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La caja de musica Number 0509
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #509 noviembre 2003 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* The_Musical_Box_en_Paris
* Crucible: "Tall Tales" (1998)
* CSI (Consorzio Suonatori Indipendenti) : Ko de Mondo (1994)
* Concerto Grosso Live (2002)
* La historia de Ambrosia
* Ambrosia / "Ambrosia" (1975)
* Tonton Macoute (1971)
* Prog Astur.
* Tonton Macoute (1971)
* Musica comercial
* LCDM #504
* el 1ro. de ASIA MINOR
* 21st Century Schizoid Band
* Balance de un pequeno debate 1
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Autor: "Javi Herrera" <javih@ya.com>
Asunto: The_Musical_Box_en_Paris
The Musical Box en Paris, noviembre 2003
Hola a todos,
quizas alguna vez, si habeis perdido algun ser querido, hubieseis dado lo
que fuese con tal de poderos poner en contacto con el y verlo una ultima
vez.
Eso es, mas o menos, lo que nos ocurrio a los siete afortunados que fuimos
desde Barcelona a Paris a presenciar el concierto de "The Musical Box", a
nosotros y al resto de las 2000 personas que abarrotaban la sala "La Cigale"
de la capital francesa. Esta banda canadiense, cual medium, nos puso en
contacto con el viejo espiritu de los Genesis mas queridos por todos, los
Genesis de Gabriel.
Y es que no estamos hablando de una banda de versiones "al uso". El
espectaculo de "The Musical Box" es una replica milimetrica desde todos los
puntos de vista posibles (musical, decorados, vestuario, instrumentos,
puesta en escena, luces, atrezzo, sonido, repertorio, ambiente...) un
concierto de Genesis, en este caso uno de la gira del "Selling England by
the Pound" del 73, pero tambien lo han hecho con la gira del "Foxtrot" y la
del "The Lamb". La perfeccion de la copia llega a cotas tales que a
cualquier fan "viejo" de Genesis le resultaria complicado quien es quien a
primera vista, si le presentan un conjunto de fotografias mezcladas de ambos
grupos, solo siendo capaz de apreciarlo al fijarse uno en los rasgos fisicos
de los musicos. Si no me creeis, podeis echar un vistazo en
La Cigale es un antiguo teatro situado cerca del mitico "Moulin Rouge", un
buen lugar para este tipo de conciertos de formato mediano y que tanto
echamos de menos en Barcelona. Poco a poco el local se llena de un publico
mayoritariamente treintañero, es decir, gente como nosotros siete que quizas
conoce la obra de Genesis desde hace muchos años pero por razones de edad no
vivio su epoca dorada, aunque tampoco faltan algunos cuarentones que
probablemente si vieron a Gabriel y compañia en su juventud. Nos situamos a
unos cuatro metros del escenario, entre la bateria y los teclados. Vision
perfecta y sin demasiados agobios. En el escenario se divisaban algunos
objetos que tantas veces hemos visto en fotografias o videos: las pantallas
de proyeccion onduladas, la coleccion de guitarras, el bajo Rickembaker de
doble mastil reconstruido para ellos a partir de las especificaciones
originales como si se tratase de un duplicado para un museo, la bateria
Gretsch blanca con toms Premier, las mesas blancas en las que Gabriel dejaba
sus cosas, el bombo en el centro del escenario, el biombo circular que
Gabriel usaba para cambiar sus disfraces, los teclados blancos (un Hammond,
un mellotron - autentico -, un sinte ARP... y un teclado digamos
"contemporaneo", un Kurzweil o similar, pudorosamente pintado de blanco). La
carne de gallina antes de oir una sola nota.
El Tubular Bells original nos acompaño durante la espera, y cuando en teoria
iba a salir el telonero nos avisan que The Musical Box harian en breve su
aparicion, y confirmaban su actuacion para el año que viene (si alguien se
anima...)
Se apagan las luces. Los musicos, todos de blanco, salen al escenario a
oscuras. la gente se vuelve loca. Los musicos se situan discretamente en sus
posiciones. Afinan los instrumentos acusticos (hasta eso reprodujeron).
Comienza a sonar el mellotron con los primeros acordes de "Watcher of the
skies" y Peter (permitidme que me refiera a los musicos por sus
"pseudonimos") aparece en escena con su capa negra, sus alas de murcielago
en la cabeza y los dos aros fosforescentes en los ojos. En las pantallas de
proyeccion, dos ojos enormes nos miran (os aclarare que utilizan el set de
diapositivas original de Genesis).
No puede ser. Hemos vuelto a 1973. Yo tenia siete años...
El sonido es impecable. Si cierras los ojos, oyes a Genesis. Phil copia
mejor a Phil Collins que el propio Phil Collins. El sonido de la bateria es
identico. Las guitarras. Los teclados. La voz. Todo. Despues de la
correspondiente ovacion al final del tema, Peter aparece con una media
armadura con la bandera inglesa y empieza a hablar en frances, poco a poco,
como buscando las palabras. Onomatopeyas incluidas. Naturalmente esta
presentando el siguiente tema mientras los musicos afinan. Si habeis
escuchado el "Live in Montreal", sabreis que Gabriel se dirigia al publico
en frances en territorio francofono. Como hizo Peter... al fin y al cabo
estabamos en Paris, vendiendo Inglaterra por libras.
Los dos mil cantamos "Can you tell me where my country lies" y las delicadas
guitarras de "Dancing with the moonlit knight" fluyen. Peter, no lo he
mencionado, lleva la media calva frontal de Gabriel y cabello largo, no
obstante se nota que es una peluca y la calva, un casquete. No importa...
Steve esta un poco mas gordo, igual que Mike. Eh Phil, como es que te has
hecho un piercing? Hay que decir que Phil se parece bastante a Collins, si
hasta es zurdo el tio! Y, claro, canta; hace coros. Toni, te pareces mas a
Levin que a Banks, con esa cabeza al cero. El climax de "Dancing" con la
entrada del "chorus" es inenarrable. En la delicada parte final, con la
gente pidiendo silencio, Peter toma su flauta y toca aquellas notas un tanto
naifs...
"Cuidado, Javi, que no son ellos" - pienso. Y que? No se aclamaban las
interpretaciones que Artur Rubinstein hacia de la musica de Chopin, o las
recreaciones de Von Karajan con Beethoven, y tantos y tantos otros ejemplos
del mundo clasico, donde interpretar musica de otros es tan normal? Donde se
ha escrito que no se pueda hacer lo mismo en el mundo del rock?
Una nueva historia, ahora de Romeo y Julieta haciendoselo en un cine.
Naturalmente se trata de "Cinema Show", donde hasta Toñ toca su acustica y
rasga, como Banks treinta años antes. La seccion instrumental final, con
Steve y Peter fuera del escenario, es clavada a la version en estudio del
tema. Y cuando digo clavada quiero decir clavada. Incluso, tecnicamente
superior, ya que mejoraron mucho las dinamicas, un tanto planas para mi
gusto en el original.
Sale Peter tocado con un gorro y unas espigas en la boca. Suena un sonido
grave de sintetizador. Es "I know what I like", coreada por el publico (como
el resto de temas, claro). Y Steve toca el sitar electrico que Mike
Rutherford en persona les ha prestado para la gira.
Peter habla de cinco no se que... cinco, cinco... Toni ataca la intro de
"Firth of Fifth" que suena como si fuese tocada en un piano acustico real.
Es el teclado "contemporaneo" del que os hable antes. Entran todos. Como no,
suena increible y fiel, como siempre. El solo de Hackett clavado, pastado,
exacto, con el mismo sonido y el mismo feeling que el original.
