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La caja de musica Number 0681
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #681 octubre 2005 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Rag I Ryggen" (1975)
* Neal Morse - ? (2005)
* Djam Karet - Recollection Harvest
* Por los bordes del progresivo: Rutles y Residents
* Error_en_informacion_sobre_concierto_Kotebel_y_Cast
* LCDM: Os Brazoes - Os Brazoes (1969)
* Comentarios critica de Wobbler (y comparar con Glass Hammer)
* kRe 2005
* Jaime Rosas Cuarteto "Creciendo"
* musicAbierta
* Exsimio "Carbono 14"
* la otra musica ::
* Adrian Belew - Side One (2005)
* Adrian Belew - Side Two (2005)
* Reunion para la Reunion de GENESIS
* pequena Muerte
* Australis "Terra Australis"
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Autor: "marcelo V" <marceplus@hotmail.com>
Asunto: Rag I Ryggen" (1975)
RAG I RYGGEN: "RAG I RYGGEN" (1975)
Una rareza proveniente de Suecia, de mediados de los '70 pero con sonido de
fines de los '60.
Esencialmente, el unico trabajo de Rag I Ryggen fue un disco de hard rock
consistente en varios temas no muy extensos basados en guitarras duras -y
por momentos muy duras-, con pasajes de organo muy melodico y relajante
intercalados en las canciones, algunos sintetizadores y un gran despliegue
de energia.
El cd, que agrega 3 bonus track, seguramente deleitara a los seguidores del
sonido hard-proto progresivo sesentero y -a pesar de su rusticidad- resulta
una interesante muestra de algo diferente y original en la escena
escandinava de la decada de oro.
marceplus@hotmail.com
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Neal Morse - ? (2005)
NEAL MORSE : ? (2005)
Discografica: InsideOut/SPV/Mastertrax
Temas:
1. The Temple of the Living God. 6:13
2. Another World. 2:37
3. The Outsider. 2:21
4. Sweet Elation. 2:33
5. In The Fire. 7:25
6. Solid As The Sun. 6:12
7. The Glory Of The Lord. 1:41
8. Outside Looking In. 4:20
9. 12. 6:46
10. Deliverance. 6:23
11. Inside His Presence. 5:30
12. The Temple of the Living God. 4:27
Musicos:
- Neal Morse / vocals, keyboards
- Jordan Rudess / keyboards
- Mike Portnoy / drums
- Alan Morse / guitar
- Roine Stolt / guitar
- Steve Hackett / guitar
- Randy George / bass
- Mark Leniger / sax
Tercer trabajo en estudio del prolifico Neal Morse desde que dejara a su
banda de siempre, Spocks Beard. Titulado simplemente con un interrogante,
en este trabajo Morse cuenta con algunos de sus amigos mas famosos de la
escena progresiva actual. A los habituales Mike Portnoy y Randy George se
unen esta vez Jordan Rudess, Alan Morse, Roine Stolt y Steve Hackett,
realmente una formacion de autentico lujo, ademas del saxofonista Mark
Leniger.
Neal lo ha vuelto a conseguir, ? es su mejor trabajo en solitario junto a
Testimoñ, con la ventaja que no puede llegar a hacerse largo como aquel.
O sea, que me gusta bastante mas que el anterior One, que me parecio mas
reiterativo con respecto a Testimoñ.
? no representa un cambio radical respecto a los mencionados dos
anteriores trabajos, no hay duda que el sonido distintivo de Neal sigue ahi
intocable, pero si que supone un paso adelante con cambios a nivel global.
La diferencia esta en que se trata de un trabajo con mas fuerza, mucho mas
dinamico y agresivo, casi sin respiro. Un gran trabajo en el que tienen
parte de culpa los invitados que, junto a Neal, en todo momento realizan un
extraordinario trabajo instrumental. Sobretodo a los dos miembros de Dream
Theater se les ve como peces en el agua, y se nota que disfrutan con la
experiencia.
A destacar algunas maravillas como el tema In the Fire con un
impresionante duelo de solos de teclados y guitarras con la participacion,
creo, de todos los componentes con instrumentos solistas. Ya solo por este
tema vale la pena hacerse con la obra. Tambien otras piezas destacables como
la tambien potente Solid as the Sun, Deliverance o el tema principal
The Temple of the Living God, que podemos encontrar al inicio y final de
esta obra conceptual, con excelente trabajo melodico vocal.
Un gran disco y a buen seguro uno de los candidatos a mejor disco del año en
los habituales rankings de los medios progresivos.
Valoracion: 7.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
Octubre 2005
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Autor: cesarinca68@hotmail.com
Asunto: Djam Karet - Recollection Harvest
DJAM KARET: Recollection Harvest (2005)
Temas
Recollection Harvest
1. The March to the Sea of Tranquility
2. Dr. Money
3. The Packing House
4. The Gypsy and the Hegemon
5. Recollection Harvest
Indian Summer
6. Indian Summer
7. Open Roads
8. The Great Plains of North Dakota
9. Dark Oranges
10. Twilight in Ice Cañons
11. Requiem
Integrantes
- Gayle Ellett: guitarras electricas de 6 y 7 cuerdas, acusticas de 6 y 12
cuerdas, Ebow, bozouki, teclados, sintetizadores, efectos
- Mike Henderson: guitarras electricas y acusticas de 6 y 12 cuerdas, slide,
Ebow, sintetizadores, percusion, efectos
- Chuck Oken: bateria, percusion, sintetizadores, secuenciadores
- Aaron Keñon: bajo (en 1, 3, 4, 5, 8), mellotron, sintetizador, bombo
- Henry Osborne: bajo (2, 7), guitarra acustica, percusion
Invitado: Mike Ostrich: sintetizador en 11
Comienzo esta reseña sin ninguna intencion de disimular mi sumo entusiasmo:
Recollection Harvest es, ademas de una nueva obra magna dentro de la
impresionante trayectoria de Djam Karet, sino tambien una de las ofertas
progresivas mejor logradas del presente año 2005. Una vez mas tenemos a
Ellett, Henderson y co. exhibiendo su nervio, inventiva y buen gusto en
dosis excelsas en un repertorio que ofrece las usuales caracteristicas de
magia envolvente, jams bien trabajados sobre ideas melodicas efectivas y una
capacidad para interactuar de manera solida a traves de las expansiones
instrumentales que tiene lugar de forma recurrente.
El repertorio de Recollection Harvest se reparte en dos secciones que
portan sendos titulos autonomos: tal como lo anunciara la banda un par de
meses antes del lanzamiento oficial de este disco, una mitad tendria un
caracter progresivo con mucha polenta, afin a lo hecho en discos como A
Night for Baku y Reflections from the Firepool, mientras que la otra
mitad iria por los senderos de la fusion etnica y un predominio de ambientes
etereos. Los de Djam Karet describieron muy acertadamente la esencia de este
buen material, pero yo me permito añadir que tambien hay un componente de
energia desnuda y atrapante que emerge en algunos de los pasajes mas
explosivos de la segunda mitad. Claro esta, en los temas 1 5 esta energia
tan contundente se siente mas patente dado el enfasis rockero de la seccion
correspondiente, mas esta misma energia se expresa con inocultable claridad
en los densos viajes sonoros que conforman los paisajes exoticos y
flagrantemente misteriosos de los temas restantes. Estos son menos extensos,
jugando de manera mas concisa con los motivos e ideas basicas, mientras que
en la serie de los temas 1 5 el grupo se la juega por la ambicion
pretenciosa propia de las pautas habituales del progresivo.
