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La caja de musica Number 0752
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #752 noviembre 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Spock's Beard: "Spock's Beard" (2006)
* Index "Liber Secundus"
* actividades de Whitaker y Wyatt (de Happy The Man)
* página_de_2112,_actualizada
* respuesta a alberto
* BANKS - Calling All Stations + DVD
* Pink Floyd Comic
* TEMPANO
* Decepcionado
* progresivo contemporaneo
* Tercera y ultima parte entrevista GUALBERTO
* Cosmos: "Skygarden" (2006)
* Thinking Plague "In Extremis"
* MIDAS "In Concert"
* Grog editado por Psycofonía Records ya a la venta!!!
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Spock's Beard: "Spock's Beard" (2006)
Spock's Beard: "Spock's Beard" (2006)
Discografica: Inside Out Music
Temas:
1. On A Perfect Day (7:47)
2. Skeletons At The Feast (6:33)
3. Is This Love (2:51)
4. All That's Left (4:45)
5. With Your Kiss (11:46)
6. Sometimes They Stay, Sometimes They Go (4:31)
7. The Slow Crash Landing Man (5:47)
8. Wherever You Stand (5:09)
9. Hereafter (5:01)
As Far As The Mind Can See
10. Part 1: Dreaming In The Age Of Answers (4:49)
11. Part 2: Here's A Man (3:28)
12. Part 3: They Know We Know (3:18)
13. Part 4: Stream Of Unconsciousness (5:23)
14. Rearranged (6:07)
Musicos:
- Nick D'Virgilio Vocals, Drums, Guitars
- Dave Meroes Bass
- Alan Morse Guitars, Vocals
- Ryo Okumoto Keyboards
Después de 2 albums en mi opinión bastante desoladores, como fueron Feel
Euphoria y Octane, quizás porque añoramos la música de los SB de Neal Morse,
la banda actual liderada en estos momentos por Nick D'Virgilio, editan un
tercer trabajo homónimo.
Tras escuchar el tema que abre el disco ON A PERFECT DAY, para mi el mejor
tema Clásico y Made in SPOCK'S BEARD que han escrito después de la marcha de
Neal Morse y el cañero SKELETONS AT THE FEAST, uno se frota las manos
pensando, bueno !!!, se lo han pensado mejor y han dicho de volver a tocar
BUEN PROGRESIVO, pero que va !!! solo es un espejismo.
IS THIS LOVE suena a clon de DEEP PURPLE, igual que WHEREVER YOU STAND,
tenemos también baladas AOR como ALL THAT'S LEFT, WITH YOUR KISS donde
participan todos a los coros y THE SLOW CRASH LANDING MAN no hacen mas que
pronunciar ese deseo de la actual banda de Spock's Beard de llegar a otra
clase de publico que con el que han llegado con el progresivo, como si no
hubiera ya buenos grupos AOR.
SOMETIMES THEY STAY, SOMETIMES THEY GO parece un tema interpretado por Lenny
Kravitz y para acabar anuncian una SUITE titulada AS FAR AS THE MIND CAN SEE
cuyo comienzo AOR a lo FOREIGNER nos presagia lo peor, pero llega HERE'S A
MAN con ese toque jazzy y el buen savoir faire de los MUSICOS de SB, pero
vuelve a ser otro espejismo, porque los siguientes temas nos devuelven ese
toque AOR.
En definitiva una nueva decepción, ya van tres. Solo destacable ON A PERFECT
DAY, un temazo que a los que os guste los clásicos Spock's Beard de Neal
Morse, este os gustara a rabiar y también mencionar ese toque jazzy
preciosista que tiene HERE'S A MAN. Además hay que destacar la mas que
correcta instrumentación de los 4 músicos, la producción y grabación del
álbum y subrayar en especial el papel que realiza Alan Morse a la guitarra.
Puntuacion: 4,5/10
Salu2 nuevamentedefraudadosfansprogresivos
© Juan
progjuan@hotmail.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Index "Liber Secundus"
INDEX: Liber Secundus (2002)
Temas
1. Lágrima
2. Portões de Gaza
3. Fim de Floresta
4. Algemas de Floresta
5. Guernica em Nova York
6. Instantes
7. Novella
Integrantes
- Ronaldo Schenato: bajo
- Jones Júnior: guitarras y voz
- Leonardo Reis: batería y voz
- Otaviano Kury: teclados y voz
Colaboradores Cristina Sachet (canto en 1), Rafael Reis (armónica)
Segundo disco de la banda brasileña Index, fundada por el guitarrista Jones
Júnior tras su alejamiento de la formación original de Quaterna Réquiem: el
repertorio de Liber Secundus, a diferencia del de Identidade, da espacio
a temas cantados, aunque los temas tienen en general una predominancia
instrumental. Se trata de algo bueno, en verdad, pues la destreza vocal de
estos músicos no rebosa carisma ni brillantez. El sonido del grupo se clava
perfectamente en el sinfonismo melódico inspirado en el Camel clásico y con
algo del lirismo inquieto de Yes, dos referentes muy habituales dentro de la
escena progresiva brasileña, dicho sea de paso (allí tenemos los ejemplos de
Dogma y Tempus Fugit). El disco comienza con el hermoso instrumental
Lágrima, compuesto por el teclista: es por eso que el piano da inicio solo
a la pieza, y luego guía su desarrollo, el cual incluye bien armados solos
de guitarra. El canto de la invitada Cristina Sachet ayuda bastante a
realzar el tono solemne que resulta esencial a la pieza. Las cosas se ponen
más ágiles en los dos siguientes temas, y cabe decir que el sonido del grupo
adquiere una mayor robustez, lo cual permite solventar una reestructuración
más sólida para las ideas musicales, las cuales, a su vez, contienen una
dosis menor de sofisticación en comparación con el poderoso tema de entrada.
Algemas de Cristal es un breve solo de guitarra clásica, cándido y sutil,
adornado con retazos de armónica. Este pequeño desahogo intimista es
mayormente un preludio a Guernica em Nova York, una pieza que resalta por
causa de su enérgico despliegue de extroversión. De hecho, los tres temas
que conforman la segunda mitad del disco se lucen en un continuo pleno en
colorido y vivacidad. En concreto, el motivo introductorio instrumental de
Guernica está elaborado a partir de diálogos de guitarra y bajo que suenan
un poco a una mezcla de Heart of the Sunrise y Siberian Khatru. Poco
después, de manera fluida, la conclusión de esta sección se engarza con el
motivo cantado central, donde el compás es más reposado y el tono progresivo
se pone más cameliano. La elaboración de un aura intensa sobre el desarrollo
del motivo central conduce a la retoma concluyente de la entrada
instrumental. Instantes comienza con una introducción melancólica, la cual
abre espacio para que, al poco rato, emerja una sección principal más
explícita. Los últimos 13 ¾ minutos están ocupados por el instrumental
Novella, otra gema de este disco. Las diversas ideas melódicas que van
girando y expandiéndose son bastante agradables, y están hiladas de manera
muy natural a través de las variantes de ritmo y ambiente. Un cierre
adecuado para un disco ideal para los acérrimos amantes de la tradición prog
sinfónica.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: actividades de Whitaker y Wyatt (de Happy The Man)
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El guitarrista Stan Whitaker y el vientista-teclista Frank Wyatt, dos de los
cerebros de la portentosa banda norteamricana Happy the Man, operan juntos
tamboén en otros proyectos musicales. Me refiero a Oblivion Sun y Pedal
Giant Animals.
