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La caja de musica Number 0587
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #587 julio 2004 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Algunas cuestiones
* TIRILL "A DANCE WITH THE SHADOWS" (WHITE WILLOW)
* TRIVIA
* Amagrama: "Ciclotimia" (2004)
* Steve Hackett 'Spectral Mornings'
* Sobre Senogul
* Mi presentacion a La Caja
* Dream Team - The Hammill/Wyatt Experience
* novedades de Viajero Inmovil
* ELONKORJUU- Harvest Time
* Orphaned Land - Mabool (2004)
* Re: Viva el rey!!
* Campo di Marte
* Saga "Heads or Tales"
* Maxophone
* Rush - Hold your Fire (1987)
* Eloy - Metromania (1984)
* Yes - Big Generator (1987)
* Squire es rockero !!!!
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Autor: "Anibal Maraschi" <maraschi@ciudad.com.ar>
Asunto: Algunas cuestiones
Hola a todos.
Me surgieron algunas preguntas y /o reflexiones a partir de algunas lecturas
de cajas preteritas.
De un comentario a raiz de si Clapton es dios o no ( despues hay quien me
acusa a mi de plantear discusiones bizantinas !! ) un cajero decia :" Desde
que se dedica ( Clapton ) a las
baladitas insufribles del tipo "Tears in Heaven" y al blues acaramelado, los
buenos amantes de la musica y del rock hemos perdido el respeto a este
hombre,etc etc.... "
Yo me pregunto : cuando una baladita es insufrible ? . No he oido a nadie
calificar asi a Sugar mice de Marillion pero siempre son insufribles y
comerciales y malas todas las baladas por ejemplo de Genesis ( siempre
atribuidas a Collins aunque sean de Rutherford o Banks dicho sea de paso ) .
Fish casi no hace otra cosa que baladas malas desde que empezo su carrera y
sin embargo es idolatrado por aquellos que no dudan en censurar las baladas
( siempre mejores dicho sea de paso 2 ) de Collins , Genesis o Clapton.
Arriesgo la siguiente explicacion al extraño fenomeno :
Supongo que como Marillion es muchisimo menos grupo que Genesis , se le
perdona y hasta aplaude todo intento aunque sea de poco brillo . Algo asi
como que un niño que comienza a andar y recorre penosamente 2 metros sin
gatear es digno de apoyo .
Otro tema: Josep Bolea Puig en su comentario " Puntuaciones de discos" se
preguntaba " que supuesta utilidad tienen
las puntuaciones con las que algunos cajeros terminan sus revisiones."
Arriesgo a decir que dichos comentarios hablan mas del que comenta que de
aquello que es comentado. Solo sirve si uno se toma la molestia de conocer a
fondo los gustos del que hace el comentario, analizando todas sus criticas y
sus puntuaciones . Entonces si, una vez hecho esto, uno puede arriesgarse a
saber si el album en cuestion puntualizado por ejemplo 8/10 , nos puede
gustar o no.
Yo te recomiendo amigo Josep , que te tomes este trabajo si quieres seguir
manteniendo el interes en lcdm , ya que de esto se trata casi en su
totalidad.
Otro tema: en el comentario de Henrique Serna " Lo vas a contradecir ? " se
hablaba de los " fanaticos extremistas que se clavan en los grupos de los 70
" . Al leer esto me dije: Uh, estan hablando de mi , que emocion !!! " , asi
que preste atencion al mensaje .
Alli decia que Trey Gunn piensa que Radiohead es progresivo. Es un buen
dato. Seria bueno saber que piensa un musico de rock progresivo sobre
Radiohead.
A continuacion decias " Muchos tienen la osadia hasta de contradecir a Fripp
en su observacion de
que Crimson es rock clasico y no es progresivo, ahora a ver quien contradice
a este: ( a ver cuantos aqui tienen mejor oido y conocen mas de musica que
este)"
Al respecto digo solo que Fripp cuando vino a hacer sus soundscapes a Buenos
Aires dijo que eso era mejor que todo lo que habia hecho con Crimson.
Y despues ponias un comentario de Rick Wakeman on Radiohead : "Sorry guys,
but you ARE Prog Rock. You are incredibly Prog Rock."
En un reportaje Wakeman decia que su profesora de piano cuando el era
estudiante le sentencio : " tu podras ser un gran interprete pero no sirves
para componer " . Como hizo para saberlo no lo se , pero cuanta razon
tenia....
Un saludo a todos
Anibal Maraschi
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Autor: Jaume Pujol <jpujolz@yahoo.com>
Asunto: TIRILL "A DANCE WITH THE SHADOWS" (WHITE WILLOW)
TIRILL : "A DANCE WITH THE SHADOWS" (2004)
The Wild Places
Nadie puede negar que los tres albumes que White Willow ha publicado hasta
la fecha forman una extraordinaria triada de enormes trabajos de rock
progresivo oscuro, melancolico y doliente, tampoco que cada uno de ellos
tiene una personalidad propia bien definida. El primero, Ignis fatuus
(1995), se caracterizaba por unas referencias musicales proximas a la musica
medieval y el dark folk (entendiendolo segun la definicion que Jacob
Holm-Lupo, lider de White Willow, dio cuando le entreviste como team leader
y webmaster de progVisions en 1999: Music that grows from the hearts of the
people and places. Music imprinted with landscapes, languages, the natural
rhythms of nature, labour, tides, sowing and harvesting...). En terminos
generales, podemos decir que el siguiente Ex tenebris (1998) dio un giro
al rock progresivo de cariz crimsoniano, mientras Sacrament (2000)
incorporaba la musica neoclasica y gotica entre sus fuentes inspiracionales.
Siguiendo con el excelente Ignis fatuus, viene a colacion decir que uno de
los miembros de los White Willow de la epoca, musico que contribuyo
notablemente en la definicion del sonido final del trabajo, era la
violinista y guitarrista clasica Tirill Mohn. Tras la grabacion del album,
abandono la formacion y no hemos tenido mas noticias de ella hasta la
publicacion de este A dance with the shadows. Han transcurrido unos diez
años desde que se empezo a grabar en estudio el primer album de White
Willow, cuya atmosfera y sonido no ha sido desarrollado por la banda en
discos sucesivos y solo ha sido incluido posteriormente en un contado numero
de pasajes. El trabajo objeto de esta critica plantea muchas preguntas y
tiene un interes extremo para el prog fan
Tras la audicion del album, es imposible que el corazon se mantenga
impasible, y es que las musicas que Tirill nos ofrece remiten directamente a
su etapa como miembro de White Willow: folk nordico sombrio y desconsolado,
instrumentaciones basadas en sonidos acusticos y la presencia en primer
plano de voces femeninas delicadas y susurrantes, aniñadas quizas,
guitarras, flautas y cuerdas que acompañan textos llenos de belleza oscura y
marchita, el amor y la muerte fria, el destino jugueton que rodea nuestras
almas, paisajes descritos hace años por temas como Snowfall, Ingenting,
The withering of the boughs, Lines on an autumnal evening o Now in this
fairy lands.
