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La caja de musica Number 0745
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #745 octubre 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Steve Hackett "Spectral Mornings" [DVD]
* Entrevista a Luis Colucci, de TANGER
* KATATONIA: "The Great Cold Distance" (2006)
* Insigne "Girociclo"
* Nuevo disco de Senogul
* SINFO PROG LA PLATA 2006
* ART ROCK RIO 2006
* trivia de Steve Hackett, circa "Please Don't Touch"
* Entrevista a Luis Alberto Vergara de AISLES
* el 1ro. de Octopus [Chile]
* DIXIE DREGS 1981
* Kotebel "Structures"
* PLEASE
* RC2 en directo - Apolo [2]
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Steve Hackett "Spectral Mornings" [DVD]
STEVE HACKETT Spectral Mornings DVD (2005)
Temas
1. Intro / Please Dont Touch
2. Racing in A.
3. Ace of Wands
4. Narnia
5. Optigan / A Tower Struck Down / Spectral Mornings
6. Acoustic Session
7. Shadow of the Hierophant / Clocks Angel of Mons
Bonus tracks:
8. Carry on up the Vicarage
9. Introduction of band members
10. Star of Sirius
Steve Hackett: guitarras solistas y clásica, optigan, voz, coros
Colaboradores John Hackett (flauta, guitarra segunda, pedales bajos), Johm
Shearer (batería, percusión), Nick Magnus (teclados), Pete Hicks (voz), Dick
Cadbury (bajo, voz, coros)
Repitiendo el título del tercer disco de estudio, Spectral Mornings es el
DVD de Steve Hackett editado por Studio Hamburg y Radio Bremen a fines del
año 2005. Este documento nos remonta a aquellos añejos tiempos de la segunda
mitad de los 70s, cuando el notable guitarrista estaba forjando su propio
sendero progresivo tras su aun entonces reciente partida de las filas de
Genesis: de hecho, ésta es la quinta actuación en vivo de Hackett, y desde
ya sorprende la solidez de su idea sobre lo que quería transmitir en el
escenario y lo que quería de un grupo bajo su mando. El show en cuestión fue
grabado en el estudio Musikladen en noviembre de 1978, y duraba
originalmente unos 70 minutos en total; dado que el programa de Radio Bremen
estaba formateado para una duración poco menor de una hora, se debió omitir
un par de piezas, pero, afortunadamente, la tecnología digital ha
incorporado dichos temas omitidos como bonus tracks. Habiendo sacado al
mercado su segundo disco Please Dont Touch, recién pudo terminar de
convocar a un grupo de apoyo permanente para perpetrar sus primeras
aventuras sobre los escenarios. Por otra parte, siendo como es un creador
inquieto, no es de extrañar que ya existieran ítems del repertorio que
conformaría el futuro tercer disco Spectral Mornings. De hecho, esta pieza
homónima ,emblemática dentro de la tradición hackettiana, así como el
robusto Clocks Angel of Mons, reflejan un carácter completo. La imagen
no tiene la nitidez que se suele esperar de los documentos visuales de
nuestros tiempos, pero se nota que la casa productora se ha esforzado por
mantener un nivel lo más satisfactorio posible en cuanto al brillo y
contraste de los colores; aunque queda el resaltado de los tonos dorados, la
cosa está, a fin de cuentas, más que aceptable en este aspecto. Además,
Hackett se siente muy suelto, tanto al pararse en el escenario como a la
hora de establecer una fluida comunicación con el público.
El show de por sí es un muestrario adecuado del derroche de energía, buenas
vibraciones y exquisitez performativa que tenía lugar de forma sistemática
en los conciertos normales de Hackett y Cía. la camaradería y
compenetración entre los músicos resulta bien afiatada, y el público sabe
responder al estímulo musical con entusiasmo (medido de acuerdo a la
idiosincrasia germánica), especialmente tras la ejecución de Ace of Wands,
Star of Sirius, la sesión de guitarra clásica [el cual incluye pasajes del
Etude en La Menor y Blood on the Rooftops, además de Horizons y, en
dupla con su hermano John, Kim] y el extenso medley de Shadow of the
Hierophant y Clocks. Este último ocupa el último cuarto de hora del show,
llevando al público empático a un genuino goce climático (y de paso, al
televidente). De todas maneras me gustaría destacar dos elementos
particulares dentro del ensamble de apoyo de Hackett. El primero es el
baterista John Shearer, quien sabe enriquecer su propia sensibilidad rockera
oportunamente a fin de amoldarse dentro del variopinto mundo progresivo del
líder; mención especial para su bravata en la orgía percusiva final de
Clocks Angel of Mons, y su grito de éxtasis ante el clímax grupal. El
segundo es Nick Magnus, quien complementa la labor de Hackett con su buen
gusto a la hora de elaborar su cortinas de mellotron y sus armonías de piano
eléctrico RMI y sintetizador. Por supuesto, la estrella del show es Steve
Hackett, quien en este punto de su carrera ya está empezando a desarrollar
su propio dominio escénico. También sabe poner una cuota de humor cuando
introduce al Optigan como un amigo mecánico (en estos días, algunos de mis
mejores amigos son máquinas), y también cuando presenta el homenaje
satírico a Agatha Christie Carry on up the Vicarage pero claro, el humor
se va y entra en juego la solemnidad cuando la banda ejecuta la secuencia
hilada de A Tower Struck Down (hora de jugar con pulsiones sombrías) y
Spectral Mornings (hora de romanticismo etéreo).
Las ejecuciones de Racing in A. y Ace of Wands contienen ciertas
variaciones respecto a las versiones oficiales: la parte final de Ace es
empleada como coda de Racing in A., mientras que Ace of Wands en sí se
concentra en su primera parte, hasta llegar a un jam onírico pautado sobre
un compás lento a 3/4. EMHO, la banda nunca pierde el momentum que crean con
los vuelos lisérgicos de la introducción y el despliegue de energía
sicodélica de Please Dont Touch, una pieza emblemática de Hackett donde
los haya. La antes mencionada dupla de Shadow of the Hierophant (con el
bajista Dick Cadbury fungiendo de falso soprano) y Clocks conforma un
oportuno cierre para un excelente show: es impresionante la cantidad de
momentos musicales mágicos que atesora el pasado de Steve Hackett, y
ciertamente, esta performance de Radio Bremen es un ítem bastante
recomendable para los aficionados a la buena música progresiva.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Entrevista a Luis Colucci, de TANGER
ENTREVISTA A LUIS COLUCCI, DE TANGER, octubre 2006
Hola cajeros.