La gente esta flipada. Se oyen gritos "Peteeeeeer!" y aullidos aislados de
emocion. Peter empieza a explicar algo de una cabeza que sale volando en una
partida de cricket... ya sabemos que la siguiente va a ser "The Musical
Box". Cuando al final del tema Peter sale con su mascara de viejo para
cantar "She's a lady, she's mine!" un escalofrio corre por la espina dorsal
colectiva de los 2000. "Why don't you touch me, touch me... Now, now, now,
now, now!" Peter delante del publico, con cinco flashes de luz iluminandole
la cara. Todos cantamos con el. La gente canta, salta.. todo el mundo se
sabe las letras de todo.
Siguiente sorpresa. Peter presenta a Phil y este deja la bateria, se pone
una americana blanca y con las manos en los bolsillos, como si tuviera
vergüenza, canta "More fool me"... igual que Collins. Esto ya es demasiado.
Uno de los siete viajeros no puede reprimir el grito, "Traidor!", dirigido
naturalmente al Collins original. Todos reimos...
Ovacion de gala para Phil.
Ritmo de marcha militar, todo el mundo batiendo palmas. Sale Peter
desfilando con una media en la cabeza. Se trata de "The battle of Epping
Forest", una vez mas puesta en escena con precision milimetrica.
Y si todo nesto no ha sido suficiente, Peter nos empieza a explicar que los
gusanos salen cuando llueve... que hay un viejo que silva una vieja melodia
(Peter y Phil silban juntos con ritmo de swing el himno hebreo "Jerusalem" y
al acabar se dan la mano) y tamborilea con los dedos en el suelo... cosa que
para los gusanos significa que la cena esta lista. La Cigale corre serio
peligro de venirse abajo.
Antes, Steve nos toca magistralmente "Horizons" y seguidamente todo el mundo
canta "Walking across the sitting room..." y el resto de los veinte minutos
de "Supper's Ready". Apoteosico el momento en que Peter se disfraza de flor,
o antes del apocalipsis, cuando la melodia de flauta, con la gente cantando
nasal (pareciamos el coro de esclavos de Nabucco :-) ) y por fin...
"Apocalypse in 9/8" que resulta absolutamente hipnotico cuando Peter aparece
con capa negra y esa especie de sombrero rojo en la cabeza (portada de
Genesis Live) y se empieza amover entre las cegadoras, que dan al momento un
aspecto fantasmagorico que resulta demoledor. "666 is no longer alone!"...
todo el mundo con el corazon en la boca. Por fin la musica se serena y Peter
canta: "And it's"... y Booom! hay una explosion en el escenario y Peter
aparece de entre una nube blanca, vestido de blanco inmaculado y
contoneandose canta "Hey babe with your guardian eyes so blue, hey my baby
don't you know our love is true...". Algunos creimos haber muerto y estar en
el cielo. Eche de menos la ascension al os cielos del Arcangel, pero por lo
visto es algo que Genesis solo han hecho un par de veces en su carrera y TMB
solo lo han reproducido unas pocas mas.
Finaliza "Supper's ready" ante el delirio colectivo. La gente bota, bate
palmas, canta, chilla... queremos mas. La banda se hace de rogar pero
finalmente aparecen para ejecutar un bis que estaba cantado. Me di el gusto
de chillar "The Knife!" con todas mis fuerzas (cuantas veces hemos chillado
"The Knife" en broma en conciertos, fantaseando con la idea de que la banda
de turno la tocara...) La gente la pedia en frances ("Le Coteau") y yo pense
"esta es la mia" y chille "El ganivet!" ("cuchillo" en catalan). Peter
anuncia el tema: "Le coteau" y Toñ ataca el ostinato de Hammond. Os lo
podeis imaginar... el tema se va desarrollando hasta la parte central, en
donde Peter toma de nuevo su flauta, Phil el pito (que se escucha en el
Live); el solo de Steve una vez mas impecable... y las puñaladas finales. El
final de un sueño hecho realidad. Pedimos mas y mas insistentemente, a veces
habian tocado "The fountain of Salmacis" como segundo bis, pero la banda ya
no salio.
Los siete, sin aliento, nos abrazamos, felices e incredulos por lo que
acababamos de presenciar.
Perdon por el rollo y la subjetividad, pero no os lo podia contar de otra
manera. Ahora podemos
polemizar sobre si una banda clon tiene o no valor, pero a mi me da igual.
Estos tios me han hecho pasar uno de los dias mas felices de mi vida.
Y os tengo que decir que, objetivamente, el concierto fue impecable desde
todos los puntos de vista; musicalmente yo creo que superan al Genesis de la
epoca (lo han reconocido ellos mismos), y el espectaculo esta estudiado,
como ya he dicho, al milimetro, con la ayuda de parte del personal original
que trabajo con Genesis en aquella epoca. Se han reproducido detalles tan
nimios como el monito de peluche que Collins llevaba en la estructura de
mecanotubo en donde colgaba sus percusiones. Es evidente que esta gente
saben lo que quieren y lo consiguen de sobras. Se trata de una produccion
superprofesional, costosa, que lleva de gira mundial unos cuantos años
(empezaron hace diez).
Solo unos pequeños detalles permiten distinguir original y copia: la bola de
billar de la cabeza del teclista, el teclado contemporaneo con el que por
ejemplo toco las percusiones de "I know what I like" y el ruido de puerta
que se abre y se cierra en medio de "Willow Farm", y el monitoraje de
auricular (por lo menos en el caso del teclista).
Este concierto permanecera en mi retina muchos, muchos años. Subjetivamente
hablando (y como solo he podido ver a Genesis en la gira del Abacab) es lo
mejor que he visto. Y "amenazan" con volver... con el The Lamb. Esperemos no
tener que volver a hacer 2000 kilometros para verlo.
Salud
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: Crucible: "Tall Tales" (1998)
Crucible: "Tall Tales" (1998)
Discografica: Autoproducido
Temas:
1. Over The Falls (7:07)
2. The Poet Liar (5:02)
3. Find The Line (4:07)
4. Lords And Leeches (11:23)
5. In Ancient Tongue (3:09)
6. The Salamander (4:54)
7. Land For Sale (4:50)
8. An Imp's Tale (21:17)
· Twice Upon a Time (3:49)
· Adrift (3:04)
· Stone Of The Wise (2:27)
· The Mortal Flaw (5:00)
· Nomad Brad (1:28)
· Release the Imp's (3:03)
· Day of the Hunting Dwarf' (2:19)
Duracion total: 61:48
Musicos:
- Chris Kasida: Bass Guitar
- Tim Horan: Piano, Organ, Acoustic Guitar and Flute,
- Bill Esposito: Lead Vocals,
- Toñ Cappellina: Drums and Percussion
- Dan Esposito: Lead and Rhythm Guitars.
Crucible es una banda americana que basandose en letras de autores conocidos
en narraciones fantasticas tipo como Tolkien, McCaffery, Moorcock o
Pratchett, interpretan un rock sinfonico setentero muy orientado a grupos
como Rush y Genesis, periodo "A Trick of the Tail" y tambien algo de Yes,
con la particularidad de un gran nivel interpretativo y compositivo y con
grandes dosis de Mellotron, que a bien seguro que hara dudar a mas de uno en
calificarlos "clones de".
Instrumentalmente descata Tim Horan que interpreta con gran talento el
teclado y la voz sublime de Bill Esposito que recuerda en todo momento a la
de Geddy Lee de Rush.
Destaca el epico cierre "An Imp's Tale" de casi 21 minutos de duracion, toda
una suite donde se agradece los constantes cambios y los momentos
teclisticos de "Release the Imps" y "An Imp's Tale", el solo de flauta de
"The Poet Liar" y la energia de ""Over the Falls".
