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La caja de musica Number 0786
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #786 junio 2007 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* JAN_AKKERMAN_AND_THIJS_VAN_LEER__"Focus"
* Yes Union 1991
* LCDM: John Coltrane - A Love Supreme (1964)
* 785
* New Triumvirat y ELP
* Symphony X en Colombia
* Set List Turn It On Again - Genesis
* Manticornio actualizado - 17 de junio
* La Desooorden "La Isla de los Muertos"
* La Desooorden "Ciudad de Papel"
* Letras de Le Orme
* Monterrey Prog Fest - 29 de junio
* Octavio Castillo - concierto de 30mo. aniversario
* William Gray en vivo
* FLOR_DE_LOTO_en_la_prensa_limeña
* Genesis - A Trick of the Tail (SACD / CD HIBRID / DVD)
* Guadalcaiman el 17 de agosto
* PORCUPINE TREE "UP THE DOWNSTAIR" (1993)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: JAN_AKKERMAN_ 26_THIJS_VAN_LEER__ 93Focus 94_
JAN AKKERMAN & THIJS VAN LEER: Focus (1985)
Temas
1. Russian Roulette
2 King Kong
3. Le Tango
4. Indian Summer
5. Beethovens Revenge (Bach-One-Turbo-Overdrive)
6. Olé Judy
7. Whos Calling
Jan Akkerman: guitarras eléctricas, acústicas y sintetizada, secuenciador,
sintetizador
Thijs van Leer: pianos, sintetizadores, piano eléctrico, órgano, flautas,
canto
Colaboradores: Ed Staring (programación de sintetizador Fairlight), Tato
Gómez (bajo en 1 y 4), Ruud Jacobs (bajo en 5), Ustad Zamir Ahmad Khan
(tabla en 4), Sergio Castillo (batería en 3).
Como al mundo del progresivo también le da sorpresas la vida, los dos
antagónicos colegas del Focus clásico se reunieron a mediados de los 80s
para concebir y registrar al alimón un disco titulado
bueno, Focus. La
razón de ltítulo es obvia mas me imagino que no hubiese hecho daño poner en
práctica un poco más de imaginación para que se les ocurriera otro título.
En fin
Frente a la liviandad de Mother Focus y el ingenio decaído de
Focus con Proby (pasamos un poco por alto la inconsistencia del
recopiolatorio de emergencia Ship of Memories dada la gran calidad
artística de casi todos sus temas), este disco Focus ayuda a recuperar la
esencia de Focus con un sonido moderno, muy emparentado con las claves del
art-rock y el jazz de la década de los 80s. También es un síntoma crucial
el que Van Leer decidiera dejar en segundo plano al órgano Hammond a favor
de los sonidos digitales de los sintetizadores Fairlight, Roland y Yamaha.
Otro factor notorio es el uso de baterías programadas (y cuando es humana,
electrónica), lo cual de hecho ya pone en guardia a muchos puristas fans de
Focus. Yo, por mi parte, percibo que el uso de esta maquinaria rítmica está
suficientemente abierto a los matices melódicos desarrollados en las
composiciones y a las agilidades de los jams: es como si la producción se
hubiese encargado de que lo mecánico se sintiera menos, no inundara los
ambientes. El dúo nunca apela a la frivolidad del tecno-pop ni al gancho
facilista del tecno-rock (la tan vapuleada versión ochentera del glam-rock):
lo suyo sigue siendo aquí un progresivo consciente, marcado por cadencias
jazzeras y con suficiente espacio para que las improvisaciones de turno
oxigenen las ideas básicas.
La música contenida en este repertorio tiene muchos rasgos reconocibles de
la visión musical de Van Leer dentro de Focus, así como de la línea de
trabajo esencialmente jazzera que Akkerman había desarrollado en su propia
carrera solista desde su partida de Focus. Las composiciones guardan una
honestidad palpable, con ideas musicales amables y mayormente asequibles,
pero, con todo, muy a tono con la clase usual de ambos genios cuando están
en sazón. De hecho, creo que casi todos estos temas hubieran podido muy bien
formar parte de algunos de los últimos discos de Focus para salvarlos de su
general mediocridad e insulsez. La cadencia lírica estilizada de Russian
Roulette, la misma que luego vendrá realzada con incrementado esplendor en
el melancólico tema de cierre Whos Calling, nos brinda la disciplinada
visión melódica de Van Leer así como de la prestancia infinita que demuestra
Akkerman en sus fraseos más controlados. De hecho, Whos Calling tiene
mucho de esa melancolía que tan recurrentemente ha llenado los paisajes
sonoros de los temas titulados Focus. La limpieza con que Van Leer ejecuta
sus evocativas líneas de flauta nos aseguran que su visión musical sigue
intacta a pesar de la nueva tecnología; y qué decir de los fraseos de
Akkerman, llenos de frescura y portando una soltura acomodada a las
exigencias del tema. Russian Roulette porta un aura menos solemne, pero
sin duda, desde esas primeras notas de guitara y piano, nos ofrece una
exquisita entrada a este Focus momentáneamente renovado. Las dos primeras
composiciones de Akkerman están más orientadas hacia el jazz-fusión de
régimen estilizado. King Kong se basa en floridos juegos de acordes a dos
guitarras acústicas, mientras que la flauta vuela juguetonamente con un
tenor inocultablemente candoroso. Esta bella pieza nos trae aires alegres de
Latin-jazz sin exaltamientos. Por su parte, Indian Summer nos trae un
reciclaje de tópicos del folklore hindú con una gran presencia de sonidos
sintéticos (guitarra sintetizada y sintetizadores) utilizados con buen
gusto.
Le Tango y Olé Judy son sendos aportes de Van Leer. El primero es un
tema progresivo basado en tópicos tangueros, donde el piano y las cuerdas
sintetizadas marcan la orquestación central sobre la cual se pasean los
punteos y riffs de guitarra. Un tema simpático y con gancho que Focus tocó
en Argentina durante su gira latinoamericana hace uno años. Olé Judy es
aun más ameno, algo así como una retoma de las piezas más ágiles del primer
Focus (Sylvia, Harem Scarem), aunque sin cantos extremos y con una línea
popera más marcada. Es una pena que el fade-out llegue para el ocaso de un
estupendo solo de guitarra que nos deja con parte de la miel en los labios;
bueno, al menos llegamos para un bonito solo de flauta que antecede al solo
final antes mencionado. Beethovens Revenge es un extenso ejercicio de
funky-jazz que nos remite a Glider (la mejor versión del horrendamente
muermo Mother Focus) y al Akkerman solista de fines de los 70s. Este jam
puede, es verdad, sentirse innecesariamente extenso largo con sus 10 minutos
que dura en la edición de vinilo, pero por otra parte, creo que el oyente
empático disfrutará de los solos de guitarra, ornamentos de teclado y
armonías de flauta que van emergiendo mientras los motivos centrales se
recrean continuamente. Imaginemos la sensación de los oyentes (los
complacidos y los aburridos) ante la versión de casi 19 minutos publicada en
el CD
en fin
La versión de CD trae también una edición expandida de Whos
Calling (14 minutos en vez de los 7 del vinilo), pero su efecto es el
contrario, esto es, el de realzar la vibración sosegada y reflexiva de la
pieza.
