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La caja de musica Number 0690
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\__ | XXX X | __/
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #690 diciembre 2005 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Consistencia en las evaluaciones
* mas_sobre_Rate_your_music
* Un nudo mas a los nudos
* Discipline - Live 1995 DVD (2005)
* Nektar - Pure Live in Germany 2005 DVD (2005)
* LACRIMOSA - Lichtgestalt (2005)
* Shakti - Shakti with John McLaughlin (1976)
* Arcturus - Sideshow Symphonies (2005)
* Parthenon "Mare Tenebris"
* Oceansize - Everyone into Position (2005)
* Oliver Wakeman - Mother's Ruin (2005)
* Novalis 1975
* Jose Luis Fernandez Ledesma "Sol Central"
* Popol Vuh "Hosianna Mantra"
* Mats/Morgan Band - Thanks for Flying with us (2005)
* Sleepytime Gorilla Museum - Of Natural History (2004)
* Goblin - Roller (1976)
* David Gilmour "On An Island" marzo 2006
* Index "Identidade"
* Recalificaciones
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Autor: Hernan Bertagni <hergus74@yahoo.com.ar>
Asunto: Consistencia en las evaluaciones
Me llama la atencion cierta tendenciosidad en las
reviews, sobre todo las de Ferran Lizana, como paso a
detallar:
- Comentario sobre "Believe" de Pendragon
"(...) no es de extran~ar que haya gente que considere
a Pendragon como la quintaesencia del genero en los
ultimos an~os. Los que preferimos el riesgo y la
creatividad real en una banda de rock progresivo, ya
es otro cantar."
Y despues de despotricar contra el album con cosas
como "Poca historia tiene esta nueva entrega", "falta
de ideas", "reconstrucciones de partes mas que
escuchadas", "siguen ahi repitiendose mas que nunca" y
"uno de los albumes mas aburridos e insustanciales" le
da un calificativo de 3.5/10
- Comentario sobre "Hinterland" de Wobbler
Sobre la suite homonima y refiriendose a bandas como
Gentle Giant, ELP, King Crimson, Genesis y PFM: "El
problema es que algunos de estos fragmentos recuerdan
en demasia a estas bandas, y que a la suite en general
le falta cohesion"
Sobre los otros dos temas grandes del disco:
"recreaciones casi absolutas de Anglagard, que no
plagios, con algun toque a Anekdoten o White Willow"
Entonces que calificacion le corresponde? un 4? un 5?
No, parece que clonar fuera del "neo" si vale, y se
merece con un 7/10...
Asi que no me vengan con el verso del "riesgo y la
creatividad real", porque no se es mas creativo por
"heredar" de bandas con nombres raros de paises en que
hace frio, que por hacerlo de Genesis y Pink Floyd.
Hablemos de gustos, como era en la buena epoca de
LCDM, y dejemos la catedra para las universidades.
Saludos
HerGus :-)
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: 3A_mas_sobre_Rate_your_music
Me he olvidado comentar en el mensaje anterior sobre la web Rate Your
Music, que no solo esta confecionada para puntuar los discos, sino que
tambien podemos escribir una critica del mismo.
De forma que en la pagina podemos encontrar actualmente innumerables
criticas de cada album, posiblemente la pagina de internet con mas
criticas por disco. O sea que tambien puede servir de consulta.
A reveure.
Ferran
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Autor: "Benitez Baena Alberto" <abenitez@infonavit.org.mx>
Asunto: Un nudo mas a los nudos
Saludos a todos los cajeros del mundo:
En LCDM 577 me permiti escribir.
> En el librito de "Octopus", para la rola "Knots" los Gigantes
Gentiles pusieron el siguiente texto:
> ....."R. D. Laing, an eminent psychologist, has stimulated
us by his intriguing, logical, poetic riddles into composing this
latter-day madrigal - and something of a musical jigsaw".
> ...."R. D. Laing, eminente psicologo, nos ha estimulado con
sus seductores y logicos y poeticos acertijos al componer este
madrigal de tiempos actuales - y algo de vaivenes musicales".
> No he encontrado esos seductores y logicos y poeticos
acertijos (riddles) que se mencionan, pero me encontre con un
texto que YO CREO QUE BIEN PODRIA DAR IDEA DE LO
QUE SIRVIO DE MOTIVACION para los Gigantes Gentiles
al componer "Knots".......... (siguen textos de Laing)......
Eureka! En una revista me encontre inesperadamente uno de los
"intriguing, logical, poetic riddles" de Laing , el cual les comparto a
continuacion para contribuir con un granito de arena al acervo increible
de esta maravillosa caja:
Lo que pensamos es menos de lo que sabemos;
Lo que sabemos es menos de lo que amamos;
Lo que amamos es mucho menos de lo que existe;
y en esta extension concreta;
somos mucho menos de lo que somos
R. D. Laing
(1927-1989)
Que tendrian en la cabeza esos Gentle Giant al componer Knots?
Saludos Psico-acertijo-progresivos desde Mexico, DF
Alberto Benitez Baena
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Discipline - Live 1995 DVD (2005)
DISCIPLINE : LIVE 1995 (DVD) (2005)
Discografica: Strungout Records
Temas:
1. diminished
2. canto iv (limbo)
3. carmilla
4. the possession
5. blueprint
6. the nursery year
7. circuitry
8. when the walls are down
9. homegrown
Extras:
1. interlude (1988)
2. piddle-a-dink (1988)
3. piddle diddle iddle (1988)
4. man and the locust part 1 (1992)
5. still night (1992)
5. faces of the petty (1992)
7. mickey mouse man (1992)
8. man in transition (1992)
8. when she dreams she dreams in color (coda) (1997)
10. eyeballs story (1997)
11. into the dream (1998)
Musicos:
- Matthew Parmenter (the Magic Acid Mime)
- Jon Preston Bouda (guitar)
- Mathew Kennedy (bass)
- Brad Buszard (keyboards)
- Paul Dzendzel (drums)
El poco prolifico Matthew Parmenter, tras la edicion de su largamente
esperado album en solitario, despierta momentaneamente a su antigua
banda Discipline, con la edicion de este DVD grabado en directo en 1995,
antes de editarse su aclamado Unfolded Like Staircase.
O sea que estamos en plena gira del primer album del grupo Push and
Profit, en la que interpretan varios temas de ese album y otros
ineditos, aunque por suerte tambien nos deleitan con un tema de
Unfolded..., Canto IV (Limbo) que ya formaba parte de su set de
directo por aquellas fechas. El grupo goza de una puesta en escena
bastante simple, con un Parmenter con la cara pintada al estilo IQ y
disfrazado, que demuestra cierto carisma y juega muy bien con su voz. El
resto de musicos interpretan con ganas un tema tras otro. La calidad de
imagen es buena y la de sonido de aprobado. Digamos que la calidad es
como de video oficial de los 70, aunque el sonido es mejorable. De todas
formas, una magnifica ocasion de apreciar lo que ofrecian estos chicos
en directo, en un muy buen concierto.
El concierto dura mas o menos una hora, pero aqui no se acaba todo
puesto que el DVD contiene extras, en los que podemos ver al grupo en
otras giras y festivales de diferentes epocas, incluido los inicios del
grupo a finales de los 80. Tomas en general con peor calidad de imagen y
sonido aunque perfectamente disfrutables, destacando, como no, una
grabacion de Into the Dream de 1998.
En resumen, por fin un DVD en el que podemos disfrutar de Discipline en
directo. Pero esperemos que Parmenter tenga por ahi escondida alguna
grabacion de la gira de Unfolded Like Staircase en condiciones, y se
decida a editarla pronto.
