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La caja de musica Number 0605
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #605 octubre 2004 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* El panorama actual in Spain (Fe de Olvidos II)
* El #600 / Tangerine Dream
* Yes / "Relayer"
* Yes / "Going for the One"
* novedades de Viajero Inmovil
* ADAGIO: "Santus Ignis" (2001)
* Dixie Dregs 1979
* Fripp y Emmanuelle 1
* Manticornio actualizado
* Colosseum - Valentyne Suite (1969)
* The Flower Kings - Adam and Eve (2004)
* Forgotten Suns - Snooze (Spain)
* Lana Lane y Eric Norlander en Montcada i Reixac
* Acerca del fanzine Atropos
* reseña_del_colectivo_CRUCIAL
* Concierto_MAGMA_2003
* 30_años_de_Salsa_Catalana
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: El panorama actual in Spain (Fe de Olvidos II)
Hola
Os mando dos grupos del nuevo panorama en España
Dracma: Grupo barcelones de Neo Progresivo o rock sinfonico y progresivo
clasico activo en los 90's, que editaron dos discos, en 1994 "Limits" y en
1996 para Mellows Records "A Fine Stormy Weather". En 1995 grabaron tambien
un tema "The Lies dies down on Brodway" para un doble album tributo a
Genesis editado por Mellows Records con el titulo "The River of constant
change"
Actualmete Dracma, esta grabando su 3er CD (medio conceptual) con Jordi
Amela (Teclados) y Jordi Prats (Guitarra) como siempre tirando del carro y
componiendo, con nuevas, interesantes y curiosas incorporaciones, algunas
extranjeras. Tienen previsto que se finalice la grabacion en Enero del 2005.
Web: Actualmente no dispone de web
SpyLight: La luz espia es un grupo procedente de Tarragona que interpretan
un rock experimental y progresivo con ciertos toques piscodelicos y mucho
sabor a The Doors.
Web: http://www.spylight.tk/
? Habra III parte de Fe de Olvidos ? ya veremos
Salu2
Juan
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Autor: "Benitez Baena Alberto" <abenitez@infonavit.org.mx>
Asunto: El #600 / Tangerine Dream
Al Cajero Mayor (en primer lugar) y a todos los cajeros activos
(especialmente a los mas activos) y pasivos una sincera felicitacion por
haber llegado todos al numero 600.
Todavia recuerdo que en el numero 303 (octubre del 2001) esta Caja
habia sido visitada 30,000 veces. A la fecha, 297 numeros despues,
esta maravillosa Caja ha sido visitada casi 630,000 (SEISCIENTOS TREINTA
MIL) veces. IMPRESIONANTE, GEOMETRICO, LOGARITMICO, PANTAGRUELICO, que
se yo.
[Nota del Cajero: :-) :-) :-) ]
- - - - -
Acabo de conseguir en CD con MP3s de Tangerine Dream y volvi a recordar
mis caminatas espaciales que daba alla por la segunda mitad de los 70s
por Alfa Centauro, por los bordes de la Via Lactea, Beltegeuce, Orion,
Urano, y otros lugares. Gracias Cesar Inca por tus reseñas.
"Excuse me while I kiss the sky" (Hendrix).
Saludos desde Mexico, DF
Alberto Benitez Baena
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Autor: emiliano acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: Yes / "Relayer"
Yes : "Relayer"
1. Gates of Delirium (Anderson/Howe/Moraz/Squire/White) - 21:55
2. Sound Chaser (Yes) - 9:25
3. To Be Over (Yes) - 9:08
- Jon Anderson - Voces
- Steve Howe - Guitarras, Voces
- Chris Squire - Bajo, Voces
- Patrick Moraz - Teclados
- Alan White - Bateria
Producido por Yes y Eddie Offord.
Roger Dean - Disenios, Ilustraciones, Disenio de tapa
Jean Ristori - Fotografia
La polemica surgida por la musica incluida en "Tales from Topographic
Oceans" fue grande entre los criticos que lo acusaron de ser "pretencioso";
sin embargo el album tuvo muy buenas ventas y no cayo del "Top Ten". Por
eso, los integrantes del grupo no tuvieron miedo de incrementar la apuesta a
la hora de componer y grabar al sucesor de este controversial album doble.
Es asi que con "Relayer", editado 11 meses despues de Tales (5/12/74), la
musica se organizo hacia la realizacion de "suites" que alternaban
momenentos abrasivos (con densidad ritmica) y secciones instrumentales que
incluian solos de varios instrumentos junto a delicados tratamientos vocales
y corales. Por su parte, las surrealistas y poeticas letras incluian una
vision enfocada hacia la imaginativa espiritual y devota. La musica del
grupo toco la cumbre del surrealismo musical y cosmico, ya que las fantasias
musicales de Yes poco tenian que ver con lo que pasaba en lo cotidiano y que
podia verse en las calles de las ciudades y actuaban en las mentes de los
oyentes como si "quisieran abrir las puertas del delirio". El cambio
fundamental producido en este disco fue el ingreso del suizo Patrick Moraz
en reemplazo de Rick Wakeman, quien se fue de Yes (en junio de 1974) luego
del exito de su segundo album solista llamado "Journey to the Center of the
Earth". La partida de Wakeman fue traumatica para el grupo, como lo recuerda
el propio Rick: "Me sentia tan confuso que le envie un telegrama a Brian
Lane para que el se lo contara a los demas. Se que no lo entendieron, pero
no pude hacer otra cosa.
Yes era mucho para mi." Lo que estaba claro es que Wakeman tambien estaba
muy cansado y con la salud deteriorada, por eso tuvo un infarto pocos dias
despues de su salida de Yes cuando tenia 25 anios recien cumplidos. Sin
embargo, el primer reemplazo para Wakeman elegido por el grupo no fue Moraz
sino el griego Vangelis, ex tecladista del grupo Aphrodite Child. Pero la
seccion de prueba que dio con Yes no fue del todo satisfactoria. Ademas a
Vangelis no le gustaba volar en avion, lo cual para un grupo como Yes tan
habituado a las giras era todo un problema. Vangelis quedo descartado pero
en el futuro cultivaria una fructifera amistad musical junto a Jon Anderson.
De esta manera, ahora si, se inclinan por Moraz para reemplazar a Wakeman.
Moraz venia del trio progresivo Refugee, formado junto a los dos ex-The Nice
Lee Jackson (bajo y voz) y Brian Davidson (bateria). Moraz fue invitado por
el manager Brian Lane a participar de un ensayo del grupo para ver como se
entendian. Esto ocurrio en la primera semana de agosto de 1974 y como todo
salio muy bien, Patrick se unio de inmediato a la banda justo a tiempo para
participar de las sesiones de "Relayer". Este album fue grabado con los
equipos del productor Eddie Offord en el mismisimo garage de la casa de
Chris Squire, que habia sido convertido en un primitivo estudio de
grabacion.