En mi opinión este disco es bastante bueno, haciendo guiños a la grandeza de
la primera etapa de Focus y recibiendo mucho de sus activos, aunque sin
lograr igualarla realmente. En todo caso, yo considero a este repertorio de
Focus como un sucesor de Hamburger Concerto mucho más digno que lo que
se ofreció mayormente durante la etapa post-Akkerman. Teniendo en cuenta
que, a su vez, este disco se enmarca claramente en la sonoridad
estandarizada de los 80s, podemos ver en Focus un testimonio de cómo este
grupo hubiera podido concebir discos más que dignos en una década en la que
los sobrevivientes daban inconstantes tumbos creativos o renunciaban a su
propia herencia. Akkerman y Van Leer lograron, en este momento de ocasional
reconciliación, recapturar una paret genuina de la añeja y peculiar llama
esplendorosa de Focus.
César Mendoza
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Autor: "Raul Bonilla" <RBonilla@hutchingsap.com>
Asunto: Yes Union 1991
YES:"UNION"
Saludos a todos(as)
Estaba leyendo las reseñas y críticas de este disco de Yes y se me
ocurrió compartirles algunas cosas sobre el Onion, digo Union.
En 1991 tenía 15-16 años y apenas estaba empezando en el mundo
progresivo. Me apasionaba sobretodo Pink Floyd. Pero un buen día
llegaron a mis manos dos copias en cassette de Fragile y Close To The
Edge. Podrán imaginar lo que sentí al oirlos. Magia total.
Fue entonces que compré con mis ahorros el ABWH ya que eran 4/5 partes
de las obras anteriormente mencionadas. Y para tener el panorama
completo (según yo) grabé el 90125 con los YesWest.
La verdad ambos trabajos me gustaron bastante, cada cual a su manera.
Fue entonces que de rebote me enteré que ambas facciones habían
lanzado el Union.
A mucho esfuerzo me hice de una copia esperando escuchar lo mejor de
ambos mundos...la verdad me gustó...hasta que lo volví a oír cundo
compre el CD hace unos 2 o 3 años. Ya no sonaba tan bien, de hecho
nada bien.
?Cual es el problema? Hay varios:
1. Las canciones de ABWH se van en nombre porque en realidad son de
Napoleón Anderson y Jonathan Elias. Para peores eliminaron las
contribuciones de Wakeman y Howe y las rellenaron con músicos de
sesión.
2. Las dos canciones de Rabin, The Miracle of Life y Saving my Heart son
demos. SI SON DEMOS. Rabin se sorprendió de que las incluyeran así
como estaban por que lo que oímos son maquetas con uno que otro
arreglo para disimular la cosa.
3. The More We Live es un proyecto de Squire con Sherwood y nadie más
toca en él. Las guitarras son de don Billy no de Trevor Rabin. Y
apuesto lo que sea que los teclados no los toca Tony Kaye.
4. El disco se fabricó...perdón se hizo en poco tiempo por que a
todos menos 6 miembros de la "banda" (el que adivina los nombres de esos
6 caballeros se gana un premio) tenían prisa de lanzar el álbum al
mercado.
En fin...Yes hizo mejores cosas antes y después. Que inocente era yo
hace 16 años...me creí el cuento de la Unión...
Saludos desde Costa Rica
Raúl Bonilla
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Autor: "Roberto I. Quesada" <saytra@racsa.co.cr>
Asunto: LCDM: John Coltrane - A Love Supreme (1964)
John Coltrane : "A Love Supreme" (1964)
Nunca en la historia musical un artista de jazz, a excepción de Miles Davis,
ha tenido tanta influencia en géneros musicales tan diversos como lo ha sido
John Coltrane, ejemplo de ello es su influencia en el estilo "canterbury",
fusión, avant-garde, minimalismo, bossa nova, trip-hop, etc.
Trane, como lo llamaban sus allegados, siempre se caracterizó por romper
reglas en todo el sentido de la palabra y de buscar un constante equilibrio
espiritual, ello se nota más en su último periodo con los discos que grabara
para el sello Impulse (imprescindibles a toda costa). Siempre fue un tipo
decidido a abandonar las pautas del jazz moderno y de seguir otros caminos
como la vanguardia y el jazz libre, lo mismo hicieron Albert Ayler, Archie
Sheep, Eric Dolphy, Don Cherry, Ornette Coleman, Cecil Taylor, Sun Ra, entre
otros.
Con su tríada de músicos desde 1960, Mcoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy
Garrison grabaría la que es hoy su obra más conocida, A Love Supreme,
compuesta en forma de suite, divida en cuatro secciones y todas basadas en
un acorde - lo mismo hizo Beethoven en su 5ta sinfonía -.
Todas las piezas son bastante equilibradas en cuanto a sincopado se refiere
con ciertos guiños al free-jazz y un tanto al 4/4 de carácter "rockn'rollico".
En "Acknowledgement" escuchamos la voz grave de un Coltrane meditativo que
recita el título del álbum varias veces y un trabajo espectacular de Jones
en la batería. "Resolution" posee una apertura mántica donde predominan
ciertos elementos de música de la India y en donde Tyner explaya a más no
poder su estilo dodecafónico. Las dos últimas piezas son como una especie de
exorcismo musical donde todos parecieran representar bravura y catársis a
través de sus respectivos instrumentos, solo escuchen la batería en
"persuance".uff!!
Tracks:
1. "Part 1: Acknowledgement" - 7:47
2. "Part 2: Resolution" - 7:22
3. "Part 3: Pursuance" - 10:45
4. "Part 4: Psalm" - 7:08
A Love Supreme indiscutiblemente es una de las obras maestras de la música
en general y uno de los discos emblemáticos de la década de los sesenta.
---
Roberto I. Quesada
SJ, Costa Rica
mail: saytra@racsa.co.cr
blog: http://ideasmecanicas.blogspot.com/
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Autor: "Anibal Maraschi" <maraschi@ciudad.com.ar>
Asunto: 785
En la LCDM #785 el amigo Alberto Albas le preguntaba/comentaba al amigo
Kevin Palmer:
"En fin, cada uno que disfrute la música como quiera, pero se me hace
difícil
de entender la renuncia a cualquier tipo de material nuevo si no vienen de
esas bandas de sexagenarios (que por otra parte son las favoritas de casi
todo el mundo y me incluyo), pero casi que vale la pena reconocer que su
época ya pasó y hay otras alternativas, ?no crees?."
Y yo me atrevo a preguntar, y sin animo de inmiscuirme en una charla a la
que no me han llamado:
" hariamos la misma pregunta a alguien que gusta de la musica de Paganini o
de Mozart ? . Son estos oyentes "nostalgicos", "cerrados a todo lo nuevo que
se hace"?. Estan esas obras pasadas de moda?.
Comento esto por que yo soy de los que no encuentran mayoritariamente cosas
recientes ( me gusta utilizar mas "recientes" que "nuevas" ) que me agraden.
Y es mas una suposicion , aunque hay muchas obras que intuyo recientes que
si me gustan, pero como no miro las fechas de hechura no se realmente cuan
"viejas" o "nuevas" son. Trato de saber prioritariamente si son buenas o
malas, segun mi criterio , claro. O mejores o peores si se quiere. Primero
escucho, y luego compro o no compro. No pregunto fechas. El año en que fue
hecho algo solo me interesa al comprar automoviles. No uso ese criterio para
comprar arte.
Un saludo a todos
Anibal Maraschi
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Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda
Asunto: New Triumvirat y ELP
alejandro_f_lopez@hotmail.com
New Triumvirat y ELP siempre tuvieron puntos en común en cuanto a sonido
y melodías, pero... ???New Triunvirat cometió plagio???? Comparen la
melodía de la parte cantada de "The eartquake" de Pompeii (1977) y la
parte cantada de "The Sheriff" de Trilogy (1972) ... Para mi, son casi
idénticas.