Valoracion: 7.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com)
Diciembre 2005
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Nektar - Pure Live in Germany 2005 DVD (2005)
NEKTAR : PURE. LIVE IN GERMANY 2005 (DVD) (2005)
Discografica: SPV/Mastertrax
DVD 1. Full concert: Live at WDR Rockpalast in 2004:
1. A Tab in the Ocean
2. Dream Nebula/Desolation Valley/Waves
3. Remember the Future Part I
4. Remember the Future Part II
5. Cast your Fate
6. The Debate
7. Cryin in the Dark/King of Twilight
8. Thats Life
9. Show me the Way
10. A Day in the Life of a Preacher/Squeeze/Mr. H.
11. Recycled
12. Good Day
13. Fidgety Queen
DVD 2. Acoustic Set:
1. Do you believe in Magic
2. Telephone
3. Always
4. Good Day
Extras:
- Interview
- Slideshow
- Biography Section
- Discography Section
Musicos:
- Roye Albrighton. Guitar, vocals
- Ron Howden. Drums, vocals
- Randy Dembo. Bass, bass pedals, vocals
- Tom Hughes. Keyboards, vocals
Desde la reunificacion del grupo hace ya mas de cuatro an~os, Nektar han
pasado por varias etapas. Primero con el lanzamiento de un album, The
Prodigal Son que paso totalmente desapercibido, mas tarde con la
reunion de la formacion clasica con ocasion de su sonada participacion
en el festival Nearfest, y finalmente con la edicion de su ultimo album
Evolution ya sin la participacion de Derek Moore, el clasico bajista.
Actualmente, Alan Freeman tambien ha abandonado Nektar, de forma que en
este DVD nos encontramos a Roye Albrighton y Ron Howden como unicos
miembros originales, y a dos jovenes nuevos integrantes.
A Ron Howden se le ve muy envejecido, pero Albrighton, que tiene 56 an~os
y aparenta diez menos, se mantiene en muy buena forma fisica. Aunque
vocalmente no esta como en sus mejores tiempos, ya que en algunos
momentos baja varios tonos y evita asi arriesgarse, me imagino que por
miedo a no llegar a algunas notas. De todas formas no supone ningun
inconveniente para disfrutar del concierto.
Y pasando a lo que interesa, en el primer DVD nos encontramos con un
tremendo concierto de unos Nektar en muy buen estado de forma. Ni mas ni
menos que dos horas y media en la que nos interpretan por entero los
albumes A Tab in the Ocean y Remember the Future, la primera cara de
Recycled, parte de Down to Earth y Sounds Like This y tan solo un
tema de Journey to the Centre of the Eye y de su mas reciente trabajo
Evolution. Que mas se puede pedir?, y ademas el grupo suena bastante
compacto, con muchas ganas y con una poderosa presencia escenica.
Impresionantes como suenan piezas como A Tab in the Ocean, A Day in
the Life of a Preacher, Recycled o Fidgety Queen, aunque el grupo
no baja la guardia en ningun momento y todo el recital es de pelicula.
Da gusto encontrarse ante una banda en tan buena forma interpretando la
mayor parte de su preciada discografia.
Por lo que respecta al set acustico de 20 minutos que viene en el
segundo DVD, se le notan mas las limitaciones vocales a Roye Albrighton,
mas que nada en Do You Believe in Magic, en la que baja tanto el tono,
que hasta resulta en parte ridicula. En este set acustico, ademas de
este tema de Sounds Like This, tocan un tema de Evolution, otro de
Man on the Moon y repiten Good Day tambien del Sounds Like This.
Por lo demas, una entrevista a Albrighton y Howden, biografia de los
cuatro miembros, discografia e impagables fotos de todas las epocas,
completan los extras de un DVD lujoso en todos los sentidos, con calidad
de imagen y sonido irreprochables.
Valoracion: 9/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com)
Diciembre 2005
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: LACRIMOSA - Lichtgestalt (2005)
LACRIMOSA : "Lichtgestalt"
CD Hall of Sermon (2005)
Lista de Temas:
1. Saphire (11:16)
2. Kelch Der Liebe (6:06)
3. Lichtgestalt (5:19)
4. Nachtschatten (7:08)
5. My Last Goodbye (8:11)
6. The Party Is Over (5:29)
7. Letzte Ausfahrt: Leben (5:44)
8. Hohelied Der Liebe (14:31)
9. [Corte Extra] (5:34)
Tiempo Total: 68:47
Integrantes:
- Tilo Wolff - teclados, vocales
- Anne Nurmi - teclados, vocales
- Bass Jay P - guitarras, bajo
- Manne Uhlig - bateria
Fundada en 1990, Lacrimosa celebra 15 anyos de trayectoria con '
Lichtgestalt', su mas reciente entrega lanzada bajo su propio sello Hall Of
Sermon.
A lo largo de estos anyos la banda ha ido refinando su sonido hasta llegar a
lo que para Tilo Wolff es el disco mas intenso, dinamico y emocional en la
carrera de Lacrimosa; puro y directo musical y liricamente y con un mayor
impacto emocional.
Al igual que con sus predecesores 'Echoes', 'Fassade' y 'Elodia', vuelven a
aparecer las pronunciadas influencias clasicas, los potentes sonidos
metalicos y las caracteristicas voces de la dupla maestra del rock gotico
aleman. Nuevamente Wolff se ocupa de la composicion, arreglos,
orquestaciones, letras y produccion. Como es sabido, el nucleo de Lacrimosa
sigue conformado por el duo fundador Tilo Wolff- Anne Nurmi, con la ayuda de
musicos de estudio contratados para la grabacion de sus discos y
presentaciones en vivo.
El album ofrece tanto cortes de largo aliento que combinan orquestaciones y
Metal, como temas lentos de honda melancolia y romanticismo, asi como temas
de mayor velocidad y peso sonoro.
Saphire es una larga pieza de fria y oscura nostalgia. En su lento
desarrollo poco a poco va cobrando fuerza, intensidad y dramatismo, para
luego volver a descender y concluir como empezo. En este tema se escucha una
seccion de verdadero Metal gotico con rasgos Trash y Doom.
Sin dar tregua Kelch Der Liebe inicia con gran fuerza, impulsada por una
poderosa melodia armada con un llamativo arreglo de cuerdas.
En la misma tonica devastadora continua Lichtgestalt, el tema que da titulo
al disco. Tilo pone a prueba su capacidad pulmonar desgarrando sus cuerdas
vocales.
Nachtschatten es un nocturno de cuerdas, metales y voz gotica.
My Last Goodbye es una de las piezas melodicas y uno de los pocos temas en
que se escucha con mayor presencia la voz de Anne Nurmi. Esta pieza y la
siguiente se acoplan de tal forma que casi forman una unidad.
The Party Is Over es una corte muy lento, cansino, cantado en tono de
despecho por Tilo quien tambian se encarga de tocar la agradable melodia de
la trompeta.
Con Letzte Ausfahrt: Leben las cosas mejoran en fuerza e intensidad,
retomando el lado mas rockero y metalico de Lacrimosa. Una pieza energatica
con potencial de 'single' y una de las mejores del disco.
Y cuando uno pensaria que el disco ya ha terminado, escondida en el fondo
aparece la pieza mas larga y sinfonica del album: Hohelied Der Liebe. Un
corte clasico con grandes arreglos de coros y orquesta en que se superponen
la voz solista de Tilo, las guitarras de Bass Jay P y la bateria de Manne
Uhlig y que sin duda valdria la pena escuchar en vivo con todos sus
interpretes en escena.