Tenemos en esta ocasión la compañía de Luis Colucci, bajista, teclista y
compositor del grupo instrumental argentino Tanger, cuyo tercer disco
Ciudad ha sido lanzado al mercado a inicios del presente año. Se trata de
un grupo con una trayectoria un tanto tortuosa y complicada, pero cuyos
resultados artísticos plasmados en la secuencia de sus tres discos
Tanger, La Otra Cara y el mencionado Ciudad lo muestran como un
ensamble capaz de mantener un estilo sólido mientras lo va enriqueciendo e
intensificando paulatinamente. Sus tres trabajos ya han sido reseñados en
sección Discos de la página de LCDM.
César: Bueno, Luis, antes que nada, gracias por el tiempo prestado a La Caja
de Música.
El disco Ciudad me ha parecido lo mejor que ha hecho Tanger hasta ahora.
Es algo muy subjetivo esto de opinar y comparar, pero... ?sientes lo mismo
al respecto?
Luis: Pienso que el deseo de todo músico es mejorar permanentemente, seguir
creciendo. Desde mi punto de vista Ciudad es el mejor trabajo que hemos
hecho. Ha habido cambios con respecto a la composición, pero esos cambios
fueron dándose a partir del mayor desarrollo de elementos que se encontraban
en forma embrionaria en los trabajos anteriores. Me parece que hay una mejor
labor en los contrastes dinámicos, un mayor desarrollo en los contrapuntos y
una más clara influencia de la música local. De todos modos, la evaluación
de un trabajo propio requiere a veces cierta distancia que no siempre es
fácil de tomar. El paso tiempo puede dar una perspectiva más clara al
respecto.
César: ?Cómo está el nivel de empatía en la actual formación de la banda?
Luis: Estamos en un muy buen momento. Hace casi dos años que venimos
trabajando con esta formación completa; si bien con Damián ya veníamos
tocando hace seis años y con Nacho cuatro, la incorporación de Eduardo fue
importantísima y redondeó el sonido. El trabajo se vuelve muy sencillo así.
César: ?Qué me cuentas acerca de los últimos y próximos conciertos de
Tanger? ?Ya tiene el grupo un público de culto?
Luis: Hay un público que nos sigue, pero lograr que sea numeroso es aún un
desafío. La frecuencia de los conciertos ha bajado notablemente en los
últimos años, primero por la crisis económica del país y luego por lo
problemático que resulta tocar en Buenos Aires. Hay muchos lugares sin
habilitar y las condiciones para hacer conciertos son pésimas, tanto en el
aspecto organizativo como en el económico. Además, siendo independientes y
haciendo una música que está totalmente subvaluada en los medios, se hace
verdaderamente complicado llegar a un público mayor.
César: ?De quién fue la idea de utilizar una obra de Vassily Kandinski para
la portada de Ciudad?
Luis: Fue una idea mía, pero en realidad esa imagen vino a mí, no la busqué.
Bastante antes de terminar de grabar Ciudad, teniendo ya los temas
elegidos y la idea del título, estaba viendo un libro de Kandinsky. De
pronto me encontré con ese cuadro e inmediatamente pensé que debía ser la
tapa del disco. Todo encajaba: desde la idea de la ciudad hasta el formato,
que es cuadrado; incluso venía pensando en el color azul como tonalidad
básica. Se lo comenté a los demás y les pareció una buena idea. Por otro
lado queríamos salir de la idea monocromática de las tapas anteriores.
Además, realmente me parece un cuadro magnífico.
César: ?Qué equipo instrumental usa Tanger para las grabaciones y para los
conciertos?
Luis: En los conciertos varía según el tamaño de la sala en que toquemos. En
lugares pequeños nos limitamos a un sonido de escenario, con los
instrumentos directamente conectados a los equipos. En lugares más grandes
tratamos de lograr en un principio un buen sonido en el escenario y luego
reproducir eso en el sistema de sonido, a través de la consola. Utilizamos
nuestros instrumentos básicos: bajo, flauta, guitarra eléctrica, batería,
algo de percusión, eventualmente guitarra española o acústica y
ocasionalmente sumamos el teclado, que ahora también está siendo
interpretado por Damián.
Hemos armado una sala de una forma más o menos cooperativa junto con una
banda amiga. Ahí grabamos la batería en forma digital usando una consola de
14 canales y una PC. Actualmente la tomamos con siete micrófonos. Lo demás
lo grabamos en mi casa, utilizando una mezcladora de 4 canales y mi PC. Las
tomas de guitarra las solemos hacer en stereo con dos micrófonos, un
condenser y un dinámico, al igual que las de flauta. El teclado lo grabamos
por línea en stereo; y el bajo, por línea desde el equipo.
César: No sé si será muy prematuro hablar sobre esto - ?ya hay ideas y/o
material para un siguiente disco?
Luis: Ya hay material compuesto para un nuevo disco y tenemos tres temas
grabados que están prácticamente terminados. Por suerte tenemos algunos
nuevos micrófonos, una nueva placa de sonido, una mixer nueva...y más
experiencia. Hemos mejorado notablemente la calidad del sonido con respecto
a las tomas de Ciudad. Suponemos que vamos a terminar un nuevo CD en algunos
meses.
César: ?Cuándo habrá una página web de Tanger?
Luis: No puedo precisar cuándo. Hemos tenido una hace un tiempo, pero fue
complicado mantenerla actualizada.
El proyecto de la nueva página ya está, sólo habrá que ponerlo en marcha.
Mientras tanto, se puede bajar algo de música y enterarse de las novedades
en purevolume.com
[Nota del entrevistador En LCDM #742 se anuncia la existencia del blog de
Tánger en Purevolume, con la dirección www.purevolume.com/tanger]
César: Una de las grandes virtudes que, según me parece, tiene Tanger es que
los músicos trabajan de manera muy compenetrada en la ejecución de los
temas. ?Acierto al decir que la calidad técnica de cada miembro está al
servicio del sonido grupal? Pregunta adicional: ?Alguno o todos los miembros
del grupo tiene formación académica?
Luis: Pienso que Tanger siempre trabajó en función de la música. Tengo y he
tenido compañeros muy sensibles a la estética musical, muy buenos oyentes,
además de ejecutantes talentosos y creo que eso se refleja en el buen
trabajo grupal. Tenemos la mayor parte del material escrito y a ello sumamos
espacios para solos individuales y para la improvisación grupal. Tratamos de
dosificar la participación de los instrumentos de manera muy balanceada
aunque, claro está, los roles están básicamente definidos por las
características de cada instrumento.
En cuanto a si tenemos formación académica, habría que aclarar algunos
puntos. En el sentido estrictamente académico-institucional, quien tiene
esa formación es Damián, que ha estudiado en el conservatorio y que
actualmente está haciendo la licenciatura en el IUNA (Instituto
Universitario Nacional del Arte). En cuanto a los demás, tenemos formación
académica, en el sentido de que hemos estudiado música clásica o
académica en forma particular. Eduardo toca guitarra española y abarca un
repertorio desde el renacimiento al siglo XX. Nacho, además de estudiar
batería, estudió guitarra un tiempo y luego flauta travesera. Yo estudio aún
análisis y composición en estilo, desde el barroco a lo contemporáneo.
