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La caja de musica Number 0386
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LA CAJA DE MUSICA
LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO
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LCDM: #386 septiembre 2002 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM
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* Y los conciertos?
* Camel "A nod and a wink" y conciertos
* Rush - A Farewell to Kings (1977)
* Close to the Edge: obra de arte
* Sobre Guillermo Cides en Radio 3
* Anglagard - Epilog (1994)
* Anekdoten - Nucleus (1995)
* Rush - Hemispheres (1978)
* Visible Wind
* White Willow - Ignis Fatuus (1995)
* Hoyry-Kone - Hyonteisia Voi Rakastaa (1995)
* sobre las reseñas
* Mi Votacion No Progresiva
* Landberk - Indian Summer (1996)
* Sinkadus - Aurum Nostrum (1996)
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From: "Jose Alejandro Barreiro Isabel" <jabi28@hotmail.com>
Subject: Y los conciertos?
Hola otra vez:
Chin.. (expresion tipica de Mexico), se me olvido lo de los
conciertos.
Pues de grupos progresivos internacionales hay en puerta dos, Rush en
Octubre y Focus en Noviembre. Sin embargo, despues de que no pudeir al de
P.F.M. por cuestiones laborales, ya no se si puedo asegurar con un buen grado
de certeza si podre ir a estos eventos. Espero poder ir a algunos de los dos,
por lo menos (si es que no ocurre la de males y no puede ir a ninguno).
Saludos
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From: "Jose Alejandro Barreiro Isabel" <jabi28@hotmail.com>
Subject: LDCM: Camel "A nod and a wink" y conciertos
Hola a todos:
Comentando el ultimo disco de Camel, "A nod and a wink", que acabo de
adquirir y escuchar, puedo señalarque en parte es una continuacion del
sonido de "Rajaz", pero incluye algunas sorpresas que en mi opinion no
son para nada desagrables.
En primer lugar, Andy Latimer vuelve a trabajar con otro compositor (el
trabajo de Susan Hoover es fundamentalmente en las letras), ya que dos piezas
son coautoria de Guy Le Blanc, lo que influye en que en el album tienen un
mayor peso los teclados respecto al anterior disco. Se mantiene en algunos
cortes el tono nostalgico y melancolico de los ultimos trabajos de de Camel, en
A boy's life y Simple pleasure, pero aparecen piezas "juguetonas", que manejan
un sentido del humor tipicamente ingles (algo ausente en los ultimos discos de
Camel), en Fox Hill (creo que un homenaje a progresivo setentero, y uno de los
mejores cortes del album) y en el "casi" instrumental" Squigely fair.
En mi opinion de admirador de Camel, trabajo es bastante bueno, aunque es
posibles que en una primera escucha algunos fans se lleven una sorpresa, que
tal vez a todos no guste. ¿Es mejor que "Rajaz"? Una dos o tres mas "oidas" al
disco, y tal vez pueda dar una opinion al respecto.
Saludos.
Alejandro BarreiroCharle con sus amigos
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From: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Subject: LCDM: Rush - A Farewell to Kings (1977)
Hola cajeros,
Rush - A Farewell to Kings (1977) Mercury/PolyGram
Componentes:
Geddy Lee : Bajo, sintetizadores y voz.
Alex Lifeson : Guitarras electricas y acusticas, sintetizadores.
Neil Peart : Bateria, percusiones y percusiones electricas.
Tras cerrar una etapa o ciclo con el Live "All The World's A stage" de 1976.
Rush empezaria su segunda etapa o ciclo con el "A Farewell to Kings"...
Lista de temas:
1. A Farewell to Kings (5:51)
2. Xanadu (11:08)
3. Closer to the Heart (2:53)
4. Cinderella Man (4:21)
5. Madrigal (2:35)
6. Cygnus X-1 (10:25)
"A Farewell to Kings", fue el primer album grabado en Inglaterra,
concretamente el septiembre de 1977, los teclados de Geddy Lee toman mayor
protagonismo en especial los sintetizadores, al mismo tiempo se nota una
mejor y mas cuidada produccion, siendo menos agresiva y mas sutil que la
primer etapa o ciclo de Rush, permitiendo distinguir mejor el virtuosismo
individual de cada uno de los tres musicos y en especial la seccion ritmica
formada por Neil Peart y Geddy Lee.
Otro aspecto a destacar es la mejorada voz de Gee que gana en claridad y en
detalles sonoros, lo que contribuye a que el album sea mas accesible que sus
predecesores.
"A Farewell to Kings" contiene dos magnificos e insuperables temas como son
"Xanadu" y "Cygnus X-1" y como no la popular "Closer to the Heart". Este
album perimitira a Rush ir de gira por primera vez a Europa, concretamente
fue el 12 de Febrero de 1978 en Birmingham Odeon de Inglaterra. La gira se
llamaba "Drive 'Til You Die Tour"
... ha comenzado la segunda etapa o ciclo musical de Rush, el que a mi
parecer fue la mejor y la mas creativa.
Puntuacion: 9/10
Salu2 progresivos
Juan
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From: Héctor Mario Gómora Morales <hgmorales50@hotmail.com>
Subject: LCDM: Close to the Edge: obra de arte
Saludos a los contertulios de LCDM
Este es un agregado a nuestra colaboracion anterior. Pretende ofrecer
argumentos en favor de la (para mi) obra magna de Yes como ejemplo
de maestria en la creacion musical. Para eso -insisto- no podemos
concentrarnos aspectos subjetivos, como la emocion que nos provoca (toda
obra que nos gusta tiene ese efecto), sino en lo que es objetivo, suceptible
de explicar y entender. La belleza en el arte rara vez se consigue
accidentalmente: hay que SABER crearla, y para ello hay principios.
Me apoyo en el articulo "Close to the Edge and the boundaries of style" de
John Covach, ensayo que pertenece al libro "Understanding rock:
Essays in musical analysis", y que estuvo disponible (solo el articulo)
durante algun tiempo en la pagina yesworld. Covach no es un neofito
como yo: es musico y profesor en la Universidad de Carolina del Norte (USA),
donde imparte la catedra de Rock. Su estudio no es solo una
intepretacion artistica-subjetiva, como lo es mi pasada resena sobre "Snow
Goose": es un analisis musicologico; o sea que se mete en la
estructura, las progresiones armonicas y ritmicas, las formas en que se
juega con los motivos melodicos e incluso la forma en que se
relaciona con la obra inspiradora: "Siddartha", de Hermann Hesse. Por la
longitud del ensayo y otras razones no puedo transcribirlo todo,
pero ! ! cito partes que me parecen basicas, y tratare de que no suenen tan
inconexas. Evidentemente no reproduzco las partituras de los
fragmentos que el autor cita como referencias, y trate de cubrir tales
huecos con referencias o descripciones. De vez en cuando meto
comentarios mios.
