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La caja de musica Number 0591
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #591 agosto 2004 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Yes - Talk (1994)
* Rush - Counterparts (1993)
* Eloy - Destination (1992)
* STEVE WINWOOD, LA MUSICA ES UN PLACER
* Sobre Hidden Agenda
* IQ - Dark Matter (2004)
* el 1ro. de ARENA
* Picchio dal Pozzo
* Sobre nosotros y el prog
* DUSTSUCKER (2004)
* RUSH... FEEDBACK 2004
* Captain Beefheart - Safe As Milk
* Realidad o fantasia ?
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Yes - Talk (1994)
YES : "TALK" (1994)
Discografica: Victory Music
Temas:
1. The Calling (6:52)
2. I Am Waiting (7:22)
3. Real Love (8:42)
4. State Of Play (4:58)
5. Walls (4:52)
6. Where Will You Be (6:03)
7. Endless Dream (15:41)
8. Silent Spring (1:56)
9. Talk (11:56)
10. Endless Dream (1:50)
Musicos:
- Jon Anderson / vocals
- Chris Squire / bass and vocals
- Toñ Kaye / keyboards
- Alan White / drums
- Trevor Rabin / guitars and vocals
Tras la fallida experiencia de "Union", nos volvemos a encontrar con los
llamados YesWest, la misma formacion que grabo "90125", "Big Generator" y
parte de "Union". Rabin se hace con el control del grupo a nivel creativo,
puesto que es el autor de la mayor parte de la musica del disco, y tambien
lo produce.
"Talk" no es un album tan malo como lo pintan algunos. Creo que se trata de
un trabajo mejor que "Big Generator", y recoge mejor el espiritu original de
Yes. Aunque el resultado final se resiente de la inclusion de algunos temas
bastante discretos.
Y asi, tenemos un tema francamente bueno, "I am Waiting", entre lo mejor que
ha compuesto esta formacion, con muy buen trabajo melodico, ademas de la
suite de 16 minutos, "Endless Dream", que demuestra que este es el disco mas
yesiano de esta formacion. De todas formas una suite que poco tiene que ver
con las clasicas del grupo en los 70, y por supuesto el tema mas progresivo
del album, y, junto al mencionado "I am Waiting", lo mejor que han hecho Yes
desde "90125". Destaca en ambos temas, la creacion de melodias con la slide
guitar por parte de un estupendo Rabin.
Tambien "Real Love" y "State of Play" sin ser ninguna maravilla, son buenos
temas, hard-prog ochentero, muy bien acabado, contundente y con buen trabajo
vocal. Mientras que hay otras piezas justitas, que suponen mas de lo mismo
con respecto a "Big Generator" y "Union", como la inicial "The Calling" o la
pegajosa "Walls", y un inofensivo tema como "Where Will you Be", bastante
desconcertante, que no acaba de encajar en el album.
"Talk"·es un buen album, que no hay que ver como un trabajo de los genuinos
Yes, sino de otra banda diferente. A pesar de todo, el album resulto un
fracaso, y la formacion termino rompiendo.
Valoracion: 5.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Rush - Counterparts (1993)
RUSH : "COUNTERPARTS" (1993)
Discografica: Anthem/Atlantic
Temas:
1. Animate (6:03)
2. Stick it out (4:30)
3. Cut to the chase (4:48)
4. Nobody's hero (4:54)
5. Between sun and moon (4:37)
6. Alien shore (5:45)
7. Speed of love (5:02)
8. Double agent (4:51)
9. Leave that thing alone (4:05)
10. Cold fire (4:26)
11. Everyday glory (5:11)
Musicos:
- Geddy Lee / basses, bass pedals, synthesizers, vocals
- Alex Lifeson / guitars
- Neil Peart / drums, percussion
Musicos invitados:
- John Webster / keyboards
"Counterparts" es un caso aislado en esta cuarta etapa de Rush. Sin duda el
mejor trabajo desde los tiempos de "Grace Under Pressure", y de largo el
mejor de esta etapa, donde Rush, que de nuevo pasan un gran momento de
inspiracion, se deciden por fin a hacer lo que mejor saben, roquear.
Este album, ademas de resultar muy superior a "Presto" y "Roll the Bones",
supone pues, un cambio estilistico y una vuelta a las canciones roqueras
potentes de la epoca de "Moving Pictures". Los extraordinarios temas "Stick
it Out" un gran hard rock con un imparable Lifeson, y "Between Sun and Moon"
tambien roquera pero mas melodica, son, en mi opinion, las mejores
composiciones de Rush en bastante tiempo.
Pero no debemos olvidar temas tan buenos como "Animate me" con su gran
gancho, la roquera "Cut to the Chase", "Nobody's Hero" con sus fondos
sinfonicos, la emocional "Alien Shore", tambien la atractiva "Cold Fire", y
por supuesto, el tema instrumental de este trabajo, "Leave That Thing Alone"
, con toques funk al igual que el instrumental incluido en "Roll the Bones".
"The Speed of Love", la potente "Double Agent" y "Everyday Glory" mas
gotica, que bien podrian estar incluidos en "Roll the Bones", son quizas
temas menos destacados.
"Counterparts" es, definitivamente, un album altamente recomendable que
demuestra que Rush son todavia capaces de escribir grandes canciones. Porque
el gran trabajo instrumental esta asegurado en cada album.
Valoracion: 7.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Eloy - Destination (1992)
ELOY : "DESTINATION" (1992)
Discografica: ACI
Temas:
1. Call Of The Wild (6:49)
2. Racing Shadows (7:11)
3. Destination (7:41)
4. Prisoner Of The Mind (4:26)
5. Silent Revolution (7:55)
6. Fire And Ice (5:10)
7. Eclipse Of Mankind (6:29)
8. Jeanne d'Arc (7:36)
Musicos:
- Frank Bornemann / vocals, guitars
- Michael Gerlach / keyboards
Musicos invitados:
- Nico Baretta / drums
- Peter Chrastina / choir arrangements
- Hege Engelke / bass (3-4), rhythm guitar (4), acoustic / solo guitar (6)
- Detlev Goy / bass (1-6-8)
- Lenñ MacDowell / flutes (1-3)
- Klaus-Peter Matziol / bass (2-5)
- Kai Steffen / solo guitar (5)
Con "Destination", Eloy retorna mas o menos, a los tiempos de "Metromania"
en lo que respecta al estilo. Si lo comparamos con el amuermante "Ra",
"Destination" es un trabajo mas duro, vital y contundente, pero que, sin
embargo, no mejora demasiado las cosas.
Eloy continuan formados por la dupla Bornemann-Gerlach, un Frank Bornemann,
que continua apostando por el ridiculo falsete vocal en algunos temas. Como
novedad respecto a los trabajos precedentes, se benefician de arreglos
orquestales en algunos temas, ademas de incluir en varias ocasiones, una
flauta solista.
La primera mitad del album es realmente pobre. Canciones sin ninguna gracia,
aburridas y iguales entre si, mas efectistas que ninguna otra cosa. Algunos
suenan algo asi como a techno pop con guitarras, y otros a simple rock
sintetizado ochentero, pero no puedo destacar ninguno.
La segunda mitad, sin ser nada del otro mundo, esta mejor, con canciones
resultonas como "Silent Revolution", muy potente y dinamica con alguna
melodia destacable, o "Jeanne d'Arc", un tema muy epico y grandilocuente,
donde incluso la orquesta aporta algun toque gotico que puede recordar a
Lacrimosa.
Entre la larga lista de colaboradores, se encuentra el antiguo bajista del
grupo, Klaus-Peter Matziol.
A pesar del esfuerzo y de la mejora con respecto a "Ra", Eloy siguen en muy
baja forma creativa.