Hay una clara utilización de formas y técnicas barrocas y clásicas en
Ciudad: Plaza Mayor es, básicamente, una especie de forma de allegro de
sonata. Pasacalle y Fugazzetta son, respectivamente, una passacaglia y
una fughetta; los títulos aluden humorísticamente a las formas.
Ferrocarril también retoma la idea de sonata, pero es más bien jazzero y
tiene una improvisación en su desarrollo.
César: Pasamos ahora a un tema de corte político-cultural vinculado a tu
contexto inmediato. Recientemente se promulgó en tu país una Ley del Músico
o algo parecido, según tengo entendido (corrígeme si me equivoco). Esta Ley
ha despertado mucha controversia, especialmente entre los músicos de
vanguardia. ?Cuál es tu opinión sobre esta Ley?
Luis: Me resulta realmente interesante la pregunta, aunque no es muy fácil
de responder. En realidad la Ley del Músico a la que te refieres finalmente
fue anulada. Desde mi punto de vista sería necesario sancionar una ley
diferente, aunque habría que debatirla. La Ley del Músico, tal como estaba
planteada, era inútil, porque pretendía avanzar sobre un aspecto muy
discutible y relativo con respecto a la música, y esto era decidir mediante
un jurado quién era músico y quién no lo era. De más está decir que se
podría objetar la probidad del jurado, pero más allá de eso, no se puede
dictaminar quién es músico y quién no lo es, por más que no nos guste lo que
haga. Por otro lado, la ley obligaba a afiliarse al sindicato para poder
trabajar, además de que en la elaboración del proyecto no se llamó a los
músicos al debate. Finalmente hubo una convocatoria hecha por varios músicos
para frenar la ley, y así sucedió.
De todos modos sigue habiendo un vacío legal. Después de la tragedia
ocurrida en "República Cromagnon" hay grandes problemas para habilitar
espacios para los conciertos. Los escasos lugares que cuentan con la
habilitación se abusan de los músicos. Ante esta situación, el Gobierno de
la Ciudad de Buenos Aires prometió armar un circuito de rock para este 2006
(Tanger se inscribió en él), pero no se hizo nada. Fueron sólo promesas.
Bueno, con algunas vinculaciones
políticas o siendo alguna figura de cierto renombre se puede acceder a
algunos espacios. Pero para el underground la situación es pésima.
César: Esta pregunta la hago siempre que estoy a punto de terminar. ?Hay
algo que quieras añadir?, ?tal vez la respuesta a una pregunta que hubieses
querido que se formulara en esta entrevista?
Luis: Solamente quiero agradecerte por esta entrevista y por toda la
difusión que has dado a nuestra banda y a tantas otras.
Además quiero pedirle al público que se anime a ir a los conciertos, a
escuchar y a comprar los discos de las bandas menos conocidas. Es la única
manera de poder sostener nuevos proyectos y de permitir que se genere nueva
música sin las presiones habituales del mercado, que cada vez está
excluyendo a más músicos y oyentes.
Gracias por tu tiempo, una vez más, y una infinita suerte para Tanger en sus
próximos proyectos.
César Mendoza
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: KATATONIA: "The Great Cold Distance" (2006)
KATATONIA: "The Great Cold Distance" (2006)
Discografica: Peaceville
Temas:
1. Leaders (4,20)
2. Deliberation (3,59)
3. Soil's song (4,11)
4. My twin (3,40)
5. Consternation (3,50)
6. Follower (4,45)
7. Rusted (4,20)
8. Increase (4,19)
9. July (4,44)
10. In the white (4,53)
11. The itch (4,19)
12. Journey through pressure (4,20)
Musicos:
- Jonas Renkse - Vocals
- Anders Nystrom - Guitar
- Fredrik Norrman - Guitar
- Mattias Norrman - Bass
- Daniel Liljekvist - Drums
KATATONIA es un grupo sueco que comenzó su carrera allá en 1991 practicando
un Doom parecido a los primeros Anathema mezclado con Death Metal.
En sus ultimos trabajos han prescindido de los guturales y han adquirido un
parecido razonable con grupos como los últimos OPETH, TOOL, ANATHEMA o
incluso lejanamente a PORCUPINE TREE, especialmente en los arreglos y
atmosferas de los teclados
... y es que es inevitable escuchar "The Great Cold Distance" y no acordarse
de Ghost Reveries (sin los guturales) y Damnation de Opeth. Un trabajo muy
compacto, bien producido con un sonido limpio que transmite un climax de
oscuridad, agobio y melancolía a través de unos temas densos y pausados con
la excelente voz de Jonas Renkse... pero ojo, el componente agresivo de los
riffs guitarreros y ese ritmo Dark Metal siguen estando muy presentes
durante casi todos los temas.
Yo destacaría DELIBERATION por su rítmica y melodía, el acelerado,
contundente y agresivo LEADERS y el que ha sido primer single MY TWIN,
también se debe mencionar los temas agresivos como "COSTERNATION" y
"RUSTED", este con una melodía pegadiza... los cuales conviven perfectamente
con los mas melódicos, por ejemplo SOIL'S SONG, muy OPETH y con teclados que
suenan a PORCUPINE TREE.
El álbum decae un tanto en su tramo final, quizás se repiten demasiado las
estructuras o simplemente que superar esos 7 temas iniciales es harto
difícil.
En definitiva, KATATONIA se une al desenchufe y progresividad de grupos como
OPETH o ANATHEMA.... si pensasteis alguna vez como sonaría el GHOST REVERIES
de Opeth o soñabais con una continuación del DAMNATION, este "THE GREAT COLD
DISTANCE" os satisfará de pleno.
Puntuacion: 7.5/10
Salu2 doomatmosfericosprogresivos
© Juan Mellado
Progjuan@hotmail.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Insigne "Girociclo"
INSIGNE: Girociclo (2005)
Temas
1. Ismas Girada
2. Caribe
3. Retorno al Trabajo
4. Vacaciones en Rucandial
5. A Veces la Duda
Integrantes
- Nahím Cobo: teclados, bandoneón
- Carlos Charly Pérez: batería, percusión
- Ismael Fikri: guitarras
- Fernando Delgado: bajos, percusión
Colaboradora Estíbaliz Remiro Perlado (flauta en 2 y 4)
Un disco muy interesante es éste de Insigne. Girociclo, segundo trabajo de
este grupo instrumental de Santander que fue editado en el año 2005,
constituye un agradable descubrimiento tardío en mis siempre inquietas
averiguaciones melómanas. El sonido del grupo se basa principalmente en la
expansión de energía y robustez a través de una mezcla de variantes bastante
lograda. Prog sinfónico, prog metal, jazz-rock, fusión, psicodelia, incluso
elementos humorísticos propios del circo: todo ello conjugado en temas que
transmiten una natural fluidez a través de sus cambios de motivos, ritmos y
ambientes. El tenor predominante es intenso y sombrío, lo cual se debe a la
recurrencia de veces en que la guitarra emerge de forma aguerrida y al
despliegue de fuerza de parte de la sección rítmica, pero esta predominancia
no implica para nada algo avasallador. Por el contrario, el grupo siempre
deja amplio espacio para la inclusión de variantes interesantes que muchas
veces funcionan de manera magistral. En no poca medida es el multicolorido
de los aportes provistos por los teclados de Cobo los que operan como
vehículo nuclear del despliegue de diversidad.