The March to the Sea of Tranquility da inicio al disco con un despliegue
de introspeccion electrizante, mientras que Dr. Money se aventura hacia
caminos mas sinuosos en los que confluye la sofisticacion de entusiastas
compases complejos y la inclusion intermitente de texturas espaciales. La
actitud introspectiva del tema de inicio se reitera en The Packing House,
aunque con una dosis mas notoria de densidad e inquietud, creando asi un
resultado final mas diametralmente opresivo. The Gypsy and the Hegemon es,
en mi opinion, la pieza mas destacada de todo el disco: condensa en si la
mayor parte de los ambientes que se habian reflejado a lo largo del
repertorio anterior con una fuerza amedrentadora, no apta para cardiacos.
Esta fuerza sonora esta equilibrada con el sentido de la elegancia tan
tipico de DK, pero aun asi se siente contundente sin atenuantes los
ultimos dos minutos y medio portan una rara magia cautivadora a traves de lo
tenebroso. Menos exaltado es el homonimo quinto tema, el cual apuesta mas
frontalmente por el manejo de cadencias flotantes y sutilezas a traves de
las cuales los guitarreos crimsonianos se notan mas alusivos que opresivos.
La introduccion de elementos de corte jazz rock en algunas pautas ritmicas
acercan momentaneamente a DK a lo hecho por sus compatriotas de Gordian Knot
y Attention Deficit. Son los adornos de sintetizador y mellotron los que
gestan la faceta mas perturbadora de esta pieza, añadiendo unos aires
krautrock al resultado general.
Por su parte, la seccion Indian Summer, que tal como dijimos se haya mas
enfocada en lo etereo y lo etnico, comienza con la pieza que porta el mismo
titulo: esta se basa un trasfondo de sintetizadores sobre el cual la
guitarra y el mellotron dibujan sus respectivos retazos superpuestos: una
mezcla rara pero efectiva de new-age electronico y crimsonismo cibernetico.
Aun mas centrados en el candor etnico estan las dos piezas siguientes,
aunque nunca falta algun matiz inesperado que apunta a crear un aura de
extravagancia p.e., el efecto de sintetizador espacial a lo Hawkwind que
invade el flujo armonico de Open Roads por la mitad. Dark Oranges ofrece
unas engañosamenter languidas atmosferas electronicas que parecen anunciar,
sin hacerlo realmente, la presencia de un peligro latente: la aparicion de
coros de mellotron y un inescrutable solo de guitarra no ayudan a aligerar
la carga emocional que se alude aqui. Twilight in Ice Cañon nos devuelve
a la faceta introspectiva de la seccion Recollection Harvest. Mientras que
Requiem exhibe un retrato psicodelico de inmensa tristeza a traves de sus
envolventes cortinas de teclado y lineas de guitarra, muy marcadas por la
herencia floydiana.
Termino esta revision reiterando que Recollection Harvest es una de las
obras mas notables del presente año: Djam Karet da sobradas muestras de que
es capaz de seguir una linea de trabajo constante sin por ello perder la
frescura, reforzando asi su status como una de las bandas mas interesantes
del progresivo norteamericano de los dos ultimos decenios.
Cesar Mendoza
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Autor: <hgmorales50@hotmail.com>
Asunto: Por los bordes del progresivo: Rutles y Residents
Saludos a los contertulios de LCDM.
En esta ocasion quiero dar un paseo por los bordes del rock
progresivo, ahi donde ya podemos ver enfrente a otros artistas que no son
exactamente del genero, pero donde aun podemos ver elementos relacionados,
interesantes, que vale la pena comentar.
La concepcion de rock progresivo
que he propuesto desde hace tiempo se refiere al uso destacado de progresiones:
mutaciones de elementos que dan como resultado una pieza que se desarrolla.
Entre las muchas formas de hacer esto hay una que me es particularmente grata:
las mutaciones tematicas; se trata de retomar frases o temas transformarlos, y
usarlos total o parcialmente en contextos diferentes. Pues bien, creo que quien
gusta de estos recursos disfrutara con las bandas sobre las que voy a
hablar.
Seguramente muchos recuerdan a The Rutles, una
banda setentera fruto de un interesante proyecto satirico cuya victima fueron
The Beatles. Tiene en su haber un disco sui generis, donde satirizan al
cuarteto de Liverpool en una forma extraordinaria y muy original. El album "The
Rutles" de 1978 es una coleccion de parodias de piezas como "Help", "All my
loving", "Penñ Lane", "Get back", etc. Cualquier amante de Beatles reconoce
sin problema cada pieza, pues estos maestros conservan casi intactos elementos
como el ritmo, la secuencia armonica y el arreglo basico, pero ademas (y aqui
esta lo bueno) incorporan elementos tomados DE OTRAS PIEZAS, de modo que los
sacan de su contexto original para meterlos a otro. Mas que una version (o
cover, como se dice en ingles) se trata ya de algo mas elevado, mas rico y
complejo musicalmente y que llamo RECOMPOSICIONES.
Por ejemplo, su pieza
"Hold my hand" es una clara recomposicion de "All my
lovin", pero ademas hay otras cosas notables. Por ejemplo, veamos el asunto del
coro: en donde la melodia original dice "All my lovin I will send to you" se
canta "Hold my hand, yeah, yeah, yeah", lo que de inmediato nos sugiere otra
rola clasica: "I want to hold your hand", pero ademas esta presente la
referencia a "She loves you", por el legendario "yeah, yeah, yeah". Asi pues,
en lo que al coro se refiere, toman de "All my lovin" la melodia vocal (se
percibe claramente); de "She loves you", la idea basica de la letra, porque en
ambos casos se canta el titulo de la pieza, seguido de "yeah"; y de "I wanto to
hold your hand" toman la idea general de la pieza completa, por lo de la
agarrada de manita.
Y para mostrar que no son alucines mios, tenemos la
confirmacion en la pieza "Love life", que es la recomposicion de "All you need
is love". Como recordaran, hay una parte cerca del final
donde Paul canturrea "she loves you, yeah, yeah, yeah" y en la pieza de Rutles
en esta parte se escucha "Hold my hand, yeah, yeah". Esto demuestra que,
efectivamente, estaban pensando en "She loves you" cuando armaron el coro para
"Hold my hand".
Ahora bien, ?recuerdan a John Covach, musicologo que nos
regalo un estupendo articulo llamado"Close to the edge and the boundaries of
style", pues tiene en su haber otros muy buenos escritos, entre ellos el
titulado: "The Rutles and the use of specific models in musical satire". En el,
de nuevo se apoya en partituras y cosas asi para explicar ejemplos como el
anterior. Pero ademas hay algo que Covach no dice en su escrito y que cualquier
Beatlemaniatico percibe: la introduccion de guitarra de "Hold my hand" no es
sino una ligera modificacion de la introduccion de "Eight days a week". Y estas
genialidades son una constante en el album.
Otro
ejemplo rapido es la pieza "It's looking good" que tiene como motivo melodico
base una frase de guitarra que pertenece a "I'm looking through you" pero que
The Beatles solo usaron momentaneamente en el coro.
Y siguen los ejemplos:
una de las mejores recomposiciones es la pieza "Doubleback Alley" (que es la
version rutle de "Penñ Lane, con todo y su cuasi-barroco solo de trompeta).
Ahi, cierta parte de la melodia del coro nos recuerda a los coros "If I needed
someone".
En fin, es un ejercicio divertido, y que ademas es una muestra de
como se puede jugar con los elementos musicales. Recuerda mucho lo que bandas
como Gentle Giant hacian con sus temas.
En la pagina href "www.rutles.org">http://www.rutles.org">www.rutles.org hay mucha informacion sobre
este proyecto satirico. Y AHI ESTAN LAS LETRAS, PARTE FUNDAMENTAL, como por
ejemplo cuando, en lugar de cantar "Help, I need somebody",
cantan "Ouch, you're breakin my heart".
En el articulo de Covach mencionado
esta, ademas del analisis, la historia de como surgio este proyecto satirico
llamado The Rutles (por eso omiti ese aspecto). La direccion es:
http://www.ibiblio.org/johncovach/writing.htm
Ademas ahi estan las ligas a otros textos de este autor sobre rock progresivo,
rock en general y musica clasica.