Oblivion Sun es un quinteto que tiene la misma estructura instrumental que
HTM, y un sonido muy similar también, aunque con una dosis mayor de energía.
Su material está disponible para ser escuchado en el enlace
http://www.myspace. com/oblivionsun
Por su parte, Pedal Giant Animals es un proyecto a dúo en el cual colaboran
como músicos de apoyo Peter Princiotto y Chris Mack. Será lanzado al mercado
el 15 de diciembre próximo, y su repertorio consiste en los siguientes
temas: Mists of Babylon Whole - The Leaf Clings... - Chapter Seven -
Everything Love Stumpy Shuffle - Turning My Head - Pedal Giant Animals -
Blue Sun - Pink Sky.
El sonido grupal combina composiciones épicas progresivas, instrumentales
acústicos, jazz vanguardista y texturas sinfónicas. Más detalles y ventas
pre-order en el enlace http://www.pedalgiantanimals.com/
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: página_de_2 31 312,_actualizada
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La página web del grupo argentino 2112 se ha actualizado, con nuevas
informaciones y fotos. Se incluye una biografía concisa del nuevo bajista
Gabriel Costa, quien fuera entrevistado hace poco aquí mismo, en LCDM.
Visita recomendada al enlace www.2112argentina.com
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: "jsierbo@wanadoo.es " <jsierbo@wanadoo.es>
Asunto: respuesta a alberto
Respondo al mensaje de Alberto.
> Bueno, lo primero que te respondería es que para mi es más que obvio que
Mars Volta, Tool, Opeth, Isis, etc. tie nen mucho más que ver con el
progresivo que los Genesis de Collins/Rutheford/Banks. Y lo de que el
progresivo de siempre baja enteros en la lista no me extraña francamente,
visto que ninguna banda clásica (salvo King Crimson) tiene nada digno que
ofrecer y el lamentable nivel de calidad y origi nalidad de los típicos
Flower Kings, Spock's beard, etc.
Señores (y señoras), estamos en un punto de inflexión, el progresivo gana
adeptos y presencia con una facilidad que seguramente desde los setenta no
se ve ía, pero obviamente es otro progresivo. Ni mejor ni peor, sino
diferente. Podeis descubrir un nuevo mundo o podeis seguir escuchando los
discos de Phil Collins hasta rallarlos, la elección es libre.
Bueno, en todo caso que estos grupos tienen que ver más con el progresivo
que genesis formato trio es tan solo tu opinion. No habras escuchado duke o
we can't dance, supongo. Y hablar de que flower kings son lamentables cuando
no ha habido un solo bajon en su carrera, ya dice mucho de tus gustos. Por
no hablar del ejemplo que pones de banda clasica que hace progresivo digno,
king crimson, cuando lo suyo actualmente tiene poco del progrresivo de sus
buenos años.
Yo siempre he sido un seguidor del progresivo y esos adeptos y gran
presencia del progresivo que cuentas no lo veo en ningun lugar, para bien o
para mal creo que somos los mismos de siempre. Ahora si a los nuevos adeptos
te refieres a ti y tus semejantes pues me temo que hay que hablar en
terminos mucho mas reducidos. Para muestra, las respuestas a mi mensaje, tan
solo has respondido tu, nadie más. Me temo que se confirman mis sospechas,
sois una minoria los que quereis que apechuguemos con vuestros progresivos
modernos, frente a una grandisima mayoria que no nos interesa para nada.
Yo soy uno de los sorprendidos con la atención que se le está prestando a
esta reunión. Me parece tan lamentable estar pendiente de una reunión que en
el mejor de los casos va a dejar un par de refritos de la era gabriel, en
lugar de interesarse por el prolífico panorama del progresivo contemporáneo
que este 2006 nos está dejando obras estupendas en una variedad y calidad
asombrosas. Pero bueno cada uno es libre de interesarse por lo que crea
conveniente, eso está claro.
Sigo pensando que este tipo de grupos tan estupendos según tu, cosa que no
dudo, no son carne para degustar en la caja. Simplemente es mi opinion que
espero sea respetada.
Sierbo
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: BANKS - Calling All Stations + DVD
Calling All Stations visto por Tony Banks
Prólogo (2006).
A principios de 1996 Tony Banks y Mike Rutherford, sin tener nada que
perder, decidieron que querían probar suerte de nuevo, motivados también por
el hecho de que querían seguir escribiendo canciones. Sin pretender ser más
un supergrupo, Banks un día escuchó el álbum Stiltskin del desconocido Ray
Wilson y quedó impresionado con su voz, y el resto es historia. Ray fue
elegido no porque fuera un cantante perfecto, ni Pete ni Phil lo eran llegó
a declarar Tony-, pero tenía otros poderes. Para cuando Ray Wilson llegó,
Banks y Rutherford ya habían escrito toda la música y la base de las
canciones, pero faltaban las letras. Lo que aportó Ray a Genesis fue
principalmente una voz más profunda y por tanto más oscura, un poco más
dramática y un poco menos pop. Las canciones del álbum resultaron ser
también un poco más largas; de seis, siete y hasta ocho minutos de duración.
Estos y otros elementos hicieron pensar que Genesis retomaba el Rock
Progresivo, tal vez en un intento por recuperar a los seguidores de antaño.
El resultado no pudo ser lo que esperaban pero a diez años de distancia no
es muy aventurado afirmar que Calling All Stations tal vez sea el álbum
menos escuchado y menos conocido de toda la discografía de Genesis. Alguna
explicación para ello quizá la encontremos en el análisis que el propio
Banks hace del disco.
Calling All Stations:
"Calling All Stations es la pista de entrada, que fue también lo primero que
escribimos. La mayor parte de los elementos que la componen se crearon en el
primer día y lo que se convirtió en la parte media vino un poco después.
Sólo armamos el ritmo y tocamos encima de él. Es una pieza basada en una
secuencia de acordes y todas estas secuencias de acordes sonaban muy bien
encima, -acordes dramáticos- y se trataba simplemente de ponerlos en un
orden que le dieran sentido a la canción porque virtualmente no tiene
repeticiones y sin embargo parece resultar bastante bien. Es un corte
dramático de tempo lento y sé que es la canción favorita de Ray en el
álbum."
Congo:
"..en realidad su desarrollo vino de un 'loop' con el que estaba jugando en
el que combinaba dos o tres cosas juntas y haciéndolas más lentas y haciendo
cosas divertidas con ellas y pensé que tenían un buen sentimiento, así que
terminamos teniendo dos estados de ánimo completamente diferentes en este
primer 'loop', uno de los cuales era muy alegre lo que era más obvio
porque sugería ritmos ligeramente africanos o un sentimiento caribeño. Luego
la otra parte tenía este humor más oscuro y sólo combinamos los dos en
realidad. Debo admitir que cuando estábamos escribiendo esto y habiendo
escuchado el álbum Stiltskin, le dije a Mike (Rutherford) 'esto podría sonar
fantástico, traigamos a ese cantante de Stiltskin, esta canción suena
exactamente como una de las que el cantaría' y sólo toqué lo que era una
melodía del tipo de blues convencional en ella y le comenté que sonaría
realmente bien con la voz de ese cantante, funcionará. Así que tenía la voz
de Ray detrás de mi mente. La mayor parte del tiempo, cuando estábamos
escribiendo las canciones, en realidad no teníamos ni idea del cantante pero
estoy satisfecho con la manera en que se dio la canción. El coro es en
verdad muy fuerte así que será interesante ver si resulta para nosotros."
