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La caja de musica Number 0746
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__ | X .-.X | __
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__/ | .-.X XXXX/ | \__
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #746 octubre 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* The Watch - conciertos y futuro DVD
* próximos_conciertos_de_LA_DESOOORDEN
* RUINS "Stonehenge"
* CD Metal Works actualizado
* R-U Kaiser en vivo - 7 de noviembre
* Sensitive To Light: "Almost Human" (2006)
* Entrevista a Enric HERRERA - MAQUINA!
* gira del BarclayJames Harvest de John Lees
* Programas en el Canal_TVE_50_años
* OCTOPUS en vivo, 11 de noviembre
* vuestra opinion respecto... GENESIS en el 2007
* Pink Floyd - "A saucerful of secrets" (1968)
* FLOR DE LOTO en la prensa peruana
* el 2do. de TRYO
* Magma
* La_declaración_progresiva
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: The Watch - conciertos y futuro DVD
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
En la última parte de la gira de promoción del "Vacuum", el grupo italiano
THE WATCH incluirá un par de actuaciones abriendo para FISH en su show
"Return to Childhood" y otras dos actuaciones en festivales. El último
concierto, que tendrá lugar en Francia y en el que ocuparán el cartel, será
registrado en DVD. Para más información, visitar el enlace
www.thewatchmusic.net.
8 nov: La Locomotive - París, Francia (abriendo para Fish)
10 nov: Festival Spirit of 66 - Verviers, Bélgica
11 nov: Festival Prockfest - Bunde, Alemania
13 nov: Weststadthalle - Essen, Alemania (abirendo para Fish)
9 dic: Salle Polyvalente de Porchefontaine - Versalles, Francia
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: próximos_conciertos_de_LA_DESOOORDEN
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo el anuncio de los próximos conciertos de la banda
chilena LA DESOOORDEN.
-Domingo 5 de Noviembre, 17 hrs.
Plaza de Armas, Entrada Liberada
PUERTO MONTT
-Sábado 11 de Noviembre, 20 hrs.
Aula Magna UACH, Entrada $1.000 (Libros Chiloé)
VALDIVIA
-Miércoles 29 de Noviembre, 20 hrs.
Aula Magna Univ. Católica, Entrada Liberada
TEMUCO
El concierto de Puerto Montt se enmarca en los recitales organizados por el
Consejo Regional de Cultura Chile+Cultura y que se están desarrollando en
todo el país.
Por su parte los conciertos de Valdivia y Puerto Montt son organizados por
LA DESOOORDEN y tendrán una gran producción (escenografía, iluminación y
proyección).
Además se contará con la presencia del trompetista Henry Veliz, el
violinista Benjamín Ruz y un coro formado por estudiantes de la Universidad
Austral de Chile.
El repertorio incluirá tanto versiones de temas de los 3 discos editados por
la banda ("Monstruo de 7 cabezas", "Ensayo", "La Isla de los Muertos") como
canciones del próximo disco, llamado "Ciudad de Papel".
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: RUINS "Stonehenge"
RUINS Stonehenge (1990)
Temas
1. Big Head
2. Iron Lady
3. Cathechism
4. Kibbutz
5. Fallout
6. Plexus
7. October
8. Hexagon
9. Anaclasis
10. Holebones
11. Hail
12. Stonehenge
13. Thebes
14. Fragment
15. B.U.G.
16. Ripples
17. Masacari
18. Divided
19. Octopuus
20. Dadaism
21. Infect
Integrantes
- Tatsuya Yoshida: batería, canto
- Kazuyoshi Kimoto: bajo, violín, canto
Segundo disco de la segunda formación del inverosímil power dúo zheul
japonés Ruins. Con Stonehenge, Yoshida y su entonces nuevo bajista
compinche Kimoto refuerzan su extravagante línea rockera experimental, la
cual ya les había creado una aureola de culto en la escena underground de su
país desde la segunda mitad de los 80s. Hoy por hoy, Ruins es considerado
como uno de los íconos incuestionables de la vertiente vanguardista del
movimiento progresivo japonés, y eso conlleva una radical distinción entre
los conocedores empáticos y los enemistados con su peculiar línea musical.
De hecho, el estilo de la banda puede definirse someramente como un
constante ejercicio de extravagante complejidad que, simultáneamente, se
ostenta y se burla de sí misma. Elaborar una terca confluencia entre el lado
más travieso del zheul, el lado más burlón de Zappa, la psicodelia
crimsoniana, el vértigo del thrash metal y el punk, y en fin, el afán
deconstructivo de formas musicales postmodernas ya es de por sí abstruso, y
Ruins no se conforma con esto, sino que una vez que tiene este amasijo
sonoro en sus manos lo reelabora llevándolo a niveles hiperbólicos, en los
cuales se confunden la rebeldía y la mofa. La oferta de Ruins no es sólo un
desafío estético, es una burla hecha música de la que el oyente es objeto y
de la que puede ser también cómplice en caso de hacerse empático con lo que
está escuchando. Ruins se estaba anticipando a la onda Primus y lo hacía
con sobredosis triple.
Los meandros chillones de las vocalizaciones y los tortuosos quiebres
instrumentales firmemente ejecutados por la minúscula instrumentación emanan
una energía y convicción que se traducen en pura potencia. Es una pena, en
todo caso, que la ingeniería de sonido no esté tan refinada como en discos
posteriores a fin de que se pueda apreciar mejor los matices que se esconden
detrás de toda la bravata técnica. También es verdad que en esta fase de su
carrera, Ruins permanece concentrado principalmente en explorar los aspectos
más explícitamente ásperos que son inherentes a su opción musical. Big
Head y Cathechism son dos de los ejemplos más asequibles de la primera
mitad del álbum, al menos en comparación con esos caprichos patológicos
que son Kibbutz y Plexus. October refleja una cierta cadencia
majestuosa dentro de los innegociables parámetros estilísticos de Ruins, y
ante todo, exhibe una arquitectura bien elaborada dentro de su lógica
delirante. Casi todas las piezas oscilan entre los 2 ½ y 3 ½ minutos de
duración, pero claro está, los apabullantes efluvios que la comunión demente
de bajo y batería vierten sobre la atmósfera se sienten más largos dada su
naturaleza opresiva. Hail pone énfasis en vocalizaciones entre grotescas e
infantiles sobre un motivo simple, mientras que la pieza homónima que le
sigue utiliza la vocalización de una manera más teatral (bueno, es lo usual)
y sobre una secuencia más enredada de motivos. Ripples se vale de un
compás blues-rock para aportar un poco de frescura simplona al asunto: el
violín es usado de manera normal, por lo que se crea un poco de candidez en
la instrumentación. Thebes, B.U.G. (ambas durando más de 6 minutos) y el
tema de cierre Infect (durando casi 6 minutos) son los temas más largos
del disco. El primero exhibe un ceremonioso juego de desahogos vocales a lo
Samla Mammas Manna con esquizofrenia severa sobre una instrumentación
sombría y marcial (en parte, semejante a lo que sucederá después en
Octopuus). El segundo porta un ingenioso juego de contrastes y
minimalismos, hilando una potencia sutilmente sombría con el uso fluido de
repeticiones. El último apuesta por la faceta más abiertamente sórdida del
grupo - atención a esas perversas explosiones de violín.