La pieza de apertura Ismas Girada ofrece un equilibrio bastante bien
balanceado entre polenta rockera y complejidad progresiva, un equilibrio
pertinentemente sazonado con texturas góticas en este sentido, me recuerda
a la ya difunta banda italiana A Piedi Nudi, pero que conste que solamente
uso esta referencia como aproximación descriptiva. Luego viene Caribe, el
cual comienza con una ambientación más lánguida y lírica, con esos
ensoñadores acordes de piano eléctrico, y sobre todo, la entrada de la
flauta (cortesía de la invitada Estíbaliz Remiro), la misma que
inmediatamente después traza la línea melódica principal. Entre esta sección
inicial y su reprise final emerge un interludio en el cual se marca una
intensificación de la intensidad progresiva sobre una base rítmica que
transita entre el rock duro y el funky-rock. También incluye una breve
serenata circense en 3/4, al modo de una travesura musical bastante
juguetona, guiada al alimón por la flauta y el bandoneón. Con sus cerca de
10 minutos de duración, Retorno al Trabajo es el tema más extenso del
disco, y también el más ambicioso en cuanto a complejidad estructural.
Comenzando con etéreas frases de piano eléctrico que van ocupando el primer
minuto y tres cuartos, el grupo va entrando de lleno en una sección lenta
que gradualmente va aumentando su densidad hasta llegar a una sección más
propiamente afín a lo metalero. Según los propios parámetros estéticos del
grupo, no es de extrañar que esta sección se expanda de manera pluriforme,
introduciendo cosas jazzeras en el ínterin, y luego jugando con la
alternancia entre pasajes de fastuosidad progresiva estandarizada y otros
cargados de potencia prog metal con matices góticos. El tema concluye con la
sección lenta que había establecido el tránsito entre la introducción de
piano eléctrico y el cuerpo principal. Vacaciones en Rucandial establece
alternancias entre el jazz-rock y la psicodelia: el primero de estos
factores permite a la sección rítmica jugar con un swing más sutil de lo
usual y a Fikri articular su faceta más sensible durante su primer solo. Las
irrupciones de los segmentos más fuertes permiten al grupo jugar, una vez
más, con su dinámica más aguerrida, amén de jugar con la sorpresa de lo
circense por unos instantes. La flauta vuelve a regalarnos su lirismo
durante la segunda porción jazzera y para el clímax rockero. En fin, A
Veces la Duda cierra el disco con una cadencia psicodélica distante,
familiarizada con los patrones de la vanguardia post-rock, aunque también
recordándome un poco al PF clásico en cierto sentido. La guitarra se manda
con unos fraseos perturbadores que suenan casi surrealistas.
Es una pena que sus 37 ½ minutos de duración no permitan al disco darle más
espacio al ensamble de Insigne para que sigan explorando la unidad de
diversidades sonoras que ellos están tan interesados en explotar. Como
balance general, Girociclo resulta una propuesta interesante dentro de la
actual vanguardia progresiva española una propuesta que puede seguir dando
para mucho si se va traduciendo en una amalgama sonora cada vez más
compacta.
César Mendoza
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Autor: RWR1YXJkbyBHYXJj7WEgU2FsdWXxYQ <saluedu@hotmail.com>
Asunto: Nuevo disco de Senogul
Hola a tod@s.
Muchos de vosotros ya conocéis nuestro mini CD autoeditado, el "Tránsitos",
grabado por nuestros propios medios. Hace ya bastantes meses nos embarcamos
en el proceso de grabación de un primer álbum en un estudio profesional,
incluyendo, además de la regrabación en estudio de los temas del Tránsitos,
otras seis nuevas composiciones. Tras numerosos avatares ya os puedo
confirmar, con orgullo, lo siguiente:
- Nuestro álbum está finalizado y actualmente estamos acabando de realizar
las mezclas para que entre en proceso de masterización. Estamos muy
satisfechos con el sonido conseguido y con la ejecución (tanto nuestra como
la de numerosos colaboradores que han estado a nuestro lado).
- El disco tendrá saldrá editado bajo el amparo discográfico de MYLODON
RECORDS, sello chileno de música progresiva y de vanguardia, que incluye en
su catálogo, entre otros, a grupos como Omni, Evolution, Cast o Jaime Rosas
Cuarteto, y a distribuidoras tan importantes como Musea, Galileo, Cuneiform
o Margen Records (aquí en España). Por estos circuitos se podrá conseguir el
disco. Nosotros no lo venderemos directamente, aunque sí podríais
conseguirlo en nuestros conciertos.
La fecha prevista para que salga el disco es de Enero de 2007. A partir de
entonces nos dispondremos a presentar nuestro trabajo en directo por todos
los puntos geográficos posibles. Asímismo, estamos trabajando en una nueva
actualización de la web que se verá culminada cuando salga el disco al
mercado.
Aprovecho también la ocasión para recordaros la dirección web de nuestro
myspace: www.myspace.com/senogul y nuestra dirección de contacto para lo que
sea menester (información, contratación, etc): senogul@gmail.com
Muchas gracias por todo.
Un abrazo
Eduardo García Salueña
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: SINFO PROG LA PLATA 2006
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
A comienzos de diciembre tendrá lugar la 4a edición del SINFO PROG LA PLATA,
correspondiente al presente año 2006.
El cartel de este evento está conformado por los siguientes grupos:
CAAMORA (Inglaterra) - ÜNDER LINDEN - ARKHAM - KUN (La Plata) -
CHANETON (Cap. Fed.)
Hablando de CAAMORA, se trata de un nuevo proyecto musical liderado por
Clive Nolan. CAAMORA tendrá más actuaciones en Argentina aparte de este
festival.
El día será el sábado 2 de Diciembre, y el local será el Auditorio Colegio
San Cayetano (Calle 29 entre 43 y 44 La Plata), comenzando a las 21:00
Precio de las entradas anticipadas: $ 10, en las tiendas Eco Music, Staff
Video, Jason Rock (todos estos en La Plata), y The Factory (Galería Quinta
Avenida - Sta Fe y Talcahuano, Loc. 39).
Más información puede hallarse en el sitio
http://www.sinfoprog.lumenan.com.ar/
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ART ROCK RIO 2006
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
El festival Art Rock Rio 2006 está a punto de tener lugar.