1. GENERALIDADES
En la primera parte Covach analiza el contexto historico y las
caracteristicas de lo que denominamos Rock Progresivo (RP). Desde la
segunda entra de lleno a la obra en cuestion y nos ofrece la estructura de
la misma:
INTRODUCCION
0:00 - 0:56 sonidos de rio y aves
0:56 - 1:21 bajo en escala ascendente en 3/8
1:21 - 2:00 obstinato de bajo, 9 vueltas y fermata
2:00 - 2:13 obstinato de bajo y guitarra, 2 vueltas y fermata
2:13 - 2:58 obstinato de bajo, luego escala ascendente y fermata
2:58 - 3:54 tema de "Close to the Edge"
SECCION A
3:54 - 4:22 introduccion y verso
2:22 - 4:53 verso y coro 1
4:53 - 5:24 puente
5:24 - 6:03 puente, coro 1 (se agrega "I get up...)
SECCION A'
6:03 - 6:33 introduccion y verso
6:33 - 7:09 verso y coro 2
7:10 - 7:24 puente
7:25 - 7:59 puente, coro 1 (se agrega "I get up...")
8:00 - 2:28 fugato de "Close to the Edge"
SECCION B
8:28 - 9:48 interludio estatico
9:48 - 10:35 verso
10:35 - 11:19 verso
11:20 - 12:10 verso
12:10 - 12:47 interludio de organo de iglesia
12:47 - 13:04 verso parcial
13:04 - 14:11 interludio de organo de iglesia y fanfarria
14:11 - 14:59 reiteracion del tema "Close to the Edge"
SECCION A''
14:59 - 15:30 verso instrumental (solo de organo), coro 2
15:30 - 15:52 verso instrumental (organo), coro 2
15:53 - 16:17 verso
16:17 - 16:33 verso
16:33 - 17:36 puente, coro 1 (con "I get up..." extendido)
17:36 - 18:38 sonidos de rio y aves desvaneciendose.
Para cada parte especifica la tonalidad (con lo que explica por que separa
asi las partes). Estos principios son basicos para todo el analisis
posterior.
2. SOBRE LAS REFERENCIAS "CLASICAS"
Vale la pena comentar el pasaje que Covah llama "Fugato de Close to the
Edge" (8:00 a 8:28), donde oimos al Tema Principal reptiendose en
sucesivas tonalidades ascendentes (eso es un fugato) sobre una figura de
bajo. Covach escribe: "...la sitara electrica y el bajo inician una
figura pseudo-barroca en Do [mayor] y se les une el organo de tubo
ejecutando tres referencias de una figura melodica; esta figura de organo
es una transformacion tematica del tema Close to the Edge (...) que entra
anteriormente en la pieza (...) Aunque este pasaje no puede
confudirse facilmente con auntentica musica barroca, la textura,
instrumentacion y contrapunto son una referencia clara al estilo barroco."
Agreg! ! a que tal referencia estilistica se observa tambien en la
introduccion de "Roundabout", el pasaje de piano de "South Side on the
Sky" o el solo de clavicembalo de "Siberian Khatru". Incluso comenta que
tales referencias estilisticas influyeron a que algunos academicos
usaran para Yes terminos como "Rock Clasico" o "Rock Arte".
3. ALGO SOBRE PROGRESIONES ARMONICAS
Covach emplea el termino "modo dorio" para describir la tonalidad de
algunas partes imporantes de la obra. Aclara que emplea este
termino porque no considera adecuado tomar estrictamente como refrencia de
analisis el sistema tradicional de armonia. De acuerdo con tal
sistema, dice, la progresion armonica de los versos en la obra (La mayor-Sol
mayor-La menor-Si menor) pareceria una desviacion de las
normas tonales. Pero agrega que desde mediados de los 60 esta progresion es
usual en los trabajos de rock, al grado de que ya constituye una
"norma estilistica", de modo si Yes hubiera usado el modelo ?clasico"
tradcional, entonces si se habria desviado de la norma. "Asi -dice
Covach-, se usa 'mo! ! do dorio' en este ejemplo para designar un ambiente
armonico que es tipico de la musica de Rock." Esto es importante
porque muestra que el RP no solo es escribir en forma "clasica", sino tomar
cosas de este estilo junto con otras aportadas por el mismo Rock,
donde tambien ya existen elementos propios. Esta forma de conjugar ambos
elementos en un nuevo concepto es -hasta donde voy percibiendo
cada vez mas- lo que constituye el estilo que nos reune en este foro.
Pero aun mas. Covach nos muestra que, a pesar de lo anterior, en ocasiones
tambien se puede emplear el sistema armonico "clasico"
tradicional, de modo que la creatividad artistica permite jugar con los
elementos de las dos corrientes originales (rock y musica artistica
europea). Dice: "Hay, sin embargo, otros pasajes en esta pieza que pueden
ser comparados satisfactoriamente con el modelo tonal usado
comunmente, y el abordar los procedimientos tonales tradicionales es un
componente basico para crear referencias, tanto estilisticas como
estructurales, a la musica clasica. Si recordamos el fugato de 'Close to the
Edge'(...) por ejemplo, uno puede ver de inmediato lo importante
que es que tal ! ! pasaje sea incluido en el contexto de la practica musical
artistica [o sea, la musica "arte"]. En el caso del fugato, es mas un
caso de combinacion contrapuntistica de elementos tematicos para crear la
referencia a la musica-arte, que un empleo abierto de canto y
armonia tradicionales; pero pueden citarse otros pasajes en los cuales se
recurre a la practica comun de canto y progresion armonica, y en los
cuales detectar su presencia juega un papel crucial en el establecimiento de
la referencia estilistica. Por ejemplo, los pasajes de organo de
iglesia que empiezan en 12:10 y 12:27 (...) son ejemplos claros de la
creacion de referencias estilisticas a la musica-arte, mediante el uso de
canto y armonia tradicionales."