Los temas de A dance with the shadows fueron compuestos entre los años
1996 y 2001, siendo Vendela el mas antiguo, escrito un año despues de la
publicacion de Ignis fatuus. La respuesta a todas las preguntas
planteables es la que ansiabamos: su atmosfera encaja perfectamente en el
sonido de dicho disco, y tanto su estructura como instrumentacion y tematica
son completamente coherentes con la linea musical de los White Willow de
entonces. Aparte de este corte, si bien el trabajo es muy uniforme en lo que
respecta a su calidad, se puede mencionar Dont dare to love you por su
hermosa melodia acustica y puente instrumental, la actualizacion de musicas
de antaño en Winter rose, Tunes flowerspor sus tejidos instrumentales
(atencion a la combinacion de la acustica y el chelo), la poetica presente
en Dressed in beauty, Golds of morning por su bellisimo cierre
instrumental de cariz medieval, y la inocente niñez presente en el cierre
del disco When you sleep.
A pesar de las referencias mencionadas, Tirill no pretende recrear sonidos
pasados u ofrecer discursos ya oidos, y ciertamente no lo hace. La musica de
A dance with the shadows es liberada fresca, moderna y se revela
extraordinariamente atractiva, como un soplo de aire fresco en las recogidas
noches de otoño. Para seguidores inconformistas del rock progresivo.
Jaume Pujol / 25-Julio-2004
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Autor: PEDRO CAMPILLO <pedrocampillo@yahoo.com>
Asunto: TRIVIA
Holaatodos:
Para los amantes de los trivias, aqui va uno
pequeñin:
1. Que tema de RSP recuerda mucho al Come Together de
los Beatles?
2. Escuchando un tema de los 70', Matte Kudasai es,
claramente, una evolucion del mismo, a que tema me
refiero?
3. Cual fue el primer tema en el que Robert Fripp
esboza, de una forma artesana, lo que años despues se
conocera como Frippertronics? Al estilo de las que
acompaña su version de Here Comes the Flood i.e.
4. Esta esta prohibida a los CNeros, cuando se habla
del Exposure de Robert Fripp se dice que forma parte
de una trilogia con los cantantes Peter Gabriel (II) y
Daryl Hall (Sacred Songs), sin embargo, el cantante
que mas aparece es Peter Hammill, por que?
5. Cual fue el primer titulo con el que KC,
particularmente Fripp, comenzo a componer FraKctured?
Que otro miembro que provoco el cambio de nombre?
Me ha quedado bastante crimsoniano, por lo visto.
Salu2
The Winkler
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Autor: "marcelo olivera" <marceplus@hotmail.com>
Asunto: Amagrama: "Ciclotimia" (2004)
AMAGRAMA: "CICLOTIMIA" (2004)
Amagrama es una banda argentina muy joven que acaba de editar su primer
disco, "Ciclotimia". Integrada por los hermanos Amaya (tambien en la banda
tributo Pulso), con influencias de los grandes clasicos del genero y
-especialmente- de la mejor agrupacion argentina de todas las epocas (Crucis),
el album sorprende gratamente por la calidad y complejidad de algunos de los
temas, asi como por el profesionalismo y destreza en las ejecuciones.
Precisamente, los instrumentales "Ciclotimia" y "Fabulas de un Titere" son
las perlitas del trabajo: rock sinfonico clasico, elaborado, energico y de alto
vuelo. El nivel del disco se torna un poco irregular debido a que las partes
vocalizadas (que no son muchas) distan bastante, cualitativamente, de las
instrumentales -falencia bastante comun en el progresivo argentino, que siempre
adolecio de un cantante destacado-. No obstante, el album es en general muy
bueno, mas aun teniendo en cuenta la juventud de los integrantes de la banda y
que este es su debut discografico. Para el cierre, se incluyo como bonus track
un excelente cover de "Recluso Artista", uno de los temas mas bellos de Crucis
(a proposito, los seguidores de la musica de este legendario grupo -que apenas
edito dos discos- seran quienes mas disfruten "Ciclotimia").
En resumen, el primer album de Amagrama presenta momentos muy buenos, a
veces brillantes, y es un soplo de aire fresco para el progresivo de estas
latitudes. Puliendo algunos detalles (la mencionada debilidad en las
vocalizaciones), es una agrupacion realmente prometedora. "Ciclotimia", con
seguridad, no decepcionara a los tradicionales aficionados al RPS.
Temas:
- Ciclotimia
- Vigilia
- El Vacio
- Tu Eternidad
- El Vacio Parte II
- Todo lo que Puedes Ser
- Fabulas de un Titere
- Desierto Humedo
- La Luz y el Cristal
- Dislalia
- Recluso Artista (Bonus Track)
Integrantes de Amagrama: Juan Amaya, Agustin Amaya, Alejandro Graziano,
Javier Martinez.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Steve Hackett 'Spectral Mornings'
STEVE HACKETT: Spectral Mornings (1979)
Temas
1. Every Day
2. The Gypsy and the Virgin
3. The Red Flower of Tachai Blooms Everywhere
4. Clocks The Angel of Mons
5. The Ballad of the Decomposing Man
6. Lost Time in Cordoba
7. Tigermoth
8. Spectral Mornings
Steve Hackett: guitarras electricas, clasicas y acusticas de 12 cuerdas,
guitarra sintetizada, mellotron, koto, autoharp, armonica, optigan,
percusion, voz, coros
Colaboradores Nick Magnus (teclados, sintetizadores, coros, vocoder), John
Hackett (flautas, pedales bajos, mellotron), John Shearer (bateria,
percusion), Dick Cadbury (bajo), Peter Hicks (voz)
Con este, su tercer disco, el maestro Steve Hackett se resolvio por confluir
el diverso y entusiasta colorido de Please Dont Touch y la magia sublime
de Voyage of the Acolyte, y ello se transluce en la alternancia de piezas
que destilan inventiva y cierta dosis de extravagancia, con otras mas
serenas y ceremoniosas en su rebosante elegancia.
El disco se inicia con uno de los temas de mayor gancho y energia rockera
que Hackett haya concebido jamas: en su observacion no exenta de ironia
sobre el proceso destructivo de la drogadiccion, Every Day juega con riffs
atractivos y amables juegos vocales antes de desplegar un atrapante solo de
guitarra en los ultimos tres minutos: a pesar de su extension, este oyente
se queda con la miel en los labios mientras las ultimas notas de guitarra se
diluyen en el fade-out. El siguiente tema tambien es cantado, aunque esta
vez tiene un tono mas tirado hacia lo renacentista, con esa amalgama
exquisita de guitarras de doce cuerdas y clavicordio, esas flautas de John
Hackett (otro maestro de la familia) que flotan magicamente a discrecion, y
esas absorbentes cortinas de mellotron y sintetizador... es como un viaje a
los tiempos del Acolyte en una maquina del tiempo. Siempre abierto a la
asimilacion de ideas foraneas y exoticas, Hackett se desdobla en el koto y
el autoharp para viajar musicalmente a los valles del Extremo Oriente en
The Red Flower of Tachai.... Tras este breve receso emocional de poco mas
de un par de minutos, Hackett afila sus aristas psicodelicas para
presentarnos Clocks, que oscila entre lo tenebroso y lo explosivo,
concluyendo con una secuencia doble sobregrabada de bateria a manos de un
John Shearer que parece estar en trance: una de las cosas mas poderosas que
ha creado Hackett como compositor.
