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La caja de musica Number 0580
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #580 julio 2004 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Gentle Giant - The Missing Piece (1977)
* Rush - Signals (1982)
* Eloy - Planets (1981)
* Novedades Tangenciales
* el 2do. de Sloche
* el Paraiso de METAMORFOSI
* GROBSCHNITT: Rockpommel's Land
* Breves impresiones de The Tangent
* COLLINS Y RUTHERFORD EN BARCELONA
* Setlist posible para Lorca's Jethro Tull Show
* tales... otra vez
* LOCANDA DELLE FATE Forse le lucciole non si amano piu
* CORTE DEI MIRACOLI : "Dimensione Onirica"
* Kayak - Close to the Fire (2000)
* Fe de erratas en "Espiritu 3"
* el retorno de Cathedral [70s]
* ATEMPO: "ABISMOS DEL TIEMPO" (2003)
* Clapton isn't god
* Kinks y post rock
* PETER GABRIEL, UN MAESTRO DE LA DISTRACCION
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Gentle Giant - The Missing Piece (1977)
GENTLE GIANT : "THE MISSING PIECE" (1977)
Discografica: Chrisalys
Temas:
1. Two Weeks In Spain (3:00)
2. I'm Turning Around (3:54)
3. Betcha Thought We Couldn't Do It (2:20)
4. Who Do You Think You Are? (3:33)
5. Mountain Time (3:19)
6. As Old As You're Young (4:19)
7. Memories Of Old Days (7:15)
8. Winning (4:12)
9. For Nobody (4:00)
Musicos:
- Gary Green / guitars
- Kerry Minnear / keyboards
- Derek Shulman / vocals, saxes
- Ray Shulman / bass, violin
- John Weathers / drums
Los 70 estaban llegando a su fin, y con la llegada de la revolucion punk,
Gentle Giant debian intentar evolucionar, tras comprobar como el rock
progresivo, poco a poco, iba en decadencia y perdiendo popularidad. Ya no
valia hacer el mismo tipo de albumes que en 1974, puesto que hubiera
significado navegar a contracorriente.
Con "The Missing Piece" las cosas empiezan a cambiar irremediablemente hacia
un rock electrico, mas directo y simplificado. Pero en todo caso, se trata
de un rock visto desde la peculiar perspectiva de estos genios. Es decir,
que no estamos ante el tipico album de pop-rock asequible y previsible, sino
ante una coleccion de canciones simples, pero al mismo tiempo originales,
atractivas y estupendamente instrumentadas.
Estupendos temas muy roqueros, blueseros y funkies como "Betcha Thought We
Couldn't Do It", "Who Do You Think You Are?", "Mountain Time" o "For Nobody"
, donde Gentle Giant demuestran con maestria su sentido del ritmo y su
espiritu mas roquero. Tambien estan bastante bien, canciones como la
balada "I'm Turning Around", o el medio tiempo vocalizado por Kerry Minnear,
"As Old As You're Young".
El unico tema que podria encajar en sus anteriores trabajos, y quizas lo
mejor del album, "Memories Of Old Days", nos trae de nuevo a los Gentle
Giant mas ambiciosos y especiales, gracias a una compleja instrumentacion
acustica y muy buen trabajo melodico.
"The Missing Piece" nos descubre a unos Gentle Giant mas directos y
roqueros, que podrian haber significado un aire renovador y original en las
emisoras AOR americanas, si el grupo no hubiera perdido popularidad, como la
perdio en esa epoca. Un buen album de pop-rock personal e intransferible, y
en absoluto un mal trabajo.
Valoracion: 6/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Rush - Signals (1982)
RUSH : "SIGNALS" (1982)
Discografica: Anthem/Mercury
Temas:
1. Subdivisions (5:32)
2. The analog kid (4:46)
3. Chemistry (4:56)
4. Digital man (6:20)
5. The weapon (part II of Fear) (6:22)
6. New world man (3:41)
7. Losing it (4:51)
8. Countdown (5:49)
Musicos:
- Geddy Lee / basses, bass pedals, synthesizers, vocals
- Alex Lifeson / guitars, bass pedals
- Neil Peart / drums, percussion
Musicos invitados:
- Ben Mink / violins (7)
Con "Signals", Rush entran en su tercera etapa, la mas puramente 80's, en la
que los sintetizadores logran hacerse con buena parte del dominio
instrumental, y en la que se dejan influenciar por los generos nacidos en
las islas britanicas, que han estado triunfando en los ultimos años, entre
otros, la new wave, el post punk, el rock gotico y el synth pop. La era de
la tecnologia habia llegado, y Rush no lo iban a pasar por alto.
Todas estas nuevas influencias, se convierten ya en parte fundamental para
entender "Signals", el album ademas, donde los sintetizadores tienen tanto
protagonismo como las guitarras. Estamos pues, ante el album, al menos hasta
ahora, con mas teclados del grupo (podriamos decir el mas "sinfonico"), pero
sin embargo, la palabra "progresivo" queda un tanto fuera de lugar en esta
nueva etapa, si la comparamos con la anterior. De la misma forma, es el
primer trabajo donde la faceta hard rock de Rush, queda bastante minimizada,
asi como los largos temas cambiantes. El grupo se decide a partir de este
album (y todavia continuan), exclusivamente por canciones de duracion
estandar, mayormente de 4 a 6 minutos.
Es curioso comprobar como a pesar de que "Signals" es un album basico de
este periodo de Rush, no contiene practicamente hits o canciones de gran
popularidad (a diferencia de "Moving Pictures", que iba sobrado), lo cual no
significa que no contenga temas que podamos considerar clasicos, ni mucho
menos.
Y efectivamente, sobretodo "Subdivisions", "The Analog Kid" y "New World
Man, los tres de una calidad envidiable, son temas que el grueso de fans de
la banda consideran clasicos. Pero en mi opinion otros temas poseen el mismo
gran nivel, sobretodo "Countdown" (atencion a sus brillantes solos de
sintetizador) y "Chemistry", pero sin olvidar "Digital Man" y la balada
"Losing it", que incluye el acompañamiento de violines.
Por lo que respecta a las influencias que Rush ha ido adquiriendo en estos
ultimos años, en los temas "Chemistry", "Digital Man", "New World Man", se
puede apreciar claramente el pseudo-reggae y las caracteristicas guitarras
propios de The Police, una banda perteneciente a la new wave, mientras que
"The Weapon" tambien posee influencias de este genero. Asimismo, se pueden
apreciar algunos teclados goticos en "Chemistry", y algunos toques tecno-pop
en "The Weapon".
Finalmente vale la pena citar a "Subdivisions", "Countdown" y "Chemistry"
como seguramente, los temas de Rush donde los teclados adquieren mas
trascendencia, mientras que el unico tema decididamente roquero del album es
"The Analog Kid".
Valoracion: 9/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Eloy - Planets (1981)
ELOY : "PLANETS" (1981)
Discografica: EMI Electrola
Temas:
1. Introduction (1:58)
2. On The Verge Of Darkening Lights (5:37)
3. Point Of No Return (5:45)
4. Mysterious Monolith (7:40)
5. Queen Of The Night (5:22)
6. At The Gates Of Dawn (4:17)
7. Sphinx (6:50)
8. Carried By Cosmic Winds (4:32)
Musicos:
- Hannes Arkona / guitars, keyboards
- Frank Bornemann / vocals, guitars
- Hannes Folberth / keyboards
- Klaus-Peter Matziol / basses, vocals
- Jim McGillivray / drums, percussion
Musicos invitados:
- Strings arranged and conducted by Wolfgang Dyhr
"Planets", junto al posterior "Time to Turn", forman parte de una misma
linea conceptual, son en realidad, albums hermanos. Este trabajo significa
una vuelta a los sonidos mas galacticos de los Eloy de los 70's, aunque
estructuralmente supone un paso adelante en la senda iniciada en "Colours".
"Planets" es un album tan recomendable como "Colours".