La otra banda de la que vamos a hablar es The Residents, y
aqui mando un saludo a Jorge Padilla: me tope con su articulo de esta banda
en LCDM 676 cuando estaba haciendo este. Feliz coincidencia.
No abundo en
referencias de esta banda porque Jorge ya nos las proporciono. Solo agrego,
a las obras que menciona, las siguientes: Duck StabBuster Glen,
de 1977 (muy buen ejemplo de su sonido), "Our Finest Flowers" de 1993 y otro
del cual hablare aqui: "The king and eye".
El titulo es un evidente juego
de palabras sobre la frase "The king and I" y su tema es Elvis Presley. El
album es una coleccion de piezas clasicas del "Rey", solo que incluso las
recomposiciones de Rutles se quedan cortas: ellos cambiaban letras y
retomaban elementos musicales, pero The Residents solo conservaron las
letras y rehicieron totalmente las piezas, pero a su estilo. Es resulado es
un trabajo bizarro, aspero...y extraordinario.
Ademas, se insertan entre
las piezas fragmentos de un cuento llamado "The bay king", donde escuchamos
a un tipo con unos ninos, a quienes relata la historia del bebe que quiso -y
consiguio- ser rey, pero despues decayo, engordo y murio. Sin
comentarios.
Creo que es interesante hablar de esto, porque "The king and
eye" me parece un ejemplo de como aplicar intensamente (llevarla casi hasta
las ultimas consecuencias) la idea basica de lo que hicieron The Rutles. Ahi
esta la liga entre ambos trabajos.
Finalmente digamos que, como comento Jorge Padilla, existe otro album de
estos senores llamado "The Third Reich'n Roll", donde incursionan de nuevo
en el mundo de las recomposiciones sobre temas ajenos, esta vez sobre rolas
clasicas del rock de los sesenta, en una especie de enorme collage muy al
estilo resident. Tambien recomendable, pero hay que llegarle con cuidado y
mente abierta. Quienes gusten de Faust, Can, Henry Cow y demas ya tienen la
mitad de la batalla ganada.
Y para este tipo de cosas
es mejor oir que leer veinte cuartillas, asi que por amabilidad de Jose
Manuel, nuestro Cajero Mayor, estan disponibles, como ilustracion para este
texto, ejemplos de los dos albumes comentados:
The Rutles: "Hold my hand" y "It's looking good"
http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Hold_My_Hand.mp3
http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Its_Looking_Good.mp3
The Residents: "Blue suede shoes" y "Hound dog"
http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Blue_Suede_Shoes.mp3
http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Hound_Dog.mp3
Hasta la proximaHector GomoraAguascalientes, Mexico
[Nota del Cajero: estos enlaces estaran disponibles *solo* hasta
la edicion del numero 682 de LCDM.]
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Autor: "Jose Manuel Inesta"
Asunto: Error_en_informacion_sobre_concierto_Kotebel_y_Cast
Hola a todos.
En el numero anterior de LCDM publique una fecha erronea del concierto de
Kotebel y Cast en Madrid. Ahi va la buena que es HOY !!!!!!!!
KOTEBEL
MADRID
Lunes, 31 de octubre 2005, 21:00 h (apertura puertas)
Sala CLAMORES (Alburquerque, 14 Bilbao, tfno 91 445 79 38)
5 euros
Entradas a la venta en la misma sala el dia del concierto desde las 18:30
El progresivo intimista, profundo y contemporaneo de KOTEBEL vuelve a sonar
en la noche madrileña. Aparecieron en el año 1999 con la idea de fundir el
rock sinfonico con la musica clasica y hoy dia es un proyecto eclectico que
incorpora en su lenguaje elementos provenientes del jazz y la musica
folclorica. Los tres discos que ha lanzado hasta la fecha: "Estructuras",
"Mysticae Visiones" y "Trozos de Luz" (los dos ultimos bajo el sello frances
Musea) han permitido a Kotebel una proyeccion internacional que lo situa
entre las principales bandas españolas de Musica Progresiva.
KOTEBEL ya toco en la Sala Clamores en Febrero de 2004 como antesala a su
participacion en el prestigioso festival internacional BajaProg, en Mexico,
y este año repite en Clamores para iniciar una nueva etapa de conciertos en
vivo, que continuara a lo largo de 2006 con su participacion en diversos
festivales internacionales. La evolucion creciente que ha sufrido la banda
durante todo este año es mas que evidente, y KOTEBEL lo demostrara tocando
el repertorio que llevara a estos festivales, y mostrando por primera vez
varios temas incluidos en su inminente cuarto album, titulado "Omphalos".
Si aun no conoces a este septeto, escucha su musica en formato MP3 en su web
oficial www.kotebel.com, y cualquier otro dato que quieras conocer sobre el
concierto o la sala buscalo en www.salaclamores.com
Omar Acosta: Flauta y EW5
Adriana Plaza: Teclados
Carlos Franco: Bateria y percusion
Cesar Garcia Forero: Guitarras
Jaime Pascual: Bajo
Carolina Prieto: Voces
Carlos Plaza: Teclados
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Autor: <saluedu@hotmail.com>
Asunto: LCDM: Os Brazoes - Os Brazoes (1969)
OS BRAZÖES : "Os Brazöes" (1969)
01. Pega a voga cabeludo (03:17)
02. Canastra real (02:52)
03. Modulo lunar (04:48)
04. Volksvolkswagen blue (02:35)
05. Täo longe de mim (02:10)
06. Carolina, carol bela (02:04)
07. Feitiço (03:12)
08. Planador (02:28)
09. Espiral (03:30)
10. Gotham city (03:15)
11. Momento b/8 (02:41)
12. Que maravilha (02:28)
- Miguel: Guitarra, voz.
- Roberto: Guitarra, voz.
- Taco: Bajo, voz.
- Eduardo "Brazilian octopuss": Bateria, percusiones, voz.
- Mandrake: Organo Hammond, percusiones.
- Arreglos de Os Brazöes.
Os Brazöes es una de las bandas representativas del movimiento
tropicalista (o "Tropicalia") de fines de los 60s, extendido por diversas
regiones sudamericanas. En el caso brasileno el tropicalismo tuvo unas
caracteristicas muy marcadas, con una fuerte presencia de la bossa nova (que
estaba teniendo mucho exito por Europa y EEUU a menudo impregnada de otros
estilos como el jazz o la cancion ligera), ritmos populares brasileiros
(Forro, Chorinho, las secuencias del candomble...) y herencia de los sonidos
electricos del momento, derivados sobre todo de la psicodelia "beatlesca" y
de la musica de alto voltaje de James Brown o Jimi Hendrix. Hubo muchos
representantes de este movimiento, como Gilberto Gil, Gal Costa o el grupo
Os Mutantes. Precisamente, Os Brazöes es el cuarteto instrumental (Miguel,
Roberto, Taco & Eduardo) que sustentaba las actuaciones en directo de la
cantante Gal Costa, apareciendo en algunas de sus primeras grabaciones (como
"Gal Costa" aka "Nao Identificado" , de 1969 o "Tuareg" de 1970).
Este trabajo supone la unica grabacion registrada por el grupo en
solitario y presenta una musica bastante adelantada a su tiempo, teniendo en
cuenta el año (el movimiento underground, la psicodelia y el rock acido
mantenian su discurso, y comienzan a desarrollarse las propuestas del
progresivismo sinfonico, el jazz rock con las grabaciones historicas de
Miles Davis y la fusion del rock con elementos latinos de Santana). Los
textos son en portugues y hay una clara presencia de elementos psicodelicos
(experimentacion con sonidos distorsionados de guitarra, sobre todo fuzz y
wah-wah, ecos espaciales en la voz y la percusion, ritmos repetitivos con
improvisaciones de los instrumentos...) que complementan los timbres mas
populares configurados a partir del uso de algunos instrumentos de
percusion, como las congas, los caxixis, guiros, claves o los bongos (lo que
retrotrae a los primeros discos de Santana).