El cartel es como sigue.-
Viernes, 10 de noviembre: EXSIMIO (Chile)
FLOR DE LOTO (Perú)
Sábado, 11 de noviembre: SPIN (Brasil)
AMAGRAMA (Argentina)
Ambas sesiones están programadas para las 9 de la noche. El local es el
Teatro AMF Unimed, Niterói, Rio de Janeiro.
Más información: http://www.rocksymphony.com/outros_produtos.asp?select 3
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: trivia de Steve Hackett, circa "Please Don't Touch"
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Aquí envío una trivia de Steve Hackett sobre sus pininos como solista, más
exactamente, la etapa de su segundo LP Please Dont Touch.
Steve Walsh, de Kansas, cantó en Narnia y Racing in A. El baterista
invitado para estas piezas también pertenecía a un grupo norteamericano.
?Cuál era?
[Nota del Cajero: R: al *mismo* grupo norteamericano; Phil Ehart :-) ]
?Quién puso la voz para la versión single de Narnia?
Seguimos con Narnia. Los acordes iniciales de guitarra de 12 cuerdas
estaban en la cabeza de Hackett desde sus primeros tiempos como miembro de
Genesis. Un amigo suyo, también músico de la movida progresiva, le sugirió
que hiciera una canción completa a partir de dichos acorde,s cosa que se
cristalizó en 1978. ?Quién era este amigo?
?Cuál de las piezas que luego fueron a parar al LP Please Dont Touch fue
originalmente rechazado por miembros de Genesis durante la etapa de
gestación del Wind & Wuthering?
?Cuál modelo por entonces novedoso de guitarra introdujo Hackett en su disco
Please Dont Touch?
Y en contraste, ?cuál instrumento medieval (inspirado en otro primigenio de
la Antigua Grecia) aparece también en el disco en cuestión?
Antes de su actuación en el estudio de Radio Bremen, recogida en el DVD
Spectral Mornings, ?cuántos conciertos había dado Steve Hackett con su
banda?
Respecto a este disco Please Dont Touch, ?qué conexión hay entre Steve
Hackett y Peter Hammill?
Antes de tocar en la banda de Hackett, el teclista Nick Magnus había sido
miembro sucesivamente de las dos bandas progresivas llamadas...
Inmediatamente después de su participación en la banda de Hackett, el
baterista John Shearer tocó para la leyenda del rock clásico...
?Qué tema del repertorio de Hackett tocó el bajista Dik Cadbury durante su
audición?
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Entrevista a Luis Alberto Vergara de AISLES
ENTREVISTA A LUIS ALBERTO VERGARA, DE AISLES, Octubre 2006
Aisles es un grupo chileno cuyo disco del 2005 The Yearning, editado por
el sello Mylodon Records, ha sido bastante celebrado en varios sitios de
Internet, especialmente por la complejidad y variedad de las composiciones,
enmarcadas dentro de una línea prog sinfónica. Su disco está también
reseñado en la sección Discos de La Caja de Música, dicho sea de paso.
En esta ocasión, Luis Alberto Vergara, uno de los teclistas del grupo, nos
brinda algo de su tiempo para concedernos la presente entrevista. Cabe
añadir que Luis Alberto es uno de los principales compositores y también
está a cargo de la parte visual del grupo en cuestión.
César: Para empezar, gracias por brindar tu atención a LCDM.
En comparación con el año 2005, ?cómo ha sido el año 2006 para Aisles en
cuanto a actividades? ?Ya se están proyectando para un nuevo futuro disco?
Luis V.: A lo que mas estamos enfocados en este momento es sólo a la
composición . Estamos elaborando material para el segundo disco, y ya
tenemos el material grueso. Esperamos pronto terminar todas los temas a
nivel estructural para trabajar en el sonido y los arreglos del mismo
César: ?Mantiene Aisles amistad y contactos con otros grupos de la escena
progresiva y experimental de su país? ?Tal vez con bandas de otros países?
Luis V.: No por ahora. Nuestro acercamiento a la música progresiva es en una
manera bastante íntima, es decir, preferimos concentrarnos en nuestro
trabajo más que estarnos viendo en el mapa de grupos del estilo. Fuera de
esto, el estilo que dimos forma fue por acercarnos a un lenguaje que podía
abrazar en ese entonces las inquietudes musicales de los integrantes, lo
cual no significa que sigamos identificándonos y haciendo música que
necesariamente se asocie a los grupos progresivos, es decir, creo que
nuestro grupo y los grupos de esta tendencia deberían concientizarse de
manera más profunda que el ser un grupo progresivo no debería parecerse
necesariamente a la camada de la mayoría de grupos encasillados en esta
tendencia, sino, como dice la palabra, la capacidad de progresar ya sea
conceptual, musicalmente (rítmica y melódicamente) y sonoramente, y aunque
suene contradictorio, estilísticamente hacia lugares nuevos en donde
apreciar esta música sea una experiencia evolutiva y no al revés.
En este mismo punto puedo decir que nuestra búsqueda fuera de transmitir,
evocar, y todos los similares de comunicar que es la premisa básica del
arte, nos interesa generarla desde un punto incorruptiblemente personal, que
es lo que sabemos que nos ayudará a que tome un carácter único desde el
contenido hasta su forma.
Es una tarea que recién empezamos y creo que es uno de nuestras motivaciones
principales para seguir avanzando. Quizás si tuviéramos estos puntos
resueltos no necesitaríamos más discos para continuar la búsqueda, pero creo
que tenemos bastante camino hacia delante.
César: Llama la atención que Aisles edifique su sonido sobre las
interacciones de dos guitarristas y dos teclistas, sin por ello hacer que el
sonido sea recargado. ?Cuál fue la estrategia para lograrlo?
Luis V.: Supongo que es el enfoque en transmitir desde una unidad como lo es
una canción, desde ese enfoque todos lo instrumentos se ponen al servicio de
lo que pretende el tema en sí, es decir la idea, y cada parte se tiene que
limitar a aportar solo en el sentido de lo que quiere decir la canción ni
mas ni menos. Tratamos de mantener los egos lo más controlados posibles para
no decir por decir, es como cuando en la orquesta queda sólo un ínfimo
sonido de oboe y todo ese potencial de polifonía queda en nada, y es que en
ese momento no hay para la composición ninguna otra alternativa de
representar ese hipotético sentido de serenidad o vulnerabilidad, y la
orquesta lo entiende y respeta.
César: Siento que el lirismo es uno de los rasgos esenciales de las
composiciones y las letras de The Yearning. ?Coinciden con esta
apreciación?
Luis V.: Bueno, sí es cierto. Supongo que también fue por tomar una forma
que pudiese hablar con más cercanía los temas tratados en el disco, en ese
caso eran temas relacionados con los deseos espirituales del hombre
enmarcados siempre en sus circunstancias materiales y encontramos en lo
poético la herramienta más adecuada. Algo tan simple como buscar una
sonoridad de palabras que representen con asertividad nuestras ideas y
conceptos.
