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La caja de musica Number 0725
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__/ | .-.X XXXX/ | \__
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #725 junio 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Pendragon y Believe
* Clasificaciones porgresivas
* IBIO actualidad
* Mas_colaboración_en_la_LCDM
* After Crying en activo
* HOMBRE_VI
* Letras de Hawkwind
* el 1ro. de CARPE DIEM
* el 2do. de PRESENT
* Manticornio actualizado
* Ummagumma en Lima - nota de la prensa peruana
* noticias de PLACKBAND
* Nice - "Five bridges" (1970)
* Paatos : Silence_of_Another_Kind
* noticias de ROCKET SCIENTISTS
* TANGERINE DREAM "Phaedra"
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Autor: agustin <asardon@euskalnet.net>
Asunto: Pendragon y Believe
Hola listeros,
En el último número de la Caja, Cesar Augusto Palombo manifestaba su
contrariedad por las malas críticas que, según dice, está teniendo Believe.
Dice que parece que hubiera habido un crack, según esas críticas, entre este
Pendragon y el anterior a Believe.
Yo, la verdad no he escuchado ni leído ninguna de esas malas críticas, de
hecho en progarchives.com se le da una puntuación de 3,81 sobre 5 (7,62
sobre 10), que no está nada mal.
Como recién llegado al "club de fans" de Pendragon he de decir que Believe
me encanta. Yo le pondría un 8 sobre 10. De hecho fue la escucha de este
álbum lo que me llevó al concierto que dieron en Madrid. Para mi ha pasado
ya a engrosar la lista de mis discos preferidos, lo que no me había
ocurrido, hasta ahora, con otros trabajos de neoprog anunciados a bombo y
platillo, como marbles de Marillion o Dark Matter de IQ.
Este Believe me ha hecho sentir sensaciones parecidas a cuando escucho un
disco de Génesis de los clásicos, salvando las distancias. Y con esto no
quiero decir que copien a Génesis, porque tienen su propio sonido, sino que
recuerdan su calidad, su originalidad, su sensibilidad. Los temas
"progresan", no como en marbles, que suena todo igual, con la misma
linealidad y monotonía que el sonido de la lluvia o el tráfico de una
carretera, o como en paradox hotel que, siendo agradable la música, se hecha
en falta ese especie de viaje o recorrido por las sensaciones y las
emociones, con contrastes, con melodías llenas de sensibilidad unos
momentos, con carácter otros momentos, con transiciones... Es como si los
temas se encadenaran o transitaran unos en otros. Entre pista y pista no hay
interrupción y, si la hay, es sólo un suspenso de la música, un silencio.
Hacía tiempo que no sentía esto en algo nuevo, fresco, recién descubierto.
Hay un gran sentimiento en Believe y sin embargo no empalaga, hay
dramatismo. Se dice que Pendragon suena como Pink Floyd o, incluso como
Génesis, pero no es cierto. Hay momentos en que recuerdan a PF, hay momentos
que recuerdan a Génesis, pero sólo son momentos, tienen su propio sonido.
Por lo que voy escuchando de Pendragon, este disco no desmerece en nada de
los anteriores y, no te despistes, no vaya a estar entre los mejores. A mi
es el que más me gusta de los que he escuchado por ahora.
Saludos
Agustín Sardón
Bilbao
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Autor: <valdo003@hotmail.com>
Asunto: Clasificaciones porgresivas
Vuelvo a escuchar después de algún tiempo a algunos discos de The Doors, y
antes de que os precipitéis permítame argumentar que el hecho de ser
populares aun en estos tiempo y ser norteamericanos no les quita el derecho
de ser puestos en alguna corriente progresiva.
Pero les contare de unos discos de ellos que me llamaron la atención, el
primero es:
The soft parade de 1969.- Después de tres exitosos discos realizan este LP
que contiene un solo sencillo, rompe en cierto sentido con los parámetros
psicodélicos para adentrarse a aventurar con otros estilos y géneros, entre
ellos el blues un poco de Jazz y hasta influencias Country, este es el disco
menos comprendido por sus seguidores, pero por nada podremos decir que es un
disco mediocre tiene muchos arreglos interesantes entre los cuales unos
semejantes a los de las grandes bandas norteamericanas, se pueden escuchar
también algunos semi orquestales en "Wishful sinful".
Todas la canciones son buenas pero una de las mas interesantes para el
publico progresivo seguramente seria la cerradora del album "The soft
parade" que dura 8:40 minutos.
Un disco que merece ser considerado si se quiere investigar acerca del
llamado Proto-Prog.
El otro es, L.A woman de 1971.- Este el ultimo LP que The Doors grabaron con
Morrison, y tuvo mayor aceptación entre los fanáticos que sus dos anteriores
Lps, esto debido a sus tres sencillos, no obstante el resto del álbum es
difícil de escuchar tras las primeras oídas, algo que llama la atención es
que la voz de Jim Morrison se escucha distinta a la de otos discos esta vez
mas áspera y un poco ronca, este detalle es para mi gusto placentero, de tal
manera, que si hubiera nacido en Italia seria competitivamente aceptado en
el movimiento progresivo.
El album cuenta con fuertes influencias de blues y experimentan con sonidos
nuevos.
De igual manera, las canciones son de gran calidad una de mis favoritas es
"The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)" por su gran originalidad y el
elemento de los teclados siempre presente en las canciones de The Doors.
Cabe mencionar que los integrantes ejecutan extraordinariamente sus
instrumentos, y es magnifica la combinación de la guitarra y el teclado.
Después del extraordinario éxito de Light My Fire en sus inicios, se lanzan
a la fama y el grupo se convierte en uno de los más populares y trillados de
Estado Unidos. Pero sus últimos trabajos son los más interesantes por el
hecho de que pueden considerarse como ejemplos de Proto-Prog.
Antes de afirmar que si son o no progresivos analicemos lo siguiente:
- Su nombre lo toman de un libro de Aldous Huxley.
- El espíritu poético y de protesta de Jim Morrison esta presente en
numerosas canciones.
- Tanto su tecladista Ray Manzarek, como su guitarrista Robbie Krieger son
unos virtuosos de sus
Instrumentos.
- Sabían ustedes que el grupo ELP originalmente se iba a llamar HELP, esto
por que el trío había planeado junto con Jimi Hendrix hacer una banda,
mismo guitarrista que en un principio participara en la corriente musical de
The Doors.
De cualquier forma The Doors no alcanza la evolución progresiva por
completo, hubiera sido necesario haber fusionado su estilo de música con
algo más sinfónico para incluir sus discos en la corriente de rock
progresivo sinfónico, o haber fusionado con el Jazz para incluirlos entonces
en Prog-fusión u otro genero que contenga jazz, etcétera.....
Por este motivo es Proto-Prog.
