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La caja de musica Number 0692
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #692 diciembre 2005 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Theremin, An Electronic Odyssey
* Azteca - Azteca (1972)
* Manning - One Small Step... (2005)
* algunas impresiones sobre la Clinica de Billy Sheehan
* Salutaciones Decembrinas
* Nuova Idea "Clowns"
* ZAO "Kawana"
* el 3ro. de SUPERSISTER
* Algo mas sobre Wobbler
* regalo de navidad para la lista... 2-3 CDs gratis
* Pendragon "Believe" 2005
* MUGEN_ The_Princess_of_Kingdom_Gone
* valoraciones si o no?
* mis favoritos del 2005 [lista ampliada y definitiva]
* RD Laing
* Nuva obra audio visual
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Autor: Alberto_Albas <ALBERTOALBAS@terra.es>
Asunto: Theremin, An Electronic Odyssey
Hola Amigos cajeros,
He tenido la ocasion de ver el documental 'Theremin: An Electronic
Odyssey', que narra la vida y milagros de Leon Theremin, el inventor de
este peculiar instrumento. Para los no iniciados, recordar que un
Theremin es un instrumento musical que se toca sin contactar con el,
mas concretamente moviendo las dos manos alrededor de dos antenas, una
de las cuales controla el volumen del sonido y la otra el tono.
Recientemente este instrumento esta siendo utilizando por grupos como
Radiohead, Mercury Rev, Stereolab, Monster Magnet, y un largo etcetera
que incluye grupos progresivos como Spock's Beard o Djam Karett. Un
famoso 'Thereminista' es Jean Michel Jarre que lo solia tocar en sus
multitudinarios conciertos de los 80-90 y en los 70 Led Zeppelin entre
muchos otros lo utilizaban en el escenario.
Recomiendo efusivamente este documental (puede conseguirse el DVD por
internet), especialmente a aficionados a los primitivos instrumentos
electronicos.
Hay una historia humana detras de la invencion, que este documental
revela y que resulta asombrosa. Resulta que en los anos 20 en la union
sovietica el instrumento toma fama y las autoridades de su pais le
dan permiso para promocionarlo internacionalmente, pero Theremin se
queda a vivir en los USA, donde cobra una enorme popularidad.
Llegados los anos 40 las autoridades sovieticas envian a agentes del
KGB en una increible operacion que aun es informacion
clasificada, para raptar a Leon Theremin de su oficina en el mismo
centro de New York y llevarlo de vuelta a la union sovietica. Una
vez alli Leon se ve obligado a trabajar durante decadas en
actividades de espionaje, aplicando sus conocimientos electronicos que
por ejemplo le habian llevado a construir un prototipo de television
en color. En concreto Leon se ve obligado a desarrollar un aparato para
poder limpiar de ruido las cintas con grabaciones de espionaje durante
la epoca de la guerra fria.
El documental tambien habla de algunos de los musicos de rock que
lo han utilizado (aparecen por ejemplo Brian Wilson de los Beach Boys) y
tambien aparece bastante Robert Moog, que como es sabido, antes de
construir su propio sintetizador empezo su carrera construyendo
Theremines. Tambien se comenta su uso en el cine de terror y ciencia
ficcion de los anos 50-60, donde se utilizo para crear ambientes
inquietantes y tenebrosos.
Tambien se muestran otros instrumentos desarrollados por Leon como un
particular Theremin que era tocado por el cuerpo de una bailarina (al
bailar se generaban las notas musicales dependiendo de los movimientos
corporales) o un cello electronico de aspecto bastante peculiar.
Tambien es resen~able el retrato humano de los personajes que aparecen.
Realmente uno de los mejores documentales relacionados con la musica
que he tenido ocasion de ver.
Saludos,
Alberto Albas.
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Autor: <saluedu@hotmail.com>
Asunto: Azteca - Azteca (1972)
AZTECA : "AZTECA" (1972)
01. - La piedra del sol (01:13)
02. - Mamita linda (03:43)
03. - Ain't got no special woman (05:58)
04. - Empty prophet (05:22)
05. - Can't take the funk out of me (04:26)
06. - Peace everybody (04:34)
07. - Non pacem (06:40)
08. - Ah! Ah! (03:24)
09. - Love not then (05:01)
10. - Azteca (04:38)
11. - Theme: La piedra del sol (01:53)
MUSICOS:
- PETE ESCOVEDO: Vocals
- COKE ESCOVEDO: Timbales
- VICTOR PANTOJA: Conga drums, vocals
- GEORGE MORIBUS: Electric piano
- FLIP NUN~EZ: Organ
- GEORGE DeQUATTRO: Piano, clavinet
- PAUL JACKSON: Bass, vocals
- LENNY WHITE: Drums, vocals
- JIM VINCENT: Guitar
- NEAL SCHON: Guitar (3,5,6)
- JULES ROWELL: Valve trombone
- TOM HARRELL: Trumpet
- BOB FERREIRA: Piccolo, tenor sax
- MEL MARTIN: Saxophones, flute, piccolo
- ERROL KNOWLES: Vocals
- WENDY HAAS: Vocals
- RICO REYES: Vocals
COMPOSITORES:
- TOM HARRELL & LENNY WHITE (1,11)
- JIM VINCENT & TOM DONLINGER (2)
- RICO REYES, MARK PEARSONS, TOM HARRELL (3)
- JIM VINCENT & RICK CANOFF (4)
- PAUL JACKSON (5)
- GEORGE DeQUATTRO & PETE ESCOVEDO (6)
- FLIP NUN~EZ (7 & 9)
- TITO PUENTE & PETE ESCOVEDO (8)
- AL BENT (10).
Azteca es una agrupacion de rock con notables influencias de la musica
latina y de la carga solistica del jazz, aderezado con la estetica
underground del movimiento post-psicodelico y acido americano, junto con
algunos toques del folklore local. La influencia mas directa es la de grupos
como Santana o El Chicano, bandas en donde conviven musicos mexicanos,
cubanos y de EEUU proporcionando una singular mezcla musical. En este caso,
Azteca esta capitaneada por Pete y Coke Escovedo (este ultimo ya fallecido),
dos importantes nombres de la mixtura de lo latino con otras musicas
urbanas, como ya lo mostraron en su agrupacion de fines de los 60s Escovedo
Brothers Latin Jazz Sextet, junto con su hermano Phil al bajo. Coke Escovedo
participaria en albumes de Santana tan importantes como su primer trabajo
homonimo (1969), "Santana III" (1971) o el "Live" con Buddy Miles, ademas de
trabajar con otros autores de la talla de It's a Beautiful Day, Boz Scaggs o
Herbie Hancock; Pete, por su parte, tambien reforzaria los shows en directo
de Santana, participando en albumes como el "Moonflower" (1977) o "Inner
secrets" (1978), y junto a otras grandes figuras del jazz como Billy Cobham,
Carl Tjader, Tito Puente, Herbie Hancock o Mongo Santamaria. El resto de
musicos participantes tambien serian de gran relevancia, como Paul Jackson
(futuro integrante de los Headhunters de Herbie Hancock), Lenny White
(miembro de la banda de jazz fusion Return To Forever) o Neal Schon (futuro
miembro fundador de la banda de rock Journey). Basicamente la banda
establece un nexo directo con Santana, por donde pasan en algun momento
practicamente todos los integrantes de Azteca.