Valoracion: 3.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Federico Luis Clauss Klamp" <flclauss@hotmail.com>
Asunto: STEVE WINWOOD, LA MUSICA ES UN PLACER
STEVE WINWOOD: La Musica es un Placer (Reino Unido)
STEVE WINWOOD, el teclista britanico que fue componente de SPENCER DAVIS
GROUP; musico al servicio de grupos como BLIND FAITH, en el que tocaba el
mitico guitarrista Eric Clapton, y que experimento con el jazz rock en
TRAFFIC, publico el pasado verano del 2003 un nuevo disco About Time
(Alrededor del Tiempo), en el que en cierta forma vuelve a sus origenes.
Este 2004 ha tocado en el 38 Festival de Jazz de Montreaux (Homenaje a
Carlos Santana), y ha venido de conciertos a Espana: el Festival de Jazz de
San Sebastian, los Veranos de la Villa (Madrid), para terminar en el
Festival de San Javier, en Murcia, el dia 30 de Julio.
Ha tardado 7 anos en sacar un nuevo disco desde su ultimo de estudio
Junction of Seven (Union de siete). Ha roto con su casa de discos y
publica en su propio sello Wincraft Music (para controlar mas directamente
su trabajo discografico y su distribucion, hastiado de las servidumbres de
la industria discografica). El grupo que le acompaña es un trio (igual que
en TRAFFIC), en el que SW toca el organo Hammond y hace las voces; Jose
Pires de Almeida Neto, en la guitarra y Walfredo Reyes Jr. a la bateria y
percusiones. Presenta las colaboraciones de Karl Vanden Bossche a las
congas, Richard Bailey en los timbales y Karl Denson en flauta y saxofon. El
disco parece estar grabado en las primeras tomas, y suena fresco,
espontaneo, en nada sobreproducido Como dice el propio SW, He profundizado,
estudiado y observado el organo Hammond, una presencia constante en todo el
disco. Cuando lo esperable seria un disco de sonido moderno, semejante al
Junction of Seven (1997) o Back in the High Life (1986), hay una vuelta
a las raices. El sonido del organo y el efecto -wah wah de la guitarra,
puede hacer que parezca una vuelta al pasado, pero tambien he tratado de
incorporar elementos y arreglos de world music: musica latina, brasileña,
afrocaribeña, criolla...He añadido algo de flolclore ingles e irlandes. Me
encanta la flexibilidad y la capacidad de improvisacion del formato de trio:
teclado, guitarra y bateria. Las canciones cambian mucho cuando las tocas
sin bajo. Existe una edicion nueva de este disco con mas de 30 minutos de
musica, con una version en directo de Why Can't We Live Together, y un par
de temas nuevos.
Si observamos las canciones nos damos cuenta de que hay algunas con sabor
latino como Cigano (For the Gypsies) y Domingo Mornin. Different
Light, Take It To The Final Hour y Walking On serian canciones que
podrian encajar en discos anteriores suyos como Talking Back To The Night
(1982) y Back in the High Life (1986). Hay una version de Timmy Thomas,
Why Can't We Live Together y un tema como Horizon proximo al folclore
irlandes. Para terminar citar la gran balada que es Silvia (Who Is She?),
con mas de 10 minutos de duracion, y con un trabajo de guitarra precioso a
cargo de Jose Pires.
Su carrera en solitario es densa y eclectica, habiendo tocado ya ritmos
afrocaribeños en su disco de 1975. En los 80 graba su segundo disco en
solitario como es Arc Of A Diver (El Arco de un Saltador) en el que
compone y toca todos los instrumentos. Hay canciones tan intensas como
While You See a Chance, la que da titulo al album, Spanish Dancer o
Night Train. Un gran disco en el que imprime su sello personal, dominado
por los teclados.
En 1982 aparece un nuevo disco, Talking Back To The Night, (Hablandole a
la Noche) en el que vuelve a tocar todos los instrumentos haciendo voces y
coros. La unica colaboracion es la de Nicole Winwood en los coros de los
temas Big Girls Walk Awayy Still in The Game. Fue grabado entre
Noviembre del 81 y Junio del 82 en los Estudios Netherturkdonic del Reino
Unido. Todas las canciones estan compuestas por Steve Winwood y Will
Jennings, mientras que la produccion corre a cargo de SW. Es un disco que
continua la linea marcada por el anterior Arc Of A Diver, con un single
claro que fue Valerie y temas tan interesantes como While There's A
Candle Burning, It Was Happiness y There's A River.
En 1986 aparece su disco Back In The HighLIfe,( De Vuelta a la Buena Vida)
posiblemente uno de sus discos mas completos de los ochenta, en el que ya se
acompaña de una banda o grupo para interpretar las canciones. Presenta
numerosas colaboraciones como las de James Taylor, en el tema Back In The
HighLIfe, Joe Walsh (de los Eagles), el bajista Nile Rodgers, el
trompetista Randy Brecker y las voces de Chaka Khan, Jocelyn Brown y James
Ingram, entre otros, ademas de Arif Mardin en los arreglos de cuerda. Aunque
la mayor parte de las canciones son del tandem SW & Will Jennings, Split
Decisions esta compuesta por SW & Joe Walsh, y My Love's Leavin' obra de
SW & Vivian Stanshall. La produccion corre a cargo de Russ Titelman & SW, y
como ingenieros de sonido figuran Tom Lord Alge y Jason Corsaro.Un disco muy
completo con buenos temas como Higher Love, Freedom Overspill, The
Finest Things o Wake Me Up On Judgement Day. SW se encarga de los
sintetizadores, Drum Machine, Organo Hammond, Sintetizador de bajo, Piano,
Mandolina, Moog Bass e incluso de las guitarras.
En 1988 edita un nuevo disco Roll With It (Rodar con Ello), producido
por SW & Tom Lord Age, que ejerce tambien como ingeniero de sonido. Son 8
temas (lo cual sera algo que se mantiene fijo en sus discos de los 80).
Sigue la estela-estilo marcado por el anterior, aunque la nomina de
colaboraciones es mucho mas restringida. Combina los temas potentes,
ritmicos, con los temas lentos marca de la casa. En la composicion figura
el tandem SW & Will Jennings, pero hay un tema que firma con su companero de
TRAFFIC, Jim Capaldi, Hearts on fire, que le acompanara en su siguiente
disco Refugees of The Heart. La seccion de vientos con trompeta, trombones
y saxos, aparece en muchos temas, se trata de la Memphis Horns. SW toca la
bateria, la guitarra, el bajo, el organo Hammond y sintetizadores
(Fairlight) en algunas canciones, mientras que en otras recurre a
instrumentistas como John Robinson (bateria), Bashiri Johson (percusion),
Mike Lawyer & Robby Kilgore a los teclados y Paul Pesco en las guitarras.
Los coros corren a cargo de Tessa Niles. Tiene canciones tan intensas como
Roll With It, Holding On, Put On Your dancing Shoes, Don't You Know
What The Night Can Do? o Shining Song , y las baladas The Morning Side
y One More Morning. Un gran disco, al igual que el anterior.
Dos anos despues publica Refugees Of The Heart (Refugiados del Corazon)
(1990), similar a sus discos anteriores, en el numero de temas y en la
composicion. La produccion es de SW y como ingeniero de sonido aparece Tom
Lord Age. Hay una cancion escrita con Jim Capaldi, One And Only Man, en la
que JC toca bateria y percusion. El resto pertenece al duo SW & Wjennings.
SW sigue ejerciendo de multiinstrumentista (Fairlight, Drum Programming,
Organo Hammond, Mini Moog, Sintetizador de bajo y de guitarra, y percusion)
en algunas canciones, pero en otras cuenta con colaboradores como Russ
Junkel, a la bateria, Michael Rhodes al bajo, Bashiri Johnson a la
percusion, Anthoñ Crawford y Larry Byrom en guitarras y Mike Lawler, en los
teclados. La seccion de vientos corre a cargo de Jim Horn, Michael Haynes,
Randall Bramblett y Harvey Thompson. Si tuviera que destacar canciones me
quedaria con You 'll Keep On Searching, Every Day (Oh Lord), One and
Only Man, I Will Be Here o In The Light Of Day, con mas de 9 minutos
de duracion. De todas formas un disco menor en comparacion con los dos
anteriores, aunque sigue su estilo.