4. SOBRE LA COMPLEJIDAD METRICA
Covach detalla como en el pasaje de verso que empieza en 3:54 la parte de
la guitarra esta en 12/8; y bajo y bateria, en 3/2. Continua
diciendo: "Como el escucha de rock tiende a tomar el tempo y la metrica de
los tambores y el bajo, no le sera facil escuchar esto en terminos
de polimetria (...) consecuentemente, quiza interprete las figuras ritmicas
de la sitara electrica y vocales como muy asincopadas (...) En el
regreso del verso al inicio de la seccion A (6:03) la disonancia metrica
adaptada (o al menos sugerida) en el pasaje anterior es desarrollada
aun mas. Mientras la sitara (y vocales) permanecen en 12/8, el bajo (y
bateria) estan ahora en 4/2." Pero el catedrático agrega que los ci! !
clos repetitivos de estos dos niveles metricos, en lugar de "ajustarse" se
comportan de otra forma: "las partes entran y salen de la
sincronizacion de acuerdo con un patron predecible; esto es, tras ocho
compases de 12/8 y seis de 4/2 las partes se unen de nuevo. A
diferencia del pasaje anterior, el escucha ahora tendra mucha dificultad
para reducir los patrones ritmicos en sitara y vocales a sincopas (...)
debido principalmente al la falta de un acento comun al principio de cada
tiempo (...) Tras la seccion B, la secion A regresa a los 14:59 con
un verso instrumental, que es el solo de Hammond de Rick Wakeman. Puede
notarse que Wakeman toma su metrica del bajo y la bateria,
que ahora estan de nuevo en 3/2, como antes. La guitarra electrica, tocando
la parte ejecutada antes por la sitara, permanece en 12/8. Tras el
solo de organo regresan las voces para el verso a los 15:53 y hay algunos
cambios importantes en este pasaje. El piano ! ! imita a la sitara y,
junto con esta y las voces, esta en 12/8. La parte del bajo es muy similar a
la linea de la segunda seccion A, excepto porque [Square] ha
?pulido? metricamente la figura, de modo que ya no esta en 4/2, sino en 3/2.
Este cambio, asi alinea la nueva figura con el inicio de cada
compas de 12/8. Mientras que antes la medida en 3/2 parece dominar, ahora lo
hace la de 12/8, o al menos actua en forma mas efectiva para
orientar metricamente al escucha."
No pierdo de vista que lo anterior puede ser complejo, y por ello esta
resumido. Mi intencion es: a) mostrar el grado de analisis de Covach,
b) dar idea de algunos de sus hallazgos, y 3) ejemplificar lo que, sospecho,
es un ejemplo de lo que se llama progresiones ritmicas o de
tiempo. (El RP se construye con progresiones ritmicas, melodicas, armonicas,
etc., de acuerdo con las ideas que tome de Jorge Alvelais,
Carlos Plaza, y el mismo Covach).
Es buen momento para citar una primera conclusion del maestro
estadounidense: "Comparando en secuencia estos cuatro pasajes de verso,
las tecnicas de variacion se hacen evidentes. Ciertamente no es raro en los
musicos de Rock rearreglar la instrumentacion de una pieza, de un
verso a otro, agregando partes o cambiandolas (...) Pero en "Close to the
Edge" observamos algo mas sofisticado que la mera construccion de
un arreglo; aqui se aborda toda unna idea musical. En la primera seccion A
se establecen (o al menos sugieren) los dos niveles metricos. En
la segunda (A') estos niveles establecen una clara di! ! sonancia metrica.
En la tercera (solo de organo, A'') hay un retorno a la estructura
metrica del primer verso; y en la cuarta (verso vocal, A'') se "reconcilia"
la disonancia metrica de la segunda parte y los elementos se alinean
metricamente. A lo largo de la pieza, por lo tanto, las secciones de versos
no retornan simplemente, sino que tambien SE DESARROLLAN;
y por supuesto, la variacion, de acuerdo con un determinado principio de
desarrollo, es un rasgo comprobado en mucha musica artistica de
los siglos XVIII y XIX. Vemos asi, al extender estos cuatro versos en unos
15 minutos de musica, una estrategia de desarrollo a gran escala
que involucra una conocida practica musical artistica. Es importante
resaltar tambien que la musica contenida en este desarrollo no hace
referencia estilistica a la musica clasica en la superficie; mas bien es al
nivel de la estructura a gran escala en donde se encuentra esta
referencia." [Las mayusculas son cursivas en el original].
5. OTROS ASPECTOS ESTRUCTURALES
Una cosa interesante: el Tema Principal (tema "Close to the Edge", le llama
Covach) se presenta (o sea, aparece por primera vez) en la
introduccion (a los 2:58) y es ejecutado ahi cuatro veces: en Re mayor y Re
menor alternadamente. Reaparece al final de la seccion B (14:11)
en una forma "cambiada, pero facilmente identificable". Y luego Covach
suelta la perla: "El regreso del Tema de 'Close to the Edge' al final
de la seccion B y la transformacion del material que lleva a ese retorno
constituye una recomposicion de la ultima parte de la
introduccion..."
[Interrumpo el texto de Covach, para un parentesis aclaratorio: el maestro
llama nuestra atencion a un motivo de medio tono ascendente
tocado por la guitarra y que aparece en 0:58. Son dos notas mi-fa repetidas
descendiendo una octava cada vez (digamos, trastes 12 y 13 de la
primera cuerda, 5 y 6 de la segunda, 2 y 3 de de la cuarta y 0 y 1 de la
sexta y luego de regreso. Este ciclo se ejecuta varias veces en una
secuencia rapida y uniforme). Pues bien, este sencillo motivo es retomado
por Wakeman en los dos inteludios de organo que constituyen el
climax de la parte B (12:10 y 13:04) pero ahora el medio tono es
descendente: fa-mi. Cierro parentesis]
Sigue Covach: "El regreso del motivo de medio tono, tanto traspuesto como en
su ubicacion original en el diapason, constituye una
reiteracion significativa de la primera porcion de la introduccion."
Establece entonces el catedratico la existencia en la pieza de un esquema
aun mas general, en dos partes, y agrega: "Considerando, ademas, la tonica
comun de Mi que comparten la introduccion y la seccion B, el
esquema general de dos partes se hace mas atractivo analiticamente de lo que
parece en un principio. Ademas, el regreso final de la seccion
A puede entederse como un retorno distante a las primeras dos secciones A,
de modo que el solo de organo actua como regreso a la primera;
y los versos vocales, como regreso a la segunda. El analisis metrico
explicado antes tiende a apoyar esta interpretacion de la seccion A fina! !
l: los versos instrumentales corresponden metricamente a la primera seccion
A; y los versos vocales, a la segunda."
Sigue: "Esta divison en dos grandes partes de 'Close to the Edge' es
similar a la de otras piezas de este album y de 'Fragile'. 'Hearth of the
Sunrise' inicia con una rica introduccion instrumental, y esta regresa y es
desarrollada con nuevo material. 'And you an I' incluye un retorno
a la introduccion de guitarra, y este actua claramente como division en un
esquema general de dos partes. A pesar de estas similitudes en el
diseno estructural, ninguna obra anterior de Yes alcanza la escala y
complejidad de "Close to the Edge", y en este sentido, el trabajo
representa un nuevo punto de llegada en terminos de un diseno en la forma
-un punto hacia el cual (...) parecian estar apuntando los trab! !
ajos anteriores."