Shipwrecked:
"Shipwrecked en realidad vino de otro 'loop' que sólo grabé. Todo el tiempo
hacemos DATs de cosas mientras estemos de acuerdo, y había un pequeño ritmo
en la canción que se convirtió en Anything Now. Había un pequeño 'riff' que
tocó Mike de modo que puse una etiqueta en él. Lo recorté y lo puse en el
emulador porque pensé que era una buena partecita y pensé que podríamos
hacer algo con ella.
Más tarde la toqué a velocidades bajas en los teclados y sólo pensé que
sonaba fantástica. Así que le hice un 'loop', como acostumbro (risas) y lo
toqué para Mike y dije 'Vas a adorar esto' y evidentemente lo hizo porque
era de él (risas). Sólo era un pequeño 'riff', sólo un 'riff' transitorio en
una larga improvisación de 25 minutos, un 'riff' que tocó dos veces y sonaba
realmente muy bien. Volvimos a tocar el 'loop' y había algo mágico en él.
Estábamos un poco atorados con algunas de sus partes, así que lo que hicimos
fue sobreponer guitarras más lentas para hacer resaltar al mismo 'riff' un
poco más pero todavía no podíamos lograr hacerlo tan bueno como el 'loop'
original, el 'loop' original es mucho más fuerte. Entonces sólo era cuestión
de escribir una canción en él que tuviera un verso muy sencillo, algo para
llevarlo y traerlo de vuelta si es que queríamos volver a ese 'riff' una y
otra vez.
Mike escribió las letras para Shipwrecked, y de hecho discutimos a fondo por
una melodía para este tema porque la melodía inicial que tenía Mike yo
pensaba que no era lo suficientemente buena, así que intenté con otra
melodía totalmente diferente y algunas partes de ella funcionaron y
terminamos combinando las dos para obtener un resultado. Tiene un fuerte
sentimiento nostálgico y sólo quisimos tener todo ese sentir en ella."
Alien Afternoon:
"Lo que sucedió con esta fue que Mike tenía una muestra de batería que era
bastante interesante y sólo toqué en ella. Probablemente teníamos más que
esto, pero teníamos tres o cuatro partes que funcionaban y yo tenía estas
dos partes y pensé que ambas eran realmente fuertes de un modo distinto.
Mike fue particularmente entusiasta con lo que terminó siendo la primera
parte de la canción y yo fui particularmente entusiasta con lo que vino a
ser la segunda parte y pasó que no había manera de poder hacer una canción
con ellas; el coro de una con el verso de la otra estaban separados. Así
que la idea era tener una especie de conexión. Yo tenía esta secuencia de
acordes suelta que iba con la segunda parte pero que realmente no era parte
de nada así que se utilizó como una especie de puente entre ellas. Después
fue sólo cuestión de trabajar las letras que combinaría los dos estilos tan
diferentes. La segunda parte es muy engañosa porque es un patrón sencillo y
aún así de algún modo suena especial y no sabes porqué tiene lo suyo."
Not About Us:
"Cada vez que Mike tocaba esa secuencia de entrada, que era muy sencilla,
sólo un par de acordes, pero sonaba muy bien, muy evocativa, y en la cinta
de trabajo sonaba realmente bien así que quisimos conservar eso el
sentimiento acústico. Yo escribí la parte del coro, los coros y todo lo que
le acompaña, pero de nuevo, una gran parte de la melodía en esta durante
el verso vino de Ray. Cuando estuvo aquí la segunda vez audicionando y lo
estábamos haciendo cantar encima de varias partes que habíamos escrito, le
dimos esa y él pronto cantó lo que terminó siendo el primer verso. Así que
en buena medida utilizamos esa y Mike escribió un coro para acompañarlo, la
melodía y lo demás."
If That's What You Need:
"La siguiente canción es otra balada. If That's What You Need, que fue otra
canción que alguien desarrolló de estos 'loops' de igual manera que
Shipwrecked, sólo un pequeño 'loop' que se hizo de algo y otra vez Mike
escribió una especie de letra romántica sobre ella. Me imagino que cae
dentro de la tradición Genesis, más del tipo Follow You, Follow Me, y de ese
tipo de cosas pero creo que funciona."
The Dividing Line:
"Es una pieza instrumental muy fuerte y en la que figura particularmente el
baterista, Nir. Cuando la hicimos originalmente con la batería electrónica,
teníamos una parte de batería electrónica un tanto ruidosa que funcionaba
muy bien y su título era NYPD porque los tambores eran muy rápidos (risas).
Creamos esta canción improvisando sobre la parte de la batería electrónica y
se obtuvieron varios resultados. Tiene mucho entusiasmo y será un buen
número en vivo y desde un punto de vista escénico podría acabar siendo la
pieza de cierre del concierto o algo así, pues tiene un sentimiento como el
de Los Endos, creo, y obviamente tienes el sólo de batería si es que todavía
le queda fuerza para ejecutarlo (risas)!"
Uncertain Weather:
"Esto es lo que llamarías el tipo de gran balada del Genesis más
tradicional, con acordes poderosos. Esta es una en la que Nick D'Virgilio
toca la batería, que pienso suena agradable, y terminamos usando su parte.
Trajimos a Nir para que intentara copiar la parte pero no sonaba ni de cerca
tan bien como cuando Nick la hizo. Es un toque de luz que parecía funcionar
muy bien en esta canción. Es una canción triste, pero es una donde al
contrario de otras canciones insistí mucho en que Ray cantara exactamente
donde estaban las notas porque lo requería la melodía. Es crucial para la
canción, para el coro, y es algo que hizo bien. Algunas veces es bueno
presionar la voz del cantante Puedes hacerlo en la grabación. No es una
canción que tocaremos en vivo probablemente y le da calidad, es buena en
verdad."
Small Talk:
"Tiene, como base, un 'riff' de guitarra bastante simple con un buen
sentimiento y me parece que el sax le da un muy buen carácter. Es una
canción en la que de hecho Ray escribió letra y melodía. Lo mejor de ella
para mí es la misma línea 'small talk' que tiene un gran sonido, es una
especie de armonía en tres partes. Él tiene una magnífica voz grave cuando
canta una octava por debajo de su propia voz, le pone un gruñido que usamos
mucho en el álbum. Lo utilizé mucho en canciones en las que estaba
controlando las vocalizaciones porque pienso que tiene mucho mérito. Y sí,
creo que es una canción divertida, es una canción con un poquito de
carácter, va bien con la gente que no son tan seguidores de Genesis."