De todas maneras lo entendemos como un acercamiento a lo que se quería
decir
Y no es necesariamente así como el estilo musical en el disco, una constante
de todos nuestros futuros discos. El lirismo también tiene un doble filo a
la hora de concienciar y ocuparlo como herramienta cultural.
César: ?Cuáles han sido las influencias musicales más directas y explícitas
en el estilo de Aisles?
Luis V.: Creo que el primer disco tomo de manera natural una sonoridad
sinfónica progresiva aunque no todos los integrantes lo tenían como primera
influencia. También había gustos por grupos como Depeche Mode, Radiohead, J.
M. Jarre, Vangelis, Mike Olfield , y por el lado de la fusión, Mike Stern,
J. L.. Ponty, Pat Metheny, Jan Garbarek,, Pedro Aznar, pero que no se vieron
reflejados por la razón de consensuar un lenguaje en común entre todos. Y
este lenguaje fue dirigido más por el gusto por la música clásica sinfónica
así como por grupos excelentes progresivos como Pink Floyd, King Krimson,
Queen , Genesis, yes, Rush, The Mahavishnu Orchestra, Marillion, y bueno,
también curiosamente nos relacionaron en las críticas con grupos progresivos
que nunca habíamos escuchado antes.
César: ?Algunos o todos los miembros de Aisles tienen formación académica?
Luis V.: Fuera de tomar algunas clases particulares todos al momento de
hacer el primer disco éramos autodidactas, hoy en día Germán, uno de los
guitarristas, le ha dado importancia a tomar clases de manera mas formal
estudiando con un buen profesor de jazz.
César: ?Cuáles fueron los retos más notables que encontraron cuando
empezaron a abordar la creación de los temas más largos de The Yearning?
Luis V.: Creo que fue el hecho de saber que teníamos fragmentos que eran de
la canción pero que no estaban integrados aun y había que ver la manera de
integrarlos de una manera ya no lineal, pero que aun así fuera un resultado
natural y narrativo.
César: ?Te animas a dar alguna definición o definiciones de rock progresivo?
Luis V.: Rock fundado en décadas pasadas (el de ahora es neo-prog), con
bases rítmicas melódicas complejas basadas en estructuras clásicas y
sinfónicas
.
. Mejor prefiero proponerlo como: Lenguaje dentro de la música que trata de
replantear su propio discurso y trascender al mismo.
Me gustaría creer que el rock progresivo es el que menos le importa estar
fuera del mismo.
César: En fin, ?tienen algo más que añadir? ?Tal vez la respuesta a alguna
pregunta que viesen querido que se formulara en esta entrevista?
Luis V.: No realmente, sólo agradecer . Y decir que la difusión y la
voluntad por difundir grupos como lo hace La Caja de Música es la segunda
fase para que se alimenten los hilos colectivos de pensamientos que van
enriqueciendo la cultura y haciendo más chico el trecho entre toda esa otra
cultura desechable que nos inunda hoy en día en todos los medios masivos
dirigidos por el lucro y no el espíritu.
César: Gracias por tu tiempo. Toda la suerte del mundo para Aisles en sus
futuros proyectos.
Gracias a ti, César, por la oportunidad de poder llegar a tu interesante
público. Sírvanse todos visitar la página del grupo en www.aisles.cl
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de Octopus [Chile]
OCTOPUS: Octopus (2004)
Temas
1. Litio
2. Z.0
3. Panning in Tempo out
4. Ignición
5. Claroscuro
6. Pasajes
7. Colores
8. O/zon
Integrantes
- Braulio Aspé: bajo
- Fernando Daza: guitarra
- Jorge Benavides: guitarra
- Cristóbal Orozco: batería
Con su disco debut homónimo del 2004, el ensamble instrumental chileno
Octopus entró de lleno en el mercado discográfico con su propuesta musical,
basada en un suministro fiero y potente de prog metal a través de los
filtros de la inteligencia y el ingenio, fomentando así el uso fluido de
variantes dentro de su compacto vendaval sonoro. Yo empecé a conocer a este
grupo a través de su disco Bonsai, de este año, y ahora debo decir que me
sorprende muy gratamente que la banda tuviera desde sus inicios una visión
clara y decidida acerca de su propia visión musical. Las huellas de bandas
de altas dosis técnicas como Dream Theater, Spiral Architect y Fates
Warning, así como de la tradición hard rock, se hacen sentir plenamente en
el sonido de Octopus, mas también podemos notar la sólida presencia de
elementos psicodélicos (p.e., el KC contemporáneo) y de jazz-rock moderno
(p.e., Attention Deficit, Gordian Knot) perfectamente integrados en el
bloque sonoro. Así pues, el estilo resultante emerge como una confluencia de
robustez y dinamismo.
El tema Litio abre el disco con un despliegue medido de polenta rockera,
siendo así que los efluvios pesados irrumpen impíamente en los minutos
finales para crear un clímax intenso y llamativo. El tema siguiente Z.0
mantiene el momentum expansivo con su garra contundente. Panning in Tempo
out se concentra más en climas psicodélicos marcados por armonías
discretamente crimsonianas, siendo así que lo metalero surge solamente en
algunos impetuosos interludios. El manejo de los contrastes es bastante
pulcro, y en este sentido, la impoluta versatilidad de la sección rítmica
sirve de bastante ayuda. Para Ignición la banda vuelve a subir los
decibeles de potencia, sin por ello caer en demostraciones monolíticas de
fuerza. Los cambios de ritmo, motivo y ambiente se van sucediendo con orden
y claridad de ideas. Este mismo diagnóstico se puede repetir perfectamente
para Pasajes (tal vez la pieza más explícitamente explosiva del disco
aparte de O/zon). En medio se coloca Claroscuro, cuyo núcleo
primariamente jazz-rock permite a la banda explorar texturas y un swing
diferentes, aunque metiendo sus ocasionales interludios prog metal en
ciertos pasajes y en el clímax extendido del último minuto y cuarto.
Colores se organiza sobre sazones de Latin-jazz bastante coquetos, a
partir de los cuales el cuarteto explora sus inquietudes de corte jazz-rock
con juegos de sutilezas bien armados. En todo caso, un breve apartado
prog-metal entra como un fiero trueno en medio del clima general del tema,
que es muy distinto. El disco concluye con la pieza más extensa, O/zon, la
cual dura 8 minutos y 50 segundos. El segmento inicial es bastante etéreo,
casi espacial se podría decir. Recién a los 315 la banda construye una
sección contundentemente pesada sobre el compás de 7/8 con el que el
baterista estaba jugando desde un rato antes. Los riffs y juegos armónicos
vertidos por las dos guitarras tienen bastante gancho, el cual se incrementa
con los ágiles solos que van emergiendo sucesivamente. A partir del minuto
530 las cosas se ponen un poco más frenéticas e intrincadas en un salvaje
interludio que dura casi 2 minutos antes de que surja el motivo final. Tras
un silencio de dos minutos, suenan dos guitarras contrapunteándose en un
ejercicio inocultablemente crimsoniano.