Con respecto a la "suite" que abria el disco, "Gates of Delirium", Jon
Anderson dijo "que se trataba de una cancion sobre la guerra, la escena de
una batalla. Pero nuestra intencion no era denunciar la guerra, ni tratar de
explicarla, sino que se trataba de una descripcion emocional; que termina
con una expresion de resignacion, con un dejo, como diciendo: 'Siempre
tendremos que pasar por todo esto?'. Yo compuse la melodia pensando en la
guerra y se la toque al resto del grupo en un piano. Por eso mientras hacia:
'tanan - tanan - tanantanan - tanantanannnn', todos me miraban como si
estuviera loco..." La musica, en si, describe una humanidad al borde del
caos, pero finaliza con la calma, con el triunfo de la vida sobre la muerte,
con Jon cantando la bella "Soon" (que pronto seria editada como simple).
Con respecto a los efectos de sonido de la pieza fueron en mayor parte
merito de Moraz, quien ya habia tenido conversaciones acerca de musica
concreta con Jon Anderson, quien por su parte era conocedor de la obra de
Stockhausen y otros compositores contemporaneos.
Con respecto a "Sound Chaser" ("Perseguidor de Sonidos"), este fue el primer
tema que Patrick Moraz ensayo con Yes. El tecladista dice que Steve Howe
le explico la idea basica (sobre el tema) y "que tocar y cuando". Mientras
tanto, Moraz tomaba nota de todo porque su ingles era muy basico aun...
Justamente, algunas de las primeras ideas que tuvo el tecladista, en esa
primera tarde con Yes, terminaron siendo parte de la version definitiva del
tema que fue grabada. Por su parte, Howe dijo que "este tema es una
mezcla indescriptible entre los teclados casi jazzeros de Moraz y mi delirante
guitarra electrica, en un punto un poco flamencoide..."
Para describir a "To Be Over", el tema que cerraba el disco, Anderson
senialo que era "fuerte en contenido, pero tranquilo y melodioso en su
actitud. Habla de como tenes que cuidarte a vos mismo cuando las cosas salen
mal. Steve Howe y yo escribimos la introduccion. Era una epoca en la que
Howe estaba muy entusiasmado con la Pedal Steel Guitar. Las letras fueron
mias y la banda entera compuso la parte final."
En lo que a repercucion comercial respecta, "Relayer" se mantuvo dentro del
"Top Ten", llegando a ser disco de oro. Cuando el disco aparecio, a fines de
noviembre de 1974, fue todo un exito ya que ingreso en el puesto cuatro en
Inglaterra y en el quinto lugar en los Estados Unidos. Igualmente, los
criticos continuaron las malas criticas sobre la musica del grupo y por eso
acusaron a "Relayer" de ser "poco conciso" en lo musical y de tener
canciones de estructura "poco coherentes". Toda esta actidud negativa hacia
los grupos progresivos coincidio tambien con el final del apogeo del rock
sinfonico, cuando las primeras estruendosas disonancias del Punk estaban a
la vuelta de la esquina.
(Bibliografia: A. Rosso, J. Serra i Fabra, C. Kleiman, H. Armas, E. Quintana
y "Yesyears")
Compilado por Emiliano M. Acevedo
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Autor: emiliano acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: Yes / "Going for the One"
Yes : "Going for the One"
1. Going for the One (Anderson) - 5:30
2. Turn of the Century (Anderson/Howe/White) - 7:58
3. Parallels (Squire) - 5:52
4. Wonderous Stories (Anderson) - 3:45
5. Awaken (Anderson/Howe) - 15:38
- Rick Wakeman - Organo, Piano, Teclados, Arreglos Corales, Polymoog
- Jon Anderson - Arpa, Voces
- Steve Howe - Guitarras, Steel, Voces
- Chris Squire - Bajo, Voces
- Alan White - Percusion, Bateria
- Producido y arreglado por Yes.
- Alex Grob - Fotografia
- Roger Dean - Disenio de logo
- Brian Lane - Productor Ejecutivo
- John Timperley - Ingeniero
- Hipgnosis - Disenios, Fotografia
- David Richards - Ingeniero Asistente
- George Hardie - Arte Visual
- Jaques Straessle - Fotografia
- Sean Davis - Encargado de Corte
- Richard Williams Singers - Trabajo Coral
El 7 de julio de 1977 se produce el regreso de Yes de la mano de "Going For
the One", el primer disco editado luego de un parate de casi dos anios y
medios en los que los integrantes del grupo se dedicaron a la elaboracion de
sendas producciones individuales. Este disco tambien trajo como novedad el
regreso de Rick Wakeman a la banda luego de tres anios de ausencia; asi como
tambien un retorno a la composicion de canciones mas cortas luego de la
experimentacion de "Close to the Edge", "Tales from Topographic Oceans" y
"Relayer". En muchos aspectos, "Going for the One" podria ser considerado
como el "sucesor" de "Fragile". Sus cinco numeros musicales incluian letras
imaginativas y abstractas, mientras que la musica alcanzaba una calidad que
rozaba un nivel grandioso y melodico por igual. En "Going for the One", las
armonias vocales estaban perfectamente balanceadas por el magistral trabajo
instrumental realizado por Howe en guitarras y Wakeman en teclados. Mientras
que, por otra parte, White y Squire se mostraban muy solidos elaborando
solidas y eficientes bases ritmicas que apuntalaban la estructura musical.
Este nuevo disco fue grabado (por motivos impositivos) en Suiza. Alli, luego
de un mes de ensayos, quedo claro que la quimica musical del grupo con
Moraz no funcionaba mas y la banda le pidio que se fuera. Entonces, el
manager, Brian Lane contrato a Wakeman en calidad de sesionista invitado.
Cuando Wakeman se junto de nuevo con sus ex-companieros le gusto mucho la
musica que estaban ensayando y no paso mucho tiempo para que se integrara
a Yes en calidad "full-time"; debido a las insistencias del mismo Lane
y de Chris Squire. En ese entonces, Squire declaro: "Rick nunca debio
haberse ido, en primer lugar. Debio haber seguido con sus cosas solistas
y tambien con la banda, pero el tambien tenia su ego. Sus primeros albumes
solistas fueron un exito de ventas y (a el) no le gustaba nada el material
de "Tales From Topographic Oceans". Tal vez el hecho de que eramos bastante
jovenes en aquel momento hizo que las cosas no se hablaran como era debido,
pero yo no soy nadie para hablar... porque yo tambien tenia demasiados
problemas."
A fines de diciembre del '76, Wakeman decia: "Cuando me fui de Yes no fue
porque tuviera problemas con los otros, sino porque, simplemente, sentia la
necesidad de buscar nuevas sendas musicales por mi cuenta, de experimentar
con algunas cosas que no iban en el grupo. Yes es un grupo que tiene muy
claros sus alcances, sus fines, sus intenciones, lo que quiere hacer, hasta
donde quiere llegar, y, con respecto a esto, es un poco estricto. Cuando
decidi separarme, lo hice porque no me sentia plenamente satisfecho con esas
pautas: queria establecer las mias propias, y tener (de paso) mas libertad
para 'inventar' y explayarme en cualquier direccion. Ahora que complete ese
circulo, volver a Yes es algo casi logico, natural.