Que hubiera sido de haber continuado los Doors en la época de oro del Rock
progresivo, ?Lo hubieran captado? ?Hubieran hecho una obra de Rock
Progresivo?
?Por que considerar a Pink Floyd, Moody Blues, o Mars Volta, como
progresivos y no a The Doors?
Voy a hacer una pregunta abierta a mis compañeros de la caja:
?Que acaso todo lo que la gente considera progresivo, nos tiene que gustar a
los fanaticos progresivos?
Yo por ejemplo no me gusta mucho Porcupine tree, no me llama la atención
Kate Bush, y considero que algunas canciones de Pink Floyd son fastidiosas
(no todas), por mencionar a algunos grupos.
Osvaldo D. Martínez.
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: IBIO actualidad
Hola
Información extraida de la web de IBIO:
"Hacia Noviembre comenzábamos con las mezclas del disco y lo que pensábamos
que nos llevaría poco tiempo se ha convertido en un árduo trabajo. Todo este
retraso se debe a que hemos decidido realizar una grabación del disco en
5.1. Por lo tanto cuando el cd vea la luz irá compuesto por un cd de música
normal y corriente y un DVD de sonido en 5.1. Como siempre tan sólo hay que
indagar un poco por el menú para que sepais todo acerca de iBiO".
http://www.grupoibio.com
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: 3A_Mas_colaboración_en_la_LCDM
Hola
Te gustaría participar en La Caja deMúsica?
Hey cajer@s
Os gustaría participar en La Caja de Música?, escribir un mensaje con tu
opinión, comentarios, vivencias, gustos musicales, descubrimientos, critica
de un disco, de un concierto, etc..
? Que no sabeis como ?
PUES ES MUY FÁCIL !!!
Tan solo tienes que enviar un mensaje a Jose Manuel Inesta
poniendo en Asunto
LCDM: seguido del titulo de tu mensaje y ya esta !!!
y a esperar que se publique.
Venga anímate !!!
salu2 de un cajero mas.
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: After Crying en activo
Hola
Los proximos 24, 25 y 26 de junio 2006 se celebra un festival en Budapest,
donde el dia 24 de junio Csaba Vedres y After Crying actuaran en una iglesia
junto con otros grupos de musica clasica y folk.
Al dia siguiente actua Atila Kollar con la The Musical Witchcraft.
La mejor noticia es que After Crying siguen vivos !!!
Salu2
Juan
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: 3A_HOMBRE_VI
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CESAR MENDOZA.
Me permito informar un poco sobre la banda argentina de progresivo
instrumental HOMBRE VIEJO.
El grupo esta formado por -- Pablo Stimolo (Guitarra), Fabricio Rodríguez
(Bajo), José Ligorria (Teclados) y Gabriel Ros (Batería).
El grupo se mantiene activo. De hecho, su mas reciente concierto esta
programado para la noche del sábado 17 del presente, en el Orlando Bar
Pasaje Agredo 175 - Al costado del Registro Civil de Av. Colón, en su ciudad
de Córdoba.
La pagina web del grupo esta ubicada en www.hombreviejo.com La pagina
incluye fotos y archivos de audio parciales de su repertorio.
En el enlace http://www.rockencordoba.com.ar/ver_banda.php?id 7 se podra
escuchar samplers mas completos de su material.
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Letras de Hawkwind
Hawkwind : "Hawkwind"
Letras. Hawkwind.
Hawkwind. Viento de halcón
(Dumpy's Rusty Nuts)
En la plenitud del tiempo,
La Profecía debe cumplirse,
Los Halcones regresan a devastar la Tierra.
Las Fuerzas Oscuras serán flageladas,
La Paz será para todos,
Pues no está escrito
Que la espada sea la llave al Cielo y al Infierno.
Hace muchos años nacieron,
En Ladbroke Grove se engendraron;
El reino del Halcón pronto proyectará
Sus alas plateadas sobre ti.
Hawkwind, Hawkwind, es el verso,
Maestros del Universo
Llévame a la era del rito
De la paz y el amor eternos.
Para protegerte de un Ataque Sónico
Los Ángeles de la Vida te harán volver
A Utopía con su unidad nuclear,
Así podrás estar en el paraíso.
Hawkwind, Hawkwind, es el verso,
Maestros del Universo
Explorando el espacio, anochece,
La pista de aterrizaje en tu mente.
Atacando al Señor de la luz
a 451º Fahrenheit.
Hawkwind, Hawkwind, es el verso,
Maestros del Universo
Standing on the Edge
Nos hallamos al borde
Al borde del tiempo
Y es oscuro, muy oscuro ahí
Estamos perdidos, destrozados
Somos la crueldad
Somos soldados al borde del tiempo
Y estamos hartos de amar
Dónde están nuestros hijos?
Dónde están nuestros padres?
Dónde nuestro deseo?
Y hace frío, mucho frío al borde del tiempo
Dónde está nuestro júbilo?
Dónde nuestra esperanza?
Dónde está nuestro fuego?
Hace frío, mucho frío al borde del tiempo
Estamos perdidos, olvidados
Somos inmortales
Somos soldados al borde del tiempo
Veteranos de mil batallas psíquicas
Somos soldados al borde del tiempo
Víctimas de la verdad brutal
Somos soldados a la orilla del tiempo
Y estamos hartos de amar
Warriors
Somos guerreros al borde del tiempo
Somos la guadaña de la humanidad,
que barre así y asá
Y derriba al enemigo como a la maleza
Somos la espada de la humanidad que extrae las raíces
dondequiera que crezcan
Somos el fuego de la humanidad
que reduce a cenizas los desperdicios
Somos el viento que se lleva las cenizas
Sin dejar rastro alguno
Destruiremos a aquellos que son enemigos
Pero primero debemos saber quienes son
Y los enemigos son los demonios
que se ocultan en nuestras mentes
Y que nos vuelven infelices,
Que nos hacen miserables
Somos los guerreros al filo del tiempo
Somos veteranos de una verdad brutal
Somos los perdidos
Somos los extraviados
Somos los traicionados...............
Warrior On The Edge Of Time
Estamos parados al borde
Al borde del tiempo
Somos los guerreros al filo del tiempo
Caminamos a la par del horror
Cabalgamos con la muerte
Somos los guerreros al filo del tiempo
Sobre desiertos de cristales ponzoñosos
Donde gritan las torres arrasadas
Marchamos hacia nuestro agonizante sol escarlata
Muerte!
Muerte a la vida!
Muerte!
Muerte al tiempo!
A todo traemos la dulce destrucción
Con nuestra armadura de brillo deslumbrante
Y nuestros timones secretos y horrendos
Somos los ángeles de nuestra ruina
Y escalamos montañas de obsidiana
En nuestra espantosa búsqueda final
Cruzamos lagos que gritan de dolor a nuestro paso
Muerte a todo lo viviente!