Abrazos
Ale.
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Autor: Jose Guillermo Martinez <memo_percusion@yahoo.com>
Asunto: Symphony X en Colombia
CON symphonyx_jun07; Symphony X; en Bogota, junio 2007
Symphony X en Bogota, junio 2007
Hola Cajeros,
Anoche 19 de Junio tuvimos la oporunidad en Colombia de ver en nuestra capital
Bogotá a la banda líder del Neoprogresivo Symphony X. He sido a través de los
años un amante de esta banda, de todas sus complejidades en la música y también
de sus simplicidades más Heavy.
Es la primera vez que estos musicos se acercan por acá a las hordas
latinoamericanas y ya pueen imaginar las ansias nuestras por verlos. Pero, el
concierto no fue lo que muchos esperábamos. Tocaron aproximadamente 2 canciones
de cada uno de sus álbumes más recientes. Esto es realmente poco, un concierto
de una hora y 15min de duración no es lo que la escena colombiana progresiva
esperaba de estos grandiosos musicos. Empezaron con temas del "Divine" (Sea of
lies, Of sins ad shadows) tocaron del nuevo álbum "Paradise Lost" los primeros
3 tracks del "Twilght" sólo sonó "Smoke and mirrors" y del "V" 2 tracks
(Evolution y Communion and the Oracle) y del "Odyssey" tocaron "Inferno, King
of terrors" y terminaron con la suite homónima del álbum absolutamente
completa, 25 min de música. El sonido no ayudo, yo me encontraba muy cerca de
la consola del ingeniero de sonido y creo que él tampoco lo disfruto.
Ahora, si comparamos esto con las 3 horas y media de concierto de Dream Theater
hace menos de seis meses... Symphony queda muy mal parado... muy mal.
Es obvio que estos son unos grandes ejecutantantes de sus instrumentos y no
cabe duda que Michael Romeo es un gran guitarrista muy limpio Jason Rullo su
baterista es una máquina de precisión Esta banda definitivamente le debe
muchísimo a su cantante Rusel Allen este frontman es el que le quita el
aburrimiento a esta banda en escena que canto todo el concierto si parecet
estar cansado en ningún momento. Todos estaban tan preocupados por sus asuntos
de ejecución que parecían no disfrutarlo. Pero la precisión de todos y limpieza
es totalmente admirable.
En definitiva abro una pregunta ?Vamos a los conciertos a escuchar las bandas
tocar exactamente como suenan en los cd o vamos a ver las bandas hacer un show
donde su puesta en escena y su actitud es lo que cuenta?
Bueno espero den respuestas,
desde Bogotá, Colombia
Jose Guillermo Martínez
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Autor: "Raul Bonilla" <RBonilla@hutchingsap.com>
Asunto: Set List Turn It On Again - Genesis
Estimados Cajeros y Cajeras
Por si tenían alguna curiosidad sobre lo que está interpretando
Genesis en su nueva gira a continuación les presento los temas del set
list:
Behind the Lines / Duke's End
Turn It On Again
No Son Of Mine
Land of Confusion
In The Cage / Afterglow
Hold on My Heart
Home by the Sea / Second Home by the Sea
Follow You Follow Me
Firth of Fifth / I Know What I Like
Mama
Ripples
Throwing It All Away
Domino
Drum Duet / Los Endos
Tonight Tonight Tonight
Invisible Touch
I Can't Dance
Carpet Crawlers
Si no me falla la memoria hay por lo menos un tema de cada álbum desde
1973 a 1991. Como siempre solo se acordaron de Afterglow a la hora de
seleccionar que tocar del Wind And Wuthering.
No pensé que incluyeran Ripples y me imagino que no tocan la
introducción de piano de Firth of Fifth. Lo demás era lo de esperar.
Saludos desde Costa Rica,
Raúl Bonilla
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Manticornio actualizado - 17 de junio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente les transcribo la lista de nuevas informaciones (mayormente,
reseñas) incluidas en el sitio mexicano Manticornio incluidas el 17 de
junio. Como siempre, la visita recomendada es a la dirección
www.manticornio.com .-
" junio 17, 2007:
sección Artistas:
4FRONT + Gravity + Radio Waves Goodbye
ALIAS EYE: A Different Point of You
ARENA: Songs from the Lions Cage
CAJA DE PANDORA: Caja de Pandora
CHAIN + Reconstruct
CRYPTIC VISION + Moments of Clarity
DEEP PURPLE: Made in Japan
DOL AMMAD + Ocean Dynamics
FRAMESHIFT: An Absence of Empathy
GENESIS + Nursery Cryme + Foxtrot
The GOURISHANKAR + 2nd Hands
MANNING + One Small Step
Le ORME: Florian
SHUB-NIGGURATH: Les Morts Vont Vite
UNITOPIA + More than a Dream
URIAH HEEP: Demons and Wizards
Mike VISAGGIO + Starship Universe.
actualización de entradas anteriores:
Le ORME.
sección Literatura:
Isaac ASIMOV. "
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: La Desooorden "La Isla de los Muertos"
LA DESOOORDEN: La Isla de los Muertos (2004)
Temas
1. La Transformación Del Mito
2. REFLEXIÓN (Pardos Fueron Frente Al Mar)
3. FESTEJO (Algo Tenía Que Ver La Luna)
4. PENUMBRA (Pero Dios Los Visita De Vez En Cuando)
5. TRAICIÓN (Me Pregunto Entre Todas Las Preguntas)
6. ENVENENAMIENTO (En Los Ojos De La Muerte)
7. Caleta Tortel
8. RESUREXIÓN (Seguramente Encontraremos)
9. RECUERDO (Las Palabras Viajan En El Viento)
10. Bajo Pisagua
11. ESPERANZA (Lo Que Ha Quedado Es Sólo Esto)
Integrantes
- Alfonso Banda: guitarras, trompe
- Rodrigo González: batería, percusión
- Fernando Altamirano: voz, trutruca
- Meter Pfeifer: saxofones tenor, barítono y soprano, máquina de escribir
- Francisco Martín: bajo, piano, máquina de escribir, bombo legüero
- Karsten Contreras: voz
Colaboradores Benjamín Ruiz (violín), Christian Rebolledo (guitarra)
Uno de los grupos más ingeniosos y enérgicos de la escena rock-fusión
chilena actual, La Desooorden hace un claro homenaje a su nombre
distorsionado con su disco conceptual La Isla de los Muertos planteando
una mirada crítica a la destrucción del medio ambiente en aras de la
expansión tecnológica-industrial-comercial, este repertorio busca cuestionar
el orden socioeconómico actual que pretende imponer su lógica a los cada vez
más depredados lugares naturales y decir mensajes ricos a la conciencia a
través del arte musical. La historia específica en la cual se basa este
concept-disc es la que transcurre entre 1903 y 1906 en los terrenos cedidos
a la Compañía Explotadora del Baker, finalizando con la muerte de 200
personas entre hombres, mujeres y niños, y su posterior entierro en un
cementerio improvisado entre dos brazos del Río Baker a una distancia de 30
minutos de Caleta Tortel. (palabras del baterista Rodrigo González). La
obra poética de Manuel Zúñiga inspirada en este dramático momento del
proceso así llamado modernizador de Chile es la base para las letras del
disco. Como puntos de referencia para los lectores, puedo señalar que el
sonido global de La Desooorden combina la frescura de Maldita Vecindad con
la exquisita gracilidad de Congreso y las amplitudes psicodélicas de Koiak y
Mar de Robles (en sus facetas más explosivas). Precisamente resulta un plus
el que esta obra sea un disco conceptual, o sea, que presente una sucesión
fluida a través del repertorio, para que así el grupo pueda explotar a sus
anchas los contrastes entre los pasajes más extrovertidos y los más
intimistas, los más tensos y los más lánguidos.