Puntuacion: 7.5/10
Salu2 sinfoprogresivos
Juan
Crucible Website : http://www.ledfeather.com/crucible
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Autor: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Asunto: CSI (Consorzio Suonatori Indipendenti) : Ko de Mondo (1994)
CSI Consorzio Suonatori Indipendenti : "Ko de Mondo" (1994)
Discografica: CD/LP/MC - CD in formato por Black Out Records/ Phonogram
Temas:
1. A tratti (6:46)
2. Palpitazione tenue (4:10)
3. Celluloide (2:39)
4. Del mondo (4:40)
5. Home sweet home (3:40)
6. Intimisto (4:25)
7. Occidente (4:29)
8. Memorie di una testa tagliata (10:07)
9. Finistere (4:01)
10. Le lune du Prajou (3:26)
11. In viaggio (4:56)
12. Fuochi nella notte (di San Giovanni) (5:37)
Musicos:
- Giorgio Canali: chitarre disturbate
- Giovanni Lindo Ferretti: canto
- Francesco Magnelli: magnellophoni
- Ggianni Maroccolo: bass, attilio
- Massimo Zamboni: guitar
- Pino Gulli: drums
- Alessandro Gerby: percussion
invitados:
- Corale mistica dell'appennino cori
- Ginevra Di Marco: vocals(tracks 5,10)
- Marco Parente percussion (track 4)
Discografia:
En estudio:
- 1994 Ko de Mondo
- 1996 Linea Gotica
- 1997 Tabula Rasa Elettrificata
En directo y Compilaciones:
- 1993 Maciste contro Tutti CD - Live con Üstamamò e Disciplinatha
- 1994 In Quiete CD/MC - Live unplugged su VideoMusic
- 1998 La terra, la Guerra, una questione Privata 2LP/MC/CD digipak tiratura
limitata - Concerto in onore e a memoria di Beppe Fenoglio.
- 2000 Noi Non Ci Saremo Vol.1 & Vol.2
Un poco de historia:
Las siglas CSi de Consorzio Suonatori Indipendenti aparecen por primera vez
en 1992 de la mano de dos musicos Ferreri y Zamboni que anteriormente habian
tocado en una banda llamada CCCP.
Su primer album seria un directo titulado Maciste contro tutti, en 1994
editaria su primer album en estudio Ko de Mondo, grabado en Finisterre
(Francia).
Despues de otro directo, llegaria el album que segun las criticas se
eregiria como su mejor trabajo Linea Gotica (1995): donde cuentan con la
incorporacion definitiva de la cantante Ginevra Di Marco, que ya
anteriormente habia participado como invitada en dos temas del Ko de
Mondo.
En 1996 editarian su tercer album en estudio "Tabula Rasa Elettricata"
(1997) inspirado en un viaje a Mongolia por Lindo Ferretti y Zamboni.
Tras un descanso de tres años, en 1999 Ferretti e Zamboni iniciaron la
composicion de su cuarto album en estudio, pero disputas en el seno de CSI y
la marcha de Zamboni del grupo hacen que finalmente el album viera la luz en
el 2000 bajo la tutoria de Ferretti (Co.Dex, 2000)
El Album Ko de Mondo:
Los temas combinan la agresividad rockera que transmite temas como
"Celluloide" y "Home sweet home", con momentos intimistas como "Intimisto"
y "Palpitazione tenue" o temas reivindicativos y agresivos como "A tratti" y
agridulces como "Occidente" o violentas y desgarradoras como "Finisterre". o
atmosfericas y tribales como "Le lune du Prajou" donde interviene la que
seria mas tarde cantante solita Ginevra Di Marco
Pero para mi el mejor tema es sin duda "Memorie di una testa tagliata" un
tema semi-acustico registrado en directo... intimista y desgarrador cantado
por Ferreti como Alan Sorrenti, con un teclado matematico y mecanico y un
riff de guitarra agresivo y volatil.. acaba con un final triste de piano
clasico.
Conclusion:
Album que combina lo artistico con lo vanguardista, recuerda a los grandes
albums de I Pooh, Sorrenti, Camisasca, Battiato...no tan solo en su
composicion musical sino en el protagonismo del cantante Giovanni Lindo
Ferreti, autentico protagonista junto a su compañero Massimo Zamboni,
autenticos lideres de esta banda italiana de los 90's. Pero sin olvidarnos
tambien de su bateria Pino Gulli que deja bien claro con su buen hacer en la
bateria que es otro miembro indiscutible de CSI
Puntuacion: 7/10
Saludos inospitos progresivos
Juan
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Concerto Grosso Live (2002)
Vittorio De Scalzi/La storia dei New Trolls : "Concerto Grosso Live" (2002)
Formato: CD
Discografica: Avalon (MICP-10294)
Origen: Japon
Fecha de lanzamiento: Abril 9, 2002
Concerto Grosso n. 1
1. Allegro (Bacalov/Bardotti) - 2:35
2. Adagio (Shadows) (Bacalov/Bardotti) - 5:41
3. Cadenza/Andante Con Moto (Bacalov/Bardotti) - 4:31
4. Shadows (Per Jimi Hendrix) (Bacalov/Bardotti) - 5:41
5. In St. Peter's Day (De Scalzi/Salvi) - 4:19
Concerto Grosso n. 2
6. Vivace (Bacalov/Bardotti/D'Adamo) - 4:27
7. Andante (Most Dear Lady) (Bacalov/Bardotti/D'Adamo) - 4:15
8. Intro a Moderato (Bacalov/Bardotti/D'Adamo) - 1:05
9. Moderato (Fare You Well Dove) (Bacalov/Bardotti/D'Adamo) - 5:01
10. Le Roi Soleil (Bardotti/Belleno/Belloni/D'Adamo/De Scalzi/Di Palo) -
5:37
11. Una Miniera (D'Adamo/De Scalzi/Di Palo) - 4:16
12. Preludio/Signore, Io Sono Irish (De Andra/Mamerini/Reverberi) - 4:09
13. Wings (De Scalzi/Salvi) - 1:55
14. Dreams and Tears [*] (Belleno/De Csalzi/De Scalzi/Salvi) - 4:11
* Bonus track en la edicion de Poñ Cañon Korea (AVALON PCKD 20090).
Creditos:
- Orquestacion y arreglos de Maurizio Salvi y Vittorio De Scalzi
- Conduccion y direccion de Mauricio Salvi
- Vittorio De Scalzi: voz, teclados, flauta, guitarra clasica
- Alfio Vitanza: bateria, timbales, voz
- Roberto Tiranti: bajo, voz
- Andrea Maddalone: guitarra, voz
- Mauro Sposito: guitarra, voz
- Maurizio Salvi: teclados, oboe
Orquesta Filarmonica de Torino
Concerto Grosso Live es el segundo de dos discos grabados en vivo por el
fundador de New Trolls Vittorio De Scalzi y su grupo, y que fueran lanzados
al mercado en el 2001, un año de giras y conciertos por Italia que se
prolongaron hasta el 2002. El primer CD aparece con la leyenda la storia
dei New Trolls (Saar CD 22228), incluye viejas canciones de su discografia
y algunas mas recientes como Quelli come noi, Faccia di cane, La musica
che gira intorno (Il Sale Dei New Trolls, 1996).
Sin duda las obras definitivas por las cuales New Trolls es reconocido son
los Concerto Grosso n. 1 y n. 2. Dos piezas en las que destacan los arreglos
sinfonicos del compositor de bandas sonoras para peliculas, el señor Luis
Enriquez Bacalov, mezclados con la musica de rock progresivo italiano del
grupo, en forma de largas suites.
El album se complementa con cinco canciones mas (seis en la edicion
coreana):
In St. Peter's Day del album Searching for a Land; Le Roi Soleil, del
album Concerto grosso n. 2; Una Miniera, del segundo album titulado New
Trolls; Signore, Io Sono Irish, de su album debut "Senza orario, senza
bandiera" de 1968, y un corte nuevo llamado Wings.
Este album es un muy buen motivo para recrear(nos), y revivir aquellas dos
obras maestras de la experimentacion entre el progresivo italiano y la
musica clasica, a travas de esta version modernizada para grupo y orquesta.
