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La caja de musica Number 0726
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #726 junio 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Entrevista a GARGAMEL
* Tangerine Dream "Atem"
* Magenta: "Home" (2006)
* Imán_Califato Independiente
* Re: TANGERINE DREAM " Phaedra"
* Arbitros localistas
* Kaizen "Gargula"
* Letras de Il Balletto di Bronzo
* CANVAS SOLARIS 2006
* noticias de White Willow
* novedades de MASTERMIND
* No_sueñes_que_se_cumplira
* Más_sobre_Pendragon_y_Believe
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Entrevista a GARGAMEL
Entrevista a GARGAMEL, junio 2006
Hola cajer@s del mundo mundial de habla hispanica.
GARGAMEL es una joven y prometedora banda noruega que practica un progresivo
RETRO con un inconfundible sello escandinavo en mayor o menor medida
influenciado por VdGG (especialmente la voz del cantante) y en King Crimson
( la parte mas inquietante, oscura, intensa y depre del grupo inglés),
ademas de ciertas pinceladas jazzys, minimalistas, stoner y proto-prog. Su
mayor particularidad es la variedad instrumental debido en gran parte por la
presencia mayoritaria de Cello, Mellotron, Saxo y Flauta y otra son las
cuidadas melodias.
Watch For The Umbles es su album debut para este 2006 y quizas se convierta
este año en la gran revelación, por este motivo me puse en contacto con el
grupo para pedirles que amablemente me respondieran a una enrevista y aqui
la teneis.
Alberto Albas & Juan Mellado
ENTREVISTA a Morten Tornes y Tom Uglebakken (GARGAMEL)
Realizada por Alberto Albas (AA) y Juan Mellado (JM)
JM: - ?Cual son los origenes de Gargamel?
MT & TU: La banda fue formada en Marzo del 2001 por Tom Uglebakken
(guitarra, vocal, flauta y Saxofón), Bjorn Viggo Andersen (Teclados) y
Morten Tornes (batería y vocal).
Tom y Bjorn habían sido amigos desde la infancia. A los veinte años, ambos
se mudaron a la misma casa. Compartiendo el mismo gusto en la música,
empezaron a ensayar en el sótano. En 1998 empezaron en una banda llamada
Trans Coda y tocaron en algunos conciertos de la escena prog de Oslo. Trans
Coda se disolvió en Noviembre 2000, debido a diferencias entre los miembros
en la dirección musical. Morten (batería, vocal) había tocado antes en una
banda llamada Onomatopeya (una banda semi-progresiva) cuando vivía en la
costa Oeste de Noruega. Se mudo a Oslo para estudiar, y allí encontró a Tom
y Bjorn. Teniendo un gusto similar por la música, decidieron formar una
banda juntos. Tuvieron su primer ensayo en Marzo de 2001.
Después de un período inicial inestable con diferentes músicos, el hermano
de Mortens, Geir se unió al bajo. Después del verano Jon Edmund Hansen se
unió como guitarra adicional, y la banda tuvo su primer concierto en
noviembre del 2001. Después del concierto la banda entró en estudio y
grabaron dos canciones, editándola como un CD-R single en Otoño del 2002.
Pronto en el mismo año Leif Erlend Hjelmen se unió al violoncelo, y Jon
Edmund dejó la banda.
La banda tuvo un par de conciertos en otoño del 2002, y la banda entró otra
vez en estudio para grabar tres canciones mas, que juntamente con las dos
primeras formarían el album "Watch for the umbles".
Bjorn y Geir dejaron la banda a principios de 2003, después de completar sus
partes para el álbum. Se fueron al extranjero y nuevos miembros fueron
reclutados. Leif Erlend también se fue al extranjero en el verano 2004.
Después de un período de poca actividad y de que los nuevos miembros no
trabajaran, Geir volvio a Oslo, y se unio de nuevo a la banda. Arne Tøn
también se unió a los teclados. La nueva formación tuvo su primer concierto
en el Festival OsloProg 2005.
JM - Como clasificarais vuestra musica?
MT & TU: Rock experimental con inspiración masiva de los inicios del rock
progresivo en los 70's
JM: - Cual es vuestra definición de Rock Progresivo ?
MT & TU: Para nosotros la palabra tiene que ver con un estilo de música, no
necesariamente progresivo en la definición de la palabra, significa algo
rompedor, pero con algunos elementos y formas de la música desarrollada a
principios de los años setenta. Mezclando Rock, jazz, clásico, folk,
electrónica y ambiental.
JM: - Que expectativas teníais respecto al lanzamiento de vuestro álbum
debut "Watch for the umbles?
MT & TU: Realmente no teníamos grandes expectativas, Nos ha sorprendido
agradablemente todas las buenas criticas y reacciones que hemos recibido.
Siendo nuestro primer álbum, y ninguno de nosotros realmente tenia mucha
experiencia un estudio de grabación. Realmente nos anima a hacer nuestro
siguiente álbum aún mejor. Ahora tenemos mucha más experiencia y sabemos a
donde queremos ir.
JM: - Pienso que estais muy influenciados por VdGG, Black Sabbath y el
proto-prog de grupos como Spring, Cressida, etc.... ?que pensáis de esto?
MT & TU: Estamos naturalmente inspirados por la música que amamos, pero no
hemos hecho ningún intento de sonar así o copiar cualquier banda en
particular. Pero tratamos realmente de sonar como en los años 70 simplemente
porque esto es lo que nos gusta.
JM: - El álbum debut de Gargamel esta muy bien, pero pienso que quizás
estáis demasiado influenciados en los clásicos de los años 70. ?Podemos
esperar un sonido más personal para los siguientes álbumes?.
MT & TU: Creemos que ya hemos llegado al punto de tener nuestro propio
estilo y sonido, y para el próximo álbum quizás estaremos más abiertos a
experimentar y no sonar necesariamente 100% retro. Pero veremos que pasa.
Seguiremos sonando crudos y orgánicos, y mientras nos guste es genial....
AA : Creo que en el primer tema del álbum 'Tics', la sección de lenta
evolución donde la intensidad va subiendo está muy influenciada por la parte
minimalista del tema de King Crimson 'Starless del álbum 'Red'. ?Es esto
una coincidencia, un tributo, o habéis tomado la idea básica para
desarrollarla en vuestro propio estilo?. Personalmente me gusta mucho el
tema, pero las similitudes son quizá demasiado evidentes.