El grupo saco dos discos en los 70: "Azteca" de 1972 y "Pyramid of the
moon" de 1973, con el paso de nuevos musicos como el reputado pianista de
jazz Mike Nock o el entonces jovencito Terry Bozzio (quien no llegaria a
grabar con ellos). Poco despues la banda se separa volviendo a reunirse en
1994 de la mano de Paris Escovedo (hijo de Coke) para dar algunos
conciertos, aunque finalmente los musicos se disgregarian para realizar
otros proyectos, como por ejemplo Nation of Aztlan (basado en las
investigaciones sonoras de este tipo de agrupaciones que gustan de la fusion
con lo latino), quienes entraron a principios de ano a trabajar en una
grabacion de estudio, capitaneados por Victor Pantoja.
El primer disco de Azteca presenta un coctel de diversas esteticas
musicales, como las bandas de rock acido con influencia del jazz latino
(Santana, Sapo), el funk (Earth, Wind & Fire, Banda Black Rio, Grandmaster
Flash & The Furious Five), los grupos de jazz soul con desarrolladas lineas
de metales (Blood, Sweat & Tears, Tower of Power o los espanoles Alcatraz) y
las improvisaciones del mundo jazzistico (sobre todo de las fusiones del
jazz-rock a partir de Miles Davis). Sus elementos mas caractersticos son la
importante preponderancia de los arreglos percusivos (sobre todo congas,
claves y timbales) en consonancia con las texturas de los vientos, la
alternancia de lenguas inglesa-hispana y la alta potencia ritmica del bajo y
la bateria. Vamos a ver con mas profundidad este trabajo:
El album se abre y se cierra con dos piezas instrumentales que contienen
un mismo motivo, lo que le da una cierta coherencia musical. No en vano,
estas piezas reciben el nombre de "La piedra del sol", que hace alusion a un
monumento de la cultura azteca que se piensa que puede ser una especie de
calendario solar, lo cual conforma aun mejor esa idea de apertura y cierre
del disco (como el ciclo ritual anual que empieza y acaba). Este monumento
conforma la portada del disco (transformado con una vision mas colorista,
propia tambien del tipo de portadas de Mati Klarwein que tanto pegaban
-autor de algunas de Santana o Miles Davis periodo electrico- y con la
incorporacion de elementos musicales en los circulos cronologicos de la
piedra).
- Muchos de los temas del album beben del soul mas electrico aderezado con
solos jazzisticos (muy similar a la formula del magnifico primer album de
Blood, Sweat & Tears, "Child is father to the man" de 1968 -aunque sin ese
toque beatlesco en las ideas-), con fuerte presencia del organo Hammond,
guitarra bluesera, voz penetrante y conjunto de metales en buena
armonizacion. Es el caso de temas como "Empty prophet" (cantado por Erroll
Knowles), el cual presenta un buen desarrollo melodico por parte de todos
los instrumentos y una consistente textura conformada por arreglos
orquestales, que demuestra que esta gente no era ajena tampoco a lo que
hacian agrupaciones como Procol Harum o The Moody Blues, o "Love not then"
(cantado por Wendy Haas).
- La influencia del funk estuvo muy presente en los grupos americanos de
los anos 70s que contaban con seccion de metales (teniendo como referentes,
entre otros, a Sly & The Family Stone). Se puede comprobar en piezas como
"Ain't got no special woman", cantado por Rico Reyes y con una consistente
potencia ritmica aderezada por unos licks guitarristicos con mucho feeling,
potentes solos de Hammond y de guitarra electrica (cortesia de Neal Schon)
que nos retrotrae al ambito de Santana, junto con un potente cambio en la
segunda mitad del tema en donde la descarga latina se hace patente (con las
congas, las palmas y los canticos perfectamente entrelazados); tambien es el
caso de "Can't take the funk out of me", con la voz desgarrada de Paul
Jackson e influencias del James Brown mas salvaje.
- La huella de Santana es imborrable tambien en la mayoria de los temas,
en donde los elementos latinos se superponen a las estructuras rockeras o
jazzisticas. Es el caso de "Mamita linda" y su potente inicio instrumental a
cargo de las percusiones, los metales, y el hammond, sobre una progresion
dinamica del bajo. Las partes vocales recuerdan mucho al primer periodo de
Santana (intercalando frases en castellano y en ingles); "Non pacem"
presenta influencias del tropicalismo en algunos pasajes de algunas
agrupaciones brasilenas (Os Brazöes o los primeros albumes de Flora Purim, a
lo que recuerda la voz de Wendy Haas en algunos pasajes). Este tema es el
mas largo del disco y presenta bastantes cambios de tempo (alternando
pasajes jazzeros, funk, brasilenos o cubanos); precisamente de Cuba nos
llega el tema "Ah! Ah!", a partir de la repeticion de una melodia casi a
modo de tumbao sobre el que se va construyendo el son (con una base
construida de congas, guiro, bajo, bateria y piano) que tiene un inquietante
desenlace atmosferico.
- Los arreglos en clave de jazz fusion tambien se muestran a lo largo de
toda la obra, corriente cuyo tipo de arreglos poco a poco se estaria
extendiendo a varios estilos durante la decada de los 70. Es el caso, por
ejemplo, de "Azteca" un tema instrumental con muy buen desarrollo y cambios
de tempo, con gran trabajo de la seccion de metales y de las percusiones,
sobre las que se suceden diversos solos; "Peace everybody" cuenta con una
muy potente introduccion ritmica (que me recuerda irremediablemente al
principio de Race with devil on spanish highway, del segundo album de Al di
Meola -"Elegant Gypsy" de 1976), para luego adentrarse en terrenos mas funk
con interludios jazzisticos.