A mi parecer tiene una muy buena produccion y goza de un excelente sonido,
que si no fuera por los aplausos que se escuchan del publico presente, diria
que se trata de una grabacion de estudio.
En otro aspecto, las disputas y problemas legales por los derechos del
nombre New Trolls entre Vittorio De Scalzi y Nico Di Palo, continuan hasta
la fecha. Posiblemente esa sea la razon del nombre tan largo y que confunde
un poco al potencial comprador del album. Pero en general da la idea de que
se trata de un disco de Vittorio De Scalzi interpretando canciones de New
Trolls con su nuevo grupo: La storia dei New Trolls. De hecho tambien
existe su contraparte musical y legal; el grupo Il mito dei New Trolls,
integrada por el guitarrista Nico di Palo (ex-NT), el tecladista Giorgio
Usai (ex-Nuova Idea), el guitarrista Ricky Belloni (exNT), el baterista
Alex Polifrone en sustitucion de Gianni Belleno (exNT)y Andrea Lavelli,
quienes aun no han editado nada.
Mencion aparte merecen los integrantes de la nueva agrupacion que participa
en este album; Vittorio De Scalzi, multi-instrumentista fundador de New
Trolls; Alfio Vitanza exbaterista de Latte e Miele; Maurizio Salvi, quien
fuera tecladista de New Trolls en tiempos de "Searching for a Land"; Andrea
Maddalone ex-guitarrista del grupo de Anna Oxa; Roberto Tiranti, de quien se
dice que es un joven talentoso dotado de grandes cualidades vocales, y Mauro
Sposito, un cantante guitarrista de gran talento.
Lo cierto es que, como se menciona en su biografia, Vittorio De Scalzi
primero con New Trolls y ahora con La storia dei New Trolls ha
acompañado la evolucion de la musica ligera en Italia. Y hoy, Vittorio De
Scalzi con sus nuevos compañeros de viaje, mantiene viva la tradicion y el
repertorio instrumental y vocal de un grupo que ha ingresado por decreto en
la historia del rock italiano.
Dara esto pie a que en un futuro proximo aparezca el Concerto Grosso n. 3?
Por ahora queda demostrado que la historia se repite.
Jorge Padilla L
Noviembre, 2003.
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Autor: emiliano acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: La historia de Ambrosia
La historia de Ambrosia : (Estados Unidos)
Ambrosia fue una banda norteamericana formada en 1971 en Los Angeles,
California.
Este cuarteto, cuyos miembros fundadores incluian al guitarrista/vocalista
David Pack, el bajista/vocalista Joe Puerta, el tecladista Christopher North
y el baterista Burleigh Drummond; fusiono el llamado rock sinfonico junto a
un elegante pop de calidad que sonaba excelente en aquellos anios '70, y a
pesar de ser una banda de "segundo orden" hicieron un par de discos
excelentes que aun resisten gozosas escuchas. El grupo fue descubierto en
1971 por el famoso conductor de la filamornica de Los Angeles, el senior
Zubin Mehta, quien incluyo a Ambrosia como una parte del concierto llamado
"All-American Dream Concert". Sin embargo, esto ocurrio mas de cuatro anios
antes de que el grupo consiguiera su primer contrato con una discografica.
Cuando esto paso, Ambrosia grabo su primer (y excelente) album debut
homonimo en 1975, que incluyo los exitosos singles "Holdin' on to Yesterday"
y el buenisimo "Nice, Nice, Very Nice". El ultimo estaba basado en una
novela de Kurt Vonnegut Jr.'s llamada "Cat's Cradle". Mas tarde, Alan
Parsons les produjo otro muy buen disco llamado "Somewhere I've Never
Travelled" y los convoco en su totalidad para participar en la grabacion del
primer disco del Alan Parsons Project, el famoso "Tales Of Mystery And
Imagination". Despues de esto, Ambrosia tuvo otro suceso en 1977 con un
cover del tema de Los Beatles "Magical Mystery Tour" incluido en la banda
sonora del film "All This and World War II". Sin embargo, luego de la salida
del grupo de su tecladista North, el sonido del (ahora) trio se "ablando"
convirtiendose en un simple pop de FM no muy inspirado que digamos, esta
tendencia predominaria en los ultimos dos discos de Ambrosia, los cuales
estan lejos del buen nivel y la inspiracion mostrados en las dos primeras
obras del grupo.
Siguiendo con la historia de Ambrosia, en 1978 obtienen un numero 3 en los
rankings con la cancion "How Much I Feel", y en 1980 graban otras dos
canciones exitosas llamadas "Biggest Part of Me" y "You're the Only Woman".
Sin embargo, su siguiente album fracaso, y luego en 1982 el grupo se separo.
Los miembros continuaron trabajando en sus carreras solistas, como
sesionistas, vocalistas o productores. Sin embargo, en 1996 intentaron un
regreso con Ambrosia que no tuvo demasiada repercusion.
Discografia:
- 1975 Ambrosia (Wea)
- 1976 Somewhere I've Never Travelled (Warner)
- 1978 Life Beyond L.A. (Wea)
- 1980 One Eighty (Warner)
- 1982 Road Island (Wea)
- 2002 Live at the Galaxy (Morada Music)
Emiliano M. Acevedo.
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Autor: emiliano acevedo <emilianoacevedo@yahoo.com.ar>
Asunto: Ambrosia / "Ambrosia" (1975)
Ambrosia : "Ambrosia" (1975)
1. Nice, Nice, Very Nice (Vonnegut) - 5:49
2. Time Waits for No One (Drummond/North/Pack/Puerta) - 5:01
3. Holdin' on to Yesterday (Pack/Puerta) - 4:19
4. World Leave Me Alone (Pack) - 3:17
5. Make Us All Aware (Drummond/North/Pack/Puerta) - 4:28
6. Lover Arrive (Pack) - 3:12
7. Mama Frog (Drummond/North/Pack/Puerta) - 6:06
8. Drink of Water (Drummond/North/Pack/Puerta) - 6:28
Aunque este grupo grabo algunas baladas en clave AOR como "How Much I Feel",
el primer disco de Ambrosia es un album de rock progresivo con pinceladas de
pop. Sus canciones incluyen impecables arreglos, tanto melodicos como
vocales ya que todos los miembros del grupo cantaban y muy bien. Los bellos
y poderosos ganchos melodicos y las armonias vocales abundan a lo largo de
todo el disco generando un debut de primerisimo nivel y con musica de gran
densidad "sinfonica". Un buen ejemplo de esto lo vemos en la cancion "Drink
of Water", un tema "epico" y "espacial", que suena (casi) como una atrayente
mixtura de Los Beach Boys mas Pink Floyd (!!!). Mientras que la memorable
"Nice, Nice, Very Nice", es un excelente tema muy ganchero y setentoso que
utiliza una combinacion de cerradas armonias vocales "standard" y dinamicos
cortes instrumentales; ademas la letra de esta cancion esta basada en una
novela de Kurt Vonnegut. La complejidad de la musica de Ambrosia en este
disco fascino e influencio bastante a los futuros trabajos de Alan Parsons,
quien ademas mezclo el disco anadiendole unos toques unicos como el uso de
la balalaika rusa y gongs javaneses en "Time Waits for No One". A pesar de
sus ambiciones progresivas, el grupo tenia un excelente buen gusto para
componer en clave "pop" y los arreglos melodicos terminaban siendo
verdaderamente muy bellos. Es por esto que canciones como "Lover Arrive" o
"Holdin' on to Yesterday" son, al mismo tiempo, delicadas y complejas piezas
pop, incluso "Time Waits for No One" recuerdan a los mejores temas de The
Hollies como los del disco "Confessions Of The Mind" pero en clave muy
progresiva.