Ellos se entienden bien conmigo y yo con ellos. No se -y creo que aunque lo
supiera no soy yo quien debe decirlo- cuales fueron las razones de la ida de
Moraz, pero no creo que haya sido una situacion de violencia entre el resto
del grupo y el; probablemente quiera seguir con sus trabajos individuales,
no se. Lo unico que puedo decir es que el grupo y yo nos pusimos en contacto
y (casi sin darnos cuenta) llegamos a la conclusion de que estabamos de
acuerdo en trabajar juntos otra vez. Tal vez dentro de un mes nos
separaremos nuevamente, no puedo saber que va a pasar en el futuro, pero
pienso que, a pesar de todo lo que hemos hecho separados en este tiempo que
transcurrio, seguiremos entendiendonos tan bien como siempre."
Con respecto a la grabacion de "Going For The One", Jon Anderson declaro en
aquel momento: "El album fue una especie de celebracion. En los ultimos dos
o tres anios estuvimos experimentando un monton, y estamos felices de poder
concretar eso en un disco que es mas suelto y relajado que los anteriores."
Alan White tambien guarda lindos recuerdos al respecto de la grabacion de
este disco, ya que segun el "estaban felices con la vuelta de Rick... y
ademas el estaba tocando mejor que nunca..."
El disco abria, justamente, con el tema "Going for the One" de la mano de un
"ironico" riff de guitarra mas cercano al estilo de Page en Led Zeppelin que
al del Yes. Pero no solo esto hizo Howe aqui, ya que su trabajo en la steel
guitar fue soberbio. De acuerdo a su autor, Jon Anderson, este tema "trata
acerca del mundo de los deportes y las competencias. Parte del tema, habla
de las carreras de caballos; pero tambien me inspiro una pelicula que vi
acerca de unos deportistas que atraviezan el Rio del Gran Canion del
Colorado, en una de esas balsas de goma... aunque tampoco me olvide de
mencionar a la "mente cosmica" en una parte de la letra."
Con respecto a "Turn of the Century", Jon Anderson dice que penso "en la
historia de un escultor que quiere hacer una estatua de piedra dedicada a su
amada, fallecida en invierno. La inspiracion primigenia me vino de la opera
"La Boheme" y (obviamente) de la historia (mitologica) del "Pigmalion". El
punto culminante de este cuento es que el escultor pone todo su amor en esta
estatua, y ella (finalmente) cobra vida."
"Parallels" es una pomposa cancion con la cual la banda abriria los
conciertos en los anios posteriores. En ella, Wakeman toca unos autenticos
organos de iglesia, grabados en St. Martin's Church, Vevey, Suiza. En parte,
"Parallels" es (casi) una prima lejana de la vieja "Roundabout", en lo a que
ritmo e intencion respecta, aunque (obvio) sin la trascendencia de aquel
viejo clasico. Con respecto a la composicion del tema, Squire decia: "Se
trata de un amor espiritual. Un tema que ofrece un mensaje de esperanza. En
algun momento pudo haber integrado mi primer album solista ("Fish Out of
Water"), pero lo pense mejor y lo reserve para un futuro disco de Yes.
Tambien, en este tema, hay una superposicion de dos estilos: por un lado
esta el riff de blues de mi bajo y, por el otro, el organo de la catedral;
todo sonando al mismo tiempo..."
Despues llegaba la hermosa balada "Wonderous Stories", a la que Steve Howe
describio como "parte del periodo renacentista de Jon Anderson. Es por eso
que a esta balada la recorre un sentimiento de musica clasica". El tema se
compuso en Suiza y Anderson dice que: "Era un hermoso dia. Uno de esos
momentos que uno recuerda por muchos anios y, de repente, la letra de
"Wonderous Stories" me vino a la mente. Es una cancion exuberante que habla
de las alegrias de la vida. Una secuencia de ensuenio que recorre historias
del pasado y del futuro".
El album concluye con "Awaken", un impresionante tema largo que se coloco
"de cabeza" entre los mayores clasicos de la historia del grupo. Segun el
mismisimo Anderson, "Awaken" fue "lo mas grande que hicimos jamas". Aqui,
otra vez, las letras son surrealisticas, cosmicas y misticas al extremo. Por
eso, tanto Anderson como Squire cantan como si fueran "autenticos muertos"
que evocan las visiones extraordinarias y superterrenales que estan
viviendo. El climax instrumental final, luego de una parte media
experimental, es simplemante demoledor y emocionante y uno de los momentos
mas gloriosos que haya grabado Yes en toda su historia. Aqui se subraya el
caracter mistico del tema cuando se evoca (respectivamente) a los maestros
de las imagenes, del alma, de la luz, y del tiempo. Con respecto a la
composicion del tema, Anderson dice: "Estando en Suiza, tuve la oportunidad
de leer un libro llamado "The Singer" ("El Cantante"), que trataba acerca de
un himno antiguo. Tambien fui influenciado por otra lectura, acerca de la
vida del pintor holandes Rembrandt..." Alan White cuenta que "el tema fue
dividido en diferentes secciones, para su grabacion; pero nosotros tuvimos
siempre la totalidad del tema en mente, el modo en que tenia que quedar la
composicion final". Dice ademas, que en ese final monumental de "Awaken":
"Rick Wakeman estaba tocando el organo de iglesia en una iglesia que estaba
a 16 kilometros de distancia del estudio y nosotros nos comunicabamos con el
a traves de cables telefonicos."
Una vez editado, el album muy pronto alcanzo el primer lugar de los rankings
ingleses y la octava colocacion en los Estados Unidos. Sin dudas, marcando
que el regreso de Yes habia sido todo un exito. Al mismo tiempo, el grupo
conseguia un triunfo inesperado en el mercado de singles cuando, en
septiembre del '77, el tema "Wonderous Stories" trepo hasta el septimo lugar
en Inglaterra.
(Bibliografia: A. Rosso, H. Armas, E. Quintana, R. Boissoneau; Revista "Pelo",
"Yesyears")
(Esta resenia final de Yes (con anecdotas) esta dedicada al Profesor Carlos
Alicino, severo titular de Tecnicas Electronicas y Laboratorio, (pero) fana de
Yes como yo.)
Investigacion: Emiliano M. Acevedo
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: novedades de Viajero Inmovil
HOLA CAJEROS, los saluda Cesar Mendoza.
Aqui les transcribo un mensaje de la distribuidora/editora argentina Viajero
Inmovil, anunciando las novedades para el mes de Octubre que acaba de
comenrzar.