El corte extra oculto es una version acustica a piano y voz de "The Party Is
Over", una balada nostalgica y melancolica que, sin exigir demasiado, se
escucha bastante bien.
'Lichtgestalt' es el album que mas me ha acercado a la musica de Lacrimosa,
lo cual es ya decir bastante. Entre quienes suelen escuchar a Lacrimosa, la
mayoria coincide en senyalar a 'Elodia' como su obra cumbre, para algunos
otros es 'Stille', para otros mas es 'Fassade' o 'Echoes', o bien algun
otro. Por lo pronto y por ahora, para mi se trata de 'Lichtgestalt', por ser
la mas cercana y tal vez porque llegara a convertirse en mi primer obra
entranyable de esta banda.
En conclusion, 'Lichtgestalt' continua en la tradicion de sus predecesores
aunque en esta ocasion con un filo mas rockero. Este album es un buen motivo
para celebrar la existencia de una banda merecedora de un mayor
reconocimiento por sus logros y dedicacion artistica, bregando en la
independencia de un mercado que todo lo devora.
Jorge Padilla L
Diciembre 8, 2005.
PD: A quien le interesen las letras, en esta direccion electronica puede
leer la traduccion completa en nuestro idioma:
groups.msn.com/FansLacrimosaSpain---SirCuervo---/traduccciondelichtgestalt.msnw
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Autor: RWR1YXJkbyBHYXJj7WEgU2FsdWXxYQ <saluedu@hotmail.com>
Asunto: Shakti - Shakti with John McLaughlin (1976)
SHAKTI : "SHAKTI WITH JOHN McLAUGHLIN" (1976)
01. Joy (18:15)
02. Lotus feet (04:46)
03. What need have I for this, what need have I for that.
I am dancing at the feet of my lord,
All is bliss, all is bliss (29:03)
MUSICOS:
- JOHN McLAUGHLIN: Guitar
- LAKSHMINARAYANA SHANKAR: Violin
- ZAKIR HUSSAIN: Tablas
- RAMNAD V. RAGHAVAN: Mridangam
- SRI THETAKUDI HARIHARA VINAYAKRAM "VIKKU": Ghatam, mridangam.
Shakti es una agrupacion que nace del acercamiento del guitarrista John
McLaughlin a la cultura y el misticismo de la India, en un periodo en el que
la filosofia oriental fue penetrando en los cauces de la intelectualidad
occidental (como paso a finales de los 60s con Maharishi Mahesh Yogi y The
Beatles, por seguir en el caso musical). En el caso de John McLaughlin (como
tambien de Larry Coryell o Carlos Santana), la influencia del maestro de
Yoga y meditacion Sri Chinmoy Kumar Ghose (afincado en Estados Unidos) sera
trascendental en su evolucion vital, primero en la formacion de la
Mahavishnu Orchestra y posteriormente, tras introducirse en el estudio del
canto de la India e interesarse por la comida, la ropa y los textos
espirituales, se embarca en la formacion de Shakti (que significa
inteligencia creativa, belleza y poder, ademas de ser uno de los personajes
simbolicos de la cultura, junto a Shiva) con un aspecto totalmente diferente
y renovado (pelo corto y una guitarra construida especialmente que mezcla la
disposicion de las cuerdas horizontales a la manera occidental, y
verticales, a la oriental, tomando como modelo la concepcion de la vina, uno
de los ancestros del sitar, lo que le permitira tener un sonido de "acorde
modal" desplegado -al vibrar por simpatia- mientras ejecuta pasajes solistas
y junto a otros musicos del sur de la India. Mientras en la Mahavishnu
Orchestra la produccion musical llevaba hacia la exteriorizacion de la
energia, Shakti optaba por la iluminacion interna, lo que se manifestaba con
sus conciertos de largas duraciones y en postura de meditacion.
En la decada de los 70s, Shakti sacaria a la luz tres grandes trabajos:
el primero, llamado "Shakti with John McLaughlin" y grabado en el South
Hampton College en 1975; posteriormente, "A handful of beauty" y finalmente
"Natural elements", ambos de 1977, continuan su personal busqueda musical,
optando por piezas mas cortas y con mayor refinamiento instrumental. La
India y su cultura seria uno de los puntos mas fuertes de inspiracion en el
panorama artistico de los 70s (musicalmente, Close to The Edge, Sgt.
Pepper's Lonely Hearts Club Band, Tales of Topographic Oceans o grupos como
Quintessence o Third Ear Band, no tendrian sentido sin Hermann Hesse,
Paramhansa Yogananda o la influencia musical y mental de Ravi Shankar, con
el que tambien estuvo McLaughlin en contacto). Con Shakti se encuentran la
tecnica, la improvisacion, las largas sesiones musicales y el contenido
mistico, a traves de la vision externa de su cabeza dirigente, procedente
del jazz y del rock, pero siempre de mente inquieta, John McLaughlin.
En SHAKTI WITH JOHN McLAUGHLIN se encuentran gran parte de las formas de
la musica de la india salpicada de algunos parametros de la musica
occidental:
- En JOY, la musica se estructura arquitectonicamente a partir de la
improvisacion. Hay un Gat (o melodia base) que es el que sirve para
organizar la pieza, en un continuum dinamico en el que tanto McLaughlin como
Shankar comparten el protagonismo (ademas son los compositores), dejando
claro al publico su destreza instrumental. Tambien Hussein tiene algun
momento para hacerle ecos a McLaughlin en sus endiabladas partes de
guitarra.
- LOTUS FEET es una pieza de McLaughlin que invita a la trascendencia, a
modo de pequeno Alap (o movimiento invocatorio). La guitarra y el violin
declaman aqui una belleza sin igual.
- WNHIFT, WNHIFT, IADATFOML, AIB, AIB, es el punto fuerte de esta grabacion,
estructurada a modo de Raga. El Raga es una de las formas mas comunes de la
musica India y se estructura en varios movimientos (fue muy popularizada en
el Occidente por Ravi Shankar, en grabaciones tan esenciales como "Sound of
the sitar" de 1965, o "Morning Raga & Evening Raga" de 1968). El primero,
siempre es invocatorio, el Alap, y condensa toda la fuerza en el lirismo de
los instrumentos mas melodicos (aqui remarcado sobre todo por el virtuosismo
de McLaughlin); tras ello comienza el Jhor, es decir, se le empieza a anadir
el parametro ritmico (y muchas veces aqui puede entrar una composicion base,
que recibe el nombre de Gat y que tiene un determinado esquema ritmico
ciclico o Tala, lo que aqui no llegara hasta el minuto 10:41), con las
tablas, el ghatam y el mridangam. A partir de aqui, el raga se va
desarrollando, dejando un pasaje para cada instrumento o a veces
interrumpido por el Gat (como se puede comprobar hay muchas similitudes con
el jazz y los pasajes improvisatorios), hasta que se llega al climax
expresivo, que es con lo que se suele concluir, esto es, el Jhala (muchas
veces acentuado por una cadencia en tres tiempos, llamada Tihai). En este
caso, previo a ese final hay un largo pasaje construido a partir de ciclos
solisticos de percusiones (en este caso, encabezadas por las tablas).
Mientras el resto de los musicos van marcando un ciclo ritmico, o Tala, con
las palmas, las percusiones van realizando sus dibujos desplazando los
acentos y rellenando el tiempo con diversas figuraciones ritmicas, para cada
vez ir haciendolo en ciclos menores y acabar dando paso al resto de los
instrumentos, lo que constituye el climax. Aqui, la rueda improvisatoria se
articula a partir de las tablas y el ghatam, que se van alternando en una
serie de pregunta-respuesta, en tiempos cada vez mas cortos, que no deja en
ningun momento impasible.