There Must Be Some Other Way:
"
una de mis canciones favoritas del álbum. En realidad es una gran balada
con una parte media instrumental extendida. Si la gente critica este álbum,
que serán los seguidores de Genesis de mucho tiempo, creo que dirán que no
hay suficientes piezas instrumentales en el álbum y será una crítica justa,
pero hay un poco de ello a la mitad de la pieza y que es reconociblemente
Genesis. Es una letra muy triste sobre el divorcio y fui yo quien escribió
las letras pero utilicé lo que Ray cantó espontáneamente en el coro cuando
improvisábamos al principio. Él sólo cantó 'there must be some other way' y
sonaba tan bien que pensé que debía usar eso como base. Así que usamos eso
como base de la canción y luego consideramos lo que podría llegar a ser y la
modificamos un poco para que funcionara. Es lo que podríamos casi llamar una
pieza de rock normal cantando en el coro y es algo que él hace tan bien que
tienes que utilizarlo tienes que aprovecharlo y no necesitas escribir una
gran línea melódica. Suena muy bien y tiene mucha pasión."
One Man's Fool:
"Bien, la primera parte tiene que ver con el terrorismo supongo, la idea de
alguien que es... evidentemente cuando ves un programa en la TV, cuando ves
las noticias y ves toda esta miseria y destrucción y todo y sabes que es
obvio que alguien mira eso y piensa: 'ese es un trabajo bien hecho, estoy
satisfecho con eso.' Y es difícil saber... es difícil entrar al cerebro de
esa persona para sentir porque es eso tan importante para ellos para
hacerlos sentir que vale la pena hacerlo, causar toda esta miseria. Esta
primera mitad trata de eso. La segunda parte trata lo mismo pero lleva la
idea un poco más allá, lidiando con la certidumbre, con la gente que está
segura de las cosas; cómo puedes estar tan seguro? Yo siempre he desconfiado
de la certidumbre y esta segunda mitad trata de eso pero de una manera más
filosófica, así que es menos personal, más intensa."
-The Farm, Agosto 22, 1997.
©The Waiting Room
Para la gira de Calling All Stations Tony y Mike ya no contaron con el apoyo
de Daryl Stuermer, quien prefirió unirse a la banda de Phil Collins de
tiempo completo. A Daryl Genesis le parecía ahora una banda distinta a la
que había conocido y su sonido también muy diferente: "El álbum suena un
tanto como el mejor álbum solista de Tony."
Aún así existen grabaciones en video que documentan la gira de Calling All
Stations, una de ellas es el DVD de la gira de 1988 llamado LIVE CALLING ALL
STATIONS (www.musiccdvideo.com/view/6589.html), en formato NTSC con 90
minutos de música.
Canciones:
1. Land Of Confusion
2. The Lamb Lies Down On Broadway
3. Calling All Stations
4. The Carpet Crawlers
5. There Must Be Some Other Way
6. Congo
7. Home BY The Sea /Parts 1 & 2/
8. Selling England By The Pound
9. Follow You Follow Me
10. Supper"s Ready /Part 1 - Lover"s Leap/
11. Mama
12. The Dividing Line
13. Turn It On Again
Trad.: JPL.
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Pink Floyd Comic
Hola a todos!
El humor también es parte importante del Rock Progresivo y Sinfónico y
Robert Wolpert nos ofrece una muestra de ello.
En los siguientes links encontrarán los dos primeros números de su versión
en historieta de una canción de Pink Floyd:
www.neptunepinkfloyd.co.uk/magazine/2006/10/COMIC001.jpg
www.neptunepinkfloyd.co.uk/magazine/images/2006/11/several-species-002.jpg
O si lo prefieren, pueden acceder a la versión en castellano que yo mismo
hice:
http://photos1.blogger.com/blogger2/6611/286516023088473/320/groovin01.png
http://photos1.blogger.com/x/blogger2/6611/286516023088473/320/35715/groovin02.png
Que lo disfruten!
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: T C9MPANO_2 30 30 30
TÉMPANO: Childhoods End (2000)
Temas
1. Tres
2. Timorato
3. Lugar de Casas Nuevas
4. Sin Retorno
5. Grillos
6. El Fin de la Infancia (de 8 partes)
7. Escape para el Hombre Común
8. En la Vía
Integrantes
- Giuglio Cesare Della Noce: sintetizadores, piano
- Miguel Ángel Echevarreneta: bajo, guitarra clásica
- Pedro Castillo: guitarras eléctricas y acústicas, sintetizador, voz
- Gerardo Ubieda: batería, percusión
Colaboradores Germán Landaeta (programación e ingeniería de sonido), Peter
Pejtsik (cello), Carola de Landaeta (soprano en 6), Manena Contreras y su
Coro de Niños (canto en 6)
A fines de los 90s, en simultáneo con la edición expandida en CD de su
pionero primer disco Atabal-Yemal, el grupo venezolano Témpano recuperó su
formación original y se decidió a reencontrarse con sus raíces musicales
progresivas tras un largo período de hibernación creativa bajo la tutela del
pop-rock de cariz frontalmente comercial. Tal como lo demuestra Childhoods
End, el primer disco del grupo para esta etapa de renacimiento, su ingenio
musical, fuerza expresiva y versatilidad sonora han aumentado en proporción
geométrica. No somos pocos quienes consideramos a este disco como una cumbre
definitiva de su carrera, y eso que Témpano ha continuado proyectándose con
un concept-disc (The Agony and the Ecstasy) y con diversas composiciones
de largo aliento para proyectos multi-grupales de Musea. Este disco es un
estupendo catálogo bien amalgamado de sonoridades sinfónicas, crimsonianas,
jazzeras y vanguardia de corte RIO.
El cuarteto cuenta en esta ocasión con un colaborador de lujo, el cellista
de After Crying Peter Pejtsik, quien además aporta algunas ideas para la
composición de la breve pieza inicial Tres. Conectado a este prólogo está
el enérgico tema Timorato, en el que se destacan los filudos retazos
frippianos de guitarra sólidamente desplegados sobre una robusta sección
rítmica y orquestaciones de teclado y cello. Con Lugar de Casa Nuevas, el
grupo torna hacia senderos más líricos, creando un ambiente en el que se
cruzan la candidez del Camel clásico con la exquisitez peculiar de un Happy
the Man la labor compositiva aquí es peculiarmente minuciosa e
irresistiblemente llamativa. Reincidiendo en lo lírico pero más asentado en
un rock sencillo ligeramente adornado con elementos de jazz-pop está Sin
Retorno, la única pieza cantada del disco. La verdad que el trabajo vocal
es más que decente, está muy bien (posteriormente, en The Agony and the
Ecstasy habrá un poco más de espacio para temas cantados) además, hay que
hacer una mención especial a los efectivos solos de guitarra, cargados de
sensibilidad melódica pero con suficiente buen gusto como para no caer en lo
meloso. En Grillos encontramos a la banda dispuesta a explorar
concienzudamente sus inquietudes más jazzeras, creando un paisaje sonoro
cálido en el cual las influencias de Pat Metheny y Happy the Man confluyen
en un matrimonio sonoro consistente y dinámico.