Este caracter pop, tipico del grupo, lo convirtio en un producto mas
facilmente asimilable que la mayoria de sus congeneres, pero no por ello una
banda de insuficiente calidad, ya que el "cinematografico" sonido de
Ambrosia y sus bellas canciones eran de un primerisimo nivel. Y ese es el
resultado final de este primer disco del grupo, una obra lo suficientemente
intricada como para satisfacer a los fanaticos del rock progresivo, pero tan
atrapante y "cancionera" como para ganarse el carinio de algunos fans del
pop tambien. Sin lugar a dudas, "Ambrosia" fue definitivamente el mas
inspirado e interesante de los cuatro discos del grupo.
PERSONAL:
- Christopher North - Teclados, Voces
- Burleigh Drummond - Percusion, Bateria, Voces
- David Pack - Guitarra, Teclados, Voces
- Joe Puerta - Bajo, Guitarra, Voces
- Ian Underwood - Saxo
- Ruth Underwood - Marimba
- Jim West - Violin
- Andy Toth - Violin
- Keith Johnson - Violin
- Splash Price - Violin
- Chuck Girard - Violin
- Fletch Wiley - Violin
- Daniel Kobialka - Violin
- James Newton-Howard - Programacion de Sintetizadores
- Michael Granger - Programacion de Sintetizadores
- Tom Trefethen - Ingeniero
- Billy Taylor - Ingeniero
- Chuck Johnson - Ingeniero
- Alan Parsons - Ingeniero, Ingeniero de Mezcla
- Doug Sax - Masterizacion
- Freddie Piro - Productor, Ingeniero
Emilano M. Acevedo
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Tonton Macoute (1971)
TONTON MACOUTE : "Tonton Macoute" (1971)
Edicion original (LP): RCA-Neon, 1971.
Re-edicion (CD): W & W 007
Canciones:
1. Just Like Stone (T. Macoute) 6:32
2. Dont Make Me Cry (T. Macoute) 8:45
3. Flying South In Winter (T. Macoute) 6:23
4. Dreams (Knowles) 4:03
5. You Make My Jelly Roll (Knowles) 8:04
6. Natural High Part I&II (French) 10:54
Integrantes:
- Paul French Organo, Piano, Piano Electrico, Vibes, Vocales
- Chris Gavin Guitarras Electrica y Acustica, Guitarra Bajo
- Dave Knowles Saxo Tenor y Contralto, Clarinete, Flauta, Vocales, Saxo
- Electrico (pista 6 parte I)
- Nigel Reveler Bateria, Percusion
Por si tienes interes en saber, Tonton Macoute es el nombre que dan los
haitianos al espiritu maligno que acostumbra o acostumbraba robarse a los
nin-os de sus camas. Tambien era el sobrenombre de la nefasta y temida
policia secreta durante la dictadura de los Duvalier (padre e hijo) en esa
isla del Caribe.
La musica de los britanicos Tonton Macoute con justa razon esta considerada
dentro de las fronteras del rock progresivo de principios de los setentas,
seguramente debido a su capacidad y destreza en la composicion de las
canciones y en la ejecucion de los diferentes instrumentos de los que hacian
uso. Su sonido es una conjuncion de elementos de musica rock, blues y jazz
claramente definidos. Resalta el uso del piano y los instrumentos de viento,
asi como el bajo que juega tambien un papel importante en el desarrollo de
los temas. Las vocalizaciones remiten al blues blanco, como en Just Like
Stone; al jazz en "Don't Make Me Cry" o una combinacion de ambos estilos en
You Make My Jelly Roll. Flying South In Winter es una delicia
instrumental en la que brillan las notas de la flauta. Dreams es una pieza
corta pero no menos destacable por su bella melodia. Natural High,
dividida en dos partes bien diferenciadas, viene a ser como el testamento
musical de la banda, en la que los musicos hacen gala de todas sus
habilidades musicales.
Los Tonton Macoute son comparados con Led Zeppelin y Khan, no en el estilo
de esas bandas sino en la manera de sentir la musica, pero creo que eso es
relativo. De hecho, esta es una propuesta musical original que no necesita
de comparaciones innecesarias.
Dos detalles curiosos: La seccion de teclado al minuto 1:06 de la cancion
Natural High, suena muy parecida a la linea vocal cantada por Francesco Di
Giacomo con la palabra sirene en la cancion del mismo titulo incluida en
el album il 13 del grupo Banco.
Otro detalle es la flauta en la instrumental Flying South In Winter, que por
breves momentos suena parecida al tema Living in the Past de J. Tull (y
enseguida hay una parte que recuerda lejanamente al motivo melodico del
Bolero de Ravel mezclado con aires arabescos). Eso o tambien es posible
que me engañe mi febril y retorcida imaginacion.
El sello italiano Akarma ha reeditado este album en formato LP y CD, con el
arte de portada original de Marcus Keef (ref.: Black Sabbath, 1970).Tambien
existe una primera version en CD por parte del oscuro y desconocido sello
Witch & Warlock (CD's for the Chosen Few!), y otra muy posterior a la de
W&W, de Repertoire Records.
Y como se acostumbra decir en estos casos, este es un album de seis finas y
deliciosas canciones sin desperdicio. Una adicion garantizada a tu coleccion
de discos de edicion limitada, poco conocidos o dificiles de encontrar. De
escucha muy recomendable por sus cualidades en general y por las alturas que
pudo haber alcanzado este grupo de haber continuado grabando un segundo o
tercer album con musica de este calibre. Si aun no lo tienes y no lo has
conseguido, cuando tengas la oportunidad de escucharlo seguro que no te
decepcionara. Palabra de Tonton Macoute.
Jorge Padilla L
Noviembre, 2003.
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Autor: Alberto_Albas <ALBERTOALBAS@terra.es>
Asunto: Prog Astur.
Para Eduardo Garcia sobre prog Asturiano :
Yo tengo el CD de asturcon grabado de un vinilo (nunca se ha editado
directamente en CD). Hace poco se publico una review en la caja (mira el
archivo de criticas).
Se que hay otro grupo de los 70 en onda parecida llamado Nuberu pero menos
prog y mas folk.
Y el fanzine "El mellotron" en su numero 7, cita :
DANIEL VEGA :
Musico Astur que en 1976 publicara un maravilloso LP titulado "La noche que
precede a la batalla" (Movieplay-Gong 1976), con una fascinante portada obra
de Benito Moreno (...). En este disco el señor Vega (no confundir con Tomas
Vega) estaba bien arropado por musicos de Suburbano y Malasaña, (...) Un
excelente y atractivo folk progresivo con ciertas connotaciones
melancolicas.
No conzco mas (pero seguro los hay).
Alberto Albas.
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Autor: "Jorge Padilla L" <jopal02@hotmail.com>
Asunto: Tonton Macoute (1971)
ALICE : "Arretez Le Monde" (1972)
Polydor (Francia) 1972
Integrantes:
- Alain Suzan : Palabras y musica
- Paul Scemama : Guitarras, canto
- Luc Bertin : Piano, Moog, Mellotron, canto
- Alain Doudou Weiss : Bateria, percusiones, canto
- Ian Jels : Guitarras, canto
- Alain Suzan : Bajo, Guitarras, Flauta, canto
Canciones:
1. Introduccion
2. Salina
3. Arretez le monde (parte I)
4. Byzance
5. Il est
6. Arretez le monde (parte II)
7. Ouverture
8. Le roseau
9. Quelquun qui taime
10. Franky loiseau
11. Le cercle (parte I)
12. Le cercle (parte II)
Alice (nombre y esencia inspirados en la conocida obra de Lewis Caroll) fue
una banda francesa dirigida por Alain Suzan, su lider espiritual, quien
junto con Doudou Weiss son los unicos integrantes sobrevivientes de la
primera alineacion con la que grabaran su album debut en 1970, y por el que
son mas conocidos.