Que diantre de viejos, no?
Despues de consideraciones como las anteriores cobra sentido pleno un
comentario de Jon Anderson (en 1973) que Covach cita en la
introduccion del articulo, y que ayuda a profundizar en el concepto de RP:
"Somos musicos de rock que toman prestadas ideas de los clasicos
- a veces emulamos la forma estructural, asi como [otros] grupos de rock
emulan el jazz, el soul, y el rhythm and blues en su musica...
Tratamos de crear musica que en la actualidad esta a nuestro alrededor en
una forma orquestal."
6. LA PERSPECTIVA LITERARIA
Veamos solo una parte. A juicio de Covach, la estructura de "Close to the
Edge" guarda relacion con ciertos temas basicos en la novela de
Hesse, que narra la vida de Brahmin Siddartha de los 18 a los 60 anios, y en
donde resaltan dos topicos: el contraste entre el mundo espiritual
y el material, y la idea de que la unidad de todas las cosas es
experimentada en un reino eterno. La novela se divide en tres partes en las
cuales Siddartha experimenta la vida del asceta, la del mundo material y
sensual y el iluminamiento por el rio, que, segun Covach, "actua
como símbolo de eternidad a lo largo de la novela, y es la imagen central
alrededor del cual se desarrolla la historia." Afirma de inmediat! !
o que no debemos entender la pieza de Yes como una reproduccion de la novela
o algun personaje. Ahora cito largamente al maestro:
"Jon Anderson ha negado siempre cualquier responsabilidad de que sus letras
narren siempre una historia o impliquen alguna perspectiva
filosofica. Mas bien (...) la pieza profundiza en la dialectica de lo
fisico-material versus lo espiritual-intelectual, y (...) ademas captura un
aspecto de eternidad que es basico en la novela. Empecemos por considerar el
contraste entre las secciones de verso y puente. Cada verso esta
en un tono La dorio; la melodia del canto queda a cargo de la voz [pues a
veces la parte llamada 'canto' de una pieza es instrumental], y como
se dijo antes, hay una cierta tension ritmica y metrica. Las secciones de
puente, en contraste, estan en tonos mayores (aunque en dif! ! erente
tono cada vez) y con una melodia [canto] mucho mas convencional en la voz;
no hay una inusual tension ritmica y la progresion armonica
sugiere un eficaz empleo de la forma tradicional en el canto. Podemos,
entonces, considerar que el [los] verso[s], en cierta forma, evoca[n] un
reino material caotico y quiza primitivo. La letra de estas secciones tiende
a reforzar esta interpretacion; considerese, por ejemplo, la
siguiente cita del verso de la seccion A:
Una hechicera reseca pudo llamarte desde los abismos de tu desgracia
y redisponer tu higado para la verdadera gracia mental
y alcanzar todo con musica que vino velozmente de muy lejos
luego prueba el fruto del hombre, perdida inscrita, apremiado por el tiempo
Estas imagenes tienden a centrarse en la perdida del ser entre la confusion
de la existencia material, contrastando 'los abismos de tu
desgracia' con la perspectiva de alcanzar 'la verdadera gracia mental'.
Quiza, como en la novela, la 'musica que vino rapidamente de muy
lejos' es el sagrado Om, pronunciado por el mismo rio.
En contraste, la letra del puente tiende a involucrarse mas con imagenes de
una vision mas elevada y simple:
Superando todas los momentos en que debi preocuparme
dejando muy atras todos los cambios
relajamos la tension solo para averiguar el nombre del maestro
Luego el coro sigue:
Hasta el final, tras el recodo,
cerca de la orilla, junto al rio,
las estaciones te rebasaran,
asciendo, desciendo;
ahora que todo esta concluido, ahora que encuentras, ahora que eres el todo
En el puente la tension del material caotico queda 'muy atras' y la
iluminacion se alcanza 'al averiguar el nombre del maestro'. En el coro
aprendemos que todo esto ocurre 'cerca de la orilla, junto al rio', y que en
esta vision eterna 'las estaciones te rebasaran'. La recurrente linea
'asciendo, desciendo' podria referirse a las alturas y abismos de la
experiencia humana; ciertamente, en la novela de Hesse, Siddartha
experimenta ambos en todo su dolor y gloria."
Y hasta aqui.
Quisiera emular aquella larga polemica acrecentada (no generada) por el
tristemente celebre "incomunicado". Creo que una de las mejores
conclusiones que se obtuvieron de aquella fue sintetizada en un mensaje que
decia, mas o menos, que si deseamos hablar de las cualidades de
una obra o artista, no podiamos emplear argumentos como "porque es
bellisimo", sino que detallaramos sus meritos objetivamente. Coincido
con ello y con esa idea elabore esta propuesta.
Solo deseo reiterar que la historia no es una cosa dada, ni para bien ni
para mal. Nosotros la hacemos. Bach o Mozart no sobreviven ni
porque en su tiempo fueran famosos ni reconocidos (que no lo fueron) ni
porque merecieran la eternidad (que sí la merecen), sino porque
hubo quienes trabajaron para que no fueran olvidados. En este mundo uno no
obtiene lo que merece, sino aquello por lo que se lucha. Covach
cierra su trabajo afirmando que el estudio del repertorio progresivo esta en
sus inicios y que aun falta mucho trabajo para dar a Jethro Tull,
Genesis, ELP, King Crimson o Gentle Giant el lugar que, muchos afirman,
merecen como compositores de gran merito. Yo no tengo los
conocimientos de! ! Covach y no puedo tomarle la palabra, pero la difusion
es casi tan importante como la creación y en ello puedo
participar.
Me despido.
Hector Mario Gomora Morales
Aguascalientes, Mexico
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From: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@navegalia.com>
Subject: LCDM: Anglagard - Epilog (1994)
ANGLAGARD : "EPILOG" (1994)
Formacion:
Mattias Olsson, drums, percussion
Johan Hogberg, bass
Thomas Johnson, Hammond, Mellotron, keys
Jonas Engdegard, guitar
Tord Lindman, guitar
Anna Holmgren, flute
Tems:
1. Prolog - 2:00
2. Hostsejd - 15:32
3. Rosten - 0:14
4. Skogsranden - 10:48
5. Sista somrar - 13:10
6. Saknadens fullhet - 2:00
La pregunta es: cual es mejor Hybris o Epilog?, pues cada uno tendra su
opinion al respecto, pero lo que esta claro es que los que piensen que
Epilog, por ser mucho menos conocido que Hybris, es bastante inferior
van muy equivocados. En mi opinion, si con Hybris revolucionaron la
escena progresiva de los 90 (junto a sus compatriotas Landberk y
Anekdoten, no lo olvidemos), con Epilog crean un estilo totalmente nuevo
y actual. Quizas un album un poco mas complejo que Hybris, pero mas
perfecto.