Recomiendo particularmente a los curiosos que comiencen a paso lento con los
discos de Ruins desde 1993 en adelante, que es una etapa en la cual afianzan
una estilización patentemente cuidada de su esencia musical, pero lejos
estoy de desestimar este disco. Dicho sea de paso, ser un fan del RIO y el
zheul no garantiza para nada el disfrute de este material ni de Ruins, en
general hace falta que se dé espontánea e inexplicablemente una empatía.
De los discos de Ruins que conozco hasta la fecha, Stonehenge es uno de
los más traviesos, pero su crudeza puede resultar chocante (incluso para el
convertido) en las primeras escuchas: puesto en perspectiva, Stonehenge es
el testimonio de la maduración en proceso de un grupo realmente importante
dentro de la historia reciente del rock ultra-experimental.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: CD Metal Works actualizado
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El e-zine CD Metal Works se ha actualizado recientemente, a fines del pasado
mes de octubre, para ser más exactos.
Las nuevas reseñas son las siguientes:
26/10/2006
:: SCAR SYMMETRY :: Pitch Black Progress :: 2006
:: SCOTT MOSHER :: Deep Horizon :: 2006
:: CANVAS SOLARIS :: Penumbra Diffuse :: 2006
:: OCTOPUS :: Bonsai :: 2006
Visita recomedada a www.cdmetalworks.com.ar
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: R-U Kaiser en vivo - 7 de noviembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo el anuncio de un próximo evento musical
progresivo en Chile, exactamente el concierto de la banda R-U Kaiser a
realizarse el día 7 de noviembre.-
" La banda R-U Kaiser, proveniente de Antofagasta y que se ha arraigado en
Santiago para ofrecernos su música, se presentará el próximo martes 7 de
Noviembre en el Teatro AIEP.
R-U Kaiser se define como una banda de Rock Sinfónico, Progresivo, con
colores cósmicos y matices celestiales, compuesto por: Pilar Núñez (Voz),
Bárbara Wilson (Voz), Morus (Teclados), Pablo Lizana (Guitarra & Bajo),
Óscar Arias (Batería).
Coordenadas:
Martes 7 de Noviembre
21:00 hrs.
Teatro AIEP
Miguel Claro 177, Providencia - Santiago, Chile
Valor: $1000 Entrada General
$500 Estudiantes. "
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Sensitive To Light: "Almost Human" (2006)
Sensitive To Light: "Almost Human" (2006)
Discografica: Cyclopse Records
Temas:
1. Pinocchio i. Dreams Are Coming True Tonight :53
2. Pinocchio ii. Birth 11:59
3. Something Happened In The Garden Of Eden 10:20
4. Carpe Diem 6;04
5. Kyrie (Gepettos death) 5:18
6. Snow 6:11
7. Travels 3:28
8. Father (The Truth) 8:15
9. Memories 2:13
Bonus Track :
10. Why ? 7:49
Musicos:
- Vynce Leff: Guitars, vocals, keyboards, wind synths
- Jenny Lewis: vocals
- Claude Thill: Bass, vocals, keyboards
-Jean-Philippe Dupont: Keyboards, vocals
- Georgio Salvini: Drums
Invitado:
- Cyril Queneau - Saxophone; Seb Doncker - Snare drum
SENSITIVE TO LIGHT es una banda francesa liderada por Vynce LEFT del grupo
SAENS, practican un rock sinfónico clásico, melódico, intenso. nada
complejo, con tildes modernos y épicos, además con la particularidad de
tener una cantante femenina Jenny LEWIS, que dispone de una excelente voz
cristalina y angelical.
ALMOST HUMAN esta inspirado en la historia de Pinocho de Carlo Collodi,
destacan los pasajes melódicos e instrumentales, con algún "deje" muy
diluido a metal progresivo, especialmente en las intervenciones de los solos
de guitarras. Hay también la intervención en algunos fragmentos del saxo, lo
cual amplia los matices y enriquece la composición.
El tema que destacaría es el segundo PINOCHO II BIRTH, donde el grupo deja
claro cual es su apuesta musical, bellas melodías con pasajes nada
complicados que traen a la mente a grupos como MAGENTA, CLEPSYDRA, KAYAK,
FLAMBOROUGH HEAD o inclusive los propios SAENS, la voz angelical y acertada
en mi opinión de Jenny LEWIS, los solos de guitarra de Vynce LEFT que pueden
recordar en ocasiones a Mike Oldfield y un meritorio solo melódico de
teclados, no obstante nos encontramos nada mas ni nada menos que con tres
teclistas en el grupo.
SOMETHING HAPPENED IN THE GARDEN OF EDEN es un tema épico con muchos trazos
de la música de SAENS. En CARPE DIEM y SNOW el grupo nos muestra su faceta
mas intimista capitaneada por la voz dulce de Jenny LEWIS con la presencia
ocasional de la voz de Vynce LEFT.
KYRIE (GEPETTO'S DEATH) es un tema misterioso y de tono agridulce, con la
presencia del piano cola y los sonidos de órganos de iglesia. TRAVELS me
recuerda a los diálogos y estructura de la música de KAYAK, Jenny LEWIS y
Vynce LEFT mano a mano, reforzado con la presencia del saxo del invitado
Cyril Queneau, que ya ha intervenido en el anterior tema SNOW.
El tema con mas feeling llega con FATHER (THE TRUTH) para dar paso al final
de esta obra conceptual con el acústico de guitarra MEMORIES. El disco
contiene un bonus track WHY? de cerca de 8' algo cansino acabando en otro
acústico.
En definitiva SENSITIVE TO LIGHT nos trae un trabajo de rock clásico
sinfónico, con sencillas composiciones, en alguna ocasión acercándose al
Metal progresivo pero sin adentrarse demasiado en el y también al Folk, todo
aderezado con la estupenda voz femenina de Jenny Lewis y los arreglos de
guitarra y teclados de su líder Vynce LEFT.