A partir de aquí tenemos que prepararnos para el festín de casi 25 minutos
que conforma la ambiciosa pieza homónima: una suite de 8 partes que derrocha
complejidad, variedad y fineza en sus máximas expresiones. El ensamble
realiza un maratónico viaje a través de múltiples variantes en melodías,
compases y texturas, dejando bien en claro que su operatividad en conjunto
funciona compactamente al 100 %, sin fisuras ni desequilibrios. El cuarteto
maneja con soltura e ingenio las evidentes huellas de Univers Zero, Gentle
Giant, el King Crimson de la etapa 73-75, Yes, el Zappa de cámara, After
Crying, Oldfield, Vangelis, Vytas Brenner,... Parece mentira, casi irreal
que pasajes musicales tan sórdidos y perturbadores como son casi todos los
que pueblan esta suite puedan portar un lirismo tan patente y tan bien
elaborado es de suponer que éste es uno de los rasgos más distintivos y
meritorios de Témpano. Las secciones más reposadas (incluyendo la única con
letra), por su parte, portan una cualidad ensoñadora que permite a las notas
flotar casi literalmente en el éter. El Fin de la Infancia es, en pocas
palabras, una de las composiciones más sublimes de toda la historia del rock
vanguardista latinoamericano... y punto. Al disco le faltan todavía dos
temas que deben cargar con el peso de la suite sobre sus espaldas, pero lo
hacen con mucha prestancia. Escape para el Hombre Común combina las
disonancias refinadas a lo GG con la vibración del jazz-rock funky y adornos
etéreos inspirados en la vena más intimista de HTM. Por su parte, En la
Vía ofrece un epílogo sereno basado en las evocaciones introspectivas
creadas por el piano y la guitarra sobre una base jazzera bastante cálida,
muy a lo Metheny.
Para concluir, permítaseme recalcar que Childhoods End es una obra
maestra: una de muchas obras musicales espléndidas gestadas por Témpano para
engalanar las colecciones privadas de los más exigentes melómanos
progresivos.
César Mendoza
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Autor: José_Luis_Castaño_Kan <jlcasta@netizen.com.ar>
Asunto: Decepcionado
Mi nombre es José Luis Castaño Kan, y estoy desde hace muchos años
formando parte de LCDM, ultimamente me estoy dedicando a producir
eventos progresivos en mi pais, Argentina, lo cual implica bastante
esfuerzo. Gracias a Dios todos los medios me estan apoyando por este
esfuerzo, y quiero invitarlos al proximo show que se realizara el
viernes 1ro. de Diciembre en el Teatro B.A.U.E.N. que nos ofrecera
Caamora, el proyecto de Clive Nolan y Agneiszka Swita.
He visto por aqui informaciones erroneas y maliciosamente coertadas en
parte, las gacetillas se reenvian enteras y no truncas para desfavorecer
el evento y/o crear confusiones.
Una persona de aqui esta haciendo esas cosas, y deseo que no se tome en
cuenta sus malas informaciones, sino las correctas y las oficiales, que
tambien son las de la pagina de Clive Nolan, o sea que el dolo se lo
comete a los musicos tambien.
Perdonen mi particular rechazo a estas formas erroneas de comunicar los
eventos progresivos que tanto queremeos que haya en estas tierras.
Les retransmito la gacetilla correctamente, cualquier duda me consultan
al respecto de los shows en la Argentina de Caamora.
JL
Caamora en Argentina
El tecladista, compositor y arreglador británico Clive Nolan
(Pendragon, Arena, Stranger on a Train, Casino, Shadowland, etc)
estará presentando su nueva agrupación Caamora junto a la vocalista
polaca Agneiszka Swita en Chile y Argentina. Ellos se encuentran
abocados al proyecto She, del cual pueden informarse en la página
oficial (www.caamora.net ),
En Buenos Aires se presentarán el día viernes 1ro. de Diciembre del
corriente a las 20:00 hs. en el Teatro Auditorio B.A.U.E.N., Callao
360, Ciudad Autonoma de Buenos Aires.
Los argentinos Chinelas Persas www.chinelaspersas.com.ar será la banda
invitada y el evento comenzara PUNTUALMENTE a las 20:00 hs.
Caamora estará acompañada en algunos temas por una banda local
integrada por músicos de extracción progresiva y moderna, siendo muy
interesante este mix en sonidos y textura musical.
Las localidades se podrán conseguir en:
Teatro Auditorio B.A.U.E.N., Callao 360, Capital, Reservas al TE:
4371-0680 (se permiten pago contado y tarjetas con recargo de $ 5.- por
entrada)
Discover, Florida 537, Galería Jardín, Piso 1ro., Local 441, frente
a la escalera mecánica, Tel: 4327-0379 (solo contado)
TMB Shop, Av Santa Fe 1653 local 13, Capital Federal. Tel: 4813-5117
(solo contado)
Biline, Avda. Cabildo 2450, Local 9, Capital Federal, Tel: 4787-3479
(solo contado)
Recordamos que los precios son de $ 30.- las primeras ubicaciones y $
25.- las restantes.
Asimismo informamos que el Sábado 2 de diciembre a las 21:30 hs.
Caamora y su banda se presentara en la Ciudad de La Plata en el Festival
SinfoPRog 2006 que organiza la banda platense Under Linden, compartiendo
escenario con Chaneton de Buenos Aires, Kun y Arkham en el Teatro del
Colegio San Cayetano.
Para mas detalles del festival platense:
http://www.sinfoprog.lumenan.com.ar/
Las acreditaciones de Prensa deberan gestionarse a traves de la Jefe de
Prensa, Da. Norma VICEDO
zonarocknorma@yahoo.com.ar
zonarocknorma@hotmail.com
Se agradece la difusión de esta gacetilla y los esperamos !!!
MAC Producciones
macproducciones@speedy.com.ar
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Autor: "dmilans@wanadoo.es " <dmilans@wanadoo.es>
Asunto: progresivo contemporaneo
Alberto Albas
escribió: en lugar de interesarse por el prolífico panor
ama del progresivo contemporáneo que este 2006 nos está dejan
do obras estupendas en una variedad y calidad asombrosas.
Hola Alberto. Ante estas afirmaciones tuyas tan claras y meridiana
s, tan solo pedirte nos apuntes unos cuantos nombres de grupos tan estu
pendos. Disculpa mi ignorancia, tan solo conozco Opeth, Mars Volta y po
co más, pero no tenia ni idea de que hubiera tal variedad y calidad,
al menos según tu criterio, en este tipo de nuevos estilos progresivo
s. Cierto que el progresivo clasico esta un tanto estancado hace un tie
mpo y necesitamos savia nueva, al menos eso es lo que yo busco. Así q
ue te agradeceria me apuntaras unos cuantos nombres, o lo que buenament
e puedas, de los cuales yo mismo ya puedo buscar informacion.Grac
ias de antemano.David
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Tercera y ultima parte entrevista GUALBERTO
ENTREVISTA A GUALBERTO, NOVIEMBRE 2006 (III)
Hola
Aqui teneis la tercera parte y ultima de la entrevista que ha realizado Raul
"Sedeort" con la colaboración humilde en forma de algunas preguntas de un
servidor.
3a Y ÚLTIMA PARTE ENTREVISTA A GUALBERTO - NOVIEMBRE 2006
* ?Cómo fue lo de acompañar musicalmente, en directo, al grupo de teatro
Esperpento, de Alfonso Guerra, en la obra "Antígona"? ?Tocábais temas de
vuestro repertorio?