NUESTRO SELLO
REDD LAND (Esteban Cerioni Band) - De tiempos pasados (1983) - Argentina
TITULOS EXCLUSIVOS
PEZ - Cabeza - (2004) - Argentina (reedition)
PEZ - Quemado - (2004) - Argentina (reedition)
SANFILIPPO, BRUNO - Sons of the light - (1991) - Argentina (back to stock)
SANFILIPPO, BRUNO - The new Kingdom - (1995) - Argentina (back to stock)
SANFILIPPO, BRUNO - Solemnis - (1998) - Argentina (back to stock)
SANFILIPPO, BRUNO - Suit Patagonia - (2000) - Argentina (back to stock)
CDs ARGENTINOS
ALMENDRA - En vivo Teatro del Globo - (1969) - Argentina (exclusive limited
edition, few copies)
NARVAJA, ROQUE - Octubre (mes de cambios) - (2000) - Argentina (back to
stock, last few copies)
SPINETTA JADE - Bajo Belgrano - (2004) - Argentina (reedition digi-pack)
CDs OTROS PAISES
ALEXL - Triz - (2004) - Brasil
BENCHIMOL, SERGIO - A drop in the ocean, an ocean in a drop - (2004) -
Brasil
LELO NAZARIO - "Se ..." - (1987) - Brasil
HADDAD - Ars longa vita brevis - (2004) - Brasil
SARAX - 570.kythera - (2003) - Chile
SOM IMAGINARIO - Som imaginario - (1970) - Brasil
SOM NOSSO DE CADA DIA - A procura da essência - (1975-1976) - Brasil
PROXIMO LANZAMIENTO VIAJERO INMOVIL Records
JINETES NEGROS - El jinete negro (2000) - Argentina
JINETES NEGROS - Cronos (2001) - Argentina
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VIAJERO INMOVIL Records
L. de la Torre 758 D° 2
Quilmes O. (1879)
ARGENTINA
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Autor: "marcelo olivera" <marceplus@hotmail.com>
Asunto: ADAGIO: "Santus Ignis" (2001)
ADAGIO: "SANTUS IGNIS" (2001)
Adagio es una banda francesa cuyo estilo podria definirse como power metal
neoclasico progresivo. Su album debut muestra claras influencias de Symphoñ
X, pasajes de musica barroca, magnificas atmosferas de teclados y furiosos
riffs de guitarra.
Para el oyente progresivo promedio, no demasiado habituado al prog metal (es
mi caso), hay suficientes elementos disfrutables (los sorpresivos cambios de
ritmo, los intermedios clasicos, algunos coros bien logrados, la riqueza
melodica y el virtuosismo en las interpretaciones), asi como algunos un
tanto irritantes (el doble bombo machacon y algunos excesos -muy pocos en
realidad- del cantante).
Tres temas destacados dentro de un contexto bastante parejo: "In Nomine",
pleno de matices barrocos; el extenso y cambiante "Seven Lands of Sins", y
el atmosferico bonus track de cierre, "Niflheim".
"Santus Ignis" es un disco que puede resultar mas que interesante para
quienes gusten del metal progresivo al estilo de los mencionados Symphoñ X
y de la velocidad no exenta de buenas melodias, propia de bandas como
Stratovarius o Sonata Arctica.
Temas:
1. Second Night
2. The Inner Road
3. In Nomine
4. The Stringless Violin
5. Seven Lands of Sins
6. Order of Entil
7. Santus Ignis
8. Panem et Circenses
9. Immigrant Song
10. Niflheim
Integrantes:
* David Readman: voz
* Richard Andersson: teclados
* Stephan Forte: guitarra
* Franck Hermanñ: bajo
* Dirk Bruinenberg: bateria.
marceplus@hotmail.com
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Dixie Dregs 1979
DIXIE DREGS: Night of the Living Dregs (1979)
Temas
1. Punk Sandwich
2. Country House Shuffle
3. The Riff Raff
4. Long Slow Distance
5. Night of the Living Dregs
6. The Bash
7. Leprechaun Promenade
8. Parchwork
Integrantes
- Steve Morse: guitarras
- Andy West: bajos
- Rod Morgenstein: bateria
- Allen Sloane: violines
- Mark Parrish: teclados
Este es el cuarto disco del ensamble jazz rock Dixie Dregs, el mismo que es
ahora toda una leyenda para muchas bandas nuevas que se han dejado influir
por su colorida onda alimentada por la marca peculiar del jazz añejo, las
vicisitudes del jazz fusion (particularmente el lado mas festivo de Return
to Forever y Weather Report), y el fuego peculiar del country, todo ello
sazonado con algunos sabores de corte hard rock. Los cuatro ultimos temas de
este disco son tomados de la performance que realizaron en Julio de 1978, en
el contexto del Festival Internacional de Jazz en Montreux: las ovaciones
que se escuchan al final de cada tema pueden muy bien ser interpretadas como
muestras merecidas de elogio para una banda que combina la majestad de la
solvencia tecnica con el impetu emocional de un material que parece estar
siempre dispuesto para transmitir alegria y entusiasmo. El rol efectivo de
la talentosa dupla ritmica Morgenstein/West resulta crucial a la hora de
sostener este clima general de vitalidad pulcramente efectuado.
Punk Sandwich abre el disco con un inconfundible aire rocanrolero que
sirve de base para los bien articulados dialogos entre Morse y Sloane,
mientras que Country House Shuffle se enraiza mas patentemente en el
factor country, con un Sloane asumiendo el rol protagonico con una limpieza
notable. The Riff Raff es un evocativo dueto de violin y guitarra acustica
elaborado al modo de un nocturno en clave de jazz, con un tono crepuscular e
introspectivo que resulta cautivante, con un encanto sutilmente atrapante.
La onda melancolica persiste en el siguiente tema, ahora con el quinteto
funcionando en bloque con un toque de magia influido por el mejor Jean-Luc
Ponty: este toque de magia se apoya buenamente en las bien delineadas
cortinas de teclado provistas por Parrish.
El repertorio de Montreux es el mas explosivo, lo cual no nos debe extrañar
pues esta ejecutado en el calor de una presentacion en vivo que recibio el
beneplacito complice del publico. Es una pena que temas como Night of the
Living Dregs o Leprechaun Promenade (proveniente del disco debut) no
tengan una extension mas notable que permita a la banda fundar unos viajes
sonoros mas ambiciosos a partir de las excelentes ideas basicas vertidas en
ellos, pero bueno... el repertorio de por si es de gran calidad. Parrish
siempre mantiene un sano perfil medianamente bajo por lo comun, dejando el
protagonismo habitual a los maestros Morse y Sloane, pero cuando sale al
frente con sus solos ocasionales de sintetizador o arpegios hipnoticos de
piano electrico logra hacer gala de una pulcritud y sensibilidad innegables.
Las otras dos piezas son sendas excursiones de tono country con un sello
añadido de dixieland: a diferencia de la vena cosmica que ostentan otros
actos fusionescos como Mahavishnu o Return to Forever, queda claro que el
buen humor sencillo y directo es el centro ideologico de Dixie Dregs a la
hora de crear, arreglar y ejecutar su repertorio. Aunque la carrera de Dixie
Dregs incluye discos un tanto mas grandiosos que este que estamos reseñando
ahora, Night of the Living Dregs tiene bastantes meritos artisticos por si
mismo, y por tanto, puede funcionar como un apropiado vehiculo de iniciacion
para los que recien se aproximan al legado musical de este combo.
Cesar Mendoza
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Autor: David Jones <idg_2002@yahoo.es>
Asunto: Fripp y Emmanuelle 1
Fripp y Emmanuelle 1
Hola amigos:
Como casi todo el mundo sabe, la banda sonora del
softcore Emmanuelle de 1974 contiene al menos un
remake del genial tema Larks Tongues In Aspic II de
King Crimson, pero con otro titulo y firma. Por lo
visto, cuando Fripp se entero interpuso la oportuna
demanda y tuvieron que pagarle los derechos de autor.
En su dia pude escuchar el vinilo. La musica original
era previsiblemente pegajosa y decadente, pero, aunque
no todo el mundo opine lo mismo, los 2 o 3 breves
pasajes en los que se copiaba a King Crimson
resultaban extrañamente hipnoticos.