Con The Ballad of the Decomposing Man se mezcla dos fuentes musicales tan
disimiles entre si como son el charleston (con armonica bluesera) y la
rumba, creando uno de sus ocasionales temas frivolos: la letra gira en clave
de satira mordaz en torno a las condiciones de poca seguridad con que
laboran los obreros metalurgicos. Tal vez para algunos acerrimos del
progresivo exhibir el sentido del humor de una manera tan descarada y con
tanto desparpajo sea chocante, pero en mi opinion este numero cumple
eficazmente con romper un poco con la tension creada por el tema anterior, y
para presentar una alternativa a la solemnidad y sofisticacion de los
numeros que vienen despues.
En Lost Time in Cordoba, Hackett trabaja un flamenco estilizado con su
guitarra clasica, acompañada ocasionalmente por unas maderas que añaden
oportunas texturas para acentuar sutilmente el aire exotico del tema. Viaje
en el tiempo a Please Dont Touch: apenas desaparece el eco del ultimo
acorde de guitarra clasica, aparece un inquietante arpegio de guitarra
electrica para dar inicio a Tigermoth, cuya primera seccion es un
ejercicio de delirio progresivo donde se alternan momentos rockeros muy
asperos con un interludio apabullante de mellotrones y sintetizadores; la
segunda seccion es cantada y acustica, permitiendo a Hackett y sus secuaces
explorar comodamente en lo bucolico, creando incluso el ambiente de un
relato de cuentos.
El tema de cierre es el mismo que da titulo al disco, y es a fin de cuentas
una de mis piezas favoritas del repertorio de Hackett. Spectral Mornings
gira en torno a unas lineas melodicas sencillas, arregladas con oportunas
cortinas y texturas de teclado, tanto en el preludio como en el interludio.
La majestuosa y distante prestancia que evoca la guitarra electrica resulta
literalmente espectral, apelando a imagenes nebulosas de melancolia
inescrutable, imagenes que pueden incluso resultar atormentadas en
ocasiones, no tanto como si fuera un llanto, sino mas bien un amontonamiento
de lagrimas que nunca salen a la superficie. Con este prodigio de emotividad
y exquisitez, Spectral Mornings no puede pedir un mejor final. Solo me
queda añadir que este es mi disco favorito de la etapa setentera del maestro
Hackett.
Cesar Mendoza
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Autor: "Benitez baena Alberto" <abenitez@infonavit.gob.mx>
Asunto: Sobre Senogul
Saludos a todos los cajeros del mundo.
En LCDM#584 IsRael escribio (muchos saludos):
> Asunto: Senogul
> En un principio nos dedicamos a preparar versiones de nuestros grupos
favoritos y de paso tomar contacto con un estilo que todos disfrutamos pero que
nunca habiamos interpretado.
> ....comenzamos por "Firth of fifth", "Peaches en regalia", "Biaxident",
"Heart of the sunrise", "Larks' tongues in aspic II", "Karn Evil 9". Pronto
comenzamos a componer nuestros propios temas y en la actualidad nuestro set en
directo se basa principalmente en ellos.
Excelente comienzo.Aaron Copland lo ha dicho en su libro "Como oir la Musica"
de que todo musico toma de lo anterior y a partir de eso crea nuevas
situaciones. Es obvio que eso aplica tambien para pintores, escultores,
arquitectos, inventores, rockeros sinfonicos y un largo etc., etc..
> .........e incluso hay lugar para una fuga barroca para
teclado-bajo-guitarra.
Eso es muy significativo en tu grupo. A mi me gustan las fugas y lo barroco en
el rock progresivo.
Las fugas barrocas no son algo que se estile AUN EN LOS GRANDES GRUPOS del Rock
Sinfonico Progresivo. No se si sea por exceso de virtuosismo (jejeje) o no les
interese o no les llega o simplemente no tengan los conocimientos minimos para
crear una fuga, no lo se. Una fuga no es cualquier cosa.
Suerte en el largo y sinuoso camino del rock.
Saludos desde el otro lado del Oceano Atlantico (desde Mexico, DF)
Alberto Benitez Baena
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Autor: "antonio gil barahona" <thecrimson22@hotmail.com>
Asunto: LCDM: Mi presentacion a La Caja
Hola a todos los Cajeros:
Hace ya varios numeros (concretamente desde el #575) aparecio alguien nuevo
para unirse a esta gran lista (que creo que es muy grande y me refiero a la
calidad de lo que se expone). Yo mismo soy el aparecido y reseñando algunos
discos (Mahavishnu Orchestra, King Crimson, Asfalto etc), no hice mi
presentacion a los lectores. Pero bueno nunca es tarde si la dicha es buena,
y aqui estoy para hacer mi presentacion:
Soy Antonio Gil, tengo 21 años, de la provincia de Badajoz, y desde el año
1999 he seguido la caja de forma pasiva, siendo para mi un magnifico lugar
de informacion musical sinfonico-progresivo. La razon por la cual no accedi
a hacerme cajero es porque no prescindo de Internet (siempre accedo desde un
cibercafe), y una vez intente hacer el cuestionario pero no tenia el
permiso, debido a las restricciones de estos sitios. Por lo tanto no ha sido
hasta este año cuando por fin gracias al Cajero Mayor, del contacto personal
entre ambos, estoy agregado y para mi es una gran satisfaccion, sobretodo
por aportar mi granito de arena, como todos los que escriben regularmente
(que muchos ya conozco desde hace 4 años de lectura, y algunos conoci en
persona desde el Festival de Tiana 2004 ).
Hablando sobre mis inicios, empece a escuchar musica (en serio) cuando tenia
12 años. Mi hermano empezaba a traer grupos `Sesenteros` de la mano de un
amigo nuestro mas mayor, y quede atrapado principalmente por The Beatles y
The Doors, y ya despues por The Animals, Free, Jefferson Airplane, Jimi
Hendrix Experience, Janis Joplin, Velvet Underground y un largo etc.
Cuando cumpli los 13 y los 14 adquiri varios discos de gente como Pink
Floyd, Yes o King Crimson, para mi grupos nuevos en ese momento, y apartir
de aqui me entere de que esto era Rock Sinfonico. A continuacion me
relacione mucho con el fin de la decada de los 60 y el principio de los 70 (
aun recuerdo el verano que escuche In the Court of the Crimson King que no
me creia que fuera del 69, y me resulto algo peculiar y muy distinto a lo
que habia escuchado anteriormente). Seguidamente mi conocimiento se amplio
de la mano de ElyP, Camel, Genesis, Gong, Kansas, Tangerine Dream..., y
grupos españoles como Triana, Asfalto, Bloque, Alameda, y un largo e inmenso
etc.
Durante 2 años de escucha y cumplido los 16, tomo contacto con el
maravilloso mundo que es Internet, y desde ese punto hasta el dia de hoy, es
cuando todo el mundo musical me queda fascinado, por la variedad en los
estilos progresivos(que desconocia) y por el numero de bandas tanto antiguas
y sobretodo actuales que hay en el panorama mundial. Sin duda un mundo que
nunca termina y muy dificil de abarcar como uno quisiera(por falta de tiempo
y obligaciones).
Aparte de todo el conglomerado de Musica Progresiva (termino del que pienso
es el mas apropiado), estoy interesado por el Jazz, Blues, Hard Rock , AOR,
Gothic, Folk, y Metal(en menor medida),etc. La musica es amplia y diversa y
para nada hay que cerrarse. Desde luego soy partidario de la musica
desconocida, fuera de los medios de comunicacion. Siento gran interes por lo
experimental y vanguardista, por eso mi mayor iclinacion a lo Progresivo.