"Planets" es el album de Eloy mas espacial y atmosferico, el album donde los
teclados ejercen un dominio casi total, quedando las guitarras reducidas a
un trabajo de acompañamiento. La maestria del grupo, mas concretamente de
sus dos teclistas, en crear atmosferas espaciales alucinogenas, es lo mas
notablemente destacable en este magnifico album, sin olvidarnos de algunos
magnificos solos de sintetizador provistos de un gran feeling.
Todos los temas incluidos en "Planets" son dignos de ser resaltados, y todos
ellos son muy sinfonicos, atmosfericos y espaciales, pero ademas poseedores
de un punto asequible que los hace tremendamente atractivos. Siendo tal vez
los mejores, "On the Verge of Darkening Lights", "Misterious Monolith", la
sublime instrumental "At the Gates of Dawn", "Sphinx" y "Carried by Cosmic
Winds". Destacar la acertada inclusion de nuevo, de arreglos orquestales en
los temas "Queen of the Night", "At the Gates of Dawn" y "Carried by Cosmic
Winds".
"Planets" no es de los albumes mas conocidos de Eloy, pero estoy seguro que
sorprenderia agradablemente a muchos. Al ser un album de 1981 puede parecer
que estamos ante unos Eloy que, como les ocurrio a otras bandas progresivas
por estas fechas, bajan considerablemente el liston, pero nada mas lejos de
la realidad.
Valoracion: 8/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Novedades Tangenciales
HOLA CAJEROS, los saluda Cesar Mendoza.
Aqui les paso una nota referente al proyecto progresivo The Tangent. Se
anuncia en ella la entrada de un nuevo vientista en reemplazo de David
Jackson, tanto para la realizacion de una mini-gira como para la grabacion
de su inminente siguiente disco. The Tangent causo muy buena impresion con
su excelente disco 'The Music that Died Alone', una de las sorpresas mas
agradables del a~no pasado.
Ahora viene la nota, tomada de Progressive World:
For The Tangent it was always a possibility that the same line-up would not
be available [for tours, future albums] ... seeing as the first CD was only
supposed to be a one off. David Jackson's frantic schedule of touring and
recording this year (which even includes live dates with classic Italian
prog band Le Orme) have prevented him from taking part in the new
recordings, which should be complete by August. The rest of the "band" can
simply be thankful that they got to work with him in the first place ... and
thankful too that a superb replacement has been found ...
Enter.... Theo Travis.
Theo is a composer saxophonist and flautist of finest pedigree, who leads
his own quartet. His second CD on 33 Records, View From The Edge, was voted
Best British Jazz CD of 1994 by the Jazz on CD Readers/Critics poll. He was
also nominated as Rising Star in the 1996 and 1998 British Jazz Awards and
was named Best Newcomer of 1993 by the Financial Times. More familiar to our
readers may be his work with Gong, (for whom he has been a regular member of
the live and recording entourage) and Porcupine Tree ... you can hear his
work on several of their albums including Stupid Dream and the later mix of
The Sky Moves Sideways. Add work with Dick Heckstall Smith and
Jansen-Barbieri-Karn and we have a musician ideally experientially suited to
the Tangent's needs. Despite his being mainly known on the new British jazz
scene, Theo is a walking encyclopedia of progressive music, with much love
for bands like King Crimson, Yes, and Pink Floyd. The recording sessions
took place at MBL in Burley during the first weekend of June, and were
highly productive and enjoyable. Theo's work will be the first thing that
listeners to the new Tangent album hear, as the album begins with a flute
and saxophone arrangement... Theo will have his own page on [the Tangent]
site as soon as possible ... In the meantime, check out his website (with
audio downloads) at www.theotravis.com
Tangent's second album The World That We Drive Through is expected to be
released in early October in time for their debut European "mini tour."
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el 2do. de Sloche
SLOCHE: Stadacone (1976)
Temas
1. Stadacone
2. Le Cosmophile
3. Il Faut Sauver Barbara
4. Ad Hoc
5. La Baloune de Varenkurtel au Zythogala
6. Isacaaron (ou Le Demon des Choses Sexuelles)
Integrantes
- Rejean Yacola: piano, pianos electricos, sintetizador, clavinet
- Martin Murray: organo, sintetizadores, saxo soprano, percusion, voz
- Caroll Berard: guitarras, percusion, voz
- Pierre Hebert: bajo
- Andre Roberge: bateria, percusion, voz
Colaborador Gilles Duellet: celesta, percusion, voz
Con este, su segundo y ultimo trabajo, la banda quebequense Sloche culmino
una carrera demasiado breve para la brillantez y frescura creativa que
ostentaba a raudales. Stacadone fundamentalmente sigue por el camino
trazado por el debut Jun Oeil, con la salvedad de que en esta ocasion
Sloche opta por priorizar mas notoriamente sus inclinaciones por lo jazzero:
en este sentido queda claro que la huella de Return to Forever y Weather
Report queda marcada de forma patente; ademas, la banda empieza a presentar
un bloque sonoro mas fuerte en lineas generales, aunque no por ello llega a
renunciar a las sutilezas y texturas ni a la presencia de pasajes serenos y
evocativos dentro de su nuevo repertorio. Las cadencias mas recurrentes de
la seccion ritmica me recuerdan casi todo el tiempo a la asombrosa dupla
Shulman-Weathers que tan exquisitos resultados a dado a Gentle Giant. Dado
el resultado inmaculadamente coherente del producto final de Stadacone,
muchos lo consideran como el mejor trabajo de Sloche, y yo me inclino a
suscribir el diagnostico. Los pasajes vocales son menores en cantidad que
los del primer disco, y principalmente sirven para añadir colores extra a la
paleta sonora de los instrumentos.
El extenso tema de entrada (dura 10 minutos) es un indicio claro de la
orientacion general del disco, bastante proclive a incluir jams bien armados
donde el lucimiento de los solos de teclado y guitarra mantienen un nivel de
destreza medido para que nunca exploten en desbordes descontrolados, y una
base ritmica solida que sabe mantener un swing elegante y contagioso. Un
momento raro del disco consiste en un breve pasaje de organo y coro de tono
gregoriano, ejecutado con espiritu de fina satira. Los siguientes tres temas
siguen por una vertiente constante y similar, con un acento funky
especialmente marcado en Ad Hoc. El quinto tema, La Baloune de
Varenkurtel au Zythogala, transita por senderos un poco mas reposados, e
incluso diria solemnes, con un trabajo melodico sensible y evocativo,
ejecutado con absoluta fineza: en este tema parecen acercarse mas a lo que
hacen bandas Canterbury tales como Gilgamesh y Hatfield & the North. El tema
de cierre es una apoteosis progresiva que se extiende hasta los 11 minutos
de duracion: es la pieza mas fastuosa del disco, y si me permiten decirlo,
es mi favorito del repertorio integro de Sloche. En varias ocasiones Sloche
se deja empapar por los juegos contrapuntisticos y delicadas disonancias de
corte Gentle Giant, y en algunos momentos, tambien parcialmente a la magica
majestuosidad del Relayer de Yes. Claro esta, el espiritu predominante
sigue siendo el de la onda jazz fusion, pero sin duda lo sinfonico asume
aqui un papel mas relevante que en ninguna otra seccion de Stadacone.