Por ponerle alguna pega (apreciación personal) diría que hay pocos cambios
rítmicos y los temas están demasiado alargados, por lo que da la sensación
de que las ideas se repiten en demasía.
Puntuacion: 6.5/10
Salu2 sinfomelodicos'progresivos
© Juan
progjuan@hotmail.com
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Entrevista a Enric HERRERA - MAQUINA!
Entrevista a Enric HERRERA - MAQUINA!, noviembre 2006
Hola
"Música Progresiva es una etiqueta que alguien se sacó de la manga. La
necesidad de clasificar las cosas hace que aparezcan estos términos, casi
siempre totalmente ajenos a los artistas.
Enric Herrera - sep'06
La leyenda del Croissant !!! Así los anunciaban en el Festival de Canet Rock
en 1975 y es que la portada de Croissant, creada por Jordi Batiste, fue su
imagen estandarte.
Imaginaos una época dominada por la canción ligera, por la censura y por
verse mal lo que procedía del extranjero... una época donde llevar el pelo
largo, ir sin afeitar, con pantalones con campana enorme a juego con los
cuellos de las camisas, estaba mal visto por la sociedad española a finales
de los 60's.
Pues con este arquetipo se presentaron un buen día Jordi Batiste y nuestro
protagonista Enric HERRERA a la recién inauguradas discográfica "Els 4
vents" de Barcelona ante Angel Fabregas para decirle "queremos trabajar como
empleados a cambio de grabar lo que queramos, sin intervenciones..." así
nació una de las bandas mas emblemáticas del Underground y de la música
progresiva de nuestro país. MAQUINA!
Els 4 vents se gasto la friolera de 1 millón de pesetas de las antiguas para
lanzar a MAQUINA!, 10.000 copias vendidas de su primer single para
posteriormente con la edición de su primer álbum "Why! vender 3.000 copias.
WHY ! es un álbum de Acid Rock Psicodelico Post Hippie caracterizado este
por llevar al blues a terrenos de la lisergia y de la cultura del LSD, mas
tarde la MAQUINA! de ENRIC HERRERA y Josep Maria Paris dirigieron sus miras
musicales a un estilo diferente "Chicago / Blood, Sweat & Tears".
Han pasado 36 años y por aquellas casualidades que ofrece internet, ENRIC se
puso en contacto con Raul "Sedeort" y de esta forma nació la idea de esta
entrevista !!!
ENTREVISTA A ENRIC HERRERA - Teclista de MAQUINA! - SEPTIEMBRE 2006
Realizada por Raul "Sedeort" y un servidor.
- ?Recuerdas como nació y como funcionaba "Els 4 vents"?
Enric Herrera: Vagamente, me acuerdo de Angel Fábregas, de Jordi Vendrell,
y otros de los que no recuerdo los nombres. En cuanto al funcionamiento no
sabría que decir, gente joven con ganas de hacer cosas, comprometidos... no
sé
- Sabes porque no llegó a cuajar las idas y venidas a grabar a "Els 4 vents"
de los grupos andaluzes, Smash, Gualberto, Nuevos Tiempos y Green Piano.
Enric Herrera:: Yo creía que Smash sí que había grabado para Els 4 Vents
- Se dice que en "Els 4 vents" aun quedan grabaciones para editar 3 ó 4
discos, además temas inéditos de Smash, el LP nunca editado de Gualberto, 7
u 8 temas de Música Dispersa, etc... ?Crees que algún día podremos disfrutar
de todo esto?
Enric Herrera: Por lo que yo sé, los masters fueron pasando de mano en
mano. Algunos masters de Máquina han aparecido ahora recientemente y se han
editado temas que no habían sido publicados antes. Algunos los tiene
Pick-up, ahora otros los tienen Wah Wah Records Supersonic Sounds
(http://www.wah-wahsupersonic.com/). Creo que Joana, la mujer de Fábregas,
vendió los masters de todo al morir Angel ya que
quedó en una situación algo frágil, económicamente hablando.
- Música Progresiva. ?Como la definirías?
Enric Herrera: Es una etiqueta que alguien se sacó de la manga. La
necesidad de clasificar las cosas hace que aparezcan estos términos, casi
siempre totalmente ajenos a los artistas.
- ?En tus inicios, qué músicos te influenciaron en los teclados?
Enric Herrera: Hablamos de hace mucho tiempo, es posible que confunda
influencias anteriores con otras posteriores. A mi me gustaban los grupos
típicos: Los Shadows, Los Beatles, Los Kinks, Spencer David Group, Los
Cream, Soft Machine, Brian Auger, John Mayal, etc, seguro que me dejo
algunos. Ya no tengo mi colección de discos en vinilo que me serviría de
referencia. En una mudanza decidí que no podía seguir cargando con 1500 +
LP's, dado el caso. Además de que ya no tenía un plato para reproducirlos.
- Antes de Máquina colaboraste con gente como Jaume SISA, Els Sapastres, o
en el mítico EP Miniatura. ?Fue así? ?Cómo fueron estas colaboraciones?
Enric Herrera: Yo trabajaba en diversos grupos en aquella época. Saltaba de
uno a otro. Con uno de ellos estuvimos más de un año de gira en Europa y
Túnez. Al terminar la gira el grupo se disuelve. Cosa habitual. Y al volver
a Barcelona, me encontré con "El grup de folk" en apogeo y dada mi amistad
con Sisa empecé a colaborar con los diferentes interpretes y grupos que lo
formaban.
- Cuéntanos cómo se formó Máquina!. El porqué de la elección de ese nombre.
Por cierto, ?el acento cómo es?
Enric Herrera: Máquina nació un poco artificialmente. Un grupo de músicos,
que colaborábamos en casi todas las grabaciones de Els 4 Vents decidimos
grabar un disco a nuestro gusto. Si no recuerdo mal, primero grabamos y
después empezamos a actuar.
Si lo escribes en catalán el acento es abierto Màquina.
- ?Intentabáis imitar la música de fuera por el hecho de demostrar que no
érais tan diferentes a ellos?
Enric Herrera: La verdad es que, al igual que pasa con las etiquetas,
nosotros no intentábamos nada. Solamente tratábamos de hacer lo que nos
gustaba y lo mejor posible, dentro de nuestras posibilidades técnicas del
momento.