Cuatro anos mas tarde Steve Winwood & Jim Capaldi, vuelven a poner en marcha
TRAFFIC, pero en forma de duo, con colaboradores esporadicos. Ese disco se
llamo Far From Home (Lejos de Casa), de 1994, siendo todas las canciones
escritas por SW y JC, con excepcion de Holly Ground, una pieza entroncada
con el folk ingles/irlandes que fue escrita por SW, JC & David Spillane. El
disco cuenta con las colaboraciones de Mick Dolan a la guitarra ritmica y
David Spillane, (flauta). Steve W toca todos los instrumentos, incluso
congas y timbales. Jim Capaldi se encarga de baterias y percusiones. El
disco esta dedicado a Chris Wood. Sus canciones, algunas bastante largas,
como Far From Home, Nowhere Is Their Freedom, Holly Ground y State Of
Grace. Hay un instrumental, Mozambique y otras canciones mas proximas a
sus discos en solitario como Riding High, Here Comes A Man, Every
Night, Every Day y This Train Won't Stop.
Tres anos despues aparece un nuevo disco de SW en solitario, Junction on
Seven, con invitados de lujo como la cantante DesRee o Lenñ Kravitz,
ademas de Ruby Turner, Bill Ortiz y Skyler Jett, bajo la produccion de
Narada Michael Walden. Fue grabado a caballo entre Inglaterra y los Estados
Unidos. Las canciones estan compuestas por SW con su mujer Eugenia Winwood,
y Narada Michael Walden, tambien alguna con Jim Capaldi, aunque este no
toca en el disco. Hay una version de Sylvester Stewart, Family Affair.
Este album tuvo un primer single, Spy In The Name Of Love. Aqui SW toca la
guitarra ritmica y acustica (efecto Wah Wah), el bajo, el organo Hammond
(como siempre), el piano Wurtlizer, sintetizadores varios, ademas de la
percusion, aunque hay un par de canciones en donde solo hace las voces. En
este disco hay una cancion que en cierta forma adelanta algo de su reciente
disco, se trata de Gotta Get Back To My Baby, con arreglos y sabor
latino, en la que colabora el bateria de About Time, Wilfredo Reyes, Jr.,
asi como su padre Walfredo Reyes, Sr. Plenty Lovin y The Lord Of The
Street, podrian estar en otros discos suyos anteriores, pero aqui destacan
algunas baladas como Angel Of Mercy, Real Love y Someone Like You.
Como podemos observar la trayectoria en solitario de SW ha pasado por
diversas etapas. Con About Time, vuelve a sus origenes reivindicando el
organo Hammond, y su pasado en Traffic, asi como su relacion con otras
musicas, latinas, caribeas, etc. De los 80 yo destacaria los albums Arc Of
A Diver, Back In The Highlife y Roll With It. De los 90 me quedaria con
algunas canciones de Refugees Of The Hearty Junction Of Seven y del
2000 con About Time.
Recientemente ha estado de gira por Espana (Julio 2004), en el Festival de
Jazz de San Sebastian, en los Veranos de la Villa (Madrid) y en el Festival
de San Javier (Murcia). En San Sebastian compartio cartel con Rickie Lee
Jones y Las Hijas del Soul (The Daughters Of Soul). Aqui comenzo con
canciones de About Time, con la ayuda de un percusionista y un saxofonista
(Randall Bramblett). Destaco la interpretacion de una cancion de Blind Faith
( Can't Find My Way Home) y de un viejo tema de Traffic Low Spark Of The
high Heeled Boys. Termino el concierto con la plaza de la Trinidad bailando
a los sones de Gimme Some Lovin. En cambio, en Madrid, hizo un espectaculo
centrado en las canciones de su ultimo disco, y en las piezas mas
representativas de su carrera en solitario como Higher Love o Back In The
HighLife. La banda estuvo impecable. Como decian una de las resenas del
concierto: Ahora hace musica sobre todo por PLACER, y eso el publico lo
nota y lo agradece.
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Sobre Hidden Agenda
Hola a todos!
Marco Silva Navarrete en lcdm0581 comento sobre lo que el considera que
podria ser el disco del año: "Topographic Pictures Of The Crimson Lamb's
Tears" del grupo Hidden Agenda. Nadie hizo un comentario al respecto, asi
que yo dare mi opinion.
En primer lugar me da la impresion de que la mayoria de los que escriben en
LCDM no son asiduos a bajar musica de La Red. Si asi fuera, creo que de vez
en cuando apareceria algun comentario de agradecimiento por tal o cual link
de mp3 recomendado. Hoy en dia creo que es mucho mas dificil bajar canciones
en formato mp3, ya no se diga discos completos, con alguno de esos populares
programas como Kazaa o Soulseek. Pues si no eres amigo de fulanito o
zutanito simple y sencillamente no te permiten accesar sus archivos de
musica. Y si acaso lo logras, en el momento menos esperado te cortan la
descarga o te bloquean el acceso, por lo que en ultima instancia no te queda
mas remedio que enviarles recordatorios familiares a su progenitora.
Volviendo con el asunto de Hidden Agenda, no quiero ser descortes con Marco
pero el album TPOTCLT me parecio una broma de muy mal gusto. Al escuchar el
primer tema parecia que prometian mucho, pero de ahi en adelante todo se
convierte en una parodia al rock progresivo y asi mismos. Ni pensar en que
es un tributo al rock prog. Ademas el vocalista canta horrible, las letras
son estupidas y la musica suena como si hubiera sido grabada en la sala de
la casa de alguno de los integrantes de esta familia o grupo de amigos. Si
tan solo hubieran hecho este disco (han realizado varios albumes parodiando
otros estilos de musica, asi como de grupos y artistas de latitudes muy
diferentes entre si; por ejemplo: el punk.) les iria bien el titulo de 'los
Weird Al Yankovic del rock progresivo'. Lo siento, Marco, este es 'el disco
del año' si, pero en la lista de los peores albumes de rock progresivo del
2004.
Ahora que si quisiste jugarnos una broma, entonces yo fui el unico que cai.
:)
Saludos,
JPL
Agosto 10, 2004.
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Autor: Carles Falp <carlesfalp@yahoo.es>
Asunto: IQ - Dark Matter (2004)
Hola amigos,
Ya tenemos nuevo trabajo de IQ, poco comentado en la Caja, pero para mi de lo
mejor que han sacado estos ingleses. Estos dias estoy reflexionando sobre este
grupo. Si nos ponemos a pensar en los grupos llamados 'neo-progresivos' que
surgieron en la decada de los 80, creo que hay muy pocos que actualmente sigan
en condiciones de sacar buenos trabajos puramente progresivos. En cambio, IQ
parece que a partir del 'Ever' encontro un camino solido y seguro para hacerse
con un estilo muy propio y alejado del sonido clasico de los setenta (y que
conste que soy un amante del progresivo clasico). Quizas ayudo la llegada de
Jowitt, quien sabe. Y, ademas, IQ ha logrado variar muy poco su formacion desde
sus inicios, y eso que no es un grupo de un solo lider. ?Alguien se atreve a
decir quienes son los lideres en esta banda?. Me refiero que cuando en un grupo
componen entre todos las canciones, parece mas facil que aparezcan
discrepancias en la busqueda del sonido del grupo. Pero desde 'E!
ver' ya
llevamos cuatro trabajos siguiendo con un mismo estilo y con buenas dosis de
originalidad.