Un comentario del que siempre he pensado es, que mi edad en la que me inicie
a escuchar este tipo de musica no es muy frecuente actualmente entre los
jovenes, y hasta diria que mi edad actual tampoco. Siempre pense que habia
muchos como yo, pero veo que no. Pero la edad es lo de menos, y mi impresion
cuando me di cuenta de que habia gente en Internet que comparte mis mismos
gustos(sin importar edad), me hace pensar de que NO soy un bicho raro. Sin
duda estoy orgulloso de mis gustos.
Tambien decir que toco la Bateria (autodidacta). Aprovechare para presentar
mi grupo: EL SUEN~O DEL TAMANDUA, formado por mi hermano Kino
Barahona(guitarra acustica y electrica), Pepe Fernandez (guitarra acustica y
electrica, teclados y harmonica) y Manolo Fernandez(Bajo), estos dos
hermanos tambien.
Nuestra musica es variada y sencilla, con claras influencias a Lou Reed y
cosillas algo Beatles, ademas de algun guiño a Pink Floyd y cosillas
bluseras tipo J.J Cale. Vamos que no hacemos Progresivo, pero hacemos una
version de Emerson Lake and Palmer del tema From the Beginning, aparte de
nuestros temas propios con las caracteristicas mencionadas anteriormente.
Tan solo hemos grabado una maqueta en nuestro local de ensayo y hemos tocado
en bares de nuestra zona.
Finalmente decir que es un placer ser Cajero y como se dice por este mundo,
nos leemos!!
Saludos a todos, esteis donde esteis,
Antonio Gil.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Dream Team - The Hammill/Wyatt Experience
HOLA CAJEROS, soy Cesar Mendoza.
Explorando en el lado mas ameno de las discusiones progresivas, se me ha
ocurrido este dream team de orientacion vanguardista/reflexiva, al modo de
un proyecto "ideal" conjuntamente liderado por Robert Wyatt y Peter Hammill.
Ambos aportarian cinco canciones cada uno, y compondrian juntos tres o
cuatro mas. Seria un repertorio con la suficiente variedad como para que
resulte interesante, y con la suficiente coherencia como para mantener una
integridad artistica inteligentemente hecha.
Peter Hammill: voz, coros, guitarras, teclados
Robert Wyatt: voz, coros, teclados, bateria, percusion
Colaboradores - Jason Gobel (guitarra, guitarra sintetizada)
Sam Baine (piano, teclados, coros)
David Jackson (saxos, flautas)
Manu Katche (bateria, percusion)
Toñ Levin (bajo, stick, coros)
Sophie (violin)
Norsola (cello)
Como pueden ver, la presencia de Baine y Jackson puede garantizar la
permanencia de una linea psicodelica con tonos modernos (Jackson demostro
que puede sonar muy moderno en TheTangent), la dupla Levin-Katche le puede
dar unos matices etno-pop a la base ritmica, la seccion de cuerdas de
Godspeed You Black Emperor! puede realzar la vena onirica provista por los
teclados de Wyatt y Hammill, y finalmente, Gobel (de Gordian Knot) puede ser
el principal proveedor de fuego rockero a este alucinado ensamble.
Aqui me despido hasta una nueva ocasion.
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: novedades de Viajero Inmovil
Hola cajeros, los saluda Cesar Mendoza.
Aqui les transcribo un anuncio sobre las proximas novedades del sello
distribuidor argentino Viajero Inmovil.
OUR LABEL / NUESTRO SELLO
UQBAR - Uqbar (1995) - Argentina
EXCLUSIVE TITLES / TITULOS EXCLUSIVOS
BAUER - Astronauta olvidado - (2004) - Argentina
MINIMAL, ARIEL - Un hombre solo no puede hacer nada - (2004) - Argentina
PEZ - Folklore - (2004) - Argentina
ARGENTINE CDs / CDs ARGENTINOS
CAROLA - Damas negras - (1973) - Argentina (Back to stock/out of
print/last copies)
BOOKS & MAGAZINES / LIBROS Y REVISTAS
MELLOTRON - N° 32 - (2004) - Argentina (Include a CD sampler)
NEXT RELEASE / PROXIMO LANZAMIENTO
VIAJERO INMOVIL Records
ESPIRITU - Espiritu (1982) - Argentina (Remastered with bonus tracks)
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VIAJERO INMOVIL Records
L. de la Torre 758 D° 2
Quilmes O. (1879)
ARGENTINA
Phone/Fax + 54 11 4250 5100
www.viajeroinmovil.com
info@viajeroinmovil.com
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Autor: <dachada@bellsouth.net>
Asunto: ELONKORJUU- Harvest Time
ELONKORJUU : "Harvest Time"
(LP: 06234675 Parlophone Records Finlandia 1972)
(CD: 724354086823 Emi Records Finland 2002)
Musicos:
- Jukka Syrenius: voces, guitarras, flauta y piano
- Veli-Pekka Pessi: bajo
- Heikki Lajunen: voz
- Eero Rantasila: bateria
- Ilkka Poijarvi: guitarra, organo Hammond y flauta
Grabado en 1971.
Temas:
1. Unfeeling
2. Swords
3. Captain
4. Praise to our Basement
5. Future
6. Hey Hunter
7. The Ocean Song
8. Old mans dream
9. Me and my friend
10. A little rock song
Este grupo finlandes fue compuesto por cinco jovenes musicos que grabaron un
unico album en el estilo de rock duro progresivo al estilo de May Blitz,
Armageddon y Culpepers Orchard. Las guitarras electricas son el intrumento
predominante en este disco pero no esperen los tipicas formulas del rock
pesado. Aqui las descargas son combinadas con solos cambiantes y abundantes
cambios de ritmos y excelentes participaciones del Hammond , bateria y flauta.
La voz en ingles es bien competente para ser un grupo europeo y muy al estilo
de los vocalistas americanos de principio de los 70s. La unica pieza lenta es
Praise to our Basement pero que pieza, con una guitarra electrica sin muchos
efectos pero con una gran tecnica de punteo. The Ocean Song es otra gran pieza
donde el Hammond toma el roll principal y un bajo con fuzz al fondo llevando la
base ritmica. En conclusion este disco se los recomiendo como una verdadera
gema del poco difundido rock finlandes.