Gualberto: No sé de quien fue la idea y como surgió lo de acompañar a
Esperpento. Hubo un solo ensayo con Esperpento, al que sólo asistí yo. Me
pasaron la obra entera y fui cogiendo apuntes en una libretita pequeña que
me cabía en la mano. Muchos años después Alfonso Guerra se preguntaba que es
lo que yo estaba escribiendo mientras Esperpento representaba el drama de
Antí gona. Le dijo a Jesús Quinterto que se colocó detrás mía y miró que es
lo que yo escribía y sólo vió unos dibujitos. Esos dibujitos eran la
referencia que yo iba cogiendo. Por ejemplo dibujaba un pez o un árbol o un
garabato y eso después lo convertí en un repertorio de canciones de los
Rollins, Beatles, Donovan etc.
Gualberto: Aunque la verdad es que lo hicimos todo sobre la marcha, porque
Julio, Henrik y Antonio no vinieron al ensayo porque estaban en Chipiona en
la playa. Y seguían estando en Chipiona el día del estreno y llegaron tarde
con lo cual no pudimos ni ensayar nosotros, no ya con el teatro sino con
nosotros mismos. Así que con el papelito mirando al escenario ibamos
haciendo lo que nos parecía. Un día, muchos años después, hará 7 u 8 años,
el director del grupo de teatro (Rodriguez Buzón) me llamó para pedirme que
le asesorara en tema musical de teatro y aproveché para preguntarle por qué
no seguimos tocando juntos Smash y Esperpento y me dijo: "Nos daba miendo de
vosotros".... Me quedé helado y le dije: "Pero los peligrosos érais
vosotros, que estábais en política y en la clandestinidad. Nosotros sólo nos
dedicábamos a tocar". "Sí, -me contestó- pero a vosotros no os podíamos
controlar y además nunca os quedábais a los mítines ni os mezclábais con
nosotros". Me pareció una actitud inaceptable en gentes que se creían la
vanguardia intelectual, y no podían soportar que alguien no les hiciera caso
ni se preocupara por lo que ellos hacían.
En cuanto si incluimos cosas nuestras... Seguramente alguna cosa. Pero de
las dos actuaciones que hicimos, una no se parecía a la otra.
* Describe como se desarrollaba un concierto vuestro (repertorio, versiones,
puesta en escena, conexión con el público, etc) ?No habrá alguna grabación
pirata?
Gualberto: Seguramente habrá algo. Pero no lo sé. Yo hice sólo la primera
actuación en Lloret de Mar cuando estrenamos El Garrotín. Después salí del
grupo. Quizás ese fue el motivo de que no me pusieran en la portada a pesar
de que todas las guitarras las toqué yo, menos la flamenca.
* ?Es verdad que el sonido conjunto de vuestra época flamenca era un poco
caótico?
Gualberto: El sonido caótico ha sido siempre uno de los sellos de Smash,
porque del caos siempre terminaba saliendo nuestra mejor música. Y la pena
es que los discos no nos hacen justicia.
* ?De quién fue la idea de vuestro giro hacia la "etapa flamenca"? ?Y por
qué el cambio de casa discográfica? ?Gonzalo ya no siguió con vosotros?
Gualberto: Julio y yo fuimos a ver a Alain Milhaud porque no teníamos dinero
ni contratos y estábamos en Madrid en una pensión. Se nos ocurrió ofrecer
grabar un disco que se iba a llamar "sal de ajo". Fuimos a hacer una prueba
a RCA Julio, Tele (batería de Triana) Manuel Molina y yo.Yo toqué con una
Gibson que me prestó Eduardo (guitarra de Triana) porque la mía me la habían
robado (aunque el otro día me dijo Manglis que en realidad la guitarra no me
la habían robado sino que Gonzalo se la había dado a él para que tocara con
Smash). Era la época en que me fui a Barcelona. A la vuelta me encontré con
Julio, Henrik y Antonio y decidimos volver a tocar aunque nos quedáramos sin
instrumentos, pues el dueño seguía siendo Gonzalo.
Grabamos una bulería que nos la inventamos sobre la marcha, después cogimos
el avión y nos fuimos a Boccacio a ver la reacción de la gente. La reacción
fue buena y entonces pagaron la clausula de rescisión de contrato con
Philips y nos hizo un contrato "Bocaccio Records". Además nos compraron los
instrumentos que quisimos.
* ?Es verdad que en aquel periodo vivíais a cuerpo de rey (apartamentos en
la playa, discotecas enteras para vuestros ensayos, buen dinero ...)?
Cuenta, cuenta ...
Gualberto: Es verdad. Pero lo que nos unía antes, aunque no hubiera dinero,
era la música. Pero ahora con muchos medios la música no nos gustaba. .
* Tras la aparición del exitoso "El Garrotín" decides abandonar
definitivamente el grupo. ?Por qué?
Gualberto: Por aquella época, uno de los managers habló conmigo y me dijo
que si aguantaba dos años me iba a forrar y que después ya haría la música
que verdaderamente me gustaba.
Eso no me gustó nada y fui el primero en irme del grupo. El nombre de Smash
era mío, aunque la idea había sido de Gonzalo, ya que lo registré a mi
nombre porque yo era el único que tenía el carnet del sindicato de músicos.
Así que hice un trato con los managers y les cedí el nombre de Smash a
cambio de que me dieran mi guitarra y el ampli. Pero cuando les firmé lo que
querían no me dieron nada. Mis compañeros no sabían nada de esto, ni yo les
dije nada. Simplemente me fui a USA. Empecé a estudiar musica y me compré
una guitarra nueva. Una Fender Stratocaster, con la que grabé "A la vida y
al dolor" y "Vericuetos".
Smash se disolvió al poco tiempo. Pero las circunstancias no las sé porque
yo no estaba.
Cuando volví de USA, Manuel había formado Lole y Manuel. Yo grabé esos dos
discos. Julio creo que estaba en el PSOE. Antonio estaba con Granada y
Henrik en Dinamarca
* A principios de los 70s se pusieron de moda los festivales y
macroconciertos, con gran participación en grupos y público (una especie de
miniWoodstock, je je). En el de Granollers, en Mayo71, SMASH tocó justo
antes de los Family. Describe el ambiente y acogida en aquellos eventos.
Gualberto: Quizás lo de Granollers fue inmediatamente después de irme porque
no lo recuerdo.
* ?Existe alguna grabación de la opera rock que escribiste en New York en
1971?
Gualberto: Sí, tengo una cinta pero tengo que buscarla. La estrené en la
Brooklin Academic Of Music y algunos actores eran de Jesuscristo Superstar.
* ?Era dificil encontrar el equilibrio entre tradición y vanguardismo en
vuestra musica, mezclar flamenco con el rock de Hendrix y Pink Floyd?
Gualberto: No tuvimos tiempo suficiente.
* Dicen de tí que para mantener tus firmes creencias personales, tu forma de
pensar y tu creatividad, te dedicaste a ser arreglista para salvaguardar.
?Qué hay de cierto en esto?
Gualberto: Los dos discos que grabé cuando volví de América ya los hice
escribiendo todos los instrumentos, al quedarme sin grupo. Tuve la
oportunidad de explorar nuevos sonidos y nuevos instrumentos (todos los de
la 0rquesta). El hacer arreglos me daba la posibilidad de tener una orquesta
a mi disposición. He aprendido mucho con los músicos de la orquesta de RTVE
pues hice muchos arreglos utilizando cuartetos de cuerdas viento, metales,
etc. Y para mí era la única forma de vivir, mantener a la familia y seguir
haciendo música.
* ?Qué es para tí ROCK ANDALUZ?