Por desgracia el grupo se disolvio incluso antes de que apareciera este
album en el mercado, al parecer por diferencias musicales entre sus
componentes, y no tengo ni idea de donde han ido a parar sus
componentes, a excepcion de Mattias Olsson que estuvo una temporada en
White Willow.
Epilog es totalmente instrumental, todo un acierto pues las voces no
eran precisamente lo mas destacable de Hybris. Las influencias ya casi
no se notan, siendo ya este un album totalmente de sonido Anglagard.
El grupo continua rayando la perfeccion en cuanto a instrumentacion,
sobretodo el bateria Mattias Olsson cuyo trabajo es todavia mas
espectacular que en Hybris.
La cantidad de sensaciones que desprenden los tres temas principales
(Hostsejd, Skogsranden y Sista somrar) es indescriptible, rock
progresivo de puro sentimiento, folk nordico, musica clasica, pasajes
oscuros y goticos, Hammonds potentes, flautas delicadas, enigmaticos
mellotrones, guitarras agresivas, coros femeninos angelicales, en
definitiva, contrastes entre fragmentos tormentosos, dinamicos,
virtuosos y de mucha fuerza, con otros suaves de gran belleza y
sentimiento.
Finalmente los dos temas de dos minutos que abren y cierran el disco,
Prolog y Saknadens fullhet, no son menores en absoluto, son dos piezas
clasicas entre barrocas y goticas, de suma belleza.
Para mi una obra maestra, y uno de los dos o tres discos definitivos del
progresivo de los 90.
Puntuacion: 10/10
Ferran Lizana
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From: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@navegalia.com>
Subject: LCDM: Anekdoten - Nucleus (1995)
ANEKDOTEN : "NUCLEUS" (1995)
Formacion:
Peter Nordins, percussives
Jan Erik Liljestrom, bass, voice
Nicklas Berg, guitar, Rhodes, clavinet, pump organ, Mellotron, voice
Anna Sofi Dahlberg, cello, Mellotron, voice
Invitados:
Helena Kallander, violin
Tommy Andersson, Rhodes
Temas:
1. Nucleus - 5:08
2. Harvest - 6:50
3. Book of Hours - 9:58
a. Pendulum Swing
b. The Book
4. Raft - 0:58
5. Rubankh - 3:07
6. Here - 7:23
7. This Far From the Sky - 8:47
8. In Freedom - 6:27
En este segundo album las influencias de King Crimson y otros quedan mas
diluidas, creo que Anekdoten ya tienen sonido propio en este album.
Respecto a Vemod hay mas contrastes en este album, siendo las partes
duras, mas duras que en Vemod, y las partes suaves, mas suaves.
En este disco se acuso al grupo de desviarse hacia el grunge supongo que
por el simple hecho de que algunos temas son mas duros y sucios, pero
nada de nada, Nucleus es la perfecta evolucion del sonido presentado en
Vemod, y continua siendo rock progresivo.
Para mi en este album hay dos temas que rozan la perfeccion, y que para
mi estarian entre los mejores de la decada pasada. La suite Book of
Hours, cuya primera parte podria ser perfectamente una influencia de las
bandas post-rock como Godspeed You Black Emperor! o Sigur Ros, y una
segunda parte muy sinfonica mellotroniana. El otro seria el melancolico
Here, con influencias de Talk Talk, con la caracteristica suave
atmosfera de pump organ, un tema de una sensibilidad y una belleza como
pocos, con cellos y violines estremecedores.
Los demas tambien geniales. Algunos bastante duros como Nucleus o
Harvest; un tema muy oscuro y duro influenciado por Magma, Kyuss y King
Crimson, Rubankh; This Far From the Sky, un tema con ritmos muy
dinamicos herencia de Primus, ademas de pasajes bastante duros y otros
mas melodicos y mellotronianos.; e In Freedom un precioso medio tiempo
con un ritmo casi de Bossa Nova, y melodias de violines y vocales, que
tambien podria pasar por un tema post-rock.
En definitiva, uno de los mejores discos progresivos de la pasada
decada, y desde el punto de vista creativo, el mejor album de Anekdoten.
Puntuacion: 10/10
Ferran Lizana
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From: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Subject: LCDM: Rush - Hemispheres (1978
Hola Cajeros,
Rush - Hemispheres (1978) Mercury/Polygram Producido por Rush y Terry Brown
Componentes:
Geddy Lee : Bajo, sintetizadores y voz.
Alex Lifeson : Guitarras electricas y acusticas, sintetizadores.
Neil Peart : Bateria, percusiones y percusiones electricas.
Lista de Temas:
1. Cygnus X-1 Book II "Hemispheres" (18:05):
I. Prelude (4:27)
II. Apollo Bringer of Wisdom(2:36)
III. Dioñsys Bringer of Love (2:00)
IV. Armageddon The Battle of Heart and Mind(2:55)
V. Cygnus Bringer of Balance (5:01)
VI. The Sphere A Kind of Dream (1:02)
2. Circumstances (3:41)
3. The Trees (4:46)
4. La Villa Strangiato (An Exercise In Self-Indulgence) (9:36):
I. Buenas Noches, Mein Froinds! (:27)
II. To sleep, perchance to dream ... (1:33)
III. Strangiato Theme (1:16)
IV. A Lerxst in Wonderland (2:27)
V. Monsters! (:26)
VI. The Ghost of the Aragon (:36)
VII. Danforth and Pape (1:41)
VIII. The Waltz of the Shreves (:26)
IX. Never turn your back on a Monster! (:11)
X. Monsters! (Reprise) (:14)
XI. Strangiato Theme (Reprise) (1:04)
XII. A Farewell to Things (:15)
"Hemispheres" es la prolongacion de "A Farewell To Kings". La clase y
calidad de los musicos explota en el formidable instrumental "La villa
Strangiato" llena de complicados cambios ritmicos y melodicos, destacando en
especial Neil Peart, simplemente alucinante y Alex Lifeson que se muestra
muy expresivo con la guitarra.
En definitiva estamos ante el album mas progresivo de la carrera de Rush, un
clasico.
Destaca tambien la continuacion de Cygnus X-1 book II dividida en seis
partes donde se desarrolla una historia basada en el mito de Apolo,
protector de las artes y el jefe de las Musas, se trata de la contienda
entre Apolo y su antagonista Dionisos, la batalla entre la sabiduria y amor
que finalmente un astronauta llamado Cygnus del siglo 20, que a traves de un
agujero negro llega a los tiempos griegos, resuelve.