Llego a editarse en CD en Japon, pero actualmente
resulta del todo inencontrable. Si hay alguien de LA
CAJA que posea una copia de esto en CD le agradeceria
que contactase conmigo.
Un cordial saludo de
David Ispaster
idg_2002ahoo.es
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Manticornio actualizado
HOLA CAJEROS, los saluda Cesar Mendoza.
Con la presente les anuncio que la pagina mexicana Manticornio ha
actualizado sus contenidos con la nueva informacion que aparece mencionada
en la lista de abajo. La visita, recomendable por cierto, se puede hacer en
el link www.manticornio.com
Octubre 2, 2004:
- seccion Artistas:
ANEKDOTEN / Nucleus.
ÄNGLAGÅRD / Epilog.
BLIND FAITH.
CAMEL / The Snow Goose.
CARAVAN / For Girls who Grow Plump in the Night.
COLLEGIUM MUSICUM / Konvergencie.
DREAM THEATER / Scenes from a Memory.
FAMILY.
GONG.
IQ / Subterranea.
Keith JARRETT / The Köln Concert.
NATIONAL HEALTH.
RONNY.
SOFT MACHINE.
TRAFFIC.
TRANSATLANTIC / Bridge Across Forever.
YAT KHA.
- seccion Entrevistas:
con Dave BAINBRIDGE, guitarrista de IONA
con Thorsten y Thorsten, hacedores de ART OF INFINITY
- seccion Literatura:
Paul William GALLICO
- seccion Zona de Descargas:
MP3 de CAMEL: "Rhayader"
MP3 de OVNI: "The times when we were free"
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Autor: "Roberto I. Quesada" <saytra@racsa.co.cr>
Asunto: Colosseum - Valentyne Suite (1969)
Colosseum : "Valentyne Suite" (1969)
Colosseum es un grupo muchas veces olvidado y poco tomado en cuenta a la
hora de dar referencias al rock-prog [lo mismo pasa con VDGG] o bien cuando
se dice quienes fueron los "creadores" del Rock Progresivo; casi siempre
mencionamos a King Crimson, The Nice, Pink Floyd, etc.
El grupo se formo en 1968 y en sus filas destacan el gran tecladista Dave
Greenslade, Jon Hiseman (bateria) y Dick Hekstall-Smith [ambos ex miembros
de la GBO]. Esta era la principal alineacion en 1969 junto a bajo/guitarra y
es obvio que se nota un gran desarrollo en todos los temas del disco, esas
notas de organo Hammond de Greenslade y la ejecucion de la bateria de
Hiseman son extraordinarias. Su primer disco no he tenido el gusto de
escucharlo pero por las referencias que me han dado no estaba muy lejos de
este.
Aunque el sonido de Colosseum iba muy enfocado al blues-rock, manejaban
influencias psicodelicas y jazzisticas, sobretodo es en esta ultima donde
sobresale todo su poderio (por el sonido de la bateria y del sax); me
atreveria a decir que eran los Soft Machine "armonicos/blueseros", poseian
una sonoridad un tanto similar solo que mas estructurada y por supuesto, se
incluian punteos de guitarra. Tambien hay en el grupo cierta influencia de
bandas como Cream o la Grahamd Bond Organisation (GBO)
Valentyne Suite (VS) es su segundo disco, lanzado en el 69 y se caracteriza
por un sonido bastante potente/melodico y un desarrollo musical complejo,
suerte de metrica de blues, de jazz, psicodelia y sinfonismo, es en la
ultima pieza de 16 minutos (la cual ocupaba toda la cara b del Lp) donde se
nota aun mas.
[Dicha pieza creo que fue la primera pieza "progresiva" de ese
minutaje -incluyendo a "Nick's Boogie" de Pink Floyd, las dos piezas del
Lumpy Gravy y "Gumbo Variatons" de Zappa -en los anales del progresivo].
Las 4 piezas cortas de VS tienen una estructura de formato cancion, ligeros
cambios de tempo y alguno que otro "maquillaje" sinfonico como el
acompaniamiento en el segundo track "elegy" y en el gran 12 bar blues "Butty
's Blues" de una seccion de cuerdas y una de vientos respectivamente. La voz
de James Litherland es tenue y aspera a la vez, casi casi tipo Robert Wyatt.
Destacar sobretodo el primer tema "The Kettle" con ese aire post psicodelico
de gran poderio y en donde el bajo de Reeves hace de las suyas y por
supuesto la gran suite dividida en tres partes con un comienzo excesivamente
veloz, bajo ostinato, bateria marcial y el Hammond de Greenslade [vibrafono
incluido] tomando el papel principal, luego fluye hacia una seccion de coros
con una musicalidad propia de un grupo progresivo (ustedes me entiende no
:-)) y se percibe tambien cierta influencia de Rahsaan Roland Kirk y
Coltrane en algunas intervenciones de sax por parte de Smith.
Integrantes:
- Jon Hiseman: bateria y percusiones
- Dick Heckstall-Smith: saxos
- Dave Greenslade: piano, organo y vibrafono
- Toñ Reeves: bajo
- James Litherland: voz y guitarra
Temas:
1. The Kettle (4:25)
2. Elegy (3:10)
3. Butty's Blues (6:55)
4. The Machine Demands a Sacifice (3:52)
5. Valentyne Suite [16:08]
a.Theme One: January's Search (6:25)
b.Theme Two: February's Valentyne(3:33)
c.Theme Three: The Grass is Always Greener (6:55)
Definitivamente un disco para descubrir como se fue gestando el Rock
Progresivo...
Saludos;
Roberto I. Quesada
SJ, Costa Rica
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: The Flower Kings - Adam and Eve (2004)
THE FLOWER KINGS : "ADAM & EVE" (2004)
Discografica: InsideOut
Temas:
1. Love Supreme (19:50)
2. Cosmic Circus (3:00)
3. Babylon (2:41)
4. A Vampires View (8:50)
5. Days Gone By (1:10)
6. Adam & Eve (7:50)
7. Starlight Man (3:30)
8. Timelines (7:40)
9. Drivers Seat (18:22)
10. The Blade Of Cain (5:00)
Musicos:
- Roine Stolt / guitars, vocals
- Tomas Bodin / keyboards
- Hans Froberg / vocals
- Daniel Gildenlow / vocals
- Hasse Bruniusson / percussion
- Jonas Reingold / bass guitar, bass pedals
- Zoltan Csorsz / drumkit
Tras una de las portadas mas feas del momento, se encuentra "Adam and Eve",
lo nuevo de los Flower Kings para este año. Nuevo es un decir, porque da la
sensacion de que este grupo lleva años grabando el mismo disco.
Ya me imagino que los incondicionales de esta banda, discreparan ampliamente
con mis opiniones, pero creo que los Flower Kings son una banda estancada
hace tiempo, con nula preocupacion por mantener una minima evolucion en su
estilo.
Cuando digo evolucion, no me refiero a un cambio radical, sino a pequeñas
transformaciones musicales, a la aportacion de nuevas ideas, a ligeros
cambios de rumbo sin perder la personalidad del concepto base de la banda,
que a posteriori te hacen identificar rapidamente los temas como propios de
la obra conjunta.