MT & TU: Bien, realmente no tenía ese tema en mi mente cuando escribí
'Tics'. En aquel periodo estaba escuchando más a bandas como Univers Zero y
Magma, así que la inspiración es muy fuerte de esas bandas, pese a que no
sonamos como ellos. Siempre cojo ideas cuando escucho su música. Pero cuando
escucho el álbum 'Red' a día de hoy, entiendo porque muchos piensan como tu.
Siempre he amado ese álbum, así que quizá se filtró de forma inconsciente.
JM: - El estilo escandinavo de música progresiva está fuertemente
influenciado y evoca continuamente a King Crimson, sonidos oscuros, bajos
distorsionados y retorcidos. ?Cual es la razón para esto?
MT & TU: Causa que tenemos buen gusto.... hehe... Tal vez porque el rock
escandinavo siempre ha sido bastante áspero, y no suave como digamos el rock
americano. Ya que los inviernos escandinavos son largos, fríos y tristes,
tal vez esto influye en el sonido de las bandas de prog escandinavas.
JM: ?Como veis la escena de rock progresivo en Noruega. ?Hay muchas
personas que escuchan esta clase de música?
MT & TU: Hay un pequeño grupo fiel de gente que le gusta la música en
directo. En Oslo tenemos un festival prog cada otoño que esta muy bien, y
hay proyectos de hacer un nuevo festival y más grande fuera de Oslo para el
próximo verano. Tenemos bastantes buenas bandas para un pais tan pequeño,
como Wobbler, White Willow, Panzerpappa, The Samuel Jackson Five, Suracuse,
ANow we got members, Anti depressive delivery, Shining, Circles end,
Syme,The Orchard, Jono el Grande, Jaga Jazzist y muchos más.... Hay mucha
actividad en el departamento de Rock experimental.
JM: - ?Cómo pensáis que el rock progresivo puede llegar a un público más
amplio sin sacrificar la calidad de la música por la comercialidad?
MT & TU: Tocando en sitios donde la gente que no iría normalmente a un
concierto prog, como festivales de rock y tocando con otras bandas que no
sean bandas de puro prog, que tengan un público que esté abierto hacia la
música experimental.
JM: - ?Cómo veis el futuro de la escena progresiva? ?Sólo permanecerán las
nuevas bandas influenciadas en los grandes de los 70's o serán las bandas
con material nuevo y original las que continúen?
MT & TU: Hay tambien muchas bandas que mezclan lo viejo con lo más moderno,
como el The Mars Volta, Mew, Shining, Motorpsycho, The Mystery Jets,
Tortoise. Bandas claramente inspiradas por los grandes de los setenta y son
realmente experimetales, pero todavía llegan a una audiencia grande. Y luego
por supuesto tienes grandes bandas retro como Wobbler o ... nosotros...
hehehe.
AA : ?Que piensas de la onda nórdica de bandas de death/black metal
progresivo?. Has escuchado bandas como Green Carnation, Ulver, Arcturus....
?Te gustan?, ?Crees que su música puede ser etiquetada como progresiva?.
MT & TU: Esta clase de música no es de nuestras preferidas, pero de lo que
he escuchado de esa escena hay grandes músicos y usan una gran cantidad de
elementos progresivos, pero con una expresión diferente, así que yo no lo
llamaría ProgRock.
JM: - ?Conocéis a nuevas bandas noruegas de Rock progresivo?
MT & TU: Además de las bandas que ya te he comentado, están las bandas de
los 70's, como Host, Junipher Green, Popul Vuh/ Ace, Aunt Mary y Ruphus.
JM: - ? Conoceis alguna banda española? ? Algun disco de ellos?
MT & TU: Morten ha oido a Los Canarios, pero tristemente no tenemos ningún
disco español. ?Probablemente algo deberíamos adquirir? ?Algúna
recomendacion?
Jm - ? Que planes tenéis para el futuro ?
MT & TU: Más conciertos, y volver al estudio para hacer nuestro siguiente
álbum, tal vez a final de este año. y con esperanza de ser invitados a
algunos de los festivales fuera de Noruega.
JM: - ?Quereis añadir algo mas?
MT & TU: Esperamos que la escena de música experimental evolucione y sea más
aceptada por el gran público, de modo que muchos mas puedan disfrutar de las
alegrías de la música buena...
Best regards
Morten Tornes
Gargamel
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Tangerine Dream "Atem"
TANGERINE DREAM: Atem (1973)
Temas
1. Atem
2. Fauni Gena
3. Circulation of Events
4. Wahn
Integrantes
- Edgar Froese: guitarra, mellotron, sintetizador VCS3, voz
- Chris Franke: órgano, sintetizador VCS3, percusión, voz
- Peter Baumann: órgano, sintetizador VCS3, piano, voz
Con este disco Tangerine Dream cierra una etapa de constante exploración en
su quintaesencia electrónica a la vez que empieza a mostrar dicha
quintaesencia en una fase de fruición y maduración, aun a punto de encontrar
su punto álgido. No faltaría mucho para ello, pero ya es obvio que tras el
radicalismo minimalista de la obra magna Zeit, la gente de TD quiere
hacerse más expansivo y expresionista en su material compositivo, así como
en sus interacciones performativas. Con un Peter Baumann sólidamente ubicado
como compañero consistente de Froese y Franke en esta peculiar aventura
musical dentro del contexto del krautrock, el trío se siente muy cómodo como
un ensamble autosuficiente, sin recurrir a músicos invitados.
Pues bien, el inicial bramido de una amenazadora borrasca anuncia el arribo
de majestuosas cortinas de mellotron, manejadas por un Froese absolutamente
extático por la introducción de este arquetípico teclado progresivo dentro
del arsenal de TD efectivamente, éste es el primer disco de TD con
mellotron, y vaya si lo usan como un juguete nuevo, eso sí, manipulándolo
con la seriedad que amerita un género tan frontalmente psicodélico como es
el krautrock. Los adornos de sintetizador y colchones complementarios de
órgano ayudan a realzar las ideas vertidas por el mellotron, mientras la
batería frenética de Franke sostiene el fulgor sonoro con alucinante nervio,
a medio camino entre lo tribal y lo explosivo. En los primeros seis minutos
de esta pieza, TD logra sacar excelente provecho de la herencia dejada por
el Pink Floyd del Ummagumma de estudio y llevarla hasta otro nivel.