Puntuacion: 9/10
Salu2 progresivos
Juan
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From: "Juan Mellado" <progjuan@hotmail.com>
Subject: Visible Wind
Hola cajeros
Visible Wind - Barb-à-baal-a-loo (2000) Cranium Label
Componentes:
Stef Geysens: Teclados y vocal
Luc Hebert: Bateria
Louis Roy: Bajo y pedales
Denis Champoux: Guitarras
Lista de Temas:
1. Vladivostok (0.25)
2. The Healer (6.38)
3. Maniaquerie (4.46)
4. Barb-a-Baal-a-Loo (3.09)
5. Hollow Emptiness (3.03)
6. Mal Brook (1.32)
7. Lost Ideas (3.08)
8. Dans le vide (6.19)
9. Qui seme le vent.. (3.55)
10. Neandertal (8.06)
11. Visages de sable (1.56)
12. Recommencement (3.09)
13. Freed Again (4.01)
Quinto album de estos canadienses originarios de Quebec, parte francesa de
Canada, llamados Visible Wind, que nos ofrecen en esta ocasion un album
complejo y experimental respecto a su insuperable trabajo anterior
"Narcissus goes to the Moon". Empieza el album con 4 temas seguidos
dominados por el caos, guitarras duras algo Metal Progresivas y con voces
distornionadas en "Hollow Emptiness" que me recuerdan algo a Radiohead; "Mal
Brook" es un corto instrumental con aparicion de flauta que hace de puente
hacia el tema 7 con el que ya nos adentramos en partes mas melodicas y la
primera aparicion de Mellotron, Hammond e instrumentos de viento, Los temas
8 y 9 son dos baladas cantadas en idioma frances y para cerrar el album hay
4 temas mas en la onda que nos tiene acostrumbrado Visible Wind en sus
anteriores trabajos.
Esta agrupacion Canadiense participaron en el festival BAJA PROG 2002, y
parece ser que no tuvieron mucho exito en directo.
En definitiva nos encontramos con un album complejo al inicio y melodico en
sus 3/4 partes siguientes.
Puntuacion: 7/10
Salu2 progresivos
Juan
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From: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@navegalia.com>
Subject: LCDM: White Willow - Ignis Fatuus (1995)
WHITE WILLOW : "IGNIS FATUUS" (1995)
Formacion:
Jan Tariq Rahman, keyboards, recorders, crumhorn, kantele, sitar, bass
pedals, bass, vocals, devices
Tirill Mohn, violins, classical guitar
Audun Kjus, flutes, whistles, pipes, bodhran, vocals
Sara Trondeal, vocals
Eldrid Johansen, vocals
Jacob C. Holm-Lupo, guitars
Alexander Engebretsen, bass
The Drummer, drums and percussion
Con muchos musicos invitados que contribuyen con baterias, bajos,
cellos, cuerdas, guitarras y tenores.
Temas:
1. Snowfall - 6:30
2. Lord Of Night - 7:13
3. Song - 2:03
4. Ingenting - 3:14
5. The Withering Of The Boughs - 7:16
6. Lines On An Autumnal Evening - 4:52
7. Now In These Fairy Lands - 5:28
8. Piletreet - 1:47
9. Till He Arrives - 3:30
10. Cryptomeñsis - 11:37
11. Signs - 2:04
12. John Dee's Lament - 11:00
Primer disco de este gran grupo noruego de sonido propio, que mezcla el
rock progresivo sueco de los 90 con folk, musica pastoral, ambientes
goticos y oscuros y un ligero toque medieval.
Las influencias serian entre otros, Landberk, Anglagard, King Crimson,
Fairport Convention, PFM, Joni Mitchell, Nick Drake, Gryphon, los
Genesis de Trespass, los Jade Warrior mas pastorales, Dead Can Dance o
Antonius Rex.
Todo el album es bastante acustico y ambiental, aunque no atmosferico,
muy tranquilo y reposado, sin practicamente explosiones de fuerza,
siendo este el grupo mas suave y relajado del progresivo actual. Digamos
que White Willow combinan perfectamente musica electrica con musica
acustica, todo ello presidido por las melodias vocales de la voz
angelical de Sara Trondeal y de Eldrid Johansen.
Lo mejor estaria en los dos temas de 11 minutos Cryptomeñsis y John
Dee's Lament, magistrales y llenos de emocion, combinando rabia
contenida, oscuridad gotica, belleza y sensibilidad. Tambien Lord of
Night es otro tema impresionante, con pasaje de cierta fuerza,
mellotrones y un gran solo de teclado. Snowfall es un precioso tema con
dulces melodias vocales. Y The Withering Of The Boughs es un tema muy
suave con atmosferas de mellotron, pero que se anima al final con un
fragmento muy celta y sinfonico.
Los demas temas de puro folk como Song, otros mas pastorales y acusticos
con bellas flautas como Ingenting, Till He Arrives, Signs o Lines On An
Autumnal Evening, con exquisitos coros femeninos igual que en Piletreet,
o mas electricos y ritmicos como la melodica Now In These Fairy Lands.
En resumen, un album de espectacular belleza y sensibilidad.
Imprescindible.
Puntuacion: 9.5/10
Ferran Lizana
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From: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@navegalia.com>
Subject: LCDM: Hoyry-Kone - Hyonteisia Voi Rakastaa (1995)
HOYRY-KONE : "HYONTEISIA VOI RAKASTAA" (1995)
Formacion:
Jukka Hannukainen - vocals on Raskaana and Hyonteiset, synths,
programming
Teemu Hanninen - drums
Tuomas Hanninen - guitars
Jussi Karkainen - guitars, pump organ
Nina Lehos - oboe
Topi Lehtipuu - vocals, violin
Marko Manninen - cello
Jarno Sarkula - bass, pump organ
Temas:
1) Orn. 3.58
2) Raskaana. 3.10
3) Ha"ma"ra"n joutomaa. 7.07
4) Pannuhuoneesta. 2.08
5) Luottamus. 4.30
6) Kaivoonkatsoja. 4.00
7) Kosto. 5.57
8) Ha"ta". 3.42
9) Myrskynmusiikkia. 6.46
10) Hyo"nteiset. 3.13
Hoyry-Kone son otra banda escandinava de mediados de los 90, pero en
este caso vienen de Finlandia, posiblemente la mejor banda finlandesa,
por lo menos, de los 90.