'Dark Matter' es un album redondo. Se compone de cinco cortes, incluida una
magnifica suite. Y como me acostumbra a pasar con IQ, hasta la tercera escucha
no empiezo a captar toda la grandeza de la musica de este grupo.
El album empieza con 'Sacred Sound', un tema tipico de IQ. La cancion se inicia
con los teclados de Orford, que yo diria que en este disco se hacen notar mas,
con buenos samplers de organos y multitud de efectos. Luego el tema se sucede
en una magnifica composicion llena de cambios de ritmo y crescendos 'made in
IQ'.
Luego nos encontramos con la pieza 'Red Just Shadow' con un comienzo mas
reposado y con la voz de Peter mostrando gran variedad de registros. Se suceden
buenos efectos de voz con la guitarra de Holmes mas rockera, arropada por un
inspirado Orford. Pasados casi seis minutos nos encontramos con un original Tic
Tac que nos traslada a 'You Never Will'. Aqui el bajo de Jowitt nos hace
recordar lo bien que hace sonar sus gruesas cuerdas. Ademas, la critica de
allmusic.com me ha echo prestar atencion en el trabajo de Cook en este tema.
Cook no es un amante del virtuosismo, pero en 'You Never Will' toca con una
complejidad destacable. De todos modos en estos cinco minutos que dura la
cancion todo el grupo se supera y queda como resultado uno de los temas mas
originales del quinteto.
La obra sigue con 'Born Brilliant' que es otro buen tema con una contundente
seccion ritmica. Y a continuacion el album termina con una Suite de 24 minutos
titulada 'Harvest of Souls'. Aqui, con la acertada conduccion de Orford en sus
multiples teclados, IQ consigue realizar un completo tema que, creo, no
defraudara a ningun seguidor del grupo.
En resumen, un fantastico nuevo trabajo de IQ, con un mejor art-work que otros
anteriores y una buena produccion.
Lo que no entiendo es porque dejan tanto tiempo entre disco y disco, entre 3 y
4 años. Ahora solo espero que se vuelvan a animar a sacar otro DVD.
Sobre puntuar los discos, a mi me parece buena idea, pero yo prefiero utilizar
letras:
Puntuacion: MB (OM: Obra Maestra, MB: Muy Bueno, B: Bueno, R: Regular, M: Malo)
Saludos,
Carles Falp.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 1ro. de ARENA
ARENA: Songs from the Lions Cage (1995)
Temas
1. Out of the Wilderness
2. Crying for Help I
3. Valley of the Kings
4. Crying for Help II
5. Jericho
6. Crying for Help III
7. Midas Vision
8. Crying for Help IV
9. Solomon
Integrantes
- John Carson: voz
- Clive Nolan: teclados, coros
- Keith More: guitarras, coros
- Cliff Orsi: bajo
- Mick Pointer: bateria
Colaborador Steve Rothery (guitarra en 8)
El debut de Arena significo no solo un paso decisivo dentro de la carrera
del excelente teclista Clive Nolan sino tambien el retorno del empeñoso
baterista Mick Pointer, antaño co-fundador de Marillion. Desde el principio
la banda fue concebida bajo el liderazgo de ambos en las composiciones,
aunque ciertamente cabe decir que los musicos que los acompañaban
encontraron buen espacio para expresarse. La guitarra de Keith More elabora
varios solos efectivos y con punche, mientras que John Carson entona
habilmente las lineas melodicas vocales, haciendo gala de un registro un
poco similar al de Fish. Por su parte, el bajista Cliff Orsi desempeña un
papel importante en el refuerzo de la base ritmica. Dadas las raices comunes
de Pointer y Nolan, no es de extrañar pues que la linea musical de Arena se
decante por las pautas clasicas del asi llamado neo-prog. En todo caso, el
sonido de Arena se acerca mas al sonido duro y potente de los primeros
discos de Marillion y IQ, que al estilo mas edulcorado de Pendragon y Abel
Ganz.
Los temas mas extensos son los que muestran las mayores dosis de vigor e
inventiva, pues como es natural en estos casos, los espacios son
aprovechados para introducir ilaciones de diversas melodias, asi como varios
cambios de ritmos y ambientes. El tema de entrada Out of the Wilderness es
una efectiva muestra de lo que puede lograr Arena en sus composiciones mas
complejas, aunque en lo particular mas me impresionan Valley of the Kings
y Solomon, en los cuales encuentro que el lado epico del sinfonismo esta
mejor logrado. Otros temas menos pretenciosos, pero tambien atractivos son
Jericho, y la dupla del instrumental Crying for Help III y Midas
Vision, que transita entre los ambientes languidos a lo new age y la
vanguardia electronica dentro del contexto rock. Mencion especial para la
balada Crying for Help IV, una composicion agradable aunque un tanto
melosa, pero que tiene el atractivo de tener como invitado de lujo en
guitarra solista al guitarrista de Marillion Steve Rothery, quien exhibe su
clase aunque sin lucirse demasiado (al fin y al cabo, es solo un invitado).
Crying for Help I es un instrumental compuesto por Nolan para piano, pero
en esta ocasion lo cedio a More para que lo aplicara a su solo de guitarra
acustica: una pieza realmente bonita, con un agradable aire intimista. Mas
tirado hacia el barroco es el numero interpretado a clavicordio
(sintetizado) por Nolan, Crying for Help II. Todos estos interludios de
Crying for Help funcionan como sendos momentos de reposo en medio de la
fastuosidad exhibida con bombos y platillos en la mayoria de los temas.
En suma, Songs from the Lions Cage significa un hito musical muy
relevante para el desenvolvimiento del sinfonismo moderno en los 90s.
Teniendo en cuenta el protagonismo que una banda como Arena tiene hoy en
dia, este disco debe ser considerado ya como un clasico del neo-prog.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Picchio dal Pozzo
PICCHIO DAL POZZO: Picchio dal Pozzo (1976)
Temas
Hay Fay
1. Merta
2. Cocomelastico
3. Seppia [a) Sottotitolo b) Frescofresco c) Rusi]
4. Bofonchia
Fay Hay
5. Napier
6. La Fioricultura di Tichincinatta
7. La Bolla
8. Off
Integrantes
- Andrea Beccari: bajo, corno, percusion, voz
- Aldo de Scalzi: teclados, percusion, voz
- Paolo Griguolo: guitarras, voz
- Giorgio Karaghiosoff: flauta, saxos, percusion, voz
Justo en una temporada cuando parecia que comenzaba un declive general en el
movimiento progresivo en varios paises, la escena italiana atisbaba el
alumbramiento de una de sus criaturas mas osadas e ingeniosas, Picchio dal
Pozzo. Formado inicialmente como un cuarteto sin baterista, PdP abordo la
grabacion de su primer disco con una pleyade de colaboradores, con la
intencion conjunta de crear una propuesta donde confluyen elementos tan
dispares como el Canterbury, la psicodelia electronica, el jazz fusion,
disonancias y contrapuntos a lo Bartok, incluso elementos ocasionales de
sensibilidad mediterranea y otros de corte juglaresco, valiendose no solo de
intrincadas ejecuciones instrumentales, sino tambien de juegos vocales tales
como falsetes, coros extravagantes, tarareos delicados y otros mas bien
delirantes... por todo esto es que PdP es considerado por muchos como la
respuesta italiana a Henry Cow, los cultores pioneros del RIO.