De este su segundo album, existe muy poca informacion y del tercero se dice
que es el mismo que el segundo, solo que cantado en ingles. Es una verdadera
pena que aun no este editado en CD, dada la calidad de la musica.
Introduction y Salina son dos piezas casi instrumentales, adornada con
algunos coros; la interaccion de la guitarra electrica y el mellotron
brillan conduciendo el tema en una sucesion de notas que se van
desvaneciendo en la distancia.
Arrêtez le monde (parte I), Este tema muestra el porque Alice eran
considerados la esperanza del pop progresivo frances con su primer album;
contiene una bonita melodia que invita a cantar. Destaca el juego de voces y
la pulsante guitarra.
Byzance es una pieza instrumental de tintes epicos, intensa y marchante.
Il est Es una bella pieza instrumental inspirada por la flauta y bien
acompañada por las notas orquestales del mellotron.
Arrêtez le monde (parte II). Es una breve coda instrumental con teclados y
guitarra.
Ouverture es precisamente una overtura instrumental que inaugura el lado
dos del LP y da entrada a la siguiente melodia.
Le roseau Es una intensa pieza de rock muy melodica con guitarra electrica
y piano y una poderosa base ritmica.
Quelquun qui taime Una emotiva balada con guitarras acustica y electrica
y un poco de teclados.
Franky loiseau Nuevamente la guitarra acustica con vocalizaciones y coros
contando la historia de Franky, el pajaro. Esto debe ser folk ingles al
estilo frances.
Le cercle (parte I y II). Una intro de flauta, la guitarra acustica y el
bajo dan pie a los cantos; luego un cambio de ritmo con teclados y guitarra
electrica y la base ritmica compuesta por el bajo y la bateria apoyando las
vocalizaciones. Una clara demostracion de la progresividad de Alice.
En definitiva un album de rock progresivo frances de muy buena factura, de
esos discos que te hacen feliz de saber que lo tienes a tu alcance para
escucharlo, siempre que te topas con el.
Mas Sobre Alice:
Desafortunadamente solo el primer album del grupo ha sido re-editado en CD
(www.lasercd.com), aunque es posible todavia encontrar la version LP
original de Arrêtez le Monde en algun sitio especializado con un precio
que varia entre $75 y $125 (dolares). Me parece imperdonable que la
discografica francesa Musea aun no lo tenga en su catalogo progresivo. Por
otra parte, en 1977 aparecio registrado el album Un Peu De Passe Dans
L'Avenir de Alain Suzan, en el que toca guitarras, bajo, sintetizadores,
teclados, vina damour, percusiones y hace coros. Ademas de contar con la
colaboracion de varios musicos invitados, entre los que destaca la
participacion de Alain Doudou Weiss tocando la bateria en seis piezas,
Paul Scemama, percusiones en dos piezas y haciendo coros en siete de ellas,
y Luc Bertin haciendo coros en seis piezas tambien, entre otros.
Discografia Alice:
1. Alice (1970)
2. Arretez le monde (1972)
3. All Ice (1972)
4. Un Peu De Passe Dans LAvenir (LP) Alain Suzan (Philips, 1977)
Jorge Padilla L
Noviembre, 2003.
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Autor: "marcelo olivera" <marceplus@hotmail.com>
Asunto: Musica comercial
Hola. Una ultima gotita sobre las distintas apreciaciones que tenemos Julio
y yo: el concepto "comercial", que he utilizado a veces en relacion con el
neo-progresivo -tal vez erroneamente-, no se refiere a una exclusiva ambicion
monetaria o persecucion de ganancias por parte de muchas bandas actuales. El
punto es que grupos (emblematicos o no) del genero realizan una musica -a mi
criterio- mucho menos elaborada de la que potencialmente podrian hacer, quizas
para acceder a ciertos mercados o para resultar mas faciles de escuchar o
"accesibles" (termino odioso, claro que si, la musica se disfruta
independientemente de su complejidad o sencillez, llega o no llega y eso es
todo).
Aun asi, buena parte de mi discoteca esta compuesta por cds de neo-prog que,
reitero, no considero un estilo "puramente mercantil" ni construido con el mero
afan de obtener dinero sino con cierto tinte o aroma comercial, por la razon
arriba expuesta. Esto no me impide disfrutar los discos que tengo ni escuchar
con buena predisposicion los que aparecen, ni provoca que me encierre en la
burbuja de los '70, pero todo en esta vida es comparacion y preferencia.
Por ultimo, creo que la mayoria de los adeptos (o adictos) al
progresivo tiene prejuicios, sean leves o marcados, contra la musica basura
(bailanteros, Bandana, Ricky Martin, etc.) y establece una antinomia entre lo
estrictamente comercial (MTV, Madonna, etc.) y el RPS en cualquiera de sus
subgeneros.
Saludos.
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Autor: "jacinto ignacio" <ldalberto@arnet.com.ar>
Asunto: LCDM #504
Estimados cajeros;
Respecto al tema de las encuestas, quisiera proponer una:
Por las decadas pasadas los tres mejores grupos de cada una de ellas desde
el origen del Rock, supongo que al ser cajeros todos opinaran sobre los
grupos sinfonicos, pero podriamos ampliar y proponer libre de estilo, si se
puede realizar mi opinion seria la siguiente:
Decada del 60:
Beatles
Rolling Stones
The Doors
Decada del 70:
Genesis
Pink Floyd
Led Zeppelin
Decada del 80:
Marillion
Dire Straits
Supertramp
Decada del 90
REM
Pearl Jam
Red hot chilli peppers
Decada del 2000:
cuando finalice
Envien las opiniones a LCDM o a mi direccion para recopilar.
Saludos a todos
Luis Jacinto
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Autor: CESAR INCA MENDOZA LOYOLA <cesarinca@americatelnet.com.pe>
Asunto: el 1ro. de ASIA MINOR
ASIA MINOR : "Crossing the Line" (1979)
Temas
1. Preface
2. Mahzun Gozler
3. Mystic Dance
4. Misfortune
5. Landscape
6. Visions
7. Withous Stir
8. Hayal Dolu Gunler Icin
9. Postface
Integrantes
- Setrak Bakirel: guitarras, voz y bajo
- Erik Tekeli: flautas, guitarras y bajo
- Lionel Beltrami: bateria y percusion
Invitado - Nicolas Vicente: teclados
Asia Minor es una de las bandas mas celebradas del movimiento progresivo
frances de los 70s... pero en realidad era un grupo de musicos turcos que se
junto inicialmente en su pais natal, para luego terminar radicando en
Francia. Comenzo como un quinteto que incluia dos miembros especificos para
las funciones de bajista y tecladista, respectivamente: tras el apartamiento
de estos, y dado que el grupo ya estaba ansioso por entrar en el mercado
discografico, Bakirel y Tekeli se turnaron en el bajo en la grabacion de
este su disco debut. Simultaneamente, para el departamento de teclados
recurrieron a la colaboracion de un invitado: este factor explica el hecho
de que las guitarras y las flautas ocupen un rol protagonico frontal,
mientras que los teclados se centran casi exclusivamente en texturas y
armonias sutiles, ademas de no aparecer todo el tiempo.
El repertorio llama la atencion especialmente por tres cosas: el aire
exotico destilado en las composiciones, los toques virtuosos y matices
evocativos de la flauta, y el predominio de sonidos asperos en las
guitarras. Ambos aspectos confluyen brillantemente en Preface, Hayal Dolu
Günler Icin, y sobre todo en el explosivo Misfortune (mi favorito de todo el
disco). Mahzun Gözler, que es el tema mas extenso, exhibe tambien estos
rasgos, pero aprovechando su duracion, incorpora una mayor variedad de
matices.