Manuel da Achada
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Orphaned Land - Mabool (2004)
ORPHANED LAND : "MABOOL: THE STORY OF THE THREE SONS OF SEVEN" (2004)
Discografica: Century Media
Temas:
1. Birth Of The Three [The Unification] (6:57)
2. Ocean Land [The Revelation] (4:43)
3. The Kiss Of Babylon [The Sins] (7:23)
4. A'salk (2:05)
5. Halo Dies [The Wrath Of God] (7:29)
6. A Call To Awake [The Quest] (6:10)
7. Building The Ark (5:02)
8. Norra El Norra [Entering The Ark] (4:24)
9. The Calm Before The Flood (4:25)
10. Mabool [The Flood] (6:59)
11. The Storm Still Rages Inside (9:20)
12. Rainbow [The Resurrection] (3:01)
Musicos:
- Kobi Farhi - vocals, backing vocals, growls, chants and reading
- Matti Svatizki - electric, clean and acoustic guitars
- Yossi Saharon (Sassi) - electric, clean, acoustic and classic guitars,
oud, saz, buzuki
- Eden Rabin - synths, piano
- Uri Zelcha - bass, fretless bass
Musicos invitados:
- Avi Daimond - drums
- Avi Agababa - percussions
- Shlomit Levi - female vocals
- Moran Ensenble - (varios)
- Oriental Choir - (varios)
- Oren Koren - violin
- Noam Wiesenberg - cello
Orphaned Land son de Israel, y practican basicamente metal, pero ciertamente
una muy original mezcla de diferentes influencias metalicas. Basicamente
prog-metal y death-prog, con tintes de metal clasico ochentero, power metal
y goth metal, todo ello genialmente mezclado con musica judia y del oriente
proximo, musica barroca, y una gran envoltura epica. Por lo que respecta a
bandas, las influencias de Orphaned Land vendrian por parte de Opeth y Dream
Theater como referencias mas notables, aunque para entender este "Mabool",
habria que citar a montones de bandas y compositores diferentes, cuyas
influencias no son facilmente reconocibles en la musica de los israelies. El
estilo de musica que realizan, es bautizado por la propia banda como
progressive middle-eastern metal.
Este album, tercero en la discografia de la banda, esta cantado ni mas ni
menos que en cinco lenguas, ingles, hebreo, arabe, yemen y latin, ademas de
unas estrofas cantadas en gibberish, una lengua inventada por el propio
grupo. La obra esta basada en la gran inundacion biblica, desde la
perspectiva de tres hijos que a su vez representan a tres religiones, el
judaismo, el islam y el catolicismo.
En "Mabool", ademas de los cinco miembros de la banda, intervienen 30
musicos diferentes aportando todo tipo de instrumentos, tipicos de culturas
del este. Y asi, en el album suenan instrumentos como el Oud, el Saz o el
Buzuki, ademas de los conocidos violin, chelo, piano y guitarras clasicas y
acusticas, entre otros instrumentos. Destacando la presencia de dos
percusionistas que aportan todo tipo de instrumentos de percusion, y por
supuesto bateria, ante la ausencia de un baterista en el seno de la banda.
Y respecto al trabajo vocal, es francamente rico y variado, con aportacion
de voz masculina limpia, voces guturales (relativamente pocas), voz femenina
y cantos corales.
Pasando al contenido, predominan los temas prog-metaleros, largos y epicos,
muy variados y con un caracteristico toque oriental, como son los tremendos
"The Kiss of Babylon", "Birth of the Three", "Halo Dies" y "Mabool". Y otros
mas directos como "Ocean Land" y "A Call to Awake", y la fusion total de
prog-metal e influencias israelianas de "Norra el Norra".
Intercalados podemos encontrarnos con exquisiteces acusticas y etnicas muy
propias del oriente proximo, como "A'salk", "Building the Ark", "Rainbow", u
otras delicias como la instrumental "The Calm Before the Flood" donde nos
sorprenden incluyendo musica clasica barroca, al igual que ocurre en la
primera parte del tema "Mabool".
Sobretodo los fans mas abiertos del prog-metal, quedaran enormemente
satisfechos, despues de enfrentarse a este vendaval de creatividad y buena
musica. Un album que esta siendo uno de los triunfadores del 2004 a nivel de
critica, en lo que respecta a medios dedicados al metal, e incluso a los
dedicados al progresivo.
Valoracion: 8/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Roberto I. Quesada" <saytra@racsa.co.cr>
Asunto: Re: Viva el rey!!
Hola cajeros/as;
Refiriendome un poco al mensaje de Juan Mellado en LCDM 583 :
> Autor: "Juan Mellado"
> Asunto: Muerto el rey... VIVA EL REY !!
>
> Muerto el rey !! viva el rey !!
> Lo progresivo, lo vanguardista, el Underground vio la luz gracias a la
> muerte de la Beatlemania a finales de los 60's, antes... todo estaba
Pues SI y NO [esta es solo mi opinion]; ya habia cosas vanguardistas antes
de que saliera lo supuestamente denominado "vanguardista" [en el siglo XX],
tan solo basta escuchar alguna composicion de Charles Ives, Julian Carrillo,
Conlon Nancarrow, John Cage, Charles Mingus y un largo etc [que que tienen
que ver ellos con el rock progresivo sinfonico?--MUCHO--] .
Por cierto, esa Beatlemania influncio a Bob Dylan y viceversa, a The Who, a
Pink Floyd, a casi todas las bandas que estaban saliendo en America
Latina...en fin!...solo los Rolling Stones eran totalmente la antitesis de
los Beatles; sus canciones del 63-64 eran "crudas" para la epoca comparadas
con los "agarrense de las manos" :-) de los Beatles. .
Yo me pregunto:
-Que hubiera sido de los Beatles si no hubieran conocido a Bob Dylan?
-Que hubiera sido de los Beatles sin sus "viajes" de LSD, seguirian en la
linea de "Love me do(usss)" o "there's a place" (esss) ?
-Porque todas las bandas que rinden tributo a los beatles siempre lo hacen
con la epoca "chicle" y no la psicodelica? no soporto eso
-Fueron los beatles solo una banda de estudio?, claro, sus discos del 65 al
69 son obras maestras, pero alguna vez tocaron uno de esos temas en directo?
NO, entonces, "eran undergrounds" comerciales???
-Si compararamos cualquier disco editado a nivel mundial del anio 67 con el
Sargeant Pepper, cual le ganaria [con respecto a arreglos orquestales,
lirica, portada, sonido, contenido del LP, mezcla, conceptualidad,
etc ]...ojo, editado en ese anio especificamente!...me pregunto de nuevo,
era el Sargeant Pepper un disco "comercial" en esa epoca??
> dominado e impregnado por la formula de los de Liverpool, pero en plena
> decadencia y agonia Beatleniana nacio el movimiento Hippie en la costa de
> San Francisco "EL RELEVO" y su llegada tardia a las Islas Britanicas...
...
> dando lugar a un nacimiento alla por el 69 llamado Underground o tambien
> llamado progresivo...
Solo basta decir que The Velvet Underground y Love eran verdaderas joyas
sonicas y completamente aparte de la epoca "hippera-en voga-quien no era
hippie no estaba 'in'-paz y amor-marihuana granulada-". Digo, lo psicodelico
estaba de moda y como siempre cuando impera la moda casi todo el mundo se
guia por patrones de esa moda, solo una minoria hace cosas diferentes con
respecto al Status Quo y esa minoria se convierte en objeto de culto por un
grupo igual menor de cultores.
> Llego la Psicodelia de la mano de bandas como Pink Floyd o Soft Machine...
Para mi Sof Machine son un caso aparte, fueron influenciados mas por la
movida jazzera "metafisica" de Coltrane, Taylor, Sanders y Dolphy aunque
tenian muchos toques de psicodelia, y a mi gusto personal disfruto mas de la
musica de Soft Machine que la de los propios Beatles, aunque estos ultimos
sean una de mis bandas de cabecera, en fin, gustos son gustos.
> Por fin en el 69 se separaron los
> The Bealtles, desapareciendo con ellos todas las bandas comerciales e
> insulsas que vivian amparadas en la moda ....
???...que alguien me diga que ha pasado con el rock progresivo desde los 80,
estaran creando musica "vanguardista" o estaran creando "rock progresivo
retro-futurista" [siempre habra excepciones]...los 60-70 son otra historia
sin Beatles o con Beatles.