Todavía quedan 15 minutos más, los mismos que son dedicados a trabajar
atmósferas más atenuadas: la cosa parece un poco más siniestra, como una
calma que no oculta su acto de esconder un misterio que puede ser
terrorífico, una calma que siempre estuvo allí pero que en un primer momento
había quedado opacada por el vendaval sonoro inicial. El minimalismo
inmisericorde de Zeit es parcialmente recuperado aquí, pero tal como
señalamos en el primer párrafo, el sonido es más expansivo, incluso haciendo
algunos guiños ocasionales a la crudeza del Alpha Centauri. Con la llegada
del décimo minuto aumenta el cariz sombrío de una forma sutil, que no
difícil de notar, pero bueno, el ambiente se mantiene contenido bajo un aura
de misterio latente. En este punto, los efectos tornado del VCS y las
cortinas oníricas del órgano Farfisa comparten el rol central dentro del
entramado sonoro, pero siempre se espera que entren a tallar efectos de
guitarra a través de un generador, y por supuesto, ornamentos de mellotron.
La pieza concluye con unas recurrentes notas bajas de sintetizador.
El lado B del vinilo comenzaba con Fauni Gena, un tema de 11 minutos de
duración donde TD hace una declaración sobre la línea de trabajo a
desarrollar en la siguiente fase de su carrera discográfica. El mellotron de
flauta dirige, al menos en parte, las sendas aleatorias trazadas por las
tenues ideas musicales que se van desarrollando. Los efectos de teclado que
circundan al mellotron operan como un entorno inescrutable en un primer
momento, hasta que el surgimiento del mellotron de cuerdas entra como
alumbrando el contexto, reemplazando lo oscuro por lo solemne. En cambio,
Circulation of Events suena a una pieza de transición entre el minimalismo
devoto del Zeit y los nuevos aires expresionistas que se van sentando. El
epílogo Wahn resulta muy curioso: sus efluvios vocales-percusivos del
inicio son inauditos dentro de las constantes estilísticas de TD, aunque
bien se podría decir que remite en cierto modo a la aspereza cruda del disco
debut (Electronic Meditation). La entrada del mellotron (en doble función
de cuerdas y flauta) le añade un colorido peculiar al asunto, pero el aura
bizarra básica permanece casi intacta hasta la conclusión (4 ½ minutos). A
pesar de lo raro de este cierre, el disco como un todo es portador de una
magia concretizada de forma consistente: Atem resulta un poderoso disco de
bisagra, un trabajo en el cual TD reflexiona a través de sus propios sonidos
respecto a sus próximos linderos.
César Mendoza
[Dedico esta reseña a la memoria de John Peel, quien en su tiempo veneró
este disco a rabiar]
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Magenta: "Home" (2006)
Magenta: "Home" (2006)
Discografica:
Temas:
1. This Life (2:30)
2. Hurt (5:35)
3. Moving On (6:02)
4. My Home Town (Far Away) (3:56)
5. Brave New Land (1:02)
6. The Journey (6:21)
7. Towers of Hope (2:10)
8. Demons (5:16)
9. Morning Sunlight (2:43)
10. Joe (11:14)
11. A Dream (1:11)
12. The Visionary (6:00)
13. Journeys End (7:41)
14. The Travellers Lament (1:15)
15. Home (4:13)
Bonus CD: New York Suite:
1. Arrival
2. Home From Home
3. White Lies
4. Truth
5. This Life (Reprise)
Musicos:
- Rob Reed: keyboards, bass, guitars, backing vocals, recorder, tambourine,
Grand piano, mandolin, acoustic guitar
- Christina Murphy: lead vocals
- Chris Fry: lead guitar
- Martin Rosser: lead guitar
- Dan Fry: bass
- Allan Mason-Jones: drums
Invitados:
- Tim Robinson: drums
- Lee Goodall: Tenor saxophone
- Martin Shellard, Hywel Maggs: guitar
- Christian Philips: guitar, backing vocals
- Troy Donockley: Uilleann pipes, whistles
- Mal Pope: Lorrain King backing vocals
El grupo ingles Magenta nos presenta en este 2006 su tercer trabajo
discográfico titulado "Home", un doble disco conceptual que relata las
aventuras y desventuras de una mujer que emigra desde Liverpool a Estados
Unidos en los años 70.
Un trabajo predominantemente intimista y melancólico, cuestión que ayuda
especialmente al lucimiento de la voz de Christina Murphy, erigiéndose como
principal protagonista de "Home". Siguen esos toques o referencias
salpicados a Yes (guitarras), Genesis (teclados) y Mike Oldfield (guitarras)
en la música de Magenta además de una mas que espléndidas melodías.
Respecto a sus anteriores trabajos creo que sigue una línea continuista
aunque es cierto que se nota una mayor madurez compositiva, las melodías son
increíbles, mis favoritas son las yesesiana (2) "Hurt" y (6) The Journey,
esta ultima quizás la mas prog y sinfónica del álbum. Tampoco desmerecen el
resto de temas, la apertura dulce con (1) "This Life", Como canta Chistina
!!!... La medieval y romántica (3) "Moving On" con un magnifico solo de
guitarra además de la presencia del clavicordio y el saxo. También mencionar
las sentimentales (4) "My Home Town (Far Away)", (7) "Towers of Hope" y (11)
"A Dream".
Hay cierto toque celta folk, especialmente en el corto tema (14) "The
Travellers Lament" debido quizas a la presencia de Troy Donockley (Iona,
Mostly Autumn). en la flauta whistles o la gaita Uilleann Pipes. Temas de
tono épico y alegre como (10) "Joe" donde también se puede disfrutar de
buenos solos de guitarra, el toque medieval y los sonidos del Grand piano
del omnipresente y co-lider de Magenta, Rob Reed... (12) "The Visionary" es
también un gran tema, retoma pasajes de los precedentes temas para dar paso
a un tema de tono pink floydiano como resulta ser (13) "Journeys End".
Luego tenemos temas menos agraciados como la casi instrumental (8) "Demons"
o la acústica (9) "Morning Sunlight" pero tampoco podemos pretender que
todos los temas están al mismo nivel..