La musica de Shakti tiene un alto poder embriagador, aunque no es de
facil acceso para el oyente al uso. Para ello hay que desapegarse de varios
prejuicios musicales (sobre todo, en relacion a nuestro concepto de armonia
y de repeticion) y dejarse captar por su pulso y su magia vitales. Para los
mas interesados, Shakti sigue aun en activo, ofreciendo algunos conciertos
(se dejaron caer por el Festival de Jazz de San Sebastian el ano pasado),
encontrandose en el mercado una serie de nuevas grabaciones en directo bajo
el epigrafe de "Remember Shakti", que se pueden encontrar por separado o
todas juntas en un box-set de 5 CDs y 1 DVD, editado en 2002.
Una maravillosa experiencia. Om Shanti para tod@s.
Eduardo Garcia Saluena
Edu "Senogul"
www.senogul.tk
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Arcturus - Sideshow Symphonies (2005)
ARCTURUS : SIDESHOW SYMPHONIES (2005)
Discografica: Season of Mist
Temas:
1. Hibernation Sickness Complete
2. Shipwrecked Frontier Pioneer
3. Demon Painter
4. Nocturnal Vision Revisited
5. Evacuation Code Deciphered
6. Moonshine Delirium
7. White Noise Monster
8. Reflections
9. Hufsa
Musicos:
- Jan Axel Von Blomberg (Hellhammer) / drums
- Steinar Johnsen (Sverd) / keyboards
- Hugh Steven James Mingay (Skoll) / bass
- Knut Magne Valle / guitars
- Tore Moren / guitars
- Simen Hestnaes (Vortex) / vocals
Los noruegos Arcturus son el enesimo grupo que se pasa al progresivo.
Nacieron como una banda de black metal, ya hace unos an~os que se
decidieron por los sonidos progresivos, y es en esta en su actual
propuesta, en la que ya no queda nada de metal extremo, situandose ya en
la linea de Green Carnation o Pain of Salvation. Digamos que Arcturus
actualmente hacen prog-metal oscuro y por momentos muy sinfonico. Ah, y
unicamente con voces limpias.
En Sideshow Symphonies nos encontramos con algun ramalazo power metal
(Shipwrecked Frontier Pioneer, White Noise Monster), o a Opeth
(Nocturnal Vision Revisited, Moonshine Delirium), pero en general el
album se situa en la linea de los Green Carnation de Light of Day, Day
of Darkness o Pain of Salvation.
Ahi esta un tema extraordinario como Moonshine Delirium, con esa
politica de cambios de ritmo y esos contrastes que van desde lo mas duro
a lo mas sinfonico. El precioso instrumental Reflections que por
momentos parece obra de Twelfth Night o Marillion. El intenso aire
doom-gotico melodico de la magnifica Hufsa. O ese gran trabajo
melodico en Demon Painter, bastante cercana a Green Carnation.
En definitiva un gran trabajo del prog-metal de mayor actualidad. No
debe faltar en cualquier discoteca de fans de Green Carnation, Opeth,
Anathema o Pain of Salvation.
Valoracion: 7.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com)
Diciembre 2005
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Parthenon "Mare Tenebris"
PARTHENON: Mare Tenebris (2005)
Temas
1. Mare Tenebris
2. Utopia
3. Madre Natura
4-6. Puentes Destruidos
7. Luces y Colores
8. Conversaciones entre Diversas Criaturas del Infierno
[Bonus tracks 1980-1]
9. Utopia
10. Madre Natura
11. Conversaciones entre Diversas Criaturas del Infierno
Integrantes
- Robert Santamaria: teclados, percusion
- Juan Carlos Ballesta: bateria
- Marta Segura: voces
- Alan Chehab: bajo sin trastes
- Pere Vilardell: guitarra
Invitados: Victor estrada (teremin), Kerstin Kokocinsky (oboe, crono ingles)
Para los bonus tracks: Victor Fiol (bajo, voz), Nicolas Labropoulos
(guitarra), Laureano Rangel (bateria), Robert Santamaria (teclados)
Parthenon logro cobrarse una revancha enorme con la edicion de este disco
Mare Tenebris: un cuarto de siglo despues de que Santamaria y Ballesta
dieran origen a este proyecto en su natal Venezuela, el grupo logra
registrar un testimonio oficial de su talento artistico para crear ideas
musicales de gran nivel y ejecutarlas con destreza y fineza sobresalientes.
Las influencias de Yes, ELP y UK se hacen patentes, pero nada de ello
aminora la prestancia original que, en esencia, ofrece el material.
Para esta resurreccion el grupo conto con una invitada de lujo en las voces,
Marta Segura, compan~era de Santamaria en Amarok, quien adopta la energia
rockera en las tres piezas cantadas - Utopia, Madre Natura y Luces y
Colores - con su clase de siempre. Las dos primeras muestran la fuerza
expresiva del grupo de manera mas concentrada, mientras que la ultima
contiene unas variantes muy interesantes en la seccion instrumental que
llena el ultimo minuto y medio. Pero si buscamos la mayor dosis de ambicion
musical, debemos ofrecer una mirada preferente a los temas instrumentales
(dicho sea de paso, me parecen los numeros culminantes del disco), los
cuales establecen ingenias expansiones melodicas a traves de mil y una
variaciones en los motivos y ambientes. Mare Tenebris da inicio al disco
con una fastuosidad alucinante, la misma que es desarrollada en niveles
hiperbolicos en la suite tripartita Puentes Destruidos. Santamaria sabe
introducir toques de jazz-rock en medio de tanto sinfonismo en varios
momentos de la segunda seccion de Puentes; el pasaje de cierre, basado en
un delicado dueto de piano y oboe, es realmente hermoso. La faceta mas
inquietante y avasalladora de Parthenon esta encarnada en Conversaciones
entre Diversas Criaturas del Infierno, la cual recurre en varias ocasiones
a ambientes de tendencia tenebrosa a fin de explotar el aura sombria que el
titulo tan explicitamente evoca, asi como a otros ambientes inspirados en lo
arabesco.
El disco contiene tres bonus provenientes de viejas grabaciones del grupo de
actuaciones en vivo y ensayos: aunque el audio es deficiente, su poca
claridad no oculta la energia genuina que Parthenon ya ponia a funcionar
convincentemente desde sus primeros an~os de formado. Tenemos, pues, en Mare
Tenebris, una reivindicacion y un rescate de musica progresiva de gran
nivel. Parthenon ha resucitado por unas cuantas horas para rendir testimonio
de su mas que interesante vision musical, una vision que hasta ahora habia
quedado perdida en los callejones mas reconditos del pasado del rock
venezolano. La gente de Luna Negra y Musea han de gozar de nuestro
agradecimiento melomano por haber facilitado este excelente renacimiento.
Cesar Mendoza
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Oceansize - Everyone into Position (2005)
OCEANSIZE : EVERYONE INTO POSITION (2005)
Discografica: Beggars Banquet
Temas:
1. The Charm Offensive (7:19)
2. Heaven Alive (6:20)
3. A Homage To A Shame (5:52)
4. Meredith (5:26)
5. Music For A Nurse (8:16)
6. New Pin (5:11)
7. No Tomorrow (7:10)
8. Mine Host (4:10)
9. You Cant Keep A Bad Man Down (7:36)
10. Ornament / The Last Wrongs (9:21)
Musicos:
- Mike Vennart / guitar, lead vocals
- Steve Durose / guitar, vocals
- Gambler / guitar
- Jon Ellis / bass guitar
- Mark Heron / drums
Oceansize son la nueva sensacion del progresivo alternativo (etiqueta
que me acabo de inventar, mezcla de rock progresivo y rock alternativo).