El presente album es muy recomendable para seguidores de la fusion y del
jazz rock de los anos 70s, particularmente a los que gustan de las alquimias
llevadas a cabo por Santana y musicos similares. Tambien se pueden encontrar
ciertas atmosferas etereas derivadas de los trabajos de Miles Davis de 1969
("In a silent way" o "Bitches Brew"), que despues el propio Santana
prodigaria en trabajos como "Caravanserai" (1972) o "Borboletta" (1974) con
un mayor refinamiento compositivo.
Un saludo a todos los cajeros y cajeras.
Eduardo Garcia Saluena
Edu "Senogul"
www.senogul.tk
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Manning - One Small Step... (2005)
MANNING : ONE SMALL STEP... (2005)
Discografica: ProgRock Records
Temas:
1. In Swingtime
2. Night Voices
3. No Hiding Place
4. The Mexico Line
5. One Small Step (Part I - Star Gazing)
6. One Small Step (Part II - For Example)
7. One Small Step (Part III - At The End Of My Rope)
8. One Small Step (Part IV - Man Of God)
9. One Small Step (Part V - A Blink Of The Eye)
10. One Small Step (Part VI - God Of Man)
11. One Small Step (Part VII - Black & Blue)
12. One Small Step (Part VIII - Upon Returning)
Musicos:
- Guy Manning / vocals, keyboards, acoustic 6/12 & classical guitars,
electric guitar, mandolin, bass, drums & percussion, kitchen sink
Musicos invitados:
- Laura Fowles / saxes, vocals
- Gareth Harwood / electric lead guitars
- Ian Fairbairn / fiddle
- Rick Ashton / additional / bass, backing vocals
- Martin Orford / flute (5 & PARTS I-VIII)
Desde su inclusion en el, en un principio, proyecto The Tangent (ahora
ya convertido en el grupo propio de Andy Tillison, que no parece tener
mucho interes en recuperar de nuevo a Parallel or 90 Degrees), Guy
Manning goza de la popularidad que siempre se le resistio antan~o.
Manning, como buen miembro de Parallel or 90 Degrees (a los que abandono
prematuramente para formar esta su propia banda), bebe principalmente de
las fuentes de Van der Graaf Generator y Pink Floyd, exactamente como su
amigo Andy Tillison. Y asi es como podia apreciarse en anteriores
albumes como Ragged Curtain. En este nuevo trabajo One Small
Step..., cambia ligeramente el registro, si bien no en el fondo, si en
la forma de expresarse. Debo reconocer, no obstante, que no he podido
escuchar los dos anteriores albumes de Manning.
One Small Step... de alguna forma se mueve por los derroteros del folk
progresivo y los cantautores oscuros, tal vez inspirandose en el propio
Peter Hammill, pero a menudo tambien nos parece recordar a gente como
Jethro Tull, Al Stewart, Steely Dan, Nick Drake o Strawbs.
Musica con base acustica, en la que no obstante no falta una larga suite
de 31 minutos dividida en ocho partes, que da titulo al album. Algo asi
como un cruce entre Jethro Tull y The Waterboys, la suite tiene una
buena base, pero creo que se hace algo repetitiva al menos en sus
primeros 20 minutos. La parte final se orienta hacia el sonido Pink
Floyd, un cambio que refresca el tema y lo hace mejorar.
Lo mejor del disco tal vez este en los primeros temas, todos ellos mucho
menos ambiciosos que la suite. Ahi esta In Swingtime, un tema pop-jazz
acustico estilo Steely Dan o Chris Rea con sus buenos arreglos de
cuerda, No Hiding Place que parece un tema perdido del protoprog de
los primeros 70 o la folkie The Mexico Line. A mas bajo nivel raya
Night Voices, un tema simple con un estribillo demasiado previsible.
Buen trabajo por parte de Guy Manning, destacando unos muy buenos
arreglos y sonido, en el que vuelve a demostrar que fuera de The Tangent
sabe valerse por si solo.
Valoracion: 6/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com)
Diciembre 2005
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: algunas impresiones sobre la Clinica de Billy Sheehan
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CESAR MENDOZA.
El dia jueves 8 del presente diciembre la ciudad de Lima acogio al excelente
bajista norteamericano Billy Sheehan en una clinica sobre su instrumento,
auspiciada por Yamaha - el evento tuvo lugar en el Centr ode Convenciones
del Hotel maria Angola.
El evento congrego a una enorme cantidad de gente entre los 17 y 25 an~os de
edad, quienes aparentemente eran conocedores del rock duro de las dos
decadas pasadas, especialmente Steve Vai y Mr. Big. Comenzo cerca de las
6.30 de la tarde.
La clinica siguio la dinamica conversacional, con un ameno Sheehan bien
dispuesto a recibir preguntas de parte del publico y responder las mismas
con ejemplos sonoros que el creaba en su bajo Attitude, disen~ado por Yamaha
bajo su consejo tutelar. Hubo preguntas de todo tipo, desde las mas
especificas respecto a tecnicas y trucos hasta otras mas cliche (p.e. ?que
consejo darias a los grupos para que puedan mantenerse unidos?). Sheehan se
esmero de forma muy didactica por exponer cual es su aproximacion personal
al slapping, los juegos de arpegios y otras tecnicas de bajo. Dentro de su
discurso manejo la nocion de que hay que distinguir claramente entre ensayar
y tocar: lo primero es un adiestramiento para ayudar a las manos y dedos a
operar de manera mecanica respecto al cultivo de ciertas destrezas con
fluidez y velocidad, mientras que lo segundo es, ante todo, una celebracion
y diversion. Con ello, quiso decir que tocar bien no significa
necesariamente hacer piruetas y adornos todo el tiempo.
Otra idea importante para el era la de reafirmar la posicion de bajista como
parte complementaria del baterista a fin de que un grupo entero pueda sonar
solido y con una base precisa las parafernalias pirotecnicas deben quedar
en un luga adicional, algo asi como cosas que salen a relucir cuando la
ocasion lo amerita. El conto que en su primer grupo, Talas, dado que tenia
el formato de guitarra-bajo-bateria, y que comenzaron haciendo covers
durante sus primeros an~os, el tenia que fungir de guitarrista ritmico o
reemplazar los solos de teclado con su bajo a fin de cumplir con las
demandas basicas de los temas de otros grupos. Esa fue la base inicial para
aprender a expandir el rol usual del bajista dentro de su propia trayectoria
musical: el nos sen~alo que su peculiar rigor tecnico era mas un complemento
para los estandares del bajista que una alternativa a los mismos. Siempre
hay que volver a lo aasico, lo sencillo, aprender a tocar lo sencillo por
10, 15, 20 minutos sin perder el compas.