Home ha sido editado también de forma limitada con un CD extra que contiene
la segunda parte de la historia donde nos cuenta la llegada de la emigrante
a New York 'The New York Suite' de unos 40' de duración. ?Seguro que es un
Bonus CD? Porque comienza con dos magníficos temas dignos de estar en un
álbum oficial, (1) "Arrival" y (2) "Home From Home" con pinceladas a Genesis
y a Yes, que nada tienen que ver con la tónica intimista y melancólica del
primer cd, quizás mas cercanos al sonido orquestado y alegre de su anterior
álbum Seven. Luego tenemos dos temas llamémosle como anteriormente menos
agraciados para acabar este segundo CD con la reprise del tema que abre el
primer CD "This Life".
En conclusión, un gran álbum melódico, intimista donde resalta especialmente
la voz sensual de la cantante Chistina Murphy... un trabajo continuista pero
donde se aprecia una mayor grado de madurez compositiva, especialmente en
las melodías pegadizas.
Si os gusto "Revolutions" y "Seven" no dudéis ni un momento en haceros de
este trabajo,
Puntuacion: 7.5/10
Salu2 SinfoProgresivos
© Juan Mellado
progjuan@hotmail.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: 3A_Imán_Cali
IMÁN CALIFATO INDEPENDIENTE: Camino del Águila (1980)
Temas
1. La Marcha de los Enanitos
2. Maluquinha
3. Camino del Águila
4. Niños
Integrantes
- Manuel Rodríguez: guitarras, voz
- Marcos Montero: teclados
- Urbano Moraes: bajo, percusión
- Kiko Guerrero: batería, percusión
Colaboradores
Con todo lo cautivante y enérgico que me parece su estupendo disco debut,
debo admitir que el segundo y último disco de Imán Califato Independiente
Camino del Águila es mi favorito de toda su trayectoria. De hecho, se nota
un claro realce en la finura estilística y compositiva respecto al primero,
al menos desde la perspectiva de quienes sienten preferencia por el realce
de estilización en el sonido, la mayor dosis de riesgo en los arreglos de
las ideas melódicas y el desarrollo más concienzudo de las mismas. Camino
del Águila muestra a un grupo encaminado por un sendero más estilizado, eso
se hace patente desde el primer segundo, prácticamente. Es fácil de imaginar
que los nuevos aires que entraron en la banda vinieron de la mano del
bajista uruguayo Urbano Moraes (quien reemplazó al original Iñaki Egaña)
influyeron constructivamente en el modus operandi de los tres músicos
permanentes, Manuel Rodríguez, Marcos Montero y Kiko Gurerrero: el nuevo
bajista se preocupa de manera muy especial por desplegar la potencialidad
melódica de su instrumento, lo que ayuda crucialmente al conjunto en su
creación de armonías y ricas atmósferas musicales.
El instrumental inicial La marcha de los enanitos, que comienza y termina
con una dulce línea melódica muy a lo Camel -, incorpora en el extenso
intermedio ciertos toques inequívocamente frippianos en la guitarra
eléctrica, así como abundantes ambientes etéreos de sintetizador, todo ello
sobre una base de inspiración arábiga que ostenta sin excesos su inherente
exotismo. !Qué comienzo tan fabuloso para este disco! El siguiente tema,
también instrumental, titulado Maluquinha, incorpora una mayor dosis de
latin-jazz en su sección rítmica, lo cual da pie a que el guitarrista
despliegue un solo inspirado en la onda de Santana y que el teclista
transmita en su piano eléctrico varios toques parecidos a la bosanova, con
el filtro indirecto de un Chick Corea: un tema definitivamente alegre, muy
afín a lo hecho en algunas ocasiones por los catalanes de Iceberg. El tercer
y último instrumental, que da título al disco y que se extiende hasta los 14
minutos de duración, sigue más bien por la línea del primer tema, aunque
incrementando la dosis de fulgor progresivo a través de las bien integradas
ideas musicales que se van sucediendo: es aquí donde Imán se hermana un poco
con sus paisanos de Cai en susdos primeros LPs. Los paisajes sonoros etéreos
y crimsonianos también se hacen presentes aquí, alternándose con motivos
arábigos-aflamencados que impregnan el tema brindando un aura de distinción
y elegancia. Montero se luce manera especial aquí, aunque para nada debemos
desestimar el breve interludio solitario de guitarra que Rodríguez vierte
entre los minutos 7 y 8 (?algunos guiños a lo que hace Steve Howe en su
interludio de Sound Chaser?). Lo que sigue después, hasta el minuto 12, es
un clímax sostenido en el cual el grupo se revuelve creativamente sobre
motivos anteriores los últimos dos minutos establecen una coda espacial,
onírica, apoyada sobre ambientes etéreos de sintetizadores. Por último, el
único tema cantado, la tierna y melancólica balada acústica titulada Niños
sirve como un relajante final para un disco que no había bajado su
intensidad por un segundo; con esta balada la magia se hace intimista y
reflexiva, como la brisa nocturna que sopla suavemente sobre nosotros
mientras nos vamos adormilando de a pocos.
En definitiva, Camino de Águila es una joya progresiva española de las
postrimerías de los 70s: lástima que sirvió como "canto de cisne" para este
grupo, que se desintegró poco después de su edición. Hasta el día de hoy
siguen vívidas en mi mente las memorias de esos tiempos en los que algunas
radioemisoras gaditanas ponían particular empeño en promocionar este disco,
llamado a ser un clásico para coleccionistas e investigadores del género
progresivo.
César Mendoza
[Dedico esta reseña a todos los músicos que formaron parte de Imán por
motivo del 30mo. aniversario de la banda]
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Autor: "Ricardo aranda" <ricardo_aranda@sion.com>
Asunto: Re: TANGERINE DREAM " Phaedra"
TANGERINE DREAM : "Phaedra"
Buenas a todos :
Phaedra es un disco definitivo en la historia de la mùsica electrònica,
anterior o posterior. Su tema homònimo mas que casi 18 minutos de aparente caos
sonoro es como una pieza clasica concebida con istrumentos electrònicos.