Actualmente estan girando como teloneros de Porcupine Tree, lo cual les
esta abriendo muchas puertas, algo logico puesto que el estilo de ambos
grupos es bastante afin.
Respecto a las posibles influencias de Oceansize, en la propia web del
grupo prefieren no hablar de influencias pero si citan a una serie de
bandas por las que tienen un profundo respeto. Son Pink Floyd, Black
Sabbath, Can, Cardiacs, Janes Addiction, Verve, Swervedriver, Beach
Boys y Tortoise, o sea un poco de todo. Eso no significa que escuchando
este trabajo nos vengan a la memoria todos estos grupos, de hecho yo
diria que ninguno de ellos. Oceansize recuerdan principalmente a
Porcupine Tree, Tool, Sigur Ros y Anathema, y tal vez un poco tambien a
Radiohead y Godspeed You! Black Emperor. Si nos imaginamos una mezcla de
todas estas bandas, creo que nos podemos hacer una idea de como suenan
Oceansize.
Pseudoprogresivo y sonido 100% actual es lo que podemos encontrarnos en
este segundo trabajo Everyone into Position. Temas bastante extensos,
entre los 5 y 10 minutos, que van de la contundencia roquera a la
creacion de atmosferas hipnoticas. Incluso el trabajo vocal es
ciertamente bastante atmosferico, como parte integrante de la densa
instrumentacion.
Ahi estan magnificos temas como la agresiva A Homage to a Shame, entre
Tool y Porcupine Tree, la muy cercana a Sigur Ros Music for a Nurse,
la intensa You Cant Keep A Bad Man Down o el final al estilo de los
ultimos Anathema con Ornament. El resto no desmerecen demasiado
confeccionando un album bastante regular.
Fans de Porcupine Tree, Sigur Ros, Tool, Anathema, Muse, Radiohead, etc,
etc, tienen aqui otra nueva banda que, si bien no llega al nivel de
estas, no deberian perderse.
Valoracion: 7.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com)
Diciembre 2005
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Oliver Wakeman - Mother's Ruin (2005)
OLIVER WAKEMAN : MOTHERS RUIN (2005)
Discografica: ProgRock Records
Temas:
1. Don't Come Running (3:45)
2. The Agent (8:36)
3. In the Movies (5:11)
4. Walk Away (4:25)
5. Mother's Ruin (6:11)
6. Calling For You (4:02)
7. If You're Leaving (4:51)
8. I Don't Believe in Angels (4:32)
9. Wall of Water (10:42)
Musicos:
- Oliver Wakeman Piano, Keyboards & Acoustic Guitar
- Moon Kinnaird - Vocals
- David Mark Pearce Guitar
- Tim Buchanan Bass Guitar
- Dave Wagstaffe Drums and Percussion
El hijo mas prodigo de Rick Wakeman tambien tiene su propia banda. El
estilo que practican Oliver y los suyos yo creo que principalmente se
situa dentro del progresivo y hard rock de finales de los 70 y
principios de los 80. Nombres como Saga, Asia, Dio, Marillion, Angel,
Journey, etc, ademas de bandas actuales como Ayreon o Arena, son los que
nos vienen a la cabeza cuando escuchamos este Mothers Ruin.
Ahi estan temas muy directos y pegadizos que mezclan el progresivo y el
hard rock, sin complicaciones estructurales, como Dont Come Running,
Walk Away, Calling for You o I dont Believe in Angels, baladas
sinfonicas mas bien discretas, In the Movies y If youre Leaving y
temas algo mas ambiciosos como Mothers Ruin. Todos correctos sin mas.
Pero lo mejor del disco sin duda son los dos temas mas extensos, The
Agent donde recuerdan a Ayreon y tambien a Arena, y Wall of Water
entre Ayreon y Marillion. Muy buenos temas sin duda, y lo mas progresivo
del album.
Nada del otro mundo, pero un buen album del progresivo mas mainstream,
con un pun~ado canciones con gancho.
Valoracion: 6/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com)
Diciembre 2005
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Novalis 1975
NOVALIS: Novalis (1975)
Temas
1. Sonnengeflecht
2. Wer Schmetterlinge lachen Hört
3. Dronsz
4. Impressionen
5. Es färbte sich die Wiese grün
Integrantes
- Hartwig Biereichel: bateria, percusion
- Detlef Job: guitarras
- Carlo Karges: guitarras, teclados
- Lutz Rahn: teclados
- Heino Schünzel: bajo, voz
Tras un disco debut cantado en ingles, la banda Novalis inicia su
trayectoria germano-hablante con su homonimo segundo disco. Para esta
ocasion ya el cantante original se habia marchado, mientras que dos
guitarristas (uno de ellos haciendo labores extra en teclados adicionales)
operaban como contrapeso para las determinantes cortinas y orquestaciones de
teclado a cargo de Lutz Rahn: de hecho, Rahn se revela como el portador de
la mas autentica esencia del sonido propio del grupo. Con Novalis, este
combo aleman firmaba con efectividad y conviccion su carta de madurez,
afirmando de este modo su propio sello dentro de la escena progresiva de su
pais. Su senda sinfonica resulta ser, en cierto modo, una suerte de
anticipo parcial del sonido que, por aquel entonces, sus compatriotas de
Eloy querian conquistar para si mismos.
El primer tema es un instrumental que contiene un aura bastante entusiasta,
con unos coloridos juguetones elegantemente plasmados en las lineas
melodicas y colchones de sintetizador. Dronz, en cambio, apunta a la
alusion de climas un poco mas opacos y sombrios, aunque nunca llegando a ser
opresivos: la magia sinfonica creada por los teclados y el caracter medido
con que operan los riffs guitarreros y la seccion ritmica mantienen las
cosas en un ambiente bastante sobrio, a fin y al cabo. La majestuosidad
sinfonica exhibe su solemnidad inherente en las restantes tres piezas, que
son tambien las mas largas del disco (durando entre 8 y 9 minutos). Wer
Schmetterlinge lachen Hört e Impressionen contienen una fuerte aureola
academica: la primera tiene una cadencia muy afin a Bach, mientras que la
segunda incluye pasajes de la 5ta. Sinfonia de Anton Bruckner engarzadas
entre las secuencias armonicas basicas creadas por Rahn. Es färbte sich die
Wiese grün cierra el disco con la energia expresiva mas expresiva que
hallamos en el, creando asi un climax adecuado que, a pesar del aumento de
la intensidad, sigue coherentemente el flujo estilistico desarrollado a lo
largo del repertorio integral.
Este disco Novalis tiene un colorido muy peculiar en el departamento de
los teclados debido al hecho de que uno de los dos guitarristas, tal como
mencionamos mas arriba, se encarga tambien de sumar sintetizadores
adicionales en ciertos momentos. Ya en su siguiente disco Sommerabend,
Novalis lograra afinar aun mas sus ideas compositivas y afiatar mejor su
ensamble sonoro, a pesar de que el sonido resulta mas adusto debido a la
partida de Karges... pero ese es asunto a tratar en otro comentario.