Sheehan tambien puso enfasis en sus desconocimientos sobre teoria musical:
el considera prescindible la teoria musical a la hora de crear ideas
musicales propias, las cuales, segun el, es preferible que sean trabajadas
de forma intuitiva. Al tener en cuenta esta idea expuesta por el, junto a la
reafirmacion de la necesidad de mantener una comunion integral entre el bajo
y la bateria, yo formule una pregunta sobre cuales trucos y tecnicas fueron
particularmente relevantes para el material de Niacin. Poco antes, el habia
designado al baterista Dennis Chambers como un musico muy rapido, capaz de
mantener un ritmo de trabajo muy veloz de manera muy pareja. Ante mi
pregunta, volvio a mencionarlo en relacion con lo que significa mantener un
vinculo estrecho con el baterista, pero aparentemente, el apremio del tiempo
[mi pregunta era la ultima] no le permitio ir mas alla de nombrarlo como el
mejor musico con el cual haya trabajado jamas, un musico que lo llevo a
transformar su estilo de forma radical, mirando hacia el techo, e incluso
an~adiendo que gracias a Dennis el era un hombre nuevo. Tambien sen~alo
que el slapping era el truco mas recurrente en los temas de Niacin. Es una
pena que no haya podido explicar mas, pero ya eran las 8.15 y el evento
estaba por terminar. En los ultimos 10 minutos hizo un par de solos de bajo,
que incluian melodiis de Steve Vai, Mr. Big y Dave Lee Roth, como si
estuviera repasando lo mas popular de su trayectoria.
Al final, la rueda de firmas para quienes compramos las entradas de 10 $
[otro precio era de 5 $] fue un poco larga, es verdad. Pero bueno, el
prospecto de contar con el autografo de este excelso maestro estampado en mi
ejemplar del Organik (ultimo disco de Niacin, bastante excitante,
recomendable para los amantes fervientes del jazz-rock) me hizo mantener la
paciencia sin mayores problemas. Cuando eso sucedio, el me reconocio como el
que hizo la ultima pregunta bueno, fue un agradable contacto humano a
pesar de lo breve. La musica de fondo que sonaba era precisamente la del
disco Organik (!que temazos son los tres primeros!, !que manera de empezar
un disco de jazz-rock!). Yo pregunte a modo de broma: ?Has escuchado este
disco? El respondio: Esta sonando ahora. Uno de los amigos que encontre
en la cola llevaba consigo dos discos de Mr. Big y un solista de Sheehan,
los mismos que fueron tambien firmados por el cordial bajista.
Aqui me despido hasta una nueva ocasion.
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Salutaciones Decembrinas
Salud y buenos deseos a LCDM y a todos los Cajeros!!
Felices Fiestas!!
Feliz y Prospero Anyo Nuevo Para Todos!!
JPL
-Diciembre 2005.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Nuova Idea "Clowns"
NUOVA IDEA: Clowns (1973)
Temas
1. Clessidra
2. Un'Isola
3. Il Giardino Dei Sogni
4. Clown
5. Una Vita Nuova
Integrantes
- Claudio Ghiglino: guitarras
- Giorgio Usai: teclados
- Enrico Casagni: bajo, flauta, voz
- Paolo Siani: bateria, percusion, voz
- Ricky Belloni: guitarras, violin, voz
Con su tercer y ultimo disco Clowns, la banda italiana Nuova Idea llevo a
su maxima expresion la propuesta hard rock progresiva que cultivaban. Su
musica es muy compatible con las lineas de trabajo expresadas por sus
compatriotas de New Trolls, y en buena medida, tambien con las de otros
compatriotas, Il Rovescio della Medaglia. El filo progresivo de este disco
reposa mayormente en las afanosas labores del teclista Claudio Usai, asi
como en el uso de secuencias de diversos motivos dentro de los confines de
cada tema especifico. Mas bien, los guitarreos duales y los cantos rasposos
apuntan hacia el lado mas frontalmente rockero de la propuesta de Nuova
Idea, la misma que los muestra influidos por Deep Purple, Uriah Heep y, en
menor medida, Ten Years After
El primer tema comienza con una bizarra introduccion de sintetizadores
cosmicos y timpanos, sobre los cuales emerge un arreglo de metales semejante
al que aparece en los preambulos de la suite Atom Heart Mother de Pink
Floyd. El segundo tema, UnIsola, que dura 8 minutos exactos, es uno de
los mas emblematicos de la pauta artistica general de grupo: las bien
articuladas armonias y lineas melodicas de guitarra solista y organo, los
potentes y precisos riffs, la alternancia entre pasajes suaves y otros
bastante potentes, todo ello se muestra de forma muy consumada aqui. Pero
seguramente sea justo afirmar que es en la pieza Clown donde lo
sintomatico halla su expresion mas fiel. Con sus 10 minutos y ¾ de duracion,
esta pieza contiene la estructura mas ambiciosa del disco, incluyendo lineas
de violin y vientos, corales infantiles, breves ensambles percusivos, amen
de la consabida energia rockera en los numerosos pasajes duros y la
estilizada presencia de los teclados de Usai. En este sentido, cabe destacar
el hermoso pasaje de organo, muy a lo sacro, que surge a la altura del
minuto 6, sirviendo como introduccion para una seccion progresiva melodica
muy bien lograda. La ultima pieza sigue por una misma onda mas reposada,
ciertamente bucolica. Su ultima mitad esta conformada por una hermosas base
de piano clasico, seguida por una serie de capas etereas de sintetizador, la
misma que aparece adornada, en sus ultimos instantes, por un reprise del
mismo arreglo de metales que habia aparecido al comienzo del primer tema.
Este fin circular redondea eficazmente el concepto del disco, el cual de por
si guarda un sonido muy compacto y coherente en lo formal.