Insòlitamente un dato poco conocido es que justamente aquellas nubes sonoras
que dan comienzo al disco no son sino un error del ingeniero de grabacion al
suponer que el mùsico habia comenzado el tema cuando lo que hacìa era tratar
de afinar su instrumento trabajosamente, pudiendo lograrlo un par de minutos
despues. Quienes conozcan a esa joya, justamente detras de esa subida de
notas sobre el fondo de secuenciadores habìa un instrumento rebelde que no
daba en la nota justa para comenzar la pieza...pero asì quedò. (para un
futuro debate...?Cuantos de estos casos habrà...? ?Cuantos "False Starts",
forman hoy parte integrante de un verdadero clàsico, sin saberlo? )
"Mysterious Semblance at The Strand of Nightmares", es una maravilla, pero
si hubiesen sido 10 minutos de silencio, con el tìtulo solo bastaba para que
nos llege la imagen perfecta. Este tema no es propiamente de Tangerine
Dream, sino que, correcto, fue compuesto por Edgar Froese, pero es tambien
el ùnico que ejecuta la pieza, similar en calidad (insuperable) a "Acqua",
"Epsilon In Malasian Pale" y "Macula Transfer", imperdibles tres discos en
solitario, siguientes a la salida de "Phaedra"
Imposible no contenerme ante mi banda favorita.
Saludos !
-Ricardo, Buenos Aires, Argentina.
http://latierraprogresiva.blogspot.com
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Autor: "marcelo V" <marceplus@hotmail.com>
Asunto: Arbitros localistas
Hola. Escuchaba en estos dias "Patrimonio", del grupo chileno Tryo, y se me
ocurrio cotejar mi propia impresion acerca de este disco con el comentario
que figura en La Caja. No podria haber sido mas disimil: Cesar (autor de la
reseña) lo señala como una obra destacada a nivel mundial, cuando -para
mi- se trata de un trabajo sumamente pobre.
Tuve entonces la inquietud de observar otros comentarios realizados sobre
albumes progresivos latinoamericanos (resen-as del mismo Cesar en su mayoria
y, en algunos casos, de mi propia autoria) y note un factor comun:
practicamente, no hay critica desfavorable hacia la musica compuesta por
estas latitudes. Asimismo, leyendo reseñas de bandas españolas escritas por
españoles, tuve la misma impresion.
Conclusion: somos como aquellos arbitros de futbol que tienden a favorecer
al equipo que juega como local.
Latinoamerica y España no tienen, ni cerca, la tradicion progresiva de
algunos paises europeos (Inglaterra, Italia, Alemania, Suecia). Quienes
vivimos en el Tercer Mundo (y creo que lo mismo sucede en la peninsula
Iberica) sabemos cuan dificil es poder componer, promocionar y editar un
album de musica progresiva, y -por lo tanto- imagino que eso nos hace mas
complacientes y benevolos a la hora de hablar sobre algun disco. Pero creo
que no es bueno perder la objetividad, y soy el primero en reconocer que lo
hice. No soy quien para hablar de los demas (faltaria mas), pero intento con
estas lineas preguntarles a quienes reseñan trabajos de bandas vernaculas
si no han sido tentados por su corazoncito a un grado mayor de comprension y
tolerancia hacia obras que, artisticamente, no lo merecen.
La realidad es que la musica progresiva en nuestros paises dista un abismo,
cuantitativa y cualitativamente, de la realizada en las naciones antes
mencionadas, nos guste o no y a pesar de la buena voluntad, tecnica y
talento de musicos y mucha gente bien intencionada.
Excepciones, pocas ("Ciclos" de Canarios y tal vez algo de Crucis), nada
mas.
Nada de esto pretende generar polemica ni ser una critica sin fundamento a
quienes escriben (escribimos) reseñas sino -simplemente- una opinion muy
personal.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Kaizen "Gargula"
Kaizen : "Gargula"
Temas
1. Abertura
2. Zenith
3. Gargula
4. Noturno
5. Runas
6. Horda
7. Kaizen
Integrantes
- Kleber Vogel: violin acustico, electrico y midi, mandolina
- Carlos Albuquerque: guitarras
- Ronaldo Dos Guaranys: teclados
- Alvato Seabra: bajo, teclados, percusion electronica
- Cleto Castano: bateria
Invitados Roberto Meier (flauta), Francisco Goncalves (oboe), Mauro Avila
(fagot), Duo Santoro (cello)
Recien salido de las canteras de Quaterna Requiem, el diestro violinista
Kleber Vogel formo Kaizen para seguir el sendero del sinfonismo por su
cuenta. El estilo de Kaizen no se aparta demasiado del de QR, aunque si
puedo notar que hay una dosis ligeramente mayor de fuerza roquera en la
propuesta de Kaizen, aunque ciertamente las estructuras fastuosas de la
musica de camara son las que predominan a la hora de elaborar el repertorio.
Este predominio de lo academico es realzado formalmente por el protagonismo
del violin, un protagonismo que nunca resulta arrebatador, pues siempre hay
sitio para solos de guitarra y sintetizador; ademas, las cortinas
orquestales de teclado se hacen notar mucho en la produccion de sonido. Por
si fuera poco, las intervenciones ocasionales de algunos invitados en
vientos de madera y cello le sacan mas el jugo a la linea sinfonica del
material. Por ultimo, cabe señalar la inclusion de algunos ocasionales
elementos de corte folk que añaden aun mas colorido a la ricamente fulgurosa
propuesta musical de Kaizen.
La entrada titulada (no muy originalmente) Abertura hace justicia a la
alusion academica de su titulo, con una serie de motivos musicales bien
elaborados con un marcado acento epico. A continuacion sigue el tema mas
extenso del disco, Zenith, que sigue insistiendo en la misma vena epica y
efectista, al igual que el tema homonimo que le sigue. Noturno baja la
intensidad pomposa de los temas precedentes para adentrarse en meandros mas
introspectivos, de la mano de unas evocadoras lineas melodicas de violin de
tono predominantemente melancolico (incluyendo algunos inteligentes quiebres
disonantes), los mismos que se explayan sobre unos sobrios y finamente
elaborados acordes de piano y guitarra acustica: la aparicion sutil del
fagot y el cello ayuda a sostener el nivel de exquisitez de la pieza en los
dos minutos finales una gozada. Con Runas regresa la exaltacion, esta
vez desde un punto de vista predominantemente bucolico, con unas lineas
melodicas agradablemente amables: este tema en especial me recuerda un poco
al JT de Heavy Horses, y junto a Zenith y Horda, resulta uno de mis
favoritos del disco. En fin, Horda y Kaizen retoman frontalmente la
senda de las primeras piezas, dando un termino coherente al disco.
Solo me queda concluir que Gargula es una bella muestra de sinfonismo, y
aqui uso la palabra bella en el sentido mas habitual del termino.
Altamente recomendado para los amantes de las melodias bien estructuradas
dentro del contexto mas preciosista del prog.