- ?Qué dirección musical querías que Maquina! llevara en sus inicios? Se
dice que Jordi Batiste le gustaba más el tipo escenográfico - show para
caldear al ambiente-, mientras tu querías una Maquina! más musical ?que hay
de cierto en esto?
Enric Herrera: Es cierto. Pero creo que precisamente la unión de estas dos
tendencias es lo que dio forma al "estilo" de Máquina
- En aquellos inicios fulgurantes de Maquina, ?teníais la sensación de estar
haciendo algo grande y diferente? ?Realmente os sentíais superiores por el
hecho de ser diferentes e ir contracorriente?
Enric Herrera: Personalmente, no. Yo creo que íbamos flotando sobre una
corriente que no controlábamos. Y cuando tienes poco más de 20 años es
agradable dejarte llevar y adular.
?Qué filosofía de vida o ideología mostrabáis frente a la sociedad de
entonces, que tanto os criticaba por ser unos tipos raros, llevar melena o
ropas diferentes a los demás? ?Pasábais de todo, íbais contra las reglas
establecidas, hippies ...?
Enric Herrera: Como antes, sólo puedo responder por mí mismo. Ir contra las
reglas es una constante en una determinada época de la vida de las personas.
El que detrás de este inconformismo haya una ideología social, política,
etc, ya es otra cosa. Yo creo que no la tenía. O, como mucho, la tenía muy
velada y confusa.
- ?Con qué modelo de teclados tocabas en Máquina? ?Que equipo de música
utilizábais (amplificadores, columnas, luces, potencia etc)? ?Teniais muchos
problemas de sonido en los conciertos?
Enric Herrera: El órgano que usaba era un Hammond con un Leslie. Algunos
amplificadores eran Fender y Marshall (no se si estas marcas están escritas
correctamente).
La verdad es que de luces y del resto de amplificación no me ocupaba en
absoluto.
- Se dice que Luis Genil de The Storm y tú eráis los mejores tocando el
Hammond en España. Llegastéis a coincidir en alguna ocasión. ?Qué piensas de
él?
Enric Herrera: Pues no, que recuerde. La verdad es que no puedo decir nada
sobre él. No tengo recuerdos de sus interpretaciones.
- El otro gran grupo vanguardista de aquella época eran los sevillanos
SMASH. Opina de ellos y cuéntanos algo de vuestra relación en aquella época.
Enric Herrera: Sí, recuerdo Smash y sé que me gustaba lo que hacían. Pero
ahora mismo no recuerdo ninguna anécdota o situación digna de mención.
-Se dice que Máquina! no era grupo de temas cortos, tipo single. Sino un
grupo de directo, donde podíais introducir largas improvisaciones, en
interacción contínua con el público y con la escenografía made in Batiste".
?Descríbenos cómo se desarrollaban vuestros conciertos?
Enric Herrera: Máquinas, hubo muchas y muy distintas. Supongo que te
refieres a la primera, con Jordi, Tapi y Luigi, y después con Jose María
París. Lo de las largas improvisaciones, pues sí al inicio. Después al
"profesionalizarnos" seguimos improvisando pero de forma más estructurada.
- ?Por qué cambiastéis a Jackie por Tapioles en la batería?
Enric Herrera: Desavenencias.
- ?Qué significa la berenjena de vuestro segundo single?
Enric Herrera: Lo dejamos a la interpretación imaginativa de cada
espectador.
- ?Qué significa el Croissant en la portada de Why?
Enric Herrera: Un estímulo para la interpretación imaginativa del
espectador.
- En Why hay varios momentos que me recuerdan a "In-A-Gadda-Da-Vida" de Iron
Butterfly y en otros al "Get Ready" de Rare Earth. ?Que piensas de esto?
Enric Herrera: Es posible. ?Es primero "In-A-Gadda-Da-Vida" que "Why"?.
- En aquellas sesiones para el LP Why?, quedaron suficientes registros como
para editar 2 LPs más (uno se hubiera llamado Sinfonia y otro basado en
temas de blues con toques de bossa-nova). El objetivo era cubrir el periodo
del servicio militar de Jordi, Enric y Luigi, publicando sucesivamente este
material grabado. ?Realmente ese era el objetivo?
Enric Herrera: Pues no sé el objetivo. Creo que todo era menos
pre-programado. Creo que, como he dicho antes, el esbozo de Sinfonia y otros
bocetos han, finalmente, aparecido en estos discos que han salido
recientemente.
-Ante la inminente partida de Jordi y tuya a la mili, entró el veterano
Josep Ma Paris como guitarrista. Una de las opciones era adaptar a Luigi al
órgano y buscar un bajo. Recurrís a Albert Batiste de Música Dispersa y a
Jordi Clúa de Dos + Un, pero ambos rechazan para no dejar colgados a sus
grupos. ?Fue así como se intentaron hacer las cosas? (Finalmente, Luigi
cogió el bajo y el micro cuando se fue Jordi. Y los teclados quedaron
desiertos, cuando te fuiste tú.)
Enric Herrera: Primera noticia. Lo de Luigi al órgano es sicodélico. No
creo que hubiera tocado un teclado nunca. Realmente, lo más natural fue lo
de pasar Luigi al bajo, ya que según creo recordar, yo me incorporé a la
mili como seis meses más tarde que Jordi.
- Después de la partida de Jordi en Mayo de 1970, las diferencias musicales
entre tú y el resto del grupo fueron acrecentándose. París estaba tomando
cada vez mayor control musical sobre el grupo, cambiando el rumbo musical.
?Fue así? ?En qué consistían estos cambios? ?Esa fue la razón principal de
que abandonaras el grupo, incluso antes de tener que irte a la mili?
Enric Herrera: Pues yo no tengo esta percepción. Esta época está confusa en
mi mente. No recuerdo la razón de las desavenencias, que debieron existir
realmente, ya que yo cree una nueva Máquina prescindiendo de todos ellos.
- A mediados de 1970, formaste parte de un grupo "fantasma" llamado
Estratagema, que con "Els 4 vents" llegó a grabar un single. En su hoja
promocional interior decía estar compuesto por miembros de Máquina y Dos +
Un. Por otro lado, también se dice que Albert Batiste (de Música Dispersa) y
Gillem París (de Agua de Regaliz) participaron. ?Qué músicos realmente
colaboraron en este disco? ?Con qué finalidad de formó este grupo?
Enric Herrera: Este grupo sólo existió para la grabación de estos temas. Es
posible que participaran. De hecho todos estos músicos siempre colaborábamos
entre nosotros. Ahora es difícil recordar si en este caso sí o no estaban
ahí. Sí recuerdo que estaba Ia Clua y Manel Josep de 2+1.