La bendita muerte purificará el mundo!
Muerte, es nuestra ley!
Muerte, nuestra única alegría
Somos los guerreros al filo del tiempo
Muerte al agua, al aire, al fuego
Muerte a la luz, a la tierra, al sonido
Muerte a la ira, al amor, a la tristeza
Muerte a la muerte... al tiempo... al espacio
Y los caballos y jinetes muertos
Buscan los últimos refugios de la vida
La vida nos traicionó y la matamos
Cuerpos trenzados en la batalla
Danzando al filo del tiempo
Hace frío al borde del tiempo
Mucho frío al borde del tiempo
Trad.: Jorge Padilla L
Junio 2006
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de CARPE DIEM
CARPE DIEM: En Regardant Passer le Temps (1975)
Temas
1. Réincarnation
2. Jeux du Siècle
3. Voyage du Non-Retour
4. Publiphobie
Integrantes
- Gilbert Abbenanti: guitarras
- Christian Trucchi: teclados, canto
- Claude-Marius David: flauta, saxo soprano, percusión
- Alain Berge: bajo
- Alain Faraut: batería, percusión
Habiendo conocido a Carpe Diem a través de su segundo (y a la postre,
último) disco Cueille le Jour, ha sido para mí una gratísima sorpresa y
una reveladora perspectiva el continuar mi investigación progresiva con este
excelente disco debut En Regardant Passer le Temps. En efecto, reconocí en
este repertorio ese lirismo raro y casi espacial que inunda la casi
totalidad de las ideas melódicas y que también marca las interacciones
inteligentemente organizadas entre los músicos. Lo que me llamó la atención
fue el despliegue de energía vertido por el ensamble, el cual resulta varias
veces rayano con lo áspero, creando un aura psicodélicamente oscura que nos
puede hacer recordar perfectamente a los momentos más sombríos de los
primeros discos de Pulsar y el primero de Asia Minor, y yendo más atrás,
incluso a los momentos más densos de los clásicos Lizard y Islands de
King Crimson. Es sin duda el aporte de David, mayormente en el saxo, el
elemento más saltante a través de las trayectorias dialógicas que el trío de
guitarra-teclado-viento traza en el desarrollo de los motivos; claro, para
nada quiero desestimar el buen gusto y sensibilidad de Abbenanti en sus
solos, ni tampoco la capacidad de Trucchi para ejecutar mil y un fraseos y
orquestaciones (en buena parte, bajo la influencia del insigne Pete Bardens)
que mantienen un núcleo claro y oportuno dentro de las expansiones
melódicas. Mientras tanto, la sólida base rítmica Berge y Faraut, amalgamada
a partir de la mezcla entre lo rockero y lo jazzero, ayuda a mantener una
fuerza consistente a través de la mágica exuberancia de las expansiones
melódicas en proceso.
La pieza más corta, Réincarnation, que no llega a los 4 minutos de
duración, es la que abre el disco. La onda de esta pieza es notoriamente
espacial, dando la impresión de que aquí vamos a encontrar algo más afín a
Gong o al Soft Machine c/ Wyatt que a Genesis o Yes. Este jam se siente en
verdad muy corto cuando llega el fade-out, pero bueno, las cosas se ponen
eventualmente más coloridas y envolventes con las tres piezas siguientes,
las mismas que encajan perfectamente dentro de la descripción general
vertida en el párrafo anterior. Jeux du Siècle es una suite de casi 13
minutos de duración, que comienza con un acento patentemente lírico: esa
flauta pastoral que se explaya con delicadeza sobre los evocadores arpegios
de teclado crean un preludio muy efectivo a la hora de plasmar un ambiente
onírico. Para cuando llegamos al segundo minuto, las cosas están instaladas
sobre una base más pomposa y potente: lo pomposo está bastante medido, eso
sí, y no es usado como un recurso para esconder o reemplazar lo melódico,
sino para darle una dimensión más estilizada. A partir del sexto minuto
encontramos algunos elementos cósmicos, que yo encuentro un tanto cercanos a
los momentos más etéreos de Genesis y el Pink Floyd post-Meddle. El
clímax final, desarrollado a través de los dos últimos minutos, perpetúa
este lado cósmico con notable esplendor. Tan impresionante como me pareció
esta primera mitad, admito que en lo personal me parece que lo más brillante
de En Regardant... está en la segunda mitad. Voyage du Non-Retour se
establece bajo un parámetro similar al de tema precedente, pero en su
conjunto me parece más logrado en lo que se refiere a la integración interna
de los motivos y variaciones que se van sucediendo. Publiphobe concluye el
disco poniéndole una guinda progresiva de alto calibre. Casi pegado a la
breve sección cantada de cierre del tema anterior, Publiphobe emerge como
una tormenta distinguida y exquisita de sonoridades progresivas, realizada a
punta de una potencia compartida equilibradamente por los cinco músicos.
Incluso la dupla rítmica opera como un elemento de creatividad influyente
dentro de la riqueza melódica del tema. Ya sea al unísono, o
complementándose mutuamente a través de líneas diversas centradas en notas
comunes, la cosa es que el quinteto opera con una compacidad increíble. No
se nota un espacio vacío, por mínimo que sea, en ninguna de las secciones ni
tampoco en el tránsito de una a otra. El aura melancólica de las partes
cantadas recibe parte de su fuerza expresiva de la frenética obertura
instrumental que le precede, al modo de una huella marcada a fuego lento. El
interludio es otro momento clave de esta pieza: trabaja con una tensión
evidente, pero sin dejar que ésta explote a pesar del despliegue de polenta
emanado por la guitarra y el saxo: la tensión se mantiene contenida dentro
de un equilibrio misteriosamente trazado por las pinceladas sonoras que se
van sucediendo. El coqueto motif de apertura reemerge para cerrar el tema y
el disco redondamente.
En fin, resumiendo puedo decir que En Regardant Passer le Temps es un
delicioso y ejemplar compendio de pugnas dialécticas entre la delicadeza de
la imaginación musical y la contundencia de su enérgica concreción
respectiva el nombre de Carpe Diem tiene bien merecido un sitial de honor
dentro del parnaso progresivo francés de los 70s. !Una joya absoluta para
coleccionistas exigentes!