El repertorio se divide en dos bloques principales, Hay Fay y Fay Hay,
repartidos en ambos lados del vinilo original. El disco se inicia con un
motivo formalmente sencillo de arpegios de dos guitarras acusticas,
complementado por unos acordes sostenidos de sintetizador y gotas salpicadas
de glockenspiel, sobre las cuales se explayan unos coros en falsete
burlescos y al poco rato, unos retazos de metales. El siguiente tema sigue
por una vertiente de jazz tradicional a ritmo de 6/4, que otorgan una cierta
calma, pero sin olvidar el tono humoristico. En la tercera pieza, la
alucinante suite tripartita Seppia la banda explora territorios mas
delirantes (con una evidente herencia del In Praise of Learning de Henry
Cow), con un motivo protagonizado por una serie de acordes aleatorios y
disonantes bajo la responsabilidad del sintetizador y la guitarra procesada
con efectos agresivos, sobre los cuales se explayan toques de xilofon y unas
alucinadas cortinas de saxo y tarareos surrealistas, entre orgasmicos y
paranoicos, todo ello bien sostenido por una seccion ritmica solida; el
final abrupto abre paso a una breve secuencia de flauta y xilofon bastante
bartokiano (a lo Gentle Giant), que a pesar de ser menos ruidoso no deja de
ser por ello inquietante. Lo que viene despues, como tercera seccion de
Seppia, es otro prodigio de extravagancia inteligentemente llevada: un
pastiche alucinado de sucesivos motivos relajantes, que transitan entre lo
bucolico, lo barroco, y lo academico vanguardista, todo ello en medio de
dosificados recursos vocales extraños y efectos electronicos: los ultimos 50
segundos de efectos, que concluyen con un abrupto interruptor de cierre,
conforma Bonfochia.
El lado 2 (Fay Hay) comienza con dos temas hermosos y extravagantes a la
vez, donde se condensan las cualidades descritas en el parrafo inicial de
esta reseña. En mi opinion, los temas 5 y 6 conforman el pico creativo de
este disco, asi como las muestras mas fieles y compactas de la propuesta de
PdP. Los dos ultimos temas son sendos nocturnos sostenidos sobre una
cadenciosa y crepuscular base de piano clasico, sobre la cual el saxo
soprano (la Bolla) y la flauta (Off) sacan a relucir su magia evocativa
en un primer plano: ambos numeros conforman un final sereno que otorga un
cariz adicional de belleza envolvente al variopinto espectro sonoro de PdP.
Balance general: excelente obra maestra del prog italiano, una muestra
atipica pero lo suficientemente exquisita como para dar brillo a cualquier
buena coleccion progresiva.
Cesar Mendoza
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Autor: Carles Falp <carlesfalp@yahoo.es>
Asunto: Sobre nosotros y el prog
Hola amigos,
Regularmente veo como se comparan grupos de los 70 con grupos actuales. Veo
como algunos cajeros los ponen en el mismo cajon y comparan puntuaciones entre
unos y otros. Yo, personalmente, creo que es un error. Pondre un ejemplo fuera
del prog para intentar que se me entienda. Hace unos 14 años, un señor llamado
Gary Moore, de profesion rockero, se le ocurrio sacar un disco de blues.
Ademas, lo hizo con tal descaro que invito a su estudio a otro señor llamado
Albert King, de profesion vaca sagrada del blues, para tocar con el.
?Resultado? Critica favorable de prensa, aficionados y resto de mundo mundial.
Que bien que toca este tal Moore!
Cuando en el Rock Progresivo una banda actual se deja influir de manera notable
de una banda de los 70 entonces se habla de copia, o poca originalidad, o de
pretensionismo... Y, ademas, ?cuantas veces alguno de los llamados vacas
sagradas ha colaborado con alguna banda reciente? Recuerdo muy pocas. Yo creo
que el Prog tiene hoy en dia mala prensa, principalmente por culpa de los que
lo crearon. Esas vacas sagradas fueron las primeras en tirar por la borda en
los ochenta todo el trabajo de los 70, sacando discos que poco tenian que ver
con el Prog. Fueron los primeros en no tener respeto a su propio trabajo (Hubo
de todo, ya lo se, pero los mas conocidos...)
Yo creo que no podemos comparar a bandas de los 90 con bandas de los 70,
sencillamente porque los primeros han nacido escuchando a los segundos y porque
han vivido en otra epoca. Pero eso no quiere decir que unos no puedan ser tan
buenos como los otros, ni que no podamos disfrutar de ambos. Los que solo
disfruten con las bandas de los 70, ellos se lo pierden!
Saludos,
Carles Falp.
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Autor: Jaume Pujol <jpujolz@yahoo.com>
Asunto: DUSTSUCKER (2004)
BARK PSYCHOSIS : "CODENAME: DUSTSUCKER" (2004)
Fire Records 2004
[Aviso para navegantes: esta critica es larga]
Bark Psychosis es el mitico grupo cuyo primer trabajo
preciso de la creacion de una nueva etiqueta (post
rock) que permitiera describirlo, lo que ocurrio en la
critica que Simon Reynolds publico en The Wire. Hex
se publico en 1994 como heredero y sintesos de los
avances sonoros de Talk Talk, Durutti Column, Sonic
Youth, los experimentos electronicos del ambient y el
pop nocturno y espumoso de bandas como A. R. Kane o
The Blue Nile. Su musica nocturna ha sido
excelentemente descrita por J. L. Carrasco, de Parsley
Webzine: Bark Psychosis tienen algo de sueño
catartico, magico y malsano a la vez, donde los
samples son recortes abstractos, dibujando viñetas
siempre incompletas.
Como comente en un mensaje anterior enviado a LCDM, la
denominacion post rock fue ampliada progresivamente a
todo tipo de rock experimental relacionado basicamente
con el movimiento alternativo. Tras el paso de los
años, es posible en la actualidad diferenciar varias
escuelas del genero, principalmente (y sin entrar a
fondo) la electronica (Hood, Fridge, sello Factory),
la americana derivada de Slint (Gastr del Sol, los
primeros Tortoise), la ambient-contemporanea (Sigur
Ros), la canadiense (sello Constellation) o la
fundamentada en el trabajo de guitarras (Mogwai,
Explosions in the Sky).
Diez años despues de la publicacion de Hex, cuya
grabacion requirio un año durisimo de trabajo tras el
cual la banda tardo bien poco en disolverse, el lider
de Bark Psychosis aparece de nuevo en escena con el
segundo album de la formacion Codename: Dustsucker.
Con esta accion en solitario (ninguno de los tres
restantes miembros le ha acompañado), Graham Sutton
nos induce a plantear preguntas tan interesantes como
las siguientes:
1) Hex dio pie al nacimiento de un nuevo genero
musical cuya definicion se ha ampliado enormemente
desde entonces. ?Podemos situar Codename: Dustsucker
dentro del concepto actual de post rock?
2) El nuevo trabajo, ?realiza aportaciones en el campo
del post rock actual o es musica que parece haber
hibernado diez años? ?Es un trabajo necesario en la
etapa de estancamiento (quizas decadencia) actual del
post rock?
La publicacion de Codename: Dustsucker ha recibido
una atencion extrema en la prensa especializada. The
Wire dedico una extensa biografia a la formacion, y
las criticas han sido muchas y todas en terminos
elogiosos. Adjunto algunas informaciones al respecto:
- Red Magazine lo considera el segundo mejor trabajo
del primer semestre del 2004.
- Stylus Magazine lo eleva a disco de la semana, con
una puntuacion de 9 sobre 10, y comentarios como
estos: Vapour trails of distant airplanes turning
orange in the sunset, a smear of royal umber bruise.
Universes appear within your iris, tremulous rumbles
consume miniscule worlds. Glass and metal are pushed
beyond physical limits, bend and break. Bark peels
like skin from trees. Points of water evaporate under
immense heat. Whispers drown out coils of industry.