> viva la creatividad, viva la
> experimentacion, romper moldes, las pautas, las formulas sencillas con
> textos insulsos...
Si, que vivan pero!...segun el punto de vista de lo que eso signifique para
cada persona.
Me pregunto de nuevo, que hicieron los Beatles en el 63, mascar chicle? :-)
Saludos beatlemaniacos-obsesivos-compulsivos-progresivos
Pd: Muerto el rey... VIVA EL REY !! [Cual rey, ElVIS?...es broma]
Roberto I. Quesada
SJ, Costa Rica
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Campo di Marte
CAMPO DI MARTE: Campo di Marte (1973)
Temas
1. Primo Tempo
2. Secondo Tempo
3. Terzo Tempo
4. Quarto Tempo
5. Quinto Tempo
6. Sesto Tempo
7. Settimo Tempo
Integrantes
- Enrico Rosa: guitarras, mellotron, voz
- Alfredo Barducci: organo, piano, flauta, corno, coros
- Paul Richard: bajo, coros
- Mauro Sarti: bateria, percusion, flauta
- Carlo Felice Marcovecchio: bateria, percusion
Con su homonimo disco, Campo di Marte surgio en la escena progresiva
italiana como una de tantas bandas con mucho talento pero con pocos medios
para lanzar al mercado solo un disco. Por motivo de su reciente renovacion,
creo que es una buena idea repasar este disco. Basicamente se trata de un
trabajo que se mueve entre dos polos bien determinados: uno, el del rock
duro, aguerrido, con brotes psicodelicos y riffs arrebatadores; otro, el de
los climas serenos de corte pastoral, donde prima la belleza sencilla y
delicada. El primer polo se inspira en Hendrix, la dimension mas agresiva de
King Crimson, el blues electrico y el hard rock britanico; el segundo, en
los colores bucolicos del folklore mediterraneo. Estos dos motivos generales
suelen presentarse de manera combinada, alternando sus espacios dentro de
los confines de la mayoria de los temas, incluso en algunos momentos
confluyendo en un equilibrio armado con delicadeza e inteligencia. Por lo
general, las partes mas rockeras apuestan por una preeminencia de los riffs
guitarreros y el reforzamiento de la seccion ritmica con el trabajo de dos
bateristas/percusionistas.
Toda esta secuencia de siete Tempos se recoge unitariamente bajo un concepto
belico, usado para deplorar los poderes destructivos de la guerra: en este
sentido, el dibujo de la portada resulta revelador en su fina ironia, cinco
soldados luciendo sus mortales heridas de guerra con diversas armas colgando
de sus cabezas, pechos y pellejos. Ocasionalmente, hay ciertos motivos
musicales que se reiteran en varios Tempos: un recurso que sirve para hacer
hincapie en el sentido de unidad conceptual del disco. Primo Tempo es un
efectivo punto de entrada que funciona como la perfecta introduccion al
microcosmos artistico de Campo di Marte. Mas adelante, Secondo Tempo y
Quinto Tempo son las piezas mas relajadas y folkloricas del disco: el uso
apropiado de duetos de flauta o flauta y corno ayuda bastante a la creacion
de colores bucolicos encantadores, apoyados sobre una base de guitarra
acustica. En el caso de Quinto Tempo, cabe resaltar el uso ocasional de
amables cortinas de mellotron de cuerdas, ayudando a realzar ese espiritu
bucolico esencial en el tema.
Una breve explosion hendrixiana de guitarra corta abruptamente Secondo
Tempo para abrir paso a Terzo Tempo, que se apoya en una alternancia
exquisita de sinfonismo romantico y rock pesado. Quarto Tempo se aboca por
senderos marcadamente barrocos bajo la pauta marcada por los envolventes
acordes de organo, el cual en ocasiones asume una sonoridad solemne;
finalmente, retoma el motivo electrico del Tempo anterior hasta desembocar
en una bella seccion breve de guitarra clasica. Creo que estos dos Tempos
deben ser apreciados como una pieza de dos partes, en realidad. Sesto
Tempo regresa a los fueros del rock duro, incorporando arreglos armonicos
de la musica de camara para darle mayor solemnidad y severidad al asunto.
Tras una breve seccion cantada en clave introspectiva, el tema concluye con
un reprise del motivo inicial y un apunte del Quinto Tempo. Finalmente,
Settimo Tempo recrea y amplifica la sofisticada diversidad de Primo
Tempo, incorporando energicos pasajes de corte jazz fusion en el espectro
sonoro. Un tema de cierre bastante efectivo, EMHO; el mas logrado de todo
este repertorio.
Aunque es justo señalar que Campo di Marte creo su propia voz dentro del
genero progresivo practicado en su pais, puedo notar semejanzas paralelas
con lo hecho por Delirium, Jumbo, Ossana, y en menor medida, Il Rovescio
della Medaglia: de todos modos, en el balance general queda claro que Campo
di Marte exhibe una mayor fineza que sus paisanos anteriormente mencionados.
Campo di Marte es un excelente trabajo que tiene merecida su buena
reputacion dentro de los circulos de fans progresivos: una buena coleccion
de prog europeo no esta completa sin este trabajo.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Saga "Heads or Tales"
SAGA: Heads or Tales (1983)
Temas
1. The Flyer
2. Cat Walk
3. The Sound of Strangers
4. The Writing
5. Intermission
6. Social Orphan
7. The Vendetta (Still Helpless)
8. Scratching the Surface
9. The Pitchman
Integrantes
- Michael Sadler: voz, teclados
- Jim Crichton: bajo, teclados
- Ian Crichton: guitarras
- Jim Gilmour: teclados, coros, saxo, voz en 8
- Steve Negus: bateria, percusion, percusion electronica
Aprovechando el momentum creado por sus discos de estudio tercero y cuarto,
Saga siguio manteniendo las ganas de seguir creando temas de fuerte
orientacion rockera, arregladas de forma ingeniosa combinando los canones
del prog y del pop. Lo que hicieron en Heads or Tales fue principalmente
realzar su faceta de rock duro por un lado, y sus afinidades hacia la
vanguardia tecno-pop que por entonces estaba muy en boga en el Reino Unido y
buena parte de la Europa Continental. Ahora bien, no estoy implicando con
esto que este sea un disco de rock duro a secas o de simple tecno-pop, pues
seria una afirmacion muy simplista y desenfocada. Saga trabaja estos
elementos como pautas de aproximacion y no tendencias a seguir.
Dichas pautas aparecen a veces claramente distinguidas en temas distintos, y
otras veces confluyen armonicamernte dentro de una misma pieza. El filo mas
contundente se empieza a mostrar desde el efectivo tema de entrada The
Flyer (el primer single, y uno de los temas puntales en los conciertos del
grupo), continuandose en Cat Walk, Social Orphan, y el explosivo tema de
cierre The Pitchman, que practicamente se adelanta al invento de la
etiqueta prog metal con ocho años de anticipacion. El cierre instrumental
de The Pitchman resulta realmente incendiario, destilando exquisitez a
traves de su inmenso vendaval sonoro: es mi tema favorito. El lado
tecnologico del disco de muestra palpablemente en la melancolica balada
Intermission, el cual contiene ciertos aires gabrielianos, asi como en
Scratching the Surface. The Vendetta contiene una primera mitad de corte
tecno, asumiendo una actitud mas fieramente rockera en la segunda mitad,
como una quimera con cuerpo de Ultravox y cabeza de Rush. The Writing es
EMHO el tema menos memorable del disco: tiene una estructura bien armada,
pero no ofrece nada especialmente nuevo para el repertorio de Saga. Lo
contrario debe decirse de The Sound of Strangers, que combina psicodelia
neurotica en las partes de teclado con un saludable toque de gancho pop en
las armonias vocales: mencion especial para los alucinantes duetos de Ian
Crichton y Jim Gilmour, tanto en este tema como en el antes mencionado The
Pitchman. El impecable trabajo percusivo de Negus funciona como una columna
vertebral a la vez segura y sugerente: es una buena idea que su labor quede
realzada en la mezcla.