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 2do. de PRESENT
PRESENT: Le Poison qui Rend Fou (1985)
Temas
1. Le Poison qui Rend Fou Part 1: Ram Ram Va Feire Pif Paf
2. Ersatz
3. Le Poison qui Rend Fou Part 2: Didi Dans Ta Chambre!
4. Samana
Integrantes
- Roger Trigaux: guitarras, piano
- Alain Rochette: pianos, sintetizador
- Daniel Denis: batería, percusión
- Ferdinand Phillipot: bajo
Colaboradora - Marie-Anne Pollaris (voz)
El ahora quinteto belga Present prosigue su camino de reciclaje de la
herencia de Univers Zero con un segundo disco tan estupendo como su
impresionante debut Triskaidekaphobie. Le Poison qui Rend Fou mantiene
la misma esencia densa y siniestra RIO, algo para lo cual aporta la
presencia de la cantante Marie-Ann Pollaris con sus vocalizaciones
enigmáticas y embrujadoras; es una pena que sus intervenciones sean tan
esporádicas, como colaboradora invitada, pues de lo contrario tal vez este
repertorio hubiera contado con un matiz especial de particular relevancia. A
fin de cuentas, no quiero utilizar este factor como objeto de crítica, pues
el disco me parece estupendo tal como está. En todo caso, se nota un cierto
realce de lo jazzero en el comportamiento de la sección rítmica (conformada
por el genial Daniel Denis y el nuevo integrante Ferdinand Phillipot), pero
el núcleo de la columna vertebral del sonido grupal sigue patentemente
orientado hacia la creación de oscuridad desafiante al modo de un ambiente
propicio para el exorcismo de los demonios interiores. Otra cosa que ese
nota es un énfasis en el despliegue de fuerza sonora en las porciones más
tiradas hacia lo rockero especialmente en las intervenciones de guitarra
, pero como dije antes, se trata de una diferencia de grado, que no de
esencia artística.
La primera parte de la suite homónima abre el disco con unas contundentes
pinceladas de guitarra muy frippianas, las cuales abren el camino para el
desarrollo de la ilación de varias secuencias sostenidas sobre disonantes y
minimalistas juegos de acordes a piano, sobre los cuales la guitarra flota
varias veces como una opresiva nube de inquietud. La dupla rítmica de Denis
y Philippot es simplemente magnífica pocas veces encontraremos a un Denis
haciendo tanta gala de su fibra e ingenio como arquitecto rítmico,
incluyendo a los discos de Univers Zero. En el minuto 11ero. emerge un
pasaje de piano hermoso, que reposa sobre un clima emocional sereno...
aunque más justo sería decir que engañosamente sereno, pues cuando unos
espartanos acordes de guitarra entran para dejar al ensamble regresar al
espectro sonoro, nos reencontramos con la sombría inquietud de antaño, solo
que esta vez portando un aura más reflexiva que propiamente opresiva. Los
últimos 40 segundos son llenados por el reprise del primer motif. El disco
sigue con Ersatz, una muestra de ingeniosa mezcla entre el crimsonismo
ochentero y el jazz, desplegado a través de unos medidos 5 minutos. Atención
a la clase y pulcritud de Denis: este tipo de genio hay que oírlo
detenidamente para creerlo. Lo jazzero se apodera de la escena en la coda
que ocupa los últimos 20 segundos. Se trata de un interludio bastante
oportuno entre las dos partes de la suite homónima. La segunda parte se
expande sobre un clima notoriamente circense, aunque claro, las coordenadas
musicales que marcan la esencia de Present los llevan a crear un ambiente
propio de un festival macabro en el cual los artistas están dispuestos a
sacar a la luz los más profundos temores del ser humano y burlarse
insolentemente de ellos. En esta pieza, la tendencia orquestada del ensamble
sale a relucir de una manera más imperiosa que en el repertorio precedente
la total fluidez con la cual los instrumentos van aportando sus elementos
particulares dentro del todo da como resultado una amalgama sonora
compactamente integrada en su estructura interna. Los retazos entrecortados
y oscuro de guitarra y bajo de la sección de cierre hubieran llenado de
orgullo al King Crimson de la etapa del Starless and Bible Black y Red
en lo personal, hubiera preferido un desarrollo más brutal del clímax y no
un fade-out tan repentino, pero bueno, se trata de un buen final. En fin, la
pieza final Samana aligera un poco las cosas con una disposición más
jovial durante sus primeros dos minutos y medio: luego, las cosas se ponen
más acorde con los pasajes más solemnes de la 1ra. parte de Le Poison qui
Rend Fou, alternando éstos con otros pasajes más juguetones. El último
medio minuto contiene un motif sereno, crepuscular, que huele a despedida.
Esta pieza es donde Present exhibe su máxima expresión de refinamiento en lo
que respecta a este disco.
Tenemos, pues, en Le Poison qui Rend Fou, un ítem valiosísimo dentro de la
tradición progresiva RIO, una pieza de colección que no envejece, sino que
incluso pareciera ganar brillo con el paso de los años. Es todo un logro
artístico el que una banda aun activa como es Present pueda mirar atrás
hacia su catálogo más antiguo y percibir con orgullo la vitalidad que aun se
destila a través de sus diversos entretejimientos sonoros.
César Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Manticornio actualizado
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Aquí transcribo la lista de nuevas informaciones correspondientes a la
última actualización del e-zine progresivo mexicano Manticornio. Como
siempre, visita obligada al sitio www.manticornio.com
" junio 18, 2006:
sección Artistas:
ADVENT + Cantus Firmus.
ALTAIR: Altair.
Robert BÉRIAU + Falling Back to Where I Began.
DREAM ARIA + In the Wake.
EQUINOX.
FINISTERRE: In Ogni Luogo.
FISH: Return to Childhood.
FLOWER KINGS: Paradox Hotel.
FRENCH TV: This Is what We Do.
GARGAMEL + Watch for the Umbles.
IONA: Live in London (DVD).
JADIS + Photoplay.
LIZARD: Spam.
LA MÁQUINA DE HACER PÁJAROS: Películas.
THE MOODY BLUES: To Our Childrens Childrens Children + Every Good Boy
Deserves Favour.
NIACIN.
PERIGEO: La Valle dei Templi.
PICCHIO DAL POZZO: Picchio dal Pozzo.
POOR GENETIC MATERIAL + Spring Tidings.
SAGA: Trust.
SANDSTONE.
SOTOS + Platypus.
TEMPEST: The Double Cross.
VANGELIS: Opera Sauvage + See You Later.
VIIMA + Ajatuksia Maailman Laidalta.
actualización de entradas anteriores:
ALTAIR: Fantasías y Danzas.
FISH.
FRENCH TV.
MM CIRCLE: Sibylle.
sección Entrevistas:
con Antonio, Ernesto, David, Alejandro, integrantes de CRUZ DE HIERRO.
con Manoel MACÍA, guitarrista y miembro fundador de GALADRIEL.
sección Instrumentos:
Fairlight CMI.
Vocoder.
Yamaha CS-80.
en el tintero (próxima actualización):
EQUINOX: Equinox + Spirits of Freedom.
KATAGORY V + The Rising Anger.
LIBERTY N' JUSTICE + Soundtrack of a Soul.
PROTOTYPE + Continuum.