Cesar Mendoza
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Letras de Il Balletto di Bronzo
IL BALLETTO DI BRONZO : "YS" (Italia, 1973)
YS
Introducción.
La voz narró
al último que
quedaba en el Mundo
la verdadera realidad.
Y luego ordenó
ir con su gente
a contar la verdad
y el juego empezó.
Aquella voz oprimía el pecho
Con el dolor de las cosas entendidas
tal vez tenga tiempo de contarlo a los otros
tal vez tenga tiempo de contarlo a los otros.
Qué es la vida de un hombre que llora
como mirando un cielo despejado
como fijando sus ojos en el Sol
como aferrando una mano tendida.
Y la voz oprimía el pecho
con el dolor de las cosas vividas
debe irse pronto
debe irse pronto.
La poesía de un día de viento
la última hoja de un árbol muerto
el primer día soleado de Abril
un cuerpo tibio, una mano cercana
Primer encuentro.
Fue a las montañas y más allá
sin volver la vista atrás para ver
que el camino por hacer es largo
pero aún así debe marcharse.
Un hombre con la cabeza gacha ahí
y ya la hiedra abraza su cuerpo
negra es la sangre que tiene
en las heridas de los oídos rotos.
La voz lo obliga a gritar
todo aquello que agonizaba con él
lo que gritó se lo llevó el viento,
nada más habría sentido.
Segundo encuentro.
El verá, él verá
aunque no pueda oír
un cielo claro
lo que pueda decirle.
El rostro de un anciano
ya cercano a la muerte,
no existía la fe
ahora ya es fuerte
La mirada de un hombre
que no tiene miedo
qué cosa es,
sin una voz fuerte.
Ha visto la noche,
el día termina
y las mujeres en la oscuridad
listas para traicionar.
La mano extendida,
los rostros más ausentes,
mueren los mejores,
se regocijan los poderosos.
Más no se quedó a pensar solo,
debe buscar algo que está ahí
y no era ni día ni noche
y el horizonte seguía ahí.
El no se rindió,
nunca se rindió,
no se cuestiona a sí mismo;
hombre, adónde vas?
Y lo que vio fue a otro hombre
con aquellos brazos abiertos en cruz,
sin sentir su propia voz
se acercó a él y habló.
Pero en aquellos ojos sin luz
espinas punzantes se hincaban,
él sintió aquellas heridas como suyas
y luego la luz no fue más.
Tercer encuentro y epílogo.
Con sus brazos abiertos
buscó su cabeza en la oscuridad
con los dedos una forma encontró.
Sólo el frío
de la muerte
pudo sentir
en sus manos,
su palabra verdadera
nuevamente surgió de su pecho.
Pero su boca
ahíta e inmóvil quedó,
ese grito lo aplastó,
lo estrujó muy adentro
y la oscuridad lo rodeó,
después lo invadió,
y la oscuridad fue.
TU CASA COMODA
Has querido para ti
la casa siempre en orden
y no te va que yo así
viva con mi desorden.
Tu no sales porque
cada trastorno incomoda según tú,
cuánto aburrimiento no obstante
en tu casa cómoda.
Qué es ahora mi vida,
los días iguales junto a ti
luego la noche quieres
hasta ahí intento más.
Soñar ya no puedo
y tengo deseos de volar
al mundo de allá afuera,
ni pensarlo.
Tu no sales porque
cada trastorno incomoda según tú,
cuánto aburrimiento no obstante
en tu casa cómoda.
Trad.: Jorge Padilla L
Junio 2006.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: CANVAS SOLARIS 2006
CANVAS SOLARIS: Penumbra Diffuse (2006)
Temas
1. Panoramic Long-Range Vertigo
2. Horizontal Radiant
3. Accidents in Mutual Silence
4. Vaihayasa
5. To Fracture
6. Psychotropic Resonance
7. Luminescence
Integrantes
- Nathan Sapp: guitarras eléctricas y acústicas de 6 y 12 cuerdas,
sintetizadores, guitarra sintetizada
- Ben Simpkins: guitarras eléctricas y acústica de 12 cuerdas, bajo,
mandolina, sintetizadores
- Hunter Ginn: batería, congas, djembé, doumbek, maracas, tabla, tambores de
barro, tímpanos, gong, güiro, castañuelas, glockenspiel, pandereta
Colaborador Jeff Wagner (sintetizador en 7)
Con éste, su tercer disco [si contamos su primer EP], el power-trío
instrumental norteamericano Canvas Solaris ha gestado uno de los trabajos
más potentes y efectivos dentro de la vanguardia progresiva de este año. En
efecto, Penumbra Diffuse está cosechando elogios diversos en muchas
páginas especializadas, y no es para menos, pues su propuesta musical,
basada en una sabia confluencia de prog metal, jazz-rock, heavy metal,
crimsonismo actual, elementos étnicos modernizados y psicodelia electrónica,
halla una concreción adecuada en el repertorio aquí contenido. Aparte de
los ya aludidos King Crimson, podemos mencionar a Djam Karet, Dream Theater,
Cynic, Gordian Knot [colegas suyos de Sensory, sucursal de Lasers Edge], el
Fates Warning de la etapa 89-95 y al Ozric Tentacles de los últimos años
como puntos de referencia para que el lector neófito se vaya haciendo una
idea del sonido propio de Canvas Solaris.
Las piezas primera y tercera muestran la esencia metalera técnica de Canvas
Solaris, edificada sabiamente a través de riffs efectivos, estructuras
rítmicas bien llevadas que incluyen algunos quiebres y variaciones (atención
a ese travieso y brevísimo interludio acústico de tono arábigo que el grupo
inserta en medio de la parafernalia pesada de Panoramic Long-Range
Vertigo), aparte de solos diestramente ejecutados. Entre ambas piezas, el
extenso Horizontal Radiant nos lleva por caminos más etéreos: el tono
dominante comienza apoyándose en coloridos intimistas elaborados por
guitarras finamente amalgamadas y atractivas armonías de teclado, los cuales
fluyen naturalmente sobre una base rítmica y una secuencia de sintetizador.
La aparición de algunos interludios pesados a 7/8 abre la puerta para una
expansión del tema hacia los linderos del jazz-rock y el progresivo
psicodélico. Aquellos que amen a rabiar las propuestas de Gordian Knot y
Djam Karet seguramente sentirán una particular inclinación por esta pieza,
la misma que, EMMO, conforma uno de los picos absolutos del disco.