No hace falta ir en busca de casos extremos como los de King Crimson o Rush,
para entender lo que significa la palabra evolucion. Evolucion es lo que hay
entre Foxtrot y Selling England by the Pound, y no digamos The Lamb Lies
Down on Broadway. Evolucion es lo que hay entre Fragile y Close to the Edge,
entre Three Friends y Octopus, entre Meddle y Dark Side of the Moon, entre
Fugazi y Misplaced Childhood, entre Nucleus y From Within, entre Ignis
Fatuus y Ex Tenebris, etc, etc.
Este no es el caso de Flower Kings, en lo que respecta a su produccion en la
actual decada. La personalidad de cada uno de los ultimos cuatro discos de
la banda, es mas que dudosa, hasta el punto que podriamos intercambiar temas
de un disco a otro sin que se notara apenas diferencias musicales en su
esencia.
No deja de ser curioso que los fanaticos del grupo, que probablemente buscan
en Flower Kings, el progresivo mas clasico de los 70, les perdonen a los
suecos la falta de personalidad en cada uno de sus ultimos discos. Lo digo
porque en eso The Flower Kings no se parecen en nada a las grandes bandas de
los 70, puesto que los albumes que todas estas formaciones editaron en
aquella epoca, en ningun caso podian ser tachados de "mas de lo mismo".
Pasando al contenido, tenemos las dos suites de rigor, "Love Supreme" y
"Drivers Seat", sin duda mas de lo mismo. Aburridas y pesadas, mas alla de
algun que otro mini-desarrollo instrumental de buena factura (como
instrumentistas continuan siendo los mismos, eso no lo discuto), que
sinceramente no son suficientes para completar una buena suite.
Lo mismo puedo decir de otros temas como "Cosmic Circus", "Starlight Man",
"The Blade of Cain" o las breves aportaciones de Tomas Bodin, en forma de
dos inofensivos temas, "Babylon" y "Days Gone by".
Especialmente lamentable es, durante todo el album diria yo, el trabajo
vocal de Roine Stolt y Hasse Froberg, en ambos casos, cansino y repetitivo
hasta el agotamiento. Especialmente Froberg, siempre me ha parecido que
tiene mas que suficiente voz, pero que en contadas ocasiones ha sabido
imprimir su propio sello como vocalista.
Lo unico salvable de "Adam and Eve", para mi gusto, es el tema que canta
Daniel Gildenlow (lider de Pain of Salvation, que curiosamente viene
acreditado como un miembro mas del grupo), "A Vampires View", por
desmarcarse un poco de la linea habitual del grupo, y el jazz-rock fusion
que da titulo al album, mas que nada por los desarrollos instrumentales con
los que nos deleitan en este tema.
Es posible que, para los que no hayan escuchado nunca un album de Flower
Kings, pueda ser un trabajo mas o menos valido, pero a mi personalmente, que
he podido escuchar toda su discografia, me resulta una obra bastante inutil.
Aunque ya digo que algunos fanaticos de la banda posiblemente disfrutaran
como siempre de esta nueva obra de The Flower Kings. Ya se sabe que tambien
hay que contar con el gusto personal.
Valoracion: 4/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
Septiembre 2004
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Autor: "Magic Rope Music" <info@magicropemusic.com>
Asunto: Forgotten Suns - Snooze (Spain)
Hola a todos,
Forgotten Suns es una banda portuguesa. Quizas la que ha tenido una mayor
difusion internacional en la ultima etapa del progresivo. Acaban de publicar
su nuevo disco y me envian un mensaje bastante interesante, que paso a
reproducir.
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Portugal's Forgotten Suns band will have their brand new album 'Snooze'
distributed in Spain by Avispa International in October 2004.
The album will be for sale at Fnacs, Corte Ingles, Auchang and mañ others
stores all over Spain and Andorra a well as promoted in the biggest spanish
magazines.
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Y es que es interesante ver que hay bandas de progresivo cuyos CDs puedan
verse "de normal" en los puntos de venta "masivos" arriba aludidos. Creo que
son buenas noticias.
Pues eso.
El cajero.-
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Autor: Joaquin Albert De Alba <joaquinprog@yahoo.es>
Asunto: Lana Lane y Eric Norlander en Montcada i Reixac
Lana Lane y Eric Norlander, en Montcada i Reixac - Barcelona - octubre 2004
Hola a todos, pues si, aunque hace tiempo que no salgo por aqui, siempre os
leo, pero la falta de tiempo me impide participar mas, en fin...paque, paque
Bueno la verdad es que este año estamos de sequia total de conciertos aqui
en Barna, con la cantidad que hubieron el año pasado!!, y este año ni
siquiera vienen Rush, ni The Musical Box, ni Kansas, ni tan siquiera Banco o
PFM, que le vamos a hacer, otro año sera.
Ahora en serio, que me fui con mi hermano a ver a la Lana Lane, no porque
sea un gran seguidor de esta artista, pero si precisamente por asistir a
algun concierto joer ya!, que tenia un mono...y tras juntarnos 70 personas
(mi hermano las conto una por una), en la sala Abi de Montcada i Reixac, nos
dimos cuenta de que estamos acabaos, que asi no va a venir a actuar a
Barcelona y alrededores ni Rafaella Carra (aunque me temo que esa si que
llenaria salas), la verdad es que estabamos anchos y la cerveza no era cara.
A lo que iba, con mas de media hora de retraso salio el Eric Norlander que
con una montaña de aparatos y teclados que tenia montado en el
mini-escenario, inicio el concierto, con un nota grave, cuya tecla
curiosamente dejo fijada con un diskette de ordenador literalmente clavado
en el teclado mientras acometia con el que tenia enfrente, le acompañaba un
bataca que parecia salido de la pelicula de Conan el Barbaro, tremendo y un
bajista que se convirtio en el animador de la velada, pues era una
torbellino, lo mismo tocaba un bajo sin trastes que cantaba, o se ponia al
lado del Norlander a mirar como tocaba los teclados y ponia una cara de
interes que no veas. Lo de cantar lo hizo en varios temas y ademas
extraordinariamente bien y animando el cotarro lo mejor que pudo, y cuidando
de no darle en la cabeza al calvo que tocaba la guitarra en una esquinita
del escenario cada vez que se giraba con el bajo. Por cierto el guitarrista
era muy bueno tambien, se pego algunos solos d! e cuidado el tio, mas tarde
salio la Lana Lane, interpreto varios temas (que magnifica voz tiene esta
mujer), se retiro durante un rato para dejar paso a un tema largo
instrumental (No conozco el repertorio de la banda) en el que Eric Norlander
nos deleito con toda clase de sonidos que extraia de sus teclados,
acompañado por el bateria me pasaron por la cabeza nombres ilustres como
Keith Emerson, luego Jean Michel Jarre e incluso Kitaro durante ese rato, de
lo mejor del concierto.