El disco comienza con una introducción ensoñadora de piano y violín, una
sonoridad que recién ve explotado su caudal de misterio cuando emergen los
relatos flotantes de los espíritus del limbo. Es allí donde lo onírico se
torna tétrico, como un testimonio emitido por voces escondidas para un
receptor llamado a ser perturbado desde lo más íntimo de su consciencia,
tanto por la sordidez del relato mismo como por la naturaleza ultraterrena
de las voces, quejidos y plegarias. Pardos Fueron Frente Al Mar nos
enfrenta por primera vez al sonido propio del ensamble en pleno. La rica y
firme labor de la dupla rítmica (realzada por la versatilidad diversa de
González a la hora de aportar sonidos percusivos varios) se erige como un
protagonista peculiar dentro del sonido grupal, aunque con esto no quiero
para nada discriminar los ingeniosos vuelos de los saxos de Pfeifer ni los
continuos abordajes de guitarra que Banda sabe suministrar con fina energía.
Los dos vocalistas comparten de manera comprometida la labor de transmitir
la historia alternando recitaciones y cantos en verdad, las primeras son
mayoritarias, cuantitativamente hablando, con lo cual se logra concretar la
magia dramáticamente teatral con la que se aborda el concepto del disco.
Algo Tenía Que Ver La Luna mantiene el momentum asumiendo la estrategia de
reforzar el factor jazzero dentro del sonido grupal: es una pieza con gancho
explícito, aunque no por ello exento de complejidad performativa actualizada
con buen gusto para no estorbar en la sazón contagiosa del compás rítmico
básico. Pero Dios Los Visita De Vez En Cuando nos envía por parajes
sonoros más melancólicos y reflexivos, lo cual se siente como apropiadamente
conectado con la alusión contemplativa del título. Me Pregunto Entre Todas
Las preguntas nos muestra la faceta más agresiva y visceral dentro de la
línea más extrovertida de La Desooorden, gestando así un alucinado clímax
para el ambiente generado inicialmente en Pero Dios
. De inmediato, En
Los Ojos De La Muerta nos brinda una recapitulación conjugada de los
ambientes mostrados en las piezas 2 y 3. Caleta Tortel es un exquisito
efluvio exótico guiado mayestáticamente por el violín de Ruiz, un invitado
de lujo que sabe cuándo asumir un rol preferencial con total soltura.
Seguramente Descubriremos nos vuelve a mostrar la desnudez más agresiva
del grupo, aunque matizado con interludios en los que la energía se reviste
de calculada sofisticación, con aires casi marciales, así como por un final
que tiene más de evocativo que de incendiario. Las Palabras Viajan En El
Viento también tiene una predominante aura lírica a través de los refinados
recovecos jazzeros marcados por la sección rítmica. Bajo Pisagua, al igual
que Caleta Tortel, es otro interludio relajado, casi onírico, portador de
una belleza serena, y una vez más, marcado por el rol protagónico del
violinista Ruiz. El disco concluye con Lo Que Ha Quedado Es Sólo Esto, una
pieza donde lo evocado se siente como algo ido aunque dejando una huella, el
testimonio de los 100 + 100 muertos que ansían regresar al lugar del cual
fueron extirpadas sus presencias físicas y a los cuales solo queda relatar
sus circunstancias. El compás semi-lento de este tema de clausura ayuda a
recrear eficazmente el ambiente de nostalgia provocadora que se vierte en
las letras, acompañado por los vuelos sutiles del saxo.
La Isla de los Muertos es un CD de formato interactivo (solo se revela
cuando se pone en el ordenador), conteniendo imágenes de la selva, además de
créditos de la instrumentación y las líricas correspondientes a cada pieza
del repertorio. También hay fotos del grupo viajando al lugar de los hechos
(empapándose de los testimonios dejados en los viejos árboles, las duras
rocas, los musgos, las aguas de corrientes y cascadas, las vías y canales,
la flora, las nubes que fungen como puentes entre el cielo y la tierra);
realizando las sesiones de grabación; aves de la zona; wallpapers... Este
recurso ayuda bastante a ubicar al oyente en una ambientación más
intensificada respecto a este viaje musical por un pedazo particularmente
sórdido dentro del proceso de modernización forzada de Sudamérica. Pero
bueno, si consideramos a este trabajo estrictamente desde una óptica
musical, resulta ser toda una obra majestuosa dentro de la actual escena
rock-fusión en estos lares. La Desooorden se revela como una fuerza creadora
que merece total atención de parte de los auténticos apreciadores del rock
experimental con elementos autóctonos del folklore latinoamericano.
César Mendoza
Agradecimiento a Francisca Caballero S., de Demúsica.cl, por la inspiración
al iniciar el borrador de la presente reseña.
Addendum: La Isla de los Muertos se basa en un texto del poeta chileno
Manuel Zúñiga, quien en sus versos narra la escalofriante historia de los
hechos ocurridos entre 1903 y 1906 en el territorio cedido por el Estado de
Chile a la Compañía Explotadora del Río Baker (actual XI Región) que terminó
con la muerte de una cantidad indeterminada de personas, de 100 a 200, entre
hombres, mujeres y niños. En este caso fue la totalidad del "enganche" de
hacheros chilotes y sus familias, llevados hasta la remota región de Caleta
Tortel, donde una vez realizado el trabajo habrían sido asesinados para no
pagarles el salario acordado. La versión que circula con más fuerza es que
se les habría envenenado el pan. Para esto se entregó al panadero del
campamento una sustancia que debía agregar al amasijo de harina. De esta
manera el causante inocente de estas muertes, paradójicamente fue el propio
"baker", panadero en inglés. Los cadáveres de estos infortunados fueron
sepultados en una isla del delta del río Baker, próxima a Caleta Tortel,
conocida por ello como la Isla de los Muertos. Las crecidas del río durante
el siglo transcurrido fueron desenterrando y llevándose a muchos de estos
muertos hasta el mar. De allí la imprecisión sobre la cantidad de ellos. Aun
cuando nunca se haya conocido la causa de estos fallecimientos simultáneos,
la historia es verídica. Hoy día yacen 30 muertos en el destartalado
cementerio con algunas cruces de buena madera de ciprés, para señalar el
lugar de la tragedia.
Está aún pendiente la revisión histórica de la explotación y los crímenes
contra aborígenes y obreros por el hombre blanco en las inmensas estepas
patagónicas y en tantos lugares ubicados en remotas islas del austro
chileno. El poeta Zúñiga, a través de su verso encantado, rodeado de
misterio y envuelto en las brumas y lluvias del sur, nos va develando una de
estas historias que los jóvenes artistas de La Desooorden han trasladado a
la música para ser cantada. Así, ellos tratan de ajustar cuentas revelando
uno de los muchos episodios de engaños, traiciones y crímenes que
ensombrecen la historia del hombre en nuestras tierras australes.