Forward motion is reversed and progresses faster. The
church walls begin to close in again, and so you swing
aside the oaken door and step outside into the buzzing
orange half light another time, people still moving,
still alive, even at this time of night, and you melt
into the tarmac, the brickwork, the sulphur, the
pallid strip-lights
[
] Codename: Dustsucker is
uncategorisable, even neologisms fall short now that
the old words have been warped. It exists in a space
outside of rock, post-rock, jazz, pop, dance and
avant-garde, in a nothingness zone, unfettered by
genre or gatekeepers. [
] Agonised, fearful,
compelling, beautiful and measured with infinite
precision and chaos, Codename: Dustsucker is close
to miraculous.
- Magnet Magazine: To a degree, CodeName: DustSucker
picks up where Hex left off, employing dub production
techniques and vertically arranged
instrumentationkeyboards, bowed guitar, trumpet,
piano, vibraphone and percussion (drums courtesy of
Talk Talks Lee Harris)for maximum exotic effect [
]A
provocative jazz symphoñ, Dust Sucker proves that in
music, serendipity can strike twice.
- Boomkat Magazine: Codename : Dustsucker is an
incredible listen - a blend of everything he sparked
off and all the slight generic revolutions that have
taken place since. It's post-rock re-invented,
electronica re-written, soundtrack music writ large
and new - and without question one of the most
astonishing records of the year. If you're into Talk
Talk, Hood, Tortoise, The Remote Viewer, My Bloody
Valentine, To Rococo Rot, or if you just want to hear
life-changing music from one of the scene's greatest
unknown operators - we implore you to check this out
without delay. Magnificent.
- Opus Zine: Taking a page from David Sylvian's
discography, the song begins with a stark, dusty
acoustic guitar meandering about. Slowly, shimmering
pools of moonlit synth begin coalescing around it. As
the two sounds grow out of sync with eachother, an
organ begins filtering in, bringing with it more
shimmering synths and brief, cut-up vocal snippets.
The track has a nocturnal quality about it, evoking
the onset of night - the sun's sinking, the darkening
of the skies, and the slow rise and appearance of the
moon and stars' silvery light. And just as the track
gets going, it fades away, leaving only a yearning for
more in its place.
So was the album worth the 10 years? If you have to
ask that, you obviously need to go back and re-read
this review. CODENAME:dustsucker represents a stunning
return to form for the band. As with Hex, there is
nothing unfamiliar or particular groundbreaking in the
sounds that Bark Psychosis employs. Truth be told,
much of what I hear on CODENAME:dustsucker I've heard
countless times before. However, it rarely sounds as
fresh and invigorating as this.
Manos a la obra. Codename: Dustsucker es un trabajo
que remite directamente a Hex y al EP Blue
publicado inmediatamente despues, y su logica
continuacion tras diez años que podrian haber sido
evolutivamente tres o cuatro. El primer post rock era
de naturaleza muy evocadora, y Codename remite a los
temas clasicos de Bark Psychosis: la noche urbana, las
luces de la ciudad, los amaneceres brumosos, las
autopistas, la deshumanizacion tecnologica, todo
entendido como una representacion a gran escala del
modo de vida occidental contemporaneo. El sonido sigue
siendo modelado en base a teclados ambientales,
pianos, bajos importantes, vibrafonos, guitarras,
white noise, efectos, trompetas y delicadas voces
susurrantes, dos femeninas (una de ellas Anja Buechele
de Throwing Muses) y masculinas (el propio Graham
Sutton). A la percusion y coescribiendo dos temas, Lee
Harris de Talk Talk, con lo que el circulo se cierra.
Los temas se toman su tiempo para desarrollarse,
promediando unos 6 minutos largos, y lo hacen
pausadamente, sin prisas, entrejiendo con precision
los distintos instrumentos y las variadas referencias
musicales, el ambient, las bandas sonoras, el jazz, el
rock alternativo, las musicas contemporaneas y de
vanguardia, el pop y el rock. El primer tema From
what is said to when its read empieza suavemente en
clave pop para realizar un cambio hacia el noise
electronico a partir de medio corte (similar a
Scum). The black meat se estructura en tres
partes: la primera es parecida a la cancion anterior,
siendo el puente intermedio, liderado por una
trompeta, muy cercano a la musica de Talk Talk, para
concluir en tono ambient-electronico a lo Aphex Twin o
Main. Miss Abuse se decanta por una electronica
atmosferica industrial con elementos jazz, soundscore
y pop, y con ciertas reminiscencias a Air o The Orb.
El cuarto tema, 40 winters, es directamente pop
alternativo, con una presencia importante de la
guitarra acustica y voces muy suaves, que evoluciona
como un in crescendo invertido: el tempo es
progresivamente mas lento y los instrumentos van
desapareciendo. Dr Inocuous / Retanoid es un corto
ejercicio ambient-ruidista que da paso a Burning the
city mediante unos pasajes al piano y la guitarra
acustica, en un tema donde el vibrafono adquiere un
papel principal. Inqb8tr es un tema post rock
clasico, reminiscente de los Tortoise de Standars o
los Hood de Cold house. Shapeshifting es de nuevo
post-pop-rock alternativo, con excelentes tratamientos
de electronica bañando las percusiones y las
guitarras, y una segunda mitad en clave de electronica
industrial experimental. Finalmente, Rose es un
maravilloso y delicado tema in crescendo con la
presencia en primer plano de teclados casi
eclesiasticos. Un remanso de paz.
Codename: Dustsucker se nos presenta como un
excelente trabajo de altisimo nivel cuya aparicion era
necesaria para recordarnos que el post rock, en sus
origenes, era innovacion y no repeticion, creatividad
e ideas y no una sucesion incansable de guitarras
haciendo loops, gusto por el detalle y no una
coleccion de sonidos intrascendentes. Bark Psychosis
nos ha regalado una inmensa obra aleccionadora y
revitalizadora que recomiendo plenamente. Finalmente,
y en relacion a las mencionadas preguntas que el disco
me planteo, las respuestas son inmediatas:
1) Codename: Dustsucker no solo encaja perfectamente
en el post rock actual, sino que forma parte de su
esencia.
2) El trabajo no es un producto de la hibernacion:
efectivamente realiza aportaciones derivadas de la
musica electronica de los ultimos años, seguramente
canalizadas a traves del proyecto Boymerang de Sutton
(basicamente jungle, pero tambien drumnbass).
El silencio ha sido esculpido de nuevo.
Jaume Pujol / 31.Julio.2004
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Autor: agustin.barcena@cfe.gob.mx
Asunto: RUSH... FEEDBACK 2004
RUSH : "FEEDBACK" (2004)
Hola mis estimados cajeros que alucinan con el progresivo que hasta los
comparan con los dinosaurios, yo solo pido que no se extingan y podamos
seguir disfrutando de este genero musical... jajajajaja. Y hablando de
dinosaurios y busquedas de las raices del hombre y su pasado mas cercano,
donde todos tienen una linea que no termina en un eslabon perdido y
oscuro, tenemos ahora la presentacion de un gran trabajo.
En RUSH no vemos al clÃ!sico power trio, ni un grupo mas dentro del
escenario; escuchamos en ellos a tres virtuosos en busqueda constante de
nuevos sonidos o un sonido mÃ!s propio que los identifique, hay quienes
dicen incluso que si de clasificar se trata que entran mÃ!s en lo que
denominan "Hard Progresivo". Nosotros creemos que ellos basan su
permanencia en el Rock progresivo, por las notas vertidas en este
estupendo foro LCDM, por la calidad de su música y la letra de sus
canciones, la experimentación y el conocimiento de la música es su gran
fuerza. Comprobemos o rectifiquemos nuestros conceptos, si es el caso y
el único modo que tenemos para hacerlo es escuchandolos...