Sin que Nuova Idea llegue a estar a la altura de otras bandas italianas que
gestaron obras maravillosas, cuando no magistrales, dentro del genero
progresivo durante los 70s, el hecho es que Clowns es un disco bastante
atractivo y solvente, el mismo que hara las delicias de todo investigador
serio del genero.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: ZAO "Kawana"
ZAO: Kawana (1976)
Temas
1. Natura
2. Tserouf
3. F.F.F (Fleurs for Faton)
4. Kabal
5. Sadie
6. Free Folk
7. Salut Robert! [bonus track]
Integrantes
- François Cahen: pianos acustico y electrico, sintetizador
- Didier Lockwood: violin acustico y electrico, violin bajo
- Gerard Prevost: bajos electricos, contrabajo
- Yochk'o Seffer: saxos soprano y sopranino, canto, piano en 3
- Jean-My Truong: bateria
Musicos en el bonus track: Cahen, Seffer, Bill Gagnon (bajo), Christian
Saint Roch (bateria), Michel Seguin (percusion)
Zao es una de las bandas francesas mas interesantes e intensas de la
vertiente mas experimental del movimiento progresivo. Dado que un par de sus
miembros fundadores formaron parte de las filas de Magma, ese emblematico
combo liderado por el alucinado visionario Christian Vander, muchos e-zines
tienden a categorizar a Zao como un grupo Zheul, pero hasta donde llegan mis
conocimientos y comprension del progresivo, creo que la onda musical de Zao
se encauza mas propiamente por los senderos del jazz avant-garde, combinando
las influencias de la magia del Canterbury (principalmente, Soft Machine y
la faceta fusionesca de Gong) y la densa vibracion del Weather Report
pre-Pastorius, junto a los delineamientos academicistas del RIO que
proporcionan un asidero melodico sofisticado a las composiciones. A pesar de
las dosis y potencialidades de improvisacion que Zao atisba en su propio
horizonte musical, la banda demuestra en todo momento tener un buen gusto lo
suficientemente consistente como para prevenirles de cualquier tentacion de
exceso de pirotecnia o enrollamiento: la preservacion de la sensibilidad
musical en la elaboracion de sus ideas compositivas basicas es un factor que
ellos convierten en infranqueable.
El primer tema de este disco, Natura, evoca muy bien esta multivoca
descripcion que acabo de exponer. La exquisitez con la que interactuan los
elementos individuales es inapelable y contagiante en su frenesi, portando
un calor especial que en no poca medida debe a los coloridos alucinantes que
Seffer y Lockwood crean a traves de sus saxos y violines, respectivamente.
La seccion ritmica esta sostenida de manera tan impetuosa y precisa por la
ingeniosa dupla Truong-Prevost; en varias ocasiones, este ultimo usa su bajo
para realzar algunas secciones melodicas. Mientras tanto, Cahen articula sus
teclados al modo de un puente entre lo melodico y lo ritmico me parecen
claros los referentes de Zawinul y, en menor grado, Corea en su estilo
personal. Tserouf navega por aguas mas tiradas hacia el oleaje de sabor
funky, siempre conservando el aura de vanguardia que funciona como nucleo
esencial del sonido Zao: el solo de sintetizador resulta tan o mas
impacatante que los sucesivos solos de saxo soprano y violin como sea, la
intensidad que proyecta el ensamble como un todo integro es, simplemente,
alucinante... con todas sus letras bien puestas en grafia mayuscula. Despues
del breve reposo semi-deconstruccionista que otorga F.F.F., un dueto de
piano y violin donde Seffer se encarga del primer instrumento, el ensamble
regresa a su intensidad habitual con Kabal, tal vez con un gancho un poco
mas directo que en las dos primeras piezas. Sadie, por el contrario, nos
muestra la faceta mas serena de la banda, proveyendo en su composicion una
base armonica candida y agradable, ejecutada por la banda con cristalina
sensibilidad. El tema de cierre oficial, Free Folk, apela tambien a la
faceta mas candorosa de Zao, aunque con su notable dosis de densidad a lo
Weather Report, lo cual sirve para an~adir un poco de tension al asunto
mencion especial para el particularmente incendiario solo de violin que
aparece cerca de la mitad. El tema abre con un arreglo coral extran~o y
etereo; los ultimos dos minutos son utilizados para crear un tempo en
crescendo hasta una medida explosion final que da pie a un reprise del
arreglo coral inicial: incluso en pasajes como este, la banda logra mantener
su compacta cohesion. El CD termina con un bonus track, Salut Robert!, una
pieza grabada en vivo con una alineacion ligeramente modificada. Se trata de
una pieza frenetica de jazz fusion, donde lo exotico ocupa un lugar
relevante merced a la presencia de percusiones latinas en el realce de la
seccion ritmica.
Solo me queda concluir que Kawana es toda una joya imprescindible para
todos los amantes del lado jazzero/vanguardista del progresivo: Zao se erige
como una de las manifestaciones mas privilegiadas de esta vertiente.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 3ro. de SUPERSISTER
SUPERSISTER: Pudding en Gisteren (1972)
Temas
1. Radio
2. Supersisterretsisrepus
3. Psychopath
4. Judy Goes on Holiday
5. Pudding en Gisteren (Music for Ballet)
Integrantes
- Robert Jay Stips: teclados, sintetizador, vibrafono, voz
- Sacha van Geest: flautas, voz
- Ron van Eck: bajos, voz
- Marko Vrolijk: bateria, percusion
Con este su tercer disco, la gente de Supersister se consolida como una
fuerza progresiva de primer orden dentro de Holanda, no teniendo nada que
envidiar a Focus o Finch en lo que a energia e ingenio original se refiere.
Sin poseer el alucinante brillo de sus dos obras anteriores (Present from
Nancy y To the Highet Bidder), Pudding en Gisteren logra capturar, una
vez mas, el esplendoroso virtuosismo y el peculiar humor de la banda. De
hecho, este segundo elemento emerge mas realzado que nunca: la paleta
musical se extiende mas alla del nucleo de raigambre Canterbury, de acuerdo
a las exigencias ludicas del nuevo material. Como siempre, los recurrentes
efectos a lo Mike Ratledge que Stips mete en el organo y las limpias
florituras de flauta a cargo del ya legendario Van Geest conforman los
pilares del sonido propio de Supersister, todo ello sostenido con gracia y
frenesi en dosis iguales por Van Eck y Vrolijk.
Radio, un tema cuya letra hace una critica burlona contra la musica
facilista, da inicio al disco con un motivo de corte bossanova, delicado y
alevosamente ingenuo: la cosa se torna mas intrepida con la exhibicion de
psicodelia beat y coros zappianos que tiene lugar durante el ultimo minuto.
Supersisterretsisrepus es un breve interludio musical que se dobla en
reversa, todo ello en menos de 20 segundos, una breve travesura que sirve
como preludio a Psychopath. Esta pieza exhibe algo totalmente ajeno a las
alusiones propias de su titulo: se trata de una pieza cantada sobre una
amalgama festiva de teclados [piano, organo, clavicordio y mellotron] que
parece sacada de un musical de Broadway. La manera tan controlada con la que
Stips maneja sus labores de tecladista crea un ironico contrapunto a los
mensajes dadaistas de la letra (centrada en retratar las dificultades que
implica ahogarse en los delirios psicopatologicos por causa del LSD).