En suma, un excelente disco diseñado para ser disfrutado por aquellos que
aman el prog con inmensos y exquisitos tintes jazzeros.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el Paraiso de METAMORFOSI
METAMORFOSI: Paradiso (2004)
Temas
1. Introduzione
2. Sfera di Fuoco
3. Cielo della Luna
4. Salita a Mercurio
5. Cielo di Mercurio
6. Salita a Venere
7. Cielo di Venere (Notturno su Venere)
8. Il Sole
9. Cielo di Marte
10. Cielo di Giove
11. Cielo di Saturno
12. Stelle Fisse
13. Empireo
14. La Chiesa delle Stelle
Integrantes
- Jimmy Spitaleri: voz
- Enrico Olivieri: teclados
- Leonardo Gallucci: bajo, guitarra clasica
- Fabio Moresco: bateria
Colaboradores Marco Maracci (teclados en 8), Claudio Bartolucci (percusion
en 12)
Para el nuevo milenio, Jimmy Spitaleri y Enrico Olivieri resucitaron
Metamorfosi con el afan de retomar su ambicioso proyecto musical en torno a
La Divina Comedia de Dante. Ahora, en el 2004, por fin pudieron dar forma
acabada y editar Paradiso, que sucede tras un vacio de 30 años a su genial
Inferno, una de las obras maestras del progresivo setentero italiano. A la
luz de los resultados obtenidos con el nuevo repertorio, creo sinceramente
que es justo señalar que la banda mantiene su vitalidad y energia de antaño.
La labor de Olivieri en los teclados es impecable e impresionante, y no
queda atras la de Spilateri, cuya fuerza vocal y pasion parecen haberse
quedado con la frescura de los 70s. Los otros dos musicos, nuevos en
Metamorfosi, ayudan a mantener vivo el fuego de Metamorfosi, manteniendo un
nivel netamente rockero en sus afanes. Son los teclados de Olivieri los
encargados de presentar los diversos ambientes y escenas del concepto con
sus multiples cortinas orquestales, solos y bloques armonicos (con excepcion
de Cielo di Venere, en el cual es la guitarra acustica la que ocupa el rol
protagonico). El teclado mas saltante es el piano de cola, lo cual responde
al realce de la magnificencia solemne que he mencionado anteriormente.
Tambien hay una notable presencia en ciertos momentos de ambientes astrales
ejecutados en teclados digitales, un recurso sonoro que se condice mucho con
la linea cosmica que la imagineria cristiana suele asociar con la idea del
Cielo Divino.
A diferencia de Inferno, que resultaba una obra principalmente inquietante
y subyugante, Paradiso adopta un aire predominantemente solemne, muy
acorde con el concepto del Paraiso como una dimension rebosante de eterna
gloria y misteriosa luminosidad. Esto no quiere decir que no haya momentos
agresivos y netamente rockeros; estos tienen la presencia asegurada, pues
debemos tener presente que la ideologia de Metamorfosi es la del power trio.
Lo que quiero decir es que el nuevo material no apuesta a clonar el espiritu
de Inferno, sino que plantea una propuesta con las variantes necesarias
para que resulte coherente con el concepto especifico elegido en esta
ocasion dentro del espectro de la literatura dantesca.
Cielo di Marte es tal vez el numero mas explosivo del disco, mientras que
el mayor nivel de complejidad progresiva parece concentrarse en los dos
ultimos temas, el alucinado instrumental Empireo y el fastuosos tema de
cierre La Chiesa delle Stelle. Pero antes de llegar aqui hemos pasado por
varias secciones bastante interesantes, como los meandros barrocos de Stera
di Fuoco y Cielo di Mercurio, la serenidad bucolica de Cielo di Venere,
y la energia estilizada de Cielo di Giove y Cielo di Saturno. En
general, Paradiso resulta un disco exquisito, elaborado con la inspiracion
propia del mejor progresivo italiano de tendencia dura, permitiendo asi a
Metamorfosi retornar con su viejo esplendor intacto.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: GROBSCHNITT: Rockpommel's Land (1977)
GROBSCHNITT: Rockpommels Land (1977)
Temas
1. Ernies Reise
2. Severity Town
3. Añwhere
4. Rockpommels Land
Integrantes
- EROC: bateria, percusion, voces
- LUPO: guitarras solistas y acusticas, voces
- MIST: teclados
- PUPO: bajo
- WILDSSCHWEIN: guitarras ritmica y acustica, voz solista
Con este disco la banda alemana cultora del prog sinfonico Grobschnitt
alcanzo el momento de mayor finura y fastuosidad en su sonido, apartandose
notablemente de esa faceta mas dura y psicodelica que siempre se hacia notar
en sus anteriores trabajos (aunque tampoco lo anulan totalmente): merced a
este ahondamiento en lo sinfonico, especialmente en lo que se refiere a la
exposicion mas directa de las lineas melodicas y texturas orquestales de
teclado, las semejanzas con el sonido clasico de Yes y el preciosismo
hipnotico del Pink Floyd 73-75 y sus paisanos de Novalis y Eloy salieron al
frente de manera mas decidida. Para muchos este es el trabajo mas inspirado
de Grobschnitt, y yo ciertamente comparto esta impresion, aunque para nada
quiero desmerecer lo que hicieron en discos anteriores: en todo caso, me da
la impresion de que la meta de Grobschnitt para este disco era instituirse
genuinamente y por primera vez como una banda sinfonica, y los diez meses de
ensayos, arreglos y grabaciones que les tomo gestar Rockpommels Land
lograron llevar a buen puerto este cometido artistico. Se trata de un
concept disc que gira tematicamente en torno a un viaje gulliveriano de un
puber llamado Ernie, en el cual aprende algunas verdades fundamentales de la
psique y el corazon humano: como vemos, este relato favorece la transmision
de mensajes introspectivos y pacifistas, al modo de Yes... aunque el factor
mas favorable a este tipo de asociacion es el hecho de que la portada del
disco fue hecha por el propio Roger Dean, plasmando uno de sus tipicos
paisajes oniricos, donde se realzan los cielos fantasticos y las forestas de
ensueño.
Dos cosas son las que principalmente llaman la atencion sobre este disco, en
tanto que se aparta frontalmente de los delineamientos del tan extendido
krautrock tan comun en su pais de origen. El fino trabajo de la guitarra
solista en sus fraseos y punteos, y el manejo impecablemente elegante de las
cortinas orquestales de teclado, sin llegar a los extremos de pomposidad ni
caer en un protagonismo absorbente: las labores respectivas de Lupo y Mist
los convierten practicamente en los directores del camino refinadamente
sinfonico emprendido por el grupo en este momento. Un par de cosas que si
resultan muy germanicas por asi decirlo (y que siempre tiene lugar en los
discos de Grobschnitt) son, por un lado, la aspereza de las intervenciones
vocales, y por el otro, el recurso de ciertos efectos de sonido un tanto
tenebrosos, pero en lineas generales, el sinfonismo en el sentido mas
exquisito del termino es el tenor abrumadoramente predominante en
Rockpommels Land.
Los dos primeros temas duran mas de 10 minutos cada uno, siendo asi que
Ernies Reise da prioridad a una ambientacion serena y eterea (hermosa
introduccion de guitarras acusticas), mientras que Severity Town esta mas
llena de contrastes y pasajes energicos, aunque estos nunca llegan a ser
explosivos. Añwhere es una balada de corte predominantemente acustico,
que encarna la faceta mas relajada del disco. La guinda de esta torta
progresiva la pone la extensa suite homonima que se extiende hasta casi 21
minutos de duracion, ocupando integramente el lado B del vinilo. Tal como se
espera de este tipo de temas, el nivel compositivo se apoya en la incansable
sucesion de diversas secciones, una riqueza melodica de corte orquestal,
alternancias entre pasajes rockeros y otros bucolicos, protagonismos claros
de la guitarra solista y el Moog, un ambicioso trabajo de texturas de
teclado que ya estaba presente en los dos primeros temas. No hay tanto
contraste como si una fluida continuidad entre los pasajes mas fuertes y los
mas reposados, merced al fino trabajo en los arreglos y las ejecuciones. El
final climatico, fastuoso y emotivo, construido sobre un compas languido y
bien marcado, exhibe uno de los momentos mas bellos del sinfonismo aleman.
En fin, tal como he venido señalando a lo largo de este comentario,
Rockpommels Land constituye una obra cuya ambiciosa oferta de belleza
monumental la convierte en uno de los pilares mas notables del progresivo
europeo, y ciertamente, muestra a un Grobschnitt que ha alcanzado su propia
cuspide como fuerza creativa.
Cesar Mendoza
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: Breves impresiones de The Tangent
HOLA CAJEROS, los saluda Cesar Mendoza.