Vuelve la Lana interpretando un par o tres de temas del Secrets of
Astrology, en ese momento percibi el momento cumbre del concierto, tanto por
parte de los musicos como por parte del publico, ya que al principio se les
veia un poco decepcionados, (Seria por las 70 personas?), pero poco a poco
se fueron animando y acabaron por redondear la velada con dos bises. Me
decepciono profundamente la poca, poquisima asistencia, por otro lado caras
conocidas la mayoria, tambien el sonido fue bastante malo durante l! a mayor
parte del concierto, la bateria por ejemplo sonaba como si estuviera pegandole
a un cubo de basura entre metalico y de plastico, ademas creo que ni siquiera
estaba amplificada (la verdad es que no entiendo mucho de esto, pero me sono
bastante mal), la guitarra no se oia al principio y los teclados sobresalian
demasiado, luego ya digo, se arreglo un poco, pero sobretodo me desencanto el
hecho de que en el cartel anunciaban suculentas versiones de King Crimson, Pink
Floyd, Led Zeppelin, Marillion, etc... y no interpretaron ninguna, supongo que
la poca asistencia de publico no les animo a ello.
Bueno pues nada mas, joer pa una vez que escribo y venga rollo que os he
soltado, hala saludos a todos
Joaquin the watcher
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Autor: "Daniel Martinez Arilla" <daniatropos@hotmail.com>
Asunto: Acerca del fanzine Atropos
Hola a todos de nuevo:
Hace ya unos cuantos años que no escribo en la caja. La verdad es que he
estado un poco apartado de internet durante este tiempo (aunque no del rock
sinfonico), asi que bueno, un saludo a todos los viejos y nuevos cajeros. Me
alegro de estar aqui entre todos vosotros otra vez.
A lo que iba,
Alberto Albas preguntaba sobre el destino del fanzine Atropos. Bueno, por lo
que yo se J.J. Iglesias, al que veo regularmente y unico superviviente del
equipo fundador de Atropos redujo drasticamente la periodicidad de Atropos,
pero el fanzine seguia editandose. Y digo seguia porque las ultimas noticias
que tengo son que Atropos se ha fusionado con el otro fanzine que
mencionabas, el Mellotron argentino. Asi que esas son las noticias.
Respecto al otro Mellotron, el madrileño, me temo que no puedo decirte nada.
Espero que te haya ayudado en algo.
Dani
P.D. Veo que seguimos cayendo en los errores de siempre (entre los que me
incluyo). Seguimos anteponiendo nuestros gustos y fanatismos personales a la
objetividad a la hora de hacer criticas... Me refiero a los ultimos temas
sobre Dream Theater, etc. En fin, some things never change.
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Autor: OCTOBEREQUUS <OCTOBEREQUUS@terra.es>
Asunto: reseña_del_colectivo_CRUCIAL
Hola, cajeros. Inauguramos la web de CRUCIAL, que es un colectivo de
musicos profesionales afincados en Madrid que focalizan su actividad en
las musicas creativas. En la web encontrareis informacion de todo tipo
sobre los cuatro grupos con los que comenzamos nuestra andadura (en
primavera habra mas), ademas de imagenes y mp3 para descargar:
crucial.almacenweb.com (sin las consabidas www, asi tal cual)
Nuestros grupos son:
Transarabian Connection, rock-fusion de influencias progresivas
cantado en arabe.
Sophia Lunar Ensemble, una puesta al dia muy personal del cancionero
tradicional sefardi (musica medieval judeo-española).
Zorse, pop etno-trance-electronico con connotaciones lisergico-
chamanicas (!nada menos!).
October Equus, rock contemporaneo en su vertiente mas radical, de
estetica proxima al Rock In Opposition: musica de camara electrificada
de extrema complejidad.
Con CRUCIAL pretendemos contribuir a la muy necesaria renovacion
del panorama musical en nuestro entorno y a la difusion de las musicas
creativas, inteligentes e incisivas que, bajo diferentes aspectos y
esteticas, tienen en comun la escasa repercusion en los medios de
comunicacion.
Si estais al tanto de la seccion de noticias os iremos informando
sobre los conciertos de debut de Sophia Lunar Ensemble en noviembre y
de October Equus en diciembre, asi como de la presentacion en sociedad
de CRUCIAL en breve. En breve tambien subiremos un video de October
Equus en el local de ensayo preparando el concierto de diciembre, para
que os animeis a ir.
Un saludo a todos.
Angel Ontalva
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Autor: "Ana y Javi" <ana.javi@euskalnet.net>
Asunto: Concierto_MAGMA_2003
Magma en San Sebastian, octubre 2003
Amigos cajeros, aunque con casi un año de retraso, ahi va la cronica del
glorioso concierto de Magma en San Sebastian (2º concierto en España en 35
años), pues veo que no hay cronica del mismo en la caja.
MAGMA CRONICA CONCIERTO 24/X/2003 (20:30)
SAN SEBASTIAN. Casa de Cultura
de Egia
Formacion: Christian Vander (bateria y voz), Philippe Bussonnet (bajo),
James Mac Gaw (guitarra), Emmanuel Borghi (teclados), Frederic Doelnitz
(teclados), Stella Vander (voz, perc.), Isabelle Feuillebois (voz, perc.),
Himiko Paganotti (voz, perc.), Antoine Paganotti (voz, bateria).
Algo mas de un centenar de incondicionales nos reunimos en la casa de
cultura de Egia (Donostia) para disfrutar del concierto de Christian Vander
y su grupo Magma. Era el segundo concierto del grupo en España tras casi
treintaicinco años de existencia. Una larga y productiva existencia bien
representada por los mas de 50 trabajos expuestos en el puesto de venta y de
los que el publico daria buena cuenta tras acabar el espectaculo. El
concierto se compuso de tres largos temas y de un bis; en total, 140 minutos
de apabullante zeuhl interpretado por los maestros y fundadores del genero.
Una experiencia inolvidable que nos recordo particularmente el soberbio
trabajo RETROSPEKTÏW I-II, grabaciones realizadas en el Olympia de Paris en
junio de 1980. En aquella ocasion todavia participaban en la banda los
dificilmente sustituibles Klauz Blasquiz (voz) y Didier Lockwood (violin),
pero hay que reconocer que el nuevo grupo reunido en torno a Christian y
Stella Vander, unicos miembros originales, supero la prueba con solvencia y
poderio. El largo concierto se inicio con Kobaïa, primer tema del primer
disco de Magma, y continuo, curiosamente, con K.A., nuevo tema perteneciente
al proximo disco, en cuya grabacion trabaja en estos momentos el grupo. De
los inicios de la banda a su ultima propuesta. Finalmente, el grupo
interpreto en su totalidad Mëkanïk Dëstruktiw Kömmandöh, la biblia del
genero y referencia obligada cuando hablamos de Magma. El concierto fue
intensisimo, con un poderoso Christian en la bateria, muy bien arropado por
la banda: ritmos complejos y contundentes, brutales riffs de guitarra, bajos
supercondensados, teclados martilleantes y cuatro voces hipnoticas en una
puesta escena sobria y eficaz. Impresionante. Tras el repertorio, el grupo
ofrecio una largo bis que permitio a Christian Vander ocuparse de las voces
y a Antoine Paganotti (hijo de Bernard, viejo bajista de la banda) sentarse
en la bateria. Tras el concierto, ya fuera de la sala, pudimos disfrutar de
la mutua compañia y charlar de musica, comprar cds y camisetas, pero, sobre
todo, mostrar nuestra satisfaccion al sabernos privilegiados por haber
presenciado algo grande venido de un extraño y lejano mundo, amigos de
KOBAÏA.