Los tiempos del oscurantismo musical han cambiado radicalmente para
muchos adictos a la sonoridad progresiva desde el primer momento en que
disfrutamos este tipo de vida y nos sentimos hombres libres, intelectuales
y desarrollados por todo lo que recibimos en la aportación diaria de la
musica, el alimento de nuestra alma. Con el progresivo que tanto
disfrutamos, nos sentimos transportados a epocas miticas donde viajamos a
hombros de gigantes y exploramos, a traves de la musica, la historia, la
geografia, la cosmovisión humana por el mas fino de los sentidos; sin
embargo tenemos en cuenta que, cuando prometeo robo el fuego de los
dioses, como represalia Zeus ordeno al legendario artesano Hefesto que
creara un regalo: combinar suciedad y agua y formara una bella muchacha
que fuera identica a los dioses inmortales... luego, Zeus ordeno a Hermes
que la llenara de engaño y artimañas descaradas... Hermes llamo a esta
mujer âPandoraâ la que da todos los regalos. Aun asi, a traves de la
caja de musica, hemos encontrado al cajero gentil que con sus comentarios
nos ayudan a descifrar la sutil diferencia entre lo hermoso y lo aburrido,
aun y sabiendo que Jano siempre tendra dos caras y todo es según el
cristal con que se mire. Al final de cuentas, uno es quien tiene la
decisión de tomar o dejar las aportaciones y descubrir nuevos
horizontes... Por estos comentarios es posible hablar de evolucion y no
simples acordes que nunca cambian, aqui no existe espacio para la
monotonia... Como ejemplo y para no desviarme demasiado, pondre a
colación que aquà hace mas de tres años, lei en LCDM acerca de Mostly
Autum y lo descrito sobre la vivencia musical del cajero que realizaba el
comentario, hizo que lo buscara por todas partes a donde iba en mi
recorrido terreno, la curiosidad por conocer un nuevo grupo era impulsada
tal y como dicen las escrituras: Busca y encontraras, pide y se te dara,
toca y se te abrira... hasta que hace dos semanas pude dar con dos cds de
ellos y... definiria ese encuentro con el grupo como el buen guru
progresivo Octavio Guerrero, lo haria: Lo que vale la pena tener, vale la
pena esperar...
Asi ahora, después de iniciar su periplo en marzo de 1974, el gran grupo
canadiense RUSH, inicia ahora el tour de aniversario 30 con una sorpresa
con Pandora adentro. Lo escribi sonando a algo muy sencillo... Como
siempre, todo tiene ciclos y los circulos magicos de la musica nos
llevaran a lugares de inicios y fines de nuevas eras. A finales del siglo
XX se cumple el fin de un eon y el principio de otro. La era de Acuario
sustituye a la de Piscis, cuyo inicio esta relacionado con el cambio, las
cosas que fluyen imperceptiblemente y trastocan todo. Acuario el portador
(iniciativo de un ser progresivo integral que busca sus raices en todas
partes, desde la musica clasica, el blues o el jazz, por citar algunos
elementos), nos trae un regalo tan esplendido como peligroso, el
movimiento progresivo que para muchos que no lo entienden nos voltean a
ver como entes poseidos por los mil demonios y para nosotros simplemente
es musica celestial, realizandose asi el mito de Pandora, la ambigua
portadora de la caja que contiene todos los secretos.
Alegrense hijos del progresivo Dios que llena sus vidas de existencia
pura y trascendente, a llegado a nuestra tierra prometida el album 29 del
trio canadiense mas importante del progresivo, dentro del mismo han
sucedido muchas cosas que se escuchan desde la primer oida. Alex Lifeson
desarrollo hace tiempo su trabajo solista llamado Victor, Geddy Lee
realizo lo propio con el album My Favorite Head Ache sin RUSH, (mi dolor
de cabeza favorito es buscar sus discos, jajajajajaja) y el inquieto Neil
Peart produce y ejecuta algunas piezas brillantemente, para los dos
primeros volúmenes del tributo a Buddy Rich llamado Burning for Buddy
(donde tambien participa Bill Brufford, entre otros), un bateria jazz que
segun el mismo comenta en las lineas dentro del album, lo influyo
terriblemente. Estos tres trabajos sin sus compañeros de treinta años,
nos dejan algo sorprendente: ninguno de ellos puede vivir sin los demas
porque su estilo ya lo tienen en la sangre y existen pasajes musicales en
los albumes de Alex y Geddy donde tocan sus instrumentos buscando en la
armonia musical a los otros dos, con un dejo de nostalgia. La vida ha sido
dura y cruel con estos grandes mortales y han tenido vivencias externas (y
extremas) que en ciertos momentos los han hecho reflexionar sobre cual
sera el proximo paso a seguir. Algunas Sibilas diran que se ha profetizado
en mas de una ocasión la ruptura del grupo... y ellos juntos y felices
como al inicio de esta empresa.
Desde 1969 hasta 1972 (es decir, antes de trabajar juntos en el proyecto
RUSH), realizaron actuaciones en Toronto interpretando un tipo de musica
influenciada por los Cream, depurando su show en vivo en los circuitos de
clubes y bares locales. En 1973 debutaron oficialmente con la publicacion
de una version de Not Fade Away de Buddy Holly, a la que siguio You
Canât Fight It, grabaciones hechas para su propio sello, Moon Records. A
pesar de no conseguir el exito esperado, la banda siguio adelante con la
grabacion de su primer album, que fue mezclado por Terry Brown (que
continuaria trabajando con la banda hasta el Grace Under Pressure de
1984). Sin lograr el interes de las grandes compañias, una vez mÃ!s este
trabajo llego a traves de Moon, y se distribuyo a través de London
Records. La calidad de los locales en los que actuaban fue mejorando,
consiguiendo ser los teloneros de los New York Dolls en Canada y
finalmente cruzando la frontera de EEUU para realizar conciertos con los
ZZ Top. Casualmente, Cliff Burnstein de Mercury Records escucho a la
banda y reedito su primer album. En este punto Rush se embarco en su
primer tour integro por EEUU. La musica de la banda en esta etapa se
caracterizaba por el tono extraordinariamente alto de la voz de Lee, un
sonido de guitarra tremendamente potente, sobre todo en los primeros
anios, y un interes recurrente por la ciencia ficcion y la fantasia de la
mano de Neil Peart (quien por curiosidades de la vida, no participa en el
primer album, sin embargo en vivo toca las piezas del mismo con maestria,
como si fueran suyas), pero como diria la Nana Goya, esa es otra historia.
Ya se hara lo propio con el analisis del Vapor Trails, album 25 del grupo
porque lo que separa a este album con el que comento ahora, son trabajos
de recopilación donde no pasa nada y solo nos llenamos del grupo. Cuando
escuche por primera vez el Vapor Trails, se escuchaba un grupo dando la
vuelta al circulo magico, el cual rebuscaba en sus raices volver a sus
primeros momentos, con un RUSH y un FLY BY NIGTH mas dinamicos, agiles en
su interpretación, quiza y si lo permiten, hasta mas catalogado por su
servidor como un sonido Heavy rock que sus demas discos, donde tambien se
escuchan melodÃas melancolicas...
Nadie puede ver el arbol con solo ver la semilla y ahà es donde esta toda
esta cuestion, como describe Neil Peart en la cara interior del album
FEEDBACK, el guitarrista, el bajista y baterista establecen contacto con
una sesion de blues rapido, con base en un relajante numero acustico y con
himnos tradicionales del rock. A traves de una espiral musical, el aire se
llena de sonidos donde cualquier cosa fue... muy... hermosa... Dice Peart
que saben que se encuentran en el año 2004 pero tanto Alex, Geddy y el
mismo regresan a los anios de 1966 y 1967 cuando tendrian trece o catorce
anios buscando los sÃmbolos mas representativos que ayuden a conmemorar
los treinta años juntos regresando a sus raices y pagando un tributo a
aquellos que los han enseniado y han sido su inspiración por mucho
tiempo... Ironicamente, muchas de estas canciones que se encuentran en el
album, son cover de muchas bandas que las ejecutan en bares por todas
partes del mundo... Esta musica celebra buenos tiempos en nuestras vidas y
hemos tenido un buen tiempo celebrando.