El disco comienza con "Pega a voga cabeludo", tema con giros de un jazz
rock en estado embrionario (marcados por la seccion ritmica y sus breaks).
Contiene, ademas, arreglos para flautas interpretados por el propio grupo.
La predominancia del sonido crudo de las guitarras se deja sentir desde el
principio del disco; en "Canastra real", se presenta un esquema mas
complejo, con algunos cambios de tempo y colores armonicos proporcionados
por unos interesantes arreglos corales en el estribillo que se asemejan a
los primeros discos de Pink Floyd; "Modulo lunar", el siguiente tema, puede
ser el tema que mas se parece al repertorio del Saucerful of secrets de Pink
Floyd (1968), con su atmosfera inicial y las intervenciones del organo. El
sonido se asemeja, tambien, al estilo cultivado de Os Mutantes en su primera
epoca (sobre todo en su primer disco homonimo de 1968); "Volksvolkswagen
blue" es una version del clasico de Gilberto Gil incluido en su tercer disco
("Gilberto Gil 69"), todo un himno del tropicalismo con sus tipicas
intervenciones de guitarras distorsionadas; Los sonidos floydianos se dejan
sentir tambien en el siguiente tema, "Täo longe de mim", con ritmo mas
rockero y melodico; "Carolina, Carol bela" es una bossa nova, version de una
composicion de Jorge Bem que grabaria el violinista Toquinho en su disco
homonimo de 1969.
La segunda mitad del disco comienza con los ritmos potentes de
"Feitiço", a partir de una progresion guitarrera cercana al psicodelismo de
Os Mutantes, combinandose con atmosferas lisergicas del organo hammond y de
la guitarra wah wah, mas la solida base percusiva de las congas. El tema
tiene un tratamiento repetitivo que se va acelerando progresivamente (al
contrario que en el "Bike" del primero de Pink Floyd -The piper at the gates
of dawn de 1967-, que se va ralentizando); "Planador" es un medio tiempo,
mas tranquilo y melodico, con un estribillo muy sinfonico (aderezado con un
cuarteto de cuerdas que otorga una mayor profundidad en la textura);
"Espiral" tiene un aire mas jazzisitico con la inclusion de una seccion de
metales que presenta unas armonizaciones que buscan la disonancia expresiva
(al estilo del "Lizard" -1970- de King Crimson y tambien algo como en el
directo de Maquina! de 1972); En "Gotham City" se combinan agradables
armonias vocales en la estrofa con gritos desgarradores y ruidosos sonidos
de guitarra fuzz en el estribillo... mas dosis de psicodelia; "Momento b/8"
es un intermedio instrumental con progresiones "blueseras" en los
instrumentos melodicos (flautas, Hammond, bajo y guitarra) combinado con un
solido ritmo de bateria y percusion. El disco se cierra con una pequena
llamada a la batucada que acaba transformandose en una cancion brasileira
con arreglo para flautas (tambien cortesia de Os Brazoes).
En suma, este es un disco de importancia historica en el panorama
musical brasileno, fruto de las inquietudes de los musicos de aquellos dias.
Los instrumentistas presentan mucha solidez sin que predomine ningun solista
que determine la estructura de las piezas. Los ecos de los sonidos populares
brasilenos y el tropicalismo de esta epoca se dejan ver en este
interesantisimo exponente discografico, que ilustra muy bien el panorama
musical de su tiempo y que determinara el sonido de otros musicos de
aquellas tierras que gustaron de mezclar lo propio y lo ajeno, como Airto
Moreira, Hermeto Pascoal, Pau Brasil, Som Imaginario y tantos otros.
Un saludo a todos los cajeros y cajeras.
Edu Senogul
www.senogul.tk
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Autor: Alberto_Albas <ALBERTOALBAS@terra.es>
Asunto: Comentarios critica de Wobbler (y comparar con Glass Hammer)
Hola cajeros,
En esta ocasion quiero aprovechar la critica de Juan sobre el magnifico
album de Wobbler 'Hinterland' para hacer algunas puntualizaciones al
respecto.
> Un tema (2) "Hinterland" que dura casi 28 minutos y que viene a ser todo
un
> homenaje al rock mas clasico, continuos cambios, rico compositivamente
> hablando, buenas melodias aderezado por continuas cortinas de Mellotron,
> Hammond C3, Solina, Gran Piano y Mini-Moog esta combinadas en ocasiones de
> sutiles flautas y alguna guitarra acustica en los pasajes pastorales. Sin
> duda alguna mi tema favorito del 2005.
Ciertamente en este primer tema son evidentes ciertas de las influencias que
comentas, sobre todo en un par de momentos ELP y otro momento claramente
Gentle Giant, pero yo lo veo mas como algo puntual, en su mayor parte este
tema desarrolla la tradicion sinfonica del progresivo escandinavo de los 90,
aportando su toque personal, aunque hay que reconocer que Anglagard esta
presente.
> Pero solo es los dos primeros temas, ya que tanto (3) "Rubato Industry" y
> (4) "Clair Obscur" son claras referencias al estilo creado en los 90's por
> Anglagard y Anekdoten, es decir mezcla del mas oscuro y depresivo King
> Crimson con el folk escandinavo.
Completamente de acuerdo que en estos dos temas finales, desaparece
cualquier influencia evidente de los grandes de los 70 y toman la via
escandinava (asumiendo que el progresivo escandinavo de los 90 fuera un
estilo original, cosa discutible, pues la influencia de los 70 es obvia,
pero si que es un estilo claramente definido y que ha marcado bastante la
evolucion del prog actual). Y tambien aportan su toque personal, no se
dedican a copiar a Anglagard (especialmente) ni Anekdoten, pese a que muchos
momentos nos recuerden a ellos.
> En definitiva Woobler nos muestra sus dos caras o apuestas progresivas, la
> de homenajeador del rock progresivo setentero (GG, KC, EL&P, Genesis y
Yes),
> de verdad un tema o suite de casi 28 minutos de lo mejor que podeis
escuchar
> no por su originalidad sino por su claro sonido setentero y despues su
lado
> mas convencional a lo Anglagard y Anekdoten y quizas, en alguna fase, a
los
> propios White Willow.
> Yo personalmente me quedo con la primera faceta.
Bueno, yo no aprecio una separacion de estilos tan evidente, para mi todo el
sonido del album es bastante coherente, aunque es verdad que los toques ELP
y Gentle Giant no se encuentran en la segunda mitad del album.
Contrariamente a Juan a mi estos dos temas finales me gustan mas que
'Hinterland', muestran un estilo mas oscuro y epico, y espero que apunten
mejor su direccion futura hacia un sonido mas personal.
> Puntuacion 7.5/10
Yo creo que les pondria algo mas, como minimo un 8, este album me esta
haciendo disfrutar mucho. Y lo recomiendo especialmente a los que alguna vez
se han sentido emocionados por la magia de Anglagard.
>
> Salu2 sinfo... oscurodepresivos... escandinavos
Saludos Wobblerianos, Juan.
P.D. :
Me gustaria hacer una reflexion comparando este album con otro de los
albumes mas populares de este 2005, concretamente el de Glass Hammer. Y es
que ambos grupos muestran una clara inclinacion por las sonoridades 70s
(todo tipo de teclados analogicos, produccion, etc.) pero hay diferencias
bastante sutiles. En primer lugar, en mi opinion Glass Hammer no son capaces
de tener un sonido minimamente personal, resulta dificil no pensar en ellos
como un clon de Yes (especialmente escuchando en primer CD de su
'inconsolable secret'), no son solo las sonoridades, es que mimetizan todo
tipo de cliches de la discografia de Yes. Y eso que compositivamente es un
buen album, con buenas melodias, pero... ?resulta justificable hacer un
album que suena "clonado" a otra banda?.