BRUMA + Tiempos de Agua. "
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Ummagumma en Lima - nota de la prensa peruana
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Aquí transcribo una nota publicada en el diario limeño El Comercio sobre la
próxima actuación del grupo argentino tributo a Pink Floyd UMMAGUMMA en la
capital peruana. Para este evento, el grupo contará con un invitado de lujo,
el genial saxofonista de jazz y jazz-fusión Jean Pierre Magnet, bastante
curtido en el medio peruano, y con una trayectoria tan extensa como
versátil.
" OTRO LADRILLO EN LA PARED
El saxofonista Jean Pierre Magnet y la banda argentina Ummagumma unirán
talentos para rendirle tributo al mítico grupo inglés el concierto es el 24
de junio en el teatro Peruano-Japonés
Suena muy bien. Un homenaje a Pink Floyd en las manos de Ummagumma, banda
argentina que no solo ajusta las piezas hacia una interpretación fidedigna
de los temas del grupo británico, sino que gusta de presentar elementos
visuales representativos de sus conciertos en escena. Y, por si fuera poco,
la presencia de Jean Pierre Magnet en el saxo. ?Cuándo y dónde? Anote: el 24
de junio en el teatro Peruano-Japonés.
Si bien el músico peruano está muy identificado con el jazz y con el formato
de las grandes bandas, no es un secreto su comienzo como integrante de los
legendarios Traffic Sound. Adicionalmente, Magnet es un frecuente invitado
en los conciertos del combo progresivo Frágil.
De Ummagumma se conocen excelentes adjetivos calificativos. Están
considerados entre los mejores grupos de tributo a Pink Floyd a nivel
internacional, lo que ya es decir bastante.
Juntos, Magnet y Ummagumma realizarán un frondoso espectáculo de dos horas y
cuarenta minutos de duración, en el que despacharán canciones como "Shine on
you Crazy Diamond", "Comfortably Numb", "Wish you Were Here", "Money",
"Another Brick in the Wall", "Breathe" y "Hey You", entre otras. Una
presentación que llega gracias a las gestiones de Vade Retro Producciones y
Taggal.
DESDE EL SUR
Para conocer mejor a Ummagumma diremos que se fundó en 1998, en Buenos
Aires, Argentina. El nombre del grupo fue tomado del magnífico álbum doble
que la banda --que por ese entonces formaban Roger Waters, David Gilmour,
Rick Wright y Nick Mason-- lanzara en 1969, con notables versiones de temas
como "A Saucerful of Secrets", "Careful With That Axe, Eugene" y "Astronomy
Domine".
Ummagumma está integrado por seis músicos: Jorge Marchini (voz y teclados),
Juan Verta (guitarra), Federico Cassola (guitarra). Ariel Moscatelli
(teclados), Alejandro Iglesias (bajo) y Lucas Hernández (batería). Además,
en los coros, Valeria García, Paula Carou, Maia Orihuela y Gabriela
Gutiérrez.
En sus conciertos el grupo intenta abarcar todas las etapas de Pink Floyd,
del primer al último disco. Suele dividir sus show en dos segmentos, con
intervalos de quince minutos. "Tratamos de armar una lista de temas que
agrade a todos, desde el fanático de Pink Floyd hasta el que solo conoce sus
clásicos", ha dicho el tecladista Ariel Moscatelli.
Sobre el escenario no se guardan nada y es costumbre que sorprendan con
parafernalia multimedia: proyección de videos en una pantalla circular,
juegos de luces móviles y láser, elementos que intentan asegurar una
atmósfera evocativa de lo que Pink Floyd logra visualmente en vivo.
Mientras, en Lima, Jean Pierre Magnet ya ensaya los temas que Ummagumma le
ha enviado vía correo electrónico. El concierto sí que promete. "
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: noticias de PLACKBAND
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La gente de la banda holandesa PLACKBAND está en planes de promocionar la
salida a la venta de su DVD y CD en vivo "Visions". La estrategia incluye
una mini-gira por Bélgica, el Reino Unido y su país natal. Para esta
ocasión, el grupo contará con dos vocalistas, Karel Messemaker y Koos
Sekreve. Además, el repertorio incluirá un par de temas viejos que nunca
habían llegado a ser tocados en vivo anteriormente -- tengamos en cuenta que
el grupo se fundó en 1978, y que hasta el asentamiento de la tecnología de
audio digital, PLACKBAND nunca tuvo ocasión de ver plasmado su trabajo en el
mercado musical. Hoy por hoy, "After the Battle" debe ser recordado como un
'clásico postergado' del neoprog europeo.
En fin, aquí transcribo la lista de conicertos programados por la banda .-
16 de setiembre: Loose End, Reeuwijk, Holanda
28 de setiembre: P60, Amstelveen, Holanda
11 de noviembre: Classic Rock Society, Rotherham, Reino Unido
2 de diciembre: Spirit of 66, Verviers, Bélgica
8 de diciembre: Het Kasteel, Alphen a/d Rijn, Holanda
Aquí me despido hasta una nueva ocasión.
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Autor: <saluedu@hotmail.com>
Asunto: Nice - "Five bridges" (1970)
The Nice : "Five bridges" (1970)
01. Fantasia 1st bridge (06:08)
02. 2nd Bridge (04:01)
03. Chorale 3rd bridge (03:30)
04. High level fugue 4th bridge (01:01)
05. Finale 5th bridge (03:28)
06. Intermezzo Karelia suite (09:01)
07. Pathetique [Symphony No.6 3rd movement] (09:22)
08. Country pie/Brandenburg Concerto No. 6 (05:40)
09. (I'm not) One of those people (03:08)
- KEITH EMERSON: Hammond organ & Grand Piano
- LEE JACKSON: Vocals, bass
- BRIAN DAVISON: Drums
- LONDON SINFONIA ORCHESTRA: Orchestra (conducted by Joseph Eger)
THE FIVE BRIDGES SUITE (pistas 1-4) compuesta & orquestada por Keith
Emerson, con letras de Lee Jackson. La pieza fue grabada en directo en
Fairfield Halls (Croydon, UK).
Pistas 5 a 7: grabadas en directo en el Fillmore East (New York), y
adaptadas para orquesta por Keith Emerson & Joseph Eger.
ONE OF THOSE PEOPLE: grabada en los Estudios Trident de Londres.