Hoyry-Kone tienen ciertas influencias de los grupos suecos pero son muy
diferentes de los Anglagard y compañia. Hoyry-Kone son una banda
unica, de estilo bastante inclasificable y diferente de cualquier otra.
Las influencias yo diria que podrian venir de King Crimson, Magma,
Isildurs Bane, Samla Mammas Manna, Landberk y Mr. Bungle. Algunas de las
variedades estilisticas que encontramos serian, RIO, musica tecno-dance,
ritmos bossa nova, guitarras muy duras, musica de cambra y algun toque
de musica arabe. Buen humor combinado con ambientes siniestros y
oscuros.
Hay que significar la peculiar forma de cantar de Topi Lehtipuu, de un
estilo operistico.
Algunos temas son impresionantes como la violenta Kaivoonkatsoja, donde
contrastan las guitarras frippianas, los oboes y los violines tipo
Isildurs Bane. Kosto un tema mas tranquilo entre King Crimson, Magma,
Landberk y musica arabe. Hata con guitarras distorsionanrtes estilo
Landberk, y algun toque frances a lo Edhels. Y la brutal
Myrskynmusiikkia, con guitarras duras y ritmos dinamicos.
El resto mucha variedad. Temas en una onda entre Samla Mammas Manna y
Magma como Orn, con voces operisticas. Hamaran Joutomaa es un tema
bastante RIO con toques kingcrimsonianos y arabes. Pannuhuoneesta es un
tema con ritmos bailables, entre tecno e industrial. Y Ritmos bossa nova
en Luottamus, un tema algo cercano a King Crimson, con toque jazz.
Como curiosidad, el titulo del album significa "es posible amar a los
insectos".
Un disco esencial y una banda sorprendente que habria que tener muy en
cuenta.
Puntuacion: 9/10
Ferran Lizana
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From: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@navegalia.com>
Subject: LCDM: sobre las reseñas
Hola
Muy brevemente, tan solo quiero significar que celebro que los cajeros
Alejandro y Francisco Sevilla, hayan hecho algunos comentarios, ademas
muy interesantes, sobre algunas reseñas que he hecho ultimamente.
Creo que los que escribimos reseñas habitualmente es lo que siempre
esperamos, algun mensaje que complemente nuestras criticas añadiendo
valiosa informacion, o alguna otra opinion del disco en cuestion ya sea
favorable o desfavorable, que inicie un interesante debate sobre el
mismo, o simplemente otra reseña del album.
Tambien me alegro que Lluis Bonet se decida por hacer reseñas,
excelentes por cierto, de las novedades discograficas. A ver si se
animan otros.
Por cierto, Alejandro, creo que al hablar del grupo Brainstorm, te has
equivocado cuando dices que su primer album se llama Brainbox y son
precursores de Focus.
El grupo al que te refieres se llama Brainbox, igual que el album, y es
la banda donde empezaron Jan Akkerman y Pierre Van der Linden antes de
entrar en Focus. Brainstorm es otra banda, alemana creo, de la que no
conozco nada.
That's all. Adeu.
Ferran
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From: Matell <matell@telnor.net>
Subject: LCDM: Mi Votacion No Progresiva
Hola cajeros.
Respondiendo a la Propuesta de Jordi, que me parece una oportunidad para
conocernos un poco mas fuera del gusto por lo sinfonico progresivo, estos
son los discos no progresivos que a mi mas me gustan.
hago breves comentarios de cada uno sin pretender violar la politica de este
foro.
1. Furniture - Food Sex and Paranoia. (1989)
Estupenda banda Inglesa de la decada ochentera que se dio a conocer con
canciones como "brilliant mind" y "Shake like judi says" y que en Food Sex
and Paranoia hicieron piezas fantasticas como "one step behind you", "love
me", "Slow motion kisses", etc. Aunque es un quinteto pop-new wave que
ademas incluia a dos mujeres en su formacion (Bajo y Piano, excelentes y muy
virtuosas), manejaban exquisitamente todos los instrumentos especialmente
los dos tocados por las mujeres, que dicho sea de paso SI que saben no solo
de progresivo sino de muchas cosas mas (Y no es por quedar bien con ellas).
Este grupo manejo el Jazz, el Folk y el RnR con excelentes "progresiones"
(sobre todo en la bateria) y unos arreglos dignos de admiracion dentro del
genero Pop en el que fueron etiquetados. Una banda fuera de este mundo. A
los verdaderos amantes de la buena musica (al estilo de Roxi Music) yo se
los recomiendo si es que llegan a encontrarlo.
2. Alphaville - The Breathtaking Blue (1987)
Esta para mi gusto es una joya del pop moderno Aleman de finales de los
ochentas, producido por Klaus Schulze, no es el clasico techno-pop-dance que
muchos imaginan, es un pop muy bien elaborado con estupendos arreglos, pop
sinfonico?. solamente el tema "For a million" vale todo el disco, sin
menospreciar los otros 9 temas que tambien son estupendos, "Middle of the
riddle", "she fades away" etc. Al igual de Furniture, Alphaville maneja los
teclados y el bajo como todos los buenos musicos teutones.
De aqui en Adelante sin Orden de preferencia.
3. Extremoduro - Rock Transgresivo (1994)
La reedicion del album editado originalmente en 1989. Este album es uno de
mis favoritos no progresivos aunque ya hemos hablado aqui en la caja en
alguna ocasion del album "Pedra" (con acento en la a) y de lo progresivo que
se antoja. "Rock Trangresivo" con canciones como: Decidi, Romperas,
Jesucristo Garcia, Adios abanico que llego el aire, caballero andante,
componen una injusta eleccion tal vez considerando a muchos otros discos de
rock duro de grupos como Los Suaves, Barricada o Rosendo. La participacion
de Iñaki Uoho (Platero y tu) en esta reedicion del Rock Transgresivo de
Extemoduro lo hiciero mi favorito.
4. Caifanes, "El Nervio del Volcan" (1994)
Yo tambien estoy de acuerdo con Robert Quesada, Este orgullo mexicano
alternativo (no pop) que no deja de cantarle a la muerte, hizo un gran
trabajo con "El Diablito", pero "El silencio" me parecio aun mejor, y con
este album "El Nervio del volcan", Caifanes demostro que siempre fueron
superandose y cada trabajo siempre fue mejor que el anterior, para mi gusto.
5. Tam Tam Go! - Vida y Color (1992)
Sin que me tiren hostias, No tengo mucho de decir de este trio, solo se que
si gustaron en U.K. fue por algo y no solo porque empezaron cantando
excelentemente en ingles, aunque "vida y color" es un album totalmente en
castellano, para mi es el mejor que hicieron, y uno de los mejores discos
del pop Español. Que guitarras!, Que arreglos!.