Gualberto: Silvio decía que si a mi música se le quitara el rock todo lo
quedara sería flamenco.
Al Rock Andaluz no se le puede quitar ni el rock ni el flamenco porque es
precisamente una forma de expresión que une dos cosas para formar una nueva.
* En 1978 participas en el historico concierto de rock andaluz del Pabellón
de Mostoles, junto a Triana, Storm, Guadalquivir e Iman. ?Recuerdas cómo
fue?
Gualberto: Perfectamente. Lo organizó el desaparecido "Fernández de
Córdoba", manager de los Storm. Después hicimos varios conciertos más.
* En 1979, Julio, Antoñito y tú dais unos conciertos, resurgiendo de nuevo
el nombre de SMASH. Y hasta tocáis en directo para televisión en el Musical
Express de Ángel Casas. Pero la trágica muerte de Julio lo trunca todo.
?Había intenciones de una reunión estable?
Gualberto: Sí. Fue una lástima pues estábamos muy ilusionados y nos
sentíamos como al principio. Igual de libres pero con más experiencia.
* En estos últimos años, y tras la película de Gervasio Iglesias dedicada al
movimiento underground en Sevilla y especialmente a SMASH, habéis dado
varios conciertos. ?Qué piensas de estas actuaciones esporádicas? ?Ha
existido en algún momento la idea de resurgir establemente SMASH o de hacer
alguna grabación?.
Gualberto: - Estas actuaciones son fantásticas. Nos lo pasamos muy bien.
Pero un Smash estable es impensable sin Julio.
* Y para finalizar, escribe una valoración personal de la influencia en
SMASH de los siguientes personajes .
Julio Matito, Antoñito Rodriguez, Henrik Michael, Gonzalo Garcíapelayo,
Miguel Molina, Mané, Silvio, Ricardo Pachón, Alain Milhaud, Oriol Regás y
Gualberto.
Gualberto: Sin Julio no existiría Smash. Sin Antoñito, tampoco. Sin Henrik,
tampoco. Gonzalo, aunque no tocara, puso en contacto a Smash con un tipo de
gentes que sin él era imposible, por ejemplo los arquitectos Antonio Cruz,
Vazquez Consuegra, Antonio Ortiz etc, Es el autor de muchas letras, sobre
todo al principio. Además nos compró los instrumentos así que también es
imprescincible. Manuel Molina era muy importante en la parte flamenca. Mané
ha tenido una influencia decisiva porque hubo un momento que llevó en su
espalda todo el peso de la magia de Sevilla y a mí me ha influido mucho.
La canción de Mané "Look at her face" es una de las canciones más bellas de
todo el rock sevillano. Y su canción "El pudridero", una obra de arte.
Ricardo Pachón fue el que buscó y trajo a Manuel Molina, pero musicalmente
no ha influido en nada, Allain Milhaud nos dio una oportunidad y nosotros le
dimos otra a él y ninguno supimos aprovecharla. Oriol Regás era solamente un
hombre de negocios. Y yo, igual que Julio, Antoñito y Henrik, soy una parte
de Smash que sin esa parte tampoco sería Smash.
Bueno amigos creo que por fin hemos llegado al final.
Gualberto
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Cosmos: "Skygarden" (2006)
Cosmos: "Skygarden" (2006)
Discografica: MAT Music
Web: http://www.cosmos-theband.com
Temas:
1. Intro (2:35)
2. In The Dark Of The Night (3:35)
3, Electronical Rival (7:11)
4, Then Just Call Me (4:14)
5, The Final Path (5:21)
6, Eclipse Of The Sun (7:52)
7, Internal Voices (7:45)
8. I Stayed Just Because Of You (3:49)
9. Tell Me (5:39)
10. Where Tanks Are Rolling Today (6:34)
11. Father (3:11)
12. Moments (5:47)
Musicos:
- Oliver Maier guitars & vocals
- Reto Iseli drums & vocals
- Daniel Eggenberger - keyboards
- Heiko Garrn - bass
- Silvia Thierstein - vocals
Invitada:
- Sandra Moser alias Sandee
Una cosa es tener influencias, otra es tener referencias en un grupo o
estilo determinado y otra es copiar descaradamente a otro grupo.
Este es el caso de este grupo suizo que realizan sin pudor alguno un puzzle
de temas archiconocidos de PINK FLOYD ponerle nombre Skygarden y editarlo
sin mas.
La intro es calcada a Shine On You Crazy Diamond, ELECTRONICAL RIVAL es
Welcome to The Machine, increíble el intento (solo queda en eso en un
intento) en el tema THE FINAL PATH de la vocalista Silvia Thierstein en
cantar igual que hace Clare TORRY en The Great Gig In The Sky del album The
Dark Side Of The Moon.
En fin que si no os importa escuchar cualquier cosa que suene a Pink Floyd
o simplemente jugar a adivinar a que suena este trozo o este otro. Haceros
con Skygarden de los suizos COSMOS.
y para muestra un boton: Entrar en http://www.cosmos-music.ch/ y podreis
escuchar fragmentos de cada tema.
Puntuacion: 2/10
Salu2
© Juan
progjuan@hotmail.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Thinking Plague "In Extremis"
THINKING PLAGUE: In Extremis (1998)
Temas
1. Dead Silence
2. Behold the Man
3. This Weird Mind
4. Les Etudes dOrganism
5. Maelstrom
6. The Aesthete
7. Kingdom Come
Integrantes
- Mike Johnson: guitarras eléctricas, acústicas y lap steel, sintetizador,
secuenciador
- David Kerman: batería, percusión
- Mark Harris: saxos, clarinetes, flauta
- Deborah Perry: voz
- Dave Willey: bajo, acordeón
- Shane Hotle: piano, sintetizadores, mellotron
- Bob Drake: bajo, violín, piano eléctrico, banjo, voz
Colaboradores Kirk Jameson (bajo en 7), Kim Marsh (piano y sintetizadores
en 1 y 2), Scott Brazieal (piano y sintetizadores en 6), Sanjay Kumar
(sintetizadores en 3), Mark Fuller (batería en 5), Katie Cox (violines en
5), Mike Fitzmaurice (contrabajo en 6), Rick Benjamin (trombón en 4)
Thinking Plague es una de las máximas encarnaciones actuales del movimiento
progresivo RIO, siendo incluso refrendado por uno de sus más notables
ideólogos ante la opinión pública: me refiero al baterista de Henry Cow y
Art Bears Chris Cutler. Gestado a inicios de los 80s por el guitarrista Mike
Jonson, el ensamble estadounidense Thinking Plague ya tenía experiencia en
los estudios de grabación con un puñado de LPs y demos editados en el
mercado antes de este In Extremis. El proceso de grabación y producción de
este trabajo fue tan largo y tortuosos como para justificar las múltiples
variantes en los créditos, pero bueno, el disco salió a la venta en 1998
para regocijo de su público de culto. Aunque usualmente funciona como un
sexteto, el grupo cuenta en esta ocasión con un integrante de lujo: el
multiinstrumentista vanguardista Bob Drake, toda una personalidad dentro de
la escena experimental norteamericana. Ya que mencionamos a Cutler,
permítaseme especificar que Henry Cow y Art Bears son las influencias más
notorias en el sonido de Thinking Plague, y a eso le añadiría una dosis de
vibración absurda a lo Zappa.