- En verano de 1970, Oriol Regás os coge como manager. ?Por qué? ?Cómo
vivistéis bajo su influencia? ?Qué papel quedó para Angel Fàbregas?
Enric Herrera: Veo que sabéis más vosotros que yo. Sí. Recuerdo que Oriol
paso a ser el manager. No creo que hubiera problemas con Ángel. Eran cosas
distintas. Yo tengo la percepción de que cuando aparece el "Why" ya estamos
con Oriol. Recuerdo haberlo presentado en Bocaccio, con Dalí
Es todo vago
en mi mente.
- A partir de Agosto de 1970, Máquina! se quedó sin sus dos miembros
fundadores, Jordi Batiste y tú. Paris, Cabanach y Tapi siguieron como trío,
manteniéndo la buena acogida y crítica en sus actuaciones. ?Qué piensas de
aquella Máquina? ?Fábregas los seguía tutelando?
Enric Herrera: Ya he dicho que tengo un poco de lio cronológico. Sí que
creo que hubo un periodo así, como dices. Pero creo recordar también que
entro Álvaro Is como teclista. No pienso nada, nunca la pude oir. No sé lo
de Fábregas.
- A principios de 1971, decidiste formar otra Máquina, prescindiendo de
París y Tapi. ?Por qué? Incluso durante algunas semanas hubó dos Máquinas
funcionando, la tuya y la de Paris y Tapi. La disolución de la Máquina de
Paris, en Febrero de 1971, ?tuvo que ver por posibles derechos reclamados
por Fábregas en cuanto a la utilización de nombre del grupo? (legalmente
pertenecía a los cofundadores, Jordi y tú)
Enric Herrera: Creo que sí. Los derechos eran nuestros. Y decidí cambiar
del todo el rumbo.
De hecho, el cambio fue de todos los miembros ya que integré el trío Crac
(Baleriola, Benavent, Font) en Máquina.
- Ofreciste a Jordi entrar en tu nuevo proyecto. ?Por que su aportación en
el disco en directo es mínima?
Enric Herrera: Pues no entraba. Era un tema de objetivos musicales
distintos.
- ?A qué crees que fue debida la poca repercusión de la segunda etapa de
Máquina? ?Por qué te decantaste por ese estilo Chicago / Blood, Sweat &
Tears, tan diferente a los orígenes de Máquina?
Enric Herrera: No sé. Simplemente se produce una evolución musical que nos
lleva hacia estos estilos.
- En 1982, Angel Fábregas publica un miniLP con tres temas en directo de
esta segunda etapa. Funciona ... se llamaba. La vocalista es una mujer
(Arta?). ?Sabes más de este disco?
Enric Herrera: No tenía ni idea. Me interesaría mucho poder oírlo. ?Sabéis
como conseguirlo?. Sí, me acuerdo de Arta. Era canadiense, tocaba la flauta
y era muy guapa.
- Finalmente pudiste grabar en condiciones unas actuaciones en directo, como
siempre habías deseado. Fueron las que aparecieron en el doble disco en
directo. Se dice que éste fue el primer doble en directo en España. ?Esos
conciertos fueron programados exclusivamente con la finalidad de ser
grabados? ?Cómo fue el trabajo de la grabación y mezcla de este album?
Enric Herrera: Lo de buenas condiciones, es un eufemismo, ?no?. Sí, se
programaron porque ya habíamos tomado la decisión de disolver el grupo. Así
que, como despedida, invitamos a Jordi para que interpretara algunos temas.
- La desaparición definitiva de Máquina vino antes, incluso, de la
publicación de 2LP en directo. ?cuáles fueron las causas de esta
desaparición?
Enric Herrera: Básica y exclusivamente económica.
- En cuanto a las apariciones televisivas, en Febrero del 70. Especial
Pop, de Valerio Lazarov. Presentando el 2º single Earth's daughter, en
Verano del 70. Luces en la noche Ritmo 70 Fórmula Todo Estudio
Abierto y en 1982, en Qué noche la de aquel año de Miguel Rios, os reunís
para grabar un par de temas. ?Cómo fue vuestro paso por estos programas de
televisón?
Enric Herrera: Tengo un especial recuerdo de una grabación en directo en
Miramar (estudios de TVE en Barcelona en aquella época) para un programa en
el que también grababa Tete Montoliu. Siempre he tenido la percepción de que
estas grabaciones podían haber servido para un disco. No sé ni la fecha ni
el nombre del programa.
"Recuerdo alguna cosa en el programa de Iñigo, que nos obligaron a algo,
pero no se si lo recuedo realmente o es que he oido comentarios y los he
acabado asimilando".
- Emi Odeon te fichó en 1972 como solista, pero no llegaste a grabar nada.
?que sucedió?
Enric Herrera: "Sí, se quería crear un Elton John español. Se hizo un single
con unos temas míos, todo sonaba de maravilla (a mí me lo parecía). Y llegó
la hora de cantar, y
ahÌ se acabó. Realmente canto muy mal.
- Porque causa no llegaste a debutar con Musica Urbana en la primavera del
76?
Enric Herrera: Incompatibilidades musicales.
- El 31 de Enero del 2004 en la Sala "As de Copes" de Granollers regreso
después de 32 años inactivo, una Maquina! de la mano de Jordi Batiste y
Lluis cabanach pero sin ti, con Toni Saigi "Chupi" a los teclados, con
muchas ganas, querían hacer un punto y seguido, demostrar que es la buena
música, pero parece que en esta época de vida fácil ya no interesa ir contra
corriente y poco a poco se ha ido desvaneciendo "la trempera" inicial.
?Porque no has participado en este retorno?
Enric Herrera: Creo que ahora no tiene sentido hacer esa música.
- Últimamente, varios miembros de Smash se han reunido en varias ocasiones
para tocar en conciertos.?Descartas cualquier participación tuya en alguna
otra reunión de Máquina?
Enric Herrera: Nunca digas de esta agua no beberé. Aunque ahora hago música
sólo por el placer de hacerla y mis gustos musicales están en otra onda.
Enric
© by Raul Sedeort y Juan Mellado
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: gira del BarclayJames Harvest de John Lees
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente anuncio que la facción de Barclay James Harvest liderada por
John Lees (y con un terrateniente de lujo como es Wolly Wostenhome) está de
gira en su Gran Bretaña natal desde fines de octubre, con final en grecia.
La parte final de esta gira incluye algunas breves apariciones personales en
Italia con un formato acústico a cargo de Lees, Wostenholme y el teclista
invitado Mike Bramwell.