Los dos numeros mas largos son los que vienen a continuacion. Judy goes on
holiday, con sus 12 minutos y medio de duracipn, es una pieza bien
enrumbada dentro de la linea de trabajo habitual del repertorio mas
ambicioso de Supersister - ideas basicas desarrolladas a traves de medidas
improvisaciones jazzeras en ejecuciones tan pulcras como excitantes. Esto es
justamente lo que tenemos en el motivo principal y su correspondiente
reprise. En medio se ubica una seccion cantada mas reposada, sostenida por
los sutiles coloridos elaborados en simultaneo por el organo y la flauta.
Los ultimos tres minutos estan ocupados por un pasaje doo-wop, con palmas y
falsetes incluidos, un recurso alevosamente ridiculo y, por ello mismo,
tambien enternecedor a su manera. Por su parte, la pieza homonima, la cual
llenaba todos los 21 minutos del lado B del vinilo, se erige en un estupendo
maraton musical, menos centrado en lo humoristico, y mas bien destilando una
cierta solemnidad, pero no por ello careciendo de alegres vibraciones. El
transito por los diversos pasajes y los reprises de algunos de ellos esta
hilado de forma magistral. La influencia de la Maquina Suave es la mas
descollante (algo no muy raro), aunque tambien hay algunos momentos en los
que se siente el aura de ELP, y otros mas en los que la banda explora la
psicodelia aleatoria. Me atreveria a decir que es en los pasajes mas
bizarros de este disco donde la banda explora con especial fruicion la
faceta mas perturbadora de su musica.
Supersister era, ante todo, un grupo que aspiraba a divertirse y no ser
tomados tan en serio, aunque sin duda, escuchando la maestria que vierten en
sus ejecuciones, se tomaban la musica en si misma muy en serio. En resumen,
Pudding en Gisteren es un disco altamente recomendable para formar parte
de cualquier buena coleccion progresiva, algo que de por si podemos decir
con justicia acerca de la obra integra de este peculiar grupo.
Cesar Mendoza
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Autor: "marcelo V" <marceplus@hotmail.com>
Asunto: Algo mas sobre Wobbler
0pt">Tan solo
una breve referencia al debut oficial de Wobbler, Hinterland. Ya hay varias
resen-as en La Caja, muy descriptivas y acertadas, asi que estas lineas son
apenas para expresar que me parece el mejor disco de 2005, lejos, y que por fin
una produccion contemporanea de RPS logro conmoverme como tantas obras clasicas
si lo habian hecho, hace ya bastante tiempo. Hinterland es derivativo y hasta
imitativo, pero eso no quita que sea yes">rock progresivo del mejor. Buen 2006 para todos. style "mso-spacerun: yes">yes">style "mso-spacerun: yes">
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Autor: "John doe" <anonimus17@hotmail.com>
Asunto: regalo de navidad para la lista... 2-3 CDs gratis
Regalo de navidad - 2 - 3 CDs gratuitos .
Cajeros, me encontre con un link maravilloso que creo todos Uds. disfrutaran
mucho.
Aparte de que de cada banda hay musica para bajar pues es una nueva fuente
de conocimiento musical, ya que la mayoria de lo que esta aqui es muy poco
comentado
Del catalogo todo es muy bueno, luego hay una seccion llamada music room con
muchas piezas de diferentes bandas, algunas de CDs inconseguibles o demos de
bandas en plena tarea de produccion, que regalazo este !
Salen unos 2 o 3 CDs y segun lei sera actualizada periodicamente con mas
musica inclusive de bandas que nunca editaron sus trabajos .
La pieza de la banda Ashwave me arranco lagrimas , fenomenal !!!!!!
Seguramente saldra bastante que comentar de varias de estas bandas,
www.atabalproductions.com
Feliz Navidad a todos.
Henrique
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Autor: "Julio Zoppi" <juliozoppi@lq.com.ar>
Asunto: Pendragon "Believe" 2005
Pendragon : "Believe" (2005)
Pendragon representa lo que yo concibo como esencia del sentimiento
sinfonico-progresivo en una de las vertientes centrales del genero, la del
entrelazamiento de los patrones del rock con diafanas armonias y melodias
tonales construidas mediante el sinfonismo artesanal de teclados y guitarras
en funcion de transmitir sentimientos. Sin alardes de composicion,
estructura, ni con supuestos vanguardismos o no vanguarsismos tonales, mas
alla de accesibilidad o hermetismo, oscuridades o claridades, no queriendo
decir con esto que el disco no posee virtudes estrictamente tecnicas, que
las tiene y muchas. La aclaracion es a proposito de tanto critico por alli
que identifica a la oscuridad como exigente de una excelencia y complejidad
musical superior a la claridad, juicio para mi absurdo y arbitrario.
De primera oida me produjo todo lo que tiene que producirme un disco de rock
sinfonico-progresivo, dentro de su particular estilo tan pegado a la
articulacion de armonias y melodias pletoricas de claridad, esas que son
pura luz aun desde un dejo melancolico, heredero de la tradicion genesiana,
floydena y camelida. Aqui se presentan a la altura de su mejor trabajo que
para mi era "Masquerade Overture" de 1996. Un disco donde Barret decide
parecerse a si mismo a la vez que atreverse a algunas busquedas diferentes,
a pura construccion artesanal como es su estilo, sin alardeos de
espectacularidad, pero con su corazon despellejado puesto en cada nota o
arreglo, donde trasmite esa increible sensacion de bonhomia, pura sencillez
y humanidad que contrasta con la arrogancia, la sobreactuacion, la frialdad
y la altivez que suelen rondarnos.
Hay innovaciones al estilo que no son drasticas pero si logran un eficaz
efecto renovador. Es tan un disco de Barret y sus guitarras, que Nolan esta
bastante "relegado" a un plano de protagonismo menor que en sus discos
anteriores, dedicado aqui fundamentalmente a ejecutar armonias de fondo y
colchones, aunque no por ello dejen de brillar sus dosificadas
intervenciones en motivos melodicos tipo cajita musical. Los climas
habituales de la banda se enriquecen con arreglos corales con reminiscencias
orientales o misticas muy bien insertados, con sobriedad y mesura en varias
partes del desarrollo del disco. Aparece mas variedad de sonidos en las
guitarras, en unas partes luciendo mayor dureza con riffs mas picantes y en
otras metiendo arreglos acusticos que van de toques flamenco a jazzies. Todo
esto a nivel de condimento y no de plato principal pero con buen resultado
en el sabor. Lo que si en este disco Believe si se puede notar en algunos
temas es una "Arenizacion" del sonido, pero que tampoco llega a asimilar
ambas propuestas para nada, se trata de que aqui Barrey y sus amigos,
especialmente el bajista Gee y el baterista Smith se han cargado bastante
mas las pilas que en otros trabajos.