En suma, un excelente disco de parte de una banda que aun mantenia viva su
llama creativa y genuina garra rockera. A diferencia de muchos otros
apreciadores de la obra de saga, yo siento que Heads or Tales es un
trabajo mas logrado que su predecesor Worlds Apart (tambien un muy buen
disco, que conste). La edicion de CD incluye como bonus track una version
mas extensa de Cat Walk, donde las partes de guitarra y la firmeza de la
bateria destacan de manera particular en medio del bien afiatado ensamble.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Maxophone
MAXOPHONE: Maxophone (1975)
Temas
1. Ce un Paese al Mondo
2. Fase
3. Al Mancato Compleanno di una Farfalla
4. Elzeviro
5. Mercanti di Pazzie
6. Antiche Conclusioni Negre
7. Il Fischio del vapore
8. Cono di Gelato
Integrantes
- Mauricio Bianchini: corno, trompeta, vibrafono, percusion, voz, coros
- Alberto Ravasini: bajo, guitarra acustica, flauta dulce, voz, coros
- Roberto Giuliani: guitarras, piano, coros
- Leonardo Schiavone: clarinete, flauta, saxos
- Sergio Lattuada: organo, pianos, coros
- Sandro Lorenzetti: bateria
Colaboradores en sintetizador ARP, cuerdas, arpa.
No es en verdad una tarea muy sencilla la de elaborar y arreglar material
que vaya a integrar una obra discografica maestra
pero vaya que ha habido
muchas obras maestras en la tradicion progresiva setentera italiana. Una de
estas joyas es el disco homonimo y unico de Maxophone (tambien ha habido una
infinidad de bandas talentosas de un solo album). Siempre tiendo a describir
el estilo sinfonico de Maxophone como el eslabon perdido entre Quella
Vecchia Locanda y Locanda delle Fate, dado que este sexteto combina la
colorida exquisitez del segundo trabajo de QVL y el lirismo elegante de LdF.
EMHO, Maxophone supera a ambos, pues exhibe una mayor dosis de fineza que
los primeros y no resulta tan repetitivo como los segundos.
El repertorio de Maxophone se basa fuertemente en un inteligente equilibrio
de varias fuentes musicales que confluyen para crear una variada amalgama
sonora: sinfonismo, Fol. mediterraneo, jazz antiguo a lo ragtime, barroco,
romanticismo, algunos pasajes de corte rock duro y tambien alguna que otra
disonancia. Este equilibrio se refleja mas que bien en la envolvente belleza
y atrevida complejidad de las seis composiciones que completan el disco
original. Es un hecho que la destreza tecnica de los seis musicos
individuales llega a niveles tremendamente impresionantes, pero es
principalmente el criterio del ensamble lo que prima la mayor parte del
tiempo. Maxophone funciona como una orquesta encarnada en un sexteto de
rock progresivo. De todas formas siempre hay espacio para excelentes solos
de clarinete/saxo/flauta, hermosos pasajes de piano que salen al frente,
evocadores punteos de guitarra, texturas de metales, e incluso algunas
etereas apariciones de vibrafono, semejantes a una sutil llovizna de inicios
de otoño. El oyente no debe acostumbrarse demasiado a una liena melodica
especifica o a un patron ritmico determinado, pues no tardara mucho en
llegar un cambio de melodia o compas: pero ningun cambio tiene lugar
abruptamente, sino con una fluidez cristalina. El oyente no sentira llegar
el cambio hasta que ya sucedio: yo a esto lo llamo maestria absoluta en los
arreglos.
El tema de entrada Ce un Paese al Mondo sirve como una perfecta
introduccion al maravilloso mundo musical de Maxophone, siendo sucedida por
Fase, un instrumental que contiene pasajes de orientacion mas dura,
combinadas sabiamente con momentos mas obviamente jazzeros. Los temas 4 y 6
son los que mas claramente reflejan la ideologia de exquisita complejidad
que he descrito en el primer parrafo, y quedan para mi gusto como los
numeros mas notables y efectivos del disco. El tema 3 pone mayor ahinco en
los terrenos del barroco durante su primera seccion, pasando luego a una
segunda seccion armada al modo de una big band, mas adelante, el tema 5 ha
de explorar los senderos de la mas pura melancolia, creando un clima de
majestuosa espiritualidad. Los bonus tracks son los temas que ocupaban las
sendas caras de un single que Maxophone grabo poco despues de la edicion de
este disco y poco antes de separarse. Il Fischio del Vapore se concentra
en la onda folk, fusionandolo con un tenue ambiente de feria, como si se
tratara de una kermesse, mientras que Cono di Gelato es basicamente una
balada rock con tonos blues. Aunque no son tan geniales como los seis temas
oficiales, tambien resultan canciones atractivas.
En fin, solo me queda señalar que no encuentro suficientes palabras como
para elogiar esta soberbia joya progresiva como se merece: en tal caso, me
limitare a repetir que se trata de toda una obra maestra.
Cesar Mendoza
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Rush - Hold your Fire (1987)
RUSH : "HOLD YOUR FIRE" (1987)
Discografica: Anthem/Mercury
Temas:
1. Force ten (4:31)
2. Time stand still (5:08)
3. Open secrets (5:37)
4. Second nature (4:36)
5. Prime mover (5:18)
6. Lock and key (5:09)
7. Mission (5:15)
8. Turn the page (4:55)
9. Tai Shan (4:15)
10. High water (5:33)
Musicos:
- Geddy Lee / basses, bass pedals, synthesizers, vocals
- Alex Lifeson / guitars
- Neil Peart / drums, acoustic & electronic percussion
Musicos invitados:
- William Faerey Engineering Brass Band / brass
- Andrew Jackman / brass arrangements
- Aimee Mann / backing vocals
- Steven Margoshes / string arrangments
- Andy Richards / additional keyboards
"Hold Your Fire" sigue la linea new wave, synth pop y plenamente ochentera
de "Power Windows". Aporta pocas novedades, aunque en general se trata de un
album de canciones mas sencillas y suavizadas, mas directas, asequibles y
con melodias mas pegajosas, respecto a "Power Windows". Uno de los albumes
con un sonido mas limpio y cristalino de Rush, gracias, entre otras cosas, a
una lujosa y efectiva produccion.
De todas formas no se trata de un album desechable, continuan incluyendose
muy buenos temas, sobretodo "Mission", "Time Stand Still", "Force Ten",
"Lock and Key" y "Turn the Page". En todos estos temas, destaca el trabajo
melodico, y tambien hay una clara apuesta por las frias atmosferas de
sintetizador, incluso mas que en los anteriores trabajos. Unas atmosferas
que envuelven la totalidad del disco, en detrimento de las guitarras e
incluso del bajo. Ademas, nos encontramos en la bateria, con un Neil Peart
mucho mas suavizado y acomodado a ritmos mas simples. El resto de canciones
del album tampoco estan mal, siendo este, un album sin demasiados altibajos.