Vaihayasa es un hermoso ejercicio en world-music: el motivo musulmán es
llevado a cabo las guitarras acústicas y las percusiones con una prestancia
y sensibilidad infinitas. La candidez emanada por esta pieza funciona como
un oasis contemplativo en medio de la avalancha de complejidad que se nos
venía encima. Y se nos sigue viniendo... To Fracture ofrece un regreso
parcial hacia las virtudes técnicas del prog metal, alternado con la
cadencia peculiar del jazz rock. Por su parte, Psychotropic Resonance,
comienza con una línea jazz-rock bañada en psicodelia disonante, muy afín al
lado más afilado del RIO (pensamos en un Gordian Knot inoculado con una
buena dosis de Present): la cosa luego va intensificándose con la ocasional
entrada de la onda pesada, antes de llegar a la coda desarticulada. El disco
concluye con el otro tema largo, Luminescence, en el cual la banda vuelve
a explorar su lado más evocativo y sutil, siempre con sus secciones potentes
emergiendo ocasionalmente para añadir color al asunto. Pero bueno, lo sutil
es el elemento predominante, tal como lo indican las percusiones y acordes
guitarreros de entrada, en breve acompañados por arpegios de piano. Otras
notas de color las ponen el solo de sintetizador que aparece en el minuto 6
- un guiño obvio al progresivo añejo de los 70s - y el pasaje exótico que
emerge en el minuto 8.
En fin, Penumbra Diffuse es un disco que ofrece algo totalmente renovador
dentro de la escena rockera de tendencia metalera... incluso desafiando sus
límites y constricciones estandarizadas. El mérito principal de Canvas
Solaris es el de saber expandir sus fronteras estéticas y asumir sus nuevas
ideas diversas dentro de una integridad sonora coherente. Inteligencia y
sensibilidad son dos palabras que designan la clave para las virtudes
compositivas y performativas que hallamos en todas y cada una de las partes
de este repertorio es por ello que Penumbra Diffuse debe dejar su huella
en el mundo del rock como una de las obras más magistrales del 2006.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: noticias de White Willow
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La notable banda noruega WHITE WILLOW cuenta con una nueva página web en la
dirección www.whitewillow.org
El quinto álbum de estudio de WHITE WILLOW, Signal Noise, será lanzado al
mercado pro vía del sello Lasers Edge el próximo 23 de agosto. Grabado en
los estudios Jailhouse de Dinamarca, su portada será diseñada por
Killustrations, la misma agencia de diseño artístico que hizo la portada de
su disco anterior, el espléndido Storm Season, el cual fuera una de las
joyas progresivas más alucinantes del año 2004. La alineación actual de la
banda consiste en: Trude Eidtang (voz), Lars Fredrik Frøislie (teclados),
Jacob Holm-Lupo (guitarras), Ketil Vestrum Einarsen (vientos), Marthe Berger
Walthinsen (bajo) y Aage Moltke Schou (batería, percusión). Brynjar Dambo,
quien se encargó de los teclados en "Sacrament", toca como invitado en un
tema.
El repertorio del disco es como sigue:
Night Surf / Splinters / Ghosts / Joyride / The Lingering / The Dark Road /
Chrome Dawn / Dusk City / Ararat.
Hay un archivo mp3 del penúltimo tema en la página del grupo, una pieza que
alterna fluidamente lo etéreo con lo fuerte, y que tiene un aura exótica en
algunas ideas melódicas recurrentes.
En comparación con otras ocasiones, este disco se grabó de una forma
bastante veloz: !en solo 3 meses!, es decir, no 3 años. El sonido reflejado
en el disco pone más énfasis en lo grupal, y las composiciones se sienten
más enfocadas (eso dice Holm-Lupo, al menos). La banda persistirá en sus
exploraciones duras ya presentes en el disco previo, y mezclándolo con sus
distintivos arreglos sinfónicos con una actitud moderna y directa. También
prometen que la presencia del mellotron seguirá siendo notable.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: novedades de MASTERMIND
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La banda norteamericana MASTERMIND vuelve al ruedo con el EP Broken, y
ahora mismo está de gira.
Las próximas fechas son:
Sábado, 24 de junio - The Haunt - Ithaca, NY
Viernes, 30 de junio - The Rendevous Inn - Perryville, MD
(3 sets
toda la noche)
Jueves, 6 de Julio - The 5 Spot - Philadelphia, PA
Viernes, 7 de Julio - Wild Spirits - Manhattan, NYC
Sábado, 15 de Julio - Bottoms Up - Flushing (Queens), NY
La alineación sigue siendo liderada por los hermanos Berends, Bill
(guitarras, guitarra midi y voz) y Rich (batería y percusión), siendo
actualmente completada por dos féminas, Tracy McShane (voz solista) y Laura
Jonson (bajo).
Más información en: http://mastermindband.com/
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: 3A_No_sueñes 2E 2E 2E_que_se_cumplira 2E
Neal Morse en Barcelona, junio 2006
Hola cajer@s del mundo de habla hispana.
El pasado 20 de Junio del 2006 y gracias a las gestiones del navarro Javi
Ezpeleta y Pedro Campillo pudimos ver en directo a Neal Morse en plan vocal,
guitarra acustica, teclados (Traidos desde Salamanca por Javier Ezpeleta a
Barcelona - aprox. 1.000 Kms) ademas de la ayuda mas que nada testimonial de
su hermano Richard.
Set-List: (con mis reservas en el correcto orden y temas)
- Wind at my back (snow)
- Isaiah 60 (inner circle cd1)
- God won't give up (lead me lord)
- Open Wide The Flood Gates (snow)
- Emma (neal morse)
- Chatauqua (beware of darkness)
- Invocation del disco en solitario de Richard
- King Jesus del bonus disc de One
- Help me / spirit & flesh (one)
- Creation / man's gone (one)
- I am you are... tema inedito
- Father of forgiveness (one)
- Reunion (one)
. Entrance (question mark)
- Bridge across forever (bridge across forever)
- June (the kindness of strangers)
- I'm willing (testimony)
- Sing it high (testimony)
El acto milagrosoprog se celebro en la Sala Apolo 2 de la céntrica avd.
Paralelo de Barcelona, una sala en forma de "L" donde unos 150 espectadores
de lo mas variopinto se dieron cita para ver el show de Neal Morse por tan
solo 10 euros con consumición incluida. Vamos un regalo.