Novalis debe ser apreciado principalmente como el punto de inicio de la
etapa de mayor creatividad de esta relevante banda sinfonica germana.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Jose Luis Fernandez Ledesma "Sol Central"
JOSE LUIS FERNANDEZ LEDESMA: Sol Central (2000)
Temas
Sol Central
1. Datura Inoxia
2. Amnesia
3. El Avatar
4. Por los Cuatro Costados
5. La Gran Feria
6. Ciencias Celestes
7. La de los Acertijos
8. Pueblos Perdidos
Jose Luis Fernandez Ledesma: teclados, cuerdas punteadas, manipulacion
sonica, percusiones, kalimba, ocarinas, voz
Con Margarita Botello: voz, efectos vocales, sintetizador, percusiones
Colaboradores: Marcela Albear (oboe en 2 y 4), Alquimia (voz y atmosferas en
6), German Bringas (saxo y trompeta en 6 y 8), Leonardo Patin~o (secuenciador
en 5)
Este disco es asombroso, portador de un misterio desafiante manifestado a
traves de la multivalente maran~a sonora que conforma una paleta sonora tan
solida como diversa, tan inescrutable como impactante. Sol Central es toda
una joya de la musica experimental, y ciertamente revela a Jose Luis
Fernandez Ledesma como un compositor de gran categoria, un visionario del
arte del sonido. Acompan~ado de su habitual compan~era musical Margarita
Botella (quien luce su canto con una genialidad indescriptible) y de otros
colaboradores ocasionales, JLFL perpetro una alucinada confluencia de
efluvios provenientes de las diferentes corrientes del RIO, la fusion, el
progresivo de raigambre ambiental y la musique concrete un trabajo
elogiado por el mismisimo Chris Cutler, dicho sea de paso.
Los primeros 35 ¾ minutos del disco esta conformada por las siete partes de
la suite homonima: Sol Central es todo un paradigma de musicalidad
fastuosa, rica en miriadas de texturas y capas armonicas desafiantemente
disonantes, todas ellas armadas en una armazon que sostiene una arquitectura
cerebral establecida para cada una de las diversas secciones. A la par que
ello, la explosion de emociones y las expresiones viscerales tambien tienen
lugar, a veces con intensidad frontal, otras veces apaciguadas por el flujo
de la introspeccion. Datura Inoxia es un ingenioso cuadro de contrastes
que permite establecer una serie de climax desde el punto de partida.
Amnesia aborda un clima mas reposado a base de la interaccion entre el
oboe y las percusiones etnicas, pero las disonancias de las melodias de base
y las intrincadas polifonias vocales que surgen ocasionalmente ayudan a
crear un aura perturbadora. El Avatar parece remontarnos a la magia de lo
exotico en combinacion con una amalgama orquestada de teclados y
percusiones, estando esta ultima sazonada con desoladores punteos de
guitarra muy a lo Fripp y arrebatadores adornos de sintetizador y vientos.
Por los Cuatro Costados tiene como nucleo una serie de capas de teclado y
efectos que parecen emerger desde una ventana abierta a los territorios del
limbo: la presencia del oboe le da un cariz evocativo al asunto, como
intentando meter un poco de reposo en medio de la inquietud latente. Esta
inquietud sale con frenesi supremo en La Gran Feria, pieza que nos
devuelve la intensidad de la primera seccion pero con un colorido mas
intenso y una actitud de desafio mas arrolladora, siendo asi que la
experimentacion electronica, el RIO y el jazz de vanguardia se funden en un
unico nucleo sonoro. Esta feria evocada por la amalgama instrumental y el
canto mas parece una pieza vanguardista de teatro del absurdo que una
feria propiamente dicha. Ciencias Celestes ahonda en la fusion folklorica
en un clima flotante y envolvente: una vez mas, el dialogo entre los
sintetizadores y las percusiones esta armado de tal manera que los demas
instrumentos y el canto se meten para hallar su propio encuadre. El solo de
trompeta a cargo de Bringas aporta una efectiva aura de tension que reposa
solidamente sobre las atmosferas etereas que en ese momento arman las
solemnes capas de sintetizador. Finalmente, La de los Acertijos retoma la
faceta exotica ya plasmada anteriormente en la tercera seccion, dando un
oportuno cierre a la secuencia global de la suite.
Pueblos Perdidos cierra el disco con una aureola profundamente espiritual
asentada sobre un calido torrente minimalista, lo que nos puede hacer
recordar a la fase mistica de Popol Vuh. De este modo termina Sol Central,
una excelsa joya musical de la vanguardia latinoamericana. Jose Luis
Fernandez Ledesma logra exponer ante el oyente el fulgor de genialidad que
brilla como un fuego inmenso iluminando su ideologia musical.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Popol Vuh "Hosianna Mantra"
POPOL VUH: Hosianna Mantra (1972)
Temas
Hosianna Mantra
1. Ah!
2. Kyrie
3. Hosianna Mantra
Das V. Buch Mose
4. Abschied
5. Segnung
6. Andacht I
7. Nicht hoh im Himmel
8. Andacht II
Integrantes
- Florian Fricke: piano, clavicordio
- Conny Veit: guitarras
- Robert Eliscu: oboe
- Djong Yung: voz
- Klaus Wiese: tambura
- Fritz Sonnleitner: violin
Popol Vuh es, ante todo, Florian Fricke y la gente que en ese momento este
colaborando con el en las concretizaciones de sus ideas musicales de turno.
En este caso, el guitarrista Conny Veit entra para ejercer el rol de socio
eficaz con sus punteos y texturas, mientras que la cantante coreana Djong
Yung hace lo propio a lo largo de los abundantes pasajes intimistas que
inundan este disco. Se trata del tercer trabajo de Popol Vuh, y el primero
en el cual Fricke abandona cualquier teclado electrico para concentrarse en
los sonidos cristalinos del piano, y ocasionalmente, del clavicordio.
Despues de haber explorado con fruicion entusiasta los recovecos mas etereos
del Moog (incluso participando como colaborador muy especial en los viajes
minimalistas de Zeit, una joya crucial dentro de la historia de Tangerine
Dream), ahora Fricke prefiere crear paisajes y lineas melodicas basicas en
el piano de cola, dejando que la guitarra y la voz salgan al frente la mayor
parte del tiempo (cuando no lo hacen el oboe o el violin, de forma
ocasional). La presencia de la exotica tambura permite mantener un correlato
con el concepto mistico del repertorio, un concepto que nos remite al
misterio y la distancia de algo lejano que nuestra mente debe hallar con la
inversion de un especial esfuerzo.
Situandose muy lejos del usual gusto por la tension y la psicodelia
explosiva de otras bandas krautrock, Fricke decide explorar con Popol Vuh el
lado mas introspectivo de la musica, siguiendo por los senderos de lo
mistico. Ah! abre el disco y la seccion Hossiana Mantra con unos
flotantes acordes de piano que crean los colores principales sobre un tapiz
de texturas de guitarra y tambura. En Kyrie la guitarra, el oboe y el
canto de la soprano Djong Yung asumen un rol mas destacado, aunque siempre
el piano ocupa un lugar central dentro del ensamble: de todos modos, los
punteos que emite Veit proporcionan una vibracion de inspiracion bluesera
que, de una forma magica, encajan muy bien dentro del entramado minimalista
que se da en esta pieza. El tema mas extenso es el que titula al disco. En
sus 10 minutos de extension se concentran varios de los momentos mas
patentemente etereos del disco, teniendo una vez mas a Veit como un
co-protagonista de alta categoria. Esta pieza incluye una secuencia de
motivos diversos en los cuales a veces encontramos a la voz ejerciendo un
rol de efectiva contraparte a los punteos de guitarra. El ultimo minuto y
medio instaura un repentino momento de reposo.