La faceta mas serena de Asia Minor esta reflejada en breves interludios,
como Mystic Dance y Without Stir; el breve tema de cierre Postlude consiste
en un reprise instrumental del motivo melodico inicial de Mahzun Gözler,
cancelando asi un disco lleno de nervio, inventiva y belleza. Solo me queda
recomendarlo a todos los amantes del progresivo sinfonico: hay muchas muchas
joyas escondidas como esta, que muestran que este genero fue un caldo de
cultivo bastante fructifero para la expresion de ideas musicales
interesantes.
Cesar Mendoza
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Autor: Benitez baena Alberto <abenitez@infonavit.gob.mx>
Asunto: 21st Century Schizoid Band
Saludos a todos los cajeros del mundo, sean Crimsonianos o no.
> Autor: Rafa Tintore
>Asunto: 21th CENTURY SCHIZOID BAND
> A lo H.G WELLS esta noche he hecho un viaje en el tiempo y he retrocedido
mas de 30 años y he soñado...
> Autor: Javi Herrera
> Asunto: 21th CENTURY SCHIZOID BAND
> Sobre el concierto, ni que decir tiene que fue una noche de musica brutal
y todos los que estuvimos presentes disfrutamos como locos. Las versiones
rayaron por lo general a gran altura
> Autor: PEDRO CAMPILLO
> Asunto: Reseña del concierto de la 21st Century Schizoid Band en
Barcelona
> Habia visto resurgir del letargo unas canciones fundamentales no solo en
el RSP, sino en la musica en general y es una experiencia que no quiero que
nadie mas se vuelva a perder, si este articulo convence a una sola persona
mas para que vaya a verlos, habra valido la pena el esfuerzo.
Magnificas las 3 reseñas de esta agrupacion que recrea rolas otro de los
dinosauros sagrados. Con un poco de maginacion fue facil asistir a ese
concierto gracias a sus viviencias que nos compartieron. ?Ya les he dicho
que tambien soy superfan de Crimson de los 70s, de Crimson de los 80s, del
Crimson de los 90s y del Crimson del nuevo siglo?. De mi parte ya estoy
esperando a estos Schizoides por si algun dia vienen a Mexico. Por lo
pronto estoy volviendo a oir Islands, In a wake of Poseidon, Lizard y por
supuesto el ITCOTCK debido a que recien adquiri unas CD-copias de ellos ya
que mis viejos discos de vinil y mis viejos cassettes estan muy gastados).
En los CD los KC se oyen como nunca los habia oido.
Ojala los Schizoides no vengan a dar un concierto a media semana como el
proximo concierto que dara King Crimson en la Ciudad de Mexico, porque me
pondre como Schizoide tambien :-).
> Starless.....si el cajero Alberto Benitez Baena le pudiera
dedicar una de sus explicaciones de las progresiones de
esta cancion le estaria muy agradecido.....
Claro que si, ya estaba esta en mi lista de pendientes :-)).
De hecho no he intentado el analisis porque aun no localizo el archivo MIDI
ni cuento con la partitura respectiva. Mis analisis los elaboro con
partitura en mano o visualizando la partitura que da el MIDI. Reconozco que
sin ellos (MIDI o partitura) soy como un pez fuera del agua debido a mis
limitaciones. Si algun cajero tuviera el archivo MIDI de Starless
agradeceria me lo envie/regale una copia a mi direccion personal, tambien
agradecere me indicaran algunas paginas donde atrapar esos escurridizos y
lustrosos y resbalosos y aceitosos MIDIS progresivos.
[Nota del Cajero: http://web.agria.hu/kepenu/ Es una buena fuente. ]
Saludos desde Mexico, D.F.
Alberto Benitez Baena
Noviembre 3, 2003
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Autor: SOljdG9yIE1hcmlvIEfzbW9yYSBNb3JhbGVz
Asunto: Balance de un pequeno debate 1
Hola a todos los contertulios.
No era mi deseo sacar hasta ahora este texto, pues lo adecuado es tratar los
asuntos cuando estan frescos, pero no me fue posible hacerlo entonces, e
incluso corro el riesgo de que algunas de las cosas que discutire a
continuacion no sean tan bien expresadas o desarrolladas como se deberia.
Bien, pues se trata del breve intercambio de ideas que tuviemos en los
numeros de LCDM 483 al 488 sobre la conceptualizacion del rock progresivo como
una forma que tiene la fuerza y expresividad del rock, empelando ademas
principios de desarrollo denominados progresiones. Ademas de los textos que
salieron en este foro en el intervalo de los numeros senalados, recibi otros en
forma privada con ideas muy buenas, y que tambien vale la pena comentar.
Por tal motivo, quiero compartir algunas reflexiones al respecto, lo cual
equivale mas o menos a un reporte actulizado de mis ideas sobre el tema, ya que
como siempre sucede, estas iran evolucionando a medida que se profudiza en la
investigacion.
Procedo por grandes temas.
I. SOBRE EL TERMINO "PROGRESION"
Como bien dijo uno de los cajeros en este foro, es usual emplearlo para
referirse a una determinada sucesion de acordes en un pieza. Por ejemplo, la
preciosa "Bad moon rising" de Creedence tiene en sus estrofas esta secuencia:
re mayor, la mayor, sol mayor y vuelta a re. En su estribillo o coro la
secuencia es sol mayor, re mayor, la mayor, y vuelta a re. Esa es su PROGRESION
ARMONICA, y aunque no tenga cambios a lo largo de la pieza, asi se le llama
normalmente. Desde esa perspectiva, dicha obra no guarda diferencia con "Close
to the edge", por ejemplo.
Sin embargo, el termino "progresion" tambien es usado para referirse a un
proceso de modificacion de elementos de una pieza musical. Es decir, no a una
secuencia determinada de acordes, sino a una modificacion de dicha secuencia, o
bien a otros elementos musicales como tempo, melodia, ritmo, etcetera. Aqui es
importante resaltar que esto implica un cierto desarrollo con algun principio o
idea general que guie tales modificaciones. Hace poco un excelente musico
progresivo de estas tierras lo explicaba asi (resumo su texto):
Tomemos "Yesterday" de Beatles. Tiene cuatro estrofas (letra A) y un coro o
estribillo (letra B), de modo que su estructura es A-A-B-A-B-A:
A (Yesterday, all my troubles...)
A (Suddenly....)
B (Why she...)
A (Yesterday, love is such...)
B (Why she...)
A (Yesterday, love is such...)
De una estrofa a otra no hay cambio de melodia, ritmo o armonia, solo la
letra. Es decir, no hay cambios estructurales. Lo mismo sucede con el
estribillo, que no es una variacion o desarrollo de la estrofa. Por tanto, la
pieza no es progresiva, a pesar de su aire sinfonico debido al arreglo de
cuerdas.
Pero ?que tal si hacemos lo siguiente? Cada vez que reaparecen la estrofa
(A) y el coro (B) se altera la armonia, pero conservando melodia y ritmo, de
modo que no suenen tan diferente. Y que esto no sea al azar, sino con un plan
que podria ser este: en la segunda aparicion cambiamos el primer acorde; en la
tercera cambiamos primero y segundo; en la siguiente, primero, segundo y
tercero; y asi sucesivamente, y haciendo lo mismo con B. "Habriamos aplicado
-concluye este maestro- una PROGRESION ARMONICA, por lo cual la estructura de
Yesterday seria progresiva y se representaria asi: A1-A2-B1-A3-B2-A4. Si
aplicaramos alteraciones ordenadas tambien a su melodia y a su ritmo,
estariamos haciendo de Yesterday una obra totalmente progresiva, ya que en
todos los elementos de su estructura predominarian las progresiones."
Como se ve, la expresion PROGRESION ARMONICA usada en la cita inmediata
anterior tiene un sentido diferente al que mencione al principio de este
apartado.