A continuación sigue la lista de presentaciones .-
30 de octubre MILTON KEYNES The Stables Theatre
31 de octubre MILTON KEYNES The Stables Theatre
1 de noviembre NEWCASTLE Journal Tyne Theatre
2 de noviembre EDIMBURGO Queens Hall
3 de noviembre MANCHESTER Academy
4 de noviembre LEEDS City Varieties Theatre
5 de noviembre LONDRES Shepherds Bush Empire
7 de noviembre FALMOUTH Princess Pavilion
8 de noviembre BRISTOL Academy
9 de noviembre NORWICH UEA
10 de noviembre WORTHING Assembly Hall
11 de noviembre COLCHESTER Arts Centre
12 de noviembre WOLVERHAMPTON Wulfrun Hall
25 de noviembre ATENAS Fuzz Live (antes llamado Club 22)
26 de noviembre SALÓNICA Mylos
Las apariciones del trío acústico serán:
28 de noviembre ROMA, librería de MEL bookstore (aparición personal y show
a las 18:00)
29 de noviembre ANTELLA (FLORENCIA), teatro Coumnale (con Emma Tricca a
las 21:00)
30 de noviembre Conicerto de Roberto Fioravanti (con Emma Tricca a las
21:00)
2 de diciembre LIVORNO, Teatro Goldoni (Ceremonia de Premiación Piero
Ciampi)
Más detalles en el link http://www.barclayjamesharvest.com/
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: "jn_mellado" <jn_mellado@yahoo.es>
Asunto: Programas en el Canal_TVE_50_años
En la programación de Canal50años de Televisión Española se van a programar
los siguintes conciertos/reportajes:
Sábado 11 de noviembre a las 23h.59'
ICEBERG en el programa Tribuna de la Cultura.
00:05 TRIBUNA DE LA CULTURA
LA OTRA MÚSICA
PRODUCCIÓN: IGNACIO SÁENZ PIÑEIRO
INVITADO/S: RAMÓN TRECET, RAFAEL ABITBOL, MIGUEL RÍOS, LUIS FORNES
Programa dedicado al análisis de la llamada música ligera, con
actuaciones de Pablo Guerrero, Miguel Ríos, Suburbano, Los Sirex,
Iceberg, Los Brincos y La teta Atómica. Coloquio.
Sábado, 25 de noviembre
23:35 POPGRAMA
TRIANA (1977)
PRESENTACIÓN: CARLOS TENA
Programa grabado en Sevilla y dedicado al grupo sevillano Triana, en
el que interpretan varios temas musicales y realizan una entrevista.
Sabado 23 de Diciembre
23:30 MÚSICA PARA LA NOSTALGIA
AHORA... TRIANA
REALIZACIÓN: MERCEDES VILARET
INTÉRPRETE/S: TRIANA
ASESOR: LUIS CROUS
Programa musical con la actuación y entrevistas al grupo Triana.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: OCTOPUS en vivo, 11 de noviembre
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La banda instrumental chilena OCTOPUS sigue promocionando su reciente
trabajo discográfico "Bonsai". Su próximo concierto será el sábado 11 de
noviembre.
Hora - 08:30 PM
Local - SALA MASTER
Dirección - MIGUEL CLARO 509, SANTIAGO
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: vuestra opinion respecto... GENESIS en el 2007
Hola
Este martes pasado 7 de noviembre se realizo en un hotel londinense una
conferencia de prensa para anunciar oficialmente que Genesis (Tony Banks,
Phil Collins y Mike Rutherford) VUELVEN en el año 2007.
Nos gustaria saber vuestra opinión respecto a esta reunión de GENESIS.
Que creeis que podemos esperar, musicalmente hablado? Comercial o Progresivo
el nuevo disco de Genesis? ?Que pensais de la ausencia de Peter Gabriel y
Steve Hackett?.
Opinad porfavor !!!
Salu2
Juan
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Autor: RWR1YXJkbyBHYXJj7WEgU2FsdWXxYQ <saluedu@hotmail.com>
Asunto: Pink Floyd - "A saucerful of secrets" (1968)
Pink Floyd : "A saucerful of secrets" (1968)
01. Let there be more light (05:38)
02. Remember a day (04:33)
03. Set the controls for the heart of the sun (05:27)
04. Corporal clegg (04:12)
05. A saucerful of secrets (11:59)
06. See-saw (04:36)
07. Jugband blues (03:00)
- ROGER WATERS: Bass, vocals (1, 3, 4, 5)
- DAVID GILMOUR: Guitar, backing vocals (5)
- RICHARD WRIGHT: Piano, Hammond Organ, Mellotron, vocals (2, 5, 6)
- NICK MASON: Drums, percussion
- SYD BARRETT: Guitar, vocals (7)
Hablar de una agrupación como Pink Floyd, tan importante en el devenir de
la música popular de la segunda mitad del siglo XX en general y en los
estilos más "progresivos" (en el sentido más literal del término) en
particular, sin dejarse llevar por la pasión es una tarea bastante difícil,
aunque no imposible. Pink Floyd es un nombre que ha estado ligado siempre a
los ámbitos más innovadores dentro del trinomio música (o sonido)-literatura
(o textos y sus simbolismos)-tecnología (en todas
sus apreciaciones) en función de una categoría que se podía denominar como
"conceptual". En cuanto al discurso musical de los Floyd, sería posible
decir que han sabido muy bien captar, a su favor, los recursos estéticos que
propiciaban los diferentes momentos creativos que se dieron a partir de
finales de los 60's: desde la psicodelia, el space-rock y el espíritu de la
vanguardia académica (como la Música Concreta) presentes en sus primeros
trabajos, hasta el cultivo de un rock
progresivo-sinfónico con influencias de la "música negra" y el musical
americano durante la década de los 70's.
"A saucerful of secrets" marca un cauto y lógico paso adelante en la
búsqueda por la experimentación y por la construcción de un discurso
artístico sólido y coherente, tras la muy personal tarjeta de presentación
que había constituido, el año anterior, "The piper at the gates of dawn"
(uno de los iconos del universo musical psicodélico). Su debut discográfico
venía marcado por la muy acentuada mente creativa de Syd Barret, quien junto
al resto del grupo supo plasmar imágenes oníricas y surrealistas en
aventuras sonoras con cuidados arreglos instrumentales (en conjunción con
obras como "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles, 1967),
combinadas con extensas piezas-jam de mayor experimentación e improvisación
(como "Interestellar overdrive"). En "A saucerful of secrets" se produce la
marcha de Barrett (quien deja su constancia en "Jugband blues", que
inevitablemente suena a despedida) y la entrada de David Gilmour, presencia
que poco a poco irá empastando con el resto hasta hacerse muy patente en el
ámbito compositivo del grupo. Por todo ello, "A saucerful of secrets" bien
podría considerarse como un trabajo de transición en donde, por una parte se
pueden escuchar aún reminiscencias de su primer
trabajo, con ecos "beatlescos" y el influjo, aún en el ambiente, de Syd, y
por otra se está asistiendo a un tímido alejamiento y profundización en
otros derroteros más experimentales (que acabarán desembocando en
"Ummagumma", uno de sus trabajos más diversos, imprevisibles e
incomprendidos).