Los proximos años representaran un reto que exigira toda la fuerza y toda
la sabidurÃa de los hombres. Para entender este reto habra que volver la
vista a las profecias de las Sibilas, los misterios de los druidas celtas,
los origenes de los mitos griegos, el secreto de las escrituras sagradas,
el significado del Cantar de los Cantares atribuido a Salomón y la
sabidurÃa de los indios americanos. Todas estas tradiciones, mitos,
creencias y sÃmbolos nos remiten a una figura esencial: el circulo
magico, en cuyo centro reside la verdad ultima y cuyo poder se encuentra
encerrado en este estupendo FEEDBACK donde si me lo permiten, diria que es
un estupendo blues progresivo donde hasta para realizar un tributo, RUSH
ejecuta con maestria las canciones de todos conocidas y las pinta con una
portada psicodelica que nos remite a tiempos sesenteros idos que regresan
en circulos de la memoria hasta nuestos oidos. El disco incluye versiones
de los Yarbirds (âHeart Full Of Soulâ y âShapes Of Thingsâ), de
los Who (âThe Seekerâ), de Buffalo Springfield (âMr. Soulâ), de
Eddie Cochran (âSummertime Bluesâ) y del legendario blusero Robert
Johnson (âCrossroadsâ). Los amantes del rock pesado quedarÃ!n
deslumbrados, sin dudas, por este disco retro de uno de los power trÃos
mÃ!s importantes del mundo.
El album consta de ocho tracks que son los siguientes:
1.- Summertime blues (Eddie Cochran en la version de Blue Cheer)
2.- Herat full of soul (The Yardbirds)
3.- For what it's worth
4.- The Seeker. (The Who)
5.- Mr. Soul. (Bufalo Springfield)
6.- Seven and seven is
7.- Shapes of things (The Yardbirds)
8.- Crossroads (Cream)
A mi juicio este album tiene una calificacion de 95/100 aunque bien
disputa la perfeccion divina. Muy recomendable.
AgustÃn BÃ!rcena Brambila.
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Autor: "Rolando Caloca" <rcaloca@kushgames.com>
Asunto: Captain Beefheart - Safe As Milk
Captain Beefheart : "Safe As Milk"
Saludos, Cajeros! Despues de estar participando como lector solamente, me
atrevo a mandarles una pequeña reseña basada en una publicada por Karen
Anderson, del disco "Safe As Milk" de Captain Beefheart and his Magic Band.
Tracks:
1. Sure 'Nuff 'N Yes I Do
2. Zig Zag Wanderer
3. Call On Me
4. Dropout Boogie
5. I'm Glad
6. Electricity
7. Yellow Brick Road
8. Abba Zaba
9. Plastic Factory
10. Where There's Woman
11. Grown So Ugly
12. Autumn's Child
13. Safe As Milk (Take 5)*
14. On Tomorrow*
15. Big Black Baby Shoes*
16. Flower Pot*
17. Dirty Blue Gene*
18. Trust Us (Take 9)*
19. Korn Ring Finger*
* Extras, de sesiones ineditas, no son parte del album original
Empezamos con la nocion de "Seguro como la leche"... Refieriendose en este
caso al comfort mas que nada, tan comfortable como la leche... Y sin mas,
viene el primer track "Sure 'Nuff 'N Yes I Do", un blues clasico del Delta
del Mississippi, y pienso que si, estan son las raices del rock. Justo
cuando me siento comfortable, llega "Zig Zag Wanderer", un ritmo garage
psicodelico del estilo Ted Nugget, bastante bueno. El ambiente se esta
poniendo denso, me pongo a pensar justo al terminar este track, y el Capitan
llega con "Call On Me", una balada de los 60's tipo Otis Redding, con riffs
de guitarra armoniosos, y sin mas aviso, el Capitan nos presenta "Dropout
Boogie", un rock anarquico, años antes de Marilyn Manson y su ritmo
caracteristico.
En este punto entra "I'm Glad", con armonias del tipo soul, bastante seguras
como la leche. Pero cuidado, llega una de mis favoritas del disco,
"Electricity". Un viaje fuera de este mundo donde Black Sabbath se mezcla
con Lindsey Buckingham con una mezcla de Salvador Dali usando LSD. La voz
del Capitan, sus cuatro y media octavas, hacen sacudir al microfono, y nos
recuerda la leyenda de que grabando esa cancion, trono un microfono de $1200
dolares (en 1967!). En este momento, completamente fuera de comfort, llega
un mensaje que te deja pensando quien diablos es la Magic Band: "The
following tone is a reference tone recorded at our operating level.". Un
tono para afinar suena mientras el riff the "Yellow Brick Road" suena,
dejando grabado en mi mente a nivel operativo, mientras lo tarareo, esa
melodia tan unica de la guitarra principal. De pronto, los tambores dle
Africa entran sin aviso en "Abba Zabba", reintroduciendo al Capitan como uno
de los dadaistas del rock. El Capitan ataca de nuevo con "Plastic Factory",
otro roadhouse blues pesado del Delta, sacudiendo el territorio y haciendo
premoniciones.
Justo cerca del final, llega "When There's Woman", una balada blues-era, que
nos recuerda canciones de Janis Joplin cantadas por Tom Waits. Sigue un
tributo a Muddy Waters, "Grown So Ugly", fincando el terreno para Led
Zeppelin. Y finalmente, el album termina con "Autumn's Child", una plantilla
de rock progresivo, años luz adelante del genero. Esto fue tan comfortable
como la Leche?
Espero luego publicar una reseña del album seminal del rock, Trout Mask
Replica.
Saludos!
Rolando Caloca Olivares
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Autor: "Anibal Maraschi" <maraschi@ciudad.com.ar>
Asunto: Realidad o fantasia ?
Hola a todos.
Sobre la forma rockera de interpretar el rock ( miren como estaremos que me
siento obligado en un foro supuestamente rockero a tratar de explicar la
esencia del ROCK ) me gustaria explayarme un poco mas ( aunque se que a la
gran mayoria Cajeros puedo aburrirlos ya que no gustan del Rock ):
Sobre las formas rockeras:
Ian Anderson en una entrevista cuenta que al ver que nunca podria ser tan
buen guitarrista como Clapton, decidio explorar algun otro instrumento para
destacarse. Sus opciones fueron la flauta o el violin. Sabemos que elijio la
flauta y explica sonoramente en dicha entrevista radial como debio
"ensuciar" el soplido para hacer que el delicado sonido de la traversada
pudiera acoplarse a un sonido rockero.
Sobre el fondo:
En el programa radial The Musical Box de Buenos Aires los conductores del
mismo casi debieron pedir disculpas al pasar al rabioso Hammill cantando en
vivo en la gira que hiciera como soporte de Genesis alla por los
setentaipico. Claro, para muchos de sus oyentes canta feo, es agresivo, y no
habla de caballeros blancos rescatando virginales princesas.
Muchos de esos oyentes se ponen seudonimos Tolkieanos y pregonan a viva voz
que esta musica maravillosa llena de fantasia y sueños infantilmente
medioevales (ya que de de la edad oscura solo se quedan con los onanistas
magos peliblancos y los gnomos de ojos dulces) les sirve para evadirse de
la cruel o monotona realidad que les/nos toca vivir.
Creo que aqui reside la diferencia esencial entre el Rock Progresivo y la
Musica neo-sinfonica.
El ROCK nacio para modificar la realidad y la Musica neo-sinfonica para
evadirse de ella.
Y le doy la razon al amigo Cesar Mendoza sobre lo impropio de utilizar el
termino "amanerado" o "amariconado" .
En realidad el la musica neo-sinfonica es mas infantil que "maricona".
Un saludo a todos
Anibal "amanerado" Maraschi
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