Mas de lo mismo, pero al menos las buenas composiciones salvan el album.
Valoracion: 6/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Eloy - Metromania (1984)
ELOY : "METROMANIA" (1984)
Discografica: EMI Electrola
Temas:
1. Escape To The Heights (5:03)
2. Seeds Of Creation (4:28)
3. All Life Is One (6:28)
4. The Stranger (3:59)
5. Follow The Light (9:37)
6. Nightriders (9:39)
7. Metromania (6:10)
Musicos:
- Hannes Arkona / guitars, keyboards, syncussion, vocoder
- Frank Bornemann / vocals, guitars
- Hannes Folberth / keyboards
- Klaus-Peter Matziol / bass
- Fritz Radow / drums
Eloy continuan a disco por año, pero los resultados empiezan a resentirse de
forma alarmante. En "Metromania", Eloy se adentran un poco mas en los
sonidos que triunfan en los 80, como el tecno-pop, el pop electronico. Esto
se nota en el sonido de los teclados digitales, espacial, pero tambien
electronico y tecno en muchas ocasiones. El dominio instrumental, esta vez
viene compartido por los teclados y una mayor prominencia de las guitarras.
Unas guitarras, en ocasiones bastante duras, que dificilmente encajan con
los teclados tecno.
Tan solo algun tema con cierto gancho como "Escape to the Heights" o "Follow
the Light", que no representan ninguna novedad respecto al anterior album
"Performance". Pero en general, "Metromania" flojea por todos lados, con
temas vacios, repetitivos y aburridos como "All Life is One", "The Stranger"
o "Nightriders". En definitiva, un album bastante lamentable.
Tras la grabacion del album, el grupo se desintegra, supongo que ante la
falta de ideas que les animen a seguir adelante.
Valoracion: 2.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Yes - Big Generator (1987)
YES : "BIG GENERATOR" (1987)
Discografica: Atlantis Records
Temas:
1. Rhythm Of Love (4:49)
2. Big Generator (4:31)
3. Shoot High Aim Low (7:59)
4. Almost Like Love (5:58)
5. Love Will Find A Way (4:48)
6. Final Eyes (6:20)
7. I'm Running (7:34)
8. Holy Lamb (3:15)
Musicos:
- Jon Anderson / vocals
- Chris Squire / bass and vocals
- Toñ Kaye / keyboards
- Alan White / drums
- Trevor Rabin / guitars and vocals
Despues del exito de "90125" las emisoras radiofonicas y los fans recientes
de la banda, esperan con mucha impaciencia este "Big Generator", segundo
album de los Yes de la era Rabin, tambien denominados YesWest. Y tal es la
impaciencia, que resulta otro gran exito, a pesar de que artisticamente es
bastante menor comparado a "90125". El exito se debe sobretodo gracias a los
singles "Love Will Find a Way" y "Rhythm of Love", continuamente radiados en
las emisoras AOR americanas.
En "Big Generator", Yes se alejan todavia mas de su sonido en los 70, y se
acercan a sonoridades mas propias de la new wave en algunos casos ("Shoot
High Aim Low", "I'm Running"), y por extension, de los Rush de esa misma
epoca.
Los singles "Rhythm of Love", "Almost like Love" y "Love will Find a Way",
no son malos temas, poseen buenas melodias, pero son demasiado simples y
previsibles, lo que les resta atractivo.
Del resto no hay mucho que destacar. Tal vez "Final Eyes" es el tema mas
sinfonico, aunque totalmente adaptado a los 80, y un buen tema de todas
formas. "Holy Lamb" es un mediocre tema de Anderson que bien podria
pertenecer a sus albumes en solitario, "I'm Running" posee algunos toques
latinos bastante lamentables, "Shoot High Aim Low" es un buen tema y lo mas
parecido a los Rush de los 80 y "Big Generator" es el mas hard roquero y
tambien uno de los peores, demasiado copia de "Owner of a Lonely Heart".
No se trata de un disco nefasto, pero al lado de "90125" flojea enormemente.
Valoracion: 4.5/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Anibal Maraschi" <maraschi@ciudad.com.ar>
Asunto: Squire es rockero !!!!
Hola a todos.
Me encanto el comentario del amigo Pablo Cana sobre la sobrevaloracion de
Squire. No coincido en casi nada con el pero me parecio interesante que
plantee publicamente su disconformidad con algo casi sagrado.
De todo lo que ha dicho voy a detenerme solo en este parrafo :
"Pero...si no analizamos como bajista ( a Squire ) ..es un hombre que
tecnicamente es
bastante "sucio" (a parte de que el sonido de rickenbaker ya lo es de
por si..porque tiene ese "clang clang" que o te agrada o te
repatea).Quiero decir con lo de sucio, a que es un hombre poco preciso
tocando (suenan mas cuerdas de las que toca,no digita bien,no se le
entienden bien todas las notas..las atrapalla todas cuando toca cosas
rapidas),y es un muy poco fino..cuando toca mueve los dedos por el
mastil que parece que esta agarrando un bate de beisbol (alguien vio
alguna vez el tacto con el que toca por ej Patitucci?)..para pasar de
unas notas a otras mueve la mano,el brazo entero(no se ,pero debe
pillar unas tendinitis de caballo)..en vez de hacerlo con suavidad y
con el minimo esfuerzo,levantando los dedos lo minimo y pulsando la
cuerda con el ataque preciso..
Eso que has descrito tan minuciosamente es la forma ROCKERA de ejecutar un
instrumento. Sucio, feroz, imponente, atrevido, fuera de toda mariconada.
Si...esta bien...como si tuviese un bate de baseball . Rockero y callejero.
Sofisticado y sinfonico. La alternancia de estas dos cualidades es la que
hace a Squire un gran bajista de ROCK sinfonico-progresivo. Quizas el mejor.
Sucio y furioso como Plant, como Bonham, como Janis, como Hendrix , como
Page, como White, como Blackmore, como Entwistle, como Gillian, como Paice,
como Zappa, como Towshend, como Hammill , como un rockero, que en definitiva
de eso se trata.
Permitanme insistir : el oyente de neo-sinfonico-cameliano-marillioneano se
ha "amanerado" . Le desagrada la desprolijidad , el sudor , la fuerza y la
agresividad. El volumen.
En definitiva le desagrada el ROCK . Y por ende el ROCK SINFONICO PROGRESIVO
. Prefiere algo mas calmo y agradable ( quizas complaciente ? ) . Algo mas
de oficina que de fabrica. Algo mas potable y sin sobresaltos. Mas de agua
mineral que de aguardiente de alambique clandestino. Algo mas de salon que
de estadio.
El ROCK SINFONICO PROGRESIVO es grandioso justamente porque conjuga
equilibradamente los dos componentes de la naturaleza humana y me atreveria
a decir que de la naturaleza a secas. Es Jeckill y Hide. Es femenino y
masculino. Es sofisticado y grosero. Es cielo y es infierno. Es simple y
complejo. Intuitivo y academico. Por eso es unico y por eso esta en franca
extincion.
Un saludo a todos
Anibal Maraschi
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