El álbum se habla con LET THERE BE MORE LIGHT, pieza de Waters que se
inicia con un potente riff de guitarra sobre el que el Hammond se deja
llevar con gran dinamismo, tras lo cual comienza la estructura principal de
la canción, con pinceladas épicas (tanto en las voces como en su guitarra
final) y algo de presencia Barrettiana (guiño en las letras a "Lucy in the
sky with diamonds"); REMEMBER A DAY, composición de Wright, tiene unas
ciertas connotaciones melancólicas, acentuadas por el piano y la voz de
Wright. Guiño también al código morse de "Astronomy domine", del primer
disco de Pink Floyd; SET THE CONTROLS FOR THE HEART OF THE SUN, compuesta
por Waters, supone una incursión en un envolvente rock oscuro y atmosférico
con acentos orientales. Es una pieza muy progresiva, en su concepción más
literal, a partir de diferentes crescendos expresivos. Aquí se muestra un
paso adelante en la depuración de sus piezas experimentales de carácter más
repetitivo (como la posterior "Careful with that axe, Eugene"); CORPORAL
CLEGG, también de Waters, es una de las piezas en donde se muestra más
claramente esa transición entre el estilo del primer disco y los avances
hacia otros terrenos musicales, simbolizados, de alguna manera, con la
alternancia de las dos partes de la canción. A destacar el trabajo coral,
las bases de órgano de Wright (parece que es una muestra de lo que está por
venir) y esos interludios festivos instrumentales de carácter lúdico.
A SAUCERFUL OF SECRETS se erige como uno de los temas principales del
álbum, trabajado en conjunto por el grupo, y siendo el más experimental, en
conjunto, de la obra, sentando de alguna manera las bases de su siguiente
proyecto "Ummagumma" (realizado tras la grabación de la BSO de "More",
película de Barbet Schroeder). En sus casi 12 minutos hay tiempo para todo
tipo de emociones, desde las inquietantes atmósferas iniciales, hasta el
violento caos sustentado por un ritmo baterístico de concepción casi tribal,
pasando por unas penetrantes progresiones de órgano Hammond que crecen hasta
configurar una línea melódica a la que pronto se añaden unas voces
celestiales que le dan un carácter más épico. Posiblemente sea el momento
más recordado del álbum y uno de sus primeros acercamientos a un rock con
pretensiones sinfónicas (esta línea, además, se volverá a utilizar
ligeramente modificada al final de "Cirrus minor", en la ya aludida BSO de
"More", ese mismo año). Por cierto, en la versión en directo que se
encuentra en "Ummagumma" presenta un carácter más directo alcanzando un gran
clímax expresivo al final, con todo el grupo en plena apoteosis.
SEE-SAW es una pieza cargada de una cierta ensoñación, cortesía de Wright,
que se ve envuelta en cierta cubierta psicodélica presentando además una
cierta ambición tímbrica en la instrumentación (cargada de teclados que
otorgan mucha riqueza textural, un tratamiento percusivo bastante versátil
y, una vez más, unos muy cuidados arreglos corales). Por último, JUGBAND
BLUES supone la despedida de Syd Barrett, un amable epílogo que, aunque
rompe algo el tono general del álbum (habría encajado mejor en su álbum
anterior), no desentona en absoluto y deja un buen sabor de boca, con final
experimental incluido en donde se superpone una banda de metales tocando
junto a las atmósferas más ruidistas del grupo (más guiños a The Beatles y
al Sgt. Pepper's).
En conclusión, este "A saucerful of secrets" es un trabajo que demuestra
que, aunque la personalidad de Pink Floyd se había afianzado bastante fuerte
con la presencia de Syd Barrett en su primer álbum, las inquietudes del
resto del grupo y del recién incorporado Gilmour seguirían floreciendo,
dejando ver otras interesantes líneas de trabajo y anunciando futuros
tránsitos musicales que estaban por llegar, un "nuevo ladrillo" en su "muro"
particular.
!Un saludo para tod@s!
Eduardo García Salueña
www.senogul.tk
www.myspace.com/senogul
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: FLOR DE LOTO en la prensa peruana
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente transcribo una nota periodística publicada en la versión
online del diario limeño El Comercio, referente al periplo del grupo FLOR
DE LOTO por los escenarios brasileños.-
EN RUTA A RIO DE JANEIRO
Los nacionales de Flor de Loto han sido invitados a participar en un
prestigioso encuentro musical los días 10 y 11 de noviembre. También se
presentarán bandas de Brasil, Chile y Argentina.
En un tiempo relativamente breve, Flor de Loto ha logrado objetivos que los
pueden situar ya entre los grupos más importantes de rock progresivo
peruano. Con solo un disco en el mercado, de título epónimo, se ha situado
en un casillero que bien puede ser la posta de los legendarios Frágil. Todo
un desafío, si tomamos en cuenta que los mandatos actuales del rock
desestiman las incursiones demasiado elaboradas en beneficio del rock
garajero y de las recetas electrónicas.
Pero ese panorama parece no importar a los miembros de Flor de Loto; ellos
se lanzaron al ruedo con la premisa de abordar la música desde una
perspectiva experimental, flexible e ilimitada.
El esfuerzo les valió primero la atención del sello chileno Mylodon Records,
por el que editaron su disco de debut; luego, la invitación al Río Art Rock
Festival, que se llevará a cabo el 10 y 11 de noviembre en Río de Janeiro,
Brasil.
Flor de Loto representará al Perú en este encuentro de bandas progresivas y
de rock sinfónico. Además, se contará con la presencia de los ensambles
Exsimio (Chile), Amagrama (Argentina) y Spin (Brasil). El festival se
desarrollará en el Espaço Cultural AMF Unimed, gracias a las gestiones de la
disquera Rock Symphony.