La seccion Das V. Buch Mose comienza con una bucolica Abschied y
continua inmediatamente con una mas eterea Segnung, la cual incluye
algunos pasajes con un tono evidentemente celebratorio en el medio. Lo
etereo es reiterado e incluso reforzado en la secuencia de los tres ultimos
temas. Con esta conclusion, Hosianna Mantra adquiere un aura de
completitud e impecable cohesion a traves de su viaje espiritual hecho
sonido. Este trabajo es realmente muy bello: aquellos que aprecien la faceta
mas texturial e introspectiva de la musica progresiva y/o experimental
hallaran en este disco una autentica gema preciosa, aparte de un anticipo
genuino al esplendor del siguiente trabajo Seligspreisung.
Cesar Mendoza
[Dedico esta resen~a a Juan Barrenechea, mi guia a traves del mundo de
Popol Vuh]
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Mats/Morgan Band - Thanks for Flying with us (2005)
MATS/MORGAN BAND : THANKS FOR FLYING WITH US (2005)
Discografica: Cuneiform
Temas:
1. Sinus
2. Thanks For Flying With Us
3. Adat Dropouts I Love You
4. Not Us
5. Jr's Tati-Car
6. La Baratte
7. Softma
8. Wounded Bird
9. Proppeller Hast
10. Allan In The Rain
11. Wenjie
12. Please Remain Seated
13. (bonus track) Coco
14. (bonus track) Live Neef
15. (bonus track) Alive In Enskede
16. (bonus track) Ivan
Musicos:
- Mats Öberg - keyboards, harmonica, vocal
- Morgan Agren drums, keyboards, programming
- Jimmy Agren guitar, bass
- Tommy Tordsson - bass
- Robert Elovsson keyboards, clarinet, voice
Este quinteto se formo en Suecia hace ya bastantes an~os, tanto que este
es ya su septimo trabajo editado. Liderados por Mats Oberg (teclados),
ciego de nacimiento, y Morgan Agren (bateria), el estilo que practican
se acerca mas al jazz que al rock, en lo que podriamos calificar una
banda jazz con estructuras de rock progresivo.
Personalmente me parecen una banda de prog-fusion al estilo Happy the
Man, con tambien algunas semejanzas al jazz-fusion, Frank Zappa y al
Canterbury sound, o sea la mayor parte de estilos que fusionan jazz y
rock. En cuanto a las influencias confesas, parece que van desde Zappa
(con quien incluso llegaron a tocar) a Miles Davis, pasando por
Mahavishnu Orchestra, Stevie Wonder o Return to Forever.
En cada uno de los temas tanto Mats como Morgan se convierten en los
principales heroes instrumentales, haciendo gala de su virtuosismo con
sus instrumentos. No por ello significando que el resto de musicos no
este a la altura en absoluto. Sobretodo los teclados, principales
elementos solistas, juegan un papel decisivo en la creacion de ritmos,
con los tres musicos que tocan teclas, principalmente Mats,
confeccionando extran~os y originales sonidos.
El repertorio va desde piezas puramente jazz (Sinus), temas cercanos
al prog-fusion (Adat Dropouts I Love You, Softma, Propeller Hast),
pasando por extran~as y asperas composiciones donde mezclan de todo
(Thanks for Flying with us, Not us, La Baratte, Wounded Bird).
Seguramente no soy la persona mas indicada para valorar este tipo de
discos, pero Thanks for Flying with us me gusta basntante y no tengo
dudas en que Mats/Morgan Band son buenos en su original estilo
jazz-rock.
Valoracion: 7/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com)
Diciembre 2005
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Sleepytime Gorilla Museum - Of Natural History (2004)
SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM : OF NATURAL HISTORY(2004)
Discografica: Mimicry Records
Temas:
1. A Hymn to the Morning Star (5:40)
2. The Donkey-Headed Adversary of Humanity Opens the Discussion (6:01)
3. Phthisis (3:44)
4. Bring Back the Apocalypse (4:10)
5. FC: The Freedom Club (10:48)
6. Gunday's Child (6:56)
7. The 17-Year Cicada (3:41)
8. The Creature (6:00)
9. What Shall We Do Without Us? (2:38)
10. Babydoctor (13:59)
11. Cockroach (2:12)
12. Bonus-/Hiddentrack (5:56)
Musicos:
- Nils Frykdahl / guitars, flute, voice
- Matthias Bossi / drums, glockenspiel, xylophone, voice
- Dan Rathbun / bass, log, roach, trombone, lute, voice
- Moe! Staiano / metal, wood, bowed spatula, glockenspiel, spring, paper
- Carla Kihlstedt / violins, percussion guitar, autoharp, organ, voice
- Frank Grau / drums, melodica
Sorprendente, espectacular e indescriptible este estrambotico grupo
americano. Sleepytime Gorilla Museum son sin duda una de las propuestas
mas originales y asombrosas de los ultimos an~os dentro de los sonidos
progresivos y afines.
Mezclan todo tipo de influencias pero al mismo tiempo resulta complicado
diseccionar su musica e identificar todas y cada una de ellas, puesto
que Sleepytime Gorilla Museum son ante todo, una banda compacta y con
universo propio. Las principales referencias que encontramos en su
musica, al menos para hacernos una idea, podrian ser Mr. Bungle y King
Crimson, aunque probablemente muchas mas cosas, quizas Frank Zappa,
Bjork, The Tubes, algo de avant-garde y metal o incluso algunas voces al
estilo Sepultura.
Resulta toda una experiencia adentrarse en los surcos de este segundo
trabajo de los de San Francisco, Of Natural History. Musica compleja y
tremendamente eclectica, tanto como Mr. Bungle, que puede ir desde
estilos extremos como el RIO o el metal extremo, hasta el pop
sofisticado o la delicadeza folk. Intensidad a raudales,
improvisaciones, cambios de ritmo, suciedad instrumental, caos sonoro,
texturas sinfonicas, metralleos de riffs metalalicos, voces de todo
tipo, desde femeninas angelicales hasta satanicas. Hasta nos parece
estar escuchando al mismisimo Peter Hammill en los temas Babydoctor y
Cockroach.
Ahi estan piezas que parecen productos de mentes esquizofrenicas, tan
increibles como The Donkey-Headed Adversary of Humanity Opens the
Discussion, FC: The Freedom Club, Gunday's Child, The Creature o
Babydoctor.
Sleepytime Gorilla Museum, una banda que rompe el molde por su propuesta
unica y extremadamente original, aunque no digerible para todos los
publicos. Esperaremos ansiosos a su proximo trabajo.
Valoracion: 8.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com)
Diciembre 2005
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Autor: "Roberto I. Quesada" <saytra@racsa.co.cr>
Asunto: Goblin - Roller (1976)
Goblin : "Roller" (1976)
Goblin es una banda italiana mayormente conocida por musicalizar algunos
filmes del director de giallo-terror italiano Dario Argento ("Profondo
Rosso", "Suspiria", "Tenebre") y estuvieron ligados tambien al genio de los
zombies George Romero ("Dawn of the Dead", "Martin").
Antes de ser conocidos como los maestros de musica incidental "argentiana",
circa 1974 Claudio Simonetti, Massimo Morante y Fabio Pignatelli forman
Cherry Five, banda con un estilo donde se percibe la influencia de grupos
como Genesis o Yes y algunos matices de jazz fusion (muy buen disco editaron
por cierto!), mas adelante cambian su nombre a Goblin por sugerencia de su
sello disquero y del propio Argento, quien les dijo que su nombre debia ir
mas acorde al tipo de cinta que iba a dirigir en aquel momento, claro, "Rojo
Profundo" (75), quien haya visto la pelicula de seguro se acordara de la
melodia siniestra con clara influencia de Mike Oldfield. Para esta formacion
entran Mauricio Guarini (teclados) y Agostino Marangolo (bateria).