Javier Aguirre
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Autor: "Ana y Javi" <ana.javi@euskalnet.net>
Asunto: 30_años_de_Salsa_Catalana
ORQUESTRA MIRASOL: "30 AN~OS DE SALSA CATALANA"
En julio de 2004 se cumplio el trigesimo aniversario de la grabacion de
Salsa Catalana, primer disco de la Orquestra Mirasol y primera grabacion de
Zeleste, legendario sello asociado a Edigsa al que debemos la mejor
coleccion de discos de lo que en su dia se llamo roc layetano. Los que por
aquel entonces apenas eramos unos adolescentes quinceañeros, acostumbrados a
sugerentes nombres ingleses asociados a musicas y, sobre todo, formas de
vida que contrastaban con la mediocridad de un pais sujeto al regimen
criminal de Franco, el nombre de Orquestra Mirasol nos llenaba de recelo, un
recelo originado, sin duda, por prejuicios muy arraigados en nuestro pais en
aquella epoca ?Orquestra Mirasol?, !vete a saber que es eso!; nuestro
escepticismo aumento cuando tuvimos la oportunidad, alla por el verano del
74 y poco antes de la publicacion del disco, de ver a la banda en directo
!Tio, pero si son unos abuelos!, pensamos. Pues bien, esos abuelos que
respondian al berbenero nombre de Orquesta Mirasol solo necesitaron
interpretar unos compases para hacernos ver que la cosa iba en serio, que
eran musicos de verdad, y que aquello iba a ser, sin duda, el principio de
una gran amistad.
Salsa Catalana fue grabado y mezclado los dias 20 y 21 de Junio y 11 y 12 de
Julio en los estudios EMI-Odeon de Barcelona, gracias al empeño de Victor
Jou dueño de la mitica sala Zeleste de Barcelona y en un festiva presencia
de musicos de la talla de Gato Perez, Josep Ma Paris, Tete Matutano y Jordi
Sabates. Por su parte, la banda que firmo el trabajo estaba formada por
cinco musicos profesionales con muchas horas de vuelo: Ricard Roda, en los
saxos y flautas, ya cuarenton, era un gran musico de reconocimiento
internacional que habia participado en las sesiones del viejo Janboree alla
por finales de los 60 el disco Nits de jazz at janboree data de 1968; para
entonces ya habia trabajado con figuras de la talla de Gerry Mulligan,
Dizzie Gillespie, Bill Coleman, Art Farmer, Tete Montoliu, amen de otros
artistas catalanes como Xabier Cugat, Serrat o La Trinca. Su profundos
conocimientos de la historia del jazz pueden comprobarse en el blinfold test
con que colaboro en el primer numero de la revista Quartica Jazz (abril
1981). Pedrito Diaz, percusionista del grupo, era un sexagenario musico
cubano con una extensisima carrera que habia compaginado con la enseñanza a
el le debemos uno de los primeros metodos de percusion publicados en nuestro
pais. Posteriormente participaria en algunos grabaciones de Zeleste, como la
del grupo Barcelona Traction. Miquel Lizandra, bateria de la Mirasol, era
otro gran musico que habia coincidido con Pedrito Diaz en el disco de Tete
Montoliu Temas brasileños (1974). Pedrito Diaz y Miquel Lizandra, ayudados
por Cesar Vieira en los instrumentos pequeños de percusion, formarian la
seccion ritmica del disco. Tras dejar la Mirasol, Miquel Lizandra no volvio
a participar en ninguna grabacion de Zeleste. En los pianos y teclados se
encontraba Victor Ammann, colider y compositor de la banda, excelente musico
que posteriormente formo parte de una de los grandes bandas de Zeleste: Blai
Tritono. Y finalmente, al bajo y la mandolina, el otro colider y compositor
de la banda, Xabier Batlles, quien posteriormente participo en dos grupos de
Zeleste: Mirasol Colores y La Rondalla de la Costa. Ambos musicos provenian
de la banda que acompañaba por entonces al bueno de Ovidi Montllor. Para la
grabacion de Salsa Catalana el grupo conto con la colaboracion de algunos
otros musicos catalanes.
En cuanto al contenido del disco, podemos afirmar que en Salsa Catalana ya
estan contenidas todas las caracteristicas que definieron al movimiento
progresivo catalan de la segunda mitad de los 70: una musica de calidad
ejecutada por musicos profesionales residentes en Barcelona; una notable
influencia de los grandes musicos de jazz-rock americanos de la epoca
Hancock, Corea y Davis y del Canterbury sound ingles fundamentalmente Soft
Machine; finalmente, una feliz integracion de las raices populares catalana,
española y latina que aportaran un sonido original, inconfundible. El roc
layetano producira algunos de los mejores trabajos de la historia del rock
hecho en España, y creara un sonido recurrente que todavia se reconoce hoy
en dia en bandas como PL2 y Planeta Imaginari. Toda la esencia de lo que
estamos comentando esta recogido en las dos partes de Toque de re per a
mandolina i clarinet (3:26+2:48), bellisima composicion de Batlles/Roda con
que se abre el disco, y donde destaca la presencia de la mandolina,
nostalgica y contenida, en la primera parte, y la alegria del saxo baritono
y de las percusiones en la segunda parte. El disco continua con Molt Trist
(7:07), una gran composicion de Victor Ammann con un titulo muy apropiado.
Se trata de un tema con muy influido por el sonido Corea, con un tempo lento
protagonizado por el trabajo Roda y Ammann. Canço de no entendre res, tema
que cierra la cara A (A sobre) del disco, es una composicion de Batlles; el
grupo se reforzo para la ocasion con la introduccion de oboe y fagot. El
titulo del tema hace referencia a los complejos y cambiantes compases que
estructuran el tema. La cara B (A sota) se abre con una breve version de
Circ de lespai (1:40), de Chic Corea. Para la ocasion el grupo se reforzo
con una amplia seccion de cuerda. Le sigue Hancock (6:44), composicion de
Ammann dedicada al gran jazzman. El tema es casi una relectura del tema de
Hancock Hornets, contenido en el album Sextant (1973). El disco finaliza con
No juguis amb set miralls (6:55), una composicion de Batlles donde destacan
los solos finales de saxo soprano, piano fender, congas y bateria, en un
perfecto final para un gran trabajo.
Salsa Catalana tuvo una buena acogida entre los aficionados, que vieron en
el la posible recuperacion de un ambiente musical que llevaba varios años
parado. Salsa Catalana creo un sonido que tendria su continuacion en un
segundo disco del grupo, Doca a oca... (1975) y en los trabajos de bandas
como la Compañia Elèctrica Dharma, Blai Tritono, Musica Urbana, Secta
Sonica, Jordi Sabates o Barcelona Traction. Todos (o casi todos) ellos
fueron posteriormente editados en formato compacto a muy buen precio; pero
ahora que la fiebre de las reediciones inunda el mercado con tanta
mediocridad, no vendria mal que se volvieran a reeditar, tal como se ha
hecho con los viejos discos de Gong, porque ya no son faciles de ver. Y
porque representan una etapa gloriosa de la historia del rock en nuestro
pais.
Javier Aguirre
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