La dinámica intensa de masivas disonancias, quiebres rítmicos extravagantes,
recursos anti-melódicos y desgarradores desafíos armónicos hallan un cobijo
impresionante en la multicolorida instrumentación y el canto elegante de
Deborah Perry. Los dos primeros temas no son muy largos: sus duraciones
fluctúan entre los 4 y 430 minutos de duración, pero vaya si sus márgenes
son forzados al máximo para que se compriman las infinitas ideas musicales
que se suceden en un vendaval que estalla según un bizarro sentido del
orden. Es como si siete distintas inteligencias fueran elaborando sus
propios surcos y se las arreglaran para hacerlos confluir en una
orquestación alucinada. This Weird Mind dura 8 minutos y contiene ideas
más permanentes, incluyendo sonoridades acústicas de base country y otras un
poco más tétricas. Les Etudes dOrganism es un instrumental que contiene
una faceta más decididamente épica: en sus 14 minutos de extensión hallamos
una exhibición de sonoridades robustas a través de su frenético tránsito por
pasajes perturbadoramente agresivos hacia otros más misteriosos, pasando por
momentos de diversión dadaísta y otros más patentemente frívolos. La última
sección mantiene una majestuosidad constante, sobria dentro de la demencia
ideológica propia del RIO, con un trabajo bien organizado de texturas y
ornamentos que finalmente aterrizan en un puente aguerrido que nos
transporta a un epílogo cadencioso y flotante.
Las dos piezas que vienen a continuación regresan a un formato más corto.
Maelstrom comienza con un motivo principal que porta un lirismo etéreo que
transmite muy bien la imagen de una atmósfera acuática sita en un entorno
turbulento. Los aguerridos pasajes intermedios realzan esa sensación de
catástrofe intermitente. The Aesthete, por su parte, tiene un aura más
grácil, con mucha polenta jazzera, aunque no esperemos nada que sea
mínimamente convencional: recordemos que estamos hablando aquí de RIO en su
más pura expresión. En fin, otro tema largo, Kingdom Come ocupa los
últimos 13 ¾ minutos del disco. Como nunca el sonido de TP se vuelve oscuro,
sombrío y denso: a pesar de la presencia de sonoridades juguetonas y
estilizadas capas de teclado, el sonido potentemente abrumador de la
guitarra y los adornos opresivos de los vientos son los que marcan la pauta
central de la pieza, haciendo que el asunto se acerque más a las líneas del
RIO francés (Present, Univers Zero), aunque sea de manera relativa.
Definitivamente, parece como si el grupo se hubiera propuesto hacer un
retrato musical de la oscuridad eterna que ha de suceder a la venida
definitiva del Reino de los Cielos: la instrumentación suena en muchos
pasajes como una coral ultraterrena, e incluso hay efectos de coros
mellotrónicos poco antes de la conclusión definitiva del fade-out. Un final
muy intenso, un cierre apropiadamente inescrutable para uno de los discos
más notables del progresivo experimental actual: In Extremis de Thinking
Plague es un clásico contemporáneo del RIO.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MIDAS "In Concert"
MIDAS: In Concert (2002)
Temas
1. Opening S. E. (by the Lotus Pond)
2. Flying Denture
3. Mortuary
4. Common Factor
5. My Heart
6. Line
7. Future Life - Flying to the Future
8. On the Earth (Digest) e-acoustic guitar solo
9. Lovers
10. Lamentable Dance
11. Angelic Lights
12. Sham Noctiluca
13. La Festa
Integrantes
- Eigo Utoh: violín eléctrico, voz, guitarra
- Eisho Lynn: teclados
- Shohei Matsuura: bajo, pedales bajos
- Kenjiko Kawakatsu: batería, percusión
Después de lanzar al mercado cuatro discos de estudio desde fines de los
80s, Midas se resolvió por editar un disco en vivo en el año 2002 hasta el
momento, In Concert es su único aporte para el movimiento progresivo en el
nuevo milenio. Este disco registra de manera muy concreta y justa la energía
y la precisa sensibilidad que el grupo practica con eficacia a través del
repertorio. El disco contiene material de los cuatro discos, poniendo algo
de preferencia a los discos segundo y tercero (Midas II y Third
Operation). También hay aquí un tema nuevo, Lamentable Dance, el cual
resulta uno de los más intensos del repertorio. Los recovecos del violín son
magistrales, y además, hay un poderoso solo de bajo en medio, pero la clave
principal de la pieza radica en su llamativo motivo melódico, el cual es
básicamente sencillo pero oportunamente revestido de una dosis moderada de
complejidad.
El concierto comienza con una pista parcial de un tema del cuarto disco,
para que luego el grupo entre en acción para ejecutar una de sus piezas más
emblemáticas, Flying Denture, un ejemplo de efectiva combinación de
sinfonismo centradamente melódico y jazz-rock. Los acentos de raigambre
barroca de Mortuary y la majestuosidad de Common Factor ayudan a
mantener el momentum. Con My Heart pasamos al terreno de las baladas rock
convencionales: nada especial. Más valiosa en términos musicales es otra
balada, Lovers, cuyas atmósferas contemplativas quedan bien afianzadas en
el diálogo creado por la guitarra acústica y las capas de sintetizador.
Cuando el violín se suma en el clímax final, el ambiente se torna etéreo,
como un ensueño que envuelve las palpitaciones del corazón enamorado. A
pesar de que el violín y el teclado se erijan como los protagonistas
naturales del ensamble, la dupla rítmica se da maña como para hacer resaltar
su toque de dinamismo dentro del sonido grupal ejemplos de ello
encontramos muchos aquí, especialmente en Line y el ya mencionado
Lamentable Dance. Los dos últimos temas edifican una conclusión oportuna
para el concierto. Sham Noctiluca contiene unos ornamentos cósmicos en las
partes más lánguidas, mientras que La Festa se explaya en contagiosos
aires festivos, muy afines a la dimensión más juguetona de PFM.
En fin, este disco en vivo de Midas deberá complacer mucho a los conocedores
apreciadores del sinfonismo japonés actual, y también, por qué no, a los
fans de Curved Air, UK y Trace. En todo caso, Midas sabe ponerle un matiz
particular al conglomerado resultante de sus influencias. Nota adicional:
por los tenues sonidos del grupo, se puede adivinar que el público asistente
no era muy numeroso.
César Mendoza
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Autor: Jose_Manuel_Iñesta
Asunto: Grog editado por Psycofonía Records ya a la venta!!!
Se ha realizado el lanzamiento oficial en España del disco Grog
de Psicotropia, incluyendo el DVD Psicotropia Live, por el sello
Psycofonía Records.
La nueva edición se podrá comprar en:
-Gong discos (http://www.gongdiscos.com)
-Discos Melocotón (http://www.discosmelocoton.com)
-Diskpol (http://www.diskpol.com)
-Sun Records (http://www.sunrecords.net)
-Psycofonía Records (http://www.psycofoniarecords.com)
y próximamente más puntos de venta en toda España.
En enero de 2007 se realizará el lanzamiento mundial del mismo disco por
los sellos Luna Negra Records (Mexico) y Musea Records (Francia) en
América, Europa y Japón.
Para más información, http://www.psicotropia.com y
http://www.myspace.com/psicotropia (!nuevo diseño!)
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