En poco menos de una hora, Octopus logró afirmar una posición sólida dentro
de la vertiente prog metal desde su discreto rincón del sur de América.
Ciertamente, la obra de este grupo es meritoria de un reconocimiento como
Dios manda, siendo este disco debut y el siguiente Bonsai (del 2006)
sendas pruebas irrefutables de ello.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: DIXIE DREGS 1981
DIXIE DREGS: Unsung Heroes (1981)
Temas
1. Cruise Control
2. Divided We Stand
3. I'll Just Pick
4. Day 444
5. Rock & Roll Park
6. Attila the Hun
7. Kat Food
8. Go for Baroque
Integrantes
- Steve Morse: guitarras eléctricas y acústicas
- Andy West: bajos con y sin trastes
- Allen Sloan: violines eléctrico y acústico
- Rod Morgenstein: batería, percusión
- T Lavitz: pianos acústico y eléctrico, órgano, sintetizadores, clavinet,
saxo
Tras cuatro discos oficiales y un debut independiente, la gente de Dixie
Dregs ya tiene una esencia musical claramente marcada y sustancialmente
definida. Lo suyo es música para pasarla bien sin dejar el colorido y la
eficacia técnica, o para decirlo al revés, crear música ingeniosa que
requiera de talento y exquisitez para su ejecución pero sin llegar a
exuberancias extremas ni pirotecnias alucinadas. Se siente en la manera en
que los músicos se dejan llevar por las ideas musicales gestadas por Steve
Morse esta gente hace música pensando en transmitir íntimamente al oyente
la buena onda que los instrumentistas comparten entre sí comunalmente.
Unsung Heroes es el segundo disco de Dixie Dregs con el teclista T Lavitz
en sus filas. Desde que Lavitz reemplazó a Parrish, se nota que el sonido DD
se hace más elegante en la forma, aunque el fondo esencial sigue intocable.
Jazz-rock melódico confluyendo con cadencias de country-rock y hard rock, y
también con algunas tenues sazones de rock sinfónico estilizado: ésta es la
eficaz y atractiva receta de DD.
Cruise Control y Divided We Stand, dos de las piezas más celebradas de
toda la trayectoria de los Dixies, son las que abren el disco. La primera
ofrece su gancho y energía de una manera bastante directa, ostentando su
llamativa vibración, mientras que la segunda exhibe coquetos colores
jazzeros sobre una grácil cadencia rítmica en la cual se cruzan el country y
el blues-rock. Más adelante aparece Kat Food, otro tema favorito de los
fans de DD, un fino ejercicio de jazz-funky (solo de bajo incluido). Con
Ill Just Pick nos encontramos a la banda explotando su vena country según
sus parámetros estilizados, amén de un obvio buen humor. Vale. Bajando un
poco el ritmo y pasando a algo más introspectivo y sereno, Day 444 emerge
como una bella pieza en la que el motivo principal logra crear un clima
evocativo y envolvente: las armonías iniciales de guitarras acústicas marcan
el sendero sobre el cual el violín, el piano y la guitarra eléctrica
(atención a ese solo del final...) irán creando y recreando los matices
sucesivos. Tengo que repetirlo, se trata de un tema bastante bello, siete
minutos de sencillo deleite. Rock & Roll Park, por otra parte, se va de
regreso hacia lo extrovertido de manera afín a Cruise Control incluye un
solo de saxo a cargo del teclista T Lavitz. Attila the Hun es otra pieza
alegre, aunque esta vez con un mayor predominio jazzero. Sloan ofrece aquí
uno de sus mejores solo de violín, y lo mismo podemos decir de Lavitz
respecto a su breve pero impactante solo de sintetizador que aparece en el
medio. El último solo es de Morse, quien aprovecha el momento para lucirse
en fraseos veloces y limpios antes de plasmar texturas a contrapelo con las
últimas líneas de violín. La pieza de cierre es Go for Baroque, con una
introducción ejecutada a dúo en guitarra clásica y violín, uniéndose al poco
rato el piano y el bajo tal como indica el título, se trata de una
composición creada al modo de una fuga barroca. Sloan sabe apropiarse de las
ideas de Morse y convertir a su instrumento en el artífice de las
concreciones potenciales de tales ideas: este epílogo lo demuestra mejor que
ningún otro tema del disco.
Unsung Heroes es, ante todo, un disco ameno y agradable, dispuesto a ser
disfrutado con entusiasmo por los amantes del jazz de raigambre
norteamericana. El dinamismo de la sección rítmica y la versatilidad
espléndida de Steve Morse son los dos pilares sobre los que se asientan las
mayores virtudes de la música de los Dixies, una música que brota del
espíritu común creado por los músicos con total naturalidad.
César Mendoza
[Dedico esta reseña a Iván y Alfredo, de El Taxi de Lucy Smith]
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Kotebel "Structures"
KOTEBEL: Structures (1999)
Temas
1. Structure 1
2. Structure 2
3. Structure 3
4. Structure 4
5. Structure 5
6. Structure 6
7. Structure 7
Carlos Plaza Vegas: teclados, bajo, percusión midi, secuenciador, arpa
Colaboradores Omar Acosta (flauta, EW5), Carlos Franco (percusión),
Adriana Plaza (pandereta)
Con el disco Structures, Kotebel inició su trayectoria discográfica, la
misma que ha ido cosechando elogios en varios e-zines y foros progresivos a
lo largo de los años. Dos de las razones más recurrentes para las reseñas
positivas que ha ido recibiendo Kotebel a lo largo del nuevo milenio son el
empleo colorido de la inspiración musical vertida en las composiciones de
Carlos Plaza y el sentido de exquisitez ejercido en los arreglos de dichas
composiciones. Ya desde este disco debut, que está casi íntegramente basado
en las labores de Plaza en los teclados y percusiones programadas, estas
cualidades brillan a punta de ingenio y creatividad.