LA AGENDA
Los cuatro grupos participantes se dividirán en dos por cada día; así, el
viernes 10 de noviembre los chilenos de Exsimio abrirán el festival y
nuestros compatriotas de Flor de Loto se encargarán de ponerle el broche
final a la jornada. El sábado 11 harán lo propio las bandas Spin y Amagrama.
Pero eso no queda ahí, previamente al festival, Flor de Loto tendrá la
oportunidad de tocar en el Teatro Municipal de la ciudad de Macae (también
en Río de Janeiro). La cita está fijada para el 8 de noviembre.
Este viaje a Brasil será importante para que Flor de Loto muestre su música
más allá de nuestras fronteras, una música que encuentra fuertes referencias
de Jethro Tull, tanto por la recurrencia a la flauta traversa como por las
fusiones con el jazz y el rock duro. No obstante, las valijas de Flor de
Loto mantienen elementos distintivos de nuestra propia cultura, como las
mezclas con los sonidos andinos.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 2do. de TRYO
TRYO: Crudo (1998)
Temas
1. Fuenteovejuna
2. Viento de Otoño
3. Vitral
4. Nueva Época
5. Fanfarria
6. Homenaje
7. Transcurso
8. Nocturno [ i. Romance ii. Arcano iii. Nocturno]
9. Nguillatun
10. Mantra
11. Danza
Integrantes
- Ismael Cortez: guitarras
- Francisco Cortez: bajo, cello
- Félix Carbone: batería, percusión
Con éste, su segundo disco, la banda chilena Tryo empezó a mostrara todas
las cartas de su propuesta progresiva: esto es, empezó a dar un campo más
amplio a su faceta acústica, a la par que reforzaba su faceta eléctrica en
búsqueda de afianzar su potencia y fiereza inteligentemente administradas.
Los primeros seis temas de Crudo provienen de un concierto realizado en
Viña del Mar en marzo de 1997, sujetándose a su formato básico de power
trio. El resto del álbum sirve para que el grupo explore las sutilezas y
cadencias propias de la interacción entre la guitarra acústica, el cello y
percusiones varias (principalmente, el vibráfono) desde una óptica
vanguardista. Dado que la distribución de estas dos facetas está marcada en
una dualidad, se siente que el grupo aún prefiere trabajar a fondo ambos
lados de su visión musical por su lado antes de integrarlas de manera más
fluida, cosa que tendrá lugar de manera exitosa en sus dos siguientes
trabajos de estudio.
En fin, quedémonos en este disco específico. Fuenteovejuna, una de las
piezas más notables de su disco debut, abre la sección en concierto. El
grupo ofrece su patentado nervio en el cual confluyen el crimsonismo, el
rock pesado y los matices de raigambre jazz-rock. Viento de Otoño muestra
una ambientación más centrada en lo jazzero, con unos juegos de acordes de
guitarra que proporcionan un núcleo evocativo muy afín al paisaje mental
aludido en el título: el solo de guitarra se muestra lo suficientemente
contenido como para no romper con el equilibrio establecido por los tres
instrumentos. Vitral y Nueva Época son patentemente más musculares,
aunque con la suficiente dosis de sofisticación como para no caer en clichés
clásicos el rock duro, apelando a ornamentos rítmicos complejos y tensos. En
lo personal encuentro una pena que Vitral no se extienda más allá de los 3
minutos y cuarto, pues su punche bien pudo dar para un desarrollo más
exhaustivo al menos desde mi humilde perspectiva de melómano. Fanfarria
ya apunta hacia el lado más notablemente explosivo del grupo, pura
efusividad electrizante articulado sobre cambios de ritmo que le dan al
despliegue de fuerza un dinamismo peculiar, el mismo que alcanza picos de
furia en los pasajes más trepidantes. Homenaje cierra la sección en vivo
con aires zeppelinianos: un tema con gancho un tanto sencillo, el cual Tryo
explota con buen gusto. El solo de bajo saca a la luz el esqueleto jazzero
del tema, el cual había permanecido escondido de manera muy sutil bajo los
poderosos riffs de guitarra.
Con Transcurso, que no es sino un minuto de ruidos de aves y grillos en el
bosque, se abren las puertas del pasadizo que nos conduce a la facción
acústica del disco. Nocturno es una pieza en tres secciones en el que el
ensamble explora ambientes melancólicos apelando a sutilezas refinadas en
las cuales el cello y la guitarra acústica se complementan consistentemente
en un enlace coloreado por efectos percusivos tan delicados como relevantes.
Tenemos aquí un tapiz de tonalidades grisáceas transformada en sonido: las
partes de vibráfono articuladas en torno a los arpegios de guitarra parecen
flotar cuales leves hojas otoñales que no terminan de caer al suelo.
Nguillatun ofrece un paisaje más misterioso y sombrío, como emanando desde
un rincón mítico de la realidad: parece mentira cuánta fuerza expresiva
puede surgir de la combinación de medidos acordes de guitarra, surrealistas
flujos de cello y ornamentos de tambores. Las cosas se expanden más en
algunos pasajes de la segunda mitad de esta pieza, creando una suerte de
clímax intermedio. Mantra nos devuelve a la melancolía de Nocturno,
aunque se nota que hay un aumento de intensidad, una noción que se confirma
a partir del cuarto minuto, cuando emerge transitoriamente una marchosa
sección de base étnica tropical. Danza ocupa el último minuto del disco,
con un motivo extraído de Fuenteovejuna.
En fin, Crudo es el manifiesto del inicio de la madurez estilística de
Tryo, y como tal debe ser visto como un documento valioso sobre el
significado que, hoy por hoy, tiene la obra de este grupo dentro de la
vanguardia progresiva contemporánea.
César Mendoza
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Magma
Si todo mundo pudiera ver este video, a todo mundo le gustaría:
Jade chante Magma
http://www.youtube.com/watch?v 52vhtwuGjOA
Saludos!
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: La_declaración_progresiva
"En los 70's el rock progresivo era, más que nada, una categoría en sí
misma. Nadie se molestaba en tratar de etiquetar a Yes, Genesis, ELP o a
Gentle Giant como géneros distintos. Sólo eran Rock Progresivo. Hoy en día,
está subdividido en Synth, electronic, electronica, metal sinfónico, heavy
metal, prog, goth groove, neo-handbag, garage, trash...!! No sé en qué
categoría piensa la gente que encaja mi música en esto, pero por lo general
yo la llamo una especie de híbrido de Rock Progresivo y de lo que se
acostumbraba llamar Rock Sinfónico."
-Nick Magnus, 2004.
Saludos!
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