THE NICE es una de las agrupaciones surgidas a finales de la década de los
60's más decisivas e importantes para el desarrollo de lo que hay
denominamos rock progresivo sinfónico, por varios motivos: además de ser la
gran tarjeta de presentación del compositor y todoterreno de los teclados
Keith Emerson (más conocido a partir de los 70's con el poderoso trío
Emerson, Lake & Palmer en donde desarrollará el discurso musical aquí
preludiado, junto a las notables personalidades de Greg Lake y Carl Palmer),
fue uno de los grupos que más apostó por el acercamiento del rock (con
acentos de una psicodelia refinada) a otras corrientes, como el jazz y sobre
todo a la música clásica (a través de sus espectaculares y peculiares
versiones de compositores clásicos como de nuevas composiciones realizadas a
partir de parámetros clásicos y acompañados por orquesta). Este último
aspecto es la tónica dominante en este trabajo, su cuarto y último álbum
concebido como tal, en donde aparece como punto fuerte la grabación de una
larga suite para grupo y orquesta en directo (tras la disolución del grupo
en 1970 se editaría un año después el directo "Elegy", testimonio
discográfico final del grupo).
El primer álbum de NICE, "The thoughts of Emerlist Davjack", fue editado
en pleno contexto psicodélico (1967), y ya presentaba notables ecos de la
estética de la música académica en cuanto a instrumentación ("Thoughts of
Emerlist Davjack") o en sus patrones estructurales (la concepción de
"Rondo", pieza instrumental basada en el "Blue rondo a la turk" de Dave
Brubeck, que además de ser uno de los temas más interpretados por Emerson en
sus conciertos, contenía varios guiños musicales, como la mención a la
Toccata y Fuga en Re menor de JOHANN SEBASTIAN BACH). También en otras
piezas no recogidas en el álbum original (aunque sí en sus re-ediciones) se
puede ver la influencia de la música académica, como el single "Diamond hard
blue apples of the moon" o la versión de "America", composición de Leonard
Bernstein para la obra de teatro musical de 1957, "West side story",
posteriormente adaptada al cine con gran éxito en 1961; tras este trabajo,
el segundo álbum de los NICE, "Ars longa vita brevis" (1968) pondría de
relieve esta faceta de acercamiento al canon clásico por las dos vías antes
expuestas: por un lado se incluye una versión del "Intermezzo" de la suite
Karelia, op.11, del compositor finlandés JEAN SIBELIUS (1893); por el otro,
la monumental pieza "Ars longa vita brevis", concebida como obra para grupo
y orquesta y dividida en 4 movimientos, más un preludio y una coda e
incluyendo un arreglo del Allegro Moderato inicial del Concierto de
Brandenburgo Nº3 de JOHANN SEBASTIAN BACH (1721). Esta pieza constituye uno
de los puntos de partida de los posteriores desarrollos progresivo
sinfónicos afines a las estructuras "academicistas" de muchos grupos (como
algunos trabajos posteriores de Deep Purple, Camel o Focus, por citar unos
pocos). Además, en la propia evolución de Keith Emerson se podría trazar una
línea evolutiva con sus trabajos más representativos para grupo y orquesta
(sin contar las obras realizadas para "Works", "Works II" y similares:
"Ars longa vita brevis" (1968)
"Five bridges" (1969-1970)
"Pictures at an exhibition" (1970-1971)
En el tercer disco de NICE, homónimo de 1969, el trío trabaja más en una
línea jazzística y cercana al blues, aunque nunca deja de lado esa absorción
de la producción clásica (sin ir más lejos, el tema "Diary of an empty day"
estaba basado en la "Symphonie espagnole para violín y orquesta en Re menor,
op.21" -1874-, de Edouard Lalo). Sin embargo, será en este "Five Bridges" en
el que todas las ideas y avances que THE NICE fue presentando en sus
álbumes, cristalizarían con gran coherencia y cohesión.
FIVE BRIDGES SUITE (los 5 primeros cortes del álbum) es una monumental
obra dividida en 5 partes que juega con la idea simbólica del "puente"
musical de diversas formas. La composición de la obra parte de un encargo
para el Festival de las Artes de Newcastle en 1969, y en ella se demuestran,
una vez más, los amplios conocimientos teóricos de Emerson, en cuanto a
composición, armonización y orquestación. Los textos de Lee Jackson hacen
referencia a sus memorias y recuerdos sobre su Newcastle natal, en donde
había cinco puentes que atravesaban el río Tyne. El tratamiento estructural
de esta obra es realmente interesante, dejando entrever la complejidad y el
desarrollo de ideas que Emerson llevaría más tarde a cabo junto a Greg Lake
y Carl Palmer. La pieza, en su conjunto, constituye una de las grandes cimas
creativas de THE NICE (junto con la ya mencionada "Ars longa vita brevis",
dentro de ese estilo más grandilocuente). Veamos más detenidamente las
partes que la componen:
1) 1st Bridge: Fantasia _---_ La Fantasía es una forma libre de composición,
sin un rumbo esquemático determinado y que en buena manera viene determinada
por la improvisación del compositor, parecida a la Toccata. En este caso,
Emerson propone un primer puente entre la estética del Barroco temprano
junto a otras ideas más contemporáneas sobre el cual se construye este
primer movimiento. En la parte final hay una alternancia entre las partes
solistas del piano y de la orquesta, parecido al tratamiento de un concierto
orquestal.
2) 2nd Bridge _---_ El segundo puente busca combinar los recursos sinfónicos
dentro de diferentes ritmos e improvisaciones más cercanas al rock,
alternando pasajes más sinfónicos con otros de grupo (y la voz de Jackson).
De alguna manera estos puentes vienen a simbolizar un intento de hibridación
estilística entre la música clásica y la popular.
3) 3rd Bridge: Chorale _---_ en este caso, el tercer puente se construye
mediante las improvisaciones pianísticas con aires jazzísticos, intercaladas
entre las diversas secciones del bellísimo pasaje coral cantado por Lee
Jackson (uno de sus mejores momentos vocales), en un registro muy suave y
sobre progresiones orquestales.
4) 4th Bridge: High Level Fugue _---_ musicalmente el discurso aquí lo basa
Emerson en las concepciones estilísticas de Friedrich Gulda, pianista muy
polifacético apodado como "el terrorista del piano" por los círculos
académicos al incluir en sus inspiraciones compositivas recursos más propios
de la música popular (sobre todo del jazz). Su pieza "Prelude and fugue", de
1965 (reinterpretada por el trío Emerson, Lake & Palmer en su box-set de
1993 "Return of the manticore") muestra diversas vías constructivas de
tratamientos fugados a la manera de JOHANN SEBASTIAN BACH pero utilizando
parámetros jazzísticos (algo que también harían músicos como Dave Brubeck,
Claude Bolling o Stephane Grappelli dentro del jazz). Emerson sigue esta
línea con influencias de los fraseos y las técnicas del jazz o del
boogie-woogie (a la manera de sus continuamente homenajeados Meade "Lux"
Lewis o Jimmy Yancey). El "puente" aquí utilizado desarrolla un concepto
mucho más complejo, según el propio Emerson. Está basado en el High level
bridge de Newcastle, un puente en el que hay dos niveles: uno superior, para
que pasen los trenes y otro inferior para los coches. Emerson desarrolla un
contrapunto entre ambas manos, de forma que la mano derecha representa el
nivel de los trenes y la izquierda el de los coches, encontrando en Brian
Davison y su tratamiento percusivo de los platos de la batería, la idea del
efecto del río (cada vez más contaminado) chocando contra el puente. "El
progreso destruye la naturaleza" es el significado esencial implícita en
este breve boogie-jazz fugado para trío.