Por otro lado tenemos en Wobbler a una banda tambien enamorada de las
sonoridades de los 70, pero tambien preocupada por buscar un sonido propio,
cierto es que hay citas a los grandes pero siempre puntuales y acotadas.
Tambien hay que reconocer que el substrato de prog escandinavo es
reconocible durante todo el album, y que puede sonar a Anglagard, mas por
identificacion de esta banda con este estilo que por adoptar Wobbler una
influencia exagerada de ellos. Tambien es muy diferente el formato de
expresion, mientras que los temas de Glass Hammer siempre van a parar al
formato "suite", es decir, diferentes sub-segmentos de partes cantadas e
instrumentales (como yes, vamos), en Wobbler los temas, aunque muy largos
son compactos y se desarrollan de una forma mucho menos previsible.
He tenido interes en comparar ambos grupos porque a veces parece que por el
hecho de que no te gusten determinados grupos de la escena actual, nada que
suene a 70s tenga interes. Yo soy el primero al que el sonido de un Moog, un
Mellotron, un Hammond (con mayusculas) le emociona mas que nada, pero no me
gusta que me intenten colar "clones". Hay otras formas de desarrollar
sonoridades 70s, como por ejemplo Wobbler nos demuestra.
Y bueno ya puestos comentar que el 'Inconsolable secret' de Glass Hammer,
para mi tiene poco interes, pese a que se redime algo en el segundo CD al
buscar otros caminos (voz femenina, orquestaciones, temas folk, etc.). Lo
considero un album justito y lo calificaria con un 5 "pelao".
Saludos,
Alberto Albas.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: kRe 2005
KRE: El Radio esta en la Cocina (2005)
Temas
1. La Curva y el Humo
2. Muco
3. El Radio Esta en la Cocina
4. Columpio
5. Entre 6 y 8
6. Eclipse Falcon
7. Exhalaciones
8. Una Corriente Indefinida y Otra Finita
Integrantes
- Ruben DHers: guitarras, efectos
- Raul Mosalve: bajo, Roland JP-4
- Jose Chemi Gutierrez: Fender Rhodes, Roland JP-4
- Hugo Marmol: bateria
- Jose Viruta martinez: percusion
Colaboradores - Ricardo Chitty (percusion en 1, 2 y 5, segunda bateria en 3,
4, 8), Gorgias Sanchez (saxo soprano en 1, clarinete en 7), Nayin Paiva
(trompetas en 5), Jose Manuel (piano en 8)
Con su nuevo disco El Radio Esta en la Cocina, la banda venezolana kRe no
solo aumenta la cantidad de miembros permanentes en su alineacion sino que
tambien amplia de manera bastante palpable su excelente y retadora paleta
sonora. Esta expansion estilistica le da la oportunidad al grupo a aumentar
su dosis de energia e intensidad en sus interacciones instrumentales,
complaciendo al oyente mas exigente con tal despliegue de versatilidad e
inventiva. El nucleo estilistico original, moldeado a partir de la
confluencia de las influencias crimsonianas, el jazz-rock y la vanguardia
minimalista a lo GYBE!, pasa a convertirse en un esquema de trasfondo, dada
la masiva incorporacion de estupendos colores de latin-jazz y folklore
tropical por el lado mas extrovertido, y de psicodelia tipo krautrock por el
lado mas oscuro. Tan masiva es la irrupcion de estos nuevos factores dentro
de la evolucion estilistica de kRe que la cosa ya mas parece toda una
reinvencion. Para ello resulta muy gravitante la adicion de un
percusionista, quien colabora de manera esencial en la elaboracion de un
aura exoticamente sabrosa de la seccion ritmica; mientras tanto, la
incorporacion del teclista Gutierrez (quien solo fuera un colaborador
ocasional en el disco debut) permite al grupo reforzar su trabajo de
arreglos sobre las ideas musicales basicas.
La secuencia de los tres primeros temas, tan freneticos y exuberantes como
son, nos pone frente a los ojos el canon que marca los retratos sonoros
creados por el quinteto, incidentalmente acompañado por un percusionista
extra o un saxofonista. Los efluvios fusionescos de La Curva y el Humo y
el tema homonimo y la celebracion funky de Muco nos transportan a un
ambiente de fiesta del alma con un incorporado elemento de neurosis que
permite crear algo de inquietud y misterio las maniobras guitarreras de
DHers suelen combinar la magia latino-tropical del mejor Santana con la
psicodelia de raigambre frippiana, mientras que Gutierrez se despacha con su
piano electrico distorsionado a lo Wazinul . Columpio es una pieza
marcadamente mas eterea, con sus cortinas minimalistas que remiten a la
faceta mas sutil del post-rock, lo cual permite un recreo reposado despues
de las tres intensas lecciones coloridas anteriores. Pero este recreo
termina con la emergencia de Entre 6 y 8, una pieza donde convergen los
espiritus de los dos primeros temas, llevando la esencia de las orquestas
clasicas de funky hacia el terreno de la fusion latin-jazz con soltura y
naturalidad: una vez mas, alegria con su toque de neurosis. Eclipse Falcon
nos devuelve a las atmosferas post-rock, como un ensueño en medio de una
bruma espiritual, hasta que la entrada de un motivo gracilmente veloz
durante los ultimos dos minutos y tres cuartos resucita la herencia del
krautrock maquinista a lo Can. Las dos ultimas piezas son las mas largas.
Exhalaciones emite sondas de imagenes oniricas que fluyen en circulos para
hipnotizar y arropar la mente del oyente durante 11 y ¾ minutos; finalmente,
Una Corriente Indefinida y Otra Finita, el cual ocupa los ultimos 13
minutos y 40 segundos del disco, cierra el mismo con una oportuna
condensacion de magia latin jazz y delirio psicodelico, recapitulando los
extremos mas claros y mas oscuros que se han ido expandiendo a lo ancho y
largo del repertorio integro.
!Que gran disco es este, en verdad! El Radio Esta en la Cocina es una de
las obras mas alucinadas y magistrales del rock vanguardista de los ultimos
años, del mismo modo que Ruido Domestico, el tambien fascinante disco
anterior no me cabe duda alguna sobre el status de kRe como uno de los
ensambles mas brillantes surgidos de las tierras venezolanas.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Jaime Rosas Cuarteto "Creciendo"
JAIME ROSAS CUARTETO: Creciendo (2005)
Temas
1. Invocacion
2. Creciendo
3. Un Volcan en las Nubes
4. Gravedad
5. La Hermandad del Fin del Mundo
6. Imprudencia
7. El Mito del Eterno Retorno
8. Ocaso
Integrantes
- Jaime Rosas: teclados
- Rodrigo Godoy: bajo, guitarras, voz
- Alex von Chrismar: bateria
- Javier Sepulveda: guitarras
Mientras va creciendo este ensamble dirigido por el genial teclista y
compositor chileno Jaime Rosas, su capacidad para crear musica fastuosa con
total elegancia y energia hace lo propio: el disco Creciendo es una
muestra fehaciente de ello. Siguiendo por la senda del precedente trabajo
Extremos, con la presencia añadida del guitarrista Javier Sepulveda la
arista rockera de la vision progresiva sinfonica de Rosas y co. se vuelve
mas filuda, permitiendo asi que la faceta necesariamente bombastica del
material salga a relucir sin tapujos de ningun tipo. Con las explosiones de
color y musicalidad vertidas en los dos primeros temas, el oyente ya sabe a
que atenerse: garra, precision y ambientes arrolladores, estos tres
ingredientes marcan la esencia de las partes mas esplendorosas de este
repertorio. Es de notar cuan sabiamente logra el cuarteto mantener la
fluidez en sus interacciones, demostrando asi tener control solvente sobre
las avalanchas sinfonicas que crean al unisono ello se cumple tambien en
el tortuoso Gravedad y el mas conciso Imprudencia, piezas donde la
musica progresiva parece adquirir la forma de una metralla arrojada de
manera inmisericorde sobre los sentidos del oyente receptivo. Siguiendo con
lo fastuoso, pero esta vez desde otra optica, Un Volcan en las Nubes
ofrece un hermoso cuadro de esplendor clasicista, en el cual los sonidos de
organo de fuelles y orquestaciones adicionales de guitarra nos devuelven
algo de la magia especial del barroco religioso.