Los siete temas de Structures conforman un catálogo de belleza y
elegancia, estupendamente recicladas a través de efectivas líneas melódicas,
pulcros ambientes sinfónicos, adornos sorpresivos naturalmente engarzados en
el desarrollo de los motivos y una sensibilidad peculiar que el uso de la
tecnología no puede ni pretende ocultar. Los dos primeros Structures
portan una mezcla de Anthony Phillips, Mike Oldfield (en su faceta de
teclista) y Rick Wakeman por el lado que podemos llamar más netamente
progresivo, incorporando también tonalidades y cadencias propios del
jazz-fusión melódico, aunque en un nivel más sutil (en cuanto a este
detalle, el estilo de Plaza me recuerda un poco al del Jan Hammer de los
70s, y por eso también, a Kit Watkins en su lado más reposado). Con estas
dos piezas escuchadas de corrido, el oyente empático puede sentirse
compenetrado con el lirismo elegante y espiritualidad mágica que Plaza sabe
trasladar tanto sobre las bases de piano como sobre las orquestaciones y
solos de sintetizadores. Con Structure 3 escuchamos por primera vez a la
flauta de Omar Acosta, la cual logra añadir una cadencia bucólica a la bien
instaurada amalgama melódica-armónica de teclados: sólo con el fin de
mencionar referentes descriptivos, diré que esta pieza me suena como una
mezcla de Wakeman y Lito Vitale. Los motivos recurrentes y sus variantes no
aburren a pesar de extender sus expansiones en un transcurso de 8 minutos, y
en buena parte eso se debe al efectivo candor transmitido por la flauta. El
cuarto Structure es el más breve: su ambientación serena y lánguida nos
remite a una cercanía al prototipo del new age. Structure 5 es el tema
más largo, ocupando un espacio de casi 11 ½ minutos. El ambiente general
(casi siempre con un ritmo medio lento) se sostiene principalmente sobre un
tempo de tres cuartos, muy típico del folklore criollo sudamericano. Este
hecho y la aparición de la flauta en ciertos pasajes ayudan a Plaza a crear
aquí una vía intermedia entre la fastuosidad propia del rock sinfónico y la
vibración bucólica del folklore latinoamericano. Una vez más, tenemos aquí
un juego de expansiones a partir de ciertos motivos básicos, creando un aura
envolvente en torno al espíritu del oyente. Structure 6 comienza con
pomposas cortinas cósmicas de sintetizador antes de revelarse casi de
inmediato como la pieza con más polenta del disco: en este sentido me
recuerda al Rick Wakeman del No Earthly Connection, aunque manteniéndose
en su propio estilo. Al llegar el quinto minuto, tenemos un falso clímax
que da lugar al pasaje final, un segmento lento en el que la flauta vuelve a
asumir un rol protagónico. El último Structure también resulta marchoso en
su sección inicial, pasando luego del segundo minuto y medio a otro pasaje
distinto, más ceremonioso, el cual se divide entre segmentos de corte
onírico y otros más fastuosos. El último minuto se completa con un reprise
del motivo inicial.
En fin, Structures es el disco que abrió el camino para la concreción y
desarrollo de la visión musical de Carlos Plaza. A pesar de no contar con
las ventajas de una instrumentación más rica e intensa que sí aparece en sus
discos posteriores, al igual que cualquiera de éstos Structures muestra a
Kotebel como lo que es, una importante fuerza creativa dentro del rock
sinfónico de nuestros días.
César Mendoza
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Autor: JOSE_FRANCISCO_CORTÁZAR <jfcortazar@auna.com>
Asunto: PLEASE
ES DURO TENER QUE DEFINIR CON LA MARCA ROCK PROGRESIVO O ROCK SINFONICO
UN TIPO DE MUSICA, QUE COMO TU MUY BIEN DICES HACIAN TUS BANDAS
PREFERIDAS, QUE POR CIERTO TAMBIEN HAN SIDO,
SON LAS MIAS.
TENGO QUE RECONOCER QUE PASE MI ADOLESCENCIA ENTRE LOS AÑOS 74 75 CON
SOBREDOSIS DE AUDICIONES DE E.L.P.,YES ,GENESIS, PINK FLOYD KING CRIMSON
Y POSTERIORMENTE JETHRO TULL. LED Z. DEEP P. ETC ETC.......
EVINDETEMENTE ES ALGO QUE DEJA UNA MARCA DE POR VIDA . SOBRE TODO
PORQUE ES UNA EXPERIENCIA UNICA PASAR LAS CALUROSAS TARDES DE VERANO
CON UN TOCATA MONO ,SI MEDIAR PALABRA CON UN PAR DE AMIGOS,LAS VENTANAS
CERRADAS, EN PLENA OSCURIDAD, ESA MUSICA QUE ME ATRAPABA DIA TRAS DIA, Y
QUE ME HACIA DESCUBRIR UNIVERSOS TOTALMENTE INCREIBLES....CON SOLO
CERRAR LOS OJOS.
SON MIL Y UNA SENSACIONES MIL Y UNA VECES MAS INTERESANTES QUE CUALQUIER
COSA QUE SE PUDIERA VER EN AQUELLA EPOCA POR LA CALLE. HORAS DE
INAMAGINACION ,CUENTOS Y SUEÑOS DESCUBRIENDO LOS SONIDOS MAS
FANTASTICOS QUE JAMAS NADIE SE HUBIERA INMAGINADO,ADEMAS DEL ESFUERZO
MENTAL QUE REQUERIA SU COMPRENSION ARTISTICA
EL DERROCHE DE INMAGINACION Y DE MAS COSAS....QUE ESTOS
SEÑORES,PILARES DE LA MUSICA QUE TU LLAMAS MOSTRARON DURANTE
JUSTAMENTE ESOS AÑOS DE ABSOLUTA CREATIVIDAD.
LO SIENTO PERO ESO SE QUEDA AHI LE DUELA AQUIEN LE DUELA.
TENGO CASI 50 TACOS Y HASTA AC/DC SON SINFONICOS SI LOS PONES A MENOS
REV.
ME HA PARECIDO MUY INTERESANTE TU APRECIACION SOBRE ESOS DISCOS
DESPLAZADOS
UN SALUDO Y VER SI NOS VEMOS EN
DIRECTO........................................
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Autor: Jose M. Iñesta
Asunto: CosesNostres] RC2 en directo - Apolo [2]
Hola a todos.
Les adjunto un recordatorio, en especial (pero no solo) para los de
Barcelona y alrededores.
Un saludo
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Solo recordarles nuestro concierto en Apolo [2] este sábado 4 de
noviembre a las 19:00 hs, en caso que alguien se quiera acercar:
RC2 de la mano de Deria Musica se presenta en directo este sábado 4
de Noviembre a las 19:00 horas en la Sala Apolo [2] donde además
grabaremos escenas para el video clip de uno de los temas de nuestro
próximo disco.
La entradas se venderán en preventa en Overstocks (Calle Tallers nº
9) y directamente a través de nosotros a un costo de 6 euros, en
taquilla serán 10 euros. La compra de entradas en preventa es
importante para la banda porque es la única manera de ayudarnos
realmente si asisten al concierto, al comprar en la taquilla el día
del evento, todo lo recaudado será para la sala, por ello es tan
importante que adquieran las entradas en preventa.
Es una excelente oportunidad para vernos en directo por última vez
en el 2006 en una excelente sala con un gran sonido y junto a dos
fabulosas bandas.
Esperamos verles por allí,
Rafael
www.myspace.com/rc2prog
www.rc-2.com
E-mail: rafael@rc-2.com
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