El comienzo con "Believe" me predispuso muy bien para todo el disco desde la
pimera oida, un tema de poco menos de 3 minutos, se le podria llamar una
intro que desarrolla varias cosas en ese corto tiempo para de alguna manera
crear un clima que se rompe con el arranque del tema 2. Clima de sintes
ambientales irrumpen creando magnificencia de fondo, aparecen unos coros
misticos, con aires orientales donde una voz femenina vocaliza frases o
fonemas en tonos altos. El bello tema culmina con la voz distorsionada de
Barret y unos guitarrazos con efectos que quedan flotando en el silencio
para que se oiga una frase "and now everybody to the dance floor" y arranque
el riff a todo vapor del impecable "No place for the innocent". De pronto la
sensacion pasa de aquella fuga mistica celestial a una escena netamente
urbana, como estar viajando en un automovil tipo cabriolet a toda velocidad
por una avenida con la cara al viento. Una sensacion de aventura emotiva que
de la mano de las guitarras picantes lleva este hermoso track a buen puerto.
Es notable como me recuerda por momentos a Rush, sobre todo el final
instrumental con un solo de guitarra sobre una base de riffs poderosos. El
siguiente "The Wisdom of Solomon" intenta convocar unos aires orientales,
tras esa guitarra electrica de notas largas que parece contarnos un
sentimiento en cada estirada, de pronto lo oriental enfila para el lado del
sabor flamenco dominado por las guitarras acusticas y un ritmo contagioso,
sencillo pero con gracia. Asi llegamos a la suite "The wishing well" que es
el verdadero plato fuerte del disco. La parte a "For your Journey" es un
relato del propio Barret bajo fondo de sintetizadores muy apropiados para
transmitir una especie de confesion intima. La seccion b "By the sowest" es
el climax del disco, memorable tema que ingresa a ocupar un lugar entre mis
preferidos de la banda, comparable a "Paintbox" por lo delicioso de las
melodias y la emotividad desplegada. Me trae reminiscencias del Arena de
"Songs from the lions Cage" o "Pride" pero no por algo en especial, es una
sensacion muy personal. La continuidad con la parte c "We talked"
proporciona una sorpresa muy positiva para mi gusto: Barret aprieta los
dientes y exhibe unos arrestos rockeros, aparecen voces extran~as, Fudge
Smith y Peter Gee cuando los pensaba cercanos ya de jubilarse
definitivamente de tibios y pacatos, se animan a dar algunos roscazos y le
meten ritmos rapidos e intensos a la cosa, lo que nos hacen dudar si nos
equivocamos de disco. El segmento final "Two roads" es vivaz y distendido,
como una especie de balada rapida siempre con las guitarras de portagonistas
casi excluyentes, incluido un extenso solo que cierra el tema.
El disco se completa con "Learning Curve" que sobresale por un sabor "latin
jazzie ", algunos ritmos variados sobre los que se insertan en el final las
melodias de guitarra tipicas de Barret. Muy agradable. La conclusion con
"The edge of the world" se construye sobre formas reposadas y francas
melodias, tal vez remita a los climas mas pinkfloydeanos de "The window of
life". Es un bello final intimista, apela a una especie de sinceramiento
interior, muy reflexivo, a manera de conclusion o balance de sentimientos.
En definitiva, un disco honesto y valioso en plena epoca de expectativas
devaluadas y cansancios del gusto, y me pone bien haberlo disfrutado. Eso
si, no hago ningun tipo de recomendacion ni de consejo, apenas puedo con mi
propio gusto como para vaticinar el gusto de los demas, que cada uno se haga
cargo de su propia experiencia si es que le interesa, pero obviamente que mi
vision de gusto y juicio evaluativo es abismalmente opuesta a la de Ferran
Lizana por ejemplo quien a mi parecer, sin fundamento alguno y con
argumentos de una inconsistencia flagrante -como lo explica el razonamiento
preciso y lucido del mensaje del cajero Hernan Bertagni- discrimina a esta
banda por el solo hecho de no sentirse identificado con el estilo. Respecto
a otras expresiones y bandas puedo tener mayores coincidencias con las
opiniones de Lizana (que me temo deben ser accidentales) aunque lo curioso
es que si tuviera que calificarlo como critico de rock sinfonico-progresivo
le pondria la misma nota que el le pone a "Believe" : 3,50.
Saludos
JULIO
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: MUGEN_The_Princess_of_Kingdom_Gone
MUGEN: The Princess of Kingdom Gone (1988)
Temas
1. The Princess of Kingdom Gone
Part I: The Arbor on the Garden
Part II: The Feast
Part III: The Ghost of NARCISSUS
Part IV: The Woodruff of Love
2. The Lady of Shalott
3. Legend of the Forest
4. Dazzling Ligeia
5. Black Panther
6. Trident Rock
7. Una Donna
Integrantes
- Kazuo Katayama: bateria, percusion
- Shoehi Matsuura: bajos, pedales bajos
- Takashi Nakamura: voz
- Katsuhiro Hayashi: teclados
Colaboradores Taku Fuji (guitarras en 1, 4 y 5), Kazue Akao (voz en 3)
The Princess of Kingdom Gone fue el tercer y ultimo trabajo discografico
de Mugen, una banda japonesa cuya linea de trabajo se basaba en una
condensacion entre el candor melodico y academicista del sinfonismo mas
riguroso y la amabilidad bien estructurada del neo-prog estandarizado. La
labor del teclista Hayashi, maximo creador del grupo, se erige en el centro
neuralgico de la amalgama sonora gestada por el ensamble.
El disco abre con la suite cuatripartita que le da titulo, la misma que
ofrece una bien elaborada secuencia de diversos motivos y ambientes: en los
pasajes mas serenos, el sonido del grupo se aproxima a la faceta mas
intimista del Genesis y Camel clasicos, mientras que en los mas bombasticos
la cosa se pone mas relacionada con la herencia del Rick Wakeman setentero y
el UK con Bozzio. Hay un par de motivos centrales que reaparecen en la
ultima seccion, creando asi un referente de unidad interna. The lady of
Shalott suena a una mezcla de vals sinfonico y cancion cortesana
renacentista: la inspirada linea melodica de base explota muy bien esa vena
evocativa aludida en el compas y estructura del tema. Las siguientes tres
piezas son las que me resultan menos interesantes del disco en lo personal,
pues se hacen un poco melosas: es en estas mismas piezas donde la tendencia
neo de Mugen sale al frente a todo color, pero dado el buen gusto con que el
grupo las despacha, tampoco llegan a ser desastrosas ni mucho menos. De
todos modos, Trident Rock nos devuelve el esplendor que ya habia surgido
en los pasajes mas energicos de la suite homonima. En fin, el disco cierra
con Una Donna, una bella balada progresiva donde los teclados le brindan
un aura enson~adora, casi onirica: aqui, Mugen trabaja en el lado mas amable
de sus propuesta sin caer en lo meloso. Este es, ciertamente, un bonito
epilogo para un disco que, sin ser una maravilla consumada, podra muy bien
hacer las delicias de los acerrimos amantes del progresivo sinfonico, y en
especial, el sinfonismo moderno. Japon es un pais prolifico en bandas de
rock progresivo y/o experimental, y Mugen me parece una de sus bazas mas
relevantes dentro del terreno sinfonico durante los 80s. The Princess of
Kingdom Gone es, ante todo, un disco muy agradable, hecho con mucho oficio
y buen gusto.