Recientemente adquiri u nejemplar del disco 'The Music that Died Alone' de
The Tangent, el proyecto multinacional creado y liderado por Andy Tillison,
con un liderazgo que para nada impidio el aporte creativo de los musicos
acompañantes. Con tres miembros de The Flower Kings (uno de ellos el hombre
de las mil y una presencias Roine Stolt), su compañera de PO90D Sam Baine,
una pianista de estilo fino y poderosa personalidad, su amigo y compinche de
años el guitarrista/compositor Guy Manning, y el ilustre vientista David
Jackson, no habia otra cabida que dejarlos expresarse con total soltura.
El repertorio de este disco esta dominado por tres suites multipartitas, mas
un tema que tambien tiene una extension temporal considerable. Stolt muestra
sus pautas de jazz-rock en su guitarra, sin abrumar al oyente, y la dupla
tecladista de Tillison y Baine se complementa a las mil maravillas. La
seccion ritmica se porta tambien con maestria y potencia, mientras que
Jackson maneja sus saxos y flautas con una delicadeza mesurada, lejos ya de
los extravios de VdGG - con todo, su clase y energia permanecen como una
constante. El disco mantiene en buena dosis la onda de PO90D, pero
quitandole mucho de su filo de vanguardia pop, y aumentandole la cuota de
ingredientes de progresivo pomposo y de jazz (especialmente en la segunda
suite, que no solo alude en su titulo al canterbury, sino que contiene una
version de una pieza del genero). Un excelente disco. Yo no puedo pretender
añadir algo nuevo al comentario que ya se publico hace un tiempo en LCDM, el
cual es claro y coherente. Si tuviera que calificar al disco sobre un maximo
de cinco estrellas, le daria cuatro - en Prog Archives, est oquiere decir
que se trata de una "excelente adicion a una buena coleccion progresiva".
Aqui me despido hasta una nueva ocasion.
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Autor: Elias_Parga <eparga@audelco.es>
Asunto: COLLINS Y RUTHERFORD EN BARCELONA
Phil Collins en Barcelona, julio 2004
Hola a todos
El pasado jueves dia 1 de julio estuve en Barcelona en el Palau San Jordi.
Actuaban primero Mike and the Mechanics y luego Phil Collins. Fui con un
hermano con la esperanza de que hubiese "sorpresas". Llegamos cuando ya
tocaba Mike... tres o cuatro canciones totalmente pop con Paul Carrack
cantando y toda la gente tarareando las canciones.
Sale Phil Collins, empieza a tocar la bateria, se incorpora Chester
Thompson. Dueto. Aparece un tecer bateria. Los tres a la vez. Esta bien,
aunque es como lo de siempre con uno mas, De todas formas se agradece. El
concierto de Phil Collins como la acustica del Palau: bastante penoso (para
mi, tocando tarzan, hermano oso, etc...). Solo salvo "I missed again" que
estuvo bien aunque con una acustica lamentable ?como organizan un concierto
en un sitio con un sonido tan malo? Nunca habia estado en el Palau pero la
acustica es por lo menos 3 veces peor que en el Palacio de Deportes de
Madrid que siempre ha sido criticado por la misma. Yo y mi hermano todo el
concierto gritando "!!Llama a Mike!!", soñando que apareceria tambien por
alli Banks y ?por que no? Gabriel y Hackett, no en vano estamos en el Forum
de las culturas, es la ultima actuacion de Collins y con Rutherford de
telonero. Decidimos compensar la ausencia de Mike y los demas con cerveza.
Volvemos a casa escuchando en el coche Cinema Show. Lastima. En otra
ocasion. Esperemos que la cosa salga mejor este 16 en Santiago con Bowie y
The Cure, o el 22 en Madrid con Al Jarreau (y si no el 29 en Madrid con
Stece Winwood).
Un saludo
Elias Parga
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Autor: "Alfredo Azorin" <azorin@arsystel.com>
Asunto: Setlist posible para Lorca's Jethro Tull Show
Hola cajeros:
He estado investigando el posible setlist para el proximo concierto de
Jethro Tull en Lorca (Murcia) al cual iran unos cuantos cajeros
alicantinos y murcianos.
Pues con pequeñas variaciones lo que estan tocando en los ultimos
conciertos de mayo y junio es lo siguiente:
1. Aqua-Intro
2. Living in the past
3. Nothing is easy (Stand Up)
4. Beggar's farm (This Was)
5. With you there to help me (Benefit)
6. Eurology (Rupi's Dance. Ian Anderson)
7. Farm in the Freeway (Crest of a Knave)
8. Pavane (Christmas Album)
9. Weathercock (Heavy horses)
10. A week o!f moments (Rupi's dance)
11. Bouree (Stand up)
12. Mother goose (Aqualung)
13. Morris Minus (A trick of memory. M.Barre) o bien Murphy's Paw (Stage
left. M. Barre) o bien As Told By (Stage left. M. Barre)
14. SOngs from the wood/ Too old to rock and roll/ Heavy horses
15. God rest ye merry gentlemen
16. Budapest (A Crest of a Knave)
17. Holly Herald (Christmas Album)
18. Aqualung
19. Wind up (Aqualung)
20. Locomotive Breath (Aqualung)
21. Protect and Survive (A)
22. Cheerio ( Beast and the Broadworst)
Pues eso, que ya podeis ir fabricandoos el cdr correspondiente para
oirlo en el coche. Yo me pongo con el mio ahora mismo.
Un saludo, y animaros los que esteis cerca y lo que no haced un
esfuerzo.
Alfredo Azorin
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Autor: "alejandro fabian lopez" <alejandro_f_lopez@hotmail.com>
Asunto: tales... otra vez
Bueno, hasta en las circunstancias mas inocente se nombra al album Tales
from Topographic Oceans de Yes y se levanta la controversia... Lo siguiente
son unas lineas de un reportaje a Squire y Anderson realizado por Clarin
durante la visita al pais de Yes en 1999
CLARIN: El disco Tales From Topographic Oceans (1973) suele ser
considerado como el pionero del movimiento New Age. Estan de acuerdo?
ANDERSON: Definitivamente. Totalmente. Mi interes por la cultura
oriental me llevo a un libro como Autobiografia de un Yogui, donde se
concentran textos de literatura hindu de 1500 años antes de Cristo. Quede casi
hipnotizado por esos textos y de ahi surgieron los cuatro movimientos del
disco. Por mucho tiempo, fue tratado como la oveja negra de nuestra
discografia. Decian que eramos pretenciosos, que nos faltaba un tornillo, pero
yo creo que fue producto de obtener la libertad suficiente para usar el estudio
de grabacion y desarrollar una idea con libertad.
CLARIN: Tenian planes?
SQUIRE: Si! El de convertirnos en unos dinosaurios!
(risas)
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: LOCANDA DELLE FATE Forse le lucciole non si amano piu
LOCANDA DELLE FATE : "Forse le lucciole non si amano piu" (1977)
Discografica: Polydor (519 389-2)
Temas:
1. A volte un instante di quiete (6:34)
2. Forse le lucciole non si amano più (9:50)
3. Profumo di colla bianca (8:27)
4. Cercando un nuovo confine (6:42)
5. Sogno di Estunno (4:42)
6. Non chiudere a chiave le stelle (3:35)
7. Vendesi saggezza (9:38)
8. New York (Bonus track) (4:37)
9. Nuove lune (Bonus track) (3:56)
Tiempo total: 58:37
Musicos:
- Giorgio Gardino : Bateria , Vibrafono
- Luciano Boero : Bajo, Hammond
- Ezio Vevey : Guitarra Electrica, Acustica, 12-cuerdas, Voz, Flauta
- Alberto Gaviglio : Guitarra Electrica, Acustica, Electrica de 12-cuerdas,
Voz
- Michele Conta : Piano, Piano Electrico, Polimoog, Clavicordio, Clavinet,
Sintetizador
- Oscar Mazzoglio : Hammond, Piano Fender, Moog, Polimoog, Sintetizador
- Leonardo Sasso : Voz
Este es el album mas fino del rock progresivo italiano que haya existido
jamas.