En 1976 graban su primer album en estudio-uno de los pocos que
grabaran-llamado "Roller" que es considerado por muchos como su obra maestra
y es bastante dificil de conseguir, no es para menos considerando que se
trata de su primer album en no ser banda sonora. Este album se encuentra en
medio de las dos "colonne sonore" mas conocidas del grupo y en donde impera
cierto sinfonismo con toques "dark", lineas melodicas algo pastorales y de
cierta escencia Folk, asi como bloques siniestros y escalas descendentes en
algunos pasajes musicales, un disco totalmente progresivo sinfonico!
Encontramos piezas de gran calibre como la que da titulo al disco con un
organo salido de ultratumba y en la que se plasma cierto aire a secuencia de
persecucion; los temas pastorales y mas tranquilos como "aquaman" con un
soberbio fraseo de guitarra, piano electrico y un mini-moog parpadenate o el
"risveglio del serpente" donde se notan cadencias a lo Genesis; o bien, la
mejor pieza del disco, "Goblin" donde el grupo saca lo mejor de si y nos
regala una pirotecnia de sonidos que van desde ligeros movimientos musicales
con el fabuloso sonido del Elka y el Logan [sintes de la epoca] de Simonetti
hasta ciertos aires puramente rockeros de instinto jazzero.
Personnel:
- Maurizio Guarini: Piano Fender Rhodes, Honer Pianet, Moog, Clarino, Piano
- Agostino Marangolo: Batteria & Percussioni
- Massimo Morante: Chittarra Elettrica, Chitarra Acustica
- Fabio Pignatelli: Basso Elettrico, Ripper
- Claudio Simonetti: Honer Clavinet, Logan e Elka "Tastiera Violini",
Organo, Piano, Minimoog
Tracks:
1. Roller (4:38)
2. Aquaman (5:22)
3. Snip snap (3:37)
4. Il Risveglio del Serpente (The snake awakens) (3:27)
5. Goblin (11:10)
6. Dr. Frankenstein (6:00)
Disco recomendable para el que quiera conocer la "otra faceta" de un grupo
que ha sabido hacer buenas bandas sonoras para filmes de terror.
Saludos;
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Roberto I. Quesada
SJ, Costa Rica
mail: saytra@racsa.co.cr
blog: http://ideasmecanicas.blogspot.com/
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: David Gilmour "On An Island" marzo 2006
Hola
David Gilmour guitarrista de Pink Floyd, para celebrar su 60 aniversario
(Feliz Cumplean~os) el 6 de Marzo del 2006 editara con EMI Records su trabajo
en solitario titulado "On An Island".
David empezara una gira por Europa y America durante los meses de Marzo,
Abril y Mayo 2006
"On An Island" esta producida por David, Chris Thomas y Phil Manzanera.
Las orquestaciones estan realizadas por el renombrado compositor Zbigniew
Preisner y se ha grabado en los estudios Abbey Road de Londres.
D. Gilmour cuenta en este album con la participacion de David Crosby y
Graham Nash, Richard Wright, Robert Wyatt, Jools Holland, y Guy Pratt
Fuente: http://www.brain-damage.co.uk/news/0511301.html
Salu2
Juan
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Index "Identidade"
INDEX: Identidade (2005)
Temas
1. Vulcano
2. Maximus
Suite Angelus
3. Opus 1: Marina
4. Opus 2: Eduardo
5. Coracoes do Mundo: Intro
6. Fogos de Santelmo
7. Coracoes do Mundo [ I- Pulse II- Alazeias III- Miles from Ana Rech ]
8. Index II [ I- Intro II- Galileu e o Dilema III- Identidade IV- Gran
Finale ]
Integrantes
- Jones Junior: guitarras electricas y acusticas, flauta
- Otaviano Kury: organo, piano, sintetizadores
- Ronaldo Schenato: bajo
- Leonardo Reis: bateria, percusion
Con su cuarto trabajo Identidade, la gente de Index ha hecho uno de los
aportes mas bellos del rock sinfonico sudamericano para este an~o 2005
apoyado sobre los permanentes dialogos y compenetraciones entre el
guitarrista Jones Junior (ex-Quaterna Requiem) y el teclista Octaviano Kury,
el sonido global de Index bebe principalmente de las influencias de Camel y
sus compatriotas de Quantum, con algo de la fastuosidad de ELP, pero
basicamente el grupo suele cuidarse mucho de recurrir a la sobreexposicion
de las ideas melodicas. En este aspecto, el sonido de la banda se aproxima
mas a Dogma que a Quaterna Requiem, por poner dos referentes del mismo
Brasil.
Vulcano da inicio al disco con un despliegue de prototipico esplendor
progresivo: el gancho de las lineas melodicas basicas esta muy bien
articulado sobre el entusiasta compas de 5/4 que atraviesa todo el tema.
Luego viene el emotivo Maximus, el cual comienza con un envolvente
preludio de flauta sobre capas de sintetizador hasta llegar al excelente
motivo central. La bipartita Suite Angelus permite al grupo explorar la
senda del jazz fusion dentro de su propia amalgama sinfonica: la
maleabilidad estilistica de Index esta firmemente asentada sobre la
solvencia tecnica de los elementos individuales y la manera en que estos
conjugan sus quehaceres a la hora de concretizar las ideas melodicas
generales y explorar las sugerencias que van surgiendo en el camino. En
varias ocasiones, Kury asume un rol protagonico crucial a la hora de
integrar elementos barrocos sacros (a lo Haendel) al organo dentro de la
partitura, haciendo que sus compan~eros participen del momentum con
sensibilidad y buen gusto ello se hace notar de forma especial en la
segunda parte, titulada Eduardo. Ciertamente, es a partir de esta suite
donde el disco alcanza un pico que no abandonara jamas. La secuencia de los
temas 5-7 y la suite de cierre, Index II, siguen explotando la veta
ambiciosa iniciada en Suite Angelus. La Intro de Coracoes do Mundo es
una breve delicia barroca seguida por la mas bombastica Fogos de Santelmo,
donde, una vez mas, lo jazzero es empleado como un ingrediente saltante
dentro de este festin progresivo. Esta faena especifica se redondea con
indudable eficacia en Coracoes do Mundo, la cual sigue fiel a la onda de
la pieza inmediatamente anterior a la vez que conserva fielmente el nucleo
establecido por el motif principal. Finalmente, Index II expone un broche
de oro esplendoroso.
Identidade es un disco lleno de genuina hermosura y envolvente ingenio:
Index logra, con este disco, aportar un valioso grano de arena en la ardua
labor de agregar frescura a la tradicion progresiva sinfonica en los tiempos
actuales.
Cesar Mendoza
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Autor: "Benitez Baena Alberto" <abenitez@infonavit.org.mx>
Asunto: Recalificaciones
Saludos a todos los cajeros del mundo:
Jorney To The Centre Of The Earth, Atom Heart Mother y Final Cut en una lista
de bodrios ! ! !.
Jamas me lo habia imaginado !!!, pero en fin, cada cabeza es un mundo.
Opiniones muy respetables, pero que no comparto.
En mi opinion yo les pongo calificacion muy diferentes (de 1 a 10):
ATOM HEART MOTHER: 11 de calificacion, es decir es una OBRA MAESTRA. Ya en
plenos 70s, AHM estaba a an~os luz de muchos grupos. Bueno, en mi opinion AHM
sigue estando a an~os luz de muchos.
JORNEY TO THE CENTRE OF THE EARTH: 9 de calificacion, es decir es buenisimo,
sin llegar a ser una Obra Maestra.
FINAL CUT: 8 de calificacion, es decir, ES BUENO sin ser EXTRAORDINARO
Saludos GGentiles desde Mexico, DF
Alberto Benitez Baena
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