4) 5th Bridge: Finale _---_ recapitulación del segundo puente, pero esta vez
adaptada para el grupo junto a un quinteto de instrumentistas de viento
metal, enriqueciendo su dinámica y componente rítmico (y con una
armonización final que le da un carácter muy conclusivo).
El lenguaje estético por el que se mueve la música orquestal y con ecos
más "académicos" de Emerson suele ser por el ámbito neoclásico europeo y
post-romántico (con énfasis también en la música de carácter nacionalista),
además del gusto por compositores norteamericanos, en muchas ocasiones
cercanas al folk y al jazz. "Five Bridges" se completa con las
interpretaciones en directo de INTERMEZZO KARELIA SUITE para grupo y
orquesta (pieza del compositor finlandés JEAN SIBELIUS que ya había sido
grabada en el disco "Ars longa vita brevis" de 1968 sin orquesta) y de
PATHETIQUE (SYMPHONY Nº6 3rd MOVEMENT), del compositor ruso PYOTR IL'YICH
TCHAIKOVSKY, original de 1893, en versión para grupo y orquesta (la versión
del disco en directo "Elegy", que saldrá editado en 1971, incluye una
interpretación sólo para grupo). Los otros temas son un medley tan explosivo
como el de COUNTRY PIE (de BOB DYLAN, extraído de su trabajo "Nashville
skyline" de 1969) con el Allegro inicial del Concierto de Brandenburgo Nº 6
de JOHANN SEBASTIAN BACH (1721), como interludio instrumental central,
mientras que ONE OF THOSE PEOPLE es una canción con tintes psicodélicos y
mucho trabajo de Hammond.
En cuanto a las ediciones discográficas de este trabajo hay mucha
disparidad entre ellas. Para empezar, no todas incluyen una buena
distribución por pistas de la suite "Five Bridges" (como en el caso de la
edición en CD de Virgin Records, que presenta el primer movimiento entre la
pista 1 y la pista 2, aunque en el álbum adscriben el título "1sr bridge &
2nd bridge" a la pista 1 y "3rd bridge" a la segunda; la pista 3 es en
realidad el "2nd bridge" y no el "4th bridge" como ponen en el CD. Por
último, en la pista "5th bridge" se juntan el tercero, el cuarto y el
quinto). Sí está bien la distribución en la edición de Mercury Records, en
donde juntan piezas de "Five Bridges" y "Elegy" (aunque se quedan temas en
el tintero, como "Country pie" o "One of those people"). Lo mismo pasa,
exactamente, con la edición posterior a la disolución del grupo titulada
"Keith Emerson with the Nice". La edición de Virgin Records incluye algunos
bonus track de la primera época de THE NICE, extraídos del recopilatorio
"Autumn 67-Spring 68" (consistente en remezclas de canciones del primer
disco de NICE, con la formación de cuarteto y que se completa con los bonus
tracks de la edición en Virgin del disco en directo "Elegy"), incluyéndose
la versión single de "America" y la versión adicional de "Diary of an empty
day" (originalmente aparecida en su tercer álbum de 1969).
Por problemas con la discográfica, "Five Bridges" salió el mercado un año
después de su grabación, en 1970, momento en el que Keith Emerson ya estaba
más implicado en el trabajo con ELP que con THE NICE. No obstante, este
trabajo es uno de los más representativos de la agrupación THE NICE (en
cuanto a su vertiente menos psicodélica y más sinfónica), además de ser una
obra de gran importancia histórica en cuanto al desarrollo del género y por
ser uno de los intentos más importantes en aunar la música popular con la
académica (véanse tan sólo la suite homónima y el desarrollo de la idea del
"puente" como vehículo de hibridación estilística entre ambos ámbitos, o el
medley Bob Dylan/J.S. Bach, que refleja muy bien este fenómeno expuesto
anteriormente). En resumen, una obra muy importante y muy recomendada.
Un saludo para tod@s y en especial a Pedro Campillo, a quien le deseo mucha
suerte con el concierto de Neal Morse y todo mi apoyo (aunque yo no me podré
escapar).
Eduardo García Salueña
www.senogul.tk
www.cuac.tk
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Autor: "ezequiel beyrouti" <nurserycrimson@hotmail.com>
Asunto: 3A_Paatos 3A_ 93Silence_of_Another_Kind 94
Paatos: Silence of Another Kind (Insideout music, 2006)
Temas:
1. Shame
2. Your Misery
3. Falling
4. Still Standing
5. Is That All
6. Procession of Fools
7. There Will Be No Miracles
8. Not a Sound
9. Silence of Another Kind
Integrantes:
- Stefan Dimle: Bass
- Huxflux Nettermalm: Percussives, saw, Lubopipe, programming and backing
vocals
- Petronella Nettermalm: Vocals and cello
- Peter Nylander: Guitars and backing vocals
- John Wallén: Keyboards, Saphirus bass and backing vocals
Con la edición de su primer álbum Timeloss (2002), estos suecos prometían
pelear por un lugar en el podio de la escena escandinava surgida en los años
noventa con bandas como los míticos Anglagard (me emociono con sólo escribir
ese nombre).
Pero dos años más tarde, con Kallocain, la banda se alienaba a sí misma de
aquel romanticismo vintage y se mostraba decidida a abordar una propuesta
musical más moderna.
Y finalmente en este Silence..., recorren caminos similares al segundo
emprendimiento. Pero mientas que Kallocain aún conservaba un grado muy
respetable de sutileza e incluso aportaba un mayor caudal de tensión (por
ejemplo en Gasoline o Reality), el disco que nos ocupa se decide casi
completamente por las estructuras simples y los estribillos pegadizos.
En mi opinión (que podría ser errónea debido a mi desconocimiento de
agrupaciones de post-rock, trip hop, y otros estilos vanguardistas
actuales) el sonido del Paatos 2006 está muy influenciado por los The
Gathering actuales en cuanto a melodías vocales y sobre todo la voz de
Petronella Nettermalm suena bastante similar a la de Anneke Van Giersbergen
(como en Still Standing). De hecho ambas bandas compartieron una gira el
pasado año y el guitarrista de The Gathering aparece acreditado como
fotógrafo en el booklet.
Con todo, el dramatismo propiamente progresivo aparece por momentos en
Falling, Is That All, y más que nada en Not a Sound. El resto son
buenas canciones, incluso There Will Be No Miracles, lo más popero y
accesible de toda la discografía del grupo hasta la fecha.