Locanda delle Fate no invento ningun estilo nuevo, sin embargo logro llevar
al rock progresivo italiano a su maxima expresion artistica en aquella
exuberante y prolija decada de los 70s. Tomando el ejemplo de otras bandas
progresivas de Italia, incluyeron en su alineacion a dos tecladistas y dos
guitarristas, logrando un balance perfecto entre las partes suaves y
fuertes, las melodias y contramelodias, y un atinado contrapeso de
instrumentos como la guitarra y la esplendida y excepcional voz del
cantante, el imponderable Leonardo Sasso.
Con este album, LDF logro alcanzar la cima del rock progresivo italiano que
las bandas pioneras de Italia no parecieron o no tuvieron tiempo de
consumar. LDF resume lo mejor de este estilo en un solo disco, en un solo
viaje, en una sola inmersion a las profundidades de la topografia progresiva
y sinfonica.
Como todo gran album de esta corriente, se hace necesario seguir la ruta
adecuada para su correcta y total apreciacion. Las recetas no siempre
funcionan, y por lo general uno mismo debe desarrollar su propia manera de
entrar en un album. Los mas avezados seguramente ya lo tienen en su
coleccion personal, por lo que las recomendaciones salen sobrando. A los que
no, los invito encarecidamente a que lo escuchen y descubran esa magia tan
particular, tan especial que, como en este caso, solo el rock progresivo
sinfonico es capaz de proyectar. Como lo logro LDF? Para mi es un misterio.
Vale decir que los temas siguen un orden de progresion logica que permite
que la musica fluya sin contratiempos, y que aunado a la lucidez y capacidad
inventiva de la misma da la impresion de terminarse demasiado pronto.
El album inicia con el corte instrumental A volte un instante de quiete,
la pieza que pone el tono, la atmosfera animica, onirica, magica, sobre la
cual se iran desenvolviendo los siguientes temas. Una melodia magistral
inolvidable que uno quisiera que no terminase nunca. Pero debe terminar para
dejarnos escuchar el siguiente tema, la igualmente magistral Forse le
lucciole non si amano più (9:50), la pieza mas extensa del album y una de
las mas hermosas y emotivas que se hayan hecho nunca en Italia en este
estilo. Con estos primeros dos cortes LDF plasma las notas mas altas de su
creatividad, hasta un nivel de calidad que ya no decaera ningun momento
hasta el final del disco.
Profumo di colla bianca (8:27) es una pieza de corte intimista,
introspectiva, con aroma a nostalgia. En el desvan, entre libros y viejos
cuadernos, los restos de un juguete, entre el polvo y el perfume de cola
blanca detenidos en el tiempo, aparecen los recuerdos de la niñez.
Cercando un nuovo confine (6:42) se trata, como en el caso anterior, de
otra hermosa pieza de arte bellamente ornamentada.
La un poco mas agresiva Sogno di Estunno (4:42) y la balada Non chiudere
a chiave le stele (3:35) son dos temas cortos un poco mas sencillos pero
igualmente bellos. Este ultimo cantado por Alberto Gaviglio, la segunda voz
de Locanda.
El album concluye con el segundo tema mas largo: Vendesi saggezza (9:38),
para muchos la mejor pieza de Locanda, con letras un tanto surrealistas y
narrado en primera persona por quien parece ser un condenado a la horca o un
suicida, y en cuya parte final se escucha el mismo motivo melodico que
aparece en el primer tema del album, haciendolo sonar como un todo.
La musica de Forse... aunque es compleja no parece serlo, tal vez debido a
la emotividad y la pasion que despliega; pero tambien es sinfonica, epica,
melodica, suave, introspectiva y romantica. Es decir, fascinante. Un album
al que se le ha escatimado el pleno y total reconocimiento que merece, a
pesar de contar con los meritos artisticos mas que suficientes para ser
catalogado como una obra maestra del rock progresivo italiano.
Locanda Delle Fate es, sino el mejor, uno de los mejores exponentes del
romanticismo a traves del rock progresivo sinfonico. Algo a lo cual
contribuye de manera fundamental la tesitura de la voz de Leonardo Sasso.
Esto es verdadero, puro, absoluto y total rock progresivo sinfonico italiano
de los setentas; un album de musica hecha expresamente para viajar, soñar y
disfrutar sin ambages, una vez y siempre. Volviendo al punto de partida,
este es el album mas fino del rock progresivo italiano que haya existido
jamas.
Posdata:
El CD incluye en esta version dos cortes extra compuestos en 1978:
- New York (4:37): Una balada al estilo del pop italiano de aquella epoca,
y que fuera lanzado como sencillo. Es tambien una prueba fehaciente del
cambio de estilo de la banda, muy probablemente obligados por las
circunstancias del momento y por su casa discografica.
- Nuove Lune (3:56): Un tema corto dentro de la nueva faceta
pop-progresiva mostrada por el grupo, en el que aun se aprecia el gusto por
las variaciones y los cambios de ritmo, aunque en menor medida.
Estos dos temas extra son cantados por Alberto Gaviglio, una vez que se hubo
marchado Leonardo Sasso.
Discografia LDF:
Albums:
1. Forse le Lucciole non si Amano Più (1977)
2. Locanda delle Fate Live (1977/1993)
3. Homo Homini Lupus (1999)
Singles:
1. Non chiudere a chiave le stelle/Sogno di Estunno (1977)
2. New York/Nove lune (1978)
3. Annalisa/Volare un po' più in alto (1980) [Con el nombre La Locanda]
Jorge Padilla L
Julio 5, 2004.
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: CORTE DEI MIRACOLI : "Dimensione Onirica"
CORTE DEI MIRACOLI : "Dimensione Onirica" (1973/1992)
Discografica: Mellow Records (MMP 104)
Temas:
1. Dimensione onirica, part1 (13:55)
2. Eterna ricerca (7:43)
3. Volando nel sole (10:04)
4. Il volto sconosciuto della terra (7:04)
5. Riflessione (7:23)
6. Dimensione onirica, part2 (10:13)
7. Breve esistenza (8:51)
8. Corte e morte (8:04)
9. Quasimodo (13:36)
Tiempo Total: 75.33 min.
La alineacion original incluia a un guitarrista y estaba conformada por:
Alessio Feltri - organo Hammond, sintetizador Davoli, Fender Rhodes
Michele Carlone - solina, piano, voz principal
Mario Alessi - bajo Fender Precision
Alessandro Della Rocca - guitarra Fender Telecaster, guitarra Gibson
Flavio Scogna - bateria
Un CD con mas de 70 minutos de musica pero con un sonido un tanto aspero,
digamos rudimentario, debido a que fue grabado muy probablemente en cintas
caseras de audio. Esto no quiere decir que el disco sea inaudible, la
calidad del sonido es mas que aceptable, pero es como escuchar a la banda
interpretar sus temas en directo. De hecho, la foto interior de la portada
muestra a la banda ensayando o tocando las piezas en el lugar donde
probablemente fueron grabadas. Estas mismas grabaciones fueron rescatadas
por Mellow Records y lanzadas en forma de CD con los titulos Dimensione
Onirica (1973/1992) y Live At Lux (1974/1993).
Las piezas contenidas en este CD aunque son consideradas como una coleccion
de demos o piezas en proceso de desarrollo y maduracion, si se mira o se
escucha con un poco mas de atencion puede uno darse cuenta de la gran
calidad contenida en los arreglos, de las bellas melodias de aires
mediterraneos y de los sorprendentes desarrollos en la linea mas progresiva
y sinfonica del movimiento italiano de aquellos grandes años. En mi
opinion, Dimensione Onirica contiene suficientes temas terminados y de
gran calidad compositiva, tanto lirica como musical, que de haberse
presentado la oportunidad, pudo haber sido el debut de la banda en el
mercado discografico desde 1973!