El lado mas candoroso del disco emerge por primera vez en la orinica balada
acustica La Hermandad del Fin del Mundo: la manera en que fluyen los
acordes de las guitarras acusticas y el piano en conjuncion con el tarareo
de Godoy parece evocar un ensueño empapado de nostalgia y misticismo. La
suite El Mito del Eterno Retorno, con sus 18 minutos de duracion, se erige
en la composicion mas ambiciosa del disco. La idea central de este opus se
enfoca en la ilacion de los diversos motivos que la componen, poniendo
especial enfasis en la clara expresion de las melodias: en las partes mas
fieras lo pomposo aparece mas matizado, logrando asi mantener una fluidez
acorde con el aura evocativa de las secciones menos explosivas. Tras el
excelso viaje progresivo de esta suite, el hermoso y breve nocturno Ocaso
cierra el disco como un ultimo destello de luz antes de la oscuridad final.
A estas alturas, Jaime Rosas es todo un veterano, consistentemente dotado de
una admirable capacidad para reciclar las profundas huellas que el añejo
progresivo de Wakeman y Emerson han dejado en su estilo performativo y
compositivo, para luego crear algo refrescante y renovador a partir de tales
huellas el Cuarteto es el portavoz ideal de su creciente y cada vez mas
impresionante legado. Hasta ahora, Creciendo es su mejor obra, y
ciertamente, uno de los mejores discos del genero sinfonico del año 2005.
Cesar Mendoza
[Dedico esta reseña a Francisco Torre, quien me introdujo al mundo musical
de Jaime Rosas]
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Autor: <saluedu@hotmail.com>
Asunto: musicAbierta
Saludos a todos los cajeros y cajeras.
Soy Eduardo Garcia, cajero gijones y teclista del grupo Senogul. Os mando
la informacion de una iniciativa musicologica que empezamos a realizar el
viernes 4 de noviembre y que tendra lugar en el Ateneo Jovellanos de Gijon
(c/ Begoña 25, Gijon), una institucion cultural local, por si algun cajero
se acerca por aqui. Las sesiones son a las 19:30. La entrada, por supuesto,
es libre.
?Que es musicAbierta? Es un novedoso espacio de reunion y de escucha en el
que disfrutar de la musica sin prejuicios aprendiendo a descifrarla. En ella
habra un acercamiento teorico y practico hacia las realidades musicales
(pasadas, presentes e incluso futuras) mediante diferentes estrategias como
la interrelacion entre estilos musicales aparentemente diferentes o el
analisis critico de audiciones.
?Como se desarrollara? Mediante 2 sesiones mensuales de 75 minutos cada una
en la sala del Ateneo Jovellanos. Dichas sesiones estaran delimitadas por un
tema a tratar y en ellas se combinaran explicaciones (proporcionando el
vocabulario necesario para su comprension y haciendo su desarrollo ameno a
la par que didactico) y materiales audiovisuales ilustrativos, ademas de,
ocasionalmente, algun recital interpretativo o alguna sesion interactiva con
el publico.
?Por que "musicAbierta"? El nombre de la actividad hace referencia al
caracter abierto reflejado en diversos aspectos. Se trata de una actividad
en donde se abrira la musica a todas las opiniones, oidos y estilos. Tambien
la actividad es "abierta" en un sentido mas literal, al ir a la esencia y a
los elementos constitutivos de la musica. Ademas, se ampliara el concepto de
lo que el oyente esta acostumbrado a asumir como "musica" y "no musica",
abriendo su mente hacia la percepcion del sonido cotidiano como algo
inherente en nuestro habitat musical.
En suma, con esta actividad se transformara a aquella persona musiCerrada en
musicAbierta proporcionandole un nueva forma de acercarse, escuchar y
comprender la musica y abriendole una puerta hacia el placer de los
sentidos.
PROGRAMACION:
4 de noviembre
De Vivaldi a Deep Purple: ecos del barroco en el jazz y el rock
Concepto universal de musica clasica y su significado social en Occidente.
Breve periodizacion del Barroco, caracteriiticas y principales
representantes. La musica clasica en el ambito popular y sus implicaciones.
La intelectualizacion del jazz y del rock. Intercambios esteticos y formales
entre el Barroco, el jazz (Third Stream & classical crossover) y el rock
(progressive rock & heavy metal). Importancia del modelo "Bachiano".
25 de noviembre
Ultimas tendencias de la Musica Cristiana: el caso Catolico
Antecedentes y evolucion en el siglo XX. El concilio Vaticano II: el antes y
el despues. Los nuevos espacios sonoros. Generos y estilos: nuevas
perspectivas. Un ejemplo: la Missa Mundi.
2 de diciembre
Introduccion al hip-hop
Un breve recorrido por la historia de este estilo, desde sus origenes a
nuestros dias. Vocabulario general del hip-hop y caracteristicas musicales
de los distintos subgeneros. Tecnicas de sampleado, sintesis y programacion.
?Es violento el rap? ?Hacia donde se dirige?
15 de diciembre
Musica y Navidad
Origenes del villancico. La celebracion de la Navidad en distintas partes
del mundo. El villancico desde la perspectiva de la musica popular.
Caracteristicas musicales que definen la Navidad en cine y television.
Si quereis mas informacion podeis entrar en la pagina oficial del Ateneo
Jovellanos www.ateneojovellanos.com o contactar conmigo a traves de mi
direccion de correos particular.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Exsimio "Carbono 14"
EXSIMIO: Carbono 14 (2005)
Temas
1. Ser en el Ensueño
2. C-14
3. Amenaza
4. El Juicio II
5. Sentencia
6. Eugenesia
7. Haploide
8. El Trauko
9. Esquizofrenia
10. Fragmentos
11. 2012
Integrantes
- Carlos Perez: bajo, voz
- Fernando Jaramillo: bateria
- Juan Ignacio Iñaki Varela: guitarra
- Claudio Corcione: guitarra
Con este, su segundo disco, Exsimio continua por la senda musical iniciada
en su primer disco hace ya seis años: King Crimson es todo un hito dentro de
una importante fraccion del progresivo chileno actual, y ciertamente Exsimio
es una de las mas talentosas bandas de esta vertiente. La propuesta de
Exsimio reincide en y refuerza la faceta mas agresiva y neurotica del King
Crimson de los 80s, siempre llevandola un poco mas cerca de la vereda del
rock duro psicodelico contemporaneo. Varios de los titulos de este
repertorio, asi como las letras recitadas por el bajista Perez en tres
temas, le añaden un caracter patentemente combativo al asunto. Los relatos a
la vez airados e ironicos en torno a la violencia social (El Juicio II),
los grupos de poder (Haploide) y la deflagracion del medio ambiente
(2012) completan al aura rebelde que inunda cada nota y cada textura de
cada pieza de este disco. La portada y el resto del arte grafica son de por
si bastante significativas: las imagenes de las excavaciones y registros
arqueologicos pueden muy bien interpretarse como un simbolo externo del
deseo por escudriñar en la esencia de la autodestruccion sistematica de la
sociedad moderna.