En lo personal, no espero que vuelvan a hacer un disco como Timeloss (que
es uno de mis favoritos de los que conozco de la escena escandinava), pero
no pierdo las esperanzas de que le encuentren la vuelta a su propuesta y,
sin dejar de sonar actuales, logren el nivel de exquisitez tonal que se
espera de una banda de rock progresivo como lo hizo Anekdoten en el
monumental Gravity.
Ezequiel Beyrouti (nurserycrimson@hotmail.com)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: noticias de ROCKET SCIENTISTS
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CESAR MENDOZA.
La gente del combo ROCKET SCIENTISTS vuelve a la actividad. Mark McCrite
(guitarrista y cantante), Erik Norlander (teclista) y Don Schiff (stickista)
vuelven a la carga con la grabacion y produccion del que sera su proximo
disco "Revolution Road", un trabajo en el cual seguiran explorando su mezcla
de estructuras melodicas bien definidas y virtuosismo instrumental
bombastico. Tras la partida de quien fuera el baterista de este grupo Shaun
Guerin (tambien corista, ademas de miembro de otros proyectos y prolifico
solista y musico de sesion), Gregg Bissonette integrara este grupo en su
reemplazo, el cual se extendera a quinteto con la incorporacion de un
segundo vocalista, David McBee. Este tipo McBee proviene de una amplia
trayectoria dentro de lrock duro, lo cual le permite aportar un interesante
contraste con el estilo vocal de McCrite.
Por lo pronto, ROCKET SCIENTISTS se ha propuesto el 23 de setiembre como
fecha de salida al mercado de este disco, lo cual quiere decir que las cosas
van a buen ritmo.
Aqui me despido hasta una nueva ocasion.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: TANGERINE DREAM "Phaedra"
TANGERINE DREAM: Phaedra (1974)
Temas
1. Phaedra
2. Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares
3. Movements of a Visionary
4. Sequent C
Integrantes
- Edgar Froese: mellotron, guitarra, bajo, sintetizador VCS3, órgano
- Chris Franke: sintetizadores Moog y VCS3, órgano
- Peter Baumann: órgano, sintetizador VCS3, piano eléctrico, flauta
Éste fue el disco que puso a Tangerine Dream en el mapa del negocio musical,
llamando la atención de buena parte del público progresivo o amante de la
psicodelia que quería verse sorprendido por algo innovador e inaudito.
Aunque para entonces TD no era ni mucho menos una banda de novatos, podemos
ver en perspectiva que su propuesta musical había alcanzado un punto
específico de madurez estilística. Siguiendo por la senda de pinceladas
sonoras etéreas y fluidamente amalgamadas que se concretizó tan
inteligentemente en Atem, Phaedra exhibe una maduración de esta misma
veta sonora reciclándola a través de un juego de coloridos sutilmente
desplegado. A mí me produce siempre la sensación de que lo sombrío queda muy
bien en este disco, filtrado a través de una aureola nebulosa de misterio.
Las primeras nubes sonoras que emergen en el inicio de la pieza monumental
que da título al disco son como efluvios líquidos que delinean círculos
efímeros en el agua, hasta que la amalgama de sintetizadores se condensa a
lo largo de una base secuenciada de VCS3, algo que nace desde ya como parte
del sonido propio de TD. Dicha base secuenciada opera como un sólido paisaje
de fondo para los retazos de sintetizador, mellotron y efectos de guitarra
que van sucediéndose y/o arremolinándose; incluso hay un breve pasaje de
guitarra y bajo que momentáneamente reemplaza a la secuencia de VCS3. Es
como una tensión creciente que se va asentando sin causar estropicios ni
revuelos, pero que apunta a un desenlace inevitable. Esta tensión se
acrecienta desde su propia implosión, dando así la impresión de un misterio
que se agota en su propio interior, al cual nosotros solo podemos acceder
por algunas señas indirectas... hasta que la secuencia de base se duplica
y triplica en un clímax etéreo poco antes de llegar al décimo minuto y
medio. Estos 620 segundos iniciales de Phaedra conforman uno de los
momentos más prototípicos de TD. Los seis minutos restantes suenan como un
duelo rendido a la memoria de las víctimas de un drama, en un lamento
vertido a las orillas del mar en medio de los ruidos de las gaviotas y unas
lejanas campanas de iglesia los colores del mellotron le dan un aire
innegablemente solemne a este momento de profunda melancolía. El rol
protagónico del mellotron se acrecienta inmensamente en la siguiente pieza,
otro monumento que lleva por título Mysterious Semblance at the Strand of
Nightmares 10 minutos y medio de hipnotismo sutilmente delirante, un
viaje onírico que esconde tras de sí el peligro de caer en un precipicio de
oscuridad siniestra, pero que mientras tanto nos conduce a través de un
ensueño flotante lleno de una extraña magia. Este viaje mellotronesco es
guiado por Froese, autor del tema. Los efectos de sintetizador en el
trasfondo suenan a una mezcla de torrente marino con brisa de levante,
saliendo a ratos al frente cuando simulan una espiral de tornado. Esto es lo
más cercano al Atem, en efecto, hasta que pasamos el minuto 5 y las cosas
adquieren brevemente un matiz más orquestal, casi como un anuncio oficial de
lo que ha de venir en los dos siguientes discos, Rubycon y Ricochet. En
los últimos 3 minutos tenemos una variación del motivo inicial, adaptada a
las coordenadas introducidas por el breve interludio que acabamos de
mencionar: se nota que la intensidad de la pieza ha subido, pero ello ha
sucedido sin darnos cuenta. Movements of a Visionary trae también algo de
la inquietud un tanto áspera del lado B del disco Atem, pero porta un aura
más estilizada, muy acorde con el TD maduro y bien asentado que se nos
muestra aquí. De hecho, las cadencias aleatorias de los primeros 90 segundos
operan como una preparación para la emergencia de una secuencia de VCS3: el
trío está decidido a seguir explorando la veta del Phaedra, esta vez
concentrándose en la solemnidad espiritual evocada a través de los acordes
de órgano que brotan cuales espejismos, y esas notas de piano eléctrico que
se dejan adornar por sus propios ecos. La breve pieza Sequent C, compuesta
por Baumann, es un soundscape de flautas, reciclado a través de efectos de
consola a fin de sonar distante, casi irreal, como un sueño que se desvanece
en algún agujero negro de nuestra conciencia.
En fin, tenemos en Phaedra una joya absoluta de la música electrónica en
su periodo de inicial madurez, así como un clásico del krautrock basado en
el minimalismo electrónico éste es el disco que inaugura una nueva manera
de entender la vanguardia progresiva, así como la quintaesencia robustamente
afirmativa de Tangerine Dream.
César Mendoza
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