Dimensione Onirica partes 1 & 2 y Corte e Morte son 3 temas
instrumentales. Volando Nel Sole es un tema que mas tarde seria incluido
en su album debut con el nombre Verso Il Sole, lo mismo que Quasimodo
que se tranformo en I Due Amanti.
El gran responsable de los desarrollos tematicos planeadores, volantes y
remontantes sin duda es Alessio Feltri en los teclados. Digno de mencionar
tambien es al cantante, quien sabe imprimir a los temas su propia
personalidad con una voz que bien merecia ser tomada en cuenta para las
grabaciones del primer album oficial del grupo.
Dimensione Onirica dificilmente podra ser considerado como parte de la
discografia oficial del grupo, debido a que su aparicion en el mercado se
debe mas bien a las instancias realizadas por Mauro Moroni y Ciro Perrino de
Mellow Records. Desconozco si Alessio Feltri aprobo su publicacion, aunque
las notas interiores y la portada son de su autoria. De esta primera
alineacion de La Corte de los Milagros de 1973, solo sobrevivirian Alessio
Feltri (1er tecladista) y Flavio Scogna (bateria) para las grabaciones del
album de 1976.
Ya sea como una rareza en forma de coleccion de demos, o un mero intento por
indagar en la primera etapa del grupo, este es un album de rock progresivo
sinfonico de Italia que, a pesar del pobre sonido que lo limita, vale el
placer de escuchar.
Jorge Padilla L
Julio 5, 2004.
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Autor: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@vodafone.es>
Asunto: Kayak - Close to the Fire (2000)
KAYAK : "CLOSE TO THE FIRE" (2000)
Discografica: Write On Productions
Temas:
1. Close to the fire (8:11)
2. When hearts grow old (3:08)
3. Dream child (3:30)
4. Frozen flame (6:34)
5. Forever (4:48)
6. World aparts (5:12)
7. Crusader (4:39)
8. Two wrongs (don't make a right) (3:35)
9. Añbody's child (5:01)
10. Here today (3:34)
11. Just a matter of time (3:34)
12. Full circle (5:55)
13. (Bonus track) Ruthless queen (5:00)
Musicos:
- Pim Hoopman / drums, percussion, backing vocals
- Ton Scherpenzeel / keyboards, backing vocals
- Bert Veldkamp / bass, backing vocals
- Max Werneer / lead vocals, percussion
- Rob Winter / guitars, backing vocals
Tras una reunion especial para un programa de la television holandesa (un
programa que dedica cada emision a un album considerado clasico, "Royal Bed
Bouncer" de Kayak en este caso), Kayak deciden volver a ser una realidad
tras casi 20 años desde su disolucion, de nuevo de la mano de sus fundadores
Ton Scherpenzeel y Pim Koopman. Tambien forma parte de este regreso, el
clasico vocalista del grupo, Max Werner, y el que fuera bajista en el tercer
y cuarto album, Bert Veldkamp. Por desgracia, el guitarrista de siempre,
Johan Slager, no entra en lo que hubiera sido el retorno de la formacion
completa que grabo "Royal Bed Bouncer" y "The Last Encore", y su puesto lo
ocupa Rob Winter.
El retorno de Kayak, no se si puede calificarse de decepcionante, puesto que
en la ultima epoca el grupo edito discos bastante mediocres, pero, al menos
en mi opinion, continuan a muy bajo nivel. "Close to the Fire" es un album
repleto de canciones endebles y terriblemente inofensivas, mayoritariamente
baladas sosas a mas no poder. Canciones basicamente pop, eso si, con
arreglos altamente sinfonicos, incluida orquesta, todo muy bien elaborado,
bonito y cuidado, pero sin sustancia.
Pocos alicientes poseen las canciones de este album, al menos para mi.
Destacando negativamente, angelicales baladitas aspirantes a himno de la
alegria, como "Añbody's Child", donde solo falta que aparezca el tipico y
repulsivo coro de niños, u otras, que mas que baladas, parecen boleros, como
"Dream Child" y "Worlds Apart".
Siguiendo con la parte mas lamentable, tambien tenemos un pobre tema pop con
aires medievales, "Crusader", un acaramelado "Just a Matter of Time", con
estribillo de lo mas sobado y previsible, la total mediocridad de "Forever",
un tema pop muy marchoso, e incluso "Full Circle" me parece una burda copia
de "Jerusalem", el tradicional tema que versionaron ELP entre otros. Para
rematar, no se les ocurre otra cosa que regalarnos como bonus track, una
innecesaria revision de "Ruthless Queen", la baladita de marras con la que
obtuvieron el exito a finales de los 70.
Lo unico salvable podria ser "Two wrongs (don't make a right)", un tema
bastante movido, que no esta mal, y poco mas.
Max Werner abandona la banda tras la gira correspondiente, por problemas de
salud. Su puesto lo ocupara Bert Heering (ex-Vandenberg), que ya estaba
actuando como segundo vocalista en los conciertos de la banda.
Valoracion: 3/10
Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es)
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Autor: emiliano acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: Fe de erratas en "Espiritu 3"
Hola, en la reseña que mande del disco "Espiritu 3" estaba mal el nombre del
tecladista que no es Oscar Kreimer sino Angel Mahler. Sorry!!!!, pero me los
confundo...
el resto de la formacion en este disco era:
- Rodolfo Messina / bateria
- Claudio Cicerchia / bajo
- Fernando Berge / voces
- Osvaldo Favrot / guitarra, coros
saludos.
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!Tenelo ya!
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Autor: <cesarinca68@hotmail.com>
Asunto: el retorno de Cathedral [70s]
HOLA CAJEROS, los saluda Cesar Mendoza.
Aqui les transcribo una nota referente al retorno de Cathedral [70s] a la
escena musical, un cuarto de siglo despues de dejar una buena impresion con
su fastuoso disco 'Stained Glass Stories'. Aqui va la nota:
"Another posting to our message board you might have missed, from the 70s
prog rock band Cathedral. "Cathedral is back together! After 25 years, we'll
get another dose. All of the original band members are working on a new
album. So far, the works are amazing! You'll feel like you took a trip back
to the 1970's with a 2004 kick-start! The music is vintage with a twist!
Stand by for more updates!" Cathedral released Stained Glass Stories in
1978, later reissued by Syn-phonic in 1991."
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Autor: "marcelo olivera" <marceplus@hotmail.com>
Asunto: ATEMPO: "ABISMOS DEL TIEMPO" (2003)
ATEMPO: "ABISMOS DEL TIEMPO" (2003)
Atempo es una banda argentina cuyo unico disco, "Abismos del Tiempo", vio la
luz el año pasado. La particularidad del grupo es que su vocalista, Mariela
Gonzalez (cuyo tono es muy similar al de la conocida artista pop-rock Patricia
Sosa), fue la cantante de Nexus.
Precisamente, aunque las comparaciones sean odiosas, a veces resultan
interesantes (en este caso, por ser estas dos bandas las mas renombradas del
panorama progresivo actual en Argentina y porque la voz femenina nos remite
inmediatamente a los excelentes "Detras del Umbral" y "Metanoia"): solo por
tener una idea de cada grupo, y salvando las distancias, podria decirse que
Nexus es a ELP (predominio de teclados, mas bombastico y sinfonico) lo que
Atempo a Camel (la guitarra el instrumento mas destacado, musica mas
accesible).
Claro que en ambas bandas el rasgo comun y distintivo es la participacion de
la poderosa voz de Mariela Gonzalez (que, personalmente, me da la impresion de
haber estado mas "trabajada" en los discos de Nexus).
"Abismos del Tiempo" es un album que consta de 4 temas en los que se
enfatizan los elementos dramaticos (las letras, el estilo de canto, la
instrumentacion a veces densa).