Ser en el Ensueño comienza como una apertura sutil que anuncia el
despliegue de fuerza desarrollado en C-14 y Amenaza, fuerza que aparece
matizada por la alternancia entre pasajes frontalmente pesados y otros mas
medidos en los que las progresiones de acordes disonantes compartidos entre
las dos guitarras y el bajo ocupan el lugar central - Amenaza incluye
algunos de los solos de guitarra mas alucinantes de todo el disco. El aura
de inquietud y clamor airado flota en el aire como una nube pesada que
apenas se sostiene en el cielo para extender su oscuridad grisacea sobre el
mundo que habitamos: esta sensacion de desorientacion emocional en medio de
una niebla hostil aparece reflejada de manera peculiar en piezas como
Haploide y El Trauko - hiladas en una secuencia tremendamente
arrolladora - asi como en Esquizofrenia. Destaco tambien la cadencia
obsesiva (a veces casi marcial) de Eugenesia y el manejo inteligente de
climas decrecientes que tiene lugar en el apocaliptico tema de cierre
2012. En realidad, estas menciones especificas solo son muestras extraidas
de un bloque musical bastante compacto en el que cada uno de los componentes
mantiene un mismo nivel de desafiante intensidad que se cumple en el todo.
En resumen: con Carbono 14 Exsimio iguala la magia espectacular de su
esplendido disco debut, logrando de esta manera reafirmarse como una de las
maximas expresiones del progresivo crimsoniano de nuestros dias. Compra
recomendable en el sello chileno Mylodon Records [www.mylodonrecords.com].
Cesar Mendoza
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Autor: Mariano Bugarin <mariano_bugarin@yahoo.com.ar>
Asunto: la otra musica ::
Hola,
Mi nombre es Mariano Bugarin y soy miembro de LCDM desde hace ya varios
años, aunque mas como lector que como escritor.
Estoy terminando mi carrera de Comunicacion en la Universidad de Buenos
Aires y, como modesta practica profesional, decidi emprender un proyecto que
uniera tres de mis campos de interes: la musica progresiva, el periodismo e
Internet.
Por ese motivo quiero invitarlos a visitar mi blog :: la otra musica :: en
funcionamiento desde julio pasado en la direccion
. En ella publicamos noticias en
castellano sobre musica progresiva y otras vertientes relacionadas con ella.
Afortunadamente la informacion abunda y las actualizaciones son casi
diarias. Por ello les reitero la invitacion y espero que el material
disponible les resulte de interes.
Desde ya, queda abierta a ustedes la direccion de email
para toda informacion, comentario, sugerencia,
etcetera, que quieran acercarnos. Si asi lo desean, pueden tambien solicitar
ser incorporados a la lista de actualizaciones, a la que enviamos dos o tres
mensajes por semana con los ultimos titulares.
Desde ya, muchas gracias por su atencion :-)
Los saluda desde Buenos Aires,
Mariano
::la otra musica:: http://la-otra-musica.blogspot.com/
RSS: http://la-otra-musica.blogspot.com/atom.xml
email: otralogica@gmail.com
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Adrian Belew - Side One (2005)
ADRIAN BELEW : SIDE ONE (2005)
Discografica: Sanctuary Records
Temas:
1. Ampersand (4:23)
2. Writing on the Wall (3:53)
3. Matchless Man (2:32)
4. Madness (6:54)
5. Walk Around the World (4:58)
6. Beat Box Guitar (5:08)
7. Under the Radar (1:39)
8. Elephants (2:15)
9. Pause (1:20)
Musicos:
- Adrian Belew / vocals,guitars,various instruments
Musicos invitados:
- Danñ Carey / drums,tabla
- Les Claypool / bass guitar
- Peter Hyrka / violin
- Gary Lee Tussing / cello
Side One es la primera parte de una trilogia que el amigo Belew quiere
lanzar por completo durante este 2005. Asi que Side Two y Side Three en
principio apareceran antes de finalizar el año. En cada una de las tres
entregas Adrian nos mostrara sus diferentes tendencias compositivas, o sea
que es evidente que cada album ira por un camino distinto, si bien en total
es posible que puedan formar un conjunto de obras complementarias unas con
las otras. Veremos.
Con Side One Adrian Belew nos presenta un trabajo corto (33 minutos), en
el que nos muestra su cara mas roquera y en el que podemos apreciar
claramente quien es uno de los cerebros detras de los King Crimson de las
ultimas decadas. Digamos que en estilo se acerca bastante a lo que es un
album de King Crimson, pero estructuralmente este es un album diferente,
decantandose un poco mas hacia el formato cancion (que no cancion
radiofonica), lo cual no significa que sea menos interesante.
Atencion a los tres primeros temas, en los que Adrian necesitaba formar un
power trio. Pues que mejor que rodearse de dos musicos increibles como Les
Claypool bajista de Primus y Danñ Carey baterista de Tool. Sin duda las
elecciones perfectas ya que Primus y Tool son dos autenticos grupazos cuyos
miembros han reconocido una y otra vez estar influenciados por King Crimson.
Los dos primeros son trallazos funk-rock-crimsoniano de vanguardia mientras
que el tercero Matchless Man recuerda mas a la etapa Crimson de los 80.
Lastima que solo sean tres temas porque realmente el trio que forman estos
tres hombres ofrece increibles posibilidades. Esperemos que en el futuro se
vuelvan a reunir.
El resto de temas no se quedan cortos, con muchas reminiscencias a King
Crimson. Resulta asombrosa la capacidad de Adrian para cantar bellas
melodias beatleianas por encima extraños colchones instrumentales de
diferentes texturas. Merecen la pena destacar algunos instrumentales como la
tremenda Madness, cercana a los King Crimson mas minimalistas, o Beat Box
Guitar.
En definitiva, uno de los trabajos destacables del año y un album que no
deberia faltar en la coleccion de ningun fan contemporaneo del grupo de
Fripp.
Valoracion: 7.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
Octubre 2005
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Autor: "Ferran Lizana i Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Adrian Belew - Side Two (2005)
ADRIAN BELEW : SIDE TWO (2005)
Discografica: Sanctuary Records
Temas:
1. Dead Dog on Aspahalt (4:05)
2. I Wish I Knew (3:19)
3. Face to Face (3:03)
4. Asleep (5:23)
5. Sex Nerve (3:06)
6. Then What (3:02)
7. Quicksand (3:19)
8. I Know Now (1:26)
9. Happiness (1:53)
10. Sunlight (4:32)
Musicos:
- Adrian Belew / vocals,guitars,all instruments
Musicos invitados:
- Erick Cole / acoustic guitar,theremin
- Gary Tussing / cello
- Peter Hyrka / violin
- Leah Belew / whispers
Si con Side One Adrian nos mostraba su cara mas roquera y directa (pero
para nada convencional), con la segunda entrega de esta trilogia, Side Two
, trae consigo a los King Crimson mas experimentales y vanguardistas de la
etapa del grupo desde los años 80 hasta hoy en dia, aunque eso si, mucho mas
tecnificados. Con Side Two·Belew expresa su deseo de explorar en la musica
electronica pero sin perder para nada su propia identidad.
En esta ocasion, en vez de las guitarras afiladas y funkys, y la actividad
ritmica que predominaba en la primera entrega, tenemos gran cantidad de
sonidos techno-electronicos, baterias sintetizadas y programadas, loops,
efectos de todo tipo con las guitarras, etc, practicamente todo
instrumentado por el propio Adrian Belew.
Side Two es un trabajo extraordinario, igual de corto que Side One, unos
33 minutos, pero mejor, mas equilibrado y cohesionado. En su interior nos
encontramos con excepcionales composiciones a base de guitarras
minimalistas, adictivos ritmos tecnificados, colchones sintetizados y la
habitual e inimitable aportacion vocal de Belew, sobretodo piezas tan
hechizantes como Dead Dog on Asphalt, la increible Asleep, Sex Nerve,
Then What o Quicksand con reminiscencias del David Bowie de Scary
Monsters, aunque la totalidad del album es altamente sorprendente.