6. Robi Draco Rosa - Vagabundo (1996)
o Arcoiris de Lagrimas (1997) de Javier Corcobado.
Cualquiera de los dos, digamos que es un Dos en Uno.
la brutalidad de los delirios descritos con poesia y una musica
alternoelectrofunky magistralmente ejecutada con una serenidad muy
particular. ??? que ??? aja!, pues eso. Por cierto, recuerdan a Menudo?, ah
pues Robi es un ex-menudo y para colmo el autor de canciones como La Copa de
la Vida, Maria, Livin' la vida loca, y otros exitos que catapultaron a Ricky
Marketing. Pues... Nada que ver, primero escuchen Vagabundo y se
sorprenderan.
En cuanto a Corcobado, que se puede decir que no sepan los que saben. Que es
un poeta desquisiado de chatarra urbana.
7. Def Leppard - Hysteria (1987)
Dificil eleccion teniendo la potencia metalera de "High & Dry" y "Pyromania"
como antecedentes. Pero hysteria fue un icono de las generaciones
alcoholescentes de los ochentas. Mucho tuvo que ver quiza el hecho de que
todos aceptaron adoptar como suya y adaptarse a la perdida del brazo del
bateria Rick Allen para crear un album que tuvo sencillos como pocos en la
historia. "Hysteria", "Women", "Animal", "Armagedon it", "Sugar on me", y la
infaltable "Love Bites"
8. Boston - Third Stage (1986)
Que sonido!!!, que experimento tan perfectamente bien realizado, que
melodico y cachondo album.
No se que tanto mas buenos les parezcan los dos anteriores pero yo me quedo
con este.
9. Enigma - 3 (1997)
Uff! Creo que este iba hasta arriba, Cretu es un genio, todo lo que ha hecho
me fascina (incluyendo los discos de su esposa Sandra) pero este en especial
me desquebraja, me llega tan adentro que aveces siento ganas de llorar (no
me albureen esos paisanos eh?) Que manera tan inigualable de retratar con la
musica a los seres humanos y de describir su trivial existencia. Han visto
el DVD? Para aquellos que les gusta Enigma y que pensaban que las canciones
no podian ser mejores, escuhenlas viendo esas imagenes.
10. Sandra - The Long Play (1985)
Aqui es donde la burra torcio el rabo, jejeje. Todos tenemos un defecto no?.
De hecho por ella conoci a Cretu y me enorgullece tener la discografia
completa de Sandra. Ni hablar!.
Joder! Me falto el de los Tucanes de Tijuana o el del Recodo Mix, pero ni
hablar solo habia cupo para 10 discos.
Victor Manuel Tellaetxe
Tijuas Mex.
P.D. lo del tucanazo es broma eh?.
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From: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@navegalia.com>
Subject: LCDM: Landberk - Indian Summer (1996)
LANDBERK : "INDIAN SUMMER" (1996)
Temas:
Humanize (6:07)
All Around Me (9:03)
1st Of May (3:34)
I Wish I Had A Boat (5:41)
Dustgod (5:04)
Dreamdance (4:49)
Why Do I Still Sleep (7:55)
Indian Summer (5:12)
Formacion:
Stefan Dimle - Bass
Reine Fiske - Guitars
Patric Helje - Vocals
Jonas Lindholm - Drums
Simon Nordberg - Keyboards
Invitados:
Sara Isaksson - Vocals (#7)
Lotta Johansson - Saw (#1)
Sebastian Oberg - Cello (#4)
Tercer album de Landberk, donde evolucionan en su estilo, alejandose
algo del progresivo y adentrandose en terrenos mas indies y alternativos
americanos, aunque siempre conservando su personalidad.
Este album, mas que de rock progresivo, lo podriamos considerar pop-rock
oscuro, tetrico y siniestro con atmosferas sinfonicas y de mellotrones.
Me parece un album inferior a los anteriores, pero creo que tambien es
un muy buen album, aunque probablemente no guste a los que busquen
sonidos progresivos, virtuosismo y estructuras complejas.
Temas muy buenos hay bastantes como Humanize, All Around Me, Why Do I
Still Sleep y Indian Summer, todos ellos muy sosegados y tenebrosos, y
la mas ritmica Dreamdance con mellotrones y guitarras afiladas.
Del resto, el mas dinamico 1st of May esta bastante bien, I Wish I Had a
Boat tiene buenas atmosferas de mellotron, pero las melodias vocales me
gustan menos, y Dustgod es un tema demasiado pop y comercial que no me
acaba de cuadrar en un album de Landberk.
Por desgracia es el ultimo album del grupo que aparecera, puesto que se
separaron a principios de esta decada.
Tal vez se hayan decantado demasiado por estructuras mas simples, pero
hay que entender su evolucion como coherente, habiendo escuchado sus
anteriores albumes. Muy buen disco, pero inferior a los anteriores.
Puntuacion: 7.5/10
Ferran Lizana
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From: "Ferran Lizana Abat" <rockomic@navegalia.com>
Subject: LCDM: Sinkadus - Aurum Nostrum (1996)
SINKADUS : "AURUM NOSTRUM" (1996)
Formacion:
Rickard Bistrom - bass, vocals, guitar
Fredrik Karlsson - keyboards
Mats Svensson - drums
Lena Petterson - cello
Robert Sjoback - guitars
Linda Johansson - flute, vocals
Temas:
Snalblast [18:28]
Manuel [11:06]
Agren [16:51]
Attestupan [12:04]
Pocas palabras hacen falta para explicar como suenan estos suecos.
Suenan igual que Anglagard, digamos que es como si Anglagard no se
hubieran separado y continuaran con otro nombre.
Esta claro que la originalidad del estilo de Sinkadus deja mucho que
desear, aunque tambien es cierto que el sonido Anglagard todavia estaba
todavia poco explorado, y tampoco copian nada. En definitiva creo que, a
pesar de la poca innovacion, Sinkadus son un gran grupo capaz de hacer
excelentes discos.
Sinkadus exploran la faceta mas melodica, pastoral y tranquila de
Anglagard, adentrandose mucho menos en la faceta dura, virtuosa y
tormentosa de aquellos, habiendo muchos menos cambios bruscos.
Los cuatro temas son muy buenos y todos tienen un sonido muy Anglagard,
rock progresivo, sinfonico y musica pastoral, con sus melodias de
flautas, mellotrones, organos y guitarras, y todo el ambiente oscuro y
siniestro tipico de Anglagard. Todos los temas son cantados aunque
predominan las partes instrumentales.
Resumiendo, un muy buen disco que realmente vale la pena, a pesar de que
no aporta mucho a nivel creativo.
Puntuacion: 7.5/10
Ferran Lizana
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