"Heroe de la Soledad" tiene una atmosfera mas oscura, mas pesada, mientras
"Lluvia Mistica" y "Carcel de Sueños" se acercan a estructuras baladisticas
con interesantes grados de intensidad. Hasta este punto estariamos hablando de
un disco agradable y simplemente correcto, pero cuando llega "El Final" -suite
de 47 minutos subdividida en 9 partes- las cosas mejoran notablemente: aqui
aparecen la instrumentacion, los cambios de tiempo y los hermosos pasajes
instrumentales que los oidos progresivos esperaban. No es una pieza monumental
porque por momentos la carga emotiva y la belleza melodica tienden a
"esconderse", pero es uno de esos temas que se disfrutan a pleno.
Sinteticamente, "Abismos del Tiempo" es un buen album sin ser superlativo.
No obstante, para aquellos que quieran conocer el rock progresivo argentino
contemporaneo, yo recomendaria comenzar con cualquiera de los dos discos de
estudio de Nexus.
Integrantes:
- Mariela Gonzalez: Voz
- Eduardo Aguirre: Guitarra
- Sebastian Chiarini: Guitarra
- Hiro: Teclados
- Pablo Villanueva: Bajo
- Claudio Fazio: Bateria.
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Autor: Manlio <manlios@prodigy.net.mx>
Asunto: Clapton isn't god
Es famoso el graffiti en el cual se declara a Clapton como dios.
Muchisima gente en todo el mundo realmente se creyo esa declaracion,
incluso Clapton lo acepto asi. El grafitero bien pudo escribir cualquier
otro nombre, despues de todo era un fan de Clapton, como ahora podrian
declarar diosa a Madonna.
No es que Eric Clapton no haya sido la figura que se promociono, no por nada
Mayall lo invito a formar parte de los Bluesbreakers. Sus diferentes etapas
desde Yardbirds hasta Derek and the Dominos (acompañado por el gran Duane
Allman) son excelentes. Cream fue un exitazo, un supergrupo superestrella, y
no se diga Blind Faith. En realidad todo lo que tocaba Clapton se convertia
en oro. Mi inquietud es que el siempre se declarado un blues-man y la
verdad es que no estoy muy convencido de eso. Tengo entre mis LP 92s,
cintas y CD 92s, 6 o 7 discos de Clapton como solista y la mayoria de sus
canciones tienen ese sabor pop, no prescisamente un blues fuerte, agresivo,
nostalgico. Si me gustan sus discos, pero no con esa intensidad de los
tiempos de Cream. Creo que en realidad en esa epoca el verdadero dios era
Peter Green que desgraciadamente fue victima de las drogas. La mercadotencia
cree que Clapton y su musica blues-pop vende mas que un Peter Green
paranoico con un estilo de blues tradicional. Tal vez el graffiti debio ser
93Green is God 94 , pero si no se escribio, el si lo es.
Es solo una humilde opinion....?Cual es la de ustedes?
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Autor: serranolopez@ono.com
Asunto: Kinks y post rock
Hola a tod@s.
Respondiendo a Hugo, que en el anterior numero preguntaba por el disco ARTHUR
de mis adorados Kinks, el mismo no se considera una opera rock; en realidad
este trabajo se compuso para poner musica a una serie de television que
nunca llego a realizarse. Sin embargo el disco es de una calidad tan
extraordinaria
que se publico a pesar de todo. La primera opera rock oficialmente reconocida
es "SF Sorrow", de los Pretty Things.
Y contestando a una de las preguntas de la trivia, esta es, con que disco
comenzo el llamado post-rock? me atreveria a proponer el Islands de King
Crimson como el primer antecedente claro. Que seria de grupos como Godspeed
You Black Emperor si esta obra maestra no hubiera existido? Alguien esta
de cuerdo conmigo?
Un saludo.
JOSE ANTONIO SERRANO
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Autor: "Federico Luis Clauss Klamp" <flclauss@hotmail.com>
Asunto: PETER GABRIEL, UN MAESTRO DE LA DISTRACCION
PETER GABRIEL, UN MAESTRO DE LA DISTRACCION
Despues de mas de diez años de silencio discografico, se publico en todo el
mundo UP (Septiembre del 2002), el nuevo disco de Peter Gabriel, musico
britanico fundador del grupo GENESIS, el llamado guru o ideologo de las
musicas del mundo, manager/patrocinador del sello Real World. Grabado entre
Francia, Senegal, Gran Bretaña o Brasil , producido por Tchad Blake, con la
participacion entre otros de The Blind Boys of Alabama. Entre sus temas
estan Signal to Noise, que se escucho en la ultima gira de Amnistia
Internacional, I grieve, que aparecio en la BSO City of Angels ademas
del single The Barry Williams Show.
Su biografia es muy variada y un tanto eclectica. En los años 70 participo
en discos del grupo GENESIS (Foxtrot, Selling England by the pound o
The Lamb Lies Down on Broadway), junto a Toñ Banks, Mike Rutherford,
Anthoñ Phillips o Steve Hacket. En el 77 dejo el grupo abrumado por la
presion excesiva de la industria/negocio musical, siendo sustituido en las
voces por Phil Collins. A partir de aqui comienza su carrera en solitario.
Este mismo año publica PGI, con canciones tan personales e impactantes como
Sosbury Hilll (que ha aparecido recientemente remasterizada en la BSO de
la pelicula Vanilla Sky, adaptacion de Abre tus ojos de Alejandro
Amenabar, Here comes the flood y Humdrum.
Un año despues publica PG II, con la colaboracion en labores instrumentales
y de produccion del guitarrista de King Crimson (Robert Fripp). Canciones
como DIY, Mother of Violence , Awonderful day in a one way world y On
the air destacan en este album, asi como Exposure.
En los 80 publica segun mi opinion su mejor disco, el mas rompedor de esta
decada, PG III, con arreglos muy originales, ayudado por musicos de la
talla de Toñ Levin, Larry Fast, Peter Hammill, David Rhodes, Kate Bush o
Youssou N'dour, donde tambien participa Phil Collins. Este disco estaba
producido por Steve Lylliwhite (habitual de los primeros U2) y como
ingeniero de sonido Hugh Paghdam. Canciones que han quedado en el recuerdo
son GAMES WITHOUT FRONTIERS, BIKO, I DON'T REMEMBER, NOT ONE OF US, NO
SELF CONTROL etc, Games without frontiers (Juegos sin Fronteras) esta
inspirada en un programa de la TV francesa. A proposito de esta cancion,
viene a colacion lo que afirma el escritor Claudio Magris (nuevo Premio
Principe de Asturias de Las Letras): Uno necesita fronteras, porque
necesita limites, pero las fronteras tienen que ser porosas, como la
epidermis. La frontera te marca un limite del mundo, pero tambien es un
punto de contacto. BIKO en cambio, esta basada en la vida del lider
sudafricano, Steven Biko, que lucho contra el apartheid, y fue asesinado en
el 79 por el gobierno sudafricano. Esta cancion aparece en la pelicula Grita
Libertad dirigida por el cineasta Richard Attemborought. En esta misma epoca
colabora en el primer disco de Johnñ Warman, con el mismo equipo de PG III,
en la cancion Screaming Jets.
En el año 1982 graba PG IV, que en USA llevo por titulo Security, con
produccion de David Lord, y con Jerry Marotta a la bateria, Toñ Levin al
bajo, David Rhodes a las guitarras y Larry Fast a los teclados. Incluia
canciones tan ritmicas y potentes como Schock the monkey, I have the
touch, y The Rhythm of the heat ademas de otras muy sugerentes o
atmosfericas, como San Jacinto o Wallflower. En esta epoca surge su
interes o fascinacion por el mundo de los videoclips, iniciado con Schock
the monkey que alcanzara su punto algido unos años despues. Despues de PG
IV, realiza una extensa gira que es recogida en Peter Gabriel, Plays Live,
con la misma banda con la que grabo PG IV. Este disco ha sido recientemente
remasterizado, suprimiendo 4 temas de la edicion original, (The Rythm of the
heat, Not one of Us, Intruder y On the Air), lleva el subtitulo de
Highlights.