Cesar Mendoza
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Autor: Edgardo Escribano <edgareskri@yahoo.com.ar>
Asunto: valoraciones si o no?
Hola a todos:
Hace algun tiempo un poco borrado...pero bueno.
Entiendo perfectamente cual es la intencion de Ferran, por nombrar uno de
los que hace resen~as, pero podria ser tambien Juan. La realidad es que
gustos son gustos y a partir de ello, las "calificaciones" pasan a ser una
cosa tambien influenciada por el gusto...lo mas importante es que gracias a
que alguien se toma el trabajo de escuchar un disco y tiene ganas de perder
parte de su tiempo en hacer un comentario, es que, al menos en mi caso
personal, pude escuchar o conocer cosas que quizas de otra manera me hubiese
perdido.
Por nombrar algo, descubri a a Wobbler y a Oceansize dentro de lo imperdible
y a Kino dentro de lo prescindible... y esto es independiente de la nota que
les puso Ferran o Juan, que no es lo mas importante.
Por otro lado, lo que para ellos es 7, para mi puede ser 4 o 9, pero alli
esta lo interesante, la generacion de un debate, una discusion y un poco la
propagacion de datos de nuevas bandas o nuevos trabajos de otras. Todo esto
caba para Cesar, tambien.
Agradecido por esto a todos ellos y a a cada uno que se toma el trabajo de
comentar, lo que a mi juicio, es lejano a lo catedratico o lo sesudo. Bien
por encontrar aqui contenido, comentarios e informacion de progresivo, items
que vienen faltando en algunos sitios que se precian de tales.
Saludos a todos
Edgardo desde Argentina
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: mis favoritos del 2005 [lista ampliada y definitiva]
HOLA CAJEROS, LES SALUDA CESAR MENDOZA.
Aqui vuelvo a enviar mi lista de favoritos progresivos de este an~o 2005, la
misma que esta ampliada con la incorporacion del disco de K2. Ahora si puedo
estar mas seguro de que esta es mi lista definitiva para la encuesta de
LCDM.
1.- DJAM KARET: Recollection Harvest
2.- kRe: El Radio Esta en la Cocina
3.- VAN DER GRAAF GENERATOR: Present
4.- EXSIMIO: Carbono 14
5.- FROGG CAFE: Fortunate Observer of Time
6.- MIRIODOR: Parade
7.- KOIAK: Koiak
8.- NIACIN: Organik
9.- PARTHENON: Mare Tenebris
10.- QUAKER: Autocritica
11 en adelante.-
JAIME ROSAS CUARTETO: Creciendo
FOREVER EINSTEIN: Racket Science
ECHOLYN: The End is Beautiful
SHADOW GALLERY: Room V
DREAM THEATER: Octavarium
TRYO: Viajes
AUTOMATA: Mecanica
EVOLUCION: La Era de Piscis
INDEX: Identidade
PREMIATA FORNERIA MARCONI: Dracula
ARIES: Aries
BIJOU: El Profeta
PALLAS: The Dreams of Men
FLOR DE LOTO: Flor de Loto
AUSTRALIS Terra Australis
MADAME CLAUS: Quemando Oscuridad
ROBERT WYATT: Theater Royal Drury Lane
K2: The Book of Dead
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Autor: "Benitez Baena Alberto" <abenitez@infonavit.org.mx>
Asunto: RD Laing
Saludos a todos los cajeros del mundo (especialmente a Pedro Campillo).
> .....Alberto Benitez Baena, se interesaba por el psiquiatra RD Laing,
conocido por ser uno de los pilares del movimiento de la antipsiquiatria....
> ....En fin, para quien quiera profundizar mas en el pensamiento de este
singular personaje os voy a dar un par de links: Y para los que esteis
interasados en los fundamentos de los knots de Gentle Giant teneis el siguiente
link: ........
> Donde teneis el poema en donde se basan GG para su famosa cancion coral
homonima en su disco Octopus: ......
WOOOOOOOOOW.
Muchos saludos Pedro. GRACIAS por los links. Ni un consumado e ilustre
GentleGiantiano lo hubiera hecho igual : - )).
A continuacion un pequenyo texto para todos, siguiendo el espiritu RD Laing -
GG, bueno: "siguiendo el espiritu a anyos luz":
Baena
Benitez
Alberto
DF
Mexico
Desde
GGentleGGiantianas
GGracias
Nuevo.
Y
Progresivo
Y
Feliz
Un
Y
Navidad
Progresiva
Y
Feliz
Una
MUNDO
DEL
CAJEROS
LOS
TODOS
A
Desear
Para
Ocasion
La
Aprovecho
Permutando al reves el mensaje sera:
Aprovecho la ocasion para desear A TODOS LOS CAJEROS DEL MUNDO una Feliz y
Progresiva Navidad y un Feliz y Progresivo y Nuevo.
GGracias GGentleGGiantianas desde Mexico, DF
Alberto Benitez BAena
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Autor: Jose_Manuel_In~esta
Asunto: Nuva obra audio visual
Hola a todos.
Feliz an~o nuevo a todos!
Les envio este mensaje que he recibido:
-------- Original Message --------
Subject: Nueva obra audio visual
Tengo el gusto de presentaros la segunda obra audio visual, solo
disponible en la red. Un total de 10 piezas sonoras y visuales que
inician su camino justo al final de la mitica pelicula Blade Runner.
El trabajo no es integramente un homenaje a esta pelicula sino que
recoge elemetos que en ella aparecen y que me han servido como punto
de inicio de un camino que me ha llevado a explorar la esencia del
numero cero frente al universo.
http://xproject.fadlan.com/
saludos cordiales, y adelante con La Caja!
Marc Xicola, The X
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Jose Manuel
El Cajero.-
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