[Tomado de la página web de Revista Musical Chilena:
http://www.scielo.cl/scielo.php?pid S0716-27902005020400014&script sci_arttext]
Consultar también el artículo de Virginia Vidal publicado en el enlace
http://virginia-vidal.com/anaquel/printer_280.shtml
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: La Desooorden "Ciudad de Papel"
LA DESOOORDEN: Ciudad de Papel (2007)
Temas
1. Fumarolas del Alma
2. Ciudad de Papel
3. El Llamado del Totoral
4. El Gran Acuerdo
5. Migraciones Eternas
6. La Voz De Los Niños
7. Acción Por Los Cisnes
8. Tralcao (Lugar de Truenos)
9. Homínidos (Historia de Seres Nerviosos)
10. Los Trabajadores
11. E-N-E-U-J (Esto No Es un Juego)
12. Boletos Para Ir
Integrantes
- Alfredo Banda: guitarras eléctrica y e-bow, percusiones de niño en 6
- Fernando Altamirano: voz, trutruca en 2
- Francisco Martín: bajo, piano, trompe, didgeridoo en 6, motosierra en 10
- Karsten Contreras: voz, ocarina en 1 y 6
- Peter Pfeifer: saxos tenor, barítono y soprano, didgeridoo, trutruca en 8,
ocarina en 1
Colaboradores: Henry Véliz (trompeta), Benjamín Ruiz (violín), Coro Ma Non
Troppo, Coro del Colegio Aliwen, Sofía y Alfonsina Olivares (coros
infantiles), Juan Basualto (motosierras), Meydelles Jara (voz adicional en
4)
Dejándose llevar por la corriente de creatividad e ingenio que se manifestó
en su disco precedente La Isla de los Muertos, el ensamble chileno La
Desooorden vuelve a la carga con otro magnífico concept-disc: Ciudad de
Papel. Aunque la temática sigue combativamente comprometida con la cuestión
ambiental, esta vez el leit-motif se concentra en la contaminación ambiental
a nivel global por causa de los excesos de la galopante industrialización.
El sonido grupal se siente más cargado, lo cual quiere decir que pone menos
énfasis en las texturas de raigambre mística (completamente apropiada para
el disco anterior) y más énfasis en la articulación fluida de diversos
matices, adornos y complejidades dentro de su bien definida vertiente
rock-fusión. También resulta un disco más extenso, durando un total de 1
hora y casi 2 minutos. Este disco destila una mayor dosis de aspereza propia
del rock dentro de la compleja amalgama estructural creada por la banda; en
las partes más serenas salen a relucir las influencias de Congreso y, en
general, los estándares del rock-fusión en cuanto a densidad rítmica y
sensibilidad melódica. La labor del guitarrista es más destacada en
comparación con La Isla de los Muertos, pues se da más abasto para meter
solos y fraseos y hacerlos destacar en medio de las orquestaciones de saxos
y los consistentemente contundentes aportes de la dupla rítmica.
Con una cadencia tribal sincopada al punto de reflejar una especie de
reflexión sosegada desde el corazón de la tierra, Fumarolas del Alma
conforma el inicio del disco: se trata de un tema en el que la energía
global del ensamble va transitando fluidamente sobre las cadencias rítmicas,
mientras que el violín (invitado de lujo, Benjamín Ruiz) dialoga mágicamente
con el saxo de Peter Pfeifer. El tema homónimo sube los decibeles un poco,
especialmente en los momentos (como el inicial) donde los riffs guitarreros
marcan la pauta, pero pronto nos encontramos con pasajes más contenidos en
los que la instrumentación se matiza a fin de dejar que el canto dual de
Altamirano y Contreras salga al frente y maneje la energía de las letras.
Hay un interludio hermoso que supone el momento más relajado del tema antes
del retorno del motivo inicial con un añadido cariz épico. A continuación
siguen dos instrumentales, El Llamado del Totoral y El Gran Acuerdo. El
primero comienza con retazos sostenidos de didgeridoo contrapunteados por
golpes de percusiones exóticas, creando al poco rato una danza ceremonial
refrescante. El segundo es un ejercicio de jazz-rock, emparentado con lo que
hacen Akinetón Retard (otro gran ítem chileno) en sus momentos menos
explosivos: con la presencia de invitados en violín y trompeta el sonido
queda lleno de manera muy efectiva. Migraciones Eternas me suena, en
principio, a una combinación de los espíritus respectivos de las dos
primeras canciones, logrando así manejar la continuidad estilística del
disco. Pero además contiene una variantes y expansiones en su desarrollo que
permiten a La Desooorden dar rienda suelta a sus ambiciones estilísticas
definitivamente, una de las gemas más sofisticadas de Ciudad de Papel. La
Voz de los Niños tiene una aureola más cinematográfica, destacando el
pasaje de piano sobre el que fluye un coro infantil mientras la ocarina y
ciertos artilugios percusivos ornamentan sutilmente el ambiente.
Acción por los Cisnes continúa con esta tendencia cinematográfica en el
comienzo, donde la voz de una activista y el ruido de consignas nos invitan
a tomar conciencia sobre la alarmante urgencia del problema ambiental.
Cuando el ensamble entra en acción, las cosas regresan a su caudal musical
habitual de complejidad, aunque ciertamente con una aura más marcada hacia
lo tenebroso y lo misterioso. Tralcao (Lugar de Truenos) mantiene la
explícita onda ecológica, transmitiendo esta vez una onda acústica donde se
resalta lo percusivo: dicho sea de paso, el solo de saxo soprano es
exquisito, realmente. Homínidos es un instrumental donde la banda coquetea
ligeramente con sonoridades propias del rock vanguardista. Los
Trabajadores reitera parcialmente la cadencia de la canción 2, con la
variante de que aquí se hacen algunos guiños ocasionales al funk.
E-N-E-U-J pone, en su motivo principal, toda la carne rockera en el asador
en un frenesí bien metido en el rock duro y la psicodelia, emanado desde la
guitarra y desde la esforzada labor de la batería, generando así un
acercamiento con Zeppelin y Red Hot Chili Peppers. Los parajes donde aparece
la trompeta invitada ayudan a crear oasis de variedad en medio de este
torrente. El disco termina con los cautivantes paisajes reflexivos de
Boletos Para Ir, los mismos que son introducidos por delicados arpegios de
guitarra sobre los que flotan etéreas líneas de saxo soprano. Los tambores
étnicos y los ornamentos delicados de bajo ayudan a mantener un aura de
evocación antes de que entren las partes cantadas. Los vuelos ocasionales
del violín y los ornamentos adicionales de trompeta ayudan a completar el
colorido espiritual de este envolvente mensaje de despedida. En todo caso,
no me hubiese molestado en lo personal que esta pieza fuese un poco más
larga: siento como que la última línea y el último acorde llegan demasiado
pronto... pero en fin, sigue siendo un epílogo muy bello.
Ciudad de Papel se impone como un más que digno sucesor de la obra magna
La Isla de los Muertos. Tal como señalé al inicio de esta reseña, Ciudad
de Papel emerge como de una inercia de la iluminación creativa que hizo
posible el disco de estudio precedente, pero a su vez logra capturar y
plasmar una identidad propia, más explícitamente enérgica. Sin duda, La
Desooorden logra en este disco darnos uno de los aportes más significativos
del rock vanguardista latinoamericano para este año 2007.
César Mendoza
(Un agradecimiento especial para la gente de LA DESOOORDEN por tener a bien
introducirme en su mundo musical)
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Letras de Le Orme
Le Orme : "L'infinito" (2004)
Texto de: Aldo Tagliapietra
El Trueno Y La Luz
(instrumental)
La Voz Del Silencio
Si tu corazón canta
con esta luz de luna,
si tu corazón llora
colmado de Piedad,
si tú corazón sonríe
a cada estación que muere,
si tu corazón espera
sin cansarse nunca,
es la noche que revela
cada estrella del cielo,
que se detiene a escuchar
aquella voz dentro de ti:
La Voz del Silencio.
Si tu corazón vibra
a cada nueva emoción,
si tu corazón se pierde
en su ingenuidad,
si tu corazón se enciende
a cada suspiro del viento,
si tu corazón se dobla
sin quebrantarse nunca.
Shanti (Paz interior)
La Verdad del Alma,
la Eternidad del Alma, OM.
la Juventud del Alma, SHANTI, SHANTI.
El Infinito
Me perderé en esta Armonía
en esta Paz que me está envolviendo
entre montañas sin tiempo y cielos adormecidos
hay un sentido de infinito que ya he conocido.
Porque en mi Despertar, en esta Desnudez,
y en el esplendor del atardecer comprendo que
el infinito es una ilusión... el infinito está en mí.
Si Pudiera Imaginar
Si pudiera ser como este mar
....la profundidad, su vastedad.
vida tras vida, sol tras sol
lo que quedará es sólo Amor,
solamente Amor, solamente Amor.
Si pudiera ser como este cielo
....la grandiosidad, su libertad.
Nombre tras nombre, corazón tras corazón
lo que quedará es solo Amor,
solamente Amor, solamente Amor.
Si pudiera imaginar el Silencio
el Silencio del Universo.
Si pudiera imaginar un mundo
iluminado de lo inmenso.
Este Es El Amanecer
Este es el amanecer de mi Despertar,
un día de alegría y de asombro.
Me vestiré de nubes, me saciaré de sol.
Este es el amanecer de mi Despertar:
Un instante de Eternidad.
Canto
Cielo de lluvia y cielo de dulzura
amenazador y sereno como Fantasía.
Cielo eterno que acaricia el viento,
queda para mí como un sueño ligero.
Tierra de sonidos y tierra de silencios
de atardeceres robados tras la tempestad,
lluvia suspendida en el aire que respiro,
hadas que son una plegaria, la vida mía.
Canto de amor y canto de Perdón
un brillo de luz sobre el infinito.
Viento de paz y viento de esperanza,
hadas que son una plegaria, la vida mía.
La Rueda Del Cielo
Gira la Rueda, la Rueda de la Oración
de la Fortuna y de la Primavera
de la Esperanza y de la Compasión
de la Ignorancia y de la Devoción.
No sufrirá mutación alguna
porque el tiempo es una ilusión.
Gira la Rueda, la Rueda del Dolor
de la Pureza y de la Ambición
de la Vejez y de la Juventud
para regalarse otro día más.
No sufrirá mutación alguna
porque el tiempo es una ilusión.
Entre La Luna Y El Sol
En esta quietud que me envuelve
hay un mensaje desconocido:
una respuesta a mis porqué
a todo aquello que he vivido.
No están vacías mis manos
asidas a un cielo ilimitado
ahora que he abierto mis alas
sobre las nubes del pasado.
Abriré mi corazón
a un gran Amor
sin un principio, sin un final
entre la luna y el sol,
arriba de nosotros.
Como Olas Sobre El Océano
(instrumental)
El infinito (Continuación)
Me rendiré a esta Armonía,
a esta luz que me recibe
en la frontera de mis sueños y deseos,
en un cielo sin estrellas... en un tiempo sin edad.
Porque en este mi Despertar, en esta Desnudez,
una lágrima se pierde en la Realidad última,
y en el esplendor del atardecer comprendo que
el infinito es una ilusión... el infinito está en mí.
Trad.: JPL
Junio 2007
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Monterrey Prog Fest - 29 de junio
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente informo sobre la cercana realización de un festival
progresivo en la localidad mexicana de Monterrey .-
" Monterrey Progresivo presenta;
C A B E Z A S D E C E R A
Viernes 29 de Junio, 22:00 hrs
Café Iguana (Diego de Montamyor, Barrio Antiguo)
Cover $80.00 ID 18+
Bandas Invitadas: CÍRCULOS DE NADA
PÁJARO JAZZ TRÍO
Para más información, pueden visitar los siguientes enlaces:
www.MonterreyProgFest.com, www.cabezasdecera.com, www.circulosdenada.com,
www.myspace.com/pajarojazztrio
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Octavio Castillo - concierto de 30mo. aniversario
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo el anuncio del espectáculo "Los Ensueños de Tavo
Castillo", un show de única presentación donde se celebrarán los 30 años de
variada y prolífica trayectoria de Octavio Castillo, talentoso
multi-instrumentista que es principalmente conocido por su labor en Frágil,
leyenda señera (y aun viviente) del progresivo peruano.
Aquí va el mensaje oficial de anuncio de este show.-
" LOS ENSUEÑOS DE TAVO CASTILLO: MUSICA, TEATRO Y DANZA
SABADO 30 DE JUNIO TEATRO SEGURA
Un espectáculo único que combina música, teatro, danza con muchos invitados
especiales, será lo que presentará el 30 de junio a las 8:30 de la noche, en
el tradicional teatro Segura el reconocido músico Octavio " Tavo" Castillo
en co- producción con el Municipio de Lima.
"LOS ENSUEÑOS DE TAVO CASTILLO: TEATRO, MÚSICA Y DANZA se presentará por
única vez celebrando sus 30 años de trayectoria artistica, interpretando
temas de su primer disco como solista. Para esta fecha especial ha convocado
a Frágil, Ritual (Tito La Rosa, Pepe Chiriboga) Jean Pierre Magnet en el
saxo, el guitarrista ayacuchano Vicente Mansilla. Participarán también 10
niños flautistas, una banda costumbrista y por supuesto danza en sus
diferentes géneros. La banda de Tavo estará conformada por Chano Díaz Limaco
en el charango, Pauchi Sasaki en el violín, Inkeri Petrozzi en el cello,
Oliver Castillo en el bajo, Daniel Pacheco en la guitarra, Jeremy Castillo
en la Batería y Joni Chiappe en los teclados.
Hablar de Octavio Castillo es referirse a una carrera musical con estilo
propio. Icono de la música en nuestro país. Líder de la agrupación nacional
Frágil, al que han seguido muchas generaciones.
La amplia trayectoria de Tavo se inicia a sus 13 años de edad cuando
comienza tocando guitarra , prestando sus instrumentos para ver como los
tocaban y así aprender; forma en esta época un grupo de barrio (Breña) en el
que estaban Harry Antón y Luis Valderrama - "Los Tipets".
Entre los 14 y 18 años, tiempo que vivía con su madre, forma otro grupo en
Miraflores - Burbuja Azul - tocando temas de rock clásico, Led zeppelín,
Grand Funk y otros.
Mientras ingresaba al conservatorio para estudiar música, Tavo forma con
César Bustamante, Luis Valderrama y Harry Antón , el grupo que luego sería
Frágil, interpretando temas de rock progresivo (Yes, Genesis, Focus, Jethro
Tull),en este momento sale del grupo Harry e ingresa Arturo Creamer , luego
se une Andrés Dulude y empiezan a componer temas propios.
Por los años 80's forma parte de La Banda de la más mas de Radio
Panamericana, "El Chino Chávez y Solo Canciones" y "Dr. No". En los años
90's junto a Tito la Rosa realiza un proyecto al que bautizan
con el nombre de RITUAL, con el que tiene ya varias producciones musicales
"RITUAL", "AYAHUASCA", "NAZCA", muy reconocidas mundialmente. Además, llevó
a cabo con Tito La Rosa la Banda Sonora de la Película "Estado de Miedo",
Película de Paco de Onís, Peter Kinoy y Pamela Yates; disco "MEMORIA", que
fue trasmitida por el canal de cable Nacional Geografic.
Colabora y participa en discos de diferentes bandas de diversos matices
musicales entre ellos Cavilando de Manuelcha Prado, Campo de Almas,
Gianmarco, Jorge Pardo, Reino Ermitaño, entre otros.
Cada año interviene en el homenaje a Jhon Lennon (DEA Promotora).
Tiene una producción personal "Ensueños", editada en el año 2005. Plasma
aquí una perfecta fusión de sus influencias y gustos musicales.
Junto con sus grupos "Frágil" y Ritual, ha realizado giras nacionales
(Trujillo, Chiclayo, Arequipa, Cuzco, Ancash, Loreto, etc) e internacionales
en varias ciudades de Estados Unidos, Argentina, Suiza, Francia, África,
Alemania, entre otros.
Compartió escenarios tanto con Fragil como con Tito La Rosa, con: Foreigner
, Paul Winter, Jethro Tull, Tri, Enanitos verdes; Miguel Ríos, Cafeta Cuba;
Bacilos; Miguel Mateos; Pepe Alva; Wayscan, Adrian Brendel; Irina Lognikova;
Chris Berry; grupo Zimbawe Mbira ; Paul Mac Candless; Afrigo Ugandan
Musicians; Michael Mwanzia; Richard Oneko,Masao Maqui, Mary Young
Blood(ganadora de varios premios Grammy Indios). El 19 de mayo tuvo
destacada participación como músico invitado de la Banda Led Zepagain,
(agrupación de cobres de la legendaria banda Led Zeppelin apadrinados por
los mismos Jimmy Page y Robert Plant)
AGRADECIDOS POR SU DIFUSION
DEA PROMOTORA S.A MARYLIN WILLIS
Prensa: CO-PRODUCCION
Telefax: 4709346- 98706727 Tel. : 4234925 -97972541 "
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Autor: Mariano Bugar7Q n <mariano_bugarin@yahoo.com.ar>
Asunto: William Gray en vivo
Hola a todos,
Les comento que el sabado 21 de julio a las 22.00 se presentara William Gray
en vivo en el Teatro Santa Maria (Montevideo 842, ciudad de Buenos Aires).
Las entradas anticipadas para el show cuestan $15 y pueden comprarse en TMB
Shop (Av. Santa Fe 1953 Loc. 13, 4813.5117) y Discover (Florida 537 Loc.
441, 4327.1379).
Pueden escuchar algo de la musica de William Gray en sitio web
http://www.williamgrayband.com.ar y en MySpace
http://www.myspace.com/williamgrayband
Saludos,
Mariano
:: la otra música :: http://la-otra-musica.blogspot.com/
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FLOR_DE_LOTO_en_la_prensa_limeña
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La gente de FLOR DE LOTO sigue llamando la atención de la prensa peruana en
esta fase actual de promoción de su segunda placa Madre Tierra. El diario
limeño El Comercio primeramente anunció este suceso en una breve nota en
un suplemento sabatino, y ahora, en su edición del domingo 24, aparece una
reseña del mencionado disco Madre Tierra. El texto fue escrito por Rafo
Valdizán.
EL SEGUNDO GOLPE DE FLOR DE LOTO
Luego de su sorprendente álbum de debut, el cuarteto peruano de prog rock
arremete con una placa de diez pistas de notable factura. No hace mucho, la
banda tuvo auspiciosas presentaciones en México
Por Rafo Valdizán.
Estuvieron en el Baja Prog, uno de los festivales más importantes del mundo
en materia de rock progresivo, y vaya que les fue bien: les pidieron bises
una y otra vez, y Flor de Loto tuvo que extender su noche en el prestigioso
encuentro musical realizado en el hotel Araiza de Mexicali. Pero también
tocaron en Aguascalientes y Zacatecas e igualmente fueron efusivamente
aplaudidos por manos aztecas.
De regreso a Lima, lejos de apoltronarse sobre recientes laureles
internacionales (antes, a fines del 2006, la hicieron en Brasil), la banda
peruana consolidó su segundo compacto, recientemente colocado en los
escaparates limeños: "Madre Tierra".
El grupo que integran Alonso Herrera (guitarras), Jorge Puccini (batería y
percusión), Alejandro Jarrín (bajo) y Johnny Pérez (flautas y zampoñas) ha
completado una producción digna de los mejores anaqueles de colección. Diez
pistas mayormente instrumentales discurren como un viaje alunado de sonidos
ancestrales peruanos, fusionados con el rock a través de complejas correrías
rítmicas; una travesía de vericuetos e imágenes que se abren como una
invitación implícita que pareciera decir: "Venga, descubra nuestro mundo".
El tema "Madre Tierra" abre el álbum y, desde ese instante, no hay vuelta
atrás: todo comienza a ser un continuo de climas y fases. Espléndido lo
hecho en "El charango perdido" y "El mensajero", en el que pueden acomodarse
con total naturalidad una flauta muy autónoma y una guitarra distorsionada.
En "Danza celta", como el título sugiere, hay una traslación estética hacia
una suerte de folclor europeo (se adivinan roces con Jethro Tull y hasta
Mago de Oz). Tal vez se trate de la canción más importante del disco, vale
decirlo: es un gran tema que en tres minutos y medio condensa toda una
historia de sonidos, giros y espacios. Algo similar ocurre en "Andaluces",
de notoria influencia flamenca.
"Luz de Luna" es una pista tenue y agreste, como un interludio en el que
flota la calma; y "Antares" rompe el esquema con un ametrallador remate a lo
speed metal. Abrasivo y descarnado.
Otra de las virtudes de "Madre Tierra" es que ha logrado desmitificar el
rock progresivo como un género obligado a extenderse en demasía. En tal
sentido, Flor de Loto ha logrado una concisión loable.
Aquí va el enlace de la reseña en formato PDF.-
ttp://www.elcomercioperu.com.pe/edicionImpresa/pdf/2007/06/24/ECMU240607c17.pdf
Ah, de paso, aquí va el anuncio de su próximo concierto en Lima:
Jueves 28 de junio
El Dragón de Barranco
Av. Nicolás de Piérola 168
11 p.m. - 10 Soles
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: "Roberto I. Quesada" <saytra@racsa.co.cr>
Asunto: Genesis - A Trick of the Tail (SACD / CD HIBRID / DVD)
Genesis : "A Trick of the Tail" (SACD / CD HIBRID / DVD)
Desde que partió Peter Gabriel de Genesis todo el mundo daba por un hecho
que la agrupación desaparecería del todo, sin embargo nos regalaron dos
discos más de excelente calidad tanto lírica como musical, estoy hablando de
"Wind and Wuthering" y por supuesto de "A Trick of the Tail". No se cuantas
veces he escuchado este último pero cada vez es una experiencia única.
Recién este año 2007 reeditaron dicho disco en formato SACD junto con un DVD
que contiene material extra que incluye el video "Genesis in Concert"
filmado en 1976, tres clips promocionales y una entrevista muy interesante
donde cada integrante del grupo comenta un poco sobre cada pieza. La
verdadera joyita es por supuesto el video de 40 minutos, así que no lo
piensen dos veces si lo van a comprar, bajar, quemar o lo que sea.
Particularmente no me agrada el sonido tan "perfecto", no soy partidario de
los discos SACD; en el caso de ATOTT el sonido es exquisito, empezando por
la voz de Collins que se acentúa más y se le entiende absolutamente todo,
los pedales de bajo Taurus suenan extraordinariamente bien, ni que decir de
las cuerdas de la guitarras uff!!. Aún así se nota la excesiva compresión
cuando se escucha la batería, que no posee la misma fuerza de la mezcla
original.
Resulta interesante escuchar una mezcla con un sonido diferente al que uno
está acostumbrado, te hace revivir todas las piezas del disco. El encargado
de la remasterización, Nick Davis, realizó un buen trabajo.
En cuanto al tracklist ya sabemos cuales son los temas, simplemente que
fueron remezclados con sonido Surround y DTS Digital 5.1. El contenido de
los discos es el siguiente:
DISCO 1
- Dance On A Volcano
- Entangled
- Squonk
- Mad Man Moon
- Robbery, Assault And Battery
- Ripples...
- A Trick Of The Tail
- Los Endos
DISCO 2
- Tracks (DVD Audio)
- Videos Musicales ("Robbery, Assault And Battery", "Ripples", "A Trick of
The Tail")
- Reissues Interview 2007
- Genesis In Concert 1976 ("I Know What I Like", "Fly On A Windshield",
"Carpet Crawl", "The Cinema Show", "Entangled", "Supper's Ready (extracto)",
"Los Endos")
- White Rocks' Premiere Programme 1977 (8 Fotos)
Saludos;
---
Roberto I. Quesada
SJ, Costa Rica
mail: saytra@racsa.co.cr
blog: http://ideasmecanicas.blogspot.com/
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Guadalcaiman el 17 de agosto
Hola
Ya estan a la venta las entradas !!!
http://www.telentrada.com/
CDA/TelEntrada/Ficha_local/ficha_local/0,2079,3a1b1c4dfghijk913l,00.html
Guadalcaiman (Guadalquivir, Cai, Imán)
Nota mia: Existen rumores, todavia no confirmados ni oficiales, de que
Guadalquivir no actuará. ojala solo se quede en rumores.
También se rumorea que habra sorpresas esa noche como la intervención de
Chano Dominguez y algun otro miembro del Cai original...
El 17/08/07
Local/Sala: Teatro José María Pemán
Dirección: C/ Paseo Sta. Barbara s/n
Población: Cádiz
Horario: 22:30h
Precios: 20 Euros
LOS VERANOS DEL PEMÁN
Varias ciudades asistieron meses atrás a la reunificación de grupos señeros
como Guadalquivir e Imán Califato Independiente, en noches gloriosas para
todas las edades. Los grupos instrumentales más alejados de la comercialidad
que alcanzó el rock andaluz, más cercanos al jazz que al flamenco, vuelven a
la escena musical, plagada ahora de lolailos, lereles, sucedáneos de usar y
tirar.
El retorno, segunda parte, de Imán Califato Independiente supondrá otra
alegría para los aficionados que comprobaron en Jerez, a principios de
septiembre, el excelente estado de gracia de los músicos. Otra oportunidad
única y extraordinaria de dejarse llevar por los sones profundos, luminosos
y magnéticos de Imán, precisamente en el trigésimo aniversario de la
formación. El mismo cumpleaños que celebrará Guadalquivir que tocará la
dupla de guitarristas infalibles, Luis Cobo Manglis y Andrés Olegui, junto a
otros cinco músicos de tronío.
Y finalmente CAI, otra de las leyendas del rock de nuestra comunidad que
retornan de la mano de su batería cantante Diego Fopiani y el guitarrista
Paco Delgado, Cuerdas y vientos. Habrá marea alta.
información extraida de la web http://www.telentrada.com/
salu2
nos vemos en Cai...
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Autor: "JESUS GM" <gugol71@hotmail.com>
Asunto: PORCUPINE TREE "UP THE DOWNSTAIR" (1993)
PORCUPINE TREE : "UP THE DOWNSTAIR"
Saludos cajeros.
Viendo que aun no se encuentra entre las críticas este segundo disco de
S. Wilson y cia, me animo a hacerlo yo.
Anterior al "the sky moves sideways"y de su época más "Pinkfloydiana".
Aunque ya se vislumbran elementos "porcupidianos", mezcla de la psicodelia y
el space rock y el hard rock. Con arranques de solos de guitarra
verdaderamente geniales, en algunos de sus temas, muchos de los cuales son
instrumentales y enlazados unos con otros.
Empieza el discon con "Want you are listen to" un tema introductorio de
un minuto de duración, y que consiste en varias sonoridades superpuestas
(algo así como "Costa del slough" del disco RADIATION de MARILLION).
Continua "synesthesia" con una base secuenciada de teclados que se repite
constantemente, sobre la que cante S. Wilson y desarroya varios sonidos de
guitarra.
El tema 3 pasa casi desapercibido, se podría decir que sirve de enlace
entre el tema 2 y el 4, tan sólo dura 20".
El corte 4 "Always never" es uno de los mejores del disco, muy
atmosférico en sus comienzos decae a un tempo más lento hacia el minuto 4 y
a partir del 5, y con la introducción de un solo de guitarra va poniéndose
más cañero y aumentando en tempo sobre la misma base de teclados de la parte
lenta.
El siguiente es el que da título al disco. Tema instrumental. Con un
comienzo muy suave y ambient, poco a poco va apareciendo una base de bajo
que se va repitiendo, y posteriormente se une un rif de guitarra a lo
"wilson" que aparece y desaparece, dejandodejando varias veces las melodias
de bajo y teclados a sus anchas; así hasta el minuto 7 donde hay un
intermedio muy atmoférico, donde se escuchan un diálogo de una chica (será
la de la carita entre nieblas que aparece en la carátula del disco?)
Terminando el tema con una explosión de guitarras y teclados, alrededor del
minuto 9. Queda destacar también una suave melodia que se repite en varias
partes del tema y que le da un aire místico.... en fin este tema es muy.....
"caleidoscópico".
Inmediatamente " Not beautiful anymore" tema 6, que introduce la voz de
la misma chica del tema anterior y que apare tambien en varias partes del
mismo, pero el tema es instrumental, y más movido que el anterior y más
corto (3:26 min).
El 7º es también un tema enlace que nos conduce hacia la preciosísima
balada "Small fish". Empieza con la guitarra acústica y cantada con
muchísima sénsibilidad por S.Wilson, y con un solo de guitarra también
conmovedor; lástima que sólo dure 2:42 min!!!.
El tema nueve empieza con una secuencia de ritmos, sobre la que se dibuja
otra de teclados, y a partir de primer minuto empieza una guitarrata
secuenciada a lo "PINK FLOYD" del "A momentary lapse of reason". Este tema
"Burning sky" también es instrumental, y de los mas duros del disco, con
varios punteos de guitarra muy buenos. A partir del minuto 5 se pone lenta,
con la típica tónica "space-psicodelica-atmosférica" que predomina en todo
el disco. llegando al minuto 6 vuelve a arrancar la guitarra con un "slide"
a lo "Guilmour", y a continuación vuelve otra vez la misma secuencia de
guitarra primera, poníendose cada vez más y más dura y cañera; llegando al
minuto 11 donde acaba.
Llegando al último tema "Fadeaway", otra balada extraordinaria , muy en
la onda "lazarus" del disco "Deadawing" , pero a mí particularmente me gusta
más esta, tema superrelajante, y con un aire muy nostálgico, que también se
hace breve...... no podría terminar mejor el disco.
En fin para mí este disco d P.T, tendría un notable alto. Aunque en los
últimos discos mantienen cierta esencia psicodélica de sus primeros tiempos,
tienen un sonido mucho mas metalero que en aquellos, donde predomina un
estilo mas atmosférico y psicodélico. Contenían cierta magia que con el paso
de los años se traduce en cierto sabor nostálgico, que sólo los grandes
saben impregnar a sus obras.
Salu2
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