Previamente toco la banda local "religiosa" de Jazz Rock "Dominical Jam",
dicen los entendidos que muy parecidos a Spyro Gyra, la verdad es que
sonaron muy bien y especialmente el saxo líder.
Que podíamos esperar de Neal? Sin banda y solo acompañado de su voz,
guitarra acústica y del teclado viajero ? De las noticias que desde que dejo
Spock's Beard llevamos escuchando sobre su manifiesta inclinación religiosa?
Pues ni mas ni menos que lo que vimos.
El ambiente en general estaba dividido en dos fracciones, la religiosa
atraída por los Música Cristiana Moderna para oír la palabra de Dios de la
boca de un músico americano ?se sabian las letras? !!!! y la de la parroquia
Prog que lo que quería era oír la música que ha hecho famoso a Neal, ya
fuera en Spock's Beard o en solitario con esa trilogía de albums de
tantisima calidad como son los Testimony, One y el ?.
Pues creo que ni a unos ni a otros satisfació a los que esperaban un sermón,
se encontraron con el relato, traducido simultáneamente por Pedro, de una
historia y alguna referencia al One y un reclamo de ALELUYA en general,
aunque para esas horas la parroquia religiosa ya había abandonado en su
mayoría la sala Apolo 2.
Y la parroquia prog pudo desde pasar del aburrimiento, por la sonrisa mas
sana hasta por momentos sublimes como fueron la interpretación de "Bridge
across forever" y "I am willing".
Lo mejor de la noche, amen de un mas que excelente sonido, fue la continua
invasión de músicos espontáneos que quisieron "tras ofrecerse", acompañar a
Neal de esta guisa salto al ruedo nuestro reciente ingreso Leo, argentino
que recientemente esta residiendo en Barcelona a cantar en los coros junto a
Javi Ezpeleta que enfundaba la guitarra de Richard hermano de Neal.
Supongo que a estas horas Neal cree que la mayoría de los barceloneses saben
tocar algún instrumento e incluso cantar.
Pues bien Leo, no viéndose contento cantando los coros se dio la vuelta le
pidió permiso a Neal para colocarse en la batería que habían utilizado los
de Dominical jam - Can I play drums? Sure Man!... y se marco dos temas como
si hubiera estado tocando toda la vida con Neal, al lado de este un Javi
continuamente haciendo gestos de "no me lo creo, aquí estoy tocando y
cantando con mi admirado Neal" una pasada total.
No quedo esto aquí, en el tema que comenzaba su bis con Jane, subió al
escenario otro batería, un teclista y tres coristas, entre ellos Pedro
Campillo (toda la noche con la sonrisa de oreja a oreja) que aunque se alejo
del micro se le oyó algún grito espeluznante que me recordó a Mr. Doctor,
vamos en ese momento supongo que Neal pensaría, joder estoy por bajarme al
publico y escuchar a estos fenómenos alienigenas, si en toda mi gira la
gente es así despido de los músicos que me acompañan ;-)) Al final de la
actuación y con un solo de batería fenomenal, Neal anuncio "MIKE PORTNOY".
Este chico resulta que es Marc Prim, batería del Grupo de metal progresivo
Sargon.
Por cierto os podéis bajar dos mp3 y algún vídeo de la banda Sargon en:
http://sargonmetal.com/pages/multimedia.php?lan es
La nota anecdótica y mas entretenida de la noche fue la aparición en el
escenario de Papa Morse, que con sus 85 años se marco un "The Impossible
Dream" que ya quisieran cantar con la mitad de voz que conserva este
abuelete.
Pienso que la música de Neal no es para tocarla en plan solitario, pero
fuimos a lo que fuimos, indudablemente necesita una banda, pero el
acontecimiento estaba montado así y debemos dar gracias a Pedro Campillo y a
Javi de que pudiéramos pasar una velada familiar e intimista con el bueno de
Neal.
Después hubo reunión con Neal, fotos en grupo, entrega de regalos (Un libro
de Gaudi y cds de grupos españoles) pero me lo perdí, era tarde y había que
regresar a casa.
En definitiva un concierto emotivo e intimista, un regalo de Neal Morse a la
gente que vino a verle... y eso que estaba todavía con el Jet Lag del
viajecito.
Gracias a Pedro y a todos los que hicieron de esa noche, un acontecimiento
milagroso social musical especial.
Salu2
Juan
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Autor: "C. C." <brumasenlabruma@hotmail.com>
Asunto: Más_sobre_Pendragon_y_Believe
Con respecto al mensaje de Agustín del número anterior de La Caja de Música, en
donde manifiesta su admiración por el disco Believe de Pendragon, quiero decir
que me parece genial que te haya gustado tanto ya que yo también considero que
es un gran álbum y que por cierto no fue muy bien recibido en algunos sectores.
Lógicamente, creo que Pendragon tiene mejores discos que el Believe pero eso no
tiene porqué restarle mérito en absoluto. Con respecto a otra parte de tu
mensaje en donde lo comparas con el Marbles de Marillion llegando a decir que
en Believe "los temas "progresan", no como en Marbles, que suena todo igual,
con la misma linealidad y monotonía que el sonido de la lluvia o el tráfico de
una carretera" ahí tengo que disentir (!). No creo que para realzar el concepto
que tenemos de un disco haya que compararlo con otro que consideramos
"inferior". Eso es algo en lo que continuamente caemos todos. Quizás sea un
buen recurso... pero no lo creo. Considero que cada obra es única en sí misma y
que podemos compararla con otras pero no para decir "esta es buena porque la
otra es mala". Eso es precisamente lo que hacen tantos pseudo críticos de rock
para hablar maravillas del punk: lo comparan con el rock progresivo diciendo
que éste es aburrido y "burgués" mientras que el punk todo lo contrario (según
ellos, pobres ilusos). Si el punk fuera tan bueno creo que no haría falta andar
comparándolo con un género que guarda muy poca relación con él. También es algo
que se repite cuando se habla mal de Tormato... lo consideran "malo" solo
porque Close to the Edge (por ejemplo) es "bueno". ?Y si Close to the Edge no
existiera lo seguirían considerando un mal disco?
Además, Marbles me gustó mucho. Incluso lo considero superior al Believe!!
jajaja ;-)
Saludos desde Córdoba, Argentina.
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