Y volviendo a la comparacion "Bad moon rising"-Close to the Edge, en la
primera se conserva la sucesion de acordes en estrofas y estribillo. En la
segunda (y por mencionar solo un aspecto) la primera estrofa (4:01 - 4:18) se
mueve sobre un solo acorde: la menor. Cuando reaparece (6:12 - 6:29) su
secuencia de acordes es la, Sol, la, si con 8 vueltas. Ademas, en el
multicitado articulo sobre esta obra, escrito por John Covach, se detallan
variciones en aspectos como la metrica, e incluso el maestro logro identificar
cual era el patron o idea general de estas.
?Cual sentido es entonces el correcto para el termino "progresion"? No creo
que sea esa la pregunta fundamental. En toda rama del quehacer humano existe
esta ambivalencia en los terminos. Uno de los correos que recibi en forma
privada resume magistralmente la situacion:
"Hay terminos tecnicos que tienen diferentes acepciones. El termino
'sincopa' designa a una nota que se articula en tiempo debil del compas y se
prolonga hasta uno fuerte; y tambien designa a una nota situada entre dos de
menor duracion. El termino 'clasica' designa por igual a una obra cuya forma es
pura, a una representativa de cierto genero, a todo un genero musical y a una
etapa especifica del mismo. No extrane entonces que el termino 'progresion'
tenga acepciones aparentemente diferentes. En realidad no tan diferentes,
porque si las vemos bien, es solo cuestion de grado. Y que sea cuestion de
grado no debe extranarnos tampoco: casi toda la musica 'occidental' usa doce
sonidos, por lo que toda ella daberia ser 'dodecafonica'; sin embargo,
reservamos el termino para una musica que sistematiza los doce sonidos en
cierta forma [aqui mi camarada se refiere sin duda a la musica de maestros como
Arnold Shoemberg]. La denominacion de grados ocurre tambien en arquitectura:
?cuantos adornos se necesitan para pasar de barroco a churrigueresco?"
Asi, volviendo a las piezas que estamos comparando, el hecho de que una
tenga una secuencia armonica fija y que la de la otra sea cambiante hace una
diferencia de grado definitiva. Ambas tienen sus progresiones armonicas (en el
primer sentido), pero la de "Close to the edge" se desarrolla. Y no es cosa de
ver cual secuencia tiene mas acordes, sino que haya un desarrollo en ella. En
fin, creo que esya diferencia de grado es (hablando en terminso de filosofia
dialectica) un salto de calidad; no creo que podamos decir que no importa. Y
reitero que aqui nos limitamos solo a los acordes.
Bien, de esto quiero desprender una conclusion importante: en estos ejemplos
recien citados (y otros con los que podriamos llenar este numero de LCDM) se
hace evidente que un termino puede ser compartido por cosas no exactamente
iguales, y sin embargo, en todos los casos puede ser correcto dentro de sus
parametros y (muy importante) sin que se pretenda nunca que solo uno de ellos
merezca usar dicha palabra. Eso si, cuidado con una cosa: esto no significa que
no debamos ser estrictos en el manejo de terminos y que cada quien los use como
quiera. Es solo que en el caso concreto que nos ocupa, ambos sentidos pueden
ser validos.
En resumen, si finalmente se concluye que el genero que nos ocupa es un rock
que se caracteriza por usar progresiones (en el sentido de mutaciones o
desarrollos), pues seria correcto llamarlo progresivo. NO PORQUE SEA LA UNICA
ACEPCION VALIDA DEL TERMINO "PROGRESION", SINO PORQUE SU APLICACION SERIA
CORRECTA EN ESTE CASO CONCRETO.
Asi pues, la estrategia de buscar un sentido TECNICO unico y exclusivo para
una palabra no me parece la respuesta al problema.
Y puse en mayusculas la palabra TECNICO porque es el sentido en el que lo he
tomado en todo lo anterior, y que me parece el enfoque correcto. Y esto lo digo
porque, como se recordara, en este foro se tambien se comento brevemente un
tercer sentido para PROGRESIVO, como "un termino de diferenciacion social".
Segun esto, deberiamos entender el termino "rock progresivo" como "rock para
gente progresista" o algo asi. Es evidente que tal idea, lejos de aclarar las
cosas, las complica aun mas. Por esa razon me permiti descartarla publicamente
en un texto anterior.
II. LAS PROGRESIONES EN EL ROCK PROGRESIVO
Espero haber dejado claro que la hipotesis que guia mis colaboraciones
anteriores es que el rock progresivo esta relacionado con el empleo de
progresiones, idea que tome de algunos maestros ya citados. Espero tambien ser
claro en que en tal idea se esta manejando progresion como mutacion o variacion
de modelos previamente establecidos; modelos que pueden abarcar algunos
compases o la estructura general de la obra. Creo que es buen momento para
abordar un tema que habia dejado de lado hasta ahora y sobre el cual tambien
recibi algunos comentarios en privado: en piezas claramente ajenas al
progresivo podemos hallar algunas variaciones que se ajustan al segundo
concepto de progresion explicado.
Asi pues me parece valido considerar la posibilidad de afinar la hipotesis
de modo que entendamos a nuestro genero como aquel en donde EL MANEJO DE
PROGRESIONES ES PARTICULARMENTE ACENTUADO O IMPORTANTE. Es decir, donde tales
mutaciones ya nos permitan hablar de un desarrollo en la pieza, y no haya solo
alguna variante ritmica o armonica en solitario. Esta tesis es coherente con la
idea que me enviaron, y con la que estoy de acuerdo, en el sentido de que son
diferencias de grado. Asi como en algun momento la "abundancia" de adornos nos
pasa del barroco al churrigueresco, la "abundancia" en el uso de progresiones
nos pasa de otro genero de rock (digamos el pop) al rock progresivo (RP). Y
aclaro esto porque, de acuerdo con estas tesis, no toda musica progresiva es
RP. Puede existir jazz progresivo, si este respeta sus principios basicos y
ademas empela progresiones.
Asi pues, una pieza de rock progresivo seria aquella que guarda elementos
del rock (particularmente la expresividad y fuerza, creo yo) y en la cual se
uso en forma relevante el sistema de composicion basado en progresiones. Como
consecuencia logica, un album seria considerado como "de rock progresivo" si la
mayoria de su material tiene estas caracteristicas. Precisamente por ello
actualmente no incluyo a la maravillosa "The wall" en tal categoria (ya escucho
las mentadas de madre). Y finalmente, un artista seria incluido en este selecto
grupo (estoy siendo ironico) si la mayor parte de su material tiene estas
caracteristicas.
Pues esa es la tesis que esta sujeta a investigacion. Y hasta ahora asi van
las cosas (para quien pueda estar interesado, claro). Como se recordara,
recibimos tambien la sugerencia de usar el termino "sinfonico", asegurando que
es mas facil de entender. Bueno, ademas de los inconvenientes que ya he
expresado para su uso, considero que debemos proceder lo mas objetivamente
posible y tratar de determinar, analisis en mano, cual termino es el mas
adecuado, independientemente de que sea o no el mas facil de entender. Como
sea, no se a que rumbos llevara esta investigacion en el futuro. Incluso es
posible que volvamos sobre nuestros pasos.
Sin embargo, aqui entra en juego otra vertiente del problema: para poder
determinar las caracteristicas del genero es necesario acercarnos a sus obras
representativas, y ahi hay un asunto de definicion metodologica. Cuales son las
representativas y cuales fueron incluidas por una extension del termino? Como
proceder para ubicar el universo de trabajo, al menos en forma aproximada? Para
no alargarme aqui y no postergar mas el envio de este mensaje, dejo ello para
una segunda parte de este intento de balance, en donde entraran cuestiones
incluso historicas, y algunos comentarios que recibi en privado fueron
sencillamente fascinantes.
Me despido por ahora. Suerte a todos.
Hector Gomora
Aguascalientes, Mexico
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