Una vez mas queda demostrado que su aportacion a los entonces renovados King
Crimson a principios de los 80, fue tan fundamental como la del propio
Fripp. Uno de los trabajos mas absolutamente destacables del año.
Esperaremos con ansia la ultima entrega "Side Three".
Valoracion: 8.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
Octubre 2005
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Reunion para la Reunion de GENESIS
Hola
!Peter Gabriel Reconoce una Reunion con Genesis para hablar de un posible
reencuentro!
Coincidiendo con la noticia de la reunion de Pink Floyd a primeros de año,
salio tambien el rumor de una posible reunion de Genesis pero en formato
trio (Collins-Banks-Rutherford) desde Ginebra... pero el tiempo paso y este
rumor fue desvaneciendose.
Ahora vuelve a salir otro rumor (parece mas oficial) de una reunion para
hablar de la reunion (valga la redundancia) que tendria lugar el proximo 20
de Noviembre 2005 en los "Fisher Lane Studios".
La veracidad de esta notica viene dada por las recientes manifestaciones de
Peter Gabriel durante la promocion de su nuevo DVD "Still Growing Up: Live
and Unwrapped" en una entrevista en un programa de espectaculos de la tele
inglesa, a esto hay que añadirle que anteriormente Steve Hackett: dejo en el
aire una indirecta de que "There's something afoot. There's a move afoot to
put us together again. At some point there's a reformation mooted. It's rare
that I get a call from Genesis management, very rare these days. So maybe
something will happen, you know."
En fin ojala haya una reunion y nuevo disco en formato progresivo....
ayudaria mucho a resucitar este genero.... y prefiero este rumor a la
anterior, me gusta mas Genesis progresivamente hablando con Peter Gabriel y
Steve Hackett que el formato trio, muerto a nivel creativo (solo es una
opinion personal e intransferible)
Salu2
Juan
PD: Actualmente Peter Gabriel esta inmerso en la composicion instrumental de
la musica de la fiesta de apertura del Mundial de Futbol Alemania 2006
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Autor: "DANIEL ROSALES" <daniel.rosales@gendarmeria.cl>
Asunto: pequena Muerte
Estimados:
Con respecto a que "The great gig in the sky" y lo dicho por Arges Srl en
contrapregunta de Javi Herrera.
"el mejor tema para hacer el amor" de la historia, o algo asi.
Yo creo que si conocieran lo que los creadores tenian en su mente sobre el
tema, el asunto de abajo se les vendria... abajo :-)"
Siguiendo con el ejemplo de "The great gig...", cada uno es libre de
pensar, y relacionar cada tema con lo que siente. Si los australianos lo
eligieron para hacer el amor sin saber que la tematica era la muerte,
bienvenido sea. Conocer el significado de un tema no tiene por que
distorcionar nuestros sentimientos y sensaciones sobre el, aunque a
veces la razon del saber no va de la mano con los sentimientos.
Quisiera decir que los franceses llaman al orgasmo: "La pequena muerte". Eso
en directa relacion con los estados biologicos y sensoriales que produce un
orgasmo. Dicho sea de paso, los orgasmos son significativos para nosostros
los seres humanos, porque son en un sentido amplio, agradables de realizar.
Incluso las hembras de nuestra especie son las unicas que tienen orgasmos
femeninos (?desarrollo evolutivo destinado a evitar que nuestros ancestros
bipidos se levantaran de pronto disminuyendo las posibilidades de
fertilizacion?)
Probablemente el horror a la muerte es muy parecido al amor a la vida. Odiar
implica un esfuerzo muy parecido al amar. En el libro "el nombre de la rosa"
el autor hace una muy buena analogia, el protagonista (un monje de la edad
media) ocupa practicamente las mismas sentencias (fuego, calor, perdida de
la conciencia, estado alterado de animo, fuerza que gobierna mis actos,
etc.) para hacer referencia al infierno que a un orgasmo. El protagonista
cae en cuenta de aquello y el lector tambien.
Finalmente, separar obra de autor muchas veces puede ser un trabajo para
ratones de biblioteca o historiadores, pero el interpretar es para
semiologos o gozadores.
Saludos
Daniel Rosales
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Australis "Terra Australis"
AUSTRALIS: Terra Australis (2005)
Temas
1. Intro
2. Andromeda
3. Aquaris
4. Ganimedes
5. Astro Rey
6. Tribal
7. Big Bang
8. Eclipse
9. Ciberlatin
Integrantes
- Rodrigo Vinaixa: teclados y secuencias
- Richard Pilnik: guitarras
- Rodrigo Sanchez: bateria
- Braulio Aspe: bajo
- Jose Villablanca: multimedia
Capturando la aureola eterea de las texturas sonoras espaciales por un lado,
y la fuerza del rock por el otro, y luego combinando ambos recursos en una
amalgama sonora bien integrada y rica en alusiones melodicas, el combo
instrumental chileno Australis ha logrado crear una propuesta progresiva que
se siente intimamente contemporanea, a la vez que cumple con las exigencias
de inventiva y solvencia tecnica propias del rock progresivo. De la mano del
guitarrista Richard Pilnik (proveniente de Entrance) y el versatil teclista
Rodrigo Vinaixa, el grupo maneja sus ideas musicales con una soltura facil
de notar, moviendose firmemente entre las coordenadas de la psicodelia de
base electronica a lo Ozric Tentacles de los ultimos años y las del
jazz-rock de raigambre dura (Tribal Tech, CAB, Planet X).
Tras la escucha de la breve pieza ciberneticoide de entrada y el efectivo
Andromeda, nos podemos advertir claramente de que va la onda musical de
Australis. El gancho agradable y la energia contagiosa son los dos
ingredientes infaltablemente recurrentes que hacen del repertorio un motivo
para una escucha placentera y generadora de sentimientos positivos en la
psique del oyente: eso se debe en buena parte al hecho de que los musicos
nunca rompen el equilibrio sostenido a traves de la unidad de su ensamble.
Los solos de guitarra, los colchones y solos de teclado, los efectos
hipnoticos de sintetizador que cruzan el firmamento sonoro del grupo,
aparecen coherentemente sostenidos por la bien afiatada dupla ritmica.
Aquaris se enrumba por senderos un poco mas introspectivos, mientras que
Ganimedes parece ubicarse en un punto medio entre los paisajes
respectivamente plasmados por las dos piezas anteriores: particularmente me
llama la atencion el pulcro manejo de sincopas que realiza la seccion
ritmica, asi como la limpieza con la cual el bajista Braulio Aspe hace un
solo antes del solo final de Pilnik. Es uno de los temas mas brillantes del
disco, no me cabe duda. Otra pieza particularmente brillante es la que viene
justo despues, Astro Rey, en la cual se ofrece una compleja confluencia
entre el Camel moderno, el Holdsworth de los 80s y la faceta mas mesurada de
Dream Theater. Tribal retoma la esencia nuclear de Andromeda, y por su
parte, Big Bang y Eclipse ponen especial enfasis en el jazz rock con una
linea marcadamente melodica. El tema de cierre Ciberlatin concluye el
disco con una actitud un poco mas ligera, aportando una impresion final de
vivacidad.
Pilnik ha podido con este nuevo material ir mas alla de su tendencia
habitual rockera tal como aparece vertida en los dos discos de Entrance,
dando rienda suelta a la influencia que gente como Allan Holdsworth y Toñ
MacAlpine tambien ha dejado en su propio estilo guitarrero. Con todo, cabe
reiterar que, a pesar del papel protagonico que asumen sus solos en cada una
de las piezas de este disco, este grupo sabe funcionar como una unidad
compacta. La creacion de una magia musical en conjunto, consistente sin caer
en lo reiterativo, hace de Terra Australis un disco muy especial:
Australis emerge como una revelacion muy interesante a la cual habra que
seguir los pasos con atencion en el futuro.
Cesar Mendoza
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