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La caja de musica Number 0776
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #776 abril 2007 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Festival TIANA 2007
* noticias de ANEKDOTEN
* novedades de Sleepytime Gorilla Museum
* A TRIGGERING MYTH "Between Cages"
* Saga - Worlds Apart Revisited (2007)
* Alamaailman Vasarat - Maahan (2007)
* Steve Thorne - Part Two: Emotional Creatures (2007)
* Steve_How
* el 1ro. de Lizard
* NO ES FOLK, NO ES COUNTRY, NO ES ROCK, NO ES
* Los mejores del 2006, desde otro punto de vista
* DON CABALLERO "2"
* Galahad - Empires Never last (2007)
* Focus 9
* novedades de KAIPA
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Festival TIANA 2007
Hola a tod@s
SABADO 5 DE MAYO DE 2007
TEATRO ALBENIZ - TIANA - BARCELONA
ENTRADA ANTICIPADA: 28
ENTRADA TAQUILLA: 30
PUNTOS DE VENDA:
- Discos Revolver (C/tallers, 11 - BCN)
- Discos Jocar (C/ Mar, 105 - Badalona)
- Multicolor (C/ Lola Anglada, 37 - Tiana)
Este año... 3 grupos ingleses:
17.00h. ------------ PURE REASON REVOLUTION
19.00h ------------ MAGENTA
20.30h ------------- descanso
22.00h ------------- IQ !!!!!!!
OS ESPERAMOS A TODOS EN TIANA!!!!!!!!!
tianaprogfest
www.tianaprogfest.com
FORO
http://tianaprogfest.creatuforo.com/
Mensaje de la Organización.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: noticias de ANEKDOTEN
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Hay noticias de Anekdoten concernientes a su próximo disco de estudio. El
disco en cuestión se titulará A Time of Day, y se realizará una fiesta de
presentación del mismo en el local Kägelbanan, en Estocolmo, el 24 de abril.
El nuevo material contendrá muchísimo mellotron, así como un tema con
violonchelo (mejor que ninguno, como en Gravity, pero me temo que no será
suficiente, tal como lo demuestran los tres primeros discos de la banda
pero bueno, estoy adelantando opinión
).
El disco no solo saldrá en formato digital, sino también en formato de
vinilo. Este tipo tendrá la siguiente distribución de caras:
Lado A.-
The Great Unknown
30 Pieces
A Sky About To Rain
Every Step I Take
Lado B.-
King Oblivion
Stardust And Sand
In For A Ride
Prince Of The Ocean
Por su parte, el repertorio del CD será como sigue: The Great Unknown / 30
Pieces / King Oblivion / A Sky About To Rain / Every Step I Take / Stardust
And Sand / In For A Ride / Prince Of The Ocean
Más información en su blog de Myspace: www.myspace.com/anekdoten
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: novedades de Sleepytime Gorilla Museum
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La banda pionera del rock-contra-el-rock, SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM, está ad
portas de lanzar al mercado su nuevo disco de estudio, In Glorious Times.
El repertorio de dicho disco es como sigue.-
1. The Companions
2. Helpless Corpses Enactment
3. Puppet Show
4. Formicary
5. Angle of Repose
6. The Ossuary
7. Salt Crown
8. The Only Dance
9. The Greenless Wreath
10. Widening Eye
11. Putrid Refrain
Además, este alucinado ensamble norteamericano acaba de grabar una pieza
musical para un proyecto del director cinematográfico de vanguardia Adam
Feinstein. Adicionalmente, no está de más recordar que SGM ha reeditado su
celebrado disco debut Grand Opening and Closing! por vía de The End
Records (el mismo sello que editará In Glorious Times) en formato
digipack, incluyendo dos bonus tracks hasta ahora inéditos y un tema en vivo
ejecutado por la renovada formación. El grup oestá actualmente bastante
activo en los escenarios. Tras una gira norteamericana que los tuvo bastante
ocupados en su país natal a lo largo del mes de marzo, ahora también tienen
programadas algunas actuaciones en Europa entre los días 12 y 20 de abril.
Más información en la página de The End Records
(http://www.theendrecords.com/label/index.php) y en la de la misma banda
(http://www.sleepytimegorillamuseum.com/news.html).
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: A TRIGGERING MYTH "Between Cages"
A TRIGGERING MYTH: Between Cages (1995)
Temas
1. Habile
2. Deftly Dodging
3. Squdge
4. Il Voce
5. Midiots, Vidiots and the Digitally Delayed
6. Between Cages [i: The Moment ii: Rattling Our Cages iii: Unencumbered
iv: Fears Spent Chasing v: Over and Under vi: Badgered vii: Rattling Our
Rages]
Integrantes
- Tim Drunheller: teclados, programación, otros instrumentos
- Rick Eddy: teclados, guitarras, otros instrumentos, poesía
Colaboradores Moe Vfushateel (batería), James Newton (percusión), John
McNamara (guitarra en 4), Mark Cella (batería en 4)
Between Cages es el tercer disco de A Triggering Myth, el alucinante
proyecto progresivo creado y guiado por la dupla de Tim Drunheller y Rick
Eddy desde fines de los 80s. Este disco supone un paso adelante en el
proceso de afirmación y reforzamiento del momentum progresivo que el dúo
siempre se empeñó en desarrollar, un momentum inspirado simultáneamente en
la vertiente jazzera del género (Canterbury principalmente, pero también
Happy the Man y algo de Return to Forever) y la exquisitez peculiarmente
estilizada del Gentle Giant clásico. Curiosamente, la búsqueda de un enfoque
más claro para su estilo y sus composiciones llevó a ATM a concebir en
Between Cages su trabajo más enfocado hacia lo sinfónico en lo que va de
trayectoria. De hecho, aunque se nota una innegable vibración jazzera en el
modo en que las ideas melódicas fluyen y se expanden para enriquecer el
cuadro general, hay una ambientación orquestada que se instala en el núcleo
esencial de casi todo el repertorio. Definitivamente, el sonido y la
orientación de la instrumentación es patentemente estilizado.
Habile abre el disco con un tenor ágil y cálidamente multicolor,
desplegando un llamativo híbrido entre la vibración de Return to Forever,
los barroquismos de Rick Wakeman y la majestuosidad peculiar de Happy the
Man. Con sus menos de 4 ½ minutos de extensión, esta pieza contiene
suficiente dinamismo como para crear una genuina excitación intelectual en
el corazón del fan progresivo. Todod el disco de por sí está repleto de
gemas musicales. Deftly Dodging tiene un acento jazzero más pronunciado,
desplegando esa mezcla de las influencias de Happy the Man y Gentle Giant
que ATM ha convertido en una de sus marcas más típicas. El compás del tema
hace que el desarrollo del motivo melódico se sienta cadencioso, y esto
funciona muy bien a contrapelo de los fraseos de la guitarra eléctrica, cuya
intensidad ayuda a establecer una interesante variante sonora en su
esporádica aparición. Para la segunda mitad de esta pieza, surge un
interesante solo de sintetizador a modo de un homenaje a Kit Watkins.
Squdge es, exceptuando la suite con que cierra el disco, el tema más
largo, con sus 10 minutos de duración. Comienza con un juego de disonancias
implementado con una delicadeza que resulta paradójicamente osada,
comenzando con efectos digitales que simulan percusiones de aluminio y
terminando con una introducción orquestal de teclados etérea y misteriosa.
Una vez que la instrumentación se va sentando, nos hallamos con un ingenioso
despliegue de prog jazzeado oportunamente sazonado con recursos de tipo RIO
ejecutados con una gracia ajena al usual clima de inquietud tan típico del
género. Il Voce, por su parte, se entrega a la creación de un fastuoso
homenaje a BMS y PFM, creando un paisaje musical altamente estilizado dentro
de la variante mediterránea. El uso de tonalidades semi-arábigas en los
ornamentos más recurrentes de la línea melódica principal puede parecer en
primera instancia más cercana a Area, pero a fin de cuentas, el factor
sinfónico es el esencial para Il Voce. Midiots, Vidiots and the Digitally
Delayed es la pieza más experimental del disco, consistente en una cadena
de efectos cósmicos de teclado asentados sobre un efectos cibernéticos de
corte tecno-étnico, algo así como una pieza minimalista RIO elaborada dentro
de la lógica del Peter Gabriel IV.