Participa tambien en el disco Mr HeartbreaK de Laurie Anderson, con la
cancion Excellent Birds (tambien en la edicion remasterizada de So) y en
la banda sonora de Philadelphia, con la cancion Love to town.
En 1986 lanza su album mas comercial SO, con produccion de Daniel Lanois
(habitual en los discos de U2), grabado en parte en Brasil, y con la
colaboracion de Jim Kerr, de Simple Minds en Red Rain; de Kate Bush en
Don't Give UP y de Youssou N'dour en In your eyes. Destacan los videos
de Sledgehammer y de Big Time.
En estas fechas comienza a dar forma a su proyecto Real World sobre musicas
del mundo. Antes habia compuesto la banda sonora de Birdy para la pelicula
de Alan Parker, basada en canciones de sus 4 primeros discos y graba ahora
la banda sonora de La Ultima Tentacion de Cristo (Passion), dirigida por
Martin Scorcese. Colabora en la Banda Sonora Again all odds, con Walk
through the fire y en el primer disco en solitario de Robbie Robertson,
(The Band), con dos temas, Fallen Angel y Brooken Arrow.
En 1992 publica US, con la participacion de un elenco extenso de musicos:
Brian Eno, William Orbitt, Sinead O'Connor, John Paul Jones (ex de Led
Zeppelin), Manu Katche y Shankar, pasando por instrumentistas etnicos como
Levon Minassiam, The Adzido o The Babacar Faye drummers. Sigue la estela
marcada por SO y destacan canciones como Digging in the dirt, Blood of
Headen, Steam, Kiss that frog, Fourteen black paintings o Wash on
the water. Despues de su grabacion se embarca en una extensa gira (SECRET
WORLD TOUR), que paso por España y quedo registrada en el disco Secret
World Live. En ella participaron entre otros Paula Cole, Papa Wemba, o Manu
Katche.
En los años siguientes ha participado en diversos proyectos, desde discos
homenaje hasta bandas sonoras. Asi, aparece en Tower of Song, un homenaje a
Leonard Cohen, con la cancion Suzanne; en el recopilatorio HITS de
Genesis, donde vuelve a grabar The Carpet Crawlers, con la compañia de los
antiguos miembros de Genesis, bajo la produccion de Trevor Horn o en la
BSO de Babe, un cerdito valiente, etc..
Reaparece en el 2000 en el disco Yoko, from the village to the city de
Youssou N'dour (This dream) y con OVO, banda sonora de un montaje musical,
que se representa en la Cupula del Milenio de Londres. Resulta un fracaso
comercial. Compone los temas del disco pero solo participa como solista en
Father & Son, y recurre a la colaboracion de Neneh Cherry, Elizabeth
Frasier (Cocteau Twins) Paul Buchanan (Blue Nile) o Richie Havens. En OVO se
unen la musica tradicional y la tecnologia. Segun parece estaba cansado de
la repeticion disco-gira-disco y se metio en este proyecto que le ha llevado
2 años, lo cual le ha distraido de UP. Este mismo año participa con una
cancion en la banda sonora de Red Planet (Planeta Rojo), haciendo una
version de la cancion de OVO: The tower that ate the people, a la que
añadio letra y nueva instrumentacion.
Cuando pensabamos que en el 2001 se publicaria UP, este se retrasa, pero PG
aparece en el tercer disco de Afro Celt Sound System (Vol. 3: Further in
Time), como invitado especial con el tema When you are falling y empieza a
componer la banda sonora de Rabbit Proof Fence... (Long Walk Home). Esta
pelicula protagonizada por Kenneth Bragath, dirigida por Phillyp Noyce
(Calma Total), cuenta la historia de 3 aborigenes que son secuestradas
por el Gobierno australiano, y que se escapan recorriendo Australia en un
trayecto paralelo a la rabbit proof fence (valla a prueba de conejos). Tiene
influencias de Birdy, Passion, y menos de OVO. La musica de RPF/LWH no se
puede desligar de las imagenes, es una banda sonora muy atmosferica y
envolvente, pero con mucho menos peso que Birdy o Passion. Coincidiendo con
la aparicion de UP se han remasterizado sus discos anteriores, incluyendo
mas material grafico, respetando en las caratulas el formato del vinilo
(edicion limitada).
Para UP, Peter Gabriel ha elegido entre mas de 90 canciones o 130 ideas. Up
recuerda a discos anteriores suyos en canciones com The barry williams
show que podria haber salido de US; No way out y Growing UP recuerdan al
PGIII-IV pero sin llegar a su nivel; Igrieve muy atmosferica, al igual que
Sky blue (de Long Walk Home). Una cancion interesante es More Than This,
muy ritmica, terminado la reseña con Signal To Noise, orquestal con la voz
de Nusrafet Ali Khan. Resulta ser un disco sobreproducido, al que le falta
la espontaneidad de PG III, PG IV o del Plays Live. Actualmente esta
realizando una gira GROWING UP TOUR que comenzo en el año 2003 y recalo en
Barcelona (España) en junio de este año. Para el 2004 ha decidido continuar
con su gira por Europa y America, vendra a España el 17 de Julio (Conciertos
del Xacobeo), ya que habia muchos lugares donde no habia podido actuar. De
la gira 2003 ha salido un interesante DVD Growing Up Tour. Sus ultimos
conciertos (2003-04) pueden conseguirse a traves de Internet (Encore
series). En concreto, PG actuo en el Rock in Rio que este año tenia lugar
en Lisboa, a finales de Mayo. Deciros que su actuacion fue muy interesante.
No incidio mucho en Up, sino que canto temas antiguos como Games without
Frontiers, Biko, San Jacinto, Solsbury Hill, Sledgehammer, etc.. Cuido mucho
el aspecto escenico: en Growing Up se introdujo en una esfera y salto
botando en el escenario; en GWF se deslizo en unos patinetes por el
escenario; en Sledgehammer se puso una chaqueta que se iluminaba cuando el
escenario estaba a oscuras. De temas nuevos toco Burn You UP Burn You Down
que quedo fuera de UP (solo estaba en su version promocional). Sonaron
Signal to Noise (con referencias a la guerra de Irak), Darkness, asi como
Red Rain, e In your eyes donde canto con un vocalista africano (Dady
Toure), etc.. La banda estuvo magnifica, con los incondicionalesToñ Levin
(bajo) y David Rhodes (guitarra), mas las incorporaciones de Richard Evans
(guitarra), Ged Lynch (Bateria), RachelZ a los teclados y su hermana
Melannie Gabriel a las voces de acompañamiento. El sonido muy bueno,
potente,robusto y energico.
Los rumores sobre nuevos proyectos de PG son variados, esperemos que no
tarden tanto como Up, y en lugar de hacer 3 discos, haga uno
bueno-excepcional. Estos nuevos proyectos (segun una entrevista
reciente- Michael Loesl - Noviembre 2003) incluirian Odds and Sods, algo
asi como un disco de rarezas o temas ineditos, que se venderia a traves de
la red, y que saldria en el 2004 ??. Otro proyecto es The son of OVO, el
Hijo de Ovo, donde El cantaria todas los temas de OVO. Este disco parece que
fue propuesto en lugar de su recopilatorio HIT, pero fue rechazado por su
compañia en America. En este disco ha trabajado con Stephen Hague. Un nuevo
proyecto es el llamado Big Blue Ball, donde ha trabajado con miembros de
Afro Celt Sound System (de ahi salio Burn You Up, Burn You Down), junto con
Karl Wallinger, David Bottrill y Stephen Hague. Espera, que salga a lo largo
del 2004. Finalmente, la realizacion de un nuevo album de estudio I/0,
continuacion de Up, basado en ideas-canciones que quedaron sin terminar en
las sesiones de UP. Como veis son muchos los proyectos en que anda metido.
A todos los que nos gusta su musica deseamos que alguno cristalize pronto.
Solo El lo sabe...??
Por ahora, me despido amigos cajeros... !Un fuerte abrazo a todos!
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