aaron Lippert -- a citizen of Belgium, but born and raised in New York
-- the former lead singer and songwriter for Columbia recording
artists Expanding Man.
Trey Gunn -- a Texas native, currently residing in Seattle -- a
ten-year veteran of King Crimson and the leading exponent of the Warr
touch guitar.
Alex Machacek -- from Vienna, Austria -- an award-winning guitar
prodigy and composer.
Marco Minnemann -- from Hannover, Germany -- a drumming phenomenon of
unparalleled virtuosity.
Fittingly, for an international 21st-century band that formed on the
internet, the group are working together digitally, exchanging music
and video files electronically from their respective cities. Their
self-titled debut album is slated for release in February 2008, and
the "One City World Tour" special-event premier concert will take
place on January 25, 2008 in Los Angeles [details to be announced].
Also at the L.A. concert will be the world premier of Tony Levin's
"Project Sticks," with stick player Michael Bernier joining Tony,
along with former King Crimson drummer Pat Mastelotto.
Saludos desde San Josè, Costa Rica,
Pura Vida,
Tomàs Casanova.
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