Los últimos 22 minutos del disco están ocupados por la suite homónima, la
misma que consta de siete secciones. Por supuesto, la ambición de la
extensión se corresponde con la ambición de la composición. Los motivos se
van sucediendo, algunos de ellos expandiéndose sobre el sostén de ornamentos
estilizados, otros creando un dinamismo más directo en aras de un gancho
atractivo. Los puntos de influencia más recurrentes son GG, HTM y el
estándar del sinfonismo británico. Incluso hay secciones líricas rayanas con
el new age y el Oldfield de la etapa 87-94, conformando algunos de los
pasajes más bellos y envolventes de todo el disco. El aura orquestal de la
suite - especialmente en esos momentos en los que se evoca al lirismo
académico de Grieg y Mahler - le da una magnificencia al asunto a través de
la amalgama perfecta con la que cada motivo se hila con el siguiente.
Decididamente, esta suite también se anticipa como un canapé apropiado para
el disfrute del fan progresivo promedio. La última de las siete secciones
consiste en un reprise del motivo central de la segunda sección, un recurso
muy común para dar una sensación de círculo completo a obras de larga
extensión y compartimentos con nombre propio. En fin, Between Cages cierra
con broche de oro el disco con el mismo título. Esta obra señala el comienzo
de la madurez artística de A Triggering Myth, una banda que ya podemos
llamar veterana y consagrada dentro de la actual escena progresiva. ?Por qué
no decirlo ahora? También la podemos designar como sobresaliente.
César Mendoza
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Saga - Worlds Apart Revisited (2007)
SAGA : WORLDS APART REVISITED (2007)
Discográfica: InsideOut/SPV/Mastertrax
CD 1:
1. The Pitchman
2. Giveem the Money
3. Youre not Alone
4. See them Smile
5. The Runaway
6. Ice Nice
7. On the Loose
8. Wind him up
9. Amnesia
10. Framed
CD 2:
1. Times up
2. The Interview
3. No Regrets
4. Conversations
5. No Stranger
6. Scratching the Surface
7. Keep it Reel
8. Weve Been here Before
9. Humble Stance
10. Dont Be Late
11. How Long
12. Careful were you Step
Músicos:
- Michael Sadler. Vocals, keyboards
- Jim Crichton. Bass, keyboards
- Jim Gilmour. Keyboards
- Ian Crichton. Guitar
- Brian Doerner. Drums
Parece que los canadienses Saga últimamente, y ya era hora, tienen en mayor
consideración sus primeros trabajos en detrimento de su, salvo contadísimas
excepciones, pobre material de los últimos 25 años.
Tras editar Chapters Live un directo recopilando sus chapters, que en
buena parte se ubican en sus primeros años, ahora nos ofrecen otro álbum en
directo bastante especial. Se trata de una grabación en la que interpretaron
íntegramente y de un tirón su cuarto trabajo Worlds Apart, además de una
selección de temas de sus primeros tiempos (tan sólo tocan tres temas no
pertenecientes a sus cinco primeros álbumes).
Worlds Apart es uno de los mejores trabajos de Saga, aunque desde mi punto
de vista los tres primeros le superan, y al ser uno de sus grandes éxitos
han querido convertirlo en protagonista de este concierto grabado en 2005 y
por lo tanto de este doble lanzamiento.
Al grupo se le ve con ganas, aunque sus mejores tiempos queden ya lejos, e
interpreta los temas de forma bastante convincente. El repertorio
lógicamente es muy bueno, aunque si se hubieran incluido más temas de sus
tres primeras obras mejor hubiera sido. Pero no es cuestión de quejarse
vista la poca cancha que le dan al material reciente.
Finalmente comentar que el álbum se puede adquirir en tres versiones
diferentes. Una en doble CD que es la que nos ocupa, otra en doble DVD
lógicamente con la videograbación del espectáculo, y finalmente una edición
especial lujosa incluyendo los dos CD y los dos DVD.
Valoración: 6.5/10
Ferran Lizana (rockomic@gmail.com)
Abril 2007
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Alamaailman Vasarat - Maahan (2007)
ALAMAAILMAN VASARAT : MAAHAN (2007)
Discográfica: Wolfgang Records
Temas:
1. Maahan (0:58)
2. Kyyhylly (3:40)
3. Helmi otsalla (3:36)
4. Luiden valossa, naapurin talossa (3:40)
5. Huikeuden lieriö (3:53)
6. Eläimet huutaa (5:56)
7. Lumeen nukkuneet (5:29)
8. Katkorapu (4:24)
9. Käärme toi ruton kaupunkiin (3:24)
10. Rooman ruumiit (3:41)
11. Elukka (1:15)
Músicos:
- Jarno Sarkula / saxes, clarinets & other woodwinds
- Erno Haukkala / trombone, tuba, piccolo trombone
- Miikka Huttunen / pump organ, grand piano, keyboards
- Tuukka Helminen / cello
- Marko Manninen / cello
- Teemu Hänninen / drums, percussion
Por fin tenemos aquí el esperado tercer álbum de una de las mejores y más
creativas bandas de esta década, Alamaailman Vasarat.
A pesar de que no hay muchos cambios con respecto a sus dos primeros
trabajos, no creo que este Maahan sea un más de lo mismo ni mucho menos.
Estamos ante un trabajo con menos contrastes y más uniforme, menos riffs
metálicos y más folk del este de Europa y en general temas más directos.
Pero lo que importa aquí, independientemente de si la evolución es mayor o
menor, son las nuevas composiciones, y aquí sí que los finlandeses arrasan.
Alamaailman Vasarat no dejan de asombrarnos con su enorme musicalidad y una
vez más demuestran que lo tienen claro. Si bien en los dos anteriores
trabajos, enormes ambos y de una creatividad insultante, parecíamos
encontrarnos ante una mezcla imposible de estilos contrapuestos, Maahan ya
podemos decir que suena a estilo personal e intransferible fuertemente
consolidado e inventado por este grupazo finlandés, al kosher-kebab-jazz con
que ellos mismos se definieron.
Y es que Maahan es un trabajo sólido como una roca. Luiden valossa,
naapurin talossa es sin duda uno de los temas del año, pocas composiciones
serán capaces de tener la fuerza que desprende y sin la necesidad de
guitarras. No muy lejos se quedan otras canciones extraordinarias,
especialmente Huikeuden lieriö, o también Kyyhylly, Helmi otsalla o
Katkorapu. Y por supuesto no faltan las dosis de melancolía típicas del
grupo (Rooman ruumiit, Eläimet huutaa, Lumeen nukkuneet).
En definitiva, Alamaailman Vasarat lo han vuelto a conseguir con el que
seguramente será uno de los mejores álbumes del año.
Valoración 8.5/10
Ferran Lizana (rockomic@gmail.com)
Abril 2007
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomick@orange.es>
Asunto: Steve Thorne - Part Two: Emotional Creatures (2007)
STEVE THORNE : PART TWO: EMOTIONAL CREATURES (2007)
Discográfica: Giant Electric Pea/Mastertrax
Temas:
1. Toxicana Apocalypso
2. Wayward
3. Crossfire
4. Roundabout
5. Hounded
6. All The Wisemen
7. Great Ordeal
8. 6am (Your Time)
9. Solace
10. The White Dove Song
11. Sandheads
Músicos:
- Steve Thorne. Vocals, guitar, bass, keyboards, programming, percussion.
- Tony Levin. Bass
- Nick D'Virgilio. Drums
- Geoff Downes. Keyboards
- Pete Trewavas. Bass
- Gavin Harrison. Drums
- John Mitchell. Guitar
- Dave Meros. Bass
- Gary Chandler. Guitar
- Martin Orford. Hammond
- Arnie Cottrell. Mandoline
- Yan Zewada. Piccolo trompete
- Anna Wyse. Viola
- Louise Coggins. Violin
- Lydia Handy. Violin
- Katie Higgins. Cello
- Bernard Postlethwaite. Cello
- Adrian Cleverly. Horn
- Kate Redwood. Horn
Aquí tenemos de nuevo a Steve Thorne y la segunda parte de su Emotional
Creatures que tan buen sabor de boca nos dejó hace un par de años.
Una vez más resulta sorprendente la capacidad de convocatoria de este
hombre, que ignoro de donde debe sacar sus contactos. Y es que la lista de
estrellas que participan en este trabajo es todavía más espectacular que la
de su álbum debut. A los Tony Levin, Nick DVirgilio, Geoff Downes, Gary
Chandler y Martin Orford, que ya participaron en la primera parte, se añaden
en esta ocasión los nombres de Gavin Harrison, Pete Trewavas, John Mitchell
y Dave Meros.
Por encima de todos ellos por supuesto el propio Steve Thorne, vocalista y
multiinstrumentista. Magnífico compositor e intérprete de canciones, unas
composiciones que difícilmente pueden sonar mal considerando la citada lista
de estrellas que lleva detrás.
Estamos ante una especie de álbum de cantautor prog, que de alguna forma es
lo que marca diferencias con otros trabajos del progresivo de esta época. Un
trabajo que no pretende inventar nuevas fórmulas musicales, ni mostrarnos el
camino a base de complejidades, que lo hace desde la modestia de un hombre
que interpreta sus composiciones con pasión y sin ambiciones extramusicales,
desde la más pura sinceridad artística.
A destacar el profundo sentimiento intimista que desprende una gran
composición como es Great Ordeal, la sobriedad de la instrumental 6am
(Your Time), la épica de The White Dove Song y la belleza barroca de
Sandheads.
Aunque no se quedan muy lejos otras magníficas canciones como Wayward,
Roundabout, la instrumental que abre el álbum Toxicana Apocalypso o la
sección instrumental final de Hounded.
En resumen, Steve Thorne nos vuelve a sorprender con otro excelente trabajo,
que podríamos decir que incluso supera su debut, la primera parte de este
Emotional Creatures.
Valoración: 7.5/10
Ferran Lizana (rockomic@gmail.com)
Abril 2007
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Steve_How
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El maestro guitarrista progresivo Steve Howe cumple 60 años el domingo 8 de
abril de 2007. Por ello, ese mismo día aparece en el diario limeño El
Comercio una nota de homenaje al Sr. Howe. Aun recordamos todos los
asistentes al concierto que Yes dio en 1999 en la capital limeña su lucido
desempeño en las guitarras eléctricas y acústicas, además de la vacchalia,
en el contexto de la gira promocional de "The Ladder". Estas remembranzas y
más detalles emergen en la memoria del redactor de la nota que paso ahora a
transcribir.-
" HONORES AL MAESTRO
Por Rafo Valdizán
Cosa rara esta de vivir en Lima y saber que muchas, muchísimas bandas y
solistas han surcado nuestros cielos para aterrizar en otras capitales
sudamericanas, y sin embargo hemos tenido ocasión de apreciar a músicos
decididamente brillantes, principalmente de escuela progresiva. El 16 de
setiembre de 1999 vimos a Yes en el Muelle Uno. Una noche monstruosa al pie
del mar miraflorino que tuvo a la camarilla británica casi soñada, excepto
por la ausencia de Rick Wakeman, reemplazado en esa ocasión por el ruso Igor
Koroshev. Pero estuvieron Jon Anderson, Chris Squire, Alan White y un genio
que, a la postre, se robaría el show: Steve Howe.
Aquella vez el guitarrista develó cuán grande es: "Se paseó con maestría
entre guitarras eléctricas, acústicas, slides y mandolinas. El pico llegó
cuando se quedó a solas con la acústica para arrancar las melodías de 'Mood
for a Day' y 'The Clap'", consignamos en una nota que a la sazón pretendió
mostrar con justeza la importancia de Howe en el engranaje de Yes. Aún
conservo imágenes mentales de aquella jornada y puedo decir que ha sido uno
de los músicos más completos que ha pasado por nuestro país.
?Y por qué hablar de Steve Howe ahora? Hoy domingo cumple 60 años, motivo de
sobra para dedicarle unos renglones.
Discos básicos para disfrutar de su arte: "The Yes Album" (1971), "Fragile"
(1971), "Close to the Edge" (1972), básicos en la discografía de Yes; "Asia"
(1982) y "Alpha" (1983), con el supergrupo Asia, al lado de John Wetton,
Carl Palmer y Geoff Downes; y sus pesquisas como solista, desde los lejanos
"Beginnings" (1975) y "The Steve Howe Album" (1979) hasta los recientes
"Spectrum" y "Homebrew", ambos del 2005.
Tampoco hay que dejar de lado lo hecho como integrante de otro supergrupo,
GTR, en el que compartió las cuerdas con otro nombre de lujo: Steve Hackett
(ex guitarrista de Genesis).
Howe es de los que saben alternar las manos tanto sobre cuerdas eléctricas
como acústicas y no queda en déficit con ninguna de las dos (a diferencia de
colegas que, por priorizar una de las dos, descuidan la otra). Así, suena
subyugante en el remanso artesanal de "And you and I" y electrificante en
los dislocados embistes de "Heart of the Sunrise". Una de sus intervenciones
más recordadas es aquella introducción armónica realizada en "Roundabout",
casi el himno número uno de Yes, absolutamente característica e
identificable. También destacan el poco ortodoxo golpe entrecortado en la
introducción de "Perpetual Change" y el viaje espacial de "Tempus Fugit",
del álbum "Drama" (1980), que contó con la voz deTrevor Horn. "
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de Lizard
LIZARD: W Galerii Czasu (1997)
Temas
1. Kazdy dzieñ to wiêcej ran w twej glowie
2. Galeria iluzji [1. faktury czasu I ; 2. kto sie odwazy wejsc - niech
wejdzie ; 3. jednostajnym rytmem wciaz odmierza zegar ; 4. dotknij ; 5.
faktury czasu II]
3. Autoportret
4. Strefa cienia [1. neurastenia ; 2. faktury czasu III ; 3. przejszystosc
blekitu]
5. Ogród przeznaczenia
6. W krainie szmaragdowego jaszczura [1. bezmiar i bezdzwiek I ; 2. faktury
czasu IV ; 3. kraina szmaragdowego jaszczura ; 4. nigdy nie bedziesz sam ;
5. constans ; 6. faktury czasu V ; 7. bezmiar i bezdzwiek II (bolero)]
Integrantes
- Damian Bydlinski: voz
- Andrzej Jancza: teclados
- Mariusz Szulakowski: batería, percusión
- Janusz Tanistra: bajo
- Miroslaw Worek: guitarras
Lizard es, hoy por hoy, uno de los grupos polacos que más disfruto. Mi
reciente descubrimiento de su obra me ha llevado a seguir un camino de
investigación en orden cronológico inverso. El descubrimiento más reciente
es precisamente su disco debut W Galerii Czasu, grabado por el quinteto
original. En sus inicios, Damian Bydlinski, aunque era el máximo compositor,
fungía solamente como cantante, siendo así que el rol de guitarrista lo
ocupaba Miroslaw Worek. Otro detalle notable era el rol prominente ocupado
por los teclados de Andrzej Jancza dentro del sonido grupal.
El disco comienza con Kazdy dzieñ to wiêcej ran w twej glowie, cuyas
potentes cortinas cósmicas de teclado operan como una introducción que llena
la sala del oyente. Tras el interludio de guitarra acústica, el motivo
central emerge con un gancho directo, propio de los estándares del neo-prog
continental. Eso sí, las peculiares tonalidades de inspiración jazzera
provistas por la dupla rítmica le dan al ensamble global un no-se-qué que
los distingue de otras bandas circunscritas en esta misma línea de trabajo.
Ya en posteriores álbumes, la dupla rítmica y en especial el baterista
Mariusz Szulakowski se hará notar de manera contundente mientras se da la
evolución estilística de la banda
pero por ahora nos concentraremos en este
disco. El segundo tema también tiene gancho, pero aquí Lizard prefiere dar
un mayor espacio al desarrollo de pasajes instrumentales en compases
inusuales y sólidas variaciones de motivos. Aunque dura 3 minutos menos que
el tema de apertura, se revela más complejo, aunque en lo personal me parece
que ameritaba una mayor prolongación a fin de contar con más pasajes
cantados y explotar un poco más los muy interesantes momentos
instrumentales. Autoportret, pro su parte, es una balada neo muy afín a
las líneas musicales de sus compatriotas de Collage (en Safe) y Quidam (en
sus dos primeros discos). Strefa cienia porta amplias sonoridades de corte
hard rock psicodélico, creando una vía paralela a lo que se venía gestando
en la segunda fase de Porcupine Tree. Los ornamentos de teclado del
interludio ofrecen un cierto guiño al Red de King Crimson, aunque el
ambiente nunca se pone realmente opresivo. Ogród przeznaczenia nos
devuelve a climas más melancólicos, pero a diferencia de Autoportret, se
concentra menos en lo romántico y más en lo reflexivo. Los evocativos juegos
de acordes ejecutados por la guitarra acústica y las efectivas
orquestaciones de teclado construyen un apropiado trasfondo para el canto de
Damian Bydlinski.
La suite W krainie szmaragdowego jaszczura cierra el repertorio oficial
del disco (hay una segunda edición con bonus tracks) retomando en buena
parte los esquemas sonoros del tema de apertura y de Strefa cienia, aunque
en esta ocasión hay una interesante incorporación de elementos medio folk en
alguna que otra sección cantada. El esplendoroso final de la suite otorga un
cierre cautivador a un disco bastante interesante. Aunque Lizard demostraría
más tarde que era capaz de hacer discos con más músculo y garra que éste,
definitivamente hay que considerar a W Galerii Czasu como un disco debut
bastante valioso.
César Mendoza
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Autor: "Federico Luis Clauss Klamp" <flclauss@hotmail.com>
Asunto: NO ES FOLK, NO ES COUNTRY, NO ES ROCK, NO ES
EMMYLOU HARRIS: NO ES FOLK, NO ES COUNTRY, NO ES ROCK, NO ES ELECTRONICA,
(NO ES PROGRESIVO), NO ES GOSPEL...PERO DE ALGUNA MANERA SON TODOS ESTOS
ESTILOS A LA VEZ...
Fuente: www.emmylou.nl/biography.html
Traduccion Federico Luis Clauss Klamp
Emmylou Harris y la musica country tienen una historia que atraviesa mas de
dos decadas. Aunque sus canciones hablan de amores equivocados, el final
suele ser feliz como lo demuestran sus exitos en discos y el elogio de la
critica. Su innovacion, su afan por experimentar reflejan una quimica entre
Emmylou y la Vida, y sobre todo una pasion implacable en su encuentro con la
cancion...
Nacida en Alabama, hija de una familia de militares. Emmylou aprendio con
rapidez a través de los cambios motivados por la profesion de su padre. Los
cambios constantes de domicilio no danaron sus exitos académicos, y fue
elegida para la despedida final de su clase. Se inscribio en la Universidad
de North Carolina, en Greensboro. Durante el verano trabajaba en Virginia
Beach, como cantante y camarera. !Las dos únicas cosas que sabia hacer! En
el proceso se encontro con otros musicos y se dio cuenta de que tenia
bastante en común con ellos. Siguio adelante con sus planes, matriculandose
en la Universidad de Boston. Pero tras dos semanas, se dio cuenta de que era
un engano. Lo que de verdad le gustaba era ser musico, su Amor Real.
Ya en Nueva York se vio sola y pasando hambre. Vivia en una pequena
habitación en el Bitter End. Tenia un contrato discografico y un album bajo
el brazo, GLIDING BIRD para Jubilee Records. Su primer disco no fue mas que
un soplo de aire fresco en los circulos musicales, sin apenas repercusion.
Luego vivio un corto matrimonio y tuvo su primer hijo. Sobrevivia con
Ayudas Medicas y cupones canjeables de comida, tocando y pasando el
sombrero. En este momento se encontro con los musicos Jerry Jeff Walker y
Ramblin'Jack Ellliott. Una estancia de 2 meses en Nashville y luego vuelta a
casa. Quemada y desilusionada a sus 23 anos, Emmylou se volvio con sus
padres a Maryland, donde se abandono a un trabajo estable como modelo.
Tras muchos empujones y el aliento de sus amigos volvio a cantar. Tocaba en
el Red Fox con regularidad (Bethesda, Maryland, y formaba parte de la escena
del Folk y del Bluegrass. He aquí que se encontro a los musicos de Ricky
Skaggs, The Whites, y a LINDA RONDSTAD.
Su encuentro mas accidentado fue con GRAM PARSONS, quien estaba de paso por
la ciudad para ver a los Flying Burrito Brothers y andaba buscando a una
vocalista femenina para su proximo disco en solitario. Vio una actuación de
Emmylou en Clyde (el bajo DC. Un ano mas tarde recibio un pasaje de avion
para viajar al oeste y cantar en el album de Parsons, GP. Fue un exito y
Emmylou acompano a Parsons en su gira del 73, e hizo las voces de
acompanamiento en su album final, GRIEVOUS ANGEL.
Entregada a su trabajo con Parsons, no tenia deseos de tocar/grabar en
solitario. La repentina muerte de Parsons, justo antes de que se publicase
su segundo disco para Reprise, GRIEVOUS ANGEL, fue un shock terrible para
Ella. En una entrevista dijo: Era bueno para mi. No tenia un estilo antes de
encontrarle, amo la musica, pero nada me afectaba mas que la forma en que se
aproximaba a la musica. Con idea de recomponer las piezas de su vida, formo
su propio grupo. Muchos pertenecían a la banda de G. Parsons, incluyendo a
miembros del grupo de Elvis Presley (Gleen D. Hardin y James Burton). A
traves de su colaboracion con Parsons, Warner Brothers (WB) puso interes en
ella y la contrató para el sello a mediados de 1974.
Su primer disco, PIECES OF THE SKY,consolido su carera y no paro hasta
alcanzar el número 1 en las listas de country. Su segundo single If I could
only win your love (Si solo pudiera ganar tu amor) hizo lo mismo, alcanzando
el doblete. Con un tratamiento musical de mucha ternura y delicadeza, se
hizo notar en el panorama del country contemporaneo.
ELITE HOTEL le siguio en 1976, con Emmylou versionando un clasico de BUCK
OWEN Together Again y el He, There and Everywhere de THE BEATLES. Este
album alcanzo los tops country en un ano, con no menos de tres numeros uno,
Together Again, Sweet Dreams y One of these days. Ademas logro un GRAMMY.
Su tercer disco para WB LUXURY LINER revelo a Emmylou como una dama del rocK
.Salio en 1977, seguido por QUARTER MOON IN A TEN CENT TOWN en Enero de
1978.Una buena amiga, Susanna Clark hizo el diseño de la portada. Le siguio
un recopilatorio: A COLLECTION, PROFILE BEST OF EMMYLOU HARRIS. Y cuando
parecia ligada al folk y al country-rock, sorprendio a propios y extranos
con un nuevo disco de musica tradicional, BLUE KENTUCKY GIRL. Su exito llevo
a Emmylou a lograr un GRAMMY a la MEJOR INTERPRETACION FEMENINA.
Bajo la estela de sus exitos en el country, realizo ROSES IN THE SNOW, en
1980, un retrato de la musica clasica americana, enriquecido por bluegrass y
con la presencia talentosa de THE WHITES y de Ricky Skaggs. Su single
Beneath Still Waters alcanzo el número 1. Ese mismo ano y en la misma linea
grabo LIGHT OF THE STABLE. En 1980 fue votada por la ASOCIACION DE MUSICA
COUNTRY como mejor vocalista femenina del ano y gano un GRAMMY en un duo con
ROY ORBISON por That Lovin'You Feeling Again.
En 1981 sosrpendio a sus fans y grabo versiones de viejos temas pop como
Mister Sandman y How High the Moon. Este ano estuvo muy ocupada con
EVANGELINE, CIMARRON, además de con LAST DATE,un disco en vivo, mezcla de
rock y country. LUXURY LINER, BLUE KENTUCKI GIRL, PROFILE I, ROSES IN THE
SNOW y EVANGELINE alcanzaron el disco de oro.
WHITE SHOES salio a la calle en el invierno de 1983, y puso de manifiesto su
facilidad con el rock and roll, con temas de DONNA SUMMER On the radio y
Diamond Are a Girl's Best Friend. PROFILE II, un segundo recopilatorio
recuperaba sus Exitos de los 70 y 80.
THE BALLAD OF SALLY ROSE grabado en 1984 y publicado en 1985, es unico por
su ambientacion country y sus canciones, con temas en parte personales y en
parte ficcion. Se trata de una conmovedora reflexion de su realidad. Este
album alcanzo el número 8 y se mantuvo 46 semanas en las listas, con varios
Premios, un GRAMMY y un Premio de la ACADEMIA DE MUSICA COUNTRY. La gira
posterior fue fantastica, con dos vocalistas excepcionales PAM ROSE y
MARYANN KENNEDY.
Emmylou publicó su disco nº 13 THIRTEEN, en 1986, y permanecio en las listas
country 23 semanas. Incluia versiones electricas de Mistery Train, y de
temas de MERLE HAGGARD, como Today I Started Loving You Again.
En julio de 1987 edita ANGEL BAND, que para los puristas del country es su
mejor album. Intimo, espontaneo, una obra de arte. Fue grabado en su
habitacion con varios amigos; EMORY GORDY al bajo, VINCE GILL and CARL
JACKSON en la mandolina. MARK O'CONNOR, JERRY DOUGLAS y MARK AULDRIDGE
llegaron despues. EARL THOMAS CONLEY y EMMYLOU hicieron un duo en We
Believe in happy Endings. En 1988,edita su primer sencillo para BLUEBIRD.
El tema Heartbreak Hill subio en las listas de inmediato.
Luego una serie de colaboraciones en DUETS, que se publico en 1989 y se
convirtio en un clasico. BRAND NEW DANCE tambien se edito en 1989, con
maravillosas canciones interpretadas por PAUL KENNERLY y clasicos como
Never Be Anyone Else But You.
En 1991 monta una nueva banda acustica, con SAM BUSH en la mandolina, violin
y voces; LARRY ATAMANUIJ a la bateria y RON HUSKEY Jr al bajo; el exBURRITO
BROTHER AL PERKINS al banjo y JON RANDALL STEWART a la guitarra y
voces.EMMYLOU HARRIS & THE NASH RAMBLERS AT THE RYMAN fue grabado en directo
en el Ryman Auditory en Nashville; un lugar donde actuaron las leyendas del
country & western, HANK WILLIAMS, MINNIE PAEARL, PATSY CLINE, etc. Existe
una grabacion en video corta y otra más larga de este concierto, UNA NOCHE
PARA RACORDAR en palabras de la propia EMMYLOU.
A finales de 1992 deja el sello WB y ficha con ASYLUM RECORDS. En 1993 edita
COWGIRL'S PRAYER, con exito comercial y de critica. Incluia temas de TONY
ARATA y LEONARD COHEN. Se convirtio en otro clasico. Emmylou toma canciones
prestadas y le imprime su sello con resultados muy satisfactorios.
En 1995 sale WRECKING BALL un album que podría hacerle retornar a la música
folk. Ensalzado por la critica como un disco muy influyente, logro el GRAMMY
AL MEJOR ALBUM CONTEMORANEO DE FOLK. Las emisoras de radio no lo
difundieron. Recluto a musicos y artistas tan variopintos como JIMMI
HENDRIX, NEIL YOUNG, STEVE EARLE, GILLIAN WELCH, BOB DYLAN, DANIEL LANOIS,
LUCINDA WILLIAMS, DAVE OLNEY y RODNEY CROWELL bajo la producción de DANIEL
LANOIS (U2, PETER GABRIEL, BOB DYLAN, etc). Despues de su grabacion Emmylou
dijo: No se si voy a ser considerada parte de la musica country,
pero...puedo hacer la clase de música que quiera...
Una caja recopilatoria vio la luz en el invierno de 1996, PORTRAITS para
WARNER BROTHERS. Son 61 canciones en tres cds y con varios temas inéditos,
como You're Still on my mind de LUKE DANIEL; And I Love You So de DON
mCLEAN; Dimming of the day de RICHARD THOMPSON; Casey's Last Ride de KRIS
KRISTOFFERSON y When I Paint My masterpiece de BOB DYLAN. En el texto que
acompana a la caja COLIN SCOTT Escribe: Esta recopilacion es testigo de una
de las mas eclecticas visiones en la musica tradicional. No es un diario, es
una busqueda personal sobre el significado de la musica. Para KIERAN KANE:
...su musica trasciende categorias. Pienso que ha influenciado a mucha
gente...Su carrera está basada en muchos cambios. Tiene el respeto de la
comunidad country (Nashville)..No creo que haya musicos de rock and roll que
no hayan oido hablar de ella. Emmylou siempre ha sido una gran influencia
para mi. Su sentido de la canción es increible...su disposicion a hacer
algo...
En 1998 colabora en el disco CAR WHEELS ON A GRAVEL ROAD de Lucinda Williams
en el tema Greenville.
Cuando has trabajado con DANIEL LANOIS y ha revolucionado tu carrera con mas
riesgo, aventura y una produccion esplendida que envuelve tu voz, hay que
tener cuidado con el paso siguiente...
?Un disco de versiones o de remezclas? ?Permitir que tu productor escriba
nuevas canciones? Harris se juega todo a una nueva carta, y hace algo que
tiene un efecto sorprendente. RED DIRT GIRL (2000) escrito por ella y
ejecutado con la ayuda de unos pocos amigos, es uno de los mejores discos
del milenio..
Durante anos Emmylou ha bendecido a la audiencia con su voz clara, de
soprano y una deslumbrante seleccion de canciones. En RED DIRT GIRL Emmylou
esta como nunca. Su voz, suave y madura, devora las canciones con ternura y
pasion. Sus letras te rompen el corazon en un instante.
En Bang the Drum Slowly escrita por Emmylou junto al subestimado GUY
CLARK,hace un retrato de la muerte de su padre, con una percepcion clara sin
sentimentalismos. En RED DIRT GIRL brilla su poesia, ya sea en The Pearl /
La Perla o en I Don't Want To talk About it Now (no quiero hablar de ello
ahora. El productor, MALCOM BURN (CROWDED HOUSE), un discipulo de LANOIS,
trata de emular a su maestro. Cuando LANOIS crea una atmosfera (WRECKING
BALL) respeta el espacio entre los instrumentos y permite que la canción
respire. BURN en cambio dota al disco de una sonoridad densa, a veces algo
repetitiva. Pero las canciones estan a la altura de WRECKING BALL. Emmylou
no hace simplemente versiones sino que se apropia de ellas y las hace suyas.
El tema que da nombre al disco Red Dirt Girl es la mejor canción de los 2
albums.Todas las colaboraciones rayan a gran altura. BRUCE SPRINGSTEEN y
PATTI SCIALFA añaden lo que Tragedy necesita, con sus armonias vocales que
la hacen remontar el vuelo. DAVE MATTHEWS, fuera de su ambiente, en My
Antonia. JULIE MILLER y su marido BUDDY, PATTY GRIFFIN, DARRYL JOHNSON y la
mayor parte de los colaboradores que han rodeado a Emmylou le aportan
cohesion en terminos de sonido, estilo y contenido.
Emmylou ha creado algo que está fuera de toda clasificacion. No es Folk, no
es Country, no es Rock, ni Electronica, pero de alguna manera son todos
estos estilos a la vez.
Hubiera sido interesante que LANOIS hubiera entrado en la mezcla final del
album para cortar esas densas atmosferas (pero esto es una critica menor);
ademas estaba trabajando con U2. Este disco trsciende los generos y situa a
Emmylou en un puesto principal e importante, como poeta maravillosa y
artista sin rival, como autora e interprete de canciones agridulces.
MALCOM BURN protegido de LANOIS, quien trabajo en WRECKING BALL y produjo
RED DIRT GIRL, esta detras de la mesa de mezclas. Aunque les gustan las
guitarras con efectos de eco y las atmosferas, BURN no es LANOIS y STUMBLE
INTO GRACE Nonesuch-Dro East West (2003) es una experiencia mas suave.
Sobre las bases de una percusion seca, con ambientes de guitarra y sonidos
folk se situan armonicas y acordeones que flotan de forma agradable,
produciendo un sonido elegante con la voz de Emmylou delicada y fragil,
desencadenando todo su poderio vocal.
Muy amada y respetada tanto en la escena folk como country, una serie de
grandes artistas aceptaron la invitacion de Emmylou Harris para acompanarla.
Folkies como KATE and ANNA McGARRIGLE con quien escribio la joya Little Bird
y que la ayudan en Plaisir Damour, una cancion tradicional de JOAN BAEZ.
JULIE MILLER y artistas del rock, desde LUSCIOUS JACKSON hasta JANE SIBERRY.
En I Will dream hace un relato de un amor no correspondido, con mucha
dignidad poetica. Su amiga desde sus inicios, LINDA RONSTADT anade voces en
Strong Hand. Es el final de un album que continua ensanchando los limites de
la musica americana sin perder sus raices.
David Morán en la revista Rockdeluxe (diciembre 2003, RDL 213) al hablar de
STUMBLE INTO GRACE afirma que Emmylou se muestra espectral e inquietante en
I Will Dream, con unos arreglos que unas veces recuerdan al PETER GABRIEL de
Solsbury Hill (Little Bird) y otras a los rayos de sol que deslumbran de
vez en cuando en la obra de LUCINDA WILLIAMS (Jupiter Rising). STUMBLE INTO
GRACE es un disco de texturas y emociones...donde la suplica de Can You Hear
Me Now, el celofan que envuelve Evangeline y la apropiación del tradicional
Plaisir D'Amour acompañan a Harris en un viaje que desemboca en una Cup of
Kindess que es una bendicion.
Tambien en 2003 colabora en el tercer disco en solitario del productor y
musico DANIEL LANOIS, SHINE, en el tema I Love You.
Ya en 2004 aparece en el disco JUST BECAUSE I'M A WOMAN de DOLLY PARTON, que
sale para conmemorar su 35 aniversario tras su debut en RCA con un disco del
mismo titulo. Participan Alison Krauss, Norah Jones, Sinead O'Connor, Joan
Osborne,Melissa Etheridge,entre otras...y Emmylou Harris con una version de
una cancion de 1978.
Posteriormente ha colaborado con el grupo de indie-country BRIGHT EYES
liderado por Connor Orbest, en el album del 2005 I'M WIDE AWAKE, ITS
MORNING, donde participa en las canciones We Are Nowhere an Its Now, Old
Soul Song (For the New World Order) y Landlocked Blues.
Otro recopilatorio HEARTACHES & HIGHWAYS: the very best of Emmylou Harris ve
la luz el 19 de julio del 2005. La 1a coleccion de singles de Emmylou en su
carrera con 20 temas, incluyendo el tema nuevo The Connection. Incluye los
numeros 1: Together again y Two More Bottles of Wine, asi como el dueto con
el que ganó el GRAMMY junto a ROY ORBISON, That Lovin'You Feelin'Again y To
Know Him is To Love Him con Dolly Parton y Linda Ronstadt de su disco
country Nº1 TRIO.
En 2005 participa en la banda sonora de BROKEBACK MOUNTAIN, candidata a los
Oscars, con el tema A love that will never grow old escrito por Gustavo
Santaolalla ( autor del score) y por Berni taupin, conocido por colaborar
con Elton John.
Su conocimiento de que la musica no sigue patrones estrechos es su reciente
colaboracion en el disco de los sudafricanos LADYSMITH BLACK MAMBAZO (LONG
WALK TO FREEDOM 2006),conocidos por el GRACELAND de PAUL SIMON,
interpretando los temas Amazing Graze y Nearer My God To There. La letra de
Amazing Graze fue escrita por uno de los esclavos del comerciante John
Newton, que volvio a nacer tras una terrible tempestad en 1772. Despues se
le anadieron unas tonadas en Carolina del Sur. Emmylou conocia las dos
canciones de toda la vida, y anade una maravillosa voz country-gospel a las
conmovedoras armonias de LADYSMITH BLACK MAMBAZO.
En el 2006 publica con el ex-guitarrista de DIRE STRAITS Mark Knopfler el
disco ALL THE ROAD DRUMMING. Contiene 12 canciones que han tardado 7 anos en
cristalizar en un album.
La idea fue de Mark, que me pidio que colaborase en un par de canciones:
Donkey Town y Red Satggerwing...penso que podrian convertirse en el inicio
de algo nuevo...Despues colaboramos juntos en un disco de homenaje al
cantante country Hank Williams y en los tiempos muertos de nuestras carreras
respectivas ibamos grabando nuevos temas con el micro frente a nuestros
grupos e ibamos cantando juntos. En total fueron unas dos semanas, dice
Emmylou.
Knopfler afirma que no es estrictamente un disco country, solo Love and
happiness esta en esta onda. Harris por otra parte afirma que las etiquetas
no sirven para nada en musica. Alguien me dijo una vez que a uno le interesa
el rock and roll hasta que tiene que empezar a pagar la factura del
alquiler.
Knopfler remata: A Emmylou le siguen llamando reina de la música Country y
en realidad ha pasado tanto tiempo haciendo desde que hizo un disco
verdaderamente Country.
De entre todos los temas del disco destaca If this is goodbye (Si esto es un
Adios), inspirado en las llamadas de las gentes que se despedia de los suyos
en los aviones que chocaron con las Torres Gemelas, y que surgio a raiz de
una columna del escritor britanico Ian McEwan. Es un tema de amor
maravilloso, que emociona mas sabiendo lo que hay detras. Cuando empece a
cantarlo por primera vez me eche a llorar afirma Emmylou Harris, Fernando
Martin, El Pais, 12 de Mayo del 2006.
MARK KNOPFLER & EMMYLOU HARRIS actuaron en el Palau Sant Jordi, Barcelona 13
de Junio. Dimas Rodríguez en RDL242 comenta este concierto. En directo,
arropados por una banda de sonido limpio, mullido y servil, la asociación
Harris & Knopfler funciona con profesionalidad, y senala el templado
trayecto que cruzan cuando comparten una melodia. Su pase en el Sant Jordi
mostro una coleccion irregular de rafagas... Harris invocando a quien fue su
mentor y angel caido, Gram Parsons, anadio emocion y memoria musical al
pulso del recital. Knopfler, se mantuvo comedido en su recuperacion de
viejos clásicos de su antigua formación (DIRE STRAITS): Romeo & Juliet, Why
Worry o un So Far Away, que provoco que fervorsos seguidores descendieran
apresuradamente a la pista...Al final, con las luces encendidas, flotaba por
el ambiente esa bruma que envuelve veladas anecdoticas, transitorias, de
caracter menor y respiracion pausada.
De ALL THE ROAD DRUMMING ha salido a finales del 2006 una edición en CD+Dvd
REAL LIVE ROADRUNNING, que recoge una de las actuaciones de su gira del
2006.
Y para abril del 2007 se espera un disco de homenaje a Joni Mitchell donde
Emmylou Harris participa junto a James Taylor, Surfjan Stevens, Caetano
Veloso, Bjorj o Annie Lennox, entre otros. Este disco sera publicado por
Nonesuch Records, la compañía actual de EH.
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Los mejores del 2006, desde otro punto de vista
Hola a tod@s
Me gustaría aprovechar, en primer lugar, para daros las gracias a tod@s por
haber conseguido aumentar este año el numero de votantes en la lista de los
mejores del 2006.
En segundo lugar y solo a modo de curiosidad, que nadie se me moleste ;-))
he clasificado en dos grupos la lista de los mejores, a ver que os parece:
RETROPROG:
1. The Tangent A Place in the Queue 127 puntos
4. La Maschera di Cera Lux Ade 83
5. The Flower Kings Paradox Hotel 78
7. Magenta Home 49
8. Sylvan Posthumous Silence 42
9. Frost Milliontown - 39
10. Mindgames Actors in a Play - 35
12. Steve Hackett Wild Orchids - 31
16. Gargamel Watch for the Umbles 26
16. PFM Statti di Immaginazione 26
MODERNPROG
2. The Mars Volta Amputechture 91 puntos
3. Tool 10000 Days 90 puntos
6. Pure Reason Revolution The Dark Third 51
11. Isis In the Absence of Truth 34
13. Devin Townsend Synchestra 29
20. White Willow Signal to Noise 22
21. Katatonia The Great Cold Distance - 19
22. Red Sparowes Every Red Heart Shines Toward the Red Sun - 18
24. Zombi Surface to Air - 16
25. Agalloch Ashes Against the Grain - 15
PROGMETAL
13. Dream Theater Score - 29
15. A.C.T Silence - 27
23. Canvas Solaris Penumbra Diffuse 17
25. Vanden Plas Christ O 15
38. Beyond Twilight For the Love of Art and the Making - 10
Gana por goleada:
RETROPROG: 536 votos
MODERNPROG: 385 votos
Viéndolo así quizás hacemos caso de aquello de que "Cada mochuelo a su
olivo", no?
De aqui se pueden sacar muchas conclusiones, pero eso me gustaria dejarlo en
vuestras manos.
salu2
Juan
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DON CABALLERO "2"
DON CABALLERO: 2 (1995)
Temas
1. Stupid Puma
2. Please Tokio, Please THIS IS TOKIO
3. P,P,P,antless
4. Repeat Defender
5. Dick Suffers is Furious with You
6. Cold Knees (In April)
7. Rollerblade Success Story
8. No One Gives a Hoot about FAUX-ASS Nonsense
Integrantes
- Ian Williams: guitarra
- Mike Banfield: guitarra
- Matt Jencik: bajo
- Damon Che: batería
Siguiendo con mi periplo a través de la reciente escena rockera experimental
norteamericana, últimamente me he topado con el grupo instrumental Don
Caballero, toda una leyenda (hace poco revivida) del math-rock y la
vanguardia experimental de su país. Su más reciente disco World Listening
Class Problem ya ha sido reseñado oportunamente aquí, por lo que en esta
ocasión me remito a 2, precisamente su segundo disco, el cual resulta ser
uno de los trabajos más celebrados por fans y críticos de la primera etapa
de Don Caballero. Y de hecho, este disco es un estupendo catálogo de
sonoridades rockeras ricas en complejidad y dinamismo, sonoridades que
portan de manera creativa las influencias del King Crimson moderno, Primus,
la faceta más ácida del prog metal, el post-rock, el jazz-metal y la
psicodelia frontalmente experimental. Damon Che, fundador del grupo, es un
ítem particularmente valioso dentro de Don Caballero: su asombroso uso de
redobles y demás trucos percusivos en la batería le permiten lucirse
adecuadamente en medio de los riffs y contrapuntos armados por los
guitarristas, mientras que el bajo carga con el peso de llenar los espacios
que la batería deja abiertos con cada ornamento.
Stupid Puma, uno de los temas más emblemáticos de Don Caballero, abre el
disco con un alucinante esplendor metálico que sabe alternarse con pasajes
más matizados: el carácter patentemente estructurado de esta pieza permite
dar un núcleo robusto a los despliegues de virtuosismo de parte de los
músicos. Please Tokio, Please THIS IS TOKIO ocupa 11 minutos de espacio,
los mismos que son aprovechados por el ensamble para desplegar su gusto por
mezclar y alternar elementos metaleros, psicodélicos y progresivos: aquí sí
notamos un clima de mayor soltura expresiva para los músicos, especialmente
en lo que se refiere a la labor de Che. Los diversos pasajes se van
sucediendo en un vendaval sabiamente articulado bajo una arquitectura
musical excitante. Los pasajes más cadenciosos arrastran en cierto modo la
fuerza desplegada explícitamente en las secciones más agresivas, lo cual
habla muy bien de la integridad lograda en la piaza como un todo. Los
últimos minutos consisten en un doble soundscape de guitarra sazonado con
adornos percusivos no convencionales, minimalismo industrial que le llaman
algunos por ahí. P,P,P,antless es, al igual que la primera pieza, un
ejercicio arquetípico de math-rock, propiamente angular y disonante pero con
un gancho rítmico pegadizo. Y con Repeat Defender tenemos otra composición
ambiciosa, un poco menos extensa que Please Tokio
, y también con una
mayor dosis de agresividad rockera en sus desarrollos y un aura de
complejidad más afín a los arquetipos prog metalero y crimsoniano,
simultáneamente. Dick Suffers is Furious with You es otro tema largo que
se desenvuelve lúcidamente en una atmósfera progresiva, aunque esta vez se
acerca más a la faceta más recia de los efluvios psicodélicos tipo
post-rock. Las vibraciones predominantemente jazzeras de la batería de Che
permiten a esta pieza sacarle el jugo a su intrínseca agilidad (de manera
semejante a lo que poco después descubriremos en los trabajos de BLS y
Attention Deficit).
Las cosas pasan a un plano más etéreo con Cold Knees (in April), un
experimento de efectos digitales reciclados a través de la guitarra que
funge como una suerte de preludio a Rollerblade Success Story, pieza que
contiene una complejidad equivalente a la de los temas 1 y 3, pero
definitivamente una polenta más abundante en los pasajes más metaleros. El
pasaje más lánguido me remite a las atmósferas predominantes en los
ejercicios instrumentales del Primus clásico. Los últimos 10 ¾ minutos del
disco están ocupados por No One Gives a Hoot about FAUX-ASS Nonsense, el
cual retoma de manera esplendorosa las vibraciones y texturas del tema 4,
tal vez incluso realzando un poco más el factor crimsoniano: el juego de
contrastes entre los momentos más sutiles y los más explícitos está lo
suficientemente bien logrado como para suponer un auténtico broche de oro
para un disco realmente sensacional. De hecho, el clima de tensión sonora
emerge aquí con especial densidad merced al uso de repeticiones machaconas
de ciertos riffs y contrapuntos, un recurso utilizado con nervio e inventiva
para reflejar el mecanicismo del mundo moderno.
2 es una joya progresiva de alto nivel que, puesto en perspectiva, lamento
haber conocido tan tarde, pero bueno, más vale tarde que nunca
Don
Caballero ha sido citado como una influencia importantísima por muchas
bandas que actualmente descuellan dentro de las vertientes metal y
experimental del progresivo, y debo decir que, con mis primeras
aproximaciones al repertorio de esta banda, su prestigio está más que
justificado a mis oídos.
César Mendoza
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Autor: "Gustavo Vranich" <gusvranich@hotmail.com>
Asunto: Galahad - Empires Never last (2007)
Galahad : "Empires Never last" (2007)
Empires Never Last
1. De-Fi (2:03)
2. Ance (Instrumental) (3:42)
3. Termination (7:14)
4. I Could Be God (13:59)
5. Sidewinder (11:00)
6. Memoirs Form An African Twin (4:02)
7. Empires Never Last (9:06)
8. This Life Could Be My Last (9:18)
Integrantes
- Stuart Nicholson: vos
- Spencer Luckmann: batería
- Lee Abraham: bajo
- Dean Baker: teclados
- Roy Keyworth: guitarra
Pagina Web: www.galahadonline.com
Empires Never Last es el 7º trabajo en estudio de esta banda inglesa
surgida a principios de los 90 con un sonido neo-sinfónico y el primero
desde 2002.
El disco cuenta con una duración de 1 hora dividida en 8 temas que van
desde los 2 hasta los 14 minutos.
El sonido de este nuevo disco de Galahad tiene una base neo-sinfónica
pero con la característica que tienen varias bandas de este estilo en ente
milenio, es decir guitarras mucho mas pesadas, en algunos casos llegando a
ser por momentos casi de metal progresivo.
El disco ya comienza con un tema atípico para la banda, una introducción
casi a-capella de 2 minutos que nos recuerda en un primer momento al tema
The Power to Belive (A Capella) de King Crimson.
Luego, y a lo largo de prácticamente todo el disco, vamos a encontrar un
sonido mucho más pesado y con muchos mas cortes de ritmo que en los
anteriores de la banda.
Prueba de esto podemos encontrar en la instrumental Ance, en Termination,
en I Could be God que empieza con unos sonidos de sintetizadores muy de
música electrónica para luego tener un desarrollo de alto vuelo con grandes
cambios de ritmo y la voz de Nicholson en su mejor momento o en Empires
Never Last quizás el mejor tema del disco con un lento comienzo y un
desarrollo muy potente, con la vos de Nicholson por momentos muy cercana a
James Labrie de Dream Theater, sobre todo en el estribillo y con unos
arreglos orquestales de gran nivel para finalizar el tema.
Empires Never Last el nuevo trabajo de Galahad es un disco en donde la
banda luego de 5 años se refunda y se recicla dando un paso gigantesco y muy
arriesgado hacia delante pero con grandes resultados.
Sin lugar a dudas a pesar de haber salido a la venta en enero estamos
ante uno de los mejores discos del año y va a ver que hacer muchos meritos
para superarlo
Gustavo Vranich (El Faraón) Argentina, Abril 2007
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Focus 9
FOCUS: Focus 9 / New Skin (2006)
Temas
1. Black Beauty
2. Focus 7
3. Hurkey Turkey 2
4. Sylvias Stepson Ubatuba
5. Neils Skin
6. Just like Eddy
7. Aya-Yuppie-Hippie-Yee
8. Focus 9
9. Curtain Call
10. Ode to Venus
11. European Rap(sody)
12. Pim
13. It Takes 2 2 Tango
Integrantes
- Thijs van Leer: órgano Hammond, teclados, flautas, canto
- Pierre van Der Linden: batería
- Bobby Jacobs: bajo
- Niels van der Steenhoven: guitarras
Colaborador Jo de Roeck (canto en 6)
El más reciente disco de la leyenda viviente holandesa Focus sigue firme en
el camino de reavivamiento de su sonido más genuinamente esencial, un camino
que no termina de llenarse de composiciones llamativas con sus respectivos
arreglos ingeniosos. Se ha dado una importante variación en la formación del
grupo perennemente liderado por Thijs van Leer desde el disco anterior
Focus 8. Para Focus 9 / New Skin, la nueva piel del grupo se reviste
ahora de los guitarreos de Niels van der Steenhoven y la batería de un hijo
pródigo, el siempre añorado Pierre van der Linden. Este recambio ha dado muy
buenos resultados, pues ciertamente (y no soy el único en notarlo) el grupo
ha sabido desenterrar al 100 % el nivel de polenta y cohesión sonora que ha
caracterizado a Moving Waves y Focus 3, ientras que, en comparación,
Focus 8 solo lo había hecho de forma parcial. Este disco que acabo de
mencionar fue un comeback de buena factura, pero ahora con la perspectiva
que nos da Focus 9 / New Skin, podemos ver en este mismo disco un enfoque
musical más sólido.
Las puertas se abren al reingreso de Ven der Linden con una nueva versión de
Black Beauty, original del ya lejano primer disco de la banda: esta
versión es instrumental y más ágil, particularmente más rico en matices en
lo referente a los arreglos y adornos empleados para realzar el motivo
central. Focus 7 y Focus 9 nos devuelven a esos paisajes musicales
contemplativos de los cuales gusta tanto Van Leer: ambas piezas son sendas
hijas del matrimonio de Focus y Focus III, pero cada una con
personalidad propia. Focus 9 es mi favorita personal de las dos por causa
de ese ambiente de piano bar en las últimas bocanadas de la noche, siendo
así que las sutiles interacciones entre la guitarra acústica y el piano
(ocasionalmente aumentadas por una flauta ensoñadora) portan una belleza
peculiar, llamativa sin aspavientos. Las sutilezas armadas por el nuevo
guitarrista lo revelan como un sucesor idóneo a más no poder del emblemático
Akkerman. Sylvias Stepson Ubatuba es otro logrado ejemplo de la exitosa
reencarnación revitalizada de los ambientes melancólicos esenciales de Focus
en este disco, aunque a manera de adorno extravagante emerge una breve
sección intrépida. Just Like Eddy, bueno, no sé si hay efectivamente un
chiste explícito en el título mismo de esta canción, pero es significativo
cuánto se asemeja a la línea de los temas cantados durante la etapa con
Proby esta vez el vocalista invitado es Jo de Roeck, cuyo timbre y estilo
se parecen a los del mencionado Proby. Ode to Venus porta una prestancia
semejante a la de los dos Focus anteriormente mencionados, aunque con
menor majestuosidad.
Hurkey Turkey 2 nos muestra la clásica faceta ágil de Focus aunque sin
llegar a niveles muy agresivos de sonoridad rockera, pero sí con esa
peculiar picardía traviesa que a veces los ha hecho afines a Jethro Tull, de
alguna manera. Una mención especial va para la reelaboración circense del
motivo central de Alla Turca de Mozart. Más enérgicos son temas como el
pegadizo Curtain Call y Neils Skin. Este último, compuesto precisamente
por el guitarrista, tiene una base funky rock pero con la suficiente dosis
de sofisticación como para que se integre bien en el repertorio.
Aya-Yuppie-Hippie-Yee tiene una vibración rockera más explícita:
tratándose de una composición aportada por Bobby Jacobs, se puede confirmar
aquí (añadiendo también su aporte para el disco anterior) que él está
impregnado de la más genuina esencia de Focus. El lucimiento de Van der
Linden nos ofrece atractivos retazos de sus mejores días. Y qué decir del
solo de flauta
!magistral en su extravagante jovialidad! European
Rap(sody) dura 10 minutos: incluye un motivo ruso que fue usado en un jam
grabado en el documental de 1971 para la televisión belga. Estos 10 minutos
son empleados en una sucesión de diversos motivos que van desde lo
introspectivo a lo juguetón, pasando por ambientes sobriamente frívolos de
inspiración folklórica. La ilación es bastante fluida, y nunca da la
sensación de que las porciones estén abortadas antes de pasar a las
siguientes. Tras el espíritu relajado y amable de Pim, llega el tema de
cierre It Takes 2 2 Tango, el cual nos devuelve ese aroma de melancolía
envolvente tan propio de Focus, añadiendo algunos matices joviales durante
su desarrollo.
A fin de cuentas, ?qué es Focus 9 / New Skin? Es una demostración de
renacimiento musical creativo que ostenta sus añejas raíces sin perder un
ápice de energía ni de vitalidad. Si discos como éste hubieran sucedido a
Hamburger Concerto, los anales de la tradición del rock progresivo no
estarían hablando de una fase de decadencia de Focus durante la segunda
mitad de los 70s. Pero como no se puede volver atrás en el tiempo, diremos
que Focus ha demostrado con este disco que su retorno para el nuevo milenio
significa que aun están para crear auténticas joyas musicales para el
público que nunca ha dejado de apreciar su legado.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: novedades de KAIPA
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El grupo sueco KAIPA lanzará al mercado "Angling Feelings" en mayo de 2007.
Será su noveno disco de estudio, y el primero con el guitarrista Per Nilsson
en sus filas. Nilsson y Hans Lundin, el líder del grupo, son amigos y
colaboradores desde la década de los 90s: Nilsson es también guitarrista de
la banda metalera Scar Symmetry.
Kaipa tiene su blog en Myspace, y pronto se publicará allí un conjunto de
clips de audio extraidos de este inminente disco.
El repertorio de "Angling Feelings" es como sigue.-
1. Angling Feelings
2. The Glorious Silence Within
3. The Fleeting Existence of Time
4. Pulsation
5. Liquid Holes in the Sky
6. Solitary Pathway
7. Broken Chords
8. Path of Humbleness
9. Wheres the Captain